Kristina Krasnyanskaya: “Se eles me dissessem que seria ASSIM, eu nunca teria acreditado. Este móvel é colecionável?

Colecionar obras de arte é um hobby de elite, o que implica não apenas uma educação séria no campo da história da arte, mas também um gosto impecável.
Kristina Krasnyanskaya, crítica de arte, membro correspondente da Academia Internacional de Cultura e Arte, proprietária da galeria "Heritage" de Moscou, nos contou se é possível cultivar o bom gosto por conta própria e como aprender a criar coleções de arte .

• Cristina, o que é “bom gosto” para você?
• Bom gosto é a arte de estar em harmonia com o meio ambiente. Guiados pelo gosto, podemos escolher o que fará parte de nossas vidas e o que não fará. É como construir uma boa coleção. A capacidade de escolher e encontrar correspondências determina a formação de nosso contexto de vida pessoal. A pessoa de bom gosto sempre existe e se sente no lugar e no tempo, pois busca a harmonia entre o mundo externo e o interno.
• Na sua opinião, o bom gosto pode ser cultivado?
• Claro, bom gosto é uma característica incutida desde a infância. Se uma pessoa do muito jovem conhece a beleza e os cânones eternos da beleza, fica muito mais fácil para ele desenvolver um bom gosto. O bom gosto não é uma qualidade inata, mas o resultado do trabalho de si mesmo. Constantemente expandindo seus horizontes e descobrindo coisas novas, nós melhoramos Seu gosto. O bom gosto costuma ser associado a um senso de estilo, embora sejam dois conceitos completamente diferentes, como moda e arte.
• E o que é mais importante na formação de coleções particulares - gosto ou moda?
• As leis da moda existem em todos os tipos de atividade humana. Mas a moda é sempre condicional. Apesar de a arte da moda ser incrivelmente procurada em um determinado momento, isso não a torna mais atraente em termos de formação de coleção. Existem critérios muito mais importantes na escolha das obras para colecionar e, antes de tudo, esse é o valor artístico da obra. Hoje está extremamente na moda colecionar arte contemporânea, mas isso não significa de forma alguma que os colecionadores Arte XIX Idade tem mau gosto...
• O gosto de um colecionador profissional e de um colecionador novato muitas vezes não combina. Como você se comporta em tais situações - incutir um gosto nos clientes ou tentar combinar suas aspirações?
• Procuro sempre ouvir os desejos e a visão dos meus clientes, porém, sem esconder deles a minha opinião. Via de regra, todos passam a colecionar clássicos, guiados pelas ideias recebidas em antologias e catálogos de museus. mas o conservadorismo na coleta - nem sempre um sinal bom gosto. Arte abstrata- esta é a evolução pela qual passa primeiro o artista e depois o espectador. Esta arte requer treinamento especial, experiência e educação. Você precisa chegar a isso, expandindo gradualmente sua visão, ou talvez nunca venha.
• Como arte Moderna afetar o gosto do público?
• Em todos os momentos, as belas artes formaram os cânones da beleza e dos tipos da moda. A arte contemporânea faz isso de forma mais intensa e eclética, ao mesmo tempo em que fala de tantas coisas. Hoje há uma tendência para uma síntese das artes, quando o teatro se combina com a música, a pintura com o design, as videoinstalações. e cinematografia. A arte nos mostra sua atitude em relação aos processos que ocorrem na sociedade e ajuda a determinar nossa própria atitude em relação a ela. Quão brilhante e interessante fica depende do talento e habilidade do artista.
• Mau gosto em arte é...?
• Ultrajante. Quando um artista carece de inspiração ou escola para se dar a conhecer ao mundo, recorre ao chocante. Através do trabalho de alguns associações criativas, moderno arte russa tornou-se muitas vezes associado a chocante. Felizmente, além de chocante, na Rússia existem muitos artistas contemporâneos baseado nas ricas tradições da escola russa de pintura. Sem dúvida, algum dia seu trabalho se tornará propriedade do público em geral, mas mesmo agora seu trabalho é um item de colecionador.
• O trabalho de qual artista é um exemplo de gosto impecável para você?
• Esta é uma pergunta muito ampla. Artistas como Van Gogh, Marc Chagall e Konstantin Korovin tinham um senso de estilo incrivelmente forte. Para mim, pessoalmente, uma fonte inesgotável de admiração é a obra do conde vanguardista russo Andrey Lansky, um artista russo que deixou sua terra natal nos anos revolução de outubro e alcançou amplo reconhecimento no Ocidente. Suas abstrações líricas são pinturas intelectuais refinadas, cheias de energia "cor-luz". Hoje, o trabalho de Lansky está finalmente ganhando um merecido reconhecimento em sua terra natal, o que também atesta a evolução do gosto do público na Rússia ...
  (Do site da galeria):
  As principais atividades da galeria de arte internacional "Heritage" são a arte da emigração russa da primeira metade do século XX e a arte russa contemporânea.
  Conscientes da responsabilidade que o trabalho da galeria coloca sobre com obras arte de tal nível como "Diáspora Russa", nos esforçamos para ser o mais exigentes possível em nosso trabalho com arte contemporânea. A arte moderna russa e ocidental é representada na galeria "Heritage" por artistas cujas obras estão nas coleções de vários museus do mundo.
  Muitos participantes de nossos projetos de exposições são membros do Sindicato dos Artistas da URSS e da Rússia, estudantes desses gigantes pintura moderna, como Varvara Bubnova (membro da União da Juventude, Valete de Ouros, Rabo de Burro, exibido com Malevich, Tatlin e Rodchenko), Vasily Sitnikov (representante da "arte não oficial, fundador de sua própria escola), Heinrich Ludwig (representante da vanguarda arquitetura soviética 20s).
  Cada apresentado em nossa galeria de obras carrega um valor artístico inegável, tornando a arte contemporânea digna do colecionismo de elite e sempre nos dando alegria de contato com o belo.
  ------------------
  Kristina Krasnyanskaya (38 anos): filha do coproprietário do Eurocement Group Georgy Krasnyansky (uma fortuna de 1,5 bilhão de cu).
  Galeria do Patrimônio

De 21 de fevereiro a 30 de abril na galeria de Moscou Herança exposição acontecerá "Pós-construtivismo, ou o nascimento do art déco soviético: Paris - Nova York - Moscou" traçando paralelos e procurando interseções e influências na arte, arquitetura e design na Rússia, América e França nas décadas de 1920 e 1930. Com esta exposição, a galeria celebra o seu 10.º aniversário, na véspera do qual o seu fundador Cristina Krasnyanskaya contou à ARTANDHOUSES sobre as diferenças entre colecionadores e investidores, sobre a crença no "boca a boca" e os benefícios dos consultores de arte.

Nos últimos anos, você realizou vários projetos de museus na Rússia, mas as notícias sobre o trabalho da galeria vieram principalmente do exterior - sobre a participação. Por que?

Houve um período em que havia muitos projetos - eu assumi tudo e era importante para mim que as atividades expositivas ativas fossem realizadas constantemente. Isso é menos relevante agora por vários motivos. Com o tempo, afinal, a quantidade se transforma em qualidade e você não pega tudo. Fazemos projetos bastante complexos que requerem uma preparação bastante longa, nomeadamente, com a recolha de material. Portanto, fazer muitos deles e muitas vezes simplesmente não funciona, e fazer algo simples não me interessa.

Acontece que as atividades da galeria com foco em artistas russos no exterior - embora eu enfatize que não esquecemos essa direção e incluímos obras em exposições - fluíram suavemente para o tema do design soviético. Mas as exposições recentes são, no entanto, muito mais amplas: incluem não apenas design, mas também pintura, grafismo e arquitetura. Gosto que sejam saturados, ecléticos, vejo que esta tendência expositiva é apoiada por outras. Porque quando você tem esse tipo de exposição, você pode ver não apenas algo fora do contexto, mas todo o contexto de uma vez.

Por isso, seguindo as tendências, você começou a trabalhar com artistas contemporâneos?

Claro, a galeria certa deve ter um certo foco, mas apesar de estarmos nos concentrando na primeira metade do século 20, fico feliz em apoiar artistas contemporâneos. Até ajudo alguns deles na promoção no Ocidente: no ano retrasado, supervisionei um projeto do escultor Alexei Morozov no Museu Arqueológico de Nápoles. E no ano passado ela foi co-curadora da exposição de Oksana Mas no Museu MAGA perto de Milão, onde suas obras foram incluídas na exposição de mestres da arte povera - Fontana, Castellani e outros. A propósito, os patronos deste museu são a família Missoni, e agora tenho a ideia de fazer uma exposição sobre sua grife em Moscou.

William Klein
"Tatiana, Mary Rose e Camelos, Piquenique, Marrocos"
1958

Sua galeria tem 10 anos. Você acha que é muito ou pouco para uma galeria na Rússia?

Considerando o mercado e a situação política, acho que isso é decente. No contexto mundial, claro, não é suficiente, mas para o nosso russo é suficiente. Principalmente lembrando que durante esse período passamos por diversas crises.

Como sua galeria sobreviveu às crises?

O primeiro é muito fácil. Ele tocou bastante o internacional casas em leilão, porque a crise era realmente global e as pessoas não queriam dar as coisas para vender ao público. A segunda é mais difícil, porque estava ligada aos nossos catadores, aos nossos acontecimentos políticos e econômicos. Portanto, ocorreu uma espécie de rotação: pessoas que compravam muito arte e ativamente, por um motivo ou outro, param de comprar, mas novos compradores aparecem. Nosso negócio é projetado de tal forma que a galeria deve ser um organismo flexível e se adaptar às circunstâncias. Sempre foi interessante para mim manter um equilíbrio entre aspectos comerciais e curatoriais.

Lembro que há alguns anos você reclamou da falta de um diretor de arte na galeria. Encontrou ou continua fazendo tudo sozinho?

Infelizmente, continuo sendo um, embora pense regularmente que tal pessoa aparecerá.

Voltando ao passado... Você tem formação em economia e história da arte. Você foi propositalmente estudar como crítico de arte para depois abrir uma galeria?

Sim. Então eu já trabalhei em uma galeria privada tipo fechado em seus conhecidos. Ela se especializou em pintura clássica e, com a minha chegada, passaram a tratar também de arte moderna. Foi um ótimo tempo! Um tal campo de manobra, onde pude estudar como funciona a galeria e em geral esse negócio por dentro. Em algum momento, surgiram circunstâncias em que tive que me envolver ativamente nas vendas, administrar os assuntos financeiros da galeria. Então era uma escola tão boa.

Ib Kofod Larsen, cadeira de luz, 1950 / Borge Mogensen, sofá, 1962

Por que você também decidiu inicialmente fazer uma galeria fechada?

Só não acredito que tenhamos colecionadores andando na rua olhando pelas vitrines. Parece-me que em nosso país o tema do colecionismo ainda está fechado, e o “boca a boca”, a autoridade conquistada entre os colecionadores, funciona melhor aqui quando eles voltam para você e o recomendam. Este é provavelmente o melhor anúncio de todos os tempos.

Ou seja, nossos próprios galeristas continuam mantendo uma aura de elitismo no colecionismo e criando algum tipo de mágica por aí?

Eu acredito que colecionar é mágico. E eu sempre digo que o clube dos cobradores é um clube fechado e, na verdade, o lote da elite. Porque não basta ter muito dinheiro e a oportunidade de comprar objetos de arte caros, não basta nem mesmo ler livros, ir a exposições e feiras, ou conseguir algum tipo de Educação especial. Afinal, entenda que nem todas as pessoas estão prontas e nem todos estão contagiados por esse espírito de recolhimento. Mesmo quem compra alguma coisa não se torna necessariamente colecionador. Colecionadores de verdade são pessoas muito complexas. E, para ser honesto, de certa forma até obcecado. Eles vivem e percebem a arte de uma maneira completamente diferente. Porque a arte é uma categoria condicional. Não está entre os essenciais, nem mesmo entre os produtos de luxo, como um carro de luxo, grandes diamantes, um iate ou uma casa na Cote d'Azur. Isso é o que você precisa sentir com o coração, o que você precisa ter “olho” e gosto. Sim, você pode, caminhando pelas exposições, memorizar nomes e destinos populares, mas nem todo mundo está interessado em entender arte e colecionar, estudando profundamente suas sutilezas. E nem todo mundo é capaz disso. Portanto, o clube dessas pessoas infectadas com o “bacilo” do colecionismo, que gostam de cozinhar nele, que têm inveja das compras umas das outras e acompanham as coisas há anos, que gostam de dar suas obras para museus, para que “vivam ” algum tipo de vida própria e proveniência de ganho, fechado. Para entrar, não basta apenas ter dinheiro. Além disso, existem coleções bem conhecidas quando as pessoas compravam obras não por um dinheiro fabuloso, elas apenas tinham um bom instinto e conhecimento e bons consultores.

Você acabou de descrever a figura do que provavelmente é o colecionador apaixonado canônico. Acontece que você não considera colecionadores aqueles que coletam para fins de investimento?

Eu sempre digo: existem compradores e colecionadores. Os compradores são aqueles que compram arte para casa, para presente, às vezes sob a influência das emoções, o que acontece com frequência principalmente nas feiras. E há colecionadores, outra categoria, nada mitológica. Em nosso país, por exemplo, existem dez pessoas assim.

Aqueles que compram para fins de investimento são simplesmente investidores. Claro que muito dinheiro está girando na arte, e muitas pessoas querem investir nela para conseguir uma renda extra depois. Mas, para isso, você precisa conhecer muito bem esse mercado, segui-lo nada menos que o mercado de ações ou ter um consultor experiente por perto. Melhor ainda, um e outro. Bem, em geral, acredito que existem negócios mais lucrativos e menos arriscados do que investir em arte.

Certa vez, com Matthew Stevenson, então chefe da filial russa da Christie's, demos uma palestra sobre como colecionar de forma que a arte seja sempre líquida. Havia cinco princípios básicos.

Você pode expressá-los?

O primeiro é o nome. Não estamos falando agora de investir em arte emergente(arte jovem), mas estamos falando do fato de que uma pessoa gostaria de investir seu dinheiro e, se não aumentá-lo, pelo menos economizá-lo. Esta deve ser a primeira linha de nomes.

O segundo é o período. Porque qualquer artista tem um período de prosperidade, mas há outros menos interessantes - o começo, quando ainda não se formou, o declínio da criatividade. É importante entender que você está comprando o melhor período deste autor.

Em terceiro lugar, o enredo. Deve haver um enredo reconhecível que caracterize esse artista, e todas as suas, digamos, fichas devem estar na obra. Se você tem a obra de Picasso à sua frente e não sabe que é a mão dele, não precisa comprar em termos de investimento.

Quarto - muito parâmetro interessante. Existe tal conceito: poder de parede. Isso significa que o trabalho deve ser eficaz. Mesmo, por exemplo, se esta é uma pintura do falecido Magritte, não é o melhor período, mas se for espetacular, pode ser bem realizada no futuro.

E o último ponto é o estado da obra e a proveniência. Aqui é preciso atentar para a segurança da obra, a intervenção ou não dos restauradores. E a sua origem: a quem pertenceu, onde foi exposto ou em que galeria de referência foi adquirido.

Se você seguir essas regras simples, parece-me que o sucesso de seus investimentos está garantido.

David Dubois
mesa de cinta
2014

Por que, então, serão necessários consultores de arte?

Bem, não é tão fácil usar essas regras (risos). Você precisa gastar muito tempo estudando questões e para cada artista separadamente. E para adquirir a quantidade necessária de informações, você provavelmente precisará se desconectar completamente do seu negócio principal.

Como surgiu o nome da sua galeria?

É muito simples: eu queria dar um nome que, por um lado, fosse internacional e, por outro, carregasse um significado. E a palavra "herança" parecia universal, como dizem, com bom carma.

Você começou com artistas russos no exterior, agora entrou no design soviético - toda a nossa herança, sim. E por que eles começaram a trazer coisas de designers estrangeiros para cá?

Mesmo quando comecei, percebi que em nosso país o nicho chamado "design de coleção" não é preenchido de forma alguma. E há muitos anos fiz uma exposição apenas de coisas ocidentais desse tipo. Ela mostrou lá os melhores objetos de livros didáticos, antigos e ao longo do século 20 até os designers modernos Martin Bas e Fabio Novembre. Eu estava interessado em ver a reação das pessoas, mas poucos estavam prontos para isso. Hoje, felizmente, já existem algumas pessoas fazendo essas coisas.

Nós, especialmente nesta exposição dedicada ao aniversário da galeria, estamos focados no design soviético em um amplo contexto internacional - estamos tentando mostrar como a América e a França influenciaram a URSS, o que veio de lá e o que é autêntico no soviético projeto.

Você mostra ativamente o design soviético no Ocidente. Como os coletores locais reagem?

Os museus ocidentais estão muito interessados, e estou em uma série de palestras sobre a mostra. E os colecionadores gostam, mas se comportam com cautela - há muito pouca literatura sobre isso no exterior. Embora, além dos compradores russos, tenhamos clientes da Alemanha e da Suíça, um francês com raízes russas e, espero, aparecerá da Itália.

Top model, apresentadora de TV e atriz. Depois de receber o título de "Best Comers Girl in Russia" de acordo com a Fashion TV, ela voou para conquistar Paris. E ela conseguiu - Polina assinou contratos com as Casas Dior, Roberto Cavalli, Jitrois, Levi's. E como modelo de beleza, Polina conseguiu trabalhar com L'Oreal e Feraud, tornando-se o rosto de campanhas publicitárias de sucesso de marcas famosas.

Há alguns meses, estive em um evento dedicado à abertura de uma exposição do famoso artista russo no exterior Georgy Artemov in Heritage. Todos os boêmios de Moscou e pessoas influentes da capital se reuniram nesta galeria. Fomos recebidos pelo dono da galeria, cujo nome é amplamente conhecido no meio empresarial e da moda, garota linda com um sorriso encantador, - Christina Krasnyanskaya. Naquela mesma noite, tive a ideia de gravar uma entrevista com Kristina, conversar com ela sobre sua galeria, como é difícil conseguir uma vocação e, claro, sobre o trabalho dos artistas russos.

: Christina, estou feliz em vê-la. Todos conhecem a tradução do nome da galeria "Patrimônio", que significa "Patrimônio". Sei que a galeria recebe exposições apenas de artistas russos, qual é o motivo dessa escolha?

Cristina Krasnyanskaya: O fato de a galeria ter um conceito oficial. O ponto principal é que trabalhamos com artistas russos no exterior, com aqueles que imigraram durante a revolução ou antes dela. Claro, o trabalho deles é o nosso legado. Infelizmente, foi perdido até certo período. A tarefa da nossa galeria é restaurá-lo, mostrando ao mundo que se trata de artistas russos. Por exemplo, até 1985, Marc Chagall assinou em todas as galerias como artista francês. Naquela época, foi esquecido que ele era da Rússia. Agora as coisas de Chagall do período russo no mercado são muito mais valorizadas do que as francesas. Ele viveu vida longa artista famoso, por quase 100 anos, e trabalhou até o fim de seus dias. Vale sempre lembrar que nosso "Heritage" russo é uma lista enorme de nomes famosos como Marc Chagall, Wassily Kandinsky, Natalia Goncharova, Mikhail Larionov, Konstantin Korovin, Boris Grigoriev e menos artista famoso: Georgy Artemov, Boris Anisfeld, Andre Lanskoy, Serge Polyakov, Georgy Pozhedaev, Leopold Survage, Serge Charchoun e muitos outros, que recentemente se tornaram uma descoberta para colecionadores. Em geral, existe o conceito de arte de mercado étnico. Um grupo desses artistas vai além disso. No entanto, é amplamente conhecido que os russos estão tentando comprar arte russa, escandinavos - escandinavos, americanos - americanos e assim por diante.

: Qual é a razão para isso?

Cristina Krasnyanskaya: O desejo de ter obras de artistas que personifiquem a nação, arte familiar desde a infância, vista mais de uma vez em museus nacionais. É aqui que um elemento de uma espécie de patriotismo também entra em jogo. Cada colecionador na maioria das vezes começa a comprar o que pertence à herança de sua país natal. Os artistas de que a galeria trata são interessantes porque têm uma escola russa, raízes russas, mas ao mesmo tempo estão representados nas coleções de museus mundiais. Esses nomes estão nas coleções não apenas de colecionadores russos, mas também ocidentais. Estes são artistas russos de renome mundial. Wassily Kandinsky, Marc Chagall, Naum Gabo e Alexei Yavlensky há muito são vendidos nos leilões dos impressionistas e, em nenhum lugar do mundo, ninguém os posiciona como artistas russos. Portanto, era importante para a galeria, em primeiro lugar, devolver nossa herança à Rússia. Em segundo lugar, não devemos esquecer que esses artistas também são parte integrante do patrimônio mundial. Portanto, seu trabalho também é um ótimo investimento para colecionadores. Tomemos, por exemplo, a exposição de Artemov, que está ocorrendo no Heritage. Conheci suas obras pela primeira vez em uma galeria francesa. Quando vi seu painel de madeira apresentado ali, fiquei encantado. Tendo aprendido seu custo, pensei que o preço indicado fosse calculado para compradores russos, mas me enganei. O painel foi comprado pelos franceses, aliás, em pouquíssimo tempo. Se você olhar para a história da obra de Georgy Artemov, verá que ele trabalhou muito para clientes franceses, como Andre Lanskoy. A galeria francesa la Carré fez um nome para Lansky junto com tais artista famoso como Fernand Léger e Raoul Dufy.

: Na hora de escolher as coleções, você, como profissional, se baseia no seu gosto?

Cristina Krasnyanskaya: Sim. Não tenho diretor de arte, então esse é o meu papel. Meu sonho é que tudo funcione sozinho, sem a minha participação permanente. Mas, infelizmente, isso é praticamente impossível. Por um lado, é claro que isso é maravilhoso, mas, por outro lado, é difícil. Você está em um estado de constante tensão e responsabilidade pelo seu negócio e pelas pessoas que trabalham com você. Eu costumava pensar que o meu negócio é a liberdade. Este é um grande equívoco.

: Quando visito vocês em eventos, noto que seus clientes e amigos ouvem atentamente a sua opinião. É ótimo porque você pode ajudar a construir a coleção certa de todos os ângulos. Do lado material, como um bom investimento, e do lado espiritual e energético. Você não sente uma espécie de orgulho por estar sendo ouvido?

Cristina Krasnyanskaya: Durante todo esse tempo, percebi que o trabalho do galerista é, de certa forma, também o trabalho do psicólogo. Era tempo diferente, e um longo caminho para o que tenho agora. Quando comecei a vender arte, poucas pessoas queriam comprar de mim. As pessoas que estão seriamente envolvidas nisso gastam muito dinheiro, têm seus próprios consultores e, claro, a questão de confiar na experiência e no profissionalismo é muito importante. Elaborei dois postulados para mim: primeiro, nunca devo ter vergonha do que vendo, uma pessoa não deve se decepcionar e voltar, e segundo, nunca pressiono as pessoas, não "empurro" nada e até aconselho meus clientes quando compram através de outros negociantes de arte ou galerias. Sua honestidade e profissionalismo residem em conduzir uma pessoa com competência, dando-lhe conselho certo. Nosso negócio é muito delicado como vender um iate ou bom carro mais fácil do que vender arte, já que a arte não tem função utilitária. Na Rússia, a maioria dos colecionadores faz uma escolha até hoje em favor de arte clássica. A situação é muito mais complicada com a abstração, a pintura não figurativa, e é muito difícil com a arte contemporânea conceitual real. Isto é muito trabalho interessante, afinal, ao contar e transmitir informações a uma pessoa, você passa a educá-la, desenvolvê-la, mudar sua percepção estética, tornando-a, digamos, mais ampla. A “linha vigiada” é muito importante. Afinal, se uma pessoa não assiste a exposições, não recebe, junto com o que vê, nova informação, não se desenvolve. Em geral, existe um caminho padrão de colecionador: das paisagens clássicas à arte contemporânea...

: É verdade, mas a maioria das pessoas, infelizmente, trata a arte contemporânea de acordo com o princípio "Por que custa tanto, porque eu também posso fazer."

Cristina Krasnyanskaya R: Isso geralmente se deve à falta de informação e preparo. Quando você mergulha gradualmente em um tópico, começa a entender melhor. Tudo é simples realmente. O artista tem duas ferramentas - forma e conteúdo. E tocar com esses dois instrumentos e suas variações dura 500 anos. Por forma, entendemos "como se faz": pintura, grafismo, escultura, relevo, contra-relevo, instalação, etc., até performance e videoarte. O conteúdo é o tema, a mensagem do artista para a sociedade. A arte deve dialogar com o espectador. Tomemos, por exemplo, o expressionismo, parece que a direção foi formada a partir da Primeira Guerra Mundial, quando prevaleceram emoções como dor, decepção e desespero. A tarefa dos artistas era refletir esse tempo, transmitir essas emoções através da tela, e não mostrar bela foto com um colorido alegre, como os impressionistas. Nesse momento, surgiram artistas como Egon Schiele e Edvard Munch. Pinturas que são belas à sua maneira, mas diferem da visão usual de beleza.

: Realmente há muita dor nas pinturas desses artistas. Quando tenho algum tipo de problema na minha vida, a imagem de Edvard Munch “O Grito” sempre surge na minha cabeça.

Cristina Krasnyanskaya: Hoje, a arte precisa de um curador que se torne um tradutor, um explicador para o espectador das ideias do artista. Embora, na minha opinião, a arte deva falar diretamente com o espectador.

: Concordo com você. Tomemos, por exemplo, o Quadrado Negro de Kazimir Malevich. Tendo chocado o público com tal obra, abriu caminho à fantasia e à liberdade de pensamento sobre o que queria transmitir ao espectador.

Cristina Krasnyanskaya: Malevich é um tópico completamente diferente. Essa é a vanguarda russa, um dos temas mais procurados e, portanto, forjados no mundo da arte. Os artistas que chegaram à não objetividade dominaram todos os estágios, todos os estilos, todas as direções. Malevich, tendo passado por esse caminho, tornou-se de fato o fundador do minimalismo. Ele cancelou o formulário.

: Sua galeria já tem seis anos, você sente que deseja se engajar nessa direção por toda a sua vida?

Cristina Krasnyanskaya: Sabe, eu realmente gosto do que estou fazendo agora. Talvez no futuro eu mude a forma dessa direção, de alguma forma me desenvolva, cresça, vá além da galeria. Não sou daqueles que pensam dez anos à frente. O mundo da arte é multifacetado, a galeria é uma delas. Este é um negócio muito caro, mas oferece uma oportunidade para muitos projetos interessantes, criatividade, trabalho curatorial e promoção para o mercado internacional, participação em projetos internacionais. Nós nos tornamos a primeira e até agora a única galeria russa expondo no Design Miami Basel. Apresentamos outra direção na qual me dediquei apaixonadamente por vários anos - design de coleção. Estivemos em Miami e Basel. Trago itens de design de autores ocidentais para a Rússia e design soviético para Basel. Quando comecei, todos me diziam que ninguém precisava. Assumi muitos riscos e estava preocupado em como nosso projeto seria percebido por colecionadores de classe mundial e pela mídia ocidental. Mas tudo acabou tão bem. Hoje somos amigos de museus mundiais e temos excelentes respostas na imprensa ocidental.

: No início de sua jornada, muitos discutiram o apoio de seus pais na criação de uma galeria. Você é ótima, e todos os anos prova que é uma profissional da sua área, e não apenas filha dos seus pais. Não foi embaraçoso que eles disseram isso?

Cristina Krasnyanskaya: Eu sempre entendi que as pessoas terão uma associação com minha família, e este é um axioma definitivo. Tenho muito orgulho do meu sobrenome, se precisar usar meu primeiro nome, sempre o faço. Mas com tudo isso, estou sozinho. Claro, eu tinha capital inicial. Quando encontrei um lugar para uma galeria e ofereci ao meu pai, ele me disse que era uma loucura. Depois de todas as negociações, eu disse que não sabia o sucesso da galeria, mas o site era líquido, o que significa que não perderíamos nada. Ele concordou comigo. Antes disso, trabalhei em uma galeria fechada por 1,5 anos e foi um bom começo para criar meu próprio negócio. Eu também tinha experiência de trabalho de revendedor, então já entendi alguma coisa nessa atividade. A decepção estava em outro lugar. Quando comecei a fazer isso, pensei que conhecidos e amigos que colecionam arte começariam imediatamente a comprar de mim. Mas as pessoas vinham, sorriam e não compravam muito, agora entendo o porquê. Quem investe em arte já tem confidentes, consultores, e eu sou uma menina que começou a fazer isso agora, e cuja experiência não inspirava a devida confiança.

Meu primeiro grande negócio foi assim. Um dia eu estava passeando por outra exposição em Paris, chateado, e encontrei meu amigo. Ele já estava comprando arte ativamente naquela época e era bem versado nela. Ele perguntou o que havia de interessante na minha galeria, e naquela época eu tinha dois trabalhos sérios muito bons. Pediu para levar até seu escritório e, vendo as telas, resolveu comprar, mesmo sem muita pechincha. Esse foi meu primeiro sucesso e, passo a passo, as pessoas começaram a confiar em minha opinião.

: E como vocês promovem a galeria?

Cristina Krasnyanskaya: Em relação ao PR, nunca trabalho com agências, apenas com pessoas. Isso está correto porque PR é um sistema de pontos. Lembro-me da minha primeira sessão de fotos brilhantes, que foi para a Harper's Bazaar. Teve um fotógrafo incrível, a filmagem durou 6 horas. Alguns dias depois, quando vi o resultado, fiquei um pouco chocado. Com o Photoshop, meu rosto mudou além do reconhecimento. Essa foi a minha primeira aparição em gloss. Teve muita coisa depois disso... Estou muito orgulhoso da entrevista na revista Wallpaper*. A edição foi dedicada à Rússia, contou com os melhores profissionais da área. Arkady Novikov por sua contribuição para empresa de catering, Daria Zhukova para o melhor centro de arte contemporânea, Olga Sviblova como pessoa associada à fotografia e eu como a personificação do design na Rússia. Foi muito agradável e importante para mim.

: Bem, quanto às fraquezas das mulheres, do que você gosta?

Cristina Krasnyanskaya: Não serei original se disser que amo bolsas, sapatos e casacos. Com tudo isso, fico muito tranquila com joias, gosto mais de roupas. Quando alguém me dá algo, prefiro que seja ARTE do que joias. Então eu troco Graff por Pablo Picasso.

Retorno dos perdidos herança cultural Rússia - a direção principal no trabalho da galeria "Heritage". Desde 2011, a galeria forma uma coleção de designs ocidentais e soviéticos de autores. Em 2012 e 2011 ela se tornou a primeira e única galeria russa convidada a participar do Design Miami / Basel. Exposição de fevereiro no Museu de Arquitetura “Design soviético. Do Construtivismo ao Modernismo 1920-1960” é fruto de um grandioso trabalho curatorial. Pela primeira vez na história, a exposição em sua totalidade apresenta ao público não apenas o design soviético, mas também antiguidades em nível de museu.

Kristina Krasnyanskaya, historiadora de arte, colecionadora, proprietária e diretora de arte da galeria de arte internacional Heritage, curadora do projeto expositivo Soviet Design. Do construtivismo ao modernismo 1920-1960.

Christina, conte aos nossos leitores sobre a ideia curatorial. Qual é o conceito principal do projeto?

Em cinco salas enfileiradas do museu, um total de cerca de duzentos itens de interior são apresentados, incluindo móveis, plásticos, pratos, tecidos e assim por diante. Com uma decisão curatorial conceitual, dividimos a exposição em estilos e direções: cinco salas - cinco épocas - cinco estilos. Quando inicialmente começamos a trabalhar no projeto, me deparei com o fato de que, em princípio, no Ocidente, além da vanguarda russa e construtivismo soviético, ninguém sabe nada sobre design soviético. No entanto, a mesma coisa, infelizmente, está acontecendo conosco em geral. Infelizmente, é assim que se organiza a nossa mentalidade, ao mudar, como dizem, os marcos, destruímos tudo, todos os monumentos materiais da época anterior. Pouco resta do legado chamado design soviético. Arquitetura mais afortunada. Durante esses quatro anos em que trabalhei no projeto, de forma bastante inesperada para mim, descobri toda uma camada de estilos, épocas, tendências. Alguns existiram em paralelo. Alguns mudaram. Nossa exposição tem uma ênfase histórica e cultural absoluta.

Onde começa a exposição?

A exposição começa com uma sala dedicada ao construtivismo. Aqui estão raros exemplos de móveis projetados por Boris Iofan para sua famosa "Casa no aterro" (1927-1931), na qual o arquiteto projetou completamente todos os interiores. Móveis de propaganda (década de 1930) também estão em exibição aqui, por exemplo, um conjunto projetado pelo arquiteto Igor Krestovsky para a casa da comuna de Smolensk “Pão do Comunismo”. Naturalmente, todos os estilos e tendências estão associados aos processos que ocorrem no estado. Da música, como dizem, você não pode jogar fora as palavras. Chegando nova personalidade, uma mudança de rumo, sempre influenciou a vida cotidiana, a arquitetura e o design. Agora, móveis de propaganda se tornaram uma raridade e vários itens autênticos da Casa da Comuna estão em exibição - muita sorte! As peças apresentadas no projeto provêm não só do acervo da nossa galeria, mas também de coleções particulares e de museus, incluindo o Museu de Artes Decorativas e Aplicadas, o Museu de Arquitetura. No MUARE, nós, como dizem, fizemos reconhecimento em vigor e encontramos coisas muito interessantes, como fotografias.

Sofá do conjunto de móveis "Pão do Comunismo". Igor Krestovsky e Artel "Leninista" - 1937

Segundo quarto?

O segundo salão é dedicado ao Art Déco soviético. O estilo Art Déco, sua versão soviética, tem suas raízes no construtivismo. Existem excelentes exemplares aqui, por exemplo, móveis feitos na década de 1930 de acordo com o projeto de Nikolai Lansere para o Museu de V.I. Lênin em
Leningrado, alojado no Palácio de Mármore. O que é especialmente interessante é que Lansere projetou este conjunto de móveis enquanto estava sentado no Gulag, em um “sharashka”, no “Departamento Especial de Design e Técnica”. Este salão também apresenta amostras magníficas da propaganda soviética Wedgwood, o que é muito interessante.

Terceiro quarto?

A terceira sala tem designs impressionantes da década de 1930, como uma geladeira. Hoje é difícil entender que isso é uma geladeira. Essa geladeira, aliás, tem até uma inscrição de que foi presenteada a um certo Chekist Morozov. Os desenhos do arquiteto-designer favorito de Stalin, Boris Smirnov, também são apresentados na mesma sala.

Quarto quarto?

Nesta sala - o estilo Império Soviético. Aqui, em toda a sua glória, aparecem as coisas de Karen Alabyan, a criadora do Teatro do Exército Vermelho. Móveis do estilo do Império Stalinista também são mostrados em espécimes únicos: uma cadeira transformadora e um radiograma, que foram feitos por ordem do Leningrado Kirov Opera and Ballet Theatre (Mariinka) como um presente para Mikhail Ivanovich Kalinin. As coisas são diferentes, interessantes, tudo acompanhado de gráficos, fotografias.

Radiola. 1940

E o último, quinto quarto?

O último salão é dedicado ao crescente, agora em moda modernismo soviético, funcionalismo da década de 1960. Aqui tema principalé espaço. Este é o tempo dos móveis lacônicos e funcionais, que deveriam ser embutidos no Khrushchev. Modernismo soviético, representado pelas obras de designers das décadas de 1950 e 1960
anos, continuou as tradições da vanguarda. Um exemplo são os desenhos de móveis de Yuri Sluchevsky, com seu original sistema modular que regula altura e largura de uma estrutura voltada para o crescimento humano.
Tendo trabalhado em estreita colaboração com a Academia Stroganov, com Yuri Sluchevsky, que no final dos anos 1950 tinha produção experimental em Strogonovka, vimos claramente como, durante o período de degelo, os designers se inspiraram na vanguarda dos anos 10-20. Claro, houve continuidade! Esse é o conceito.

Estantes (década de 1960, carvalho, 125x90x24 cm, de uma variedade de móveis feitos especialmente para um apartamento modelo no distrito de Cheryomushki em Moscou)

O que mais pode ser dito sobre a exposição, incluindo sua decisão de design?

A exposição é unida por uma única solução artística. No chão colocamos figuras suprematistas de carpete, que conectam todos os cinco salões em uma composição comum. Na exposição, a ênfase é, claro, nos móveis, embora também haja Palekh, porcelana, vidro e tecidos de propaganda. Mas o personagem principal, claro, são os móveis. Apresentamos único colecionáveis que são extremamente difíceis de encontrar nos dias de hoje. Este é o mobiliário original. Isso é uma raridade, com proveniência, com história. Para tornar mais confortável para os espectadores assistirem à exposição, lançamos um guia.

Quão útil é a exposição para profissionais?

É muito útil para designers, arquitetos e decoradores. Destrói a mancha branca na história do design doméstico. A exposição é uma verdadeira fonte de inspiração, compreensão da base... Devo dizer que nossos clientes finalmente não têm mais medo de coisas antigas no interior. E a exposição mais uma vez contribui para isso. O interior vivo é um interior eclético onde cadeiras de épocas diferentes lado a lado com arte moderna e uma cômoda antiga. Se eu lidasse com interiores profissionalmente, como decorador, comporia exatamente esses interiores e daria ênfase especial ao design soviético.

Nicolau Lansere. Cadeirão. 1932

Kristina, conte-nos como começou sua coleção de design de galeria? É sempre interessante.

Devo dizer que já reunimos uma coleção para um museu pequeno, mas de alta qualidade, estamos colecionando há quatro anos! Tudo começou muito engraçado, com Iofan. Quando estávamos fazendo um projeto dedicado à vanguarda e pós-vanguarda para Basel, a cadeira de Iofan caiu em nossas mãos. Uma americana veio ao nosso estande e começou a pular terrivelmente sobre ele. Meu coração disparou, cercamos a cadeira e colocamos uma placa: não sente! Não toque! não está a venda! E assim começou nossa coleção. Tudo acabou muito conceitualmente. A cadeira é arquitetura!

Cadeirão (

A exposição acontece em Museu do Estado arquitetura com o nome de A.V. Shchuseva,. (Enfilade do edifício principal) até 22 de março.

A Heritage Gallery comemora seu 7º aniversário em fevereiro com a exposição Soviet Design. Do Construtivismo ao Modernismo” no Museu de Arquitetura: Mobiliário de Design Nikolai Lansere, Boris Iofan, Karo Alabyan– agora um novo perfil da galeria, antes especializada em artistas russos no exterior e suas exposições, inclusive museológicas, – Andre LanskyBoris Grigoriev. A dona do "Heritage" disse o que mais esperar de sua galeria - e dela pessoalmente.

Por que você parou de realizar leilões?

Por duas razões. Em primeiro lugar, é uma tarefa muito trabalhosa e cara. Em segundo lugar, ainda não temos essa cultura - comprar em leilões. Meus colegas e eu estamos tentando incutir algo assim, mas está sendo difícil. Os leilões são frequentados principalmente por revendedores - e as casas de leilões são orientadas para os revendedores. E entre o grande público, não colecionadores, mas simplesmente compradores, aqueles que compram de vez em quando, isso ainda não se tornou um hábito - visitar leilões, mercados de pulgas, experimentar a combinação orgânica do antigo e do novo ... Todos são muito dependente de seu projetista. E os designers têm suas próprias preferências e princípios. Como resultado, tudo resulta em interiores improvisados ​​​​chave na mão, que logo se tornam moralmente obsoletos. Alguns anos - e a pessoa percebe que não pode mais viver nisso. Agora estou fazendo meu próprio apartamento, onde tudo é uma mistura. Ecletismo como princípio - tentamos explicar isso aos clientes desde a primeira exposição de móveis de coleção aqui em Moscou (uma exposição com a participação de famosas galerias parisienses Didier Aaron E Yves Gastou abrangeu os séculos 18 e 20 Jean-François Eben antes Ettore Sottsassa. — TANR). Portanto, terei móveis escandinavos da década de 1960, arte soviética e russa, modernas e não muito modernas.

Mas a arte contemporânea é uma nova linha de atividade para você.

Este é um projeto separado onde atuo mais como gerente de arte. existem alguns artistas russos que, digamos, quero integrar no contexto internacional - esta é uma tarefa interessante para mim, um motivo para usar tecnologias já testadas e conhecidas. O que vai sair disso, veremos. Até agora eu tenho duas alas. Alexey Morozov Eu gosto do fato dele ter escola, mas com uniforme acadêmico também tem toque contemporâneo: apesar do academicismo, sua arte não parece um salão. Morozov gosta muito e está pronto para supervisioná-lo Alessandro Romanini que fez mais de uma exposição Botero, incluindo o aniversário recente. Um roteiro está sendo preparado: primeiro, a exposição de Morozov no Museu Arqueológico Nacional Napolitano, em dezembro de 2015, depois, em março de 2016, em Moscou, em MMOMA em Gogolevsky. Estamos negociando com Veneza - queremos apresentar escultura em mármore Morozov em uma das praças da cidade durante a Bienal.

Outro artista - Oksana Mas. Oksana é uma pessoa criativa. Ela me procurou quando percebeu que era necessário o trabalho de toda uma equipe para concretizar seus projetos. uma dela Altar quanto vale (mostraremos no Gorky Park em março)! Curadora e crítica de arte interessaram-se por ela Janet Zwingenberger, que viu seu trabalho há alguns anos, a acompanha desde então e agora vai escrever uma monografia sobre Oksana. Oksana também tem um tour: uma exposição sensação de luz será realizada em Baku de 5 de julho a 5 de setembro, depois disso - Astana, Berlim, e agora estamos negociando sobre Istambul.

Mas isso não é uma galeria, sou eu; a galeria ainda é algum tipo de limitação de formato. A galeria lida com artistas russos no exterior, além de design de coleção. E eu, como qualquer pessoa, quero me desenvolver. Para isso, preciso de algumas perspectivas, onde irei atuar não como uma galeria, mas como Christina.

E se você escolher uma coisa, qual você escolheria?

No desenho, claro. Mas por que? Decidi que poderia pagar alguns projetos não relacionados. No Ocidente, somos conhecidos como uma galeria de design; design de coleção - na Rússia, esse é o nicho em que nos tornamos pioneiros; a galeria formou um acervo significativo, que inclui peças únicas, do construtivismo ao modernismo - em alguns anos esse acervo pode virar um museu. Em Moscou e na Rússia, ainda somos conhecidos principalmente pelo fato de estarmos engajados no exterior russo: fizemos muitos projetos valiosos em nível de museu, cooperamos com museus, fazemos parte da Sociedade de Amigos do Museu Russo , temos nossos colecionadores, cujas coleções mantemos - reabastecemos novas obras, aconselhamos ... Mas até o 7º aniversário da galeria, quero fazer uma exposição no Museu de Arquitetura dedicada especificamente ao design - uma retrospectiva da arquitetura soviética design, abrangendo quase todas as áreas desta área, uma digressão histórica começando pelo mobiliário Boris Iofan para a Casa do Governo e terminando na década de 1960. Trabalhando em catálogos, principalmente para feiras internacionais, percebi que, além das informações meramente técnicas e acompanhantes, todos estão sempre interessados ​​também nas informações gerais. Achei que precisava de um programa educacional. tive a ideia de fazer documentário, onde você pode imaginar a época apenas através das coisas - através de coisas espetaculares, coisas pomposas, coisas que perecem tragicamente e coisas esquecidas ... Quero tornar o filme tão sério que você possa participar de um festival de documentários com ele, por exemplo. Pretendo apresentar o filme em Basel no verão - não temos tempo para fazê-lo em fevereiro.

Você não foi para Basel no verão passado...

…Mas em Próximo ano tá indo. Se a situação política permitir. Afinal, temos um material específico - o design soviético. E ir para a Europa com propaganda de móveis soviéticos, veja bem, agora seria ridículo. Portanto, recusamos. Os organizadores ficaram chateados. Disseram que já formou um círculo de quem se interessa por nós, e para os organizadores tal situação, quando a galeria participa por três anos, de repente não participa, isso não está muito claro, a arte deveria estar fora da política e além fronteiras. Claro, mas e a arte de conteúdo político? Então, a feira de Basel recebe ampla cobertura da mídia. Quem simplesmente não escreveu sobre nós: Papel de parede, Guardião, Daily Telegraph! Agora, alguém se pergunta, por que fazer tudo isso e levar para Basel, sabendo de antemão que você corre o risco de ter uma reação negativa programada a tudo que é russo? Antes disso, eu tinha uma excelente reputação - não gostaria de estragá-la.

Mas você vai continuar a promover o design soviético na Design Miami?

Recentemente, durante um jantar na Itália, meus colecionadores me disseram que os anos 1950 e 1960 são tão legais que eu nunca desistiria desse assunto. Rem Koolhaas contactou-nos quando estávamos em Basileia, porque estava apenas a trabalhar numa das futuras instalações da Garagem, criada no momento oportuno. Mas não estamos limitados a este período. É que as coisas dos anos 1920, 1930, 1940 são mais raras e mais colecionáveis, digamos; embora os anos 1960 também sejam poucos. Mas essas coisas, mais do que nunca, estão em demanda e, de fato, aquela época parece estar se tornando relevante novamente. Nosso material atrai museus. Tornei-me amigo do Museu de Artes e Ofícios de Nova York, que recentemente se tornou uma divisão da Smithsonian Institution; eles mostraram interesse em exposições conjuntas: eles têm o chefe do departamento de exposições, vice-diretor, que se dedica à campanha têxtil. Obrigado Craig Robins, fundador e co-proprietário Projeto Miami, que deu à galeria russa a oportunidade de mostrar o design soviético em tal feira - e se declarar adequadamente.

De onde veio a ideia de fazer móveis soviéticos?

A ideia surgiu no momento em que percebi, atendendo diligentemente Projeto Miami de ano para ano, a proporção do estilo art déco mais elegante, mais caro e mais procurado começou a diminuir, dando lugar gradualmente aos móveis das décadas de 1950 e 1960. Além disso, as memórias da infância soviética foram tocadas em algum lugar. Craig Robins certa vez me levou ao estande de uma galeria que trata do design escandinavo e, quando vi esse mobiliário minimalista e ascético, fiquei surpreso ao saber do dono da galeria que acabei de comprar o estande inteiro dele Roman Abramovich. Sim, são poucos os colecionadores, mas são. É que poucas pessoas sabem que Abramovich tem uma casa mobiliada com coisas históricas no estilo dos anos 1930. O que Abramovich comprou bacon- eles sabem disso.

Você iria não apenas comercializar móveis colecionáveis, mas também produzi-los.

Há um ano, quando falei sobre isso, pensei que agora estaríamos em um ponto um pouco diferente do que estávamos. Ainda aprecio essa ideia - reproduzir amostras soviéticas, mas até agora o projeto não foi lançado. Por que as réplicas são boas: nem todo mundo está pronto para adquirir móveis antigos e antigos - mesmo que restaurados e estofados novamente, mas ainda uma poltrona de idade venerável - e outra coisa é uma réplica. Eu não reinventei a roda, mas apenas alguns anos atrás em Paris em uma galeria Yves Gastou vi repetição Ettore Sottsassa, edição limitada. Evelina Khromtchenko disse: "Serei seu primeiro cliente para uma réplica." E ela não está sozinha. Será produzido aqui ou no exterior? Dadas as realidades atuais, provavelmente aqui.

Mas sem reproduzir a qualidade soviética?

Você está falando de materiais? Sim, a qualidade caiu e a maior parte dos móveis da época foi jogada fora justamente por isso. Mas os materiais de origem eram normais. Quando começamos a lidar com esse período, Yuri Vasilievich Sluchevsky(Professor de 86 anos do Departamento de Móveis, Artista Homenageado Yuri Sluchevsky ainda lidera o curso principal de criação de perfis “Design de Móveis” na Academia Estatal de Arte de Moscou em homenagem a S. G. Stroganov. — TANR) falou sobre exposições na VDNKh no final dos anos 1950 e início dos anos 1960, quando protótipos foram feitos na oficina experimental de Stroganovka - a partir de materiais sólidos de alta qualidade. Na produção em massa, é claro, outros materiais já foram usados. E os protótipos foram para chalés e apartamentos.