clássico tardio. A Arte da Grécia Antiga do Período Clássico Tardio (desde o fim das Guerras do Peloponeso até a ascensão do Império Macedônio) Este problema foi colocado pela primeira vez por O

O novo tempo na história política da Hellas não foi brilhante nem criativo. Se V c. BC e. foi marcada pelo florescimento da política grega, então no século IV. sua decadência gradual ocorreu junto com o declínio da própria ideia de um estado democrático grego.

Em 386, a Pérsia, no século anterior totalmente derrotada pelos gregos sob a liderança de Atenas, aproveitou a guerra destruidora, que enfraquecia as cidades-estado gregas, para lhes impor a paz, segundo a qual todas as cidades da Ásia A costa menor ficou sob o controle do rei persa. O estado persa tornou-se o principal árbitro no mundo grego; não permitiu a unificação nacional dos gregos.

As guerras internas mostraram que os estados gregos não são capazes de se unir por conta própria.

Enquanto isso, a unificação era uma necessidade econômica para o povo grego. Cumprir esta tarefa histórica estava ao alcance da potência vizinha dos Bálcãs - a Macedônia, que havia se fortalecido naquela época, cujo rei Filipe II derrotou os gregos em Chaeronea em 338. Esta batalha decidiu o destino de Hellas: acabou por ser unida, mas sob domínio estrangeiro. E o filho de Filipe II - o grande comandante Alexandre, o Grande, liderou os gregos em uma campanha vitoriosa contra seus inimigos primordiais - os persas.

Este foi o último período clássico da cultura grega. No final do século IV. o mundo antigo entrará em uma era que não é mais chamada de helênica, mas de helenística.

Na arte dos clássicos tardios, reconhecemos claramente as novas tendências. Em uma era de grande prosperidade, ideal imagem humana estava encarnado no valente e bom cidadão da cidade-estado. O colapso da política abalou essa ideia. A orgulhosa confiança no poder conquistador do homem não desaparece completamente, mas às vezes parece obscurecida. Surgem reflexões, dando origem à ansiedade ou tendência a um gozo sereno da vida. O interesse pelo mundo individual do homem está crescendo; em última análise, marca um afastamento da poderosa generalização dos tempos anteriores.

A grandiosidade da visão de mundo, incorporada nas esculturas da Acrópole, torna-se gradualmente menor, mas a percepção geral da vida e da beleza é enriquecida. A nobreza calma e majestosa dos deuses e heróis, como Fídias os retratou, dá lugar à identificação na arte de experiências, paixões e impulsos complexos.

grego do século 5 valorizava a força como base de um começo saudável e corajoso, vontade forte e energia vital - e por isso a estátua de um atleta, vencedor em competições, personificava para ele a afirmação da força e da beleza humanas. Artistas do século IV atrai pela primeira vez o encanto da infância, a sabedoria da velhice, o eterno encanto da feminilidade.

A grande habilidade alcançada pela arte grega no século V ainda está viva no século IV, de modo que os monumentos artísticos mais inspirados dos clássicos tardios são marcados pelo mesmo selo da mais alta perfeição. Como observa Hegel, mesmo em sua morte, o espírito de Atenas parece belo.

Os três maiores trágicos gregos - Ésquilo (526-456), Sófocles (anos 90 do século V - 406) e Eurípides (446 - c. 385) expressaram as aspirações espirituais e os principais interesses de seu tempo.

As tragédias de Ésquilo glorificam ideias: realização humana, dever patriótico. Sófocles glorifica o homem e ele mesmo diz que retrata as pessoas como deveriam ser. Vvripid procura mostrá-los como realmente são, com todas as suas fraquezas e vícios, suas tragédias em muitos aspectos já revelam o conteúdo da arte do século IV.

Neste século, a construção de teatros assumiu um alcance especial na Grécia. Eles foram projetados para um grande número de espectadores - quinze a vinte mil ou mais. Em termos arquitetónicos, teatros como, por exemplo, o teatro de mármore de Dionísio, em Atenas, cumpriam plenamente o princípio da funcionalidade: os assentos para os espectadores, dispostos em semicírculo nas colinas, enquadravam a plataforma do coro. Os espectadores, isto é, todo o povo de Hellas, receberam no teatro uma ideia viva dos heróis de sua história e mitologia, e isso, legalizado pelo teatro, foi introduzido em arte. O teatro mostrava uma imagem detalhada do mundo ao redor de uma pessoa - cenários em forma de asas portáteis criavam a ilusão de realidade devido à representação de objetos em redução de perspectiva. No palco, os heróis das tragédias de Eurípides viveram e morreram, se alegraram e sofreram, mostrando em suas paixões e impulsos uma comunidade espiritual com o próprio público. O teatro grego era uma verdadeira arte de massa, que desenvolveu certos requisitos para outras artes também.

Assim, em toda a arte da Hélade, afirmava-se o grande realismo grego, constantemente enriquecido, inspirado pela ideia de beleza.

O século IV reflete novas tendências em sua construção. A arquitetura grega clássica tardia é marcada por um certo esforço tanto pela pompa, até grandiosidade, quanto pela leveza e elegância decorativa. A tradição artística puramente grega está entrelaçada com influências orientais vindas da Ásia Menor, onde as cidades gregas estão sujeitas ao domínio persa. Junto com as principais ordens arquitetônicas - dórica e jônica, a terceira - coríntia, que surgiu posteriormente, está sendo cada vez mais utilizada.

A coluna coríntia é a mais magnífica e decorativa. A tendência realista supera nela o esquema abstrato-geométrico primordial do capitel, vestido à ordem coríntia com o traje florido da natureza - duas fileiras de folhas de acanto.

O isolamento das políticas estava ultrapassado. Para o mundo antigo, uma era de poderosos, embora frágeis, despotismos escravistas estava chegando. A arquitetura recebeu tarefas diferentes do que na época de Péricles.

Um dos monumentos mais grandiosos da arquitetura grega dos clássicos tardios foi a tumba na cidade de Halicarnasso (na Ásia Menor), governante da província persa de Carius Mausolus, que não chegou até nós, de onde a palavra " mausoléu" veio.

Todas as três ordens foram combinadas no mausoléu de Halicarnasso. Consistia em dois níveis. O primeiro abrigava uma câmara mortuária, o segundo - um templo mortuário. Acima das camadas havia uma alta pirâmide coroada com uma carruagem de quatro cavalos (quadriga). A harmonia linear da arquitectura grega encontrava-se neste monumento de enormes dimensões (aparentemente atingia quarenta ou cinquenta metros de altura), com a sua solenidade a fazer lembrar as estruturas funerárias dos antigos governantes orientais. O mausoléu foi construído pelos arquitetos Satyr e Pythius, e sua decoração escultórica foi confiada a vários mestres, incluindo Skopas, que provavelmente desempenhou um papel de destaque entre eles.

Skopas, Praxiteles e Lysippus são os maiores escultores gregos dos clássicos tardios. Pela influência que tiveram em todo o desenvolvimento subsequente Arte antiga, a obra desses três gênios pode ser comparada com as esculturas do Partenon. Cada um deles expressou sua brilhante visão de mundo individual, seu ideal de beleza, sua compreensão da perfeição, que, por meio do pessoal, revelado apenas por eles, atingem os picos eternos e universais. E, novamente, na obra de cada um, esse pessoal está em consonância com a época, incorporando aqueles sentimentos, aqueles desejos dos contemporâneos que mais correspondiam aos seus.

Paixão e impulso, ansiedade, luta com algumas forças hostis, dúvidas profundas e experiências tristes respiram na arte de Scopas. Tudo isso era obviamente característico de sua natureza e, ao mesmo tempo, expressava vividamente certos humores de sua época. Por temperamento, Scopas está próximo de Eurípides, quão próximos eles estão em sua percepção do lamentável destino de Hellas.

Natural da ilha de Paros, rica em mármore, Skopas (c. 420-c. 355 aC) trabalhou na Ática, nas cidades do Peloponeso e na Ásia Menor. Sua criatividade, extremamente extensa tanto no número de obras quanto no assunto, pereceu quase sem deixar vestígios.

Da decoração escultórica do templo de Atenas em Tegea criada por ele ou sob sua supervisão direta (Scopas, que se tornou famoso não só como escultor, mas também como arquiteto, também foi o construtor deste templo), apenas alguns fragmentos permaneceu. Mas basta olhar pelo menos para a cabeça aleijada de um guerreiro ferido (Atenas, Museu Nacional) para sentir grande poder seu gênio. Pois esta cabeça de sobrancelhas arqueadas, olhos voltados para o céu e boca entreaberta, uma cabeça na qual tudo - tanto sofrimento quanto dor - expressa, por assim dizer, a tragédia não apenas da Grécia do século IV, dilacerada por contradições e pisoteada por invasores estrangeiros, mas também a tragédia primordial de toda a raça humana em sua luta constante, onde a vitória ainda é seguida pela morte. Assim, parece-nos, nada resta da brilhante alegria de ser, que outrora iluminou a consciência do helênico.

Fragmentos do friso do túmulo de Mausolus, retratando a batalha dos gregos com as amazonas (Londres, Museu Britânico). Este é sem dúvida o trabalho de Scopas ou de sua oficina. O gênio do grande escultor respira nestas ruínas.

Compare-os com os fragmentos do friso do Partenon. E aqui e ali - emancipação dos movimentos. Mas lá, a emancipação resulta em uma regularidade majestosa, e aqui - em uma verdadeira tempestade: os ângulos das figuras, a expressividade dos gestos, as roupas amplamente esvoaçantes criam um dinamismo violento que ainda não foi visto na arte antiga. Lá, a composição é construída na coerência gradual das partes, aqui - nos contrastes mais nítidos. E, no entanto, o gênio de Fídias e o gênio de Scopas estão relacionados em algo muito significativo, quase o principal. As composições de ambos os frisos são igualmente esbeltas, harmoniosas e suas imagens são igualmente concretas. Afinal, não foi à toa que Heráclito disse que a mais bela harmonia nasce dos contrastes. Scopas cria uma composição cuja unidade e clareza são tão perfeitas quanto as de Fídias. Além disso, nem uma única figura se dissolve nela, não perde seu significado plástico independente.

Isso é tudo o que resta do próprio Scopas ou de seus alunos. Outras relacionadas com a sua obra, são cópias romanas posteriores. No entanto, um deles nos dá provavelmente a ideia mais vívida de sua genialidade.

Pedra de Parian - Bacchante. Mas o escultor deu uma alma à pedra. E, como se estivesse embriagada, ela pulou e correu para a dança. Tendo criado esta mênade, em frenesi, com uma cabra morta, Com um cinzel deificador, você fez um milagre, Skopas.

Assim, um poeta grego desconhecido elogiou a estátua da Maenad, ou Bacchante, que só podemos julgar por uma pequena cópia (Museu de Dresden).

Em primeiro lugar, notamos uma inovação característica, muito importante para o desenvolvimento da arte realista: ao contrário das esculturas do século V, esta estátua é totalmente projetada para ser vista de todos os lados, e você precisa contorná-la para perceber tudo aspectos da imagem criada pelo artista.

Jogando a cabeça para trás e dobrando todo o corpo, a jovem corre em uma dança tempestuosa e verdadeiramente báquica - para a glória do deus do vinho. E embora a cópia em mármore também seja apenas um fragmento, talvez não haja outro monumento de arte que transmita o pathos altruísta da fúria com tanta força. Esta não é uma exaltação dolorosa, mas patética e triunfante, embora nela se perca o poder sobre as paixões humanas.

Então em século passado clássicos, o poderoso espírito helênico soube conservar, mesmo na fúria gerada pelas paixões fervilhantes e pelas dolorosas insatisfações, toda a sua grandeza primordial.

Praxitel (um ateniense nativo, trabalhou em 370-340 aC) expressou um começo completamente diferente em seu trabalho. Sabemos um pouco mais sobre este escultor do que sobre seus irmãos.

Como Scopas, Praxiteles negligenciou o bronze, criando suas maiores obras em mármore. Sabemos que ele era rico e desfrutou de uma fama retumbante que chegou a eclipsar até mesmo a glória de Fídias. Sabemos também que amava Frinéia, a célebre cortesã, acusada de blasfêmia e absolvida pelos juízes atenienses, que admiravam sua beleza, reconhecida por eles como digna de culto popular. Frinéia serviu de modelo para as estátuas da deusa do amor Afrodite (Vênus). O estudioso romano Plínio escreve sobre a criação dessas estátuas e seu culto, recriando vividamente a atmosfera da era de Praxiteles:

“... Acima de todas as obras não apenas de Praxiteles, mas em geral existentes no universo, está a Vênus de sua obra. Para vê-la, muitos navegaram para Knidos. A Praxitel fez e vendeu simultaneamente duas estátuas de Vênus, mas uma estava coberta de roupas - era preferida pelos habitantes de Kos, que tinham o direito de escolher. Praxiteles cobrou o mesmo preço pelas duas estátuas. Mas os habitantes de Kos reconheceram esta estátua como séria e modesta; que eles rejeitaram, os Cnidianos compraram. E sua fama era imensuravelmente maior. Mais tarde, o czar Nicomedes quis comprá-la dos Cnidianos, prometendo perdoar o estado dos Cnidianos por todas as enormes dívidas que tinham. Mas os Cnidianos preferiram suportar tudo a se separar da estátua. E não em vão. Afinal, Praxiteles criou a glória de Cnido com esta estátua. O prédio onde esta estátua está localizada é todo aberto, para que possa ser visto de todos os lados. Além disso, eles acreditam que a estátua foi construída com a participação favorável da própria deusa. E de ambos os lados, o deleite que causa não é menor..."

Praxiteles - cantor inspirado beleza feminina, tão reverenciado pelos gregos do século IV. Em um jogo quente de luz e sombra, como nunca antes, a beleza do corpo feminino brilhou sob seu cinzel.

Já passou o tempo em que uma mulher não era retratada nua, mas desta vez Praxiteles expôs em mármore não apenas uma mulher, mas uma deusa, e isso a princípio causou uma repreensão surpresa.

A inusitabilidade de tal imagem de Afrodite transparece nos versos de um poeta desconhecido:

Vendo Cyprida (Cyprida é o apelido de Afrodite, cujo culto foi especialmente difundido na ilha de Chipre.) em Knida, Cyprida disse timidamente:
Ai de mim, onde Praxiteles me viu nu?

“Há muito tempo todos concordam”, escreveu Belinsky, “que as estátuas nuas dos antigos acalmam e pacificam a excitação da paixão, e não as excitam, que a contaminada as deixa limpas”.

Sim, claro. Mas a arte de Praxiteles, aparentemente, ainda é uma exceção.

Mármore que reviveu? Quem já viu Cyprida com os próprios olhos?
Paixão desejo quem o pôs em pedra fria?
As mãos de Praxiteles são uma criação ou uma deusa
Ela se retirou para Knidos, deixando o Olimpo órfão?

Estes também são poemas de um poeta grego desconhecido.

Desejo de paixão! Tudo o que sabemos sobre a obra de Praxiteles indica que o grande artista via na luxúria amorosa um dos motores de sua arte.

A Afrodite Cnidiana é conhecida por nós apenas por cópias e empréstimos. Em duas cópias romanas de mármore (em Roma e na Glyptothek de Munique), chegou até nós em sua totalidade, para que possamos conhecer sua aparência geral. Mas essas cópias de uma peça não são de primeira classe. Alguns outros, embora em ruínas, dão uma imagem mais vívida desta grande obra: a cabeça de Afrodite no Louvre em Paris, com traços tão doces e comoventes; seus torsos, também no Louvre e no Museu Napolitano, nos quais adivinhamos a encantadora feminilidade do original, e até uma cópia romana, retirada não do original, mas da estátua helenística, inspirada no gênio de Praxiteles, “ Venus Khvoshchinsky” (em homenagem ao russo que o adquiriu colecionador), no qual, ao que parece, o mármore irradia o calor do belo corpo da deusa (este fragmento é o orgulho do antigo departamento do Museu de Belas Artes de Moscou ).

O que tanto encantou os contemporâneos com esta imagem da mais cativante das deusas, que, tirando as roupas, se preparou para mergulhar na água? O que nos encanta mesmo em cópias quebradas que transmitem algumas características do original perdido?

Com a modelagem mais refinada, na qual superou todos os seus antecessores, animando o mármore com reflexos de luz cintilantes e dando a uma pedra lisa um delicado aveludado com virtuosismo inerente apenas a ele, Praxiteles capturou a suavidade dos contornos e as proporções ideais do corpo do deusa, na comovente naturalidade de sua postura, em seu olhar, “Molhado e brilhante”, segundo os antigos, aqueles grandes princípios que Afrodite expressava na mitologia grega, começaram eternamente na consciência e nos sonhos da raça humana:

Beleza e Amor.

Beleza - carinhosa, feminina, iridescente e alegre. O amor também é afetuoso, prometendo e dando felicidade.

Praxiteles é às vezes reconhecido como o expoente mais marcante na arte antiga daquela direção filosófica, que via no prazer (seja lá o que fosse) o bem maior e o objetivo natural de todas as aspirações humanas, ou seja, o hedonismo. No entanto, sua arte já anuncia a filosofia que floresceu no final do século IV. "nos bosques de Epicuro", como Pushkin chamava aquele jardim ateniense onde Epicuro reunia seus alunos...

Como observa K. Marx, a ética desse famoso filósofo contém algo mais elevado do que o hedonismo. A ausência de sofrimento, um estado de espírito sereno, a libertação das pessoas do medo da morte e do medo dos deuses - essas eram, segundo Epicuro, as principais condições para o verdadeiro gozo da vida.

De fato, pela própria serenidade, a beleza das imagens criadas por Praxiteles, a gentil humanidade dos deuses por ele esculpida, afirmava a beneficência da libertação desse medo em uma época nada serena e misericordiosa.

A imagem de atleta, obviamente, não interessava a Praxiteles, assim como ele não se interessava por motivos cívicos. Ele se esforçou para incorporar no mármore o ideal de um jovem fisicamente bonito, não tão musculoso quanto Polikleitos, muito esguio e gracioso, sorrindo alegremente, mas levemente astuto, sem medo de ninguém, mas não ameaçando ninguém, serenamente feliz e cheio de consciência da harmonia de todo o seu ser.

Essa imagem, aparentemente, correspondia à sua própria visão de mundo e, portanto, era especialmente querida para ele. Encontramos uma confirmação indireta disso em uma anedota divertida.

A relação de amor entre o famoso artista e uma beleza incomparável como Phryne era muito interessante para seus contemporâneos. A mente viva dos atenienses se destacou em conjecturas sobre eles. Foi relatado, por exemplo, que Frinéia pediu a Praxíteles que lhe desse seu melhor escultura. Ele concordou, mas deixou a escolha para ela, escondendo maliciosamente qual de suas obras considera a mais perfeita. Então Friné decidiu enganá-lo. Um dia, um escravo enviado por ela correu para Praxiteles com a terrível notícia de que a oficina do artista havia pegado fogo ... "Se a chama destruiu Eros e Sátiro, tudo morreu!" Praxiteles exclamou em luto. Então Phryne descobriu a avaliação do próprio autor ...

Conhecemos por reproduções essas esculturas, que gozavam de grande fama no mundo antigo. Pelo menos cento e cinquenta cópias de mármore de The Resting Satyr chegaram até nós (cinco delas estão no Hermitage). Não conte também estátuas antigas, estatuetas feitas de mármore, argila ou bronze, lápides e todos os tipos de produtos. Artes Aplicadas, de uma forma ou de outra inspirado pelo gênio de Praxiteles.

Dois filhos e um neto continuaram o trabalho de Praxiteles na escultura, ele próprio filho de um escultor. Mas essa continuidade de sangue, é claro, é insignificante em comparação com a continuidade artística geral que remonta ao seu trabalho.

A este respeito, o exemplo de Praxiteles é particularmente indicativo, mas longe de ser excepcional.

Que a perfeição de um original verdadeiramente grande seja única, mas uma obra de arte que mostra uma nova “variação do belo” é imortal mesmo no caso de sua morte. Nós não temos uma cópia exata nem a estátua de Zeus em Olímpia, nem a Atena Parthenos, mas a grandeza dessas imagens, que determinavam o conteúdo espiritual de quase toda a arte grega do apogeu, é claramente vista até nas joias e moedas em miniatura da época. Eles não teriam esse estilo sem Fídias. Assim como não haveria estátuas de jovens descuidados preguiçosamente apoiados em uma árvore, ou deusas nuas de mármore cativando com sua beleza lírica, em uma grande variedade de decoração das vilas e parques dos nobres nos tempos helenísticos e romanos, assim como haveria não haveria estilo praxitelano, doce bem-aventurança praxitelana, tão longamente retida na arte antiga - se não fosse pelo autêntico "Sátiro Descansando" e a genuína "Afrodite de Cnido", agora perdida Deus sabe onde e como. Digamos de novo: sua perda é irreparável, mas seu espírito continua vivo mesmo nas obras mais comuns de imitadores, vive, portanto, para nós. Mas se essas obras não tivessem sido preservadas, esse espírito de alguma forma piscaria na memória humana para brilhar novamente na primeira oportunidade.

na arte antiga - não seja um genuíno "Sátiro Descansando" e uma genuína "Afrodite de Cnido", agora perdido Deus sabe onde e como. Digamos de novo: sua perda é irreparável, mas seu espírito continua vivo mesmo nas obras mais comuns de imitadores, vive, portanto, para nós. Mas se essas obras não tivessem sido preservadas, esse espírito de alguma forma piscaria na memória humana para brilhar novamente na primeira oportunidade.

Percebendo a beleza obra de arte, uma pessoa é enriquecida espiritualmente. A conexão viva de gerações nunca se rompe completamente. O antigo ideal de beleza foi resolutamente rejeitado pela ideologia medieval, e as obras que o incorporavam foram impiedosamente destruídas. Mas o renascimento vitorioso desse ideal na era do humanismo atesta que ele nunca foi completamente destruído.

O mesmo pode ser dito sobre a contribuição para a arte de todo artista verdadeiramente grande. Pois um gênio, incorporando uma nova imagem de beleza nascida em sua alma, enriquece a humanidade para sempre. E assim desde os tempos antigos, quando pela primeira vez essas formidáveis ​​e majestosas imagens de animais foram criadas em uma caverna paleolítica, de onde saíram todas as artes plásticas e para onde nossas ancestral distante ele colocou toda a sua alma e todos os seus sonhos, iluminados por alta inspiração criativa.

Avanços brilhantes na arte se complementam, introduzindo algo novo que não morre mais. Este novo às vezes deixa sua marca em uma época inteira. Assim foi com Fídias, assim foi com Praxíteles.

Tudo, no entanto, pereceu do que o próprio Praxiteles criou?

Pelas palavras de um autor antigo, sabia-se que a estátua de Praxiteles "Hermes com Dionísio" ficava no templo de Olímpia. Durante as escavações em 1877, uma escultura de mármore comparativamente ligeiramente danificada desses dois deuses foi encontrada lá. A princípio, ninguém teve dúvidas de que se tratava do original de Praxiteles, e até hoje sua autoria é reconhecida por muitos especialistas. No entanto, um estudo cuidadoso da própria técnica do mármore convenceu alguns estudiosos de que a escultura encontrada em Olímpia é uma excelente cópia helenística, substituindo o original, provavelmente exportado pelos romanos.

Esta estátua, mencionada por apenas um autor grego, aparentemente não foi considerada a obra-prima de Praxíteles. No entanto, seus méritos são inegáveis: modelagem incrivelmente fina, suavidade de linhas, um jogo de luz e sombra maravilhoso e puramente praxiteliano, uma composição muito clara e perfeitamente equilibrada e, o mais importante, o charme de Hermes com seu olhar sonhador e levemente distraído e o encanto infantil do pequeno Dionísio. E, no entanto, nesse encanto há uma certa doçura, e sentimos que em toda a estátua, mesmo na figura surpreendentemente esbelta de um deus muito bem encaracolado em sua curva suave, a beleza e a graça cruzam ligeiramente a linha além da qual beleza e graça começa. Toda a arte de Praxiteles está muito próxima desta linha, mas não a viola em suas criações mais espirituais.

A cor, aparentemente, desempenhou um grande papel na aparência geral das estátuas de Praxiteles. Sabemos que pintou algumas delas (friccionando tintas de cera, animando suavemente a brancura do mármore) o próprio Nicias, um famoso pintor da época. A sofisticada arte de Praxiteles, graças à cor, adquiriu ainda maior expressividade e emoção. A combinação harmoniosa das duas grandes artes provavelmente foi realizada em suas criações.

Acrescentamos, finalmente, que em nossa região do norte do Mar Negro, perto da foz do Dnieper e do Bug (em Olbia), foi encontrado um pedestal de uma estátua com a assinatura do grande Praxiteles. Infelizmente, a estátua em si não estava enterrada (No final do ano passado, uma mensagem sensacional circulou na imprensa mundial. A professora Iris Love (EUA), conhecida por suas descobertas arqueológicas, afirma ter descoberto a cabeça do genuíno de Praxiteles Afrodite! Não no chão, mas... no depósito do Museu Britânico em Londres, onde, sem ser identificado por ninguém, este fragmento jaz por mais de cem anos.

A cabeça de mármore fortemente danificada está agora incluída na exposição do museu como um monumento da arte grega do século IV aC. BC e. No entanto, os argumentos do arqueólogo americano em favor da autoria de Praxiteles são contestados por vários cientistas ingleses.).

Lysippus trabalhou no último terço do século IV, já na época de Alexandre, o Grande. Sua obra, por assim dizer, completa a arte dos clássicos tardios.

O bronze era o material preferido deste escultor. Não conhecemos seus originais, então podemos julgá-lo apenas pelas cópias de mármore sobreviventes, que longe de refletir todo o seu trabalho.

O número de monumentos de arte da antiga Hellas que não chegaram até nós é imensurável. O destino da enorme herança artística de Lysippus - terrível para isso prova.

Lysippus foi considerado um dos mestres mais prolíficos de seu tempo. Dizem que ele reservou uma moeda como recompensa para cada pedido concluído: depois de sua morte, havia até mil e quinhentos. Enquanto isso, entre suas obras havia grupos escultóricos, chegando a vinte figuras, e a altura de algumas de suas esculturas ultrapassava os vinte metros. Com tudo isso, as pessoas, os elementos e o tempo lidaram impiedosamente. Mas nenhuma força poderia destruir o espírito da arte de Lysippus, apagar o rastro que ele deixou.

Segundo Plínio, Lísipo disse que, ao contrário de seus predecessores, que retratavam as pessoas como elas são, ele, Lísipo, procurava retratá-las como elas são. Com isso, ele afirmou o princípio do realismo, que há muito havia triunfado na arte grega, mas que ele queria levar à plenitude de acordo com os princípios estéticos de seu contemporâneo, o maior filósofo da antiguidade, Aristóteles.

Nós já conversamos sobre isso. Embora transforme a natureza em beleza, a arte realista a reproduz na realidade visível. Isso significa que a natureza não é como é, mas como parece aos nossos olhos, por exemplo, na pintura - com mudança no tamanho do representado dependendo da distância. No entanto, as leis da perspectiva ainda não eram conhecidas pelos então pintores. A inovação de Lísipo reside no fato de ter descoberto na arte de esculpir enormes possibilidades realistas que ainda não haviam sido utilizadas antes dele. E, de fato, suas figuras não são por nós percebidas como criadas “para exibição”, elas não posam para nós, mas existem por si mesmas, pois o olhar do artista as captou em toda a complexidade dos mais diversos movimentos, refletindo um ou mais outro impulso espiritual. Naturalmente, o bronze, que facilmente assume qualquer forma durante a fundição, era o mais adequado para resolver esses problemas esculturais.

O pedestal não isola as figuras de Lísipo das ambiente, nele vivem verdadeiramente, como se sobressaíssem de uma certa profundidade espacial, na qual a sua expressividade se manifesta com igual clareza, embora de formas diferentes, de qualquer lado. Eles são, portanto, completamente tridimensionais, completamente liberados. A figura humana é construída por Lísipo de uma maneira nova, não em sua síntese plástica, como nas esculturas de Myron ou Polikleitos, mas em certo aspecto fugaz, exatamente como se apresentava (parecia) ao artista em dado momento e que ainda não tinha sido no passado e já não será no futuro.

Instantâneo? Impressionismo? Estas comparações vêm à mente, mas, claro, não são aplicáveis ​​à obra do último escultor dos clássicos gregos, porque, apesar de todo o seu imediatismo visual, é profundamente pensada, firmemente fundamentada, de modo que os movimentos instantâneos não de forma alguma significam sua aleatoriedade em Lysippus.

A incrível flexibilidade das figuras, a própria complexidade, às vezes o contraste dos movimentos - tudo isso é harmoniosamente ordenado, e este mestre não tem nada que se assemelhe ao caos da natureza. Transmitindo principalmente uma impressão visual, ele subordina essa impressão a uma certa ordem, estabelecida de uma vez por todas de acordo com o próprio espírito de sua arte. É ele, Lísipo, quem destrói o velho cânone policlético da figura humana para criar o seu próprio, novo, muito mais leve, mais adequado à sua arte dinâmica, que rejeita qualquer imobilidade interna, qualquer peso. Neste novo cânone, a cabeça não tem mais 1¦7, mas apenas 1¦8 da altura total.

As repetições em mármore de suas obras que chegaram até nós dão em geral Imagem clara realizações realistas de Lísipo.

O famoso "Apoxiomen" (Roma, Vaticano). Este é um jovem atleta, mas não é o mesmo que na escultura do século anterior, onde sua imagem irradiava uma orgulhosa consciência de vitória. Lysippus nos mostrou o atleta após a competição, limpando diligentemente o corpo de óleo e poeira com um raspador de metal. Nem um movimento brusco e aparentemente inexpressivo da mão é dado em toda a figura, dando-lhe uma vitalidade excepcional. Ele está aparentemente calmo, mas sentimos que ele experimentou grande excitação, e em suas feições pode-se ver o cansaço do esforço extremo. Esta imagem, como se arrancada da realidade em constante mudança, é profundamente humana, extremamente nobre em sua total facilidade.

"Hércules com um leão" (Leningrado, Hermitage). Este é um pathos apaixonado da luta não pela vida, mas pela morte, novamente, como se fosse visto de lado pelo artista. Toda a escultura parece estar carregada de um intenso movimento tempestuoso, fundindo irresistivelmente em um todo harmoniosamente belo as poderosas figuras do homem e da besta agarradas umas às outras.

Sobre a impressão que as esculturas de Lísipo causaram nos contemporâneos, podemos julgar pela seguinte história. Alexandre, o Grande, gostava tanto de sua estatueta “Feasting Hercules” (uma de suas repetições também está no Hermitage) que não se desfez dela em suas campanhas e, quando chegou sua última hora, mandou colocá-la na frente de ele.

Lysippus foi o único escultor que o famoso conquistador considerou digno de capturar suas feições.

Cheio de coragem, o olhar de Alexandre e toda a sua aparência
Derramado de cobre por Lysippus. Como se esse cobre vivesse.
Parece que, olhando para Zeus, a estátua lhe diz:
"Eu tomo a terra para mim, você possui o Olimpo."

Foi assim que o poeta grego expressou seu deleite.

... "A estátua de Apolo é o mais alto ideal de arte entre todas as obras que chegaram até nós desde a antiguidade." Isso foi escrito por Winckelmann.

Quem foi o autor da estátua que tanto encantou o ilustre antepassado de várias gerações de “antigos” cientistas? Nenhum dos escultores cuja arte brilha mais intensamente até hoje. Como é e qual é o mal-entendido aqui?

O Apolo de que fala Winckelmann é o famoso "Apolo Belvedere": uma cópia romana em mármore com bronze original Leohara (o último terço do século IV aC), assim chamado devido à galeria onde foi exibido por muito tempo (Roma, Vaticano). Esta estátua já causou muito entusiasmo.

Enormes são os méritos de Winckelmann, que dedicou toda a sua vida ao estudo da antiguidade. Embora não imediatamente, esses méritos foram reconhecidos e ele assumiu (em 1763) o cargo de superintendente-chefe de antiguidades em Roma e arredores. Mas o que poderia até mesmo o conhecedor mais profundo e sutil saber sobre maiores obras-primas A arte grega é reconhecida e ele assumiu (em 1763) o cargo de superintendente-chefe de antiguidades em Roma e arredores. Mas o que poderia saber até mesmo o conhecedor mais profundo e sutil sobre as maiores obras-primas da arte grega?

Winckelmann é bem dito no conhecido livro do historiador de arte russo presente século P. P. Muratova “Imagens da Itália”: “A glória das estátuas clássicas, que se desenvolveram nos dias de Winckelmann e Goethe, foi fortalecida na literatura ... Toda a vida de Winckelmann foi uma façanha e sua atitude para com a arte antiga foi profundamente sacrificial. Há um elemento de milagroso em seu destino - esse amor ardente pela antiguidade, que estranhamente se apoderou do filho de um sapateiro que cresceu entre as areias de Brandemburgo e o conduziu por todas as vicissitudes até Roma ... Nem Winckelmann nem Goethe eram pessoas do século XVIII. Em uma delas, a antiguidade despertou o entusiasmo ardente do descobridor de novos mundos. Para outro, foi uma força viva que o libertou própria criatividade. Sua atitude para com a antiguidade repete a virada espiritual que distinguiu o povo da Renascença, e seu tipo espiritual retém muitas características de Petrarca e Michelangelo. A capacidade de reviver, característica do mundo antigo, assim se repetiu na história. Isso serve como prova de que pode existir por muito tempo e indefinidamente. O avivamento não é um conteúdo acidental de uma época histórica, mas um dos instintos constantes da vida espiritual da humanidade. Mas nas coleções então romanas, “apenas a arte a serviço da Roma imperial foi representada - cópias de famosas estátuas gregas, os últimos brotos da arte helenística ... O insight de Winckelmann foi que às vezes ele conseguia adivinhar a Grécia por meio dela. Mas o conhecimento da história da arte foi longe desde a época de Winckelmann. Não precisamos mais adivinhar a Grécia, podemos vê-la em Atenas, em Olympia, no Museu Britânico."

O conhecimento da história artística, e em particular da arte de Hellas, foi ainda mais longe desde que estas linhas foram escritas.

A vitalidade da fonte pura da civilização antiga agora pode ser especialmente benéfica.

Reconhecemos no Belvedere "Apollo" um reflexo dos clássicos gregos. Mas é apenas uma reflexão. Conhecemos o friso do Partenon, que Winckelmann não conhecia e, portanto, com toda a indiscutível ostentação, a estátua de Leochar nos parece internamente fria, um tanto teatral. Embora Leochar tenha sido contemporâneo de Lísipo, sua arte, perdendo o verdadeiro significado do conteúdo, cheira a academicismo, marca um declínio em relação aos clássicos.

A glória de tais estátuas às vezes deu origem a um equívoco sobre toda a arte helênica. Essa noção não desapareceu até hoje. Alguns artistas tendem a reduzir o significado do patrimônio artístico de Hellas e se voltam em suas buscas estéticas para mundos culturais completamente diferentes, em sua opinião, mais consoantes com a visão de mundo de nossa época. (Basta dizer que um expoente tão autoritário dos gostos estéticos ocidentais mais modernos como escritor francês e o teórico da arte Andre Malraux, colocou em sua obra “Imaginary Museum of World Sculpture” metade das reproduções dos monumentos escultóricos da antiga Hellas do que as chamadas civilizações primitivas da América, África e Oceania!) Mas eu teimosamente quero acreditar que a beleza majestosa do Parthenon triunfará novamente nas mentes da humanidade, afirmando nele o ideal eterno do humanismo.

Dois séculos depois de Winckelmann, sabemos menos sobre a pintura grega do que ele sabia sobre escultura grega. O reflexo dessa pintura chega até nós, um reflexo, mas não um brilho.

Muito interessante é a pintura da cripta funerária trácia em Kazanlak (Bulgária), descoberta já em nosso tempo (em 1944) ao cavar uma cova de fundação para um abrigo antiaéreo, datada do final do século IV ou início do século III . BC e.

As imagens do falecido, seus parentes, guerreiros, cavalos e carruagens estão harmoniosamente inscritas na cúpula redonda. Figuras esbeltas, imponentes e às vezes muito graciosas. E, no entanto, obviamente, em espírito, é uma pintura provinciana. A ausência de ambiente espacial e unidade interna da composição não se coaduna com a evidência literária das notáveis ​​realizações dos mestres gregos do século IV: Apeles, cuja arte foi reverenciada como o auge da pintura, Nikia, Pausia, Euphranar, Protogenes, Philoxenus, Antiphilus.

Para nós, são apenas nomes...

Apeles era o pintor favorito de Alexandre, o Grande e, como Lísipo, trabalhava em sua corte. O próprio Alexandre falou sobre o retrato de sua obra, que nela há dois Alexandres: o invencível filho de Filipe e o “inimitável” criado por Apeles.

Como ressuscitar a obra morta de Apeles, como podemos aproveitá-la? Não está vivo o espírito de Apeles, aparentemente próximo ao de Praxitele, nos versos do poeta grego:

Eu vi Apelles Cyprida, nascido da mãe do mar.
No brilho de sua nudez, ela ficou acima da onda.
Então na foto ela: com seus cachos, pesados ​​de umidade,
Ela se apressa para remover a espuma do mar com uma mão gentil.

A deusa do amor em toda a sua glória cativante. Como deve ter sido lindo o movimento de sua mão, raspando a espuma de seus cachos "pesados"!

A expressividade cativante da pintura de Apeles transparece nesses versos.

Expressividade homérica!

Em Plínio lemos sobre Apeles: “Ele também fez Diana, cercada por um coro de virgens sacrificiais; e, vendo a imagem, parece que alguém está lendo os versos de Homero que a descrevem.

Perda da pintura grega do séc. BC e. tanto mais dramático porque, segundo muitos testemunhos, foi esse o século em que a pintura atingiu novos patamares notáveis.

Lamentemos mais uma vez os tesouros perdidos. Por mais que admiremos os fragmentos das estátuas gregas, nossa ideia da grande arte da Hélade, no seio da qual surgiu toda a arte européia, será incompleta, tão obviamente incompleta seria, por exemplo, a ideia de ​​nossos descendentes distantes sobre o desenvolvimento das artes no século XIX recente, se nada restasse de sua pintura...

Tudo indica que a transferência de espaço e ar não era mais um problema insolúvel para a pintura grega dos clássicos tardios. rudimentos perspectiva linear já estavam lá. Segundo fontes literárias, a cor soava plena nela, e os artistas aprenderam a realçar ou suavizar gradativamente os tons, de modo que a linha que separava o desenho pintado da pintura real fosse aparentemente cruzada.

Existe esse termo - "valere", denotando na pintura tons de tom ou gradação de luz e sombra dentro do mesmo tom de cor. Este termo é emprestado de Francês e em literalmente significa valor. Valor da cor! Ou - flor. O dom de criar tais valores e sua combinação na imagem é o dom de um colorista. Embora não tenhamos evidências diretas disso, pode-se supor que já pertencia parcialmente aos maiores pintores gregos dos clássicos tardios, mesmo que a linha e a cor pura (em vez do tom) continuassem a desempenhar um papel importante em suas composições.

Segundo autores antigos, esses pintores eram capazes de agrupar figuras em uma composição única e harmoniosamente unificadora, transmitir impulsos espirituais em gestos, ora agudos e tempestuosos, ora suaves e contidos, em olhares - cintilantes, furiosos, triunfantes ou lânguidos, em um palavra, que eles permitiram que todas as tarefas atribuídas à sua arte sejam tão brilhantes quanto seus escultores contemporâneos.

Sabemos, por fim, que fizeram sucesso nos mais diversos gêneros, como a pintura histórica e de batalha, o retrato, a paisagem e até a natureza morta.

Em Pompéia, destruída por uma erupção vulcânica, além de pinturas murais, foram descobertos mosaicos e, entre eles, um que é especialmente precioso para nós. Esta é uma enorme composição "Batalha de Alexandre com Dario em Issus" (Nápoles, Museu Nacional), ou seja, Alexandre, o Grande, com o rei persa Dario III, que sofreu uma severa derrota nesta batalha, que logo foi seguida pelo colapso do império aquemênida.

A poderosa figura de Dario com a mão lançada para frente, como se em uma última tentativa de deter o inevitável. Há fúria e tensão trágica em seus olhos. Sentimos que como uma nuvem negra ele ameaçou pairar sobre o inimigo com todo o seu exército. Mas aconteceu de forma diferente.

Entre ele e Alexandre está um guerreiro persa ferido que caiu com seu cavalo. Este é o centro da composição. Nada pode parar Alexandre, que, como um redemoinho, corre para Dario.

Alexandre é exatamente o oposto da força bárbara personificada por Dario. Alexandre é uma vitória. Portanto, ele está tranquilo. Traços jovens e corajosos. Lábios levemente tristemente separados em um leve sorriso. Ele é impiedoso em seu triunfo.

As lanças dos guerreiros persas ainda se erguem como uma paliçada negra. Mas o resultado da batalha já foi decidido. O triste esqueleto de uma árvore quebrada, por assim dizer, pressagia esse resultado para Dario. O chicote do cocheiro furioso da carruagem real assobia. A salvação está apenas no vôo.

Toda a composição respira o pathos da batalha e o pathos da vitória. Ângulos arrojados transmitem o volume de figuras de guerreiros e yacons rasgados. Seus movimentos tempestuosos, contrastes de luzes e sombras dão origem a uma sensação de espaço em que uma formidável batalha ética entre os dois mundos se desenrola diante de nós.

Uma cena de batalha de poder surpreendente.

Pintura? Mas isso não pintura real, mas apenas uma combinação pitoresca de pedras coloridas.

No entanto, o fato é que o famoso mosaico (provavelmente de trabalho helenístico, trazido de algum lugar para Pompéia) reproduz uma imagem do pintor grego Philoxenus, que viveu no final do século IV, ou seja, já no alvorecer do séc. época helenística. Ao mesmo tempo, reproduz com bastante consciência, pois de alguma forma nos transmite o poder compositivo do original.

Claro, e este não é o original, claro, e aqui está o prisma distorcido de outra arte, embora próxima da pintura. Mas talvez seja este mosaico, aleijado pela catástrofe pompeiana, que apenas adornava o chão de uma casa rica, um pouco abre o véu sobre o emocionante segredo das revelações pictóricas dos grandes artistas da antiga Hellas.

O espírito de sua arte estava destinado a ser revivido no final da Idade Média de nossa era. Os artistas do Renascimento não viram um único exemplo de pintura antiga, mas conseguiram criar sua própria grande pintura (ainda mais sofisticada, mais consciente de todas as suas possibilidades), que era filha nativa do grego. Pois, como já foi dito, a verdadeira revelação na arte nunca desaparece sem deixar vestígios.

Concluindo esta breve revisão da arte clássica grega, gostaria de mencionar mais um monumento notável guardado em nosso Hermitage. Este é o vaso italiano mundialmente famoso do século IV. BC e., encontrada perto da antiga cidade de Kuma (na Campânia), nomeada pela perfeição da composição e riqueza da decoração "Rainha dos Vasos", e embora, provavelmente, não tenha sido criada na própria Grécia, refletindo as maiores conquistas de plásticos gregos. O principal no vaso de vidro preto de Qum são suas proporções verdadeiramente impecáveis, contorno esguio, harmonia geral de formas e relevos de várias figuras incrivelmente belos (que retêm traços de cores vivas) dedicados ao culto da deusa da fertilidade Deméter, os famosos mistérios de Elêusis, onde as cenas mais sombrias foram substituídas por visões iridescentes, simbolizando a morte e a vida, a eterna decadência e o despertar da natureza. Esses relevos são ecos da escultura monumental dos maiores mestres gregos dos séculos V e IV. Assim, todas as figuras em pé se assemelham às estátuas da escola de Praxiteles, e as figuras sentadas se assemelham às da escola de Fídias.

Recordemos outro famoso vaso do Hermitage que representa a chegada da primeira andorinha.

Há ainda um arcaísmo não vencido, apenas um prenúncio da arte da época clássica, uma primavera perfumada, marcada por uma visão ainda tímida e ingênua do mundo. Aqui - artesanato acabado, sábio, já um tanto pretensioso, mas ainda idealmente bonito. Os clássicos estão se esgotando, mas o esplendor clássico ainda não degenerou em pompa. Ambos os vasos são igualmente lindos, cada um à sua maneira.

A distância percorrida é enorme, como o caminho do sol do amanhecer ao anoitecer. Houve um olá matinal e aqui - uma noite, despedida.

Introdução

2. Clássico inicial

3. Alto clássico

4. Clássico tardio

Conclusão

Lista de literatura usada

Introdução

A arte antiga é o nome da arte grega e romana antiga que se originou na parte sul da Península Balcânica, nas ilhas do arquipélago do Egeu e na costa ocidental da Ásia Menor e experimentou seu maior florescimento na Grécia Antiga nos séculos 5 a 4 . BC e. Na época helenística, a sua influência estendeu-se aos vastos territórios adjacentes aos mares Mediterrâneo e Negro, bem como aos mares Próximo e Médio Oriente(até a Índia), onde se desenvolveram escolas locais de arte helenística. As tradições da arte grega e helenística antiga receberam um novo desenvolvimento na arte da Roma Antiga.

As melhores obras da arte antiga, que incorporavam altos ideais humanísticos em formas clássicas e sublimes, são geralmente associadas a ideias de perfeição artística e a um modelo artístico inatingível.

A idade de ouro, na opinião de muitos povos antigos, é a época mais antiga da existência humana, quando as pessoas permaneciam jovens para sempre, não conheciam preocupações e tristezas, eram como deuses, mas estavam sujeitas à morte, que lhes chegava como um doce sonho (descrito em "Trabalhos e Dias" Hesíodo, Metamorfoses de Ovídio, etc.). Em sentido figurado - o apogeu da arte e da ciência.

A arte da Grécia Antiga, objeto deste estudo, é um dos fenômenos mais significativos da cultura artística mundial. As antigas ruínas gregas enterradas na Idade Média foram descobertas pelos mestres do Renascimento e deram a mais alta avaliação às obras da antiguidade clássica. A antiguidade foi proclamada insuperável e perfeita. Ela inspirou quase todos os grandes artistas - de Rafael e Michelangelo a Picasso.

1. Periodização da arte antiga

Na Grécia antiga, a arte perfeita na forma foi criada. Enquanto as criações do Egito, Suméria, China ou Assíria expressavam mais profundamente a mentalidade e os ideais apenas desses países e povos específicos, Hellas ( Grécia antiga) ultrapassou em muito as fronteiras nacionais, criando uma arte que é compreensível não só para alguns helenos, mas também para todos os outros povos. Como e por que eles conseguiram isso permanecerá para sempre um mistério. No entanto, beleza e significado profundo As criações helênicas continuam a cativar a humanidade por dois milênios.

A arte da Grécia antiga não surgiu do nada, ela cresceu a partir das raízes micênicas de Creta, criando a partir delas uma nova tradição artística. Conquistas culturais das cidades gregas no II milênio aC. e. foram repensadas no 1º milênio aC. e. Após a chamada era da "Idade das Trevas", que durou desde o declínio do mundo micênico até o século VIII. BC e., iniciou um rápido e poderoso renascimento da cultura. Foi a época do "Renascimento grego", que criou o terreno para o florescimento da arte. No caminho do seu desenvolvimento, esta arte passou por várias fases principais (estilos): geometria(séculos IX-VIII aC), arcaico(séculos VII-VI aC), clássicos, que é dividido em cedo(490-450 aC), alto(450-400 aC) e tarde(400-323 aC). Séculos III-I. BC e. era ocupada helenismo- o tempo após a morte de Alexandre, o Grande (323 aC), quando, graças às conquistas do grande comandante, o mundo heterogêneo e diverso foi unido pela primeira vez - da Grécia, passando pela Pérsia e Ásia Central até a Índia. Então o estilo helênico, assumindo diferentes formas em diferentes lugares, se espalhou por uma vasta área. No século II. BC e. A Grécia caiu sob o domínio da República Romana e tornou-se uma província chamada Acaia, mas a arte helênica continuou a existir no solo de Roma, tornando-se o componente mais brilhante do complexo e multinacional mundo da arte do império.

2. Clássico inicial

Período estilo estrito, como é chamado agora primeiros clássicos marcado 490-450 aC. e.. Esta era, associada à luta da Grécia contra o poderoso estado persa, foi o período de formação da democracia nas cidades-estado gregas (polises). A era do arcaico, marcada pelo governo dos tiranos, estava desaparecendo no passado. Um cidadão independente, uma pessoa, entrou no palco histórico. O estilo estrito é caracterizado pela intensidade dramática da luta: a maioria dos temas está relacionada a batalhas, ações dinâmicas intensas e a severidade do castigo imposto aos inimigos.

Entre os mestres da época, destacam-se Onsimus, Duris, o pintor de vasos Cleophrades, o pintor de vasos Brig e outros. Um deles, o pintor de vasos Cleophradus, é dono do famoso hidria(navio de água) de Nola com a cena "Morte de Tróia". A imagem circular na parte superior da embarcação está saturada de verdadeira tragédia: no centro está representado o santuário dos troianos - o sagrado paládio (uma estátua de madeira de Atena Pallas, guardiã da cidade de Tróia) - ao qual o filha do rei Príamo, a profetisa Cassandra, caiu. O líder grego Ajax, pisoteando o corpo do inimigo caído, arrancou à força Cassandra, que fugia perto dele, do paládio. Isso era até então um sacrilégio inédito, pelo qual uma punição especial seria imposta ao povo de Ajax por mil anos. A morte e a violência estão por toda parte, e até a palmeira dobra tristemente seus galhos, e atrás dela, bem no altar, o próprio Príamo mais velho é morto, manchado com o sangue de seu netinho Astyanax.

O tema da erradicação da arbitrariedade, da incontrolabilidade e do reino da sanidade percorre todos os monumentos daquela época. Nos anos 60. século 5 BC e. O templo de Zeus em Olímpia foi reconstruído - o santuário pan-helênico mais importante, onde os mundialmente famosos Jogos Olímpicos eram realizados a cada quatro anos. Ambos os frontões do templo, construídos pelo arquitecto Libon em pedra calcária, apresentavam grupos escultóricos em mármore (hoje conservados no Museu Olympia). A composição do frontão oeste do edifício apresentava uma cena apaixonada e patética: centauros atacavam mulheres e meninos durante a festa de casamento do rei Pirithous. Figuras dinâmicas e tensas parecem se fundir em grupos que vão diminuindo gradativamente em direção aos cantos, e ao mesmo tempo a ação se torna cada vez mais intensa. A imagem inteira acabou sendo conectada tanto na forma quanto no enredo. Está cheio de poder espiritual: o deus Apolo que está no centro levanta a mão direita, prenunciando a vitória das pessoas.

No outro frontão, oriental, é apresentada uma composição estática, na qual Enomai e Pelops se preparam para a competição. O mito da primeira corrida de bigas foi a base jogos Olímpicos. Certa vez, Pelops chegou da Ásia Menor para perguntar por sua esposa Hippodamia, filha de Enomai. Ele, prevendo a morte nas mãos do noivo, ainda assim o convocou, como os anteriores, para o concurso. Pelops matou o velho rei por astúcia, incitando o cocheiro a trair.

A calma dos heróis é ilusória, estão todos tensos na expectativa do desfecho. Oenomaus akimbo, Pelops, como vencedor, está vestido com uma concha dourada. As mulheres ficam ao lado deles, e então - as misteriosas estátuas de padres, meninos e figuras masculinas reclinadas, simbolizando os rios Alpheus e Kladei, em cujo vale foram realizadas competições.

As imagens de um estilo estrito são realmente rígidas. A estátua do cocheiro de Delfos reflete profundamente os ideais da época. Foi dedicado a Apolo por um dos governantes do sul da Itália. A figura está semicoberta pela carruagem, mas todos os detalhes visíveis são trabalhados com o maior cuidado: os dedos dos pés, as veias inchadas e as flautas - sulcos verticais que cobrem as vestes. Um pesquisador disse apropriadamente que as figuras do estilo estrito são como os tubos de um órgão. A expressão deles é igualmente severa. Atrai a atenção novo tipo rostos com penteado liso e baixo cobrindo a testa, traços regulares e queixo forte e pesado.Na época, trabalhava um dos maiores escultores do século V. BC e. Miron. Ele criou a famosa estátua do lançador de disco - "Discobolus", que não sobreviveu até hoje, mas foi reconstruída graças a cópias romanas. Era de bronze, como a maioria das outras estátuas de estilo estrito, o que estava de acordo com o espírito da época.

"Disco Thrower" é notável por seu design espirituoso: ele se move rapidamente e ao mesmo tempo é imóvel. Miron geralmente gostava de retratar uma pessoa em situações extremas e até fez uma estátua do corredor Lad, cantada em verso, que morreu na linha de chegada. Uma característica distintiva desta estátua não é a harmonia de uma figura complexa, mas as desproporções nela especialmente introduzidas, tendo em conta as correções óticas: o rosto do jovem, quando visto de frente (frente), é assimétrico, mas a cabeça é localizado em uma forte inclinação e, como resultado de todos esses efeitos ópticos, o observador cria uma percepção surpreendentemente integral do rosto. O mesmo design incomum marcou seu grupo escultórico de bronze "Athena e Marsyas", que ficava na Acrópole ateniense. Ela também estava no espírito da época: a deusa puniu o deus da floresta Marsyas, que ousou, violando a proibição, encontrar e pegar sua flauta de palheta. Este instrumento foi inventado pela própria Atena, mas percebendo que tocá-lo distorce os belos traços de seu rosto, ela jogou fora a flauta, amaldiçoando-a e proibindo-a de tocá-la.

3. Alto clássico

Em meados do séc. BC e. a nitidez do estilo clássico inicial gradualmente sobreviveu a si mesma. A arte da Grécia entrou em um período de prosperidade. Em todos os lugares após a destruição persa, cidades foram reconstruídas, templos, prédios públicos e santuários foram erguidos. Em Atenas de 449 aC. e. Péricles governou, um homem altamente educado que uniu todos as melhores mentes Hellas: seus amigos eram o filósofo Anaxágoras, o pintor Polykleitos e o escultor Fídias. Coube a Fídias reconstruir a Acrópole ateniense, cujo conjunto é hoje considerado o mais bonito.

A Acrópole ateniense ficava em um penhasco alto e íngreme que se erguia acima da cidade. A Acrópole era o centro de todos os santuários mais altos dos atenienses. Sob Péricles, foi refeito como um complexo arquitetônico único. Segundo o projeto do arquiteto Mnesicles, foi erguido um magnífico pórtico de entrada ao santuário, decorando-o com colunas jônicas. À esquerda do Propylaea (portão da frente) ficava o prédio da Pinakothek - uma galeria de arte, na qual havia imagens dos principais heróis da Ática, e na entrada havia estátuas dos deuses guardiões: Hermes e Hécate.

Resumo temático sobre o tema “Clássicos tardios da Grécia Antiga,

século 4 aC

O cliente privado torna-se mais forte do que o público. Os mestres são dominados por um interesse em imagens humanas, ao invés de imagens divinas. Eles são mais atraídos pelas ideias de sensualidade do que de racionalismo. A arquitetura e a escultura continuam a desempenhar um grande papel, enquanto a pintura em vasos está perdendo sua importância anterior.

Arquitetura. No século IV aC. os extremos tornam-se mais perceptíveis: enormesTemplo de Ártemis de Éfeso, Mausoléu de Halicarnasso(meados do século IV aC) e pequenos edifícios com uma solução decorativa de formas comomonumento de Lisícrates. O número de edifícios seculares está crescendo. É perceptível o entusiasmo dos arquitetos por vários planos: quadrado, redondo, retangular. Mais comum é uma combinação de diferentes ordens.Santuário de Asclépio em Epidauroonde há muita construção acontecendo. Asclépio foi especialmente reverenciado no século IV aC. Um lugar importante do "hospital" era um pórtico de 70 metros de comprimento, onde dormiam aqueles que desejavam ser curados e perto do qual havia uma fonte para ablução. Em Epidauro, propilaea, foram construídos templos para Asclépio e Ártemis, onde, após a recuperação, foram trazidas imagens de partes doentes do corpo feitas de gesso, bem como fimela - uma sala redonda, obviamente para concertos, um enorme teatro e muitos belos pórticos. Possuía um ginásio quadrado, com playground para jogos e treinamentos, aulas de literatura e de música e um estádio. Tholos (fimela) , sala de concertos - foi construída por um arquiteto proeminente da épocaPolicleito, o Jovem. O edifício, de planta redonda, feito de mármore Pentelli e Parian, foi decorado com 20 colunas dóricas por fora e 14 coríntias por dentro. O teatro em Epidauro construído por Polykleitos the Younger é um dos melhores da Grécia, incrível com a acústica.

Construção na Ásia Menor.No século IV, uma construção rápida acontecia nas cidades da Ásia Menor, que preferiam edifícios da ordem jônica. Neste momento, eles criamO túmulo do leão em Knida, o templo de Ártemis de Éfeso, o templo de Ártemis em Sardes, o templo de Atenas em Priene, Apolo em Didyma.

Mausoléu em Halicarnasso.O túmulo começou a ser construído Píteas e Sátiro durante a vida do rei, mas terminou após sua morte. Decorações esculturais foram realizadasScopas, Briaxides, Timothy e Leohar. No século XV, este milagre da arquitetura antiga foi destruído pelos Cavaleiros de São João. Formas gregas foram combinadas aqui na colunata e ordens, e formas orientais no uso da pirâmide.

No século IV aC. também criou muitos sarcófagos, rígidos em formas arquitetônicas, muitas vezes pintados com tinta.

Escultura. O desenvolvimento da escultura do século IV é definido por nomesScopas, Praxiteles, Lysippus; junto com eles, mestres tão destacados comoLeohar, Timothy, Briaxides, Euphranor, Silanion e outros.

Escopas criou seu próprio estilo. Paphos, a excitação emocional é típica de seus monumentos. Nascido na ilha de Paros, trabalhou entre 370 e 330 aC. em várias áreas: Ática, Beócia, Arcádia, Ásia Menor. Um mestre versátil, ele também é conhecido como arquitetoTemplo de Atena Alei em Tegea(não salvo). obras de arte Escopas testemunham um grande interesse pela emotividade, pela divulgação dos sentimentos humanos em um monumento de arte. Na escultura, isso aparece na complicação da composição, no aumento do dinamismo e da impetuosidade, no contraste do claro-escuro. Em imagens apaixonantes Escopas novas relações dos gregos com o mundo soaram, a perda de clareza e paz encontrou uma expressão plástica. Escopas gostava de recorrer a assuntos expressivos ( Bacante ). Nos relevos que adornavam o friso do Mausoléu de Halicarnasso, o escultor expressou o crescimento da expressividade emocional, em comparação com as obras do século V aC. esse poder de expressividade aumentou muito. A descoberta de novos meios de expressão artística (dramatismo, paixão) levou à perda da clareza monumental dos grandes clássicos, em cujas obras mente humana ganhou em uma colisão com os elementos como o princípio mais alto.

Praxiteles , nascido por volta de 390 aC, expressou outros humores em suas obras. Trabalho cedo"Sátiro servindo vinho"foi tão glorificado que chegou até nós em muitas réplicas romanas. A capacidade de criar contornos suaves e fluidos de estátuas é uma das habilidades mais notáveis Praxiteles. Se o gênio de Scopas personifica impulsividade, pathos, então Praxiteles - um mestre da harmonia, relaxamento, relaxamento após uma onda de ansiedade. Escopas - um expoente do princípio dionisíaco, Praxiteles - Apolíneo. Praxiteles ficou famosa pela estátua de Afrodite, realizando para os habitantes de Kos duas estátuas da deusa, vestida e nua. Os clientes ficaram constrangidos com a ousadia do escultor e não levaram o nu. Foi comprado pelos habitantes de Knidos (Afrodite de Knidos), e ela trouxe fama para sua cidade (peregrinação). O escultor mostrou a bela nudez de uma mulher harmoniosamente construída, conseguiu parar nas fronteiras da sensualidade, que começa a surgir na Afrodite da era helenística. Estátua de Hermes carregando o pequeno Dionísio para ser criado por ninfas, encontrado no templo de Hera em Olímpia, está próximoestátua de Eirene com Plutão. Como em outras imagens Praxiteles , a beleza humana ideal é glorificada aqui. Deus é mostrado como uma pessoa ideal, e uma pessoa, quando se desenvolve harmoniosamente, é percebida como uma bela divindade. A coloração estava mal preservada: o cabelo, o rosto e, claro, as pupilas foram pintadas. O mármore era tingido com cera colorida, que impregnava sua superfície sob a ação do calor. Descobriu-se mármore colorido, sem uma camada de tinta que cobria a pedra na era arcaica. em obras Praxiteles há uma forte atração pela realidade.

EM estátua de um sátiro descansando, do qual muitas réplicas foram preservadas, o tema do relaxamento soa ainda mais claramente. mais tardeestátua "Apolo, o Assassino de Lagartos"o deus da luz é representado por um menino magro. A escultura captura com sua beleza, mas ao mesmo tempo há algum maneirismo.

Os filhos de Praxiteles - Timarchus e Kephistodot, o Jovem, que trabalharam no final do século IV - início do século III aC, já eram artistas da era helenística.

Lysippos , escultor de temperamento contido e forte, mestre da corte de Alexandre o Grande, abriu caminho para um novo tipo de arte neoclássica, não ligada às ideias cívicas da cidade-pólis. Retrata os personagens heróicos da mitologia, ou atletas. Sua estátua é especialmente expressiva. Apoxiomene. Lisipo conseguiu transmitir plasticamente por completo a empolgação do jovem, que ainda não havia esfriado após a luta. Na estátua de Apoxyomenes não há uma única parte calma do corpo (o nervosismo trêmulo de excitação, que o copista romano no rosto de mármore de Apoxyomenes não conseguia transmitir, foi preservadoestátua de bronze de Ephebe de Antifikera). Lisipo preferiu trabalhar em bronze, e na estátua original de Apoxyomenes não havia adereços, que, tendo surgido em uma cópia romana em mármore, estragam a aparência da estátua e reduzem a leveza e a mobilidade da figura. Lysippos continua o processo de conquista do espaço pela estátua, iniciado Escopas . O escultor já está aproveitando muito mais plenamente a oportunidade de mostrar diferentes estados de uma pessoa de diferentes pontos de vista (diferentes impressões são formadas de diferentes ângulos).

A escola de Lísipo é atribuída estátua de descanso de Hermes, mais reminiscente da figura de um atleta-corredor. Lisipo várias esculturas foram criadas sobre o tema das façanhas de Hércules. Uma cópia romana foi preservada representando Hércules lutando contra um leão. A formação piramidal do grupo dá estabilidade à composição da luta. As notas melancólicas que soavam latentes nas imagens de Aoxiomen, Agia e Hermes, continuaram emestátua de descanso de Hércules. Uma peculiar combinação do aparecimento de músculos hipertrofiados com a expressão de fadiga profunda é uma homenagem aos tempos. A perda da harmonia clássica é particularmente evidente aqui. Nos clássicos, não era preciso mostrar Hércules como superpoderoso: sua força se manifestava na confiança, na composição clara da obra.

Partindo da tipificação, o desejo de um personagem nítido na imagem despertou o interesseSilânion, Lisístrato e Lísipo ao retrato. Alexandre o grande posou para Lysippus . Nas cópias posteriores do retrato do comandante que chegaram até nós, o mestre mostrava um homem forte, cuja consciência era agitada por turbulência interior e ansiedade. Não é por acaso que o apelo Lísipo e o retrato de Sócrates , cujo trágico destino, deve-se pensar, o preocupava. Já nas feições distorcidas de Alexandre pode-se sentir os primeiros vislumbres perturbadores das próximas provações do mundo antigo.

Leohar. Na obra de um contemporâneo mais velho de Lísipo, um escultor Leohara expressão encontrada de outros humores. Leohar , sentindo uma saudade aguda das imagens harmoniosas dos clássicos, procurava a beleza nas formas do passado. Essas buscas surgiram já no século IV aC. classicismo, que também se manifestou nos séculos seguintes. Em sua melhor estátua -Apolo Belvedere(cerca de 330 - 320 aC) - cativa a perfeição da imagem e a habilidade de execução, mas essa beleza é de um plano diferente do que nas esculturas de Fídias e Lísipo. A teatralidade e a postura substituíram a natural desenvoltura das imagens do século V e a vitalidade dos personagens de Lísipo pulsando de energia. Perto do Apollo Belvedere na natureza da imagem e na solução plástica atribuída aEstátua Leocharu de Artemis de Versalhes com corça(cerca de 325 aC). A imagem de movimento rápido, uma bela virada da figura é típica de um escultor habilidoso. A fusão do pathos teatral com a atuação de gênero no grupo escultórico Leohara que representou o rapto pela águia Ganimedes . A partir deste trabalho não está longe das esculturas de gênero do helenismo.

Pintura. pintura de vaso. Artista do final do século 5 aC Apolodoro, que criou obras de cavalete em têmpera, introduziu a modelagem em claro-escuro nas imagens e, portanto, pode ser considerado um dos primeiros pintores. Os artistas da época eram mais frequentemente atraídos por tramas de natureza mitológica. Timanf transmite a intensidade dos sentimentos dramáticos com a força inerente à sua composição"O Sacrifício de Ifigênia". Amor de pintores do século IV aC as cenas de batalha de várias figuras são confirmadas por uma cópia em mosaico de Pompeia de uma pintura de um artista do século IV Philoxena , que retrata a batalha de Dario com Alexandre, o Grande, em Issus.

Pintores de vasos do século IV aC as decorações em relevo foram cada vez mais usadas, nas quais o dourado foi amplamente utilizado. Nos ombros da hydria de Qom ("vaso rainha" ) o artista retratou os deuses associados ao culto dos mistérios de Elêusis.

auge pintura monumentalno século IV, ele contribuiu para a ampla disseminação de mosaicos coloridos de várias figuras em várias cidades das monarquias helenísticas. As composições que adornavam o palácio do rei macedônio Arquelau surpreendem os captadores e mosaicistas com a expressividade da representação da figura humana, a expressividade da linha de contorno.Mosaico "Caça ao Leão", composição colorida"Dionísio em uma Pantera", dispostos em seixos de rio multicoloridos, permitem perceber a dimensão do sucesso da pintura monumental.

Último quartel do século IV aC e então os séculos seguintes do helenismo podem ser chamados de apogeu da terracota grega. Durante esses anos, as melhores imagens elegíacas de Tanagra foram criadas, muitas figuras grotescas aparecem nas mãos de coroplasts experientes.

ESTRUTURA DA PALESTRA:

EU. Arte do período clássico alto.

II. Arte do período clássico tardio.

III. arte helenística.

3.1. escola alexandrina.

3.2. Escola Pérgamo.

3.3. Escola de Rodes.

4. Bibliografia.

V. Lista dos principais artefatos.

Arte do alto período clássico (segunda metade do século V aC).

Como em outras áreas da vida, na cultura do século V. BC. há uma combinação de características tradicionais que remontam a épocas arcaicas e até anteriores, e outras completamente diferentes, geradas por novos fenômenos nas esferas socioeconômicas e políticas. O nascimento do novo não significou a morte do velho. Assim como nas cidades a construção de novos templos raramente era acompanhada pela destruição dos antigos, também em outras áreas da cultura os antigos recuavam, mas geralmente não desapareciam completamente. O fator novo mais importante, que teve o impacto mais significativo no curso da evolução cultural neste século, é a consolidação e o desenvolvimento da polis, especialmente a democrática. Não é por acaso que as obras mais marcantes da cultura material e espiritual nasceram em Atenas. para o meio

século 5 BC e. a nitidez do estilo clássico inicial gradualmente sobreviveu a si mesma. A arte da Grécia entrou em um período de prosperidade. Em todos os lugares após a destruição persa, cidades foram reconstruídas, templos, prédios públicos e santuários foram erguidos. Em Atenas de 449 aC. e. Péricles governou, um homem altamente educado que uniu todas as melhores mentes de Hellas ao seu redor: seus amigos eram o filósofo Anaxágoras, o artista Poliklet e o escultor Fídias.

As cidades do mundo antigo geralmente apareciam perto de um penhasco alto, uma cidadela foi erguida sobre ela, para que houvesse um lugar para se esconder caso o inimigo penetrasse na cidade. Essa cidadela era chamada de acrópole. Da mesma forma, em uma rocha que se elevava quase 150 metros acima de Atenas e há muito servia como uma estrutura defensiva natural, a cidade alta gradualmente se formou na forma de uma fortaleza (acrópole) com várias estruturas defensivas e religiosas.

Acrópole de Atenas começou a ser construído já em 2 mil aC. e. Durante as guerras greco-persas, foi totalmente destruído, mais tarde sob a orientação de um escultor e arquiteto Fídias começou sua restauração e reconstrução (Fig. 156).

O novo complexo da Acrópole ateniense é assimétrico, porém é baseado em uma única ideia artística, um único projeto arquitetônico e artístico. Em parte, a assimetria foi sugerida pelos contornos irregulares da colina, as diferentes alturas de suas partes individuais e a presença de estruturas de templos construídas anteriormente em algumas de suas seções. Os construtores da Acrópole optaram deliberadamente por uma solução assimétrica, usando-a para criar a correspondência mais harmoniosa entre as partes individuais do conjunto.

O conceito artístico adotado por Phidias e pelos arquitetos que com ele colaboraram baseou-se no princípio do equilíbrio harmonioso das estruturas individuais dentro de todo o complexo e na divulgação consistente das qualidades artísticas do conjunto e dos edifícios nele incluídos no processo de gradual andando por aí e vendo-os por fora e por dentro.

As paredes da Acrópole são íngremes e íngremes. Uma ampla estrada em zigue-zague vai do sopé da colina até a única entrada. Esse Propylaea construído pelo arquiteto Mnesicles- um portão monumental com colunas dóricas e uma ampla escadaria.

Os Propylaea eram de fato um edifício público. A altura das colunas do pórtico dórico ocidental de seis colunas do edifício é de 8,57 m; as colunas jônicas localizadas atrás delas nas laterais do corredor central são um pouco mais altas, suas dimensões são de 10,25 m. composição do Propylaea introduziu asas laterais adjacentes a eles. Esquerda, norte- Pinakothek - serviu para colecionar pinturas, e em direita, sul, havia um repositório de manuscritos (biblioteca). Em geral, surgiu uma composição assimétrica, equilibrada por um pequeno templo para Nike Apteros (a deusa sem asas da vitória, Nike), erguido pelo arquiteto Kallikrates (Fig. 157). É interessante que o eixo do templo de Nike Apteros não seja paralelo ao eixo do Propylaea: a fachada principal do templo é um pouco voltada para a abordagem do Propylaea, o que é feito no interesse da maior divulgação do qualidades artísticas desta estrutura para o espectador. O Templo de Nike é uma das obras-primas da arquitetura grega antiga desde o seu apogeu.

O principal e maior edifício da Acrópole era o Parthenon, o templo da deusa Atena, construído pelos arquitetos Iktin e Kallikrat. Ele não fica no centro da praça, mas um pouco ao lado, para que você possa capturar imediatamente as fachadas frontal e lateral com os olhos (Fig. 158).

Nas fachadas finais tinha oito colunas, nas laterais - dezessete. O templo foi percebido e não muito alongado e não muito curto. Ele era extremamente harmonioso graças a combinando nele as propriedades de duas ordens - dórica e jônica. As colunas externas do Parthenon eram da ordem dórica. As paredes do próprio templo - cella - friso jônico contínuo coroado. Se a parte externa do Partenon era decorada com cenas de batalhas ferozes, em cujo estilo o estilo estrito ainda soava pesado, o friso interno representava um evento pacífico - a procissão solene dos atenienses na festa dos Grandes Panathenas (festas em homenagem à deusa Atena). No Panatenaico, um novo manto para Atenas foi carregado em um navio - peplos. Este presente foi um sinal de sua ressurreição. A procissão toda ateniense foi apresentada aqui em um ritmo medido e festivo: nobres anciãos com galhos nas mãos, meninas em novos chitons e peplos, músicos, padres e cavaleiros em cavalos agitados e empinados.

Outro templo da Acrópole ateniense - o Erechtheion, dedicado às duas principais divindades da cidade de Atenas - Athena Poliade e Poseidon, foi concluído posteriormente, já por volta de 410 aC. e. Tendo como pano de fundo o grandioso Partenon, o gracioso Erechtheion com três pórticos diferentes e estátuas de cariátides (meninas carregando um teto) parece um brinquedo mágico. Grandes e pequenos, arcaicos e modernos, grandiosos e íntimos se fundem harmoniosamente na Acrópole de Atenas. Ainda hoje continua sendo o padrão de naturalidade, beleza e bom gosto.

Na arte grega antiga, na construção de templos, havia uma ligação inextricável entre arquitetura e escultura. Essa unidade é vista com muita clareza no Partenon.

A plenitude do clássico, a perfeição do plástico grego alcançado nos frisos do Partenon, criados por vários artistas sob a orientação do grande Fídias, amigo de Péricles, nas décadas de 50-40 do século V. BC e. Os primeiros no processo de construção do Partenon seriam métopes prontos, com eles começou o trabalho escultórico, do qual participaram muitos mestres de diferentes gerações e de diferentes lugares da Grécia. Em cada lado do templo, metopes foram dedicados a um tema específico: no leste - gigantomaquia, no oeste - amazonomaquia (Fig. 159), no norte - a batalha dos gregos e troianos, no sul - centauromaquia ( Fig. 160, 161, 162).

Juntamente com as últimas métopas, começaram os trabalhos de friso representando os doze deuses olímpicos e a procissão panatenaica. O friso tinha cerca de 160 m de comprimento e foi colocado acima da entrada dos pronaos, do opistódio e nas paredes da cela a uma altura de 12 m e já foi executado no local. Se as métopas são dadas em altíssimo relevo - em alguns lugares as figuras tocam o fundo com apenas alguns pontos - então o friso é executado em baixíssimo relevo (apenas 5,5 cm), mas rico em modelagens pitorescas de corpo nu e roupas .

composição friso, sem dúvida pertence a um mestre notável que, ao retratar um número tão grande de figuras, conseguiu evitar a repetição e criou uma imagem viva de um feriado nacional, onde todos os participantes estão imbuídos de um humor comum, fundidos em um único movimento, mas cada um ao mesmo tempo ao mesmo tempo, obedecendo ao tom geral, mantém sua individualidade. Essa individualidade se expressa nos gestos, na natureza do movimento, no figurino. Os traços faciais, a estrutura da figura, tanto dos deuses quanto dos meros mortais, são uma imagem generalizada - o ideal da beleza grega.

A alternância de figuras de animais e pessoas, cavaleiros e lacaios, vestidos e nus, a segmentação do fluxo geral da procissão por uma figura voltada para trás, conferem a todo o friso uma persuasão especial, vitalidade. A coloração e os acessórios de cobre contribuíram para que o relevo se destacasse claramente no fundo da parede de mármore. Apesar de muitos escultores trabalharem no friso, nas proporções, tipo de rosto, penteados, natureza do movimento de humanos e animais, interpretação das dobras das roupas, os artistas performáticos cumpriram estritamente a vontade do autor e notavelmente subordinaram seu estilo artístico ao estilo geral.

Comparado com as métopas, o friso representa mais um passo no desenvolvimento do realismo.; sem vestígios de rigidez ou rigidez nas poses, total liberdade de movimentos, leveza nas roupas que não só revelam a forma do corpo, mas também contribuem para a expressividade do movimento, como mantos esvoaçantes, transmitindo a profundidade do espaço - tudo isso torna o friso é o exemplo mais claro do florescimento da arte clássica.

Simultaneamente ao friso, estavam em andamento os trabalhos nos frontões do Partenon. No leste foi retratado cena do nascimento de Atena da cabeça de Zeus na presença dos deuses do Olimpo, no oeste - a disputa entre Atena e Poseidon pelo domínio da Ática. Da composição de várias figuras, restam poucas figuras fortemente danificadas, cada uma das quais é uma escultura redonda, cuidadosamente processada de todos os lados.

Os frontões do Partenon são o ápice da solução composicional de um grupo multifigurado deste tipo: a profundidade da divulgação do enredo é expressa por meios artísticos perfeitos, uma caracterização vívida das imagens e, ao mesmo tempo, uma harmonia incrível com o todo arquitetônico geral. O centro de ambos os frontões é dividido entre os dois personagens principais: Zeus e Atena, Poseidon e Atena, entre os quais foi colocada a leste - uma pequena figura de Nike e a oeste - uma oliveira, dada pela deusa aos habitantes da Ática.

No frontão oriental, atrás das principais figuras centrais, havia mais duas divindades sentadas em tronos - Hera e Poseidon. Ao fundo, atrás dos deuses principais, estão as figuras dos deuses mais jovens, Hefesto, Íris, ainda mais nos cantos estão as figuras dos deuses em pé e os deuses sentados e reclinados: à direita estão três deusas: Héstia, Dione e Afrodite(Fig. 163), à esquerda - um grupo de duas deusas, provavelmente Deméter e Perséfone e uma reclinada jovem deus, aparentemente Dionísio(Fig. 164).

O ideal da personalidade humana é incorporado por Fídias em grande cultoestátuas de Atena Parthenos e Zeus Olímpico. A figura da deusa, com 12 m de altura, é feita de marfim e ouro e ficava dentro do templo do Partenon. Ela testemunha que mestre famoso conseguiu superar a rigidez e a severidade do estilo clássico inicial, mantendoseu espírito de seriedade e dignidade. O olhar suave e profundamente humano do todo-poderoso deus Zeus fazia com que todos que vinham ao seu santuário em Olímpia se esquecessem por um tempo das preocupações que oprimiam a alma, inspiravam esperança.

Além de Fídias, em meados do século V. BC e. criado pelo excelente escultor grego Myron, originalmente de Elefevr na Beócia, cujas atividades ocorreram em Atenas. Myron, cujo trabalho é conhecido apenas por cópias romanas, trabalhava em bronze e era um mestre em plásticos redondos. O escultor tem um grande domínio da anatomia plástica e transmite liberdade de movimento, superando alguma rigidez que ainda existia nas esculturas de Olympia..

Conhecido pela sua magnífica escultura "Discobolus"(Fig. 165) Nele, Miron escolheu um motivo artístico ousado - a parada mais curta entre dois movimentos fortes, o momento em que o último aceno da mão foi feito antes de lançar o disco. Todo o peso do corpo recai sobre a perna direita, até os dedos dos pés estão tensos, a perna esquerda está livre e mal toca o chão. A mão esquerda, tocando o joelho, como se mantivesse a figura em equilíbrio. Um atleta bem treinado executa lindamente e livremente um movimento aprendido. Com uma tensão tão forte de todo o corpo, o rosto do jovem surpreende o espectador com sua perfeita calma. A transferência de expressões faciais corresponde à tensão do corpo.

Construção composicional de "Discobolus" resolvido um tanto plano, como se fosse um relevo, mas ao mesmo tempo, cada lado da estátua revela claramente a intenção do autor; de todos os pontos de vista, o movimento do atleta é compreensível, embora o artista destaque um ponto de vista principal.

Também famoso é o grupo de Myron, que já esteve na Acrópole de Atenas, retratando Atenas, que jogou a flauta que ela inventou, e o forte Marsyas(Fig. 166). Um demônio da floresta selvagem e desenfreado com rosto de animal, movimentos bruscos e agudos se opõe a uma Atena muito jovem, mas calma. A figura de Marsyas expressa o medo da deusa e um desejo forte e ganancioso de pegar a flauta. Athena para Silenus com um gesto de sua mão. Miron neste grupo aparece diante de nós como um mestre de características brilhantes e nítidas.

O terceiro grande clássico da escultura grega foi Polykleitos. de Argos, que trabalhou por algum tempo em Atenas. Ele criou os cânones para a definição e transferência plástica das proporções do corpo humano. De acordo com o cânone de Polykleitos, o comprimento do pé deveria ser 1/6 do comprimento do corpo e a altura da cabeça - 1/8. Essas e outras relações são rigorosamente observadas na figura. "Doriphora"(Fig. 167), que encarnava o então ideal de beleza masculina, na escultura "Amazônia Ferida"(Fig.168).

E Fídias nos frisos do Partenon, e Myron em "Discobolus" e Poliklet em "Dorifor" retratam pessoas ideais, como deveriam ser.

No período dos grandes clássicos, a pintura sem dúvida se desenvolveu. Com o crescimento do realismo na arte grega, a pintura teve que encontrar novos meios de expressão. Duas conquistas abriram caminho para o desenvolvimento da pintura: a descoberta das regras da perspectiva linear e o enriquecimento das técnicas pictóricas com o claro-escuro.

Durante este período, mestres como Agafarchus, Zeuslis, Parrasius, Timanf trabalharam (Fig. 168).

Segunda metade do séc. BC e. foi uma etapa importante no desenvolvimento da arte grega antiga. As tradições dos grandes clássicos foram retrabalhadas em novas condições históricas. Nesta época, pode-se traçar um alto humanismo de imagens, patriotismo, cidadania. O conjunto da Acrópole de Atenas é uma síntese das realizações do período clássico. Nas artes plásticas, predomina a imagem do herói vitorioso, o defensor da política. Os artistas chegaram o mais próximo possível da representação realista da figura humana, cada vez mais as obras são realizadas onde uma pessoa está em movimento e os rostos têm sua própria individualidade, expressões faciais.

Arte do final do período clássico (século IV aC).

As novas condições da vida social levaram a uma mudança na natureza do antigo realismo.

Junto com a continuação e desenvolvimento das formas clássicas tradicionais de arte do século IV. BC e., em particular arquitetura, teve que decidir edesafios completamente novos. A arte pela primeira vez começou a servir às necessidades e interesses estéticos do indivíduo, e não à política como um todo; apareceue obras que afirmavam princípios monárquicos. Ao longo do séc. BC e. constantemente intensificado o processo de afastamento de vários representantes da arte grega dos ideais de nacionalidade e heroísmo do século V. BC e.

Ao mesmo tempo, as dramáticas contradições da época se refletiam em imagens artísticas, mostrando o herói em uma trágica luta tensa com forças hostis a ele, engolfado em experiências profundas e tristes, dilacerado por profundas dúvidas.

Arquitetura grega séc. IV. BC e. teve várias conquistas importantes, embora seu desenvolvimento tenha sido muito desigual e contraditório. sim, durante primeiro terço do 4º c. na arquitetura houve um conhecido declínio na construçãoAtividades, refletindo a crise econômica e social que engolfou todas as políticas gregas, e especialmente aquelas localizadas na própria Grécia. Este declínio foi, no entanto, longe de ser universal. Afetou de forma mais aguda em Atenas, que foi derrotada nas Guerras do Peloponeso. No Peloponeso, a construção de templos não parou. A partir do segundo terço do século, a construção voltou a intensificar-se. Na Ásia Menor grega, e em parte na própria península, numerosas estruturas arquitetônicas foram erguidas.

Monumentos do séc. IV. BC e. geralmente seguido os princípios do sistema de ordem. No entanto, eles diferiam significativamente em caráter das obras dos grandes clássicos. A construção de templos continuou, mas especialmente o desenvolvimento extenso em comparação com o século V. BC. recebido construção de teatros (Fig. 170),palaestra, espaços fechados para reuniões públicas(bouleutério), etc.

As características mais marcantes do desenvolvimento da arquitetura da Ásia Menor afetado em construído por volta de 353 aC. e. os arquitetos Pytheas e Satyr Halicarnassus Mausoléu - a tumba de Mausolus, o governante da província persa de Karius (Fig. 171).

O mausoléu impressionou não tanto pela majestosa harmonia de proporções, masgrandiosidade de escala e magnífica riqueza de decoração. Nos tempos antigos, foi classificado entre as sete maravilhas do mundo. A altura do Mausoléu provavelmente atingiu 40 - 50 M. O edifício em si era uma estrutura bastante complexa, que combinava as tradições locais da Ásia Menor da arquitetura de ordem grega em motivos emprestados do Oriente clássico. No século XV O mausoléu foi seriamente danificado e sua reconstrução exata é atualmente impossível; apenas algumas de suas características mais gerais não causam polêmica entre os cientistas. Em planta, era um retângulo se aproximando de um quadrado. O primeiro nível em relação aos subsequentes serviu de pedestal. O mausoléu era um enorme prisma de pedra construído com grandes quadrados. Nos quatro cantos, o primeiro nível era flanqueado por estátuas equestres. Na espessura deste enorme bloco de pedra havia uma sala abobadada onde ficavam os túmulos do rei e de sua esposa. O segundo nível consistia em uma sala cercada por uma alta colunata da ordem jônica. Estátuas de leões de mármore foram colocadas entre as colunas. O terceiro e último nível era uma pirâmide escalonada, no topo da qual foram colocadas grandes figuras do governante e sua esposa em pé em uma carruagem. O túmulo de Maveola foi cercado por três fileiras de frisos, mas sua localização exata no conjunto arquitetônico não foi estabelecida. Todas as obras escultóricas foram feitas por mestres gregos, incluindo Skopas.

A combinação de força opressiva e a enorme escala do piso do porão com a magnífica solenidade da colunata deveria enfatizar o poder do rei e a grandeza de seu estado.

O caráter geral da escultura e da arte dos clássicos tardios é principalmentedeterminada pela atividade criativa dos artistas realistas. Os principais e maiores representantes dessa tendência foram Skopas, Praxiteles e Lysippus.

Cabeça de um guerreiro ferido do templo de Athena Alei em Tegea mostra Scopas como um profundo reformador do conceito de Fídias. Sob seu incisivo, uma forma antes bonita é distorcida: o sofrimento torna a pessoa feia, desfigura seu rosto. Anteriormente, a estética grega geralmente excluía o sofrimento.

E assim o princípio moral fundamental da arte grega antiga foi violado. A beleza dá lugar à dor, a dor muda o rosto de uma pessoa e um gemido escapa de seu peito. As proporções do rosto são distorcidas: a cabeça torna-se quase cúbica e achatada. A imagem do luto ainda não atingiu tamanha expressividade.

As famosas "Bacantes"(Fig. 172) - uma pequena estatueta de um ministro do culto a Dionísio - representa Skopas como um mestre de novas soluções plásticas. Seminu, numa dança selvagem, a figura já não se levanta, não gira, mas gira em torno de um eixo num movimento rápido e tempestuoso. A bacante é tomada pela paixão - ela despedaça o animal, no qual vê a encarnação de Deus. Diante dos olhos do espectador, é realizado um ritual sangrento, que nunca antes foi retratado dessa forma na escultura grega.

Praxiteles, ao contrário, era um mestre das imagens divinas líricas. Muitas cópias romanas de suas obras sobreviveram: "Satyr derramando vinho", "Resting Satyr", "Apollo Saurokton" (ou "Apollo matando um lagarto"), "Eros", etc. por ordem da ilha Spit, mas resgatada pelos habitantes da ilha de Knidos, que recebeu o nome "Afrodite de Knidos"(Fig. 173). Praxiteles primeiro expôs Afrodite: só ela sozinha foi autorizada a demonstrar sua beleza sem roupas. Ela parecia ter acabado de sair da água, escondendo-se atrás das mãos.

Uma das obras do grande mestre chegou até nossos dias emoriginal. Este é Hermes com o bebê Dionísio.(Fig. 174). O grupo foi iniciado no templo de Hera em Olímpia, onde ela foi encontrada durante as escavações. Apenas as pernas e a mão de Hermes, que segurava um cacho de uvas, foram perdidas. Hermes, carregando o bebê para ser criado pelas ninfas, está descansando no caminho. A figura do deus é fortemente inclinada, mas isso não torna a escultura feia. Ela, ao contrário, é abanada por uma atmosfera de felicidade. Os traços faciais não são marcados com muita nitidez, eles parecem derreter sob a influência do sol do meio-dia. As pálpebras não são mais enfatizadas e o olhar torna-se lânguido, como se estivesse disperso. Frequentemente Praxitelesprocurando suporte adicional para suas figuras: troncos, pilones ou outros suportes, como se não dependessem da força de sua própria tectônica.

Na virada dos clássicos gregos e do helenismo, o último grande escultor, Lysippus, o escultor da corte de Alexandre, o Grande, trabalhou. Como artista, ele era muito versátil - criou grupos escultóricos (por exemplo, "Os Trabalhos de Hércules"), estátuas individuais e até retratos, entre os quais o mais famoso é o retrato do próprio Alexandre, o Grande. Lysippos experimentou-se em gêneros diferentes, mas acima de tudo, ele conseguiu retratar atletas.

Sua principal obra - "Apoxiomen" (Fig. 175) - retrata um jovem limpando a areia do corpo após as competições (os atletas gregos esfregavam o corpo com óleo, ao qual a areia grudava durante as competições); difere significativamente das obras dos clássicos tardios e, em particular, das obras de Polykleitos. A postura do atleta é livre e até um tanto desaparafusada, as proporções são completamente diferentes - a cabeça não é um sexto de toda a figura, como no cânone "quadrado" do argivo, mas um sétimo. figurasLysippus são mais esguios, naturais, móveis e independentes. No entanto, algo muito importante desaparece neles, o atleta não é mais percebido como um herói, a imagem torna-se menosprezada, enquanto nos grandes clássicos era ascendente: as pessoas eram glorificadas, os heróis eram divinizados e os deuses eram colocados no nível do mais alto poder espiritual e natural.

Todas as conquistas da arquitetura e da arte clássicas foram colocadas a serviço de novos objetivos sociais alheios aos clássicos, gerados pelo inevitável desenvolvimento da sociedade antiga. O desenvolvimento passou do obsoleto isolamento de políticas a poderosas, ainda que frágeismonarquias escravistas, permitindo que o topo da sociedadefortalecer os alicerces da escravidão.

Arte grega 4º c. BC. caracterizado por um florescimento brilhante da pintura. Mestres deste período amplamente utilizados experiência de artistas anteriores e, sendo fluentes em técnicas realistas de retratar o homem e o animal, enriqueceram a pintura com novas realizações.

A paisagem passa a ocupar um lugar ainda mais significativo na composição e passa a servir não apenas como pano de fundo para as figuras, mas como um lado importante de toda a trama. A imagem da fonte de luz revelou possibilidades pictóricas ilimitadas. O retrato pictórico alcançou um desenvolvimento brilhante.

Em Sicyon no início do 4º c. BC e. surge uma verdadeira academia de pintura, que desenvolveu suas próprias regras de ensino, uma sólida e bem fundamentada teoria da pintura. O teórico da escola era Panfilo, que lançou as bases para a pintura crestografia, ou seja, a construção de figuras por cálculo, na qual continuou a tradição de Polykleitos. Perspectiva, matemática e ótica foram introduzidas no curso de pintura, atenção especial foi dada ao desenho.

O famoso pintor Pausius foi aluno de Pamphilus e seu seguidor, que trabalhou na técnica da encáustica, o que lhe permitiu trazer com grande perfeição o jogo do claro-escuro e transmitir gradações sutis de tons. Pausius ficou famoso por suas naturezas-mortas, representando buquês ilusórios e guirlandas de flores.

Uma escola de outra direção foi criada em Tebas nos anos 70. 4º c. BC e. Particularmente digno de nota é o artista Aristide, o Velho, cujas pinturas se distinguem pelo desenho dramático, pela expressividade vívida dos personagens e pela capacidade de transmitir sentimentos patéticos complexos. A escola tebana-ática diferia da sicioniana na profundidade de seu conteúdo ideológico, na atualidade da trama e em sua nitidez política.

Um excelente artista ático - Nicias, famoso por suas habilidades de pintura. Ele pintou pinturas de cavalete, muito distantes em espírito dos altos ideais civis. Ele tirou o enredo dos mitos românticos, dando motivos para mostrar a graça e a beleza requintada dos personagens, o sentimentalismo da situação. Nos afrescos romanos e pompeianos, as repetições foram preservadas pinturas de Nikias "Perseu e Andrômeda"(Fig. 176). Aqui é mostrado o momento em que a façanha já foi realizada, o monstro foi morto e o herói, como um galante cavaleiro, dá a mão à bela heroína. Um lugar significativo nessas pinturas é ocupado pela paisagem, embora seja geralmente escrita.

famoso Apeles, também estudou em Sícion, a partir de 340 aC. e. trabalhou na corte dos reis da Macedônia, onde pintou retratos de Alexandre. Apeles, no retrato de Alexandre com um raio, mostrou pela primeira vez a fonte de luz e destaques no rosto e no corpo, o que foi uma grande conquista na história da pintura realista.

Apeles era especialmente famoso por sua pintura retratando Afrodite emergindo do mar. Os pés da deusa ainda estavam escondidos pela água e eram ligeiramente visíveis através dela. A deusa, erguendo as mãos, torcendo os cabelos,

Infelizmente, todas as pinturas famosas de Apeles e seus contemporâneos desapareceram. Apenas pintura de Philoxenus "Batalha de Alexandre com Dario"(Fig. 177, 178) nos é conhecido pela repetição em mosaico do séc. III. BC e. Um grande mosaico (5 m X 2,7 m) foi a decoração do piso em Pompéia. É uma batalha complexa de figuras myogo. A ideia da imagem é a glorificação da coragem e heroísmo de Alexandre. Philoxen transmitiu perfeitamente o pathos dos personagens, várias emoções. Ângulos ousados, como um guerreiro caindo na frente de uma carruagem ou um cavalo em primeiro plano, um rico jogo de claro-escuro, destaques brilhantes que aumentam a impressão de figuras tridimensionais, revelam a mão de um mestre experiente e habilidoso e, o mais importante, permitem imaginar a natureza da pintura na segunda metade do século IV . BC e.

No período dos clássicos tardios, houve uma estreita ligação entre a pintura de vasos e a pintura monumental e de cavalete. Na segunda metade do séc. BC e. inclui uma série de excelentes vasos de figuras vermelhas do sótão e do sul da Itália. Até o final do 4º c. BC e. a técnica das figuras vermelhas desaparece, dando lugar a modestos murais de natureza puramente ornamental. A paleta multicolorida, as técnicas do claro-escuro na pintura tornaram-se inacessíveis aos mestres da pintura de vasos devido ao número limitado de cores que suportam queima pesada.

A arte clássica pela primeira vez na história da humanidade estabeleceu como objetivo a divulgação verdadeira do valor ético e estético do ser humanoindivíduo e grupo humano. A arte clássica, em sua melhor forma, expressava os ideais da democracia pela primeira vez na história da sociedade de classes.

A cultura artística dos clássicos também preserva para nós um valor eterno e duradouro, como um dos pináculos absolutos no desenvolvimento artístico da humanidade. Nas obras de arte clássica, pela primeira vez, o ideal de uma pessoa harmoniosamente desenvolvida encontrou sua expressão artística perfeita, a beleza e o valor de uma pessoa fisicamente e moralmente bela foram verdadeiramente revelados.

Escultura Clássica n Clássico Antigo (500-450 aC) n Clássico Superior (450-400 aC) n Clássico Tardio (400-330 aC)

Escultura dos clássicos n A imagem do cidadão - atleta e guerreiro - torna-se central na arte dos clássicos. n As proporções corporais e as diversas formas de movimento tornaram-se os meios de caracterização mais importantes. n Gradualmente, o rosto da pessoa retratada é liberado da rigidez e da estática.

O bronze é o material principal n Somente o bronze permitiu que os escultores gregos dessem qualquer posição à figura. n Portanto, bronze no 5º c. BC e. tornou-se o principal material com que trabalharam todos os grandes mestres quando começaram a criar uma escultura redonda. n Em uma estátua de bronze, os olhos eram incrustados com pasta vítrea e pedra colorida, e os lábios, penteados ou joias eram feitos de uma liga de bronze de tom diferente.

Escultura em mármore n Decorações escultóricas de templos, relevos de túmulos III III e tais estátuas foram feitas em mármore, que representavam figuras em roupas compridas ou uma figura nua em pé com os braços para baixo. n A escultura em mármore ainda era pintada. n Era difícil esculpir uma figura nua com apoio em uma perna e a outra livremente separada do mármore sem um suporte especial.

Os primeiros clássicos n Originalidade pessoal, a contribuição de seu personagem não atraiu a atenção dos mestres dos primeiros clássicos gregos. n Criando uma imagem típica de um cidadão humano, o escultor não procura revelar o caráter individual. n Essa era a força e as limitações do realismo dos clássicos gregos.

Clássico inicial 1. 500 aC e. Tiranicídio. Bronze 2. 470 DC e. Cocheiro de Delfos. Bronze 3. 460 aC e. Estátua de Zeus (Poseidon) do Cabo Artemision. Bronze 4. 470 aC e. Jovem loiro. Mármore 5. 470 aC e. Corredor na largada 6,5 ​​pol. BC e. Miron. Lançador de disco. Bronze 7. 5 c. BC e. Miron. Mársias e Atena. Bronze 8. 470 -460 BC e. Trono de Ludovisi. Alívio. Mármore

500 aC e. Tyrannoslayers n cópia em mármore romano após um original em bronze. n Critias e Nesiot são os criadores do famoso grupo. n O monumento aos heróis patrióticos Harmodius e Aristogeiton, os tiranicidas de Antenor, erguido na encosta do Areópago ateniense, foi retirado em 480 aC. e. Persas. n Após a expulsão dos inimigos da Ática, os atenienses imediatamente ordenaram novo monumento escultores Critias e Nesiotes.

Figuras poderosas n No trabalho sobre alguns resquícios do arcaico, a interpretação decorativa do cabelo, o sorriso arcaico. n Os mestres introduziram um espírito completamente diferente na obra, apesar do fato de que em vez de graciosos kouros arcaicos, vemos figuras completamente diferentes, poderosas, de proporções alongadas, com corpo maciço, em movimento enérgico. n Altura - 1,95 m

Um monumento severo n O mais velho - Aristogeiton - protege o mais jovem, que ergueu sua espada sobre o tirano. n Os músculos dos corpos nus dos heróis são esculpidos de forma um tanto generalizada, mas com muita precisão, com uma clara compreensão da natureza. n Este monumento severo, cheio de pathos patriótico, glorificou a vitória da democracia, que não só derrubou a tirania, mas também repeliu a invasão persa.

474 aC e. Cocheiro de Delfos n Famoso original da antiga escultura grega. Uma das poucas estátuas que conseguiram sobreviver até hoje. n Foi descoberto por arqueólogos franceses em 1896 durante escavações no Santuário Delfos de Apolo. n A estátua foi erguida para comemorar a vitória da equipe de bigas nos Jogos Píticos em 478. n A inscrição na base da escultura diz que ela foi erguida por ordem de Polisalos, o tirano da colônia grega na Sicília, como presente a Apolo.

Grupo escultórico n Inicialmente, o Cocheiro fazia parte de um grande grupo escultórico. n Compreendia uma carruagem, uma quadriga de cavalos e dois cavalariços. n Vários fragmentos de cavalos, uma carruagem e a mão de um servo foram encontrados ao lado da estátua. n No seu estado original, foi uma das estátuas mais impressionantes do seu tempo. n O grupo provavelmente estava nos terraços planos que desciam do santuário.

Crescimento alto n A escultura, feita em altura humana (altura 1,8 m), retrata um cocheiro. n Na foto está um homem muito jovem, um homem jovem. n Os cocheiros eram escolhidos por seu peso leve e alta estatura, de modo que os adolescentes eram frequentemente levados para esse trabalho. n O jovem está vestido com uma espécie de túnica - xistis, vestimenta dos cocheiros durante a competição. Chega quase aos tornozelos e é cingido com um cinto simples.

Dobras profundas n As dobras paralelas profundas de suas roupas escondem todo o corpo. n Mas a modelagem da cabeça, braços, pernas mostra como o mestre da anatomia plástica, desconhecido para nós, era fluente

n Duas tiras cruzadas nas costas evitavam que os xistis voassem com o vento durante as corridas.

Clássico Antigo n O Cocheiro pertence ao período Clássico Antigo e é mais naturalista do que o kouros. n Mas a pose ainda permanece congelada, em comparação com as estátuas clássicas de uma época posterior. n Outro legado do arcaico é que a cabeça é ligeiramente inclinada para um lado. n As características faciais receberam alguma assimetria para maior realismo.

Eye Inlay n Esta escultura é um dos poucos bronzes gregos que preservou a incrustação de olhos de ônix e detalhes de cobre de cílios e lábios. n A tiara é feita de prata e pode ser decorada pedras preciosas que foram retirados.

460 aC e. Estátua de Zeus (Poseidon) n Estátua grega original em bronze do séc. BC e. n Encontrado em 1926 por mergulhadores de esponja no mar Egeu ao largo do Cabo Artemision na área do naufrágio n Subido à superfície em 1928. n Altura da estátua: 2,09 m n A estátua retrata Poseidon ou Zeus, balançando para lançar armas que não sobreviveram até hoje: uma lança, um tridente (um atributo de Poseidon) ou um raio (um atributo de Zeus)

470 aC e. Zeus n "Zeus de Dodona" segura um raio em suas mãos, feito na forma de um disco oblongo achatado.

Energia Oculta n A estátua incorpora energia oculta, grande poder espiritual. n A grandeza de Deus se expressa não apenas pelas formas poderosas do corpo, SH não apenas em um movimento forte, SH gesto de comando, SH mas principalmente nas feições de um belo rosto corajoso, SH em um olhar sério mas apaixonado.

n A estátua tem cavidades oculares vazias, originalmente incrustadas com marfim, sobrancelhas feitas de prata, lábios e mamilos feitos de cobre

470 aC e. Jovem loiro n Na arte do século V. BC e. surge um novo ideal de beleza, um novo tipo de rosto: Ø oblongo, mas oval arredondado, Ø ponte reta do nariz, Ø linha reta da testa e do nariz, Ø arco suave das sobrancelhas, projetando-se acima dos olhos amendoados , Ø lábios, bastante carnudos, belo padrão, sem sorriso. n As dobras da roupa tornam-se gradualmente um "eco do corpo".

Um novo ideal de beleza n A expressão geral é calma e séria. O cabelo é tratado com mechas suaves e onduladas que contornam o formato do crânio.

470 aC e. Corredor na largada n A tarefa mais difícil na arte da escultura era fixar o momento de transição da estática para o movimento. n A execução bem-sucedida de todas essas difíceis tarefas pode ser vista nesta pequena estatueta grega (16 cm) n O atleta é mostrado no último segundo antes de um salto rápido para a frente, no momento em que a tensão atinge seu ponto mais alto.

Quiasmo n Esticado para a frente mão esquerda e o cotovelo direito empurrado para trás, a perna esquerda estendida cria um motivo de movimento cruzado. n As pernas do corredor estão dobradas na altura dos joelhos, o corpo está inclinado para a frente. A figura contém dois movimentos: Ø a parte inferior do corpo está em sua posição original, Ø a superior recebe a posição em que a inferior estará em um momento. n Aqui há um quiasma: Ø movimento cruzado de braços e pernas, Ø a localização dos ombros, corpo, quadris em diferentes planos.

Myron n escultor grego de meados do século V. BC e. de Eleutera, na fronteira da Ática e da Beócia. n Myron foi contemporâneo de Phidias e Polykleitos. n Ele viveu e trabalhou em Atenas e recebeu o título de cidadão ateniense, que na época era considerado uma grande honra. n Miron é um mestre em plásticos redondos. Seu trabalho é conhecido apenas por cópias romanas.

Cópias romanas n Retratou deuses, heróis e animais, reproduziu com especial amor poses difíceis e fugazes n O escultor era excelente em anatomia plástica e transmite liberdade de movimentos, superando alguma rigidez que ainda existia nas esculturas de Olímpia. n Os antigos o caracterizam como o maior realista, mas que não sabia dar vida e expressão aos rostos.

Discobolus n Sua obra mais famosa é Discobolus, um atleta que pretende lançar um disco. n A estátua chegou até nossos dias em várias cópias, das quais a melhor é feita de mármore e está localizada no Palácio Massimi, em Roma. n E a cópia no Museu Britânico está com a cabeça errada.

A impressão de estabilidade n O escultor retratou um jovem, belo de espírito e corpo, que se move rapidamente. n O arremessador é apresentado no momento em que coloca todas as suas forças para lançar o disco. n Apesar da tensão que permeia a figura, a estátua dá a impressão de estabilidade. n Isso é determinado pela escolha do momento do movimento - seu clímax.

Corpo elástico n n Um momento de repouso dá origem a uma sensação de estabilidade da imagem. n Lançador de disco. Cópia romana, séc. Gliptoteca. Munique Curvando-se, o jovem trouxe de volta a mão com o disco, outro momento, e o corpo elástico, como uma mola, se endireitaria rapidamente, a mão lançaria o disco com força no espaço. Apesar da complexidade do movimento, o ponto de vista principal mantém-se na estátua do Discobolus, permitindo ver de imediato toda a sua riqueza figurativa.

n Miron escolheu um motivo artístico ousado - uma breve parada entre dois movimentos fortes, o momento em que o último aceno da mão foi feito antes de lançar o disco.

450 aC e. Frente do tetradrachm. Prata Final do século 2 - início do século 3. Lançador de disco. Mosaico de Roma.

450 aC e. Athena e Marsyas n Os escritores antigos mencionam com louvor a estátua de Marsyas agrupada com Atena. Também obtemos um conceito desse grupo a partir de suas várias repetições posteriores.

n O famoso grupo de Myron, que ficava na Acrópole de Atenas, representava Atena jogando a flauta inventada por ela, e a silena de Marsias foi preservada em cópias de mármore.

O mito de Atena e Marsias n Segundo o mito, Atena inventou a flauta, mas suas bochechas inchavam feio ao tocar o instrumento. As ninfas riram dela, então Atena largou sua flauta e amaldiçoou o instrumento que perturbava a harmonia do rosto humano. n Silenus Marsyas, ignorando a maldição de Atena, correu para pegar a flauta. n Myron os retratou no momento em que Atena, saindo, se voltou para os desobedientes e Marsias recuou de medo.

n n Autocontrole calmo, domínio sobre os próprios sentimentos é uma característica da visão de mundo clássica grega, que determina a medida do valor ético de uma pessoa. A afirmação da beleza da vontade racional, que refreia o poder da paixão, encontrou expressão neste conjunto escultórico.

Marsyas n A situação escolhida contém uma revelação completa da essência do conflito. Athena e Marsyas são personagens opostos. n O movimento de Silenus, que se recostou rapidamente, foi rude e abrupto. Seu corpo forte é desprovido de harmonia. Um rosto com testa saliente e nariz achatado é feio. n Um demônio da floresta selvagem e desenfreado com rosto de animal, movimentos bruscos e agudos se opõe a uma jovem, mas calma Atena. n A figura de Marsyas expressa o medo da deusa e um desejo forte e ganancioso de pegar a flauta.

Um olhar severo n O movimento de Atena, imperioso, contido, é cheio de nobreza natural. n Apenas lábios semicerrados desdenhosamente e um olhar severo denunciam a raiva. n Silena para Athena com um único gesto.

n n O grupo "Athena e Marsyas" afirma figurativamente a ideia da superioridade da mente sobre as forças elementares da natureza. Este grupo escultórico delineou o desenvolvimento do realismo composição do enredo, mostrando a relação de personagens conectados por uma ação comum.

Movimentos suaves n … O movimento aqui é mais complexo do que no Disco Thrower. n Atena se vira, mas não há ruptura acentuada em sua cintura, quando as partes superior e inferior do corpo eram percebidas como elementos independentes. n As curvas das dobras da roupa são suaves, a inclinação da cabeça é harmoniosa.

A estátua do corredor Lada n n A estátua do corredor não sobreviveu até nossos dias. Sobre a estátua do corredor Lada, um famoso atleta que morreu após uma de suas vitórias, o antigo poeta escreveu: Ш O corredor está cheio de esperança, apenas a respiração é visível na ponta de seus lábios; puxado para dentro, os lados tornaram-se ocos. Ш Bronze se esforça para obter uma coroa de flores; não segure sua pedra; W Vetra é o corredor mais rápido, você é um milagre das mãos de Miron.

Estátua de uma vaca (Heifer). Cobre n De acordo com os contemporâneos, parecia tanto com um cobre vivo que moscas pousavam sobre ele. n Os pastores e touros também o levaram para o real: Ш Você é cobre, mas olhe para você o arado foi trazido pelo leme, Ш O arreio e as rédeas foram trazidos, a novilha é uma enganadora de todos. Sh Miron foi a coisa, o primeiro nesta arte, Sh fez você vivo, dando a aparência de uma novilha trabalhando. Autor desconhecido. Estátua de touro. Olímpia. 5º c. BC e.

n Altar tripartido em mármore grego. n Descoberto durante a reforma da Villa Ludovisi em Roma em 1887. n Altura 84 cm 470 -460 AC e. Trono de Ludovisi

Nascimento de Vênus n A parte central - com a cena do nascimento de Afrodite da espuma do mar. n A bela e frágil figura de Afrodite em uma túnica fina e justa é retratada emergindo das ondas do mar. n Seu rosto levemente voltado para cima está radiante de alegria. n O relevo do trono de Ludovisi não é alto, mas o mestre transmitiu perfeitamente a plasticidade do corpo e as inúmeras dobras das roupas. O desenho é fino e preciso.

n n Nas laterais da deusa, seus dois jovens servos - Minérios (estações), de pé à beira-mar, curvados, sustentam a deusa que se ergue das águas e a cobrem com um manto. As meninas estão vestidas com roupas longas e esvoaçantes, e suas figuras dispostas simetricamente são animadas pelos vários jogos de dobras das túnicas.

n n Nos relevos laterais: por um lado, uma menina nua (hetaera) é representada tocando flauta, por outro lado, uma figura sentada de uma mulher (matrona), envolta em um manto, em frente a um queimador de incenso. Estes são os servos do culto de Afrodite, que simbolizam encarnações diferentes amor ou imagens de serviço à deusa.

Realismo de interpretação Almofadas interpretadas de forma realista nas quais os atendentes se sentam, pequenas pedras costeiras sob os pés de Or dão a toda a cena uma concretude convincente.

n Os movimentos de Afrodite levantando-se e Or inclinando-se para ela são opostos em direção, mas as linhas da composição não são quebradas. O entrelaçamento das mãos e as dobras suaves das roupas dão a impressão de ação contínua.