Obras-primas da cultura mundial. Arquitetura

As construções de El Gizé, com sua grandiosidade e aparente inutilidade, maravilhavam a imaginação já na antiguidade, o que melhor traduz provérbio árabe: "Tudo no mundo tem medo do tempo, mas o tempo tem medo das pirâmides." PIRÂMIDES DO EGÍPCIO - as tumbas dos faraós egípcios. O maior deles são as pirâmides de Quéops, Khafre e Mikerin em El Giza nos tempos antigos foram consideradas uma das Sete Maravilhas do Mundo.

JARDINS SUSPENSOS DE SEMIRAMIS - jardins do palácio do rei da Babilônia Nabucodonosor II (c. AC), que ele mandou quebrar para sua amada esposa, a princesa Mediana. Os jardins estavam localizados em uma ampla torre de quatro níveis. As plataformas dos terraços foram construídas com lajes de pedra cobertas por uma camada de juncos e preenchidas com asfalto. Seguiu-se a colocação de duas filas de tijolos fixados com reboco e lajes de chumbo, que não deixavam entrar água nos pisos inferiores do jardim. Toda essa estrutura complexa foi coberta por uma espessa camada de terra fértil, que permitiu plantar as maiores árvores aqui. As camadas se erguiam em saliências, conectadas por largas escadarias com lajes de rosa e branco. Todos os dias, milhares de escravos bombeavam água de poços profundos para o topo em numerosos canais, de onde descia para os terraços inferiores. O murmúrio da água, a sombra e o frescor entre as árvores pareciam um milagre.

ZEUS OLÍMPICO - uma estátua de Zeus pelo escultor grego Fídias. A estátua foi colocada no centro de culto do santuário olímpico - o templo de Zeus, no bosque sagrado de Altise. As partes expostas do corpo foram forradas com placas de marfim, as vestes foram fundidas em ouro e a base da escultura era de madeira. A altura da estátua atingiu aprox. 17 m Se o deus "subisse", sua altura excederia em muito a altura do próprio templo. Em sua mão, o Thunderer segurava uma estátua da Nike (símbolo da vitória). O trono de Zeus também era feito de ouro e marfim. As costas, braços e pés foram decorados com relevos de marfim, imagens douradas dos deuses e deusas do Olimpo. As paredes inferiores do trono estavam cobertas com desenhos de Panen, suas pernas com imagens de Nik dançando. Os pés de Zeus, calçados com sandálias douradas, repousavam sobre um banco decorado com leões dourados. Em frente ao pedestal da estátua, o chão era pavimentado com pedra eleusina azul escura, uma bacia esculpida para azeite deveria evitar que o marfim secasse. A luz que penetrou pelas portas do templo escuro, refletida na superfície lisa do líquido da piscina, caiu sobre as roupas douradas de Zeus e iluminou sua cabeça; parecia aos que entravam que o brilho emanava da própria face da divindade.

MAUSOLÉU EM HALICARNASS - o túmulo do rei Mausolo de Caria (falecido em 353 aC). O mausoléu ficou famoso não só pela grandiosidade de sua arquitetura, mas também pelo acervo de esculturas da base da pirâmide, sobre as quais tipo grego o templo e outra pirâmide foram adornados com relevos com cenas de Amazonomaquia dos escultores mais famosos do século IV. BC e. Leochar, Skopas, Briaxis e Timothy. O mausoléu quase intocado ficou cerca de um ano no meio da cidade deserta até o século XV, quando foi desmantelado pelos cruzados, que o reforçaram com placas de seu reduto no mar Egeu, o castelo de St. Petra (atual Bodrum na Turquia). Foi dentro das paredes da fortaleza e das casas vizinhas que em 1857 o arqueólogo inglês C. T. Newton descobriu lajes em relevo do porão da tumba (agora no Museu Britânico de Londres e no Museu Arqueológico de Istambul), as estátuas de Mausolus e sua esposa Artemisia (que continuou rei após sua morte, a construção de sua tumba comum) e uma carruagem colossal que coroava toda a estrutura.

O TEMPLO DE ARTEMIS (Artemision) em Éfeso é um dos centros de peregrinação mais famosos e reverenciados do mundo antigo. O templo da deusa foi construído no século VI. BC e. arquiteto Hersiphron de Knossos. Durante um dos cercos, os habitantes de Éfeso estenderam uma corda do templo até a cidade, transformando-a em um santuário inviolável. A glória de Artemision foi tão grande que pessoas de toda a ecúmena grega colocaram suas economias nela. 21 de julho de 356 aC e. o templo de Ártemis de Éfeso, o principal santuário dos gregos da Ásia Menor, foi queimado por Herostratus. Quando Alexandre, o Grande, se aproximou da cidade 25 anos depois, ele desejou restaurar o templo em todo o seu esplendor. A arquiteta Alexandra Deinocrates, que supervisionou a obra, manteve a planta anterior, apenas elevou o edifício a uma base escalonada mais alta. O templo ocupava uma enorme área de 110 x 55 m, a altura das colunas coríntias (eram 127), uma fileira dupla ao redor da estrutura, também era grandiosa com cerca de 18 m; o telhado de Artemision foi coberto com telhas de mármore. Um dos pontos turísticos do edifício eram 36 colunas, decoradas na base com relevos quase na altura humana.

FAROL DE FAROS (farol de Alexandria) - um farol na costa leste de aproximadamente. Faros dentro dos limites de Alexandria, a capital helenística do Egito. O construtor deste milagre da tecnologia, o primeiro e único em tudo mundo grego um farol de proporções colossais era Sostratus de Knidos. Os viajantes que viram o farol escreveram sobre as estátuas engenhosamente dispostas que adornavam a torre do farol: uma delas sempre apontava para o sol em todo o seu caminho e abaixava a mão quando ele se punha, a outra batia a cada hora dia e noite, a terceira poderia descobrir a direção do vento. O incrível edifício permaneceu até o século 14, mas mesmo em sua forma já bastante destruída, sua altura era de aprox. 30 m Atualmente, apenas a base do farol foi preservada, inteiramente construída em uma fortaleza medieval (agora a base da frota egípcia).

COLOSS OF RHODES - uma estátua gigante de Helios pelo escultor Hares na ilha de Rhodes. A estátua do deus se erguia bem na entrada do porto de Rodes e já era visível para os nadadores das ilhas vizinhas, a altura da estátua era de aprox. 35 m, ou seja, quase três vezes mais alto que o Cavaleiro de Bronze em São Petersburgo. Na base, a estátua era de barro com armação de metal, rematada com placas de bronze no topo. Para trabalhar a imagem do deus diretamente no local de sua instalação, Chares utilizou uma técnica astuta: com a elevação gradual da escultura, a colina de terra ao seu redor também se elevou; a colina foi posteriormente derrubada e a estátua em sua totalidade foi revelada aos atônitos habitantes da ilha. Foram necessários 500 talentos de bronze e 300 talentos de ferro para fazer um grandioso monumento (cerca de 13 e cerca de 8 toneladas, respectivamente). "Cavaleiro de Bronze"

"A Oitava Maravilha do Mundo" O mais importante nesta maravilha do mundo é, claro, a escala estabelecida pelo primeiro imperador chinês Qin Shi Huang. O mais importante nesta maravilha do mundo é, claro, a escala estabelecida pelo primeiro imperador chinês Qin Shi Huang - esta, é claro, é a escala estabelecida pelo primeiro imperador chinês Qin Shi Huang A coisa mais importante nesta maravilha do mundo é, obviamente, a escala estabelecida pelo primeiro imperador chinês Qin Shi Huang Imperador Qin ShihuanO mais importante nesta maravilha do mundo é, claro, a escala estabelecida pelo primeiro imperador chinês Qin Shihuan O mais importante nesta maravilha do mundo é, claro , a escala estabelecida pelo primeiro imperador chinês Qin ShihuanA coisa mais importante nesta maravilha do mundo é Claro, a escala estabelecida pelo primeiro imperador chinês Qin Shi Huang A Oitava Maravilha do Mundo está localizada no centro da China . A exposição desta maravilha do mundo está localizada nos contrafortes do norte do Monte Lishan, a leste da cidade de Xi'an, e consiste em estátuas funerárias de guerreiros e cavalos da tumba de Qin Shi Huang. Esta não é uma exposição de museu comum, pois o conjunto consiste em três enormes criptas. A área total de exposição é de mais de 20 mil metros quadrados. Em três criptas, encontram-se mais de sete mil figuras, mais de duzentas carruagens e uma enorme quantidade de armas de bronze. O museu foi criado durante as escavações, ou seja, diretamente no local onde o enterro foi descoberto. O mais importante nesta maravilha do mundo é, claro, a escala estabelecida pelo primeiro imperador chinês Qin Shihuan, que conseguiu unir os diferentes principados da China em um único estado há mais de dois mil anos. O perspicaz senhor, tentando alcançar a imortalidade durante sua vida, começou a construir para si uma enorme tumba perto da cidade de Chang'an, no oeste da China, e mais tarde se tornou uma tumba na qual foram encontradas estátuas funerárias de guerreiros e cavalos. Há vinte anos, este antigo monumento foi incluído pela UNESCO no Catálogo do Património Mundial, Cultural e Natural.

Obras-primas da cultura mundial pelos olhos de um general do poema " Estrada de ferro". - Estive recentemente nas paredes do Vaticano, vaguei duas noites pelo Coliseu, vi Santo Estêvão em Viena, O que ... o povo criou tudo isso? Desculpe-me por esta risada insolente, sua lógica é um pouco louca. Ou Apollo Belvedere é para você Pior do que uma panela de forno? Aqui está o seu povo, esses termos e banhos, Um milagre da arte - ele puxou tudo! .. -Seu eslavo, anglo-saxão e alemão Não crie - destrua o mestre, bárbaros! Uma multidão selvagem de bêbados!

1. Vaticano. O Vaticano é um grandioso complexo arquitetônico, onde templos, palácios e fortificações se combinam com obras de arte de jardins e parques. A entrada solene do Vaticano é a Praça de São Pedro emoldurada por colunatas. As colunatas levam à Catedral de São Pedro, a maior igreja católica do mundo. Museus mundialmente famosos estão localizados nos palácios do Vaticano escultura antiga, e nos jardins do Vaticano, o cassino de Pio V e o prédio da Pinakothek do Vaticano, onde estão reunidas obras de pintura italiana dos séculos XIV-XVII.

4. Apolo Belvedere. Estátua da cópia romana de mármore de Apolo do trabalho original de bronze antigo escultor grego Leohara (c. BC, Museu Pio-Clementino, Vaticano). O nome vem do Palácio Belvedere, no Vaticano, onde a estátua está em exibição. Por muito tempo considerado o auge da arte grega.

Recursos eletrônicos: Grande Enciclopédia Cirilo e Metódio. SALA DE DVD. - M.: LLC Cyril and Methodius, CD Global Deejays / SoundofSanFrancisco (Progress) mp3.

Tive que cavar e digitalizar para mostrar algumas das obras-primas, armazenadas principalmente no Museu Britânico. São miniaturas dos manuscritos das oficinas de Herat e Tabriz do final do século XV - início do século XVI.

Então, chegou a hora da divisão final entre sunitas e xiitas. A época do maior florescimento da arte da Pérsia, Afeganistão e Ásia Central. No centro do mundo - Herat (Afeganistão), surge gradualmente uma brilhante escola de miniaturistas, a princípio rígida e geométrica, bastante seca. Aqui está Ben Hur no Palácio Negro:

Mas o artista mais famoso do mundo muçulmano - Behzad (Bihzad) tornou-se um verdadeiro gênio.

Behzad, Alexander (macedônio) se encontra com um eremita:

O incrível brilho e ousadia dos contrastes de cores são combinados com certas tentativas de transmitir as realidades da vida:

Behzad, cena do banho público:

e experimentos que podem levar a uma perspectiva:

Mas se ele não conseguiu isso, ele avançou a coloração poderosamente:

Em conexão com a transferência da capital, Behzad mudou-se para Tabriz. Sob sua influência, a escola de miniaturas que já existia ali floresceu descontroladamente. Os artistas são reconhecidos por suas cores e técnicas favoritas. Sultão Muhammad:

É esta miniatura atribuída ao lendário Aqa Mirak que mais me impressiona. Retângulos aninhados uns nos outros, com enfeite decrescente, e a árvore final na abertura do mirante, mesmo cruzando a moldura do quadro, é hipnotizante

Claro, a miniatura também floresceu em outras cidades. E países vizinhos. Avalie a combinação de cores - Qazvin, fino. Sheikh Muhammad, "O poeta Lagari e o nobre obeso", "Tuhfat-al-Ahrar"

Vamos acabar com esse artista...

Resta dizer que na Rússia existe uma das melhores coleções desses manuscritos - o Estado. biblioteca para eles. Saltykov-Shchedrin, São Petersburgo. No entanto, a maioria das miniaturas mostradas aqui são do Museu Britânico, em Londres.

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Qual é a diferença entre o quadrado preto de Malevich e o círculo vermelho com bolinhas verdes de Vasya Vatnikov? ouso dizer nada. É verdade que qualquer esteta lhe dirá (apesar do fato de o próprio Malevich ter notado que sua imagem não significa nada) sobre o significado oculto mais profundo da obra. No entanto, o mesmo pode ser dito sobre o círculo vermelho de Vasya Vatnikov com bolinhas verdes: o círculo de ervilhas simboliza o círculo vicioso do ser e assim por diante. Então, por que o preço de duas pinturas completamente desinteressantes, outras coisas sendo iguais, é tão diferente? A resposta a essa pergunta deve ser encontrada no campo da ciência conhecido como Etologia, e não na arte.

1. Prazer estético da imagem.

É lógico supor que a imagem, como qualquer outro produto expressão criativa, foi projetado para proporcionar prazer estético com a contemplação de uma obra-prima, pela qual as pessoas supostamente pagam milhões. Porém, se você olhar mais fundo, fica claro que o prazer estético é a última coisa que afeta o custo da tela. Não conta nada. Afinal, se o principal valor de uma obra-prima está em sua aparência e, por isso, afeta uma pessoa, então por que suas cópias custam um centavo, ao contrário do original? Portanto, a própria obra-prima, a própria imagem - não custa nada, custa apenas a exclusividade da tela. Ou algo se perde ao copiar, o que na verdade torna uma obra-prima uma obra-prima? Dificilmente, especialmente dada a tecnologia de cópia de hoje, bem como a alta habilidade dos artistas (se nós estamos falando sobre redesenho). Há apenas uma conclusão: o preço de uma pintura geralmente não é afetado pelo que se costuma chamar de valor artístico. O valor artístico vale um centavo. E aqui é claramente uma questão de exclusividade.

2. Existe algum prazer estético em uma obra-prima e quão forte é?

Aparentemente, até mesmo o próprio prazer estético de todos os tipos de quadrados pretos, as pessoas também surgiram. Um exemplo disso é Van Gogh, que durante sua vida vendeu apenas uma pintura, e essa foi comprada dele por pena. Por que suas pinturas não interessaram a ninguém durante sua vida? Provavelmente porque ninguém experimentou prazer, deleite e admiração por sua "habilidade". E ninguém viu sentido neles, e se ele estava neles, então ninguém se importava com isso.

Mas de repente, algum tempo depois de sua morte, suas pinturas de repente começam a proporcionar o mais forte prazer estético às grandes massas e adquirem um certo significado profundo que milhões de estetas admiram. De alguma forma isso é estranho! Como é que em um momento ninguém gosta de suas pinturas, mas de repente, como num passe de mágica, o mundo inteiro se apaixona por suas pinturas? Aliás, isso se aplica à maioria dos artistas, existe até um ditado: o reconhecimento vem para o artista após a morte. Por alguma razão, grandes poetas, como Pushkin e Vysotsky, e escritores como Orwell e Bulgakov, chegam durante a vida, mas para grandes artistas somente após a morte. Algo está errado aqui.

Se você considerava uma certa garota assustadora 20 anos atrás, ela o será para você hoje. Ele também gostava de ver fotos. O fato de uma vez as pinturas do artista não agradarem aos olhos e de repente começarem a agradar, apenas confirma o que foi descrito no parágrafo acima: o valor artístico da tela não interessa a ninguém e não desempenha nenhum papel papel importante no valor da pintura, bem como em reconhecê-la como uma obra-prima. O prazer estético na maioria dos casos é simplesmente inventado pelo público. A qualidade da tela só pode ser avaliada artista profissional, e esta é uma categoria muito limitada da população, e certamente eles não estão comprando essas pinturas por tanto dinheiro.





Mark Rothko, Laranja, Vermelho, Amarelo. O preço da pintura é de 86,9 milhões de dólares.

Recebeu prazer estético da imagem? Mesmo que tenham recebido; mesmo que alguns estilos de desenho supercomplexos tenham sido usados ​​​​para criar este Mui Ne, isso não pode nem custar milhares de dólares, por mais profundo, supostamente, que o significado seja investido nele. O preço desta pintura é igual ao preço dos materiais gastos na sua criação + um custo extra pela obra. É verdade que, com esse trabalho, claramente vale um centavo. Eu tenho um pintor na entrada que de alguma forma completou seu trabalho de forma desleixada - o resultado foi uma reconstrução das obras de Rothko. Só o pintor recebe bem menos.

Dos dois primeiros pontos, verifica-se que nem o prazer estético de ver a imagem, nem o valor artístico na formação do preço desempenham qualquer papel. Para cópias de pinturas custam um centavo. Então, é tudo uma questão de exclusividade e circulação limitada - isso é um e dois - a questão é a que pincel pertence a obra. Na época de Van Gogh não havia um único artista digno? Por que suas pinturas valem milhões e o resto não é necessário para nada? Por que na Rússia de hoje as pinturas de Nikos Safronov custam milhares de vezes mais do que as obras de alta qualidade (e muitas vezes mais) de milhares de outros artistas?

3. Exclusividade da tela.

O homem, como você sabe, é um animal social e, para todos os animais que vivem juntos em uma comunidade, a questão do status desempenha um papel extremamente importante, porque. o status determina como os outros membros da comunidade tratarão esse indivíduo. Toda comunidade animal usa várias ferramentas- o tamanho dos genitais, cauda, ​​​​crina, volume do rugido e muito mais. Como uma pessoa se afastou bastante dos animais em termos da complexidade da comunidade em que vive, ela tem muito mais ferramentas para demonstrar status. O status é importante em absolutamente todos os estratos sociais da população e em cada um de seus grupos, independentemente do número de indivíduos. Mesmo as pessoas que verbalmente rejeitam completamente o consumismo (suponha que skinheads ou punks) são completamente dependentes desse instinto. E o status, em primeiro lugar, pode ser alcançado precisamente por meio do consumo. Por exemplo, todo skinhead dos anos 90 sonhava com répteis com cadarços brancos - tal roupa demonstrava seu alto status entre os primatas ao seu redor. E para os punks, medidos pela inclinação dos iroqueses - essa característica de demonstrar status geralmente é removida da selva como papel vegetal.

Para pessoas mais ricas, para demonstrar status, servem, por exemplo, carros caros, iates e aeronaves. Não basta uma pessoa muito rica comprar apenas um iate legal - deve ser o maior do mundo. por que ele precisa do maior iate particular do mundo, cujas funções ele nem usará? O iate é chamado apenas fique de pé e mostrar o seu estado. Todos!

Mas as coisas mais caras do mundo são exclusivas ou de edição limitada. Para uma pessoa muito rica, um Mercedes não é mais suficiente para demonstrar status, porque. Muitas pessoas têm Mercedes. Você pode observar uma versão simplificada desse mecanismo no exemplo do comportamento das fêmeas humanas: como ela se alegra ao adquirir roupas caras e bonitas, mas como fica chateada se de repente sua colega de trabalho vier exatamente com a mesma blusa. Ela perdeu a exclusividade e, com essa perda, superou o status, o que foi o motivo do luto. Para evitar tais incidentes, uma pessoa muito rica compra um relógio de edição limitada por um dinheiro louco, que essencialmente não difere de outros relógios legais, exceto por sua exclusividade. Aqueles. ele paga pela exclusividade. Os relógios Rolex, por exemplo, também servem a esse propósito. Se os Rolexes forem dados a todos de graça, eles perderão seu valor e se tornarão inúteis para qualquer pessoa, assim como os relógios Montana se tornaram desnecessários.

Daí os escândalos com os relógios supercaros de Peskov. Eles usam esse blues como meio de demonstrar status. Se os relógios de Peskov fossem lançados em uma série ilimitada, custariam mil vezes mais barato. Obras-primas artísticas são usadas da mesma maneira. O principal não é o que é desenhado - mesmo que seja um balde franco. O principal é ter um exclusivo que ninguém mais tem! Daí o preço alto dos originais e baixo das cópias. Peskov vem visitar o Patriarca, olha - e seu relógio é ainda mais legal. O que resta a ser feito pelo infeliz Peskov em sua dor? Compre para o seu coleção privada pintura por US$ 50 milhões. Nesse sentido, a arte é o método mais eficaz de demonstrar status: um relógio pode ser uma edição limitada, mas alguém no mundo ainda o possui. Mas ninguém tem o original de tal imagem. O que é pintado nele? Sim, o inferno vai entender, o principal é que só eu tenho!

É especialmente interessante que todas aquelas regras complexas que um produto deve cumprir são criadas pelos próprios especialistas em conjunto com os fabricantes do produto e não podem ser avaliadas objetivamente pelo consumidor. a funcionalidade de tal produto é um critério secundário - retire o valor neles contido na forma de marcas de muitos produtos exclusivos - e a maioria deles perde imediatamente seu alto valor.

Resta apenas entender quais critérios são usados ​​​​para selecionar candidatos para futuras obras-primas? Por que exatamente o dauber de Rothko, Lucho Fontano, Barnet Newmon, e não o pintor da minha entrada? Por que Nikas Safronov e não um artista do Arbat?

4. Exclusividade do artista.

Considere o exemplo do mesmo Rothko. Quando Rothko começou a pintar, não havia mercado de arte. Estes foram os primeiros anos pós-guerra, a Europa estava em ruínas, o entusiasmo inicial dos primeiros patronos do século já havia sido lavado pela Grande Depressão e artistas americanos foram deixados inteiramente a si mesmos - em um país que, por suas razões, não tinha nem tradição própria, nem mitologia própria, nem cultura. Sem galerias, sem curadores, sem colecionadores, sem críticos. Era impossível até mesmo formular de forma convincente o que agora precisa ser escrito: os velhos paradigmas há muito se foram, dando lugar à vanguarda européia, mas a vanguarda não foi capaz de se justificar. E então Rothko aparece com seu maldito - o fundador da pintura do campo abstrato. O que distinguiu favoravelmente Rothko de milhares de outros artistas e artistas NORMAIS? Ele foi o primeiro a começar a expor isso aqui. Aqueles. exclusivo. Além disso, o custo das pinturas é afetado pela tragédia da vida do artista. E Rothko cortou suas veias com uma navalha. Daí, anos após sua morte, e o custo das pinturas. Era exclusivo em sua especificidade. Especificidade não como artista (seu trabalho para belas-Artes não tem nada para fazer), mas como pessoa.

Você provavelmente notou que poucas pessoas estão interessadas em artistas normais? O principal hype em torno de francamente viajou, como Frida, Van Gogh e assim por diante.

A propósito, Van Gogh! para todos os meus vida difícil ele nunca vendeu uma única de suas pinturas (mais precisamente, uma, e até aquela foi comprada por pena). Mas ainda assim ele continuou a escrever e desenhar com o frenesi de um fanático. E se surgisse um dilema diante dele - morrer de fome ou desenhar, então ele escolheu desenhar ... Em uma das psicoses, ele até cortou a orelha. Sua biografia se destaca claramente do pano de fundo de muitos outros contemporâneos. Ele é um excelente candidato para as artes celestiais. Ele foi criado, destacado da massa de artistas por seu tormento e paixão pela pintura e tudo mais por embaçar os olhos e as mentes dos habitantes da cidade.

Aqueles. Grosso modo, há muito tempo no mundo da arte existe um círculo de pessoas que vendem aos habitantes da cidade o status de “obra-prima” em relação a quase qualquer imagem de qualquer artista, e esses habitantes da cidade dão dinheiro a eles por isso. Na verdade, não são as pinturas em si que valem o dinheiro, mas as biografias dos artistas selecionados. E outra nuance: o sucesso futuro do artista e o custo de suas pinturas também são influenciados por quem será o primeiro a comprar sua pintura. Se for um bilionário, isso aumenta automaticamente o status do autor e, consequentemente, o custo de suas pinturas. Um excelente exemplo disso é Nikas Safronov.

5. A engenhosidade do artista, ou marketing competente.

É impossível pensar em um exemplo mais brilhante do que Nikas Safronov! maioria imagem cara os "Sonhos da Itália" deste artista valem $ 106.000. Não há nada de especial nas pinturas de Safronov, tais sonhos da Itália - dezenas de milhares estão nas galerias. Mas apenas um vale cem mil dólares. Por que? Como escrevi no último parágrafo, um dos fatores mais importantes no status das pinturas de um artista é quem possui suas pinturas. Safronov nos anos 90 trabalhou no teatro da figura de destaque do show business Donatas Bonionis, por meio de quem teve a oportunidade de entrar em contato com as estrelas palco russo e famoso políticos, que, aproveitando a oportunidade, fez autorretratos. Assim, suas pinturas acabaram nas casas das elites. E para que eles estivessem lá com certeza, ele pintou celebridades apenas como nobres, reis, etc.

E então foi assim: “Uau. Uma foto de algum Safronov está pendurada na casa de Pugacheva. Aparentemente ele é legal. Encontre-me o número dele - eu também compro ”, admirou o oligarca, ou político. Então Safronov se tornou o "Grande" artista.

O exemplo mais claro de tal recurso que você pode observar durante a exposição de um artista em Moscou (não me lembro exatamente quem). Nem todos se importavam com ela da alta torre do sino, quando de repente ela foi visitada por ... Putin. No dia seguinte, uma fila gigantesca de pessoas que desejam ingressar no alto valor artístico fez fila na galeria. É que Putin, com sua campanha, mostrou a um bando de primatas que a exposição de pinturas desse artista é um evento de status, só isso.

6. Fotos e Bolsa de Valores

“Obras-primas” para seus proprietários particulares, além de exibições, são notas de um valor muito grande (e, como o proprietário espera, crescente). Este é um instrumento financeiro específico em que o dinheiro é investido quando há muito desse dinheiro extra. Por exemplo, pode-se lembrar de colecionadores japoneses que começaram a comprar obras de arte e coisas raras em todo o mundo exatamente quando a taxa CBA tornou-se obscenamente baixa.

Bem, você pode negociá-los, como na bolsa de valores: você compra uma pintura e espera que seu preço suba. E quanto vai aumentar depende de quanto ele e seu autor serão promovidos, quão profundo o significado será inventado para isso. Aliás, o preço está crescendo não só pela dura vida do autor, como já mencionado, mas também pela difícil história da própria pintura. Então, de vez em quando, alguns malucos atacam as pinturas, encharcando-as de tinta. No mesmo Louvre, isso já é geralmente a norma. O paradoxo é que depois de tais ataques, a tinta é, claro, apagada, mas as pinturas estão subindo rapidamente de preço, porque têm essa história: atacaram a pintura, encharcaram-na com tinta, milagrosamente a salvaram. Pessoalmente, inclino-me a acreditar que tais ataques são organizados diretamente pelos donos das pinturas (físicas ou jurídicas), para que esse bem continue a se valorizar.

Se de repente acontecer o inacreditável e o preço das pinturas começar a despencar, garanto que todos os seus proprietários esquecerão instantaneamente seu valor histórico insuperável e começarão a vendê-las loucamente, como acontece com títulos ilíquidos no mercado.

Não estou de forma alguma dizendo que algum desses artistas é ruim: não, todos são talentosos à sua maneira. Até Nikas Safronov, que entre os especialistas está sujeito às críticas mais severas. De qualquer forma, na minha vida não vou desenhar como ele desenha. Isso é sobre outra coisa. É sobre as razões do custo inadequado da pintura. E me parece que descrevi todo o processo de formação de preços e, o mais importante, os motivos que levam o consumidor a formar tais preços, de forma mais do que convincente! E a qualidade da imagem, seu valor artístico e o prazer estético da contemplação nada têm a ver com o custo. E se alguém começar a esfregar isso em você, então ele é apenas uma estrela.

ACRÓPOLIS DE ATENAS

PHIDIUS

HISTÓRIA DE UMA OBRA-PRIMA

Acrópole de Atenas

Nome Acrópole em Atenas

Data de criação V c. BC.

arquitetura de forma de arte

Estilo arquitetônicoarquitetura antiga

Propósito atuou como um santuário religioso em toda a Ática

Aparência arquitetônicaA Acrópole ergue-se acima de toda Atenas, sua silhueta forma o horizonte da cidade. Nos tempos antigos, o Partenon erguendo-se acima das colinas podia ser visto de qualquer parte da Ática e até mesmo de navios navegando para a costa. A composição cuidadosa de todo o conjunto, proporções perfeitamente encontradas, uma combinação flexível de várias ordens, a melhor moldagem de detalhes arquitetônicos fazem dos edifícios da Acrópole a maior conquista da arquitetura grega antiga e um dos monumentos mais destacados da arte mundial.

solução estruturalna construção da Acrópole, Fídias aplicou um sistema de ordens, que incluía três ordens: a jônica, a dórica e a coríntia. Além disso, durante a construção do Erechtheion, ele não usou o sistema de pedidos, mas cariotes. Em todos os templos da Acrópole, são representadas figuras de deuses misturadas com pessoas.

materiais Todos os elementos da construção da Acrópole, incluindo as telhas e os degraus do estilóbato, foram lavrados em mármore penteliano local, quase branco imediatamente após a mineração, mas com o tempo adquirindo um tom amarelado quente. Não foi utilizada argamassa ou cimento, o assentamento foi feito a seco. Os blocos foram cuidadosamente encaixados entre si, a ligação horizontal entre eles foi feita com o auxílio de grampos de ferro em viga I colocados em ranhuras especiais e preenchidos com chumbo, a ligação vertical foi feita com o auxílio de pinos de ferro.

Dimensões aprox. 300 m de comprimento e 170 m de largura

Fídias (c. 490 aC Atenas)

grandes obras

• Athena Promachos na Acrópole, c.460 aC e.
• Zeus Olímpico

A ideia do trabalhoA Acrópole de Atenas, que é uma colina rochosa de 156 metros com um topo suave. Em 447, a direção da obra foi confiada à famosa escultura Fídias, que, aparentemente, foi o autor programa de arte, que formou a base de todo o complexo, sua aparência arquitetônica e escultural.

437-432 Propylaea e Templo de Nike Apteros

421-406 Erecteion

448-432 Partenon

O destino do trabalho

Destruição Muitas vezes os templos da Acrópole foram reconstruídos por guerreiros frequentes.

Reconstrução Após a proclamação da independência da Grécia, durante as obras de restauração (principalmente no final do século XIX), a aparência antiga da Acrópole foi restaurada tanto quanto possível.

look de hojePermanecendo sob céu aberto as esculturas agora foram substituídas por cópias. Muitos relevos e esculturas estão nos museus do mundo.

Fatos interessantesNo século XV, o Partenon foi transformado em mesquita, à qual foram anexados minaretes, e o Erecteion tornou-se o harém do paxá turco.

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COLISEU

HISTÓRIA DE UMA OBRA-PRIMA

Coliseu

(Anfiteatro Flaviano)

Breve informação sobre o trabalho

Nome Coliseu (Anfiteatro Flaviano).

Data de criação 75 - 80 anos. DE ANÚNCIOS

Local de construção Itália, Roma

arquitetura de forma de arte

Estilo arquitetônicoarquitetura antiga

Propósito nos anfiteatros deram diferentes espetáculos: batalhas navais, batalhas

pessoas com animais exóticos, lutas de gladiadores.

Aparência arquitetônicaO Coliseu Romano era uma enorme tigela com

fileiras escalonadas de assentos, fechadas do lado de fora do anel elíptico

parede.

solução estruturalem relação ao Coliseu - uma elipse. A arena é separada por um alto

parede dos assentos da platéia. Ao redor da arena, subindo gradualmente, estavam

assentos para espectadores separados por corredores largos. Havia quatro dentro

fileiras de assentos, que no exterior correspondiam a três fileiras de arcadas: dórica

Jônico e Corintiano. A quarta camada era surda, com pilastras coríntias.

materiais O Coliseu é feito de tufo, as paredes externas são de material mais duro

traventine, tijolo e concreto foram usados ​​para abóbadas e paredes.

Dimensões comprimento - 188 m., altura - 48,5 m., comprimento circunferencial - 520 m.

A história da criação da obra

A ideia do trabalhono Coliseu, foram encenados espetáculos populares em Roma - lutas de gladiadores, lutas com animais e até batalhas navais - naumachia (então a arena se encheu de água). Além disso, houve competições equestres, competições esportivas e algo parecido com concertos modernos. A organização de tais espetáculos era um dos deveres tácitos classe dominante e era uma maneira segura de conquistar o amor do povo. Por uma questão de importância nacional, que também está associada a altos custos, a realização de jogos foi regulamentada por muitas leis.

Duração e etapas de construçãoO Coliseu foi usado por finalidade por quatro séculos e meio, e durante esse tempo foi repetidamente concluído, parcialmente reconstruído e reparado, sem alterar o design geral. Em 217, as camadas superiores queimaram como resultado de um incêndio causado por um raio, mas foram restauradas. Em 248, o milênio de Roma foi celebrado solenemente no Anfiteatro. A última luta de gladiadores ocorreu em 404, e em 405 tais espetáculos foram banidos por serem contrários ao espírito do cristianismo, que naquela época havia se tornado a religião dominante. Segundo vários testemunhos, em meados do século V o Coliseu ainda mantinha a sua aparência original, mas já 50 anos depois estava gravemente danificado, possivelmente devido a um terremoto. A perseguição aos animais foi organizada no Coliseu por mais de um século - a última ocorreu em 523, após a queda do estado romano. Por algum tempo, o anfiteatro foi ocasionalmente usado como arena, mas nos séculos VIII-IX foi completamente abandonado.

O destino do trabalho

Destruição Gradualmente, o anfiteatro derreteu - suas pedras foram desmontadas, a camada inferior dos arcos gradualmente foi para o subsolo, árvores cresceram nas ruínas e até animais selvagens viveram. Como monumento da história e da arquitetura, a Arena começou a ser percebida apenas no século XVIII. O primeiro papa a ser tocado pelo destino do Coliseu foi Bento XVI. Ele o reverenciava como o lugar onde muitos mártires cristãos encontraram a morte (embora nem todos os estudiosos modernos concordem com isso) e, em memória de seu sofrimento, ele instalou uma enorme cruz no meio da arena e vários altares próximos. Esses símbolos existiram até 1874.

Reconstrução E desde aquela época, o Coliseu tem sido constantemente restaurado: em diferentes períodos, as paredes sobreviventes foram reforçadas, que ameaçavam desabar, as escadas internas foram reparadas, algumas partes perdidas foram concluídas, escavações foram feitas e salas subterrâneas foram descobertas. Em 1997, um levantamento grandioso do Coliseu foi realizado usando modernos equipamentos de laser e infravermelho. Esses trabalhos permitiram criar um mapa preciso do Anfiteatro e identificar os locais de maior deformação da estrutura.

look de hojeO Coliseu ainda é tão impressionante e singularmente original que quem entra pode, se quiser, ver por um momento este gigantesco edifício como era, quando milhares de rostos excitados se voltavam para a arena, e ali, entre os redemoinhos de poeira, o sangue correu em riachos e houve uma luta tão feroz, que a linguagem humana é impotente para descrever. Mas no momento seguinte, o vazio e a grandeza sombria dessas ruínas provocam uma tristeza silenciosa no visitante; e, talvez, nunca mais fique tão emocionado e chocado com qualquer outro espetáculo que não esteja diretamente relacionado aos seus sentimentos e experiências pessoais ... Este é o espetáculo mais impressionante, mais solene, majestoso e sombrio que você pode imaginar.

Fatos interessantesPara a construção do Coliseu, foi necessário drenar o lago. Ele era

projetado para 50.000 espectadores. Foi possível liberar simultaneamente na arena

3.000 gladiadores. A colocação de pessoas foi realizada em uma base social:

lugares de nível inferior para o imperador, sua comitiva, senadores; segundo terceiro -

para cavaleiros e cidadãos romanos; a quarta é para os libertos. Sistema

galerias e muitas entradas ajudaram a encher e esvaziar rapidamente o edifício.

Para proteger os espectadores do sol em todo o anfiteatro em mastros altos,

Fortificado na parede do quarto nível, um toldo (velarium) foi esticado. Profundo

os porões do Coliseu eram quartos para gladiadores, jaulas para animais.

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PARTENON

IKTIN E KALLIKRAT

HISTÓRIA DE UMA OBRA-PRIMA

Partenon

Breve informação sobre o trabalho

Nome Partenon

Data de criação 447-438 anos. BC

Local de construção Grécia, Atenas

arquitetura de forma de arte

Estilo arquitetônicoarquitetura antiga

Propósito o principal templo da Acrópole, dedicado à deusa Atena

Aparência arquitetônica.O Partenon em sua forma atual é um peripter dórico apoiado em três degraus de mármore (altura total de aproximadamente 1,5 m), com 8 colunas nas extremidades e 17 nas laterais (se contarmos as colunas dos cantos duas vezes). A altura das colunas do peristilo compostas por 10 a 12 tambores é de 10,4 m, seu diâmetro na base é de 1,9 m, as colunas de canto são ligeiramente mais grossas (1,95 m). As colunas têm 20 estrias (calhas verticais) e afunilam-se para cima. O interior do templo, ou cella (tamanho externo de 21,7-59 m), é elevado acima do estilóbato por mais dois degraus (altura total de 0,7 m) e possui pórticos prostilados de seis colunas nas extremidades, cujas colunas são um pouco mais baixas do que na colunata externa. Cella é dividida em duas salas. A oriental, mais longa e denominada hecatompedon (tamanho interno 29,9-19,2 m), foi dividida em três naves por duas fileiras de 9 colunas dóricas, que se fechavam na extremidade oeste com uma fileira transversal de três colunas adicionais. Supõe-se que havia também um segundo nível de colunas dóricas, que se localizava acima do primeiro e fornecia a altura necessária dos tetos. No espaço delimitado pela colunata interna, havia uma colossal (12 m de altura) crisoelefantina (feita de ouro e marfim) estátua de culto a Atenas por Fídias. Os tetos da câmara oeste da cela (tamanho interno 13,9-19,2 m) repousavam sobre quatro colunas altas, presumivelmente jônicas.

solução construtiva.Todas as linhas do templo parecem perfeitamente retas, porque os arquitetos levaram em consideração as peculiaridades da visão humana: para que as linhas retas não pareçam côncavas, elas foram convexas. Todas as linhas do Partenon, todos os seus planos são dobrados, ligeiramente arredondados, as colunas se inclinam para dentro, as distâncias entre elas são diferentes, embora pareçam iguais, as colunas dos cantos são mais maciças e mais próximas de seus vizinhos, caso contrário, eles pareceria magro sob o sol forte.

Materiais. Todos os elementos da construção do Partenon, incluindo as telhas e os degraus do estilóbato, foram talhados em mármore penteliano local, quase branco imediatamente após a mineração, mas com o tempo adquirindo um tom amarelado quente. Não foi utilizada argamassa ou cimento, o assentamento foi feito a seco. Os blocos foram cuidadosamente encaixados entre si, a ligação horizontal entre eles foi feita com o auxílio de grampos de ferro em viga I colocados em ranhuras especiais e preenchidos com chumbo, a ligação vertical foi feita com o auxílio de pinos de ferro.

Dimensões. As dimensões do templo em planta (de acordo com o estilóbato) são de 30,9-69,5 m.

Iktin (segunda metade do século V aC)

Anos de atividade criativa.Arquiteto grego antigo 2º andar. 5º c. BC e. O maior arquiteto do período clássico.

grandes obras

• Odeon de Péricles em Atenas
• Templo de Apolo em Basy, c. 430 aC

Callicrates (meados do século V aC)

Anos de atividade criativa.arquiteto grego antigoSer. 5º c. BC e. Representante do período clássico

grandes obras

• Parthenon, Atenas, séc. BC.
• Templo de Nike Apteros, Atenas, c. 420 aC

Fídias (início 5º c. BC e. - OK. 432-431 aC e.)

Anos de atividade criativa.Antigo escultor grego do período do Alto Clássico.

grandes obras

• Athena Promachos na Acrópole, c.460 aC e.
• Zeus Olímpico
• Athena Parthenos, Atenas, consagrada 438 aC e.
• Decoração escultural do Parthenon, Atenas

A história da criação da obra

A ideia do trabalho.Parthenon - o centro da Acrópole ateniense, um dos templos mais majestosos da Grécia Antiga, dedicado a Atenas, possui várias características únicas. (O Parthenon é construído na forma de um peripter).

Duração da construção.A construção do Parthenon durou 16 anos e foi concluída em 432 aC. e.

O destino do trabalho

Destruição. Na era bizantina, no início do século VII, o Parthenon tornou-se Igreja cristã Santa Sofia. A estrutura interior do templo sofreu uma alteração radical. Durante a construção da abside, todas as figuras centrais do frontão oriental foram destruídas. Em 1456, Atenas foi capturada pelos turcos. A Acrópole tornou-se uma fortaleza turca. O Parthenon foi convertido em uma mesquita. Em 1685, eclodiu uma guerra entre a Turquia e a República de Veneza. No Partenon, os turcos montaram um depósito de pólvora. Durante sua explosão, toda a parte central do templo foi destruída, exceto a parede oeste e a maior parte da colunata. Os venezianos queriam levar as esculturas como troféu, mas elas caíram porque não aguentaram bem após a explosão.

Reconstrução A restauração do templo começou no século XIX. A colunata norte foi restaurada, assim como as esculturas do frontão (moldes de cimento com adição de lascas de cimento). Na década de 1950, o piso do templo foi restaurado.

Look de hoje.Agora apenas a parede oeste permanece do volume central. De esculturas autênticas apenas duas figuras do frontão ocidental e um friso na parede ocidental permanecem. O Partenon de hoje, ou melhor, suas majestosas ruínas, é branco.

Fatos interessantes.Hoje, o Partenon é considerado um dos maiores exemplos da arquitetura antiga, uma obra-prima da arte e dos plásticos mundiais.

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PIRÂMIDES DE GIZÁ

HISTÓRIA DE UMA OBRA-PRIMA

Breve informação sobre o trabalho

O nome da pirâmide de Gizé

Data de criação Vv. BC .

Local de construção Egito, Gizé

arquitetura de forma de arte

Estilo arquitetônico

Propósito túmulos dos faraós

Aparência arquitetônicao conjunto inclui a Esfinge e três grandes pirâmides: Quéops, Khafre e Mekerin. Este último tem mais três pequenas pirâmides satélites. Cada pirâmide inclui um templo mortuário a montante e a jusante do Nilo, bem como um corredor que os conecta. A Esfinge é a estátua de um leão com cabeça humana.

solução estruturaltrês monumentos estão dispostos na diagonal, mas de tal forma que nenhum ofusca o sol do outro.

Materiais pedra

Dimensões A pirâmide de Quéops é a maior: é quadrada, cada lado tem 250m. Cada pedra não é inferior a 10m. Tendo inicialmente 146m de altura, hoje atinge apenas 137m, e no local do cume formou-se uma plataforma de 10m de largura. A altura da pirâmide de Khafre é menor que a anterior, mas seu topo está no mesmo nível dela, pois fica em um local mais alto. A pirâmide de Mekerin mal atinge 66m. O comprimento da Esfinge é de 73m.

(Data e local de nascimento)

Educação

Anos de atividade criativa

Data e local da morte

grandes obras

• (Nome, local e data de construção)

A história da criação da obra

A ideia do trabalho

Duração e etapas de construçãoprimeiro eles passaram 10 anos construindo uma estrada ao longo da qual pedras foram arrastadas, mas isso não foi nada comparado à construção da própria pirâmide. Foram necessários 20 anos de trabalho. A pirâmide foi inicialmente construída na forma de uma grande escadaria, composta pelo que alguns chamam de merlões, outros chamam de degraus. Esta forma permitiu que o resto das pedras fossem levantadas.

O destino do trabalho

Destruição o conjunto da pirâmide de Quéops está quase totalmente destruído, e o conjunto da pirâmide de Khafre, ao contrário, está quase todo preservado.

A reconstrução não foi realizada.

look de hojesobreviveram até nossos tempos.

Fatos interessantesexistem inscrições na pirâmide de Quéops que indicam quanto dinheiro foi gasto na compra de raiz-forte, cebola e alho para alimentar os trabalhadores. O valor das despesas chegou a 6.000 talentos de prata, ou seja, 40.000 kg.

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STONEHENGE

HISTÓRIA DE UMA OBRA-PRIMA

stonehenge

Breve informação sobre o trabalho

Nome Stonehenge

Data de criação 3500 - 1100. BC.

Localização Reino Unido, Inglaterra

Arquitetura de forma de arte

Estilo arquitetônicoarte primitiva

Propósito Talvez Stonehenge, atuando como um templo do Sol, fosse um local de cerimônias rituais e enterros, e também servisse como um símbolo impressionante do poder dos sacerdotes. Outra versão não está excluída, segundo a qual Stonehenge, atuando como um observatório astronômico, permite manter uma contagem de dias do calendário com grande precisão, marcar o início da temporada, prever o início dos eclipses solares e lunares.

Aparência arquitetônicaStonehenge consistia em dois salões circulares no centro, que tinham um altar em forma de ferradura.

materiais Para a construção do complexo, foram entregues pedras de uma pedreira, localizada a mais de 300 quilômetros do canteiro de obras.

Dimensões Em geral, Stonehenge é uma estrutura de 82 megálitos de cinco toneladas, 30 blocos de pedra, pesando 25 toneladas cada, e 5 enormes chamados trilitos, pedras com peso de até 50 toneladas. Blocos de pedra empilhados formam arcos que já serviram como um indicador perfeito das direções cardeais.

A história da criação da obra

Duração e etapas de construçãoStonehenge I era um fosso circular com dois salões. Em um círculo ao longo da muralha externa, existem 56 pequenos "buracos" funerários de Aubrey. A nordeste da entrada do anel havia uma enorme Pedra do Calcanhar de sete metros. Durante a construção de Stonehenge II, um beco de terra foi colocado entre a Pedra do Calcanhar e a entrada. Dois anéis de 80 enormes blocos de pedra azul foram erguidos, que provavelmente foram entregues a 320 km de South Wales. Na fase final da construção, os megálitos foram reorganizados.As pedras azuis foram substituídas por uma colunata anelar de 30 trilitos, cada uma das quais consistia em duas pedras verticais e uma laje horizontal apoiada sobre elas. Uma ferradura de cinco trilitos separados foi instalada dentro do anel.

O destino do trabalho

look de hojeHoje não há uma resposta inequívoca para a questão de quais eram essas incríveis estruturas arquitetônicas antigas: um templo, uma necrópole, um observatório, mas, de qualquer forma, a história da arquitetura começou com elas.

Fatos interessantesO famoso astrônomo Fred Hoyle, tendo estudado todas as características geométricas de Stonehenge, determinou que os criadores dessa estrutura conheciam o período orbital exato da Lua e a duração do ano solar. De acordo com as conclusões de outros pesquisadores, os buracos localizados dentro do círculo formado por blocos de pedra indicam exatamente a trajetória do Pólo do Mundo há 12-30 mil anos.Segundo a lenda local, pedras azuis gigantes têm poderes curativos, surgiram nesta terra graças ao mágico Merlin, um feiticeiro da corte do Rei Arthur, que as trouxe da Irlanda. A origem da enorme Pedra do Calcanhar está ligada a outra lenda. Dizem que uma vez o diabo viu um monge escondido entre as pedras. Antes que o infeliz pudesse escapar, o diabo lançou uma enorme pedra sobre ele, que o esmagou no calcanhar. Por muito tempo, as ruínas de Stonehenge foram associadas ao culto sacerdotal dos antigos druidas celtas, embora os especialistas neguem essa conexão.

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PALÁCIO MIKHAILOV (MUSEU RUSSO)

DATA DE CRIAÇÃO 1819-1825

HISTÓRIA DA CRIAÇÃOEm 1798, Paulo I ordenou reservar várias centenas de milhares de rublos todos os anos para a construção de um palácio para seu filho mais novo, Mikhail. O imperador nunca teve a chance de ver a concretização de sua ideia, como resultado de um golpe palaciano, ele morreu. A decisão de iniciar a construção foi tomada pelo imperador Alexandre I. O arquiteto do Castelo Mikhailovsky em construção éKarl Ivanovich Rossi . Começou a trabalhar no projeto em 1817, quando se pretendia arranjar a residência do Grão-Duque, primeiro no local.Palácio Vorontsov e depois no lugarcasa de Chernyshev . Após a decisão de construir um palácio neste terreno baldio,Rússia começou a criar um projeto não apenas para a reconstrução de edifícios existentes, mas para um novo conjunto arquitetônico urbano. A colocação cerimonial do edifício ocorreu em 14 de julho e a construção começou em 26 de julho. Mikhailovsky Palace Rossi associado aperspectiva Nevsky nova rua Mikhailovskaya, transformando-se emPraça Mikhailovskaya diretamente em frente ao palácio. Rua Mikhailovskaya com vista para prédio principal edifício, ladeado por dois edifícios de serviços. Um deles abrigava as cozinhas, o outro abrigava a arena e os estábulos. Pelo ladocampo de marte um jardim apareceu no palácio - Mikhailovsky. A construção do edifício foi concluída em 1825.

VISUAL ARQUITETÔNICOO Museu Russo faz parte do conjunto do Palácio Mikhailovsky e do Castelo da Engenharia.O Palácio Mikhailovsky fica entre Nevsky Prospekt e o Campo de Marte. Já da Nevsky Prospekt, na perspectiva da rua, podia-se ver como, acima da arcada do primeiro andar, um magnífico pórtico de belas proporções com colunas coríntias, com um frontão ricamente decorado com esculturas. Uma colunata de vinte troncos está localizada em toda a largura da fachada, apoiada nos parapeitos laterais. Do lado do jardim, na mesma ordem coríntia de doze colunas, surge uma loggia entre dois maciços, coroada por pequenos frontões.A ampla escadaria de granito na entrada do edifício é decorada com duas estátuas de leões.

FATOS INTERESSANTESO Museu Russo é um dos mais famosos não apenas em São Petersburgo, mas em toda a Rússia. Aqui você pode ver trabalhos de arte Andrei Rublev, F. Shubin, K. Bryullov, F. Bruni, O. Kiprensky, A. Ivanov, I. Repin, A. Kuindzhi, I. Shishkin, V. Serov, M. Vrubel, B. Kustodiev, K. Malevich , M. Chagall, K. Petrov-Vodkin e outros grandes artistas russos.

DATA DE CRIAÇÃO 1806-1819

HISTÓRIA DA CRIAÇÃODesde 1704, na Ilha Admiralteysky, localizada na margem esquerda do Neva e delimitada no lado sul pelo Moika, começou a construção do estaleiro-Almirantado - de acordo com o desenho do próprio Pedro I. Juntamente com Fortaleza de Pedro e Paulo foi a base da composição arquitetônica da cidade. Na década de 1730, um terrível incêndio devastou a parte central de São Petersburgo e uma comissão especialmente criada começou a desenvolver um plano para seu novo desenvolvimento. O arquiteto Ivan Korobov, deixando o layout geral original em forma de U do Almirantado, substituiu os edifícios em enxaimel por outros de pedra. EM início do XIX século Andrey Zakharov começou a trabalhar na criação de um novo prédio do Almirantado.

VISUAL ARQUITETÔNICOO novo Almirantado foi concebido como uma espécie de monumento à frota russa e, portanto, a entrada central foi decidida na forma de um arco triunfal. O edifício é composto por dois edifícios em forma de U a nível do exterior das pessoas, destinado ao departamento do Almirantado, e no interior, onde se situavam as oficinas. O arquiteto repetiu o motivo do arco nas fachadas dos pavilhões simetricamente localizados voltados para o Neva. A decoração escultórica do Almirantado é unida por um tema - a glorificação do poder da Rússia. Em frente à entrada principal de ambos os lados estão figuras monumentais de ninfas sustentando as esferas celestiais (1812, escultor F.F. Shchedrin). Acima do arco da torre há um alto relevo “O Estabelecimento da Frota na Rússia” (1812, escultor I.I. Terebenev) com cerca de 22 metros de comprimento.

De acordo com o projeto de Ivan Korobov, foi construída uma torre com pináculo. Mais tarde, o arquiteto Andreyan Zakharov aumentou a altura da torre para 72m e a coroou com um cata-vento em forma de fragata de três mastros.

DATA DE CRIAÇÃO 1819 - 1829

HISTÓRIA DA CRIAÇÃOO projeto de Rossi do edifício do Estado-Maior previa a ligação de dois grandes edifícios localizados em arco com um arco triunfal central. Decidiu-se colocar o Estado-Maior das Forças Terrestres na ala direita (oeste) e os ministérios das relações exteriores e finanças na ala esquerda (leste). As obras foram rápidas em 23 de outubro de 1824. Rossi informou a seus superiores que toda a enorme fachada estava pronta. Assim que as asas foram erguidas, um arco foi colocado entre elas.. O arco triunfal foi concebido por Rossi como um monumento aos feitos heróicos do povo russo na libertação guerra patriótica 1812.

VISUAL ARQUITETÔNICOO arco - o principal núcleo compositivo e espacial do edifício - é reforçado por colunas coríntias duplas nas laterais e um sótão com topo escalonado. A construção é coroada pelo carro da Vitória, atrelado por seis cavalos. Toda esta espetacular composição central, de proporções quase quadradas, é ainda sustentada em ambos os lados por um claro ritmo vertical dos pórticos coríntios de nove colunas.Saturado com uma decoração escultural, a solução monumental do centro eo ritmo harmonioso das colunas dos pórticos das alas laterais é especialmente expressivo no contexto de uma estrita fachada neutra voltada para a praça.A variedade de fundações do arco é enfatizada pela armadura - altos relevos lindamente dispostos de armaduras e armas militares. Acima deles, entre as colunas, estão as estátuas de guerreiros e acessórios, e nas laterais do arco estão altos relevos em forma de figuras voadoras.Simplesmente e ao mesmo tempo tão lindamente organizar uma fachada de meio quilômetro de um edifício é extremamente difícil. Tal efeito, com um fundo geralmente calmo, é criado por um centro ativamente identificado, que é criado pelo arco do edifício e um poderoso arco de proporções perfeitas.

FATOS INTERESSANTESComo contaram as filhas de Rossi, o arquiteto, junto com os operários, subiu até o topo no dia da abertura do arco. “Se o arco cair, estou pronto para cair com ele”, disse ele ao mesmo tempo.

DATA DE CRIAÇÃO 1858

HISTÓRIA DA CRIAÇÃOInicialmente, uma pequena igreja de madeira foi construída no prado Admiralteisky, distinguida pela modéstia da arquitetura, típica dos primeiros edifícios da era petrina. Com a sua construção, Pedro I decidiu eternizar o seu aniversário - 30 de maio, que coincidiu com o dia da celebração da memória de Santo Isaac da Dalmácia. Em 6 de agosto de 1717, às margens do Neva, aproximadamente onde hoje se encontra o monumento a Pedro I, com a participação do imperador, dos mais altos dignitários do estado e do clero, foi construída a segunda Igreja de Santo Isaac. Em maio de 1735, ocorreu um incêndio devido a um raio, que completou a destruição iniciada.

Em 15 de julho de 1761, por decreto do Senado, o projeto e a construção da nova Igreja de Santo Isaac foram confiados a S.I. Chevakinsky, mas o talentoso arquiteto não precisou executar seu plano. As datas de construção foram adiadas.

Tendo subido ao trono em 1762, Catarina II aprovou a ideia de recriar a catedral associada ao nome de Pedro I, mas o projeto e a construção foram confiados ao arquiteto Antonio Rinaldi. A catedral foi concebida com cinco cúpulas complexas e uma alta torre sineira. O revestimento de mármore deveria adicionar sofisticação ao esquema de cores das fachadas. Mas a construção progrediu muito lentamente. Rinaldi foi forçado a deixar São Petersburgo sem concluir o trabalho que havia começado. A gestão da construção foi chefiada por O. Montferrand.

VISUAL ARQUITETÔNICOGigantesco, revestido de mármore, coroado por uma cúpula gigante e pequenas cúpulas de campanários, o edifício da Catedral de Santo Isaac domina a praça (altura 101,5 m), é cercado por 112 colunas monolíticas, pesando de 64 a 114 toneladas. O templo acomoda cerca de 14 mil pessoas.O templo é decorado com 350 relevos e estátuas. Toda a decoração escultórica da catedral foi feita de acordo com os modelos de I. Vitali, S. Pimenov, A. Lemaire. Um grandioso conjunto de estátuas, baixos-relevos, folhas de porta, dois frontões, decoração escultórica, ligados pela unidade das narrativas bíblicas e evangélicas, integra-se organicamente na arquitetônica do edifício.

FATOS INTERESSANTESO teto da cúpula (diâmetro 21,83 m), feito de ferro e ferro fundido, bem como a utilização na construção de um novo método galvanoplástico para a fabricação de baixos-relevos, engenheiro B.S. Jacobi testemunha o desenvolvimento da tecnologia e da engenharia.

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