› › Figuras da cultura artística da segunda metade do século XIX. Arte da segunda metade do século XIX

Figuras da cultura artística da segunda metade do século XIX. Arte da segunda metade do século XIX

Enviar seu bom trabalho na base de conhecimento é simples. Use o formulário abaixo

Alunos, alunos de pós-graduação, jovens cientistas que usam a base de conhecimento em seus estudos e trabalhos ficarão muito gratos a você.

Hospedado em http://www.allbest.ru/

A Universidade Médica Estadual de São Petersburgo recebe o nome do acadêmico I.P. Pavlova

Disciplina: História da Pátria

tema: "Figuras famosas da cultura russa do século XIX."

Realizado:

estudante gr.125

Goncharenko D.A.

Verificado:

Zimin I.V.

São Petersburgo 2012

Introdução

2.1 Arquitetura

2.2 Artes visuais

3.1 Arquitetura e escultura

3.2 Pintura

3.3 Andarilhos

4. Arte do final do século XIX - início do século XX

Conclusão

Lista de literatura usada

Introdução

Primeiras décadas do século XIX ocorreu na Rússia na atmosfera de um levante nacional associado à Guerra Patriótica de 1812. Os ideais dessa época encontraram expressão na poesia do jovem A. S. Pushkin. A guerra de 1812 e as esperanças amantes da liberdade da jovem geração da nobreza russa, e especialmente de seus representantes que, tendo passado pelas guerras napoleônicas, entraram em Paris como libertadores, determinaram em grande parte o caráter da cultura russa no primeiro terço do século. cultura arte humanística

crescente interesse em vida artística A Rússia durante esses anos se expressou na criação de sociedades artísticas e na publicação de jornais especiais: "A Sociedade Livre dos Amantes da Literatura, Ciências e Artes" (1801), "Journal of Fine Arts" (primeiro em Moscou e depois em São Petersburgo), "Sociedade para o Incentivo aos Artistas" ( 1820), "Museu Russo" P. P. Svinin (década de 1810) e "Galeria Russa" no Hermitage (1825); a formação de escolas de arte provinciais, como a escola de A. V. Stupin em Arzamas ou A. G. Venetsianov em São Petersburgo.

1. Fatores no desenvolvimento da cultura na Rússia

A servidão que permaneceu na época, o atraso econômico geral da Rússia em comparação com os países da Europa Ocidental, impediu o progresso cultural. E, no entanto, apesar dessas condições desfavoráveis, e mesmo apesar delas, a Rússia no século 19 deu um salto verdadeiramente gigantesco no desenvolvimento da cultura, deu uma enorme contribuição para cultura mundial. Esse aumento na cultura russa deveu-se a vários fatores www.ru.wikipedia.org:

o processo de formação da nação russa em uma era crítica de transição do feudalismo para o capitalismo

O início do movimento revolucionário de libertação na Rússia

estreita comunicação e interação com outras culturas

influência da herança da Rus' moscovita na cultura do século XIX: a assimilação de antigas tradições permitiu germinar novos brotos de criatividade na literatura, poesia, pintura e outras áreas da cultura

2. Arte da primeira metade do século XIX

Na arte russa do século XIX. Muita coisa mudou desde o século XVIII. Como no Ocidente, aumentou o papel social do artista, o significado de sua personalidade, seu direito à liberdade de criação, em que os problemas sociais e morais agora são cada vez mais agudos.

O divisor de águas condicional na história da arte russa foi definido em duas etapas - sua primeira e segunda metade, e nesta última parece bastante natural destacar o final do século XIX - início do século XX. como um período com características semânticas e estilísticas próprias.

Até meados do século, havia semelhanças na cultura da Europa e da Rússia, mas depois de meados do século, os caminhos do desenvolvimento cultura artística divergem um pouco. Os artistas europeus, liderados pelos franceses, estão cada vez mais imersos nos problemas da forma, buscando e encontrando novas técnicas artísticas, como fizeram brilhantemente os impressionistas e pós-impressionistas. Os artistas russos, por outro lado, percebem a arte, antes de tudo, como uma tribuna da qual são resolvidas as "questões doloridas do presente". Ilyina T.V. História da Arte Russa 5ª edição, 2010.

2.1 Arquitetura

Os ideais humanísticos da sociedade russa foram refletidos nos exemplos altamente cívicos de arquitetura e escultura monumental e decorativa, em cuja síntese pintura decorativa e arte aplicada, muitas vezes criações dos próprios arquitetos. O estilo dominante desta época é o classicismo maduro, ou alto, em Literatura científica, muitas vezes referido como "Império Russo". Na verdade, apenas as décadas de 1820-1830 podem ser consideradas um estilo imperial, e a primeira década pode ser chamada com mais precisão de "classicismo de Alexandre".

A arquitetura do primeiro terço do século XIX é, antes de tudo, a solução de grandes problemas urbanísticos. Em São Petersburgo, está sendo concluído o planejamento das principais praças da capital: o Palácio e o Senado; criada os melhores conjuntos cidades. Especialmente intenso após o incêndio de 1812. Moscou está em construção. A imagem arquitetônica impressiona pela grandeza e monumentalidade. Um grande papel na aparência geral do edifício é desempenhado pela escultura, que tem um certo significado semântico. Entre os edifícios, o lugar principal é ocupado por edifícios públicos: teatros, departamentos, Estabelecimentos de ensino, palácios e templos são construídos com muito menos frequência (com exceção das catedrais regimentais nos quartéis).

O maior arquiteto da época, Andrei Nikiforovich Voronikhin (1759-1814), iniciou seu caminho independente na década de 1790. reestruturação dos interiores do Palácio Stroganov no Moika (arquiteto F. B. Rastrelli) em São Petersburgo (1793, Armário Mineral, galeria de arte, salão de canto).

A principal ideia de Voronikhin é a Catedral de Kazan (1801-1811). A colunata semicircular do templo, que ele ergueu não do lado principal (oeste), mas do lado da fachada norte, formava uma praça no centro de Nevsky. Voronikhin deu ao Mining Cadet Corps (1806-1811, agora Mining Institute) um caráter ainda mais rígido e ativado, no qual tudo está subordinado a um poderoso pórtico dórico de 12 colunas voltado para o Neva.

A. N. Voronikhin, o arquiteto do classicismo, dedicou muita energia à criação de um conjunto urbano, a síntese de arquitetura e escultura, a combinação orgânica de elementos escultóricos com divisões arquitetônicas, tanto em grandes quanto em pequenas estruturas.

Principal arquiteto de Petersburgo do primeiro terço do século XIX. ("Império Russo") foi Karl Ivanovich Rossi G.G. Grimm - Rossi Ensembles - L., 1947 (1775--1849). Rossi recebeu sua educação arquitetônica inicial na oficina de VF Brenna, depois viajou para a Itália, onde estudou os monumentos da Antiguidade. Seu trabalho independente começa em Moscou, continua em Tver. Uma das primeiras obras em São Petersburgo é o complexo do palácio e do parque na Ilha Elagin (1818, concluído em 1822). Pode-se dizer de Rossi que ele "pensou em conjuntos", um palácio ou um teatro transformado em um centro urbanístico de praças e novas ruas. Assim, criando o Palácio Mikhailovsky (1819-1825), ele organiza a praça em frente ao palácio e pavimenta a rua na Nevsky Prospekt, enquanto compara seu plano com outros edifícios próximos - o Castelo Mikhailovsky e o espaço do Campo de Marte. No projeto da Praça do Palácio (1819-1829), Rossi enfrentou a tarefa mais difícil: combinar o palácio barroco de Rastrelli e a monótona fachada classicista do prédio do Estado-Maior e dos ministérios em um único todo. O arquiteto quebrou com ousadia essa monotonia com um arco colossal do Edifício do Estado-Maior, cujo centro era o Arco do Triunfo, que abre caminho para a rua Bolshaya Morskaya, para Nevsky Prospekt.

O novo século foi marcado pela criação dos conjuntos mais importantes de São Petersburgo. Então, Andrey Dmitrievich Zakharov GG Grimm - Arquiteto Andrey Zakharov. Vida e obra - M., 1940 (1761 - 1811) aluno da Academia de Artes de São Petersburgo e aluno do arquiteto parisiense Zh.F. Schalgren, de 1805. inicia a construção do edifício do Almirantado (1806 - 1823).

A solução composicional de Zakharov é extremamente simples: uma configuração de dois volumes, e um volume é, por assim dizer, aninhado em outro, do qual o externo, em forma de U, é separado por um canal de duas dependências internas, em forma de L no plano . O volume interno é um navio e oficinas de desenho, armazéns, o volume externo são departamentos, instituições administrativas, um museu, uma biblioteca e assim por diante. A fachada do Almirantado se estende por 406 m. As alas laterais das fachadas têm vista para o Neva, a fachada central termina no meio com um arco de passagem triunfal com pináculo, que é o castelo da composição e por onde passa a entrada principal. . Zakharov manteve o engenhoso design de Korobov para a torre, mostrando tato e respeito pela tradição e conseguindo transformá-la em uma nova imagem classicista do edifício como um todo. A monotonia da fachada de quase meio quilômetro é quebrada por pórticos uniformemente espaçados.

INFERNO. Zakharov morreu sem ver o Almirantado em sua forma final. Este edifício está intimamente relacionado com a arquitetura do centro da cidade. Três avenidas se originam daqui: Voznesensky, Gorokhovaya Street, Nevsky Prospekt (este sistema de vigas foi concebido sob Pedro I)

2.2 Artes visuais

O classicismo foi a principal tendência em arquitetura e escultura no primeiro terço do século XIX. Na pintura, foi desenvolvida, antes de mais nada, por artistas acadêmicos - no gênero histórico, ou seja, histórias das escrituras, mitologia antiga e realmente histórico. Mas os verdadeiros sucessos da pintura estão em uma direção diferente: melhores aspirações alma humana, altos e baixos do espírito expressavam a pintura romântica da época.

Mas o romantismo se manifestou de maneira mais sutil em solo russo no gênero retrato, e o lugar principal aqui deve ser dado a Orest Adamovich Kiprensky I.V. Kislyakov - Orest Kiprensky. Época e Heróis - M., 1982 (1782-- 1836). Filho do proprietário de terras A. S. Dyakonov e de um servo, Kiprensky nasceu na província de São Petersburgo. De 1788 a 1803 estudou (começando com a Escola Educacional) na Academia de Artes, onde estudou na classe de pintura histórica com o professor G. I. Ugryumov e o pintor francês G. F. Doyen. Em 1805, ele recebeu a Grande Medalha de Ouro pela pintura "Dmitry Donskoy na vitória sobre Mamai".

Complicado, pensativo, mutável de humor - tais aparecem diante de nós retratados por Kiprensky “E. P. Rostopchin” (1809, Galeria Estatal Tretyakov), “D. N. Khvostov" (1814, State Tretyakov Gallery), menino "L. A. Chelishchev” (1809, Galeria Estatal Tretyakov). Em uma pose livre, olhando distraidamente para o lado, casualmente apoiado em um pássaro de pedra, está o Coronel dos Hussardos da Vida “E.V. Davydov (1809, Museu Russo). Este retrato é percebido como uma imagem coletiva do herói da guerra de 1812, embora seja bastante específico.

Alexei Gavrilovich Venetsianov (1780-1847) foi o ancestral do gênero cotidiano. Agrimensor por formação, Venetsianov deixou o serviço militar por causa da pintura e mudou-se para São Petersburgo. Tornou-se aluno de Borovitsky. Ele deu seus primeiros passos nas “artes” no gênero retrato, criando imagens incrivelmente poéticas, líricas, às vezes abarrotadas de humor romântico (“Retrato de V. S. Putyatina”) com pastel, lápis e óleo.

Na virada dos anos 1810-1820. Venetsianov trocou São Petersburgo pela província de Tver, onde comprou uma pequena propriedade. Aqui encontrou o seu tema principal, dedicando-se a retratar a vida camponesa.

Venetsianov era um excelente professor. A escola Venetsianov, os venezianos, é toda uma galáxia de artistas das décadas de 1820-1840 que trabalharam com ele em São Petersburgo e em sua propriedade Safonkovo ​​​​. Representantes da escola veneziana foram A.V. Tyranov, E.F. Krendovsky, K.L. Zelentsov, A.A. Alekseev, S.K. Zaryanko, L.K. Plakhov, N. S. Krylov e muitos outros.

3. Arte da segunda metade do século XIX

3.1 Arquitetura e escultura

Menos rapidamente do que antes, a escultura e a arquitetura se desenvolveram durante esse período. Como já mencionado, o final da década de 1830. o classicismo está morrendo. significa isso expressividade artística contradizem as novas tarefas que a arquitetura da segunda metade do século XIX impõe. Normalmente era chamado de “estilização retrospectiva” ou ecletismo, mas agora é mais frequentemente chamado de historicismo, porque naquela época os arquitetos começaram a usar os motivos e padrões de estilos arquitetônicos de épocas passadas - gótico, renascentista, barroco, rococó, etc. D.E. Arkin - Imagens da arquitetura - M., 1941.

Um dos principais problemas da época era a construção de prédios de apartamentos (casas de aluguel).

Da mesma forma, o florescimento da escultura monumental-decorativa manteve-se na primeira metade do século.

O mais famoso dos mestres da época foi Mark Matveyevich Antokolsky (1843--1902), que, como corretamente observado pelos pesquisadores, compensa a falta de meios de expressão monumentais com a imagem de "personalidades monumentais": a evidência disso é "Ivan, o Terrível" (1870), "Pedro I" ( 1872), O Sócrates Moribundo (1875), Spinoza (1882), Mefistófeles (1883), Yermak (1888). Nessas imagens executadas de acordo com um determinado programa, a pose, o gesto, as expressões faciais são sempre encontrados com sucesso, mas a verdadeira expressividade dos meios escultóricos foi substituída por esses detalhes naturalistas.

3.2 Pintura

Na segunda metade do século XIX, de todas as artes plásticas da pintura, e sobretudo da pintura de gênero, era preciso dizer a sua palavra de peso. Uma atitude crítica perante a realidade, posições cívicas e morais pronunciadas, uma aguda orientação social tornam-se características sobretudo da pintura, na qual se forma um novo sistema de visão artística, expresso no chamado realismo crítico. Tomando na maioria das vezes como base da trama os agudos problemas sociais que então viviam sociedade russa, os artistas atuaram, de fato, não tanto como porta-vozes dessas ideias, mas como seus ilustradores diretos, intérpretes diretos. O lado social os obscureceu de tarefas puramente pictóricas e plásticas, e a cultura formal inevitavelmente caiu. Como corretamente observado, "a ilustração arruinou sua pintura".

Verdadeira alma do nascente direção crítica na pintura foi Vasily Grigorievich Perov V.A. Lenyashin - V.G. Perov - M., 1987 (1834--1882), que pegou a maleta de Fedotov diretamente de suas mãos, conseguiu com pathos acusatório mostrar muitos aspectos da vida cotidiana simples: a aparência feia de algum clero ("Procissão rural na Páscoa", 1861; "Beber chá em Mytishchi", 1862), a vida sem esperança dos camponeses russos ("Seeing the Dead Man", 1865; "The Last Tavern at the Outpost", 1868), a vida dos pobres urbanos ("Troika" , 1866) e a intelligentsia, forçada a buscar dinheiro vivo em “sacos de dinheiro” (“Chegada de uma governanta à casa de um comerciante”, 1866). Suas obras são simples no enredo, mas pungentes em sua dor.

3.3 Andarilhos

Na década de 1870 pintura democrática progressista ganha reconhecimento público. Ela tem seus próprios críticos - I. N. Kramskoy e V. V., Stasov e seu próprio colecionador - P. M. Tretyakov. Chegou a hora do florescimento do realismo democrático russo na segunda metade do século XIX. Nessa época, no centro da escola oficial - a Academia de Artes de São Petersburgo - também estava se formando uma luta pelo direito da arte de se transformar em vida real, real, que resultou na chamada "revolta de 14" em 1863. Vários graduados da Academia se recusaram a escrever uma imagem programática sobre um tema do épico escandinavo, quando há tantos problemas modernos emocionantes por aí e, não tendo recebido permissão para escolher livremente um tema, deixou a Academia, fundando a "Petersburg Artel dos Artistas".

"Artel" não durou muito, e logo Moscou e São Petersburgo avançaram forças artísticas unidas na Associação de Exposições de Arte Itinerantes (1870).

A arte dos Andarilhos foi uma expressão de ideias democráticas na cultura artística nacional da segunda metade do século XIX.

A composição dos "Wanderers" incluía, mais "sênior" - estes são Ivan Nikolaevich Kramskoy, Nikolai Nikolaevich Ge, Vasily Vasilyevich Vereshchagin, Konstantin Apollonovich Savitsky e "jovem" - Ivan Ivanovich Shishkin, que foi chamado de "a natureza do heróico pessoas", Arkhip Ivanovich Kuindzhi, com seus impressionantes efeitos de iluminação ("Noite Ucraniana", 1876; " Birch Grove", 1879), Isaac Ilyich Levitan.

Vale a pena notar Ilya Efimovich Repin. Ele nasceu na Ucrânia, na província de Kharkov, e conheceu as primeiras habilidades artesanais dos pintores de ícones ucranianos. Repin considerou Kramskoy seu primeiro professor. A primeira obra que causou forte reação do público foi a pintura "Barcaças no Volga".

Em 1873, Repin fez uma viagem de “aposentado” à França, onde, junto com Polenov, pintou estudos ao ar livre e aprendeu muito sobre os problemas da luz e do ar.

Voltando, Repin começa a trabalhar com sucesso. Parece que não há gênero em que ele não se declare: retratos de características nitidamente individuais e tipos de retratos, pinturas de retratos.

Quase todos os gêneros estavam sujeitos a Repin (ele não escrevia apenas cenas de batalha), todos os tipos - pintura, gráficos, escultura; ele criou uma escola maravilhosa de pintores, declarou-se um teórico da arte e um escritor notável. A obra de Repin foi um fenômeno típico da pintura russa da segunda metade do século XIX. Foi ele quem encarnou o que D.V. Sarabyanov chamou de "realismo errante", absorveu tudo de característico, que, segundo o pesquisador, estaria "espalhado" em diversos gêneros e personalidades. E este é o universalismo, a natureza enciclopédica do artista. Em uma coincidência tão completa com seu tempo em sua "execução adequada" está a evidência da escala e força do talento de Repin. Veja: Sarabyanov, D.V. Repin e a pintura russa da segunda metade do século XIX - M., 1978

4. Arte do final do século XIX - início do século XX

Na década de 1890 em conexão com o início da crise do movimento populista, o “método analítico do realismo do século XIX”, como é chamado na ciência russa, também está se tornando obsoleto. Durante este período, muitos dos Andarilhos experimentaram crise criativa, entraram na mesquinhez de uma imagem de gênero divertida. Deve-se notar, no entanto, que as melhores tradições de V. G. Perov foram preservadas principalmente na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou, graças às atividades de ensino de artistas como S. N. Ivanov, K. A. Korovin, V. A. Serov e outros .

Todo tipo de arte - pintura, teatro, música, arquitetura - surgiu para a renovação da linguagem artística, em alto profissionalismo. A crise dos Wanderers, com sua ânsia por assuntos mesquinhos, se expressava em declarações ideológicas e de nacionalidade, que, no entanto, não eram amparadas por nenhum programa estético. Para os pintores da virada do século, outras formas de expressão são características do que entre os Andarilhos, outras formas Criatividade artística-- em imagens contraditórias e complicadas, refletindo a modernidade sem caráter ilustrativo e narrativo. Os artistas buscam dolorosamente a harmonia e a beleza em um mundo que é fundamentalmente estranho tanto à harmonia quanto à beleza. É por isso que muitas delas veem como missão cultivar o senso de beleza. Mas também deu origem ao universalismo de toda uma geração de artistas que vieram depois dos Wanderers "clássicos", cujo exemplo é o trabalho de V. A. Serov e M. A. Vrubel.

Um grande papel na popularização da arte doméstica e da arte da Europa Ocidental, atraindo mestres para exposições Europa Ocidental interpretado pelos artistas da associação "Mundo da Arte" (1898 - 1924). Tendo reunido as melhores forças artísticas em São Petersburgo, publicando sua própria revista, o "Mundo da Arte" por sua própria existência contribuiu para a consolidação das forças artísticas em Moscou, a criação da "União dos Artistas Russos" (1903-1323 ) Ilyina T.V. História da Arte Russa 5ª edição, 2010.

Conclusão

A bela arte russa, imbuída das ideias progressistas da época, servia a um grande objetivo humano - a luta pela libertação do homem, pela reorganização social de toda a sociedade.

Em geral, na primeira metade do século 19, a Rússia alcançou um sucesso impressionante no campo da cultura. O fundo mundial incluiu para sempre as obras de muitos artistas russos. O processo de formação da cultura nacional foi concluído.

Sobre virada de XIX-XX séculos buscas modernistas levaram à formação de um grupo de artistas unidos em torno da revista "World of Art" (A.N. Benois, K.A. Somov, E.E. Lansere, L.S. Bakst, N.K. Roerich e Z. Grabar e etc.). O Mundo dos Artesãos proclamava novos princípios artísticos e estéticos. Eles promoveram o individualismo, a liberdade da arte de problemas sociais e políticos. O principal para eles é a beleza e as tradições da cultura nacional russa, o que não se pode dizer dos "Wanderers".

No início do século XX. surgiu a "vanguarda russa". Seus representantes K.S. Malevitch, P. P. Falk, M. Z. Chagall e outros pregaram a arte das formas "puras" e da não objetividade externa. Eles foram os precursores do abstracionismo e tiveram um grande impacto no desenvolvimento da arte mundial.

Bibliografia

1. www.ru.wikipedia.org

2. Ilyina T.V. História da Arte Russa 5ª edição, 2010

3. G.G. Grimm - Conjuntos de Rossi - L., 1947

4. GG Grimm - Arquiteto Andrey Zakharov. Vida e obra - M., 1940

5. IV. Kislyakov - Orest Kiprensky. Época e heróis - M., 1982

6. D.E. Arkin - Imagens da arquitetura - M., 1941

7. V.A. Lenyashin - V.G. Perov - M., 1987

8. Ver: Sarabyanov, D.V. Repin e a pintura russa da segunda metade do século XIX - M., 1978

Hospedado em Allbest.ru

Documentos Similares

    Belas artes da primeira metade do século XIX (O.A. Kiprensky, V.A. Tropinin, A.G. Venetsianov, P.A. Fedotov, K.P. Bryullov, A.A. Ivanov. Síntese como característica desenvolvimento da arquitetura e da escultura. Teatro e música, o desenvolvimento da literatura russa.

    trabalho final, adicionado em 20/08/2011

    O início do século 19 é a época do surgimento cultural e espiritual da Rússia, o progresso da cultura russa, o desenvolvimento da educação, ciência, literatura e arte. O crescimento da autoconsciência nacional do povo e os novos princípios democráticos que estavam se enraizando na vida russa.

    relatório, adicionado em 29/03/2009

    O desenvolvimento do movimento social dos dezembristas na primeira metade do século XIX. Mudanças fundamentais nas esferas social, política e econômica da vida na sociedade russa do século XIX. Movimentos sociais conservadores, liberais e revolucionários.

    resumo, adicionado em 27/02/2015

    Desenvolvimento histórico na Rússia no final do século XVIII. Speransky e suas formas de implementar reformas liberais. Decembrists e seu lugar na história do movimento de libertação. Ocidentalizadores e eslavófilos sobre as formas de desenvolvimento da Rússia na primeira metade do século XIX.

    trabalho de controle, adicionado em 07/12/2008

    Características de uma sociedade industrial. O desenvolvimento da civilização ocidental na era industrial. Situação política interna na Rússia na primeira metade do século XIX. Política conservadora de Alexandre III. Tendências socioculturais no desenvolvimento da sociedade russa.

    apresentação, adicionada em 24/03/2019

    A ascensão do movimento de libertação na Índia, do qual a burguesia se tornou participante. O processo de formação do sistema partidário, refletindo o crescimento do capital nacional indiano. Criação do Congresso Nacional Indiano; liberais e radicais.

    trabalho final, adicionado 06/05/2010

    Pré-requisitos socioeconômicos para a formação da cultura russa na segunda metade do século XIX. O estado de esclarecimento e educação, cultura artística ( Artes visuais, literatura, teatro, música, arquitetura). O Fenômeno da Era de Prata.

    trabalho final, adicionado em 20/08/2012

    O desenvolvimento do capitalismo na Rússia, a Guerra Patriótica de 1812, a crescente consciência nacional como pré-condições para o florescimento da cultura na primeira metade do século XIX. Desenvolvimento da educação, ciência, literatura, arte, arquitetura e planejamento urbano.

    redação, adicionada em 28/02/2011

    A diferença cultural entre a nobre aristocracia da capital e os latifundiários da província. Sucessos no campo da educação e esclarecimento. Relações comerciais internacionais, desenvolvimento de fábricas com trabalhadores civis. sentimentalismo e realismo.

    resumo, adicionado em 27/01/2012

    Características da economia russa no período da segunda metade do século 19 - início do século 20, pré-requisitos para seu desenvolvimento. Política económica do país na primeira metade do século XX: o início da industrialização, os primeiros planos quinquenais; economia nacional URSS no início dos anos 40.

Segunda metade do século XIX - um período especial no desenvolvimento da cultura russa. Os anos do reinado de Alexandre II, que deu grande importância na vida cultural da "independência do espírito do povo", foram tempos de procura de um caminho nacional na arte e de temas sociais de actualidade aguda. Nos anos 60, novas forças sociopolíticas surgiram na Rússia - raznochintsy, pessoas de estratos democráticos, intelectuais de mentalidade revolucionária. Idéias democráticas revolucionárias de A.I. Herzen, N. P. Ogareva, A. F. Pisemski, ON. Nekrasova, M.E. Saltykov-Shchedrin, N.G. Chernyshevsky, NA. Dobrolyubov, que estigmatizou os vícios sociais, influenciou significativamente as artes plásticas. A análise crítica da realidade circundante e sua exibição realista tornaram-se o método da literatura russa avançada e, posteriormente, das artes plásticas. Chernyshevsky lançou as bases da estética com suas obras. Em seu tratado "As Relações Estéticas da Arte com a Realidade" afirma-se diretamente que "bela é a vida", que " maior belezaé precisamente a beleza encontrada pelo homem no mundo da realidade, e não a beleza criada pela arte. Passaram a exigir do artista "conteúdo", "explicação da vida" e até "uma frase sobre os fenômenos retratados". chefe em russo pintura foi a predominância dos princípios morais e sociais sobre os artísticos. Essa característica foi mais claramente manifestada no trabalho de artistas de mentalidade democrática.

Em 1863, a Academia de Artes estabeleceu um programa para uma medalha de ouro com um enredo da mitologia escandinava. Todos os treze candidatos, entre eles I.N. Kramskoy, K. G. Makovsky, A. D. Litovchenko, que não concordava com este programa e com os programas em geral, recusou-se a participar da competição e deixou a Academia. Deixando desafiadoramente a Academia, os rebeldes organizaram o Artel of Artists e, em 1870, junto com os pintores de Moscou, a Associação de Exposições de Arte Itinerantes. Começando com Perov e terminando com Levitan, todos os representantes destacados da pintura russa participaram dessas exposições - Andarilhos.

Para o público russo, o significado dos Wanderers foi enorme - eles a interessaram e a ensinaram a parar na frente das pinturas; com sua aparência, apenas a conexão entre a sociedade russa e os artistas russos começou. Sua criatividade, persistente desde os princípios básicos do realismo, ensinou o público russo a ver a vida na arte e a distinguir a verdade da mentira nela. Aqui devemos mencionar dois russos a quem os Wanderers devem seu sucesso e influência: PM. Tretyakov e V.V. Stasov. Tretyakov apoiou o camarada-


através de compras e encomendas, criando o único Museu de Arte Nacional do mundo. O "colosso destruidor" Stasov, que liderou o movimento nacional na arte russa, foi o arauto das visões estéticas dos Wanderers, e muitos artistas devem a ele conselhos criativos, a escolha de enredos para pinturas e propaganda apaixonada de suas atividades em a imprensa.


Entre os primeiros artistas russos que, no espírito da imprensa progressista dos anos 60, transformaram suas pinturas em um sermão pungente, estava Vasily Grigorievich Perov(1834-1882). Já em sua primeira pintura, Sermão na Aldeia, que saiu no ano da libertação dos camponeses, não havia vestígio da zombaria inofensiva de Fedotov: o obeso fazendeiro, indiferente às palavras do padre, adormeceu em um cadeira; sua jovem esposa, aproveitando o momento, sussurra com seu admirador, demonstrando assim o desdém pelos valores espirituais por parte da sociedade "iluminada". A próxima foto, "A Procissão Religiosa para a Páscoa", era bastante "Bazarov" em nitidez e em consonância com os romances acusatórios mais sombrios da época.

Uma procissão em pleno vigor com estandartes e ícones sai do tselovalnik, tendo acabado de se deliciar ali: peregrinos bêbados caem da taverna em desordem e batem na lama da primavera; o padre, mal pisando com os pés, com grande dificuldade desce do alpendre; O diácono com o incensário tropeçou e caiu.

A multiplicidade de movimentos artísticos no século XIX foi consequência do processo de modernização. A vida artística da sociedade agora era determinada não apenas pelos ditames da igreja e pela moda dos círculos da corte. Mudar estrutura social levou a uma mudança na percepção da arte na sociedade: há novos estratos sociais de pessoas ricas e educadas que podem avaliar obras de arte de forma independente, focando apenas na exigência de gosto. Foi no século XIX que se formou a Cultura de massa; jornais e revistas de edição em edição, que imprimiam longos romances com um enredo divertido, tornaram-se o protótipo dos seriados de televisão na arte do século XX.

Na primeira metade do século XIX, o planejamento urbano em uma escala sem precedentes se desenrolou na Europa. A maioria das capitais europeias - Paris, São Petersburgo, Berlim - adquiriu sua aparência característica; em seus conjuntos arquitetônicos, o papel dos edifícios públicos aumentou. A famosa Torre Eiffel, construída em 1889 para a abertura da Exposição Mundial, tornou-se o símbolo de Paris. A Torre Eiffel demonstrou as capacidades técnicas de um novo material - o metal. No entanto, a solução artística original não foi imediatamente reconhecida, a torre foi chamada para ser demolida, chamada de monstruosa.

Neoclassicismo na primeira metade do século XIX. experimentou um apogeu tardio, agora recebe o nome de Império (do francês "império"), esse estilo expressava a grandeza do império criado por Napoleão. Em meados do século, o principal problema da arquitetura européia era a busca pelo estilo. Devido ao fascínio romântico pela antiguidade, muitos mestres tentaram reviver as tradições da arquitetura do passado - assim surgiu o neogótico, o neorenascimento, o neobarroco. Os esforços dos arquitetos muitas vezes levaram ao ecletismo - uma combinação mecânica de elementos de estilos diferentes, antigos com novos.

Na vida artística da primeira metade do século XIX, prevaleceu o romantismo, refletindo a decepção com a ideologia do Iluminismo. O romantismo tornou-se uma visão de mundo especial e modo de vida. O ideal romântico de uma pessoa que não é compreendida pela sociedade forma o comportamento de seus estratos superiores. O romantismo é caracterizado pela oposição de dois mundos: o real e o imaginário. A realidade é considerada sem alma, desumana, indigna de uma pessoa e se opondo a ela. A "prosa da vida" do mundo real se opõe ao mundo da "realidade poética", o mundo do ideal, dos sonhos e das esperanças. Vendo o mundo dos vícios na realidade contemporânea, o romantismo tenta encontrar uma saída para o homem. Esta saída é ao mesmo tempo um afastamento da sociedade em opções diferentes: o herói entra em seu próprio mundo interior, além dos limites do espaço real e partindo para outro tempo. O romantismo passa a idealizar o passado, principalmente a Idade Média, vendo nele a realidade, a cultura e os valores como gelo.

Eugene Delacroix (1798-1863) estava destinado a se tornar o chefe do romantismo francês na pintura. A imaginação inesgotável deste artista criou todo um mundo de imagens que ainda vivem na tela com sua vida intensa, cheia de lutas e paixões. Delacroix frequentemente extraía motivos das obras de William Shakespeare, Johann Wolfgang Goethe, George Byron, Walter Scott, voltado para os eventos da Revolução Francesa, outros episódios história nacional("Batalha de Poitiers"). Delacroix captou numerosas imagens dos povos do Oriente, principalmente argelinos e marroquinos, que viu durante a sua viagem a África. Em O Massacre da Ilha de Chios (1824), Delacroix refletiu a luta dos gregos contra o domínio turco, que então preocupava toda a Europa. Um grupo de sofredores gregos cativos em primeiro plano pinturas, entre as quais uma mulher perturbada pela dor e uma criança engatinhando no peito de uma mãe morta, o artista contrastou as figuras arrogantes e cruéis dos punidores; uma cidade em ruínas em chamas é vista à distância. A imagem impressionou os contemporâneos com o poder de tirar o fôlego do sofrimento humano e com seu colorido invulgarmente ousado e sonoro.

Os eventos da Revolução de Julho de 1830, que terminou com a derrota da revolução e a restauração da monarquia, inspiraram Delacroix a criar amplamente pintura famosa"Liberdade nas barricadas" (1830). A mulher que ergueu a bandeira tricolor da República Francesa representa a liberdade. A imagem da liberdade nas barricadas 0 personificação da luta.

O artista espanhol Francisco Goya (1746-1828) foi um representante mundialmente famoso do romantismo.Goya tornou-se um grande artista relativamente tarde. O primeiro sucesso significativo trouxe-lhe duas séries (1776-1791) de numerosas tapeçarias criadas para a Manufactura Real de Santa Bárbara em Madrid ("Umbrella", "The Blind Guitarist", "Seller of Dishes", "Blind Man's Bluff", " Casamento"). Nos anos 90. Século XVIII na obra de Goya, as características da tragédia, a hostilidade à Espanha feudal-clerical da "velha ordem" estão crescendo. A feiúra de seus fundamentos morais, espirituais e políticos Goya revela de forma grotesco-trágica, alimentando-se de fontes folclóricas, em uma grande série de gravuras "Caprichos" (80 folhas com comentários do artista); a ousada novidade da linguagem artística, a expressividade aguda de linhas e traços, os contrastes de luz e sombra, a combinação do grotesco e da realidade, alegoria e fantasia, sátira social e uma análise sóbria da realidade abriram novos caminhos para o desenvolvimento da gravura européia. Na década de 1790 - início de 1800, o retrato de Goya atingiu um florescimento excepcional, no qual uma sensação alarmante de solidão (retrato da Senora Bermudez), confronto corajoso e desafio ao meio ambiente (retrato de F. Guimardet), o aroma do mistério e oculto sensualidade ("Maja vestida" e "Nude Maha"). Com incrível poder de convicção, o artista capturou a arrogância, a miséria física e espiritual da família real em retrato de grupo"A Família de Carlos IV". Historicismo profundo, protesto apaixonado permeiam as grandes pinturas de Goya dedicadas à luta contra a intervenção francesa ("Levantamento de 2 de maio de 1808 em Madri", "Fuzilamento dos rebeldes na noite de 3 de maio de 1808"), uma série de gravuras filosoficamente compreendendo o destino do povo "Desastres da Guerra" ( 82 folhas, 1810-1820).

Francisco Goya "Caprichos"

Se na literatura a subjetividade da percepção de um artista é descoberta pelo simbolismo, na pintura uma descoberta semelhante é feita pelo impressionismo. Impressionismo (do francês impressão - impressão) - direção em pintura europeia surgiu na França em meados do século XIX. Os impressionistas evitaram quaisquer detalhes no desenho e tentaram capturar a impressão geral do que o olho vê em um determinado momento. Eles conseguiram esse efeito com a ajuda de cores e texturas. O conceito artístico do impressionismo foi baseado no desejo de capturar natural e naturalmente o mundo em sua variabilidade, transmitindo suas impressões fugazes. Um terreno fértil para o desenvolvimento do impressionismo foi preparado pelos artistas da escola de Barbizon: eles foram os primeiros a pintar esboços da natureza. O princípio de “pintar o que você vê em meio à luz e ao ar” formou a base da pintura ao ar livre dos impressionistas.

Na década de 1860, os jovens pintores de gênero E. Manet, O. Renoir, E. Degas tentaram inspirar pintura francesa frescor e imediatismo da observação da vida, representação de situações instantâneas, instabilidade e desequilíbrio de formas e composições, ângulos e pontos de vista inusitados. Trabalhar ao ar livre ajudou a criar nas telas a sensação da neve cintilante, a riqueza das cores naturais, a dissolução dos objetos no ambiente, a vibração da luz e do ar. Os artistas impressionistas deram atenção especial à relação de um objeto com seu ambiente, aos estudos da mudança de cor e tom de um objeto em um ambiente em mudança. Ao contrário dos românticos e realistas, eles não estavam mais inclinados a retratar o passado histórico. A modernidade era sua área de interesse. A vida de pequenos cafés parisienses, ruas barulhentas, margens pitorescas do Sena, estações ferroviárias, pontes, a beleza discreta das paisagens rurais. Os artistas não estão mais dispostos a tocar em problemas sociais agudos.

A obra de Edouard Manet (1832-1883) antecipou um novo rumo na pintura - o impressionismo, mas o próprio artista não aderiu a esse movimento, embora tenha mudado um pouco seu estilo criativo sob a influência dos impressionistas. Manet declarou seu programa: “Viva seu tempo e descreva o que vê à sua frente, descobrindo a verdadeira beleza e poesia no curso diário da vida”. Ao mesmo tempo, na maioria das obras de Manet não havia ação, nem mesmo um enredo mínimo. Paris torna-se um motivo constante para a obra de Manet: a multidão da cidade, os cafés e teatros, as ruas da capital.

Édouard Manet "Bar no Folies Bergère"

Edourd Manet "Música nas Tulherias"

O próprio nome Impressionismo deve sua origem à paisagem de Claude Monet (1840-1926) “Impressão. Nascer do sol".

Na obra de Monet, o elemento luz adquiriu protagonismo. Por volta dos anos 70. século 19 O incrível "Boulevard des Capucines" é um deles, onde as pinceladas lançadas na tela transmitem tanto a perspectiva de uma rua movimentada que se estende ao longe, um fluxo interminável de carruagens que se movem por ela, quanto uma alegre multidão festiva. Ele pintou muitas pinturas com o mesmo objeto de observação iluminado de maneira diferente. Por exemplo, um palheiro pela manhã, ao meio-dia, à noite, ao luar, na chuva e assim por diante.

Muitas das realizações do impressionismo estão associadas à obra de Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), que entrou para a história da arte como um "pintor da felicidade". Ele realmente criou em suas pinturas um mundo especial de mulheres cativantes e crianças serenas, natureza alegre e lindas flores. Ao longo de sua vida, Renoir pintou paisagens, mas sua vocação permaneceu a imagem de um homem. Adorava pintar pinturas de gênero, onde com incrível vivacidade recriava a agitação das ruas e avenidas parisienses, a ociosidade dos cafés e teatros, a vivacidade dos passeios pelo campo e das férias ao ar livre. Todas estas pinturas, pintadas ao ar livre, distinguem-se pela sonoridade da cor. A pintura "Moulin de la Galette" (baile folclórico no jardim do salão de baile de Montmartre) é uma obra-prima do impressionismo de Renoir. Adivinha o ritmo animado da dança, o brilho dos rostos jovens. Não há movimentos bruscos na composição, e uma sensação de dinâmica é criada pelo ritmo das manchas de cor. A organização espacial da imagem é interessante: o primeiro plano é dado de cima, as figuras sentadas não obscurecem os dançarinos. Numerosos retratos são dominados por crianças e meninas, nesses retratos sua habilidade foi revelada: “Menino com gato”, “Menina com leque”.

Participante ativo de todas as exposições, Edgar Degas (1834 - 1917), estava longe de todos os princípios dos impressionistas: era um oponente do ar livre, não pintava da vida, não procurava capturar a natureza de vários estados da natureza. Um lugar significativo na obra de Degas é ocupado por uma série de pinturas que retratam um corpo feminino nu. Muitas de suas pinturas anos recentes dedicado à "mulher por trás do banheiro". Em muitas obras, Degas mostra a especificidade do comportamento e aparência das pessoas, geradas pelas peculiaridades de sua vida, revela o mecanismo de um gesto profissional, postura, movimento de uma pessoa, sua beleza plástica (“Engomadores”, “Lavadeiras com linho"). Na afirmação do significado estético da vida das pessoas, das suas atividades quotidianas, reflete-se o peculiar humanismo da obra de Degas. A arte de Degas é inerente à combinação do belo, às vezes fantástico, e do prosaico: transmitir o espírito festivo do teatro em muitas cenas de balé (“Ballet Star”, “Ballet School”, “Dance Lesson”).

O pós-impressionismo abrange o período de 1886, quando foi realizada a última exposição impressionista, que apresentou as primeiras obras dos neo-impressionistas, até a década de 1910, que marcou o nascimento de uma arte completamente nova nas formas do cubismo e do fauvismo. O termo “pós-impressionismo” foi introduzido pelo crítico inglês Roger Fry, expressando a impressão geral da exposição de arte moderna francesa que organizou em Londres em 1910, que apresentava obras de Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Seurat, Cézanne e outros artistas.

Os pós-impressionistas, muitos dos quais já haviam se juntado ao impressionismo, começaram a procurar métodos de expressar não apenas o momentâneo e transitório - a cada momento, eles começaram a compreender os estados de longo prazo do mundo ao seu redor. O pós-impressionismo é caracterizado por diferentes sistemas e técnicas criativas que influenciaram o desenvolvimento subsequente das artes plásticas. O trabalho de Van Gogh antecipou o advento do expressionismo, Gauguin abriu o caminho para o Art Nouveau.

Vincent van Gogh (1853-1890) criou o mais impressionante imagens artísticas sintetizando (combinando) padrão e cor. A técnica de Van Gogh é pontos, vírgulas, linhas verticais, pontos sólidos. Suas estradas, canteiros e sulcos realmente se estendem ao longe, e os arbustos queimam no chão como fogos. Ele retratou não um momento capturado, mas a continuidade dos momentos. Ele retratou não esse efeito de uma árvore dobrada pelo vento, mas o próprio crescimento de uma árvore do solo. Van Gogh sabia como transformar tudo aleatório em cósmico. A alma de Van Gogh exigia cores vivas, ele reclamava constantemente com seu irmão sobre a falta de força até mesmo de sua cor amarela brilhante favorita.

Starry Night não foi a primeira tentativa de Van Gogh de retratar o céu noturno. Em 1888, em Arles, pintou Starry Night over the Rhone. Van Gogh queria retratar a noite estrelada como um exemplo do poder da imaginação, que pode criar uma natureza mais incrível do que podemos perceber quando olhamos para o mundo real.

Uma percepção aguçada da realidade e um desequilíbrio mental levam Van Gogh a doença mental. Gauguin vem para ficar em Arles, mas as diferenças criativas causam uma briga. Van Gogh joga um copo na cabeça do artista e, após a declaração de Gauguin sobre sua intenção de partir, ele se atira nele com uma navalha. Num acesso de loucura na noite do mesmo dia, o artista corta a orelha (“Autorretrato com Orelha Enfaixada”).

A obra de Paul Gauguin (1848-1903) é inseparável de seu trágico destino. A coisa mais importante no conceito estilístico de Gauguin era sua compreensão da cor. Sobre. Taiti, de onde o artista partiu em 1891, sob a influência das formas primitivas da arte polinésia, pintou quadros que se distinguem pela decoratividade, formas planas e cores excepcionalmente puras. A pintura "exótica" de Gauguin - "Você está com ciúmes?", "O nome dela é Vairaumati", "Mulher segurando um feto" - reflete não tanto as qualidades naturais dos objetos quanto o estado emocional do artista e o significado simbólico do imagens que concebeu. A peculiaridade do estilo de pintura de Gauguin é um efeito decorativo pronunciado, o desejo de pintar sobre grandes planos da tela com uma cor, apaixonado pela ornamentação, que estava presente nos tecidos das roupas, nos tapetes e no fundo da paisagem.

Paul Gauguin "Quando casar" "Mulher segurando um feto"

A conquista mais importante da cultura do século XIX. é o surgimento da arte da fotografia e do design. A primeira câmera do mundo foi feita em 1839 por Louis Jacques Mande Daguerre.

As primeiras tentativas de Daguerre de fazer uma câmera viável não tiveram sucesso. Em 1827, ele conheceu Joseph Niépce, que também estava tentando (e então teve um pouco mais de sucesso) inventar a câmera. Dois anos depois, eles se tornaram sócios. Niépce morreu em 1833, mas Daguerre continuou a trabalhar arduamente. Em 1837 ele foi finalmente capaz de desenvolver sistema prático fotografia, chamada de daguerreótipo. A imagem (daguerreótipo) foi obtida em uma placa de prata tratada com vapor de iodo. Após exposição por 3-4 horas, a placa foi desenvolvida em vapor de mercúrio e fixada com uma solução quente de sal comum ou hipossulfito. Os daguerreótipos eram de altíssima qualidade de imagem, mas apenas uma foto podia ser tirada.

Em 1839, Daguerre publicou sua invenção, mas não registrou uma patente. Em resposta, o governo francês concedeu a ele e ao filho de Niépce pensões vitalícias. O anúncio da invenção de Daguerre causou grande sensação. Daguerre tornou-se o herói do dia, a fama caiu sobre ele e o método daguerreótipo rapidamente encontrou ampla aplicação.

O desenvolvimento da fotografia levou a uma revisão princípios artísticos gráficos, pintura, escultura, arte combinada e documentário, o que não é alcançável em outras formas de arte. A base para o design foi estabelecida pela Exposição Industrial Internacional em Londres em 1850. Seu design marcou a convergência da arte e da tecnologia e lançou as bases para um novo tipo de criatividade.

Louis Daguerre, Nicephore Niepce e Niepce's Camera Obscura

Joseph Nicephore Niepce. A primeira fotografia do mundo tirada em uma liga de estanho e chumbo, 1826.

"Estúdio do Artista" de Daguerre, 1837

Na década de 1870, dois inventores, Elisha Gray e Alexander Graham Bell, desenvolveram independentemente dispositivos que podiam transmitir fala por eletricidade, que mais tarde chamaram de telefone. Ambos enviaram suas respectivas patentes aos escritórios de patentes, a diferença nos depósitos foi de apenas algumas horas. No entanto, Alexander Graham Bell) recebeu a patente primeiro.

Telefone e telégrafo são sistemas elétricos baseados em fios. O sucesso de Alexander Bell, ou melhor, de sua invenção, foi bastante natural, pois, inventando o telefone, tentou aprimorar o telégrafo. Quando Bell começou a fazer experiências com sinais elétricos, o telégrafo já era usado como meio de comunicação há cerca de 30 anos. Embora o telégrafo fosse um sistema de comunicação bastante bem-sucedido baseado no código Morse com sua exibição de letras usando pontos e traços, a grande desvantagem do telégrafo era que as informações eram limitadas a receber e enviar uma mensagem por vez.

Alexander Bell fala no primeiro modelo de telefone

O primeiro telefone, criado por Alexander Graham Bell, era um dispositivo através do qual os sons da fala humana eram transmitidos usando eletricidade (1875). Em 2 de junho de 1875, Alexander Graham Bell, enquanto fazia experiências com sua técnica, que chamou de “telégrafo harmônico”, descobriu que podia ouvir o som através de um fio. Era o som de um relógio.

O maior sucesso de Bell foi alcançado em 10 de março de 1876. Falando por um tubo com seu assistente, Thomas Watson, que estava na sala ao lado, Bell pronunciou as palavras que são conhecidas por todos hoje “Sr. Watson - vem cá - quero te ver ”(Sr. Watson - vem cá - quero te ver). Nessa época, não só nasceu o telefone, mas também morreu o telégrafo múltiplo. O potencial da comunicação em demonstrar que era possível falar por meio da eletricidade era muito diferente do que o telégrafo poderia oferecer com seu sistema de transmissão de informações por pontos e traços.

O conceito de cinema apareceu pela primeira vez em sua versão francesa - "cinema", denotando um sistema de criação e exibição de um filme, desenvolvido pelos irmãos Louis Jean e Auguste Lumiere. O primeiro filme foi rodado com uma câmera de cinema pelo francês Louis Aimé Augustin Le Prinecy (1842-1890) em novembro de 1888 na Grã-Bretanha e consistia em dois fragmentos: o primeiro tinha 10-12 fotos por segundo, o segundo tinha 20 imagens por segundo. Mas acredita-se oficialmente que o cinema se origina em 28 de dezembro de 1895. Neste dia, no salão indiano "Grand Cafe" no Boulevard des Capucines (Paris, França), ocorreu uma exibição pública do "Cinematógrafo dos irmãos Lumiere". Em 1896, os irmãos fizeram uma turnê mundial com sua invenção, visitando Londres, Nova York, Bombaim.

Louis Jean Lumiere formou-se em uma escola industrial, era fotógrafo e trabalhava na fábrica fotográfica de seu pai. Em 1895, Lumière inventou a câmera cinematográfica para fotografar e projetar "fotografias em movimento". Seu irmão Auguste Lumiere participou ativamente de seu trabalho sobre a invenção do cinema. O dispositivo foi patenteado e foi chamado de cinema. Os primeiros programas de cinema de Lumiere mostravam cenas filmadas no local: “Saída dos trabalhadores da fábrica de Lumiere”, “Chegada de um trem”, “Café da manhã da criança”, “Rega borrifada” e outras. Curiosamente, a palavra lumiere em francês significa "luz". Talvez seja um acidente, ou talvez o destino dos criadores do cinema tenha sido decidido com antecedência.

Antropov Alexey Petrovich(1716-1795) - pintor russo. Os retratos de Antropov se distinguem por sua conexão com a tradição parsuna, a veracidade das características, técnicas de pintura barroco.

Argunov Ivan Petrovich(1729-1802) - pintor de retratos de servos russos. Autor de retratos representativos cerimoniais e de câmara.

Argunov Nikolay Ivanovich(1771-1829) - Retratista russo de servos, que experimentou a influência do classicismo em sua obra. O autor do famoso retrato de P. I. Kovaleva-Zhemchugova.

Bazhenov Vasily Ivanovich(1737-1799) - o maior arquiteto russo, um dos fundadores do classicismo russo. Autor do projeto de reconstrução do Kremlin, palácio romântico e conjunto de parques em Tsaritsyn, a Casa Pashkov em Moscou, o Castelo Mikhailovsky em São Petersburgo. Seus projetos foram distinguidos pela ousadia da composição, variedade de ideias, uso criativo e combinação de tradições da arquitetura clássica mundial e da arquitetura russa antiga.

Bering Vitus Jonassen (Ivan Ivanovich)(1681-1741) - navegador, capitão-comandante da frota russa (1730). Líder da 1ª (1725–1730) e 2ª (1733–1741) expedições Kamchatka. Ele passou entre a Península de Chukchi e o Alasca (o estreito entre eles agora leva seu nome), alcançou a América do Norte e descobriu várias ilhas na cordilheira das Aleutas. Um mar, um estreito e uma ilha no Oceano Pacífico Norte recebem o nome de Bering.

Borovikovsky Vladimir Lukich(1757-1825) - pintor de retratos russo. Suas obras são caracterizadas por características de sentimentalismo, uma combinação de sutileza decorativa e graça de ritmos com uma verdadeira transferência de caráter (retrato de M. I. Lopukhina e outros).

Volkov Fedor Grigorievich(1729-1763) - ator russo e figura teatral. Em 1750, ele organizou uma trupe amadora em Yaroslavl (atores - I. A. Dmitrevsky, Ya. D. Shumsky), com base na qual em 1756 o primeiro teatro público russo profissional permanente foi criado em São Petersburgo. Ele próprio tocou em várias tragédias de Sumarokov.

Derzhavin Gavrila Romanovich (1743-1816) - poeta russo. Representante do classicismo russo. O autor de odes solenes imbuídos da ideia de um forte estado russo, incluindo sátiras aos nobres, paisagens e esboços domésticos, reflexões filosóficas - "Felitsa", "Velmozha", "Cachoeira". Autor de muitos poemas líricos.

Kazakov Matvei Fyodorovich(1738-1812) - um notável arquiteto russo, um dos fundadores do classicismo russo. Em Moscou, desenvolveu tipos de edifícios residenciais urbanos e edifícios públicos que organizam grandes espaços urbanos: o Senado no Kremlin (1776-1787); Universidade de Moscou (1786–1793); Hospital Golitsynskaya (1º Gradskaya) (1796–1801); casa-propriedade de Demidov (1779-1791); Palácio Petrovsky (1775-1782), etc. Ele mostrou um talento especial em design de interiores (o prédio da Assembleia da Nobreza em Moscou). Supervisionou a elaboração do plano diretor de Moscou. Criou uma escola de arquitetura.

Kantemir Antioch Dmitrievich(1708-1744) - poeta russo, diplomata. Educador racionalista. Um dos fundadores do classicismo russo no gênero da sátira poética.

Quarenghi Giacomo(1744-1817) - Arquiteto russo de origem italiana, representante do classicismo. Ele trabalhou na Rússia a partir de 1780. O pavilhão “ Teatro"(1786) e o Alexander Palace (1792-1800) em Tsarskoye Selo, o Assignment Bank (1783-1790), o Hermitage Theatre (1783-1787), o Smolny Institute (1806-1808) em São Petersburgo.

Krasheninnikov Stepan Petrovich(1711-1755) - viajante russo, explorador de Kamchatka, acadêmico da Academia de Ciências de São Petersburgo (1750). Membro da 2ª expedição Kamchatka (1733-1743). Compilou a primeira "Descrição da terra de Kamchatka" (1756).

Kulibin Ivan Petrovich(1735-1818) - um excelente mecânico autodidata russo. Autor de muitos mecanismos únicos. Vidro de polimento melhorado para instrumentos ópticos. Ele desenvolveu um projeto e construiu um modelo de uma ponte de arco único sobre o rio. Neva com um vão de 298 m. Ele criou um protótipo de um holofote ("lâmpada de espelho"), um telégrafo semáforo, um elevador palaciano, etc.

Laptev Khariton Prokofievich(1700-1763) - capitão do 1º escalão. Pesquisado em 1739-1742. costa do rio Lena para o rio. Khatanga e a Península de Taimyr.

Levitsky Dmitry Grigorievich(1735-1822) - pintor russo. Em retratos cerimoniais de composição espetacular, a solenidade é combinada com a vitalidade das imagens, riqueza colorida ("Kokorinov", 1769–1770; uma série de retratos de alunos do Instituto Smolny, 1773–1776); retratos íntimos são profundamente individuais em suas características, contidos em cores (“M. A. Dyakova”, 1778). EM período tardio tomou parcialmente a influência do classicismo (retrato de Catarina II, 1783).

Lomonosov Mikhail Vasilievich(1711-1765) - o primeiro cientista-enciclopedista russo de classe mundial, poeta. O fundador da língua literária russa moderna. Artista. Historiador. Figura da educação pública e da ciência. Ele estudou na Academia Eslava-Greco-Latina em Moscou (desde 1731), na Universidade Acadêmica de São Petersburgo (desde 1735), na Alemanha (1736-1741), desde 1742. - adjunto, desde 1745 - o primeiro acadêmico russo da Academia de Ciências de São Petersburgo. Membro da Academia de Artes (1763).

Maikov Vasily Ivanovich(1728-1778) - poeta russo. Autor dos poemas The Ombre Player (1763), Elisha, or the Irrited Bacchus (1771), Prayerful Fables (1766–1767).

Polzunov Ivan Ivanovich (1728-1766) - engenheiro de aquecimento russo, um dos inventores do motor térmico. Em 1763, desenvolveu um projeto para uma máquina a vapor universal. Em 1765, ele criou a primeira usina de vapor e calor na Rússia para as necessidades da fábrica, que funcionou por 43 dias. Morreu antes de seu teste.

Popovsky Nikolai Nikitich(1730-1760) - Educador, filósofo e poeta russo. Professor da Universidade de Moscou (desde 1755). Um defensor e um dos ideólogos do absolutismo esclarecido.

Rastrelli Bartolomeo Carlo(1675-1744) - escultor. Italiano. desde 1716 - no serviço em São Petersburgo, Suas obras são caracterizadas pelo esplendor e esplendor barroco, pela capacidade de transmitir a textura do material representado ("Imperatriz Anna Ioannovna com uma criança negra", 1733-1741).

Rastrelli Varfolomey Varfolomeevich(1700-1771) - um notável arquiteto russo, representante do barroco. Filho de B. K. Rastrelli. Suas obras são caracterizadas por um alcance espacial grandioso, clareza de volumes, rigor de planos retilíneos, combinados com plasticidade de massas, riqueza de decoração escultórica e cor, ornamentação caprichosa. As maiores obras são o Mosteiro Smolny (1748–1754) e o Palácio de Inverno (1754–1762) em São Petersburgo, grande Palácio em Peterhof (1747–1752), o Palácio de Catarina em Tsarskoye Selo (1752–1757).

Rokotov Fedor Stepanovich(1735-1808) - pintor russo. Fino na pintura, profundo retratos poéticos imbuído da consciência da beleza espiritual e física de uma pessoa (“Desconhecido em um vestido rosa”, 1775; “VE Novosiltsova”, 1780, etc.).

Sumarokov Alexander Petrovich(1717-1777) - escritor russo, um dos representantes proeminentes do classicismo. Nas tragédias "Khorev" (1747), "Sinav e Truvor" (1750) e outras, ele levantou o problema do dever cívico. Autor de muitas comédias, fábulas, canções líricas.

Tatishchev Vasily Nikitich(1686-1750) - historiador russo, estadista. Gerenciou fábricas estatais nos Urais, foi o governador de Astrakhan. Autor de várias obras sobre etnografia, história, geografia. A maior e mais famosa obra é “História Russa desde os tempos antigos”.

Trediakovsky Vasily Kirillovich(1703-1768) - poeta russo, filólogo, acadêmico da Academia de Ciências de São Petersburgo (1745-1759). Na obra "Uma nova e breve maneira de compor poesia russa" (1735), ele formulou os princípios da versificação sílabo-tônica russa. O poema "Tilemakhida" (1766).

Trezzini Domenico(1670-1734) - arquiteto russo, representante do início do barroco. Suíço por nacionalidade. Na Rússia desde 1703 (convidado a participar da construção de São Petersburgo). Ele construiu o palácio de verão de Pedro I (1710-1714), a Catedral de St. Pedro e Paulo na Fortaleza de Pedro e Paulo (1712–1733), a construção de 12 colégios (1722–1734) em São Petersburgo.

Felten Yuri Matveevich(1730-1801) - arquiteto russo, representante do classicismo inicial. Autor do Old Hermitage (1771–1787), cercas do Jardim de Verão (1771–1784) em São Petersburgo. Participou da construção dos aterros de granito do Neva (desde 1769).

Kheraskov Mikhail Matveevich(1733-1807) - escritor russo. Autor do famoso poema épico "Rossiyada" (1779), escrito no espírito do classicismo.

Shelikhov (Shelekhov) Grigory Ivanovich(1747-1795) - comerciante russo, pioneiro. Em 1775, criou uma empresa de peles e comércio de peles em ilhas do norte Oceano Pacífico e Alasca. Ele fundou os primeiros assentamentos russos na América russa. Realizou pesquisas geográficas significativas. Com base na empresa criada por Shelikhov, a Russian-American Company foi formada em 1799.

Shubin Fedot Ivanovich(1740-1805) - um excelente escultor russo. representante do classicismo. Ele criou uma galeria de retratos esculturais psicologicamente expressivos (bustos de A. M. Golitsyn, 1775; M. R. Panina, 1775; I. G. Orlova, 1778; M. V. Lomonosov, 1792, etc.).

Yakhontov Nikolai Pavlovich(1764-1840) - Compositor russo. O autor de uma das primeiras óperas russas "Sylph, ou o sonho de uma jovem".

    arte russa do primeiro tempo XIX século. Surgimento nacional associado à Guerra Patriótica de 1812. Guerra e levante dezembrista na cultura russa no primeiro terço do século. Contradições agudas do tempo nos anos 40. Motivos românticos na literatura e na arte, o que é natural para a Rússia, que está envolvida no processo cultural pan-europeu há mais de um século. O caminho do classicismo ao realismo crítico através do romantismo.

    O papel social acrescido do artista, a importância da sua personalidade, o direito à liberdade de criação, em que se colocam cada vez mais problemas sociais e morais; a criação de sociedades de arte e revistas especiais (“Sociedade Livre de Amantes da Literatura, Ciências e Artes”, “Jornal de Belas Artes”, “Sociedade para o Incentivo de Artistas”, “Museu Russo”, “Galeria Russa”), provinciais escolas de arte.O estilo dominante desta época é o classicismo maduro, ou alto, (Império Russo).

    A arquitetura do primeiro terço do século é a solução de grandes problemas urbanos. Em São Petersburgo, está sendo concluído o layout das principais praças da capital: o Palácio e o Senado. Moscou foi construída de forma especialmente intensa após o incêndio de 1812. A antiguidade em sua versão grega (e até arcaica) torna-se o ideal. A ordem dórica (ou toscana) é usada, severa e concisa. Um grande papel na aparência geral do edifício é desempenhado pela escultura, que tem um certo significado semântico. A cor decide muito, geralmente a arquitetura do alto classicismo é bicolor: colunas e estátuas de estuque são brancas, o fundo é amarelo ou brincos. Entre os edifícios, o lugar principal é ocupado por edifícios públicos: teatros, departamentos, instituições de ensino, palácios e templos são construídos com muito menos frequência.

    A. Voronikhin - o maior arquiteto da época (Catedral de Kazan). A.Zakharov desde 1805 - "o arquiteto-chefe do Almirantado" (o Almirantado como o conjunto principal de São Petersburgo). C. Rossi - o principal arquiteto de Petersburgo do primeiro terço do século XIX. (“Império Russo”), “pensar em conjunto”: um palácio ou teatro transformado em centro urbanístico a partir de praças e novas ruas (Palácio Mikhailovsky, agora Museu Russo; edifício Teatro de Alexandria; Edifício do Senado na famosa Praça do Senado). "O mais rigoroso" de todos os arquitetos do classicismo tardio V. Staso V(Quartel Pavlovsky no Campo de Marte, o "Departamento Estável" no aterro Moika, a catedral regimental do regimento Izmailovsky, os portões triunfais de Narva e Moscou, interiores Palácio de inverno depois do incêndio), que por toda a parte acentua a massa, o seu peso plástico, a estática, a imponência e o peso. A Catedral de Santo Isaac em São Petersburgo (O.Montferrand) é um dos últimos monumentos de destaque da arquitetura religiosa na Europa do século XIX, que uniu melhores forças arquitetos, escultores, pintores, pedreiros e fundidores, um exemplo de classicismo perdendo sua harmonia, ponderação, complicação.

    A conexão entre a escultura da primeira metade do século e o desenvolvimento da arquitetura: as estátuas de Barclay de Tolly e Kutuzov na Catedral de Kazan (B. Orlovsky), que deram aos símbolos da resistência heróica uma bela moldura arquitetônica. (“Guy Playing Money” de N. Pimenov, “Guy Playing Pile” de A. Loganovsky). a outra revela um desejo de reflexão mais direta e multilateral da realidade, difunde-se na segunda metade do século, mas ambas as direções vão perdendo gradualmente as características do estilo monumental.

    Verdadeiros sucessos da pintura no romantismo. No gênero retrato, o lugar principal é ocupado por O. Kiprensky (a pintura "Dmitry Donskoy na vitória sobre Mamai", que deu direito a uma viagem de aposentado ao exterior; retratos de E. Rostopchin, D. Khvostov, o menino Chelishchev, Coronel da Vida Hussardos E. Davydov - uma imagem coletiva de o herói da guerra de 1812).

    O romantismo encontra sua expressão na paisagem. S. Shchedrin ("Vista de Nápoles em uma noite de luar") foi o primeiro a abrir a pintura ao ar livre para a Rússia: pintou esboços ao ar livre e completou o quadro ("decorado") no estúdio. EM trabalhos recentes O interesse de Shchedrin pelos efeitos do claro-escuro tornou-se cada vez mais distinto. Como o pintor de retratos Kiprensky e o pintor de batalha Orlovsky, o pintor de paisagens Shchedrin costumava pintar cenas de gênero.

    Refração do gênero cotidiano em retratos V. Tropinina (retrato de seu filho Arseny, retrato de Bulakhov), um artista que foi libertado da servidão apenas aos 45 anos. Os melhores retratos de Tropinin são marcados por alta perfeição artística, sinceridade de imagens, vivacidade e imediatismo, que são enfatizados por uma iluminação habilidosa.

    Tropinin apenas introduziu um elemento de gênero no retrato. "Pai do gênero doméstico russo" - A. Venetsianov (“Ceifeiras”, “Primavera. Em terras aráveis”, “Camponesa com centáureas”, “Manhã do latifundiário”), que combinou em sua obra elementos de classicismo, romantismo, sentimentalismo e naturalismo, ou seja, de todos os movimentos artísticos “vivos” do início do século 19. Ele não revelou os choques agudos da vida de um camponês, não levantou as “questões doentias” de nosso tempo. Pintou um modo de vida patriarcal, mas não introduziu nele a poesia de fora, não o inventou, mas tirou-o da própria vida das pessoas.

    O desenvolvimento da pintura histórica russa nas décadas de 1930 e 1940 sob o signo do romantismo. "O gênio do compromisso" entre os ideais do classicismo e as inovações do romantismo - K. Bryullov (“Narciso” é um esboço que virou pintura; “O Último Dia de Pompéia” é a principal obra do artista, mostrando a grandeza e a dignidade de uma pessoa diante da morte). meados do século é A. Ivanov (a pintura “A Aparição de Cristo ao Povo”, que refletia a fé apaixonada do artista na transformação moral das pessoas, na perfeição de quem busca a liberdade e a verdade).

    As principais fontes da pintura de gênero da segunda metade do século encontram-se na obra de P. Fedotova , que conseguiu expressar o espírito da Rússia nos anos 40. O caminho da simples escrita cotidiana à implementação nas imagens dos problemas da vida russa: "Major's matchmaking" (expondo os casamentos de nobres empobrecidos com "bolsas de dinheiro" mercantes) , "The Picky Bride" (uma sátira ao casamento de conveniência), "Café da manhã de um aristocrata" (denúncia do vazio de um cara secular jogando poeira nos olhos), "Âncora, mais âncora!" (uma sensação trágica da falta de sentido da existência), "The Fresh Cavalier" ... A arte de Fedotov completa o desenvolvimento da pintura na primeira metade do século XIX. e abre uma nova etapa - a arte do realismo crítico (democrático).

    arte russa do segundo tempo XIX século . A escultura e a arquitetura desenvolveram-se menos rapidamente durante esse período. Os meios de expressão artística do classicismo contradizem as tarefas colocadas pela arquitetura da segunda metade do século XIX. O historicismo (estilização retrospectiva, ecletismo) como reação à canonicidade do estilo clássico. Os novos tipos de edifícios do período do capitalismo exigiam novas e diversas soluções composicionais, que os arquitetos passaram a buscar nas formas decorativas do passado, utilizando motivos góticos, renascentistas, barrocos e rococós.

    Década de 1840: fascínio pelo Renascimento, Barroco, Rococó. No espírito do neobarroco e do neorrenascimento, alguns interiores, o Palácio Nikolaevsky, são executados. Nas décadas de 1970 e 1980, as tradições clássicas na arquitetura desapareceram. A introdução de revestimentos metálicos, estruturas metálicas, deu vida a uma arquitetura racional com seus novos conceitos funcionais e construtivos. Agilidade técnica e funcional na construção de novos tipos de edifícios: industriais e administrativos, estações, passagens, mercados, hospitais, bancos, pontes, teatros e instalações de entretenimento.

    A crise do monumentalismo também afetou o desenvolvimento da escultura monumental. Os monumentos tornam-se muito patéticos, fracionários em silhueta, detalhados (o monumento a Catarina II em São Petersburgo) ou câmara em espírito (o monumento a Pushkin em Moscou) Na segunda metade do século XIX. a escultura de cavalete desenvolve, principalmente gênero, narrativa, parece uma pintura de gênero traduzida em escultura (M. Chizhov "Um camponês em apuros", V. Beklemishev "Village Love"). O gênero animalesco está se desenvolvendo (E. Lansere e A. Aubert), que desempenhou um grande papel no desenvolvimento da escultura realista russa de pequenas formas.

    Na segunda metade do século XIX, uma atitude crítica perante a realidade, posições cívicas e morais pronunciadas e uma aguda orientação social caracterizavam também a pintura, na qual se formava um novo sistema de visão artística, expresso no realismo crítico. estreita ligação entre a pintura e a literatura. Artistas como ilustradores, intérpretes diretos de problemas sociais agudos da sociedade russa.

    A alma de uma direção crítica na pintura V. Perov , que pegou a maleta de Fedotov e conseguiu mostrar de forma simples e penetrante os lados da vida cotidiana simples: a aparência feia do clero ("Procissão Rural na Páscoa"), a vida sem esperança dos camponeses russos ("Vendo os Mortos"), o vida dos pobres urbanos (“Troika”) e da intelligentsia (“A Chegada da Governanta à Casa do Mercador”).

    A luta pelo direito da arte de se transformar em vida real e real na Academia de Artes de São Petersburgo ("revolta de 14"). A associação de graduados da Academia que se recusaram a escrever uma imagem programática sobre um tema do épico escandinavo (existem tantos problemas modernos por aí!), Associação de Exposições de Arte Itinerantes (1870-1923). Essas exposições foram chamadas de móveis porque foram organizadas em São Petersburgo, Moscou, províncias ("indo para o povo")... Cada exposição dos "Wanderers" é como um grande evento. O programa ideológico da Parceria: uma reflexão da vida com todos os seus problemas sociais agudos, em toda a sua actualidade. A arte dos Andarilhos como expressão das ideias democráticas revolucionárias na cultura artística da segunda metade do século XIX. A parceria foi criado por iniciativa de Myasoedov, apoiado por Perov, Ge, Kramskoy, Savrasov, Shishkin , irmãos Makovsky. Mais tarde, juntaram-se a eles jovens artistas; Repin, Surikov, Vasnetsov, Yaroshenko. Serov, Levitan, Polenov participam de exposições desde meados dos anos 80. O líder e teórico dos Wanderers I. Kramskoy.

    Gênero de batalha nos anos 70-80. V. Vereshchagin (“A Apoteose da Guerra”) como sendo próximo dos Wanderers (organizacionalmente, ele não pertencia a eles). Ele organizou suas exposições em diferentes partes do mundo e realizou a ideia de vagar muito.

    Democracia no gênero da paisagem. Um pouco espetacular da paisagem externa da Rússia Central, a dura natureza do norte como o tema principal dos pintores. A.Savrasov (“Rooks Have Arrived”, “Rye”, “Country Road”) - “o rei do ar”, que soube encontrar no mais simples aquelas características profundamente pungentes, muitas vezes tristes, que tanto se fazem sentir na paisagem nativa e tão irresistivelmente afetam a alma.... Outro conceito de paisagem na arte F. Vasilyeva (“After the Rain”, “Thaw”, “Wet Meadow”) - um “menino brilhante” que descobriu o “céu vivo” para a pintura de paisagem, mostrando com o seu destino “mozartiano” que a vida não se conta pelos anos vividos, mas para quão pronto cara veja, criar, amar e admirar. V. Polenov (“Moscow Yard”, “Cristo e o Pecador”) tratou muito de gêneros domésticos e históricos, nos quais a paisagem desempenhou um papel importante. Polenov é um verdadeiro reformador da pintura russa, que a desenvolveu no caminho do plein airism. Sua compreensão do esboço como uma obra de arte independente teve grande influência sobre os pintores da época subsequente. I. Levitan como sucessor das tradições de Savrasov e Vasilyev ("Birch Grove", "Evening Ringing", "At the Pool", "March", "Golden Autumn"), "um talento enorme, original e original", "o melhor pintor paisagista russo”.

    O auge do realismo democrático na pintura russa da segunda metade do século XIX. considerou corretamente o trabalho de Repin e Surikov, que cada um à sua maneira criou uma imagem heróica monumental do povo. I. Repin (“Barcaças no Volga”, “Procissão Religiosa em província de Kursk», « A prisão do propagandista”, “Recusa de confissão”, “Eles não esperavam”) - “um grande realista”, que trabalhou em vários gêneros, do folclore ao retrato, que conseguiu expressar as características nacionais da vida russa de forma mais brilhante do que outros pintores . Dele mundo da arte todo, porque é "translúcido" com um pensamento, um amor - amor pela Rússia. Na criatividade V. Surikov (“Manhã da Execução de Streltsy”, “Menshikov em Berezov”, “Boyar Morozova”, “A Conquista da Sibéria por Ermak”, “A Captura da Cidade da Neve”), a pintura histórica encontrou seu próprio compreensão moderna. Surikov, como "testemunha do passado", conseguiu mostrar "as coisas terríveis do passado, apresentadas em suas imagens à humanidade a alma heróica de seu povo". o século 19. outros artistas também trabalharam. na criatividade V.Vasnetsova conto de fadas, folclore ou imagem lendária prevalece ("Alyonushka", "O Cavaleiro na Encruzilhada", "Bogatyrs").

    arte russa do fim XIX -começo XX século . Com a crise do movimento populista na década de 1990, o “método analítico do realismo oitocentista” tornou-se obsoleto. O declínio criativo dos Wanderers, que entraram no "pequeno assunto" de uma divertida imagem de gênero. As tradições de Perov foram preservadas na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou. Todos os tipos de arte - pintura, teatro, música, arquitetura - representam a renovação da linguagem artística, de alto profissionalismo.

    Para os pintores da virada do século, são características outras formas de expressão que não as dos Andarilhos, outras formas de criatividade artística - em imagens que são contraditórias, complicadas e refletem a modernidade sem caráter ilustrativo e narrativo. Os artistas buscam dolorosamente a harmonia e a beleza em um mundo que é fundamentalmente estranho tanto à harmonia quanto à beleza. É por isso que muitos viram sua missão em cultivar um senso de beleza. Esta época de “vésperas”, a expectativa de mudanças na vida pública, deu origem a muitos movimentos, associações, agrupamentos.

    O papel dos artistas associativos "Mundo da Arte" na popularização da arte doméstica e da Europa Ocidental. "Mundo da Arte" (Benoit, Somov, Bakst, Lansere, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, Korovin, Levitan, Nesterov, Bilibin, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin) contribuiu para a consolidação de forças artísticas, a criação da "União dos Artistas Russos ". Significado para a formação da unificação da personalidade de Diaghilev, patrono, organizador de exposições, empresário do balé russo e turnês de ópera no exterior ("Estações Russas"). As principais disposições do "Mundo da Arte": a autonomia da arte, os problemas da forma de arte, a principal tarefa da arte é a educação dos gostos estéticos da sociedade russa por meio do conhecimento de obras de arte mundiais.

    O nascimento do estilo Art Nouveau, que afetou todas as artes plásticas, da arquitetura ao grafismo, não é um fenômeno inequívoco, também contém pretensão decadente, pretensão, pensada para gostos burgueses, mas também há um desejo de unidade de estilo que é significativa em si. Características da Art Nouveau: na escultura - a fluidez das formas, a expressividade especial da silhueta, o dinamismo da composição; na pintura - o simbolismo das imagens, vício em alegorias.

    O surgimento da Art Nouveau não significou o colapso das ideias de errância, que se desenvolve de forma diferente: o tema camponês se revela de uma nova forma (S. Korovin, A. Arkhipov). Antiga Rus' desenha M. Nesterov , mas a imagem de Rus' aparece em suas pinturas como um mundo ideal, encantado, em harmonia com a natureza, mas desapareceu como a lendária cidade de Kitezh (“Visão ao jovem Bartolomeu”).

    Outra visão do mundo K. Korovina , que cedo começou a escrever ao ar livre.As suas paisagens francesas (“Luzes parisienses”) são já escritas bastante impressionistas. Impressões nítidas e instantâneas da vida na cidade grande: ruas tranquilas em tempo diferente dias, objetos dissolvidos no meio luz-ar - características que lembram as paisagens de Manet, Pissarro. Estudo impressionista, maestria pictórica, arte preserva Korovin no retrato e natureza morta, em painéis decorativos, em cenários teatrais.

    Inovador da pintura russa na virada do século V. Serov (“A Menina com Pêssegos”, “A Menina Iluminada pelo Sol”) é uma etapa inteira da pintura russa. Retrato, paisagem, natureza morta, pintura doméstica, histórica; óleo, guache, têmpera, carvão - é difícil encontrar gêneros nos quais Serov não funcionaria. Um tema especial em sua obra é o camponês, no qual não há nitidez social itinerante, mas há um senso de beleza e harmonia de vida camponesa, admiração pela beleza saudável do povo russo.

    "Arauto de outros mundos" M. Vrubel , que causou perplexidade como pessoa e indignação como artista (“Pan”, “The Swan Princess”, “ Demônio sentado"," Cartomante", "Lilás"). O primeiro simbolista (?), "universal na arte", cuja busca se compara com o método de Leonardo da Vinci, Vrubel muito rapidamente "cai" da pintura "tradicional", impressiona com um original, cheio de mistério e quase poder demoníaco na forma de pintar, que se revelou profético para os novos rumos artísticos do século XX...

    "Miriskussnik" N. Roerich . Conhecedor da filosofia e etnografia do Oriente, o arqueólogo-cientista Roerich tinha em comum com o "Mundo da Arte" o amor pela retrospecção, pela antiguidade pagã eslava e escandinava ("Mensageiro", "Os Anciãos Convergem", "Sinistro" ). Roerich estava mais intimamente associado à filosofia e estética do simbolismo russo, mas sua arte não se encaixava na estrutura das tendências existentes, porque, de acordo com a visão de mundo do artista, ele atraiu toda a humanidade com um apelo união amigável todos os povos. Mais tarde, os temas históricos dão lugar a lendas religiosas ("Batalha Celestial"). Seu painel decorativo "A Batalha de Kerzhents" foi exibido durante a execução de um fragmento de mesmo nome da ópera de Rimsky-Korsakov "A Lenda da Cidade Invisível de Kitezh e a Donzela Fevronia" nas "Estações Russas" parisienses.

    Na segunda geração do "Mundo da Arte" um dos artistas mais talentosos foi B. Kustodiev , aluno de Repin, que se caracteriza pela estilização, mas esta é uma estilização de uma estampa popular popular (“Feiras”, “Entrudo”, “Balagany”, “Comerciante para o chá”).

    1903, a formação da associação "União dos Artistas Russos" , que inclui figuras do "Mundo da Arte" - Benois, Bakst, Somov, Dobuzhinsky, Serov, e os participantes das primeiras exposições foram Vrubel, Borisov-Musatov. Os iniciadores da criação da associação foram artistas de Moscou associados a " o mundo da arte”, mas sobrecarregado pela estética programática dos petersburguenses. K. Korovin foi considerado o líder da "União".

    1910, criação da associação "Vale de Ouros" (P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov R. Falk, M. Larionov), que se manifestou contra a imprecisão, intraduzibilidade, nuances da linguagem simbólica da "Rosa Azul" e o estilismo estético do "Mundo de Arte". "Knaves of Diamonds" professou uma construção clara da imagem, enfatizou a objetividade da forma, intensidade, cores cheias de som. Natureza morta como um gênero favorito de "jacks".

    Criatividade "solitária e única" P.Filonova , que estabeleceu o objetivo de compreender a metafísica do universo por meio da pintura, criando formas cristalinas como os elementos primários do universo ("Festa dos Reis", "Sagrada Família"). Vitalidade das tradições nacionais, grande antigo russo pintura na criatividade K. Petrova-Vodkina , um artista-pensador (“Banhando o Cavalo Vermelho” como metáfora pictórica, “Garotas no Volga” - uma orientação para as tradições da arte russa).

    A era do capitalismo industrial altamente desenvolvido e as mudanças na arquitetura da cidade. Novos tipos de edifícios: fábricas, estações, lojas, bancos, cinemas. Novos materiais de construção - betão armado e estruturas metálicas, que permitem cobrir espaços gigantescos, fazendo enormes montras.

    A arte dos anos pré-revolucionários na Rússia é marcada pela incomum complexidade e inconsistência das buscas artísticas, daí os agrupamentos se substituindo por suas próprias configurações de programa e simpatias estilísticas. Mas junto com os experimentadores no campo das formas abstratas na arte russa da época, o "Mundo da Arte" e os "Portadores Azuis", "aliados", "Valetes de Diamantes", artistas da tendência neoclássica continuaram a trabalhar simultaneamente .

Populares na categoria:
Minha imigração para o Uruguai e a vida em Montevidéu: Imigração com filhos para o Uruguai - Educação e escolas públicas no Uruguai Todas as manhãs
Minha imigração para o Uruguai e a vida em Montevidéu: Imigração com filhos...
ler
A psicologia de ignorar
A psicologia de ignorar
ler
É possível alcançar o sucesso sem educação?
É possível alcançar o sucesso sem educação?
ler
Em que fase da gravidez a mama incha?
Em que fase da gravidez a mama incha?
ler

Artigos Mais Recentes
Legislação sobre a média universal...
ler
Discurso da equipe de propaganda "Estamos juntos"
ler
Como voltar ao sexo após o parto
ler
Projeto de uma cozinha em estilo marinho e as cores do mar...
ler
Livrar-se da cueca: como andar no verão sem...
ler
Estudo, lições. Língua alemã online....
ler
Declinação de pronomes possessivos...
ler
Conjugação do verbo avoir pelos tempos verbais...
ler
Principal