Resenha da obra O Pomar de Cerejeiras. Anton Chekhov - O Pomar de Cerejeiras

Quando você procura seu lugar no lotado, como sempre, salão do MDT antes do início da apresentação " O pomar de cerejeiras“, você não tem ideia de qual truque o espera cinco minutos após o início da ação. E você poderia adivinhar. Por ser envolto em tecido branco, o lustre cobre também a mesa de bilhar, que substituiu metade da quinta fileira de poltronas para espectadores, os móveis são colocados em frente ao palco no nível das arquibancadas, e não no palco, e as portas escuras das saídas laterais do corredor foram substituídas por outras leves, brancas como a neve, com inserções de vidro.

Mas a princípio chama a atenção uma figura com uma libré de veludo vermelho muito desgastada, que no vazio do palco parece um fantasma - o espírito do teatro da era do figurino, o teatro - um banquete para os olhos. Firs - Alexander Zavyalov, com franja sobre os olhos, barba fofa e movimentos lentosÉ absolutamente hipnotizante – assim como o teatro, que reanima as pinturas do passado, provavelmente sempre foi hipnotizante. Então, a princípio, não está muito claro que tipo de vozes estranhas estão penetrando no salão e de onde elas vêm. "Ar! Que ar! - ouve-se uma exclamação completamente distinta - e o salão, não o palco, está cheio de pessoas: Ksenia Rappoport - Ranevskaya, Liza Boyarskaya - Varya, Igor Chernevich - Gaev, Katya Tarasova - Anya, Tatyana Shestakova - Charlotte Ivanovna, Epikhodov - Sergey Kuryshev, Dunyasha - Polina Prikhodko, Yasha - Stanislav Nikolsky. E o público de repente se vê no centro dessa agitação alegre, correndo de porta em porta, sentindo-se convidados e não estranhos. Além disso, não os convidados de Lyubov Andreevna, mas os convidados de Dodin e Chekhov, dois grandes artistas, que se reuniu na estreita encruzilhada do universo, onde o tempo está comprimido em uma bola compacta, de modo que o início do século passado está intimamente adjacente ao início do século atual.

Cada um dos personagens ao longo da performance será como um Janus de duas caras, olhando para o passado e prevendo o futuro. O passado aparecerá em uma enorme tela branca que espelha todo o palco - nos frames do filme que Lopakhin - Danila Kozlovsky guardou como surpresa para os antigos proprietários, um filme onde há um pomar de cerejeiras florescendo e sem fim (as filmagens foram realizadas realizado pelo famoso cinegrafista Alisher Khamidkhodzhaev no maior pomar de cerejeiras da Europa, perto de Hamburgo, para onde foi a maioria dos criadores da peça) cerca, ou melhor, envolve os heróis ainda muito jovens por todos os lados, protegendo-os de todos os problemas. O futuro lhes parecerá em momentos de desespero, quando de repente, em meio à diversão fingida, escondidos do público pela mesma tela, os heróis levantarão repentinamente esse véu branco e perscrutarão a escuridão do salão, esperando por notícias do leilão. E o final de Dodin foi completamente implacável: Tela branca cairá, cobrindo, como uma mortalha, os abetos esquecidos, tábuas brutas se revelarão atrás dele, e já se tornarão uma tela para o cinema dos tempos modernos: todos os heróis de cueca caminharão em fila indiana até o fundo de a cabeça do público - apenas não serão disparados tiros, mas as associações serão inequívocas.

Na verdade, toda a apresentação de quase três horas com um intervalo é o presente, espremido num vício entre o passado e o futuro, que estão cada vez mais próximos. Assim, a todos os problemas pessoais - ou melhor, a cada drama pessoal - está misturada uma catástrofe histórica que se aproxima inexoravelmente, que transforma dramas em tragédias. E essa pressão do público, pessoas XXI séculos são sentidos fisicamente. Apenas um herói do novo “The Cherry Orchard” de Dodin não sente isso. Lopakhin de Danila Kozlovsky, ao contrário de muitos Lopakhins do século passado, e ao contrário de Lopakhin - Igor Ivanov, que apareceu no palco do MDT na peça de Lev Dodin de 1994 baseada no mesmo “The Cherry Orchard”, nem sequer sente admiração por Ranevskaya. Ele é o único que não cai na entonação trágica universal - simplesmente porque não vê nenhum problema na perda do pomar de cerejeiras: o círculo de experiências à sua disposição é estreito, a compaixão está completamente ausente nele. Nesse sentido, ele não é diferente dos lacaios Dunyasha e Yasha - só eles conhecem o seu lugar, e Lopakhin está tentando com todas as suas forças ficar “rico” e tem certeza de que, como homem rico, tem todas as chances de fazer então. Mas Lyubov Andreevna, completamente indisposto a fazê-lo, encantadoramente feminino, como só Ksenia Rappoport pode fazer, coloca-o no seu lugar: ou ela esquecerá o nome pela terceira vez e rirá do seu próprio esquecimento, então, perguntando, “e na frente de quem!?”, tendo em vista o discurso de Gaev sobre os decadentes na frente dos sexos na taverna, ela de repente acena com a mão para Ermolai Alekseevich sentado perto, fica envergonhada, melhora, mas... E com que olhar ela medirá em Lopakhin quando ele, em resposta à sua recomendação de casamento, se sentar na cadeira ao lado dela, colocar o chapéu na cabeça e até tentar abraçá-la. E devemos prestar homenagem ao artista Kozlovsky, que entra na profissão longe de ser tão fácil quanto pode parecer visto de fora: ele interpreta seu personagem de opereta com mais dignidade, recusando-se abnegadamente a agir como um herói.

Em geral, o enredo de “The Cherry Orchard” de Dodin, unindo todos os personagens - seus vida comum, que já foi alto, mas agora se esforça para cair na opereta. E os momentos mais poderosos da performance são aqueles em que os personagens, encontrando-se em situações francamente vulgares, olhando de fora, usam as últimas forças do espírito humano para sair para o espaço da tragédia. É preciso ver com que indisfarçável deleite a belíssima Ranevskaya - Ksenia Rappoport lê telegramas de Paris (ao contrário da heroína da peça, que os rasga sem lê-los) - e como o tormento do amor verdadeiro brilha através dessa alegria, no altar do qual tudo é jogado fora (e de que outra forma, se estamos falando de amor verdadeiro). E mais tarde ela mostrará uma pilha inteira de telegramas para Petya Trofimov - e ele imediatamente a perdoará por sua frase impossível sobre uma amante que é impossível não ter na idade dele, vai levantá-la, girá-la... E você você simplesmente desistirá de como, ao que parece, você pode tratar Tchekhov - com facilidade e coragem, como se fosse um autor vivo, inteligente e irônico, e não um ídolo do panteão. E como esses lampejos de felicidade absoluta destacam o desastre inevitável. Essa admiração pelo destemor do diretor não só não diminui, mas se intensifica à medida que a ação avança.

Você precisa ver como Gaev - Igor Chernevich, pela primeira vez em muitos anos, interpreta não outro, como sempre, vilão magnífico, mas uma eterna criança tocando botas curtas de feltro, que - sim, talvez, sem pensar em Anya, de repente começa a falar sobre a depravação da irmã, mas depois mesmo não se envergonha, confirmando assim que foi guiado não pelo desejo de fofocar e, muito menos, de condenar, mas pelo hábito de dizer o que pensa - aparentemente do anos 80 (como já foi observado mais de uma vez, as datas dos períodos de democracia na Rússia coincidem com a diferença de exatamente um século). A fé enlatada de Gaev na ilusão é tão forte que ambas as suas amadas garotas (e o herói de Chernevich é igualmente apaixonado por ambas as sobrinhas) acreditarão imediatamente em seu conto de fadas. O momento em que ele, depois de traçar seu plano, abraça Katya Tarasova e Liza Boyarskaya, que já riem despreocupadamente, é mais um lampejo de felicidade instantânea, iluminando a escuridão do abismo que se aproxima.

Há uma Charlotte incrível na peça, interpretada por Tatyana Shestakova. Uma criaturinha de rabo, colete branco e cartola, ela - novamente ao contrário da peça - não faz truques, não se destaca e, na maior parte do tempo, fica em silêncio, sentada em algum lugar da plateia, mas quando ela dá a voz, ela não pode discutir com ele. A recusa em mostrar a Lopakhin um truque dos lábios de Charlotte Ivanovna não soa como um capricho, mas como um estigma. Há muitos tolos russos nela: não de acordo com o plano externo, mas de acordo com a essência profundamente oculta que ela é - Irmã nativa Shestakovskaya Pernas Mancas de “Demônios”. Em geral, só de pensar na heroína Shestakova, você entende o quanto das obras anteriores de Dodin são citadas direta ou indiretamente em “The Cherry Orchard”: afinal, era, era tal que o público vivia uma vida de solteiro com os heróis e não me sentia um espectador, mas sim um habitante de Pekashino - em “Irmãos e Irmãs”. E assim como Irina Prozorova de Elizaveta Boyarskaya, Varya prevê sua própria catástrofe final desde a primeira cena (embora em outros aspectos a nova heroína Liza seja completamente diferente). E como Sonya e Elena Andreevna em “Tio Vanya”, jogando fora toda “atuação”, liberando sua espontaneidade infantil à luz do dia, Anya e Varya se abrem à noite. E exatamente a mesma linha do corredor da morte que os artistas em vídeo final, no final de “Life and Fate”, os prisioneiros do campo de concentração do Gulag fazem fila. Há mais uma dezena de exemplos desse tipo - “The Cherry Orchard” do MDT em 2014 parece concentrar as experiências mais agudas e intensas que o teatro Dodinsky oferece ao espectador. Aparentemente, é por isso que, em termos de rapidez de ação, parece um filme de ação, ao contrário de todas as ideias sobre a viscosa ausência de acontecimentos chekhovianos.

E os “truques” de Charlotte aqui são de um tipo completamente diferente, são esmagadores, insuportáveis ​​​​em termos do nível de exposição ao desespero e à dor. Na peça, dois heróis são permitidos solos da área do “gênero leve” - Charlotte Ivanovna e Lopakhin. Lopakhin, após uma tentativa frustrada de se oferecer a Ranevskaya como noivo, cai no sofá e começa a cantar a ária de Quasimodo de “Notre-Dame de Paris” - quase imediatamente tendo esgotado sua reserva de francês, ele muda para zhu-zhu- zhu. Charlotte, para amenizar a espera insuportavelmente prolongada pelo fim do leilão, de repente começa a gritar em francês com um terrível sotaque alemão: “Está tudo bem, linda marquesa- e o público vai chorar, porque o estilo em que a atriz trabalha e que Meyerhold costuma praticar é chamado de bufonaria trágica. E seu grito comovente no quarto ato, no meio da reunião geral, não pode ser compreendido senão como um grito de morte.

A atuação de Dodin é estruturada de tal forma que em quase todos os episódios Lopakhin é comparado com outros personagens, o que repetidamente enfatiza sua inadequação humana, apesar de todo o seu dinheiro. Tenho certeza de que, antes de mais nada, por causa desse personagem, Dodin voltou à peça que já havia encenado. Literalmente, cada aparição desse Yermolai é cômica: na peça, tendo dormido demais, ele não conseguiu chegar à estação de trem, mas aqui ele aparece sonolento debaixo do cobertor quando todos já chegaram. Depois, com uma entonação inaceitavelmente grosseira, abandona Gaeva antes de começar a delinear o seu plano de salvação: “Supera a tua hostilidade”. E a ideia maravilhosa de exibir o filme, ao que parece, foi assumida por Lopakhin para apresentar o plano - não usei a palavra “apresentação” por acaso, uma grande tela na qual o pomar de cerejeiras ainda flutua como uma nuvem mágica acima do solo, com um aceno de mão (ou melhor, uma deixa, que o herói usa como ponteiro) é coberto por retângulos com a inscrição "25 dessiatines". Embora toda pessoa que tenha alguma compreensão da beleza entenda que este jardim e os medidores são duas escalas de valores incomparáveis. Quão incomparáveis, segundo Dodin, são o teatro e as notas.

É claro que haverá línguas malignas que apontarão que foram os ingressos para The Cherry Orchard que atingiram um preço recorde para este teatro - 10 mil rublos cada. Gostaria desde já de esclarecer os malfeitores sobre o facto de na Alemanha, por exemplo, os bilhetes para teatros estatais não pode custar mais de 39,99 euros. Esta é a política do governo. Mas os teatros também são financiados na medida em que não precisam de ganhar dinheiro com o público. Portanto, esta é uma questão para os Lopakhins no poder, não para Dodin. Durante a apresentação, Lopakhin consegue se tornar um nome familiar - seus gestos, palavras e entonações são muito reconhecíveis. A maneira como, por exemplo, ele repete com entusiasmo “Dachi! Dachas! Dacha! - e eles se fundem em algo essencialmente semelhante a “zhu-zhu-zhu”. Ou como ele perguntará “O que é isso?”, sem entender as palavras do extremamente sutil e reverente Petya Trofimov - Oleg Ryazantsev de que Lyubov Andreevna deveria ser deixado sozinho após a notícia da venda do jardim. Ou como ele baterá palmas, incitando os antigos proprietários a saírem rapidamente. O diretor ainda colocou na boca as palavras: “O armário é meu!” A mesa é minha! (isso depois de um grito ensurdecedor: “O pomar de cerejeiras agora é mo-o-o-o!”), e eles, claro, rimam com o momento do primeiro ato, onde Ranevskaya é Rappoport entre imagens caras do passado se transforma em menina e sussurra: “O armário é meu”, tocando o móvel com as mãos e até com o rosto como se fosse um atributo de um paraíso perdido. É difícil imaginar algo mais assassino para Lopakhin do que esta paródia de seu antigo dono.

Mas isto não é suficiente para Dodin. Ao longo de toda a ação, Lopakhin é observado pelos olhos atentos, honestos e inteligentes de Varya - Liza Boyarskaya. A trabalhadora freira Varya, interpretada por Boyarskaya, não perdeu sua severidade e modéstia - um colete cinza de malha sobre um vestido reto, um lenço cinza que cobre sua cabeça o tempo todo, apenas enfatizam os olhos incrivelmente lindos da heroína. Seu olhar, que não larga Lopakhin, não deixa dúvidas sobre os sentimentos que a menina experimenta por uma pessoa atraente homem jovem. Mas esta Varya é tão impecável que cada lágrima em seus olhos é percebida como nada mais do que uma sentença para quem a causou. Além disso, repito, Varya lança olhares exclusivamente amorosos para Lopakhin. Só Varya, até o fim, se recusa a acreditar na miséria de seu escolhido, e Dodin lhe dá a prova de que Chekhov não dá sua heroína: em vez de uma oferta, Lopakhin tira Varya da tela, longe de olhares indiscretos. O casal retorna logo, o cabelo solto de Varya e a desordem característica do terno de Lopakhin indicam diretamente o que aconteceu. E aqui apenas Lopakhin fala. Não é sobre casamento, é claro, embora Varya neste momento ainda não duvide de sua nobreza. E sobre o clima. Sobre aqueles três graus negativos. Os cinco segundos que duram uma eternidade, enquanto a heroína de Liza Boyarskaya reúne forças para responder sobre o termômetro quebrado sem desmaiar, são alguns dos mais poderosos que já vi no palco, principalmente quando interpretados por uma jovem atriz.

No entanto, a última palavra permanecerá com Varya. E esta não será uma história com um aceno de guarda-chuva, da qual Lopakhin fingirá fugir, e Varya responderá: “Do que você está falando? Eu não pensei assim. Varya-Boyarskaya, em vez de se despedir definitivamente, se jogará no pescoço de Lopakhin. E quando ele acredita que finalmente venceu, que pelo menos um dos mestres além de seu alcance condescendeu em pedir ajuda - mesmo que não em uma palavra, um gesto (Ranevskaya nesta história não pede dinheiro a Lopakhin, c " est incroyable) - e responderá com um impulso em resposta ao seu impulso, Varvara se afastará imediatamente, pronunciando em tom gelado a frase prescrita por Chekhov. No final deste “O Pomar de Cerejeiras” ninguém dirá que todos A Rússia é o nosso jardim, e terno, amando Anya Katya Tarasova não encontrará palavras de conforto para sua mãe. Somente Lopakhin acredita em um futuro de sucesso aqui. E não há dúvida de que ele terá sucesso - e em 1917 ainda terá economizado milhões para uma vida confortável em Paris. E o irmão e a irmã - os heróis de Rappoport e Chernevich - levarão consigo para lugar nenhum apenas caixas redondas de metal com filme, que Lopakhin lhes entrega rudemente em resposta ao seu pedido para assistir ao filme novamente. E serão semelhantes aos que deixaram a Rússia com uma mala, como Olga Knipper-Chekhova, e aos que foram para os campos com uma trouxa.

Lev Dodin encenou uma peça sobre o fato de que não só o elegante teatro de fantasias é coisa do passado, mas também o teatro de Chekhov, que dominou todo o século XX - atmosférico, sofisticado, onde os enredos reais estão escondidos atrás do óbvio, a fala soa como música, e cada pessoa está se equilibrando sobre seu próprio abismo com uma graça incrível e antiquada. “O Pomar das Cerejeiras” de Dodin é um teatro de crueldade que, do começo ao fim, rasga cada vez mais a estrutura do texto de Tchekhov, e os atores nele são profetas-mártires que atuam de tal forma que os versos do poeta sobre a destruição completa não parece seriamente uma metáfora.

Resenha da peça "The Cherry Orchard" de A.P. Chekhov

"O Pomar de Cerejeiras" - o mais trabalho interessante AP Tchekhov.

Ao entrar no salão, notei imediatamente o palco, que estava lindamente decorado. Gostei especialmente dessa abordagem de design: no centro do palco havia uma cadeira onde a boneca estava sentada e telas brancas transparentes estendiam-se do teto ao chão. Posteriormente, sobre eles foram mostradas sombras de árvores, o que criou um ambiente aconchegante no palco.

Eu já tinha lido esse trabalho antes, mas ainda assim foi muito emocionante e interessante de assistir.

A peça conta a despedida de antigos proprietários, recém-chegados do exterior, à sua casa. Esses proprietários são Ranevskaya Lyubov Andreevna, sua filha Anya e a governanta Charlotte, caprichosa e engraçada. Eles se lembram do passado, por exemplo, de um guarda-roupa antigo, que é especialmente querido pelo irmão de Ranevskaya, Gaev Leonid Andreevich, que também veio com eles. Anya se lembra de sua infância. Mas todos eles se lembram e amam com alegria o pomar de cerejeiras, que fica em sua propriedade. Durante a partida dos Ranevskys, Ermolai Alekseevich Lopakhin e a filha adotiva de Lyubov Andreevna, Varya, moram lá. De repente acontece um infortúnio: chega a notícia de que o imóvel deve ser vendido por falta de pagamento de dívidas. Todo mundo está confuso. Lopakhin propõe entregar o terreno para dachas. Mas a recusa de Ranevskaya leva à venda do jardim. E Lopakhin compra. Agora ele novo dono. Apesar de os eventos terminarem de forma tão triste para os heróis, eles tentam começar vida nova, partindo novamente para o exterior.

Acho que os atores fizeram um ótimo trabalho ao transmitir o sentimento personagens. Fiquei surpreso que durante toda a apresentação, entrando de forma incomum no personagem, os atores sentaram-se em cadeiras, como já haviam feito antes e não esqueceram. Acima de tudo, gostei das atrizes que interpretaram os papéis de Anya e Varya. Mas quero mencionar especialmente os figurinos. Eles combinaram muito bem com os personagens e de alguma forma até ajudaram a revelar o personagem de forma mais completa. Parecia que os personagens usaram essas fantasias durante toda a vida.

Gostei muito da apresentação e espero que as impressões que recebi permaneçam na minha memória por muito tempo. Acho que o trabalho de Chekhov, “The Cherry Orchard”, ainda é relevante hoje. Afinal, cada um de nós tem um lugar que amamos, lembramos e nunca esqueceremos.

A dicção dos atores era tão clara que era agradável de ouvir. Em geral, ouvi toda a apresentação sem parar. Acima de tudo, gostei da voz do ator que interpretou Lopakhin.

Existem livros fáceis de ler. São muito suculentos, apetitosos e bem cortados. Deles leia com interesse, com alegria, com mãos trêmulas - mas na maioria das vezes apenas uma vez. E então eles esquecem. E começam a fazer novos, que depois também esquecem. Do que estou falando? Existem muitos livros bons e emocionantes nesta terra. Mas apenas alguns deles sobreviveram ao seu tempo e se tornaram clássicos. E há apenas uma razão aqui: nem todos os livros são igualmente profundos e multifacetados. Profundidade- isso é algo que não pode ser transformado em um estilo bonito, vem do fundo do próprio criador e é impossível falsificar. São precisamente esses livros - multifacetados, complexos e inflexíveis - que podem ensinar você a pensar - esta é a principal tarefa da verdadeira literatura.

O último drama de Chekhov

Em 1903, o grande Tchekhov, já com uma doença terminal, escreveu o seu última jogada. Ele o chamou de "O Pomar de Cerejeiras". Logo Stanislávski o encenou no palco do Teatro de Arte de Moscou, e se tornou o leitmotiv de seu tempo - o tempo da destruição da nobre Rússia.

Jogar díficil. Advirto imediatamente os amantes das aventuras literárias - desliguem o impulso, ativem o pensamento analítico. Não haverá confrontos épicos ou paixões ardentes nesta peça. Na verdade, o enredo da obra é bastante modesto - já foi muito rico família nobre gastaram todo o seu dinheiro e os seus bens serão em breve vendidos por dívidas. O principal proprietário de terras, Gaev, está tentando encontrar dinheiro para saldar a dívida. Sua irmã, Ranevskaya, aguarda impotente o desastre que se aproxima e chora silenciosamente e desesperadamente por seu amado pomar de cerejeiras. Ao mesmo tempo, ambos continuam é inútil desperdiçar seu último dinheiro. Tudo termina de forma natural e muito simbólica. Parece que nada de especial, mas essa é a grandeza de Chekhov, que pegando um pequeno lote, investido em tudo isso próprio país. O Pomar de Cerejeiras é um símbolo do antigo Rússia czarista quem está morrendo. Todos aqueles que nasceram dela morrem com ela - ex-proprietários de servos e proprietários de escravos. Os proprietários de ontem encontram-se desamparados face às mudanças socioeconómicas. E o fato de um ex-servo se tornar o novo dono de uma propriedade nobre é duplamente simbólico.

Citações do livro “The Cherry Orchard” de Chekhov

• Você apenas precisa começar a fazer algo para entender quão poucas pessoas honestas e decentes existem.
• Ó natureza maravilhosa, você brilha com brilho eterno, bela e indiferente, você, a quem chamamos de mãe, combina ser e morte, você vive e destrói...
• Aqui, na Rússia, poucas pessoas ainda trabalham. Uma grande parte da intelectualidade que conheço não procura nada, não faz nada e ainda não tem capacidade para trabalhar. Dizem-se intelectuais, mas estudam mal, não leem nada a sério, não fazem absolutamente nada, só falam de ciência e entendem pouco de arte.
• Seu pai era homem, o meu era farmacêutico, e absolutamente nada decorre disso.

Ele viu tudo corretamente

Um ano depois de a peça ter sido escrita, ela começou Primeira Revolução Russa. E o fim velha Rússia, descrito na peça, tornou-se um fato. Chekhov conseguiu transmitir o clima da época. Quem quer aprender pensar- leia “O Pomar de Cerejeiras”. Leia os clássicos.

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"O Pomar de Cerejeiras" ("Teatro Kolyada")

“Se há algo interessante, até mesmo maravilhoso, em toda a província, é apenas o nosso pomar de cerejeiras.”

“Bem, agora eu vi tudo!” - O que eu mais queria dizer depois de assistir à peça "The Cherry Orchard" trazida em turnê pelo teatro "Kolyada-Theater" de Yekaterinburg, encenada de acordo com peça de mesmo nome Anton Pavlovich Chekhov. Embora “de acordo com a peça” seja uma palavra forte. Prefiro até dizer que a ideia da peça estava, sem dúvida, presente na performance, mas não diria que as pessoas puderam ver a produção de “O Pomar das Cerejeiras” de Chekhov. Acabou sendo uma performance muito incomum e completamente ambígua. Nunca antes encontrei tal interpretação dos clássicos e, para ser sincero, tal ação!
Tudo se mistura aqui - farsa, comédia, drama, músicas folk e dança, grotesco, modernismo, minimalismo e o simbolismo mais vívido que já vi!
Em geral, minha primeira reação após o início da apresentação foi: “#$%&@!!” e amplamente olhos abertos com o queixo caído no chão. Embora, aliás, o segundo e o terceiro também. Meu cérebro explodiu em um arco-íris multicolorido e fluiu para fora do meu crânio rachado, espalhando estrelas e pôneis rosa por todo o chão. Queria correr em círculos, gritar alto junto com os atores e bater a cabeça na parede, nas portas, nos vizinhos. E só no início do segundo ato a mente finalmente começou a perceber o que estava acontecendo no palco com toda a seriedade e devolveu o queixo caído ao lugar fisiologicamente pretendido.
E realmente havia uma razão para isso. Acho que ninguém encenou “The Cherry Orchard” tão difícil, intransigente, dinâmico e louco como Nikolai Vladimirovich Kolyada fez. Em sua produção, a peça de Chekhov brilha com cores completamente novas e inesperadas! Em vez de uma história melancólica-triste, calma e até preguiçosa em alguns lugares, cheia de conversas chatas, meios-tons e reflexões intermináveis, o diretor lança o espectador em algum grotesco inimaginável, em uma festa russa desenfreada, folia, embriaguez eterna, repleta de convidados descuidados , ações irresponsáveis, conversas sem sentido e gritos, canções, danças, lamentações, risos e lágrimas sem fim. E, apesar de a localização e a época de Kolyada terem sido preservadas, a peça parece bastante moderna e muito relevante. É como se nada tivesse mudado em um século. Época segue era, mas a Mãe Rússia continua a mesma. E todas as mesmas pessoas que, em vez de agirem, mudando a vida e a realidade para o que querem, apenas bebem, andam e falam, falam, falam. E no meio desse caos, desse hospício, acontecem acontecimentos que todos nós conhecemos dias escolares eventos. Volta para casa, saudade, falência, venda do pomar de cerejeiras e, ao que parece, é hora de começar uma nova vida.
Quanto à produção, Nikolai Vladimirovich encontrou algo que surpreendeu. Tudo é incrível - desde a abordagem da peça até os adereços e figurinos. A performance surpreende desde os primeiros segundos. E quando a multidão invade o palco, o cérebro simplesmente pendura uma placa de “Não perturbe!”. e desce em algum lugar até o estômago, onde tudo é simples, compreensível e quente. Acho que esta é a performance mais barulhenta que já vi. E o mais folclórico. Uma interpretação muito ambígua da obra de Anton Pavlovich, e principalmente do seu início, mas, devo admitir, é bastante interessante e digna de atenção. Com toda a bufonaria e caos acontecendo no palco, o clima geral da peça é transmitido com muita precisão, e as emoções dos personagens são impressionantes em sua profundidade. Sim, eles exageram descaradamente, se esforçam e fazem caretas, mas uma abordagem tão grotesca, antes, ajuda ainda melhor a transmitir a atmosfera dos acontecimentos, a transmitir o verdadeiro clima da obra. Direi desde já que não gostei do começo, e até tentei sinceramente sair desse “circo”, mas algo me impediu e não me arrependi. Depois de entrar no clima da produção, absorver a energia dos atores, tudo se encaixa. Incluindo o cérebro.
Fiquei muito satisfeito com os trajes incrivelmente lindos, inusitados, engraçados e interessantes. O designer de produção realmente se divertiu muito com eles, ele se divertiu muito! E não são apenas fantasias - são simbólicas e concretas como em nenhum outro lugar! Em geral, há simbolismo mais que suficiente nesta produção. Ele está aqui em absolutamente tudo. Em cada frase, em cada movimento dos atores, na cenografia, nos adereços. Sim, até no teto! A propósito, sobre os adereços. Decorar um pomar de cerejeiras com copos de plástico brancos... não - centenas de copos de plástico brancos com os quais “florescem” balaústres de madeira - isto é poderoso! Interessante. Recentemente. Original. Inesquecivelmente. E isso deve ser visto. Esta imagem não pode ser expressa em palavras. E não apague isso da sua memória mais tarde. Isso é algum tipo de extravagância de polipropileno do equinócio da primavera. Feriado indústria química engarrafamento provincial. Um achado digno! Especialmente - "queda de folhas"!
E, claro, heróis! Personagens coloridos, inusitados e originais, nos quais a princípio é difícil discernir Lyubov Andreevna, Leonid Andreevich, Ermolai Alekseevich e outros visitantes do pomar de cerejeiras, que nos são familiares desde a infância. O primeiro pensamento: “Nunca vou descobrir quem está nisso, quem!” Embora, literalmente depois de meia hora, cada um dos personagens se torne quase familiar e tão intimamente familiar quanto possível. Uma solução extraordinária, mas muito, muito interessante!
Não vou me alongar em detalhes de cada um dos personagens - porque acredito sinceramente que são melhores de serem vistos - e apenas mencionarei brevemente alguns dos atores que mais me lembro.
Em primeiro lugar, é claro, devo mencionar Vasilina Makovtseva, que desempenhou o papel de Ranevskaya. Acho que este é o papel mais emocional, vibrante e dramaticamente complexo da produção. Vasilina conseguiu transmitir não apenas todas as facetas do personagem de sua heroína, mas também retratou de maneira simplesmente magnífica aquele sentimento de saudade nostálgica e o fardo de uma nova privação de um canto nativo aparentemente recém-descoberto. Jogo absolutamente incrível e imagem muito viva! Bravo!!
Oleg Yagodin, que fez o papel de Lopakhin na produção, também ficou surpreso. Ele mudou constantemente durante a performance, apresentando seu herói ao público em uma imagem ou outra e mudando facilmente de um personagem cômico para um dramático e vice-versa.
Não posso deixar de notar o desempenho brilhante e memorável de Sergei Fedorov e seu Gaev. Um personagem absolutamente incrível que causou muitas risadas e emoções, embora tenha sido tornado gay de forma muito polêmica.
Gostaria também de mencionar Alisa Kravtsova e Irina Ermolova, que interpretaram Anechka e Varya. Eles conseguiram trazer seu sabor especial para a produção e ficaram muito legais em seus papéis!
Anton Makushin também criou um personagem muito engraçado - o inesquecível “eterno estudante” Trofimov com seu eterno boné de beisebol e filosofar sem fim com ou sem razão. Monólogos verdadeiramente poderosos e atuações muito vivas!
É impossível não notar as atuações brilhantes de Vera Tsvitkis com seu Dunyasha e de Evgeny Chistyakov com seu Yasha. Certamente são personagens inesquecíveis, ainda que secundários.
Mas quem definitivamente merece uma indicação completamente separada e reconhecimento universal é Firs Alexander Zamuraev! Provavelmente o personagem mais original, colorido e memorável de toda a produção! Alexandre - aplausos de pé! Bravo!! Ótimo jogo!
Aliás, voltando ao simbolismo da produção, gostaria de destacar especialmente as constantes referências ao restante das obras de Anton Pavlovich, e elas são feitas tão bem, com precisão, oportunas e pontuais que você involuntariamente faz a pergunta: “ Como diabos eles fizeram isso, droga?!”
No geral direi que gostei da atuação, embora tenha se revelado muito ambígua. Mas definitivamente vale a pena ver. Um exemplo digno arte contemporânea e uma das performances mais originais que tive a sorte de ver.! Um sólido 7/10 e minha recomendação para não perder a próxima visita ao Teatro Kolyada!

"Lopakhin. Dizem que você envelheceu muito!
Primeiros. Já vivo há muito tempo."

Quando você vê que outro foi colocado em algum lugar "o pomar de cerejeiras", torna-se imediatamente interessante como ele será diferente dos outros. No teatro "Estúdio.projeto" a diretora Yuliana Laikova fez produção clássica, apenas de acordo com Chekhov. A peça tem seus méritos, mas também tem suas desvantagens. Este texto não é para quem nunca viu esta peça. Se sim, então feche a review, vá ver a produção, com certeza você vai gostar. Se você já viu muito "Pomares de Cerejeiras" e está se perguntando se deve vir aqui, então continue lendo...

A primeira coisa sobre a qual quero falar é o espaço. A ideia de fazer uma performance em uma mansão já era maravilhosa por si só, mas a implementação não deu muito certo. O salão é desconfortável, você tem que se virar constantemente para ver o palco (a menos, é claro, que você esteja sentado na primeira fila). Mas a comodidade do espectador não é o mais importante. É claro que os atores se sentem desconfortáveis ​​e constrangidos. Em algumas cenas, eles não sabem onde se colocar, como se posicionar para não bloquear os colegas. O espaço é muito pequeno e, ao que parece, deveria criar-se intimidade, porque o espectador está muito próximo dos atores, mas não, só cria proximidade.

Recordemos brevemente o enredo da peça: o proprietário de terras Lyubov Andreevna Ranevskaya, junto com sua filha Anya, veio de Paris para sua casa, que vão vender por dívidas. Há esperança de que a casa permaneça com eles, mas é muito pequena. Os moradores terão que deixar sua propriedade com seu querido pomar de cerejeiras, que já foi motivo de orgulho. Todos parecem prontos para ir embora, o que é enfatizado pelo caos ao seu redor: um armário lotado e surrado, cadeiras de cabeça para baixo, cortinas penduradas ao acaso na cornija, ninguém mantendo a ordem na casa. A película de construção está esticada nas paredes, alguns móveis estão cobertos com trapos. Ranevskaya, acostumada a uma vida de luxo, não aceita o fato de estar arruinada e seus modos senhoriais permanecem nela. Pelo menos é assim que deveria ser na história. A atriz Nadezhda Larina Ranevskaya não teve sucesso. Não há graça, postura, maneirismos aristocráticos. Gostaria de ver uma mulher carinhosa e com um sorriso encantador, mas, infelizmente, essa imagem acabou vazia.

Ermolai Lopakhin, que cresceu na propriedade, já que seu pai era servo dos ancestrais de Ranevskaya, ama Lyubov Andreevna como se fosse seu. Ele deseja sinceramente ajudar e propõe um plano: cortar o jardim e alugá-lo como dachas. Ninguém gostou dessa ideia. No dia do leilão, Lopakhin comprou o pomar de cerejeiras.

“O pomar de cerejeiras agora é meu! Meu! (Risos) Meu Deus, meu Deus, meu pomar de cerejeiras! Diga-me que estou bêbado, louco, que estou imaginando tudo isso... (bate os pés.) Não ria de mim! Se ao menos meu pai e meu avô saíssem de seus túmulos e olhassem para todo o incidente, como seu Ermolai, o espancado e analfabeto Ermolai, que corria descalço no inverno, como esse mesmo Ermolai comprou uma propriedade, a mais bela das quais existe não é nada no mundo. Comprei uma propriedade onde meu avô e meu pai eram escravos, onde não podiam nem entrar na cozinha. Estou sonhando, é só imaginar, é só parecer..."

Este monólogo foi o ponto alto da apresentação. O discurso, proferido de forma expressiva, com uma mensagem energética poderosa, literalmente me prendeu na cadeira e me fez fixar os olhos no palco.

Segundo o diretor, deveria ter sido um clássico "o pomar de cerejeiras". É muita coragem fazer uma produção em que praticamente não há direção "salgadinhos". Afinal, tudo recai sobre os ombros dos atores. Nesta performance a atuação falhou. Claro, não completamente. Mas além do vazio Ranevskaya havia também o absolutamente indefeso Petya, o eterno estudante, interpretado por Daniel Andrushchuk. Seu personagem estava completamente perdido entre os outros. A atuação correu muito bem graças ao resto dos atores. Gostaria de mencionar Nikita Borisov (Firs), Vasily Molodtsov (Lopakhin), Alexander Turavinin (Gaev), Alisa Efremova-Lisichkina (Anya). Esses atores conectaram-se com seus personagens, compreenderam-nos, justificaram-nos e, portanto, fundiram-se num único todo. Você acredita neles e simpatiza com eles. O trabalho do compositor Kirill Arkhipov também é excelente. A componente musical é muito importante na performance, e estas melodias de piano, tocando as cordas da alma, preenchem vazios atmosféricos e evocam emoções.

As primeiras exibições já estão em andamento, então espero que os atores se acostumem com essa história, parem de falar e entendam seus personagens. Uma performance pode ser boa se, em primeiro lugar, for transferida para um estágio normal e, em segundo lugar, se trabalhar um pouco mais nas imagens.

Diretor: Yuliana Laikova
Artista: Ziliya Kanchurina
Compositor: Kirill Arkhipov
Elenco: Nadezhda Larina, Alisa Efremova-Lisichkina, Daniel Andrushchuk, Vasily Molodtsov, Valentina Selezneva, Andrey Vanin, Nadezhda Kuvshinova, Alexander Turavinin, Alina Turavinina, Alexander Mishunin, Dmitry Dembrovsky, Nikita Borisov

Local: teatro "Studio.project"
Duração: 1 hora e 45 minutos