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Vida pessoal de Eric Bulatov. Qual é o quê? Sobre as pinturas do artista Erik Bulatov de diferentes épocas

Eric Bulatov. Quicar. 1994

Ele é o único artista russo cujas obras também foram expostas no Louvre, em Centro Nacional arte e cultura com o nome de Pompidou, e no Museu arte contemporânea Paris. Em 1988, Eric Bulatov foi reconhecido pela UNESCO melhor artista Do ano. O mestre diz que se refere a esse estado de coisas não sem ironia, entretanto, continua sendo autor de pinturas que sempre fazem sucesso nos principais leilões.

Eric Vladimirovich Bulatov é um dos mais famosos artistas de vanguarda russos. Ele é considerado um dos fundadores da chamada Arte Sots. Nasceu em Sverdlovsk em 1933. Formou-se no Instituto de Arte em homenagem a V.I. Surikov.

Eric Bulatov. Louvre. Gioconda. 2006

As pinturas de Bulatov são reconhecíveis em todo o mundo. Isto é devido à técnica única. Arte dos Sots ou pop art em russo. Suas pinturas estão sempre saturadas de simbolismo, que de forma criptografada apresenta ao espectador suas observações sobre o absurdo da realidade soviética, que está à beira de uma virada correndo de um lado para o outro, procurando uma saída, mas por aí são apenas becos sem saída, ao redor existem apenas funcionários com sua total arbitrariedade e a onipresente indústria do Ocidente, que é poderosa perfura a casca enfraquecida da cultura do povo soviético como uma cunha.

Muitas vezes, essas são as palavras e frases dos cartazes soviéticos da época tiradas de contexto, sobrepostas à própria pintura, confirmando, autodepreciando ou complementando umas às outras. Tudo isso, como insatisfação com a realidade, como zombaria, protesto e clima revolucionário, se reflete na arte de Eric Bulatov.

Eric Bulatov. Horizonte. 1971-1972

Nesse sentido, o artista revelou-se um verdadeiro talento. Não são muitos os artistas em nosso país que, no campo da vanguarda, conseguiram ganhar tanta popularidade em todo o mundo. A questão aqui não é nem mesmo os sentimentos antissoviéticos em alguns países do mundo, que encontram apoio em suas pinturas, mas o próprio talento do autor, sua abordagem da pintura, do simbolismo, de um novo gênero que ele alimentou e colocou em seus pés.

E. Bulatov começou a fazer as primeiras inserções em 1957. Em seguida, as exposições eram realizadas exclusivamente na Rússia, que, no entanto, eram bastante procuradas pelo fato de a sociedade, nas palavras de Viktor Tsoi, “esperar por mudanças”. A partir de 1973, o artista passou a expor no exterior. Desde 1992 vive em Paris. Considerado um dos artistas russos mais caros. Sua obra "Soviet Space" foi vendida por 1,6 milhão de dólares em um leilão da Philips.

Eric Bulatov. Rua Krasikov. 1977

"Eu queria mostrar vida soviética do jeito que é, sem expressar qualquer relação com ele. Não houve protesto óbvio em minha pintura, não tive vontade de convencer o espectador de algo: olha que horror! Não fui um herói da luta social como Oscar Rabin. Minha tarefa era fundamentalmente diferente: eu queria que o espectador visse sua vida como ela é, mas como se fosse de fora."

"Eu queria criar uma distância entre essa realidade e a consciência do espectador. Para isso servia a fotografia, funcionando como uma distância, como uma instância de um olhar distante. Construí uma obra de arte como uma instância entre a realidade e a consciência ... Isso é o que era importante para mim. Fazer o espectador pensar: então ela é o que é a minha vida... Para que ele percebesse minhas pinturas não como uma lição, mas também fizesse uma descoberta ele mesmo.

Eric Bulatov. Eu queria que fosse leve, mas não funcionou. 2002

Eric Bulatov. toda esta primavera. 1998

Eric Bulatov. Foto para memoria

Margarida Rismondo. Boulevard Raspail

firmamento

paisagem de outono

"Brezhnev. espaço soviético "(1977)

russo do século 20

Glória ao PCUS

Característico e reconhecível método criativo Bulatov é a colisão do texto do pôster, arrancado do contexto da realidade soviética, com o componente figurativo (na maioria das vezes paisagem, emprestado da imprensa de massa). Como resultado, o artista consegue de forma extremamente acessível ilustrar o absurdo da realidade, supersaturado com os símbolos da propaganda soviética.

Além das obras do tema Sots Art, mesmo em suas trabalhos iniciais Bulatov desenvolveu uma teoria da interação da imagem e do espaço. Nessas suas obras, a influência de Falk é perceptível. Uma etapa forte e original de sua obra, inestimável no contexto da história da arte.

As obras de Bulatov são regularmente exibidas em leilões de arte contemporânea. Assim, no leilão da Philips, a obra “Espaço Soviético” saiu por cerca de $ 1,6 milhão, mais duas telas sobre o tema soviético, incluindo “Revolução - Perestroika”, foram vendidas por um milhão de dólares cada, o que fez de Bulatov um dos mais caros artistas russos contemporâneos.

Eric Bulatov "Liberte" 1992 - esta foto apareceu no cartaz da exposição "Counterpoint"

Em 14 de outubro de 2010, a exposição "Contraponto: Arte Contemporânea Russa" foi inaugurada no Louvre. A exposição apresenta obras de mais de vinte artistas. Estes são Erik Bulatov, Emilia e Ilya Kabakov, Vitaly Komar e Alexander Melamid, Valery Koshlyakov, Alexei Kallima, Vladimir Dubossarsky e Alexander Vinogradov, Andrey Monastyrsky, Vadim Zakharov, Yuri Leiderman, Yuri Albert, Avdey Ter-Oganyan, os Narizes Azuis e AES + F e outros. Na véspera do dia de abertura, Yury Kovalenko, correspondente do Izvestia na França, conheceu o acadêmico Eric Bulatov em seu estúdio em Paris.

Izvestia: Nenhum dos artistas russos expôs no Louvre durante sua vida. Sim, e mestres ocidentais que receberam tal honra, uma ou duas vezes, e contados. Em uma palavra, entrar no Louvre é legal!

erik bulatov: De fato, o Louvre parece para todos nós algo inatingível. Mas a nossa exposição decorrerá, por assim dizer, nas caves - no Louvre medieval, onde foram escavadas as fundações das paredes e torres do palácio. Este local para a exposição é absolutamente inadequado. Lá, exceto que você pode fazer instalações ou mostrar um vídeo. Uma verdadeira exposição que falaria de Estado da arte de nossa arte - especialmente no Ano da Rússia na França, deveria ter sido organizado em outro lugar. Por exemplo, no Centro Nacional de Artes e Cultura Georges Pompidou.

e: Então, você está ofendido?

Bulatov: Não estou ofendido, mas só não quero que haja euforia, entusiasmo imoderado: "Ah, o Louvre, o Louvre!" Mas seja como for, para nós, russos, o Louvre é um lugar sagrado ao qual nos juntamos. Deixe em algum lugar no canto, no crack.

e: A realização de "Contraponto" significa o reconhecimento da nossa arte contemporânea? Ou é apenas um dos eventos no âmbito do Ano da Cruz da Rússia e da França?

Bulatov: Eu me faço esta pergunta. Há sinais de ambos. Por um lado, há muito existe no Ocidente a crença de que a arte russa, além dos artistas de vanguarda da década de 1920, simplesmente não existe. Tudo o mais - antes e depois - é provinciano e secundário. Claro, três ou quatro de nossos artistas foram reconhecidos, mas seu sucesso permaneceu pessoal e não foi transferido para arte russa de forma alguma. Por outro lado, existe - ainda que muito lentamente - o processo de consolidação da arte russa como um todo.

e: Até que ponto a atual exposição no Louvre reflete a arte russa contemporânea?

bulatov: Baseia-se principalmente no conceitualismo - uma direção que será apresentada de forma bastante convincente no Louvre. Mas esta não é toda a nossa arte. Acontece que não é uma imagem objetiva, mas algum fragmento. Muitos artistas que me parecem muito importantes estão ausentes desta exposição. Acho que, por exemplo, Oscar Rabin deveria ter sido convidado.

e: O público está preparado para surpresas. No dia do vernissage do Louvre, o artista Yuri Leiderman organiza sua performance: duas mulheres em russo trajes nacionais cem cabeças de repolho são desfiadas diante dos olhos dos espectadores. Por sua vez, seu colega Yuri Albert conduzirá o público pelo Louvre com os olhos vendados...

bulatov: Este é o nosso conceitualismo.

e: Seu quadro "Liberte" está reproduzido no cartaz da exposição - lista de chamada de pintura famosa Delacroix "Liberdade nas barricadas".

Bulatov: Há dois dos meus trabalhos em exposição. Além disso, há também a pintura "Noite Negra - Neve Branca".

e: "Liberte" é uma imagem de livro didático em todos os sentidos. Junto com seu outro trabalho - "Espaço Soviético" - entrou até nos livros didáticos franceses.

Bulatov: Recebi esta encomenda em 1989, quando uma grande festa estava sendo preparada na França por ocasião do 200º aniversário da revolução. Eles iam erguer um dirigível no ar, que, por um lado, deveria ser pintado por um artista russo e, por outro, por um americano. E tive uma ideia relacionada à nossa situação revolucionária na década de 1980. Havia muitas ilusões de amor à liberdade então.

e: Como o público ocidental percebe a arte russa hoje?

Bulatov: Sempre com interesse. Fiquei convencido disso na exposição "Paisagem Russa" em galeria Nacional em Londres. O museu é gratuito, mas a exposição é paga. E as pessoas se levantaram para entrar nele. A mesma atenção é dada às exposições russas em Paris. O problema surge com a crítica - não é interessante.

I: E de que lado está a verdade?

Bulatov: A verdade não pode estar do lado de quem está tentando liderar a arte. Também é errado supor que ela está do lado do público. As massas, por exemplo, vão para Glazunov ou Shilov. Em todo caso, não se pode deixar de contar com o público, ou pelo menos com quem quer entender a pintura. Eles precisam ser educados, você precisa trabalhar com eles. Não apenas declarando um artista bom e outro ruim, mas explicando coisas sobre os fundamentos fundamentais da arte.

e: Existe uma expressão francesa "treinar o olhar".

Bulatov: Não apenas os olhos, mas também a cabeça. O olho, como disse meu professor Vladimir Andreevich Favorsky, pode ser enganado. A consciência é mais difícil de enganar.

e: Favorsky não era apenas um artista, mas também um filósofo.

Bulatov: Ele era um filósofo da arte. Ele era associado a Florensky e a nossos outros filósofos religiosos. Eu não sou um filósofo, mas apenas um artista. Eu apenas tento entender por que e por que faço dessa maneira e não de outra.

e: Não é muito poder assumido pelos curadores, que são chamados aqui de comissários? Artistas em suas mãos, em suas palavras, como material auxiliar - tintas e pincéis?

Bulatov: Tenho a impressão de que a situação geral agora está mudando. Talvez porque entre os curadores haja uma mudança de gerações.

e: a arte não perdeu suas funções morais em muitos aspectos e não se tornou parte da indústria do entretenimento?

Bulatov: Não podemos julgar objetivamente a arte de hoje, porque julgamos precisamente pelo que nos é mostrado. Não sei como isso corresponde ao que está acontecendo na arte. Além disso, espero que não seja esse o caso. E sobre que tipo de arte hoje aprenderemos, talvez daqui a cinquenta anos.

e: A próxima vitória no Ocidente da cultura pequeno-burguesa de massa foi predita por Herzen. Agora parece ter finalmente ganhado vantagem na Rússia.

Bulatov: Ela não pode vencer completamente. Claro, não vivemos no Renascimento, mas a arte não pode perecer. Se isso acontecer, a existência humana perderá o sentido. Art faz uma pergunta que ninguém mais faz: "Por que um homem?".

e: Você ainda vai ao Louvre estudar com os clássicos. O que um artista famoso de longa data pode aprender?

Bulatov: Na verdade, posso fazer muito pouco. Há muitas coisas que não posso fazer.

e: Humilhação mais que orgulho?

Bulatov: Não, é verdade. Todo artista tem um caminho ao longo do qual ele segue. E se você tropeçar um pouco, imediatamente se encontra em um pântano no qual não navega de forma alguma. E cada vez um novo trabalho deve ser iniciado do zero, decidido de novo, porque na arte todas as decisões são uma vez.

e: Você ainda está atormentado pelo tormento criativo?

Bulatov: Junto com Favorsky, Falk foi meu professor. Como estudante, vim mostrar-lhe o meu trabalho. E ele me perguntou: "O que você acha deles?" Então eu estava em completo desespero com minha própria mediocridade e contei a ele sobre isso. Falk me respondeu: "Significa que agora você está em um estado criativo muito bom. Vou lhe contar algo que não será um consolo para você, mas que será útil no futuro. Esse estado continuará por toda a sua vida. E se passar, então você sabe como o artista terminou." Nunca me senti tão impotente como agora, na minha velhice, quando começo uma nova natureza morta.

e: Ao lado das obras de quais grandes artistas na Galeria Tretyakov ou no Louvre você gostaria de expor suas pinturas?

Bulatov: No Louvre - assustador dizer - com a "Coroação de Nossa Senhora" de Fra Angelico e com o "Concerto Country" de Ticiano. Na Galeria Tretyakov - com Alexander Ivanov ou com Levitan. Minha pintura favorita de Levitan é "Lago", que está no Museu Russo. Era para se chamar "Rus", mas Levitan hesitou em dar esse nome, considerando a imagem malsucedida.

e: Por que uma reprodução da Mona Lisa está pendurada em sua oficina em Moscou?

Bulatov: Escrevi um artigo sobre a Mona Lisa. Para mim, é importante como esse quadro é organizado, como é mostrado o problema da fronteira entre arte e vida. Foi nisso que Leonardo trabalhou mais do que qualquer outra pessoa.

e: Mas a vida ainda é mais importante que a arte?

Bulatov: Eu realmente não sei. Por um lado, isso é verdade, mas, por outro lado, a vida é o material para a arte.

e: Tendo vivido cerca de duas décadas na França, você se considera um artista russo ou europeu?

Bulatov: Sou um artista russo por criação e educação. Portanto, sou um artista europeu, como todos os artistas que vivem na França, Alemanha ou Itália.

e: Entre seus mestres favoritos estão Levitan e Savrasov. Você não pode entendê-los com sua mente?

Bulatov: Os artistas não influenciam a mente, mas os sentimentos. A arte deles em você age instantaneamente ou não age de forma alguma. Estou convencido de que, se você montar bem uma exposição de paisagens russas do século XIX, ela causará uma grande impressão.

e: Uma vez você me disse que Levitan e Malevich não são antípodas.

Bulatov: Uma vez que ambos estão enraizados na cultura russa, eles certamente não são antípodas. Eles tentaram fazer do espectador um participante do que estão fazendo. Era muito importante para Levitan que o espectador - contornando a pintura - entrasse imediatamente em sua paisagem, em um bosque de bétulas.

e: Um novo paisagista do nível de Levitan pode aparecer hoje?

Bulatov: Existe um pintor de paisagens assim. Este é Oleg Vasiliev (amigo e colega de Bulatov, com quem há muitos anos trabalham com gráficos de livros. - Izvestia). Ele é notado, mas ainda subestimado.

e: O brasileiro Gil Vicente pintou uma dezena de telas retratando os supostos assassinatos de George W. Bush, do presidente brasileiro Lula da Silva e do atual Papa Bento XVI. Tudo é permitido para artistas? Existe algum tipo de censura na arte?

Bulatov: A censura externa é, obviamente, fatal para a arte. Deve haver censura interna. O que é isso? Kant disse melhor: "O céu estrelado está acima de nós e a lei moral está dentro de nós." E todos nós temos que seguir esta lei.

Eric Bulatov. Liberdade é liberdade, 1997-98

Sua exposição conjunta com Vladimir Logutov está abrindo agora na NCCA. Logutov é um artista muito jovem, da geração dos 30 anos. Sentes continuidade nesta geração artística?

É nesta geração, a geração dos 30 anos, que sinto interesse por mim. Aqui está a geração dos anos 90, "Medgermenevty", Anatoly Osmolovsky, era inteiramente da orientação de Kabakov - eles não precisavam de mim e, portanto, eu também não precisava deles. Interesse geração mais nova Senti quando dei palestras públicas.

Não acontece com você que vê a obra de um jovem artista - russo ou estrangeiro - e sente nela a sua tradição?

Você sabe, algo assim aconteceu. Embora muito raro. Mas não posso dizer nada definitivo: mal me lembro de nomes. Mas sempre fico feliz quando vejo algum tipo de proximidade com um artista, e se ele é jovem ou não, não importa.

Eric Bulatov. Liberdade é liberdade II. 2000-200

Mas a geração jovem está se afastando da pintura para novas formas - instalações, videoarte, performance. O mesmo Vladimir Logutov filma videoarte. E você teimosamente continua a fazer fotos.

É uma pergunta difícil. O que é uma pintura? Esta pergunta não tem uma resposta definitiva. acho que tem muito artistas contemporâneos trabalha justamente com a foto, simplesmente sem perceber, acreditando que abandonou a foto. Existem muitos exemplos - Cy Twombly, qualquer um dos nossos construtivistas dos anos 20, todos pop art americanos, artistas alemães- Richter, Basel, Kiefer. Uma imagem é o espaço em um plano. Mas o plano é apenas uma base a partir da qual o espaço é construído - seja de um lado desse plano ou do outro. Isso é tudo. Este espaço também pode ser construído a partir de objetos tridimensionais.

- Ou seja, a pintura como método de arte ainda pode se desenvolver?

Claro, ele evolui e mostra suas novas capacidades. A imagem tem um potencial muito grande, e esta é a sua força. Estou muito feliz com a foto. Consulte O que é uma instalação? Se a instalação é um espaço pelo qual o espectador deve passar, certamente não tem nada a ver com a pintura, porque a pintura exige antes de tudo que uma pessoa tenha uma posição fixa em relação a ela. Mas se a instalação tem uma borda: de um lado está um espectador, e do outro um certo processo se desenrola; Por que isso não é uma foto? Como a instalação de Kabakov "Um homem que voou para o espaço de seu quarto". A videoarte também é essencialmente uma imagem. Mas meus problemas estão acima da minha cabeça, terei o suficiente até o fim dos meus dias, então não vou entrar neste território, fazer instalações ou videoarte. Todos os meus problemas são muito bem resolvidos através das fotos.

EM Ultimamente, parece-me que o elemento social está deixando suas pinturas, embora antes desempenhasse um grande papel. Muitos até o chamaram de fundador da Sots Art.

Eu nunca fui um artista da Sots Art. Claro, minhas pinturas, como "Horizonte", tiveram um grande papel na formação dessa tendência, isso mesmo. Mas os artistas da Sots Art têm diferenças fundamentais comigo. O significado é completamente diferente. Minhas pinturas são um confronto entre a realidade ideologizada e a realidade natural. Duas realidades se opõem e nossa consciência está completamente bloqueada por esse espaço ideológico. Na mesma matéria. E ninguém, exceto eu, lidou com esse conflito. Então eles começaram a fazer isso quando União Soviética já desabou.

Parece-me que no russo moderno, mesmo na arte de Moscou, o social e o formal costumam estar separados. Alguns artistas falam apenas do social, outros o esquecem por completo, optando pela “solidão da recepção”, como o mesmo Logutov.

Não deveria haver tal lacuna. Afinal, o espaço da arte deve estar conectado com o espaço da nossa existência, o que, claro, inclui o espaço social. Afinal, o que a arte deve fazer? Uma exploração da natureza do espaço em que estamos, uma exploração da nossa percepção desse espaço. A arte tenta expressar o mundo em que existimos, que não é realmente descrito ou reconhecido. Afinal, o mundo é sempre novo e devemos encontrar um nome e uma imagem para ele. Aqui está a obra de arte. Ele conecta a arte com a vida, e acho que esse é o objetivo da arte. Esta é a minha convicção. O espaço social desempenha um papel neste mundo, mas é apenas uma parte e, como estou convencido, não é o mais importante.

- E no Ocidente, em Paris, por exemplo, eles se interessam pela arte russa contemporânea?

Na verdade. É que no Ocidente eles sabem com certeza que isso não existe, então não há nada para se interessar aqui. Existe música russa, existe literatura russa, talvez teatro russo, mas não havia arte russa e não.

- Por que isso está acontecendo?

Seria interessante saber a resposta a esta pergunta, mas não cabe a mim respondê-la. Isso aconteceu nas décadas de 1920 e 1930 e continua até hoje. Quando o nome de Chagall trovejou aqui em Paris, foi percebido como seu sucesso pessoal. E assim é com todos: um artista russo pode fazer sucesso no Ocidente, mas esse sucesso nunca será transferido para toda a arte russa. Chagall foi um grande sucesso e, nas proximidades, Larionov e Goncharova morriam de fome, porque ninguém se importava com eles. A propósito, vários artistas russos contemporâneos aqui também sabem como fazer sucesso, e não posso reclamar.

Há arrogância nessa desatenção à arte russa, mas nós mesmos somos os grandes culpados, porque as exposições russas que acontecem aqui são algo terrível. Eles não podem provar nada, exceto que realmente não existe arte russa. É triste. Parecia-me que esse era o negócio da minha geração - introduzir a arte russa em um único espaço global de arte. Infelizmente, não conseguimos: novamente apenas nomes individuais. Espero que as próximas gerações possam fazê-lo. Ainda assim, o processo não pára.

- E a vanguarda russa?

Você sabe, em Paris, a vanguarda russa é vista como um pouso arte francesa em russo. Nosso século XIX é considerado um ramo provincial da arte alemã, e depois o desembarque francês, que deu um resultado inesperado. Então os pára-quedistas foram baleados e tudo acabou. Embora esteja em o mais alto grau não é justo. Acredito que o século 19 também merece atenção especial - definitivamente não é um ramo provincial, embora certamente tenha havido influências alemãs.

Veja bem, é importante que nossos teóricos e críticos de arte russos finalmente comecem a lidar seriamente com essas questões. Olha, na nossa história da arte existe russo arte XIX século, acabou por se situar entre dois pólos: ou é sabe-se lá o quê (como pensam alguns dos nossos protagonistas, como Katya Degot, no Ocidente e depois), ou é algo extraordinário, o mais belo e o maior já criado, melhor do que qualquer um no mundo. Na verdade, ambas as posições são prejudiciais. Não apenas errado, mas prejudicial. É preciso olhar com atenção como ela difere da arte de outros países e escolas, qual é a sua essência, quais são suas deficiências e méritos. Simplesmente estigmatizar ou exaltar é um caminho para lugar nenhum.

Novamente, se falamos de arte russa como tal, você precisa entender qual é a conexão entre diferentes épocas e gêneros. Realmente russo XIX século e a vanguarda russa - são duas coisas opostas que se excluem? Se ambos são arte russa, então há algum tipo de terreno comum, algo unificado. Mas ninguém analisa esses fenômenos. Por que então queremos que os outros pensem que temos arte? Afinal, não podemos dizer nada sobre ele.

Você diz o que poderia ser próxima geração os artistas poderão destacar a arte russa no cenário mundial. Mas agora há um processo de globalização, quando as diferenças entre arte países diferentes estão sendo cada vez mais apagados. Talvez agora esta seleção de arte russa não faça sentido?

Vou te dizer que a globalização é apenas um mito, na verdade ela não existe. Claro, tanto Kiefer quanto Baselitz são artistas totalmente alemães, é impossível imaginar um francês igual a Baselitz. Ou Andy Warhol. Ele pode ser europeu? Claro que não. Outra coisa é que existem personalidades brilhantes, mas existem outras monótonas. E os brilhantes expressam muito bem sua base nacional. Porque a base nacional é um tipo de consciência, não é uma técnica e nem a natureza da imagem. Eles podem ser desde figurativos até abstratos. O tipo de consciência não pode ser cancelado. É formado por todos cultura nacional- e música, literatura e filosofia.

A arte russa nesse sentido não é diferente das outras: o tipo de consciência permanece, é a menos flexível. Ela dita características próprias para a percepção nacional da arte. E a arte russa, nesse sentido, de certa forma, é concretamente diferente da francesa. Nosso espectador quer da arte não o que o francês quer.

- E o que nosso público quer?

Veja, a arte francesa é fundamentalmente hermética. Não precisa de um espectador, porque afirma seu próprio significado e não depende de como o espectador reage a ele. Isto é muito ponto importante. Isso não é ruim nem bom, apenas muito característico da consciência francesa. "Você não gosta? Ok, vá embora! A arte não perderá nada com isso, e você perderá.” E nossa arte requer um espectador, ela não pode existir sem um espectador. Nenhuma arte precisa de público tanto quanto a arte russa. Isso se aplica a qualquer época - e ao século XIX, Malevich, Tatlin e nossos conceitualistas, quem você quiser. Isso está no centro da nossa consciência.

Diagonal. Incisão

Talvez seja por isso que nossa arte não é percebida no Ocidente? Afinal, se a arte precisa de um público, ela é defeituosa.

Então eles estão tentando interpretá-lo, como você está agora. Mas isso não tem nada a ver com a utilidade da arte em si. Apenas um tipo de consciência.

O material foi preparado por Elena Ishchenko.

Eric Bulatov nasceu em Sverdlovsk (atual Yekaterinburg) em 1933: “Meu pai fez uma viagem de negócios aos Urais, minha mãe grávida foi com ele, eu nasci lá e depois eles voltaram” para Moscou.

Meu pai era de Saratov, depois se mudou para Moscou com os pais. EM 1918 pai se juntou à festa, logo após o ginásio foi para guerra civil o que foi uma tragédia para a família. EM 1937 ele foi expulso da festa e tudo deu errado. “Mas então minha mãe fez uma coisa simples, mas muito eficaz. Aluguei uma dacha perto de Moscou e meu pai morou lá por cerca de seis meses. Ele não era uma figura política importante, então as autoridades não precisavam prendê-lo. Havia um layout para cada distrito - para levar tanto, mas se não tiver, vamos pegar outro. Como eles recrutaram para o exército, quase o mesmo. Quando acabou essa campanha e meu pai apareceu, não tocaram nele, reintegraram ele no partido, mas ele não voltou ao trabalho partidário. Ele tinha ensino superior, e foi trabalhar como secretário científico na Grande Enciclopédia Soviética.

A mãe era de natureza romântica e muito ativa. Nasceu na Polônia, em Bialystok. Aos quinze anos, ela cruzou ilegalmente a fronteira: Rússia - liberdade, revolução ... Ela foi pega na fronteira, voltou, mas no final acabou na Rússia, sem saber russo, tinha iídiche e polonês . Mas três anos depois ela dominava tanto o russo que já trabalhava como estenógrafa. Primeiro em Kamenetz-Podolsk, depois em Moscou...

"Mamãe era muito pessoa talentosa e em década de 1920 durante anos ela até passou em um exame de atuação em um estúdio de cinema ... Ela se opôs à linha geral do partido, contra todo poder, uma típica consciência da intelectualidade. Ela tinha que ser contra o pai, seus pontos de vista eram opostos em muitos aspectos, mas eles se amavam muito.

Quando a guerra começou, meu pai foi para o front como voluntário e não voltou - morreu. A família partiu para evacuação - primeiro para Saratov, depois para Sverdlovsk. “Quando partimos para a evacuação, aqueles que foram transferidos para nosso apartamento atiçaram o fogão com livros. Começamos nas prateleiras de baixo, onde estavam meus livros e desenhos infantis, e no topo estavam os livros de Lenin e Marx. Naturalmente, eles não começaram com Marx, e era difícil subir lá ... "

Com o início da guerra, a infância feliz de Eric acabou. “O pesadelo continuou até que entrei na escola de arte. Então eu fui vida normal. Desde que me lembro, tenho desenhado, e desenhando bem. Então era muito cedo para julgar o que poderia resultar disso. Isso é determinado pelos dez ou doze anos de idade, mas meu pai acreditava que eu seria um artista.

Eu estudei no secundário de Moscou escola de Artes no Instituto Surikov, minha profissão foi escolhida na escola. Ficou bem idiota. Primeiro, minha mãe me mostrou meus desenhos. diferentes artistas mesmo Korina. Korin e outros falaram que não precisava me mandar pra lugar nenhum, podiam me mimar lá, alguma coisa assim, em geral era muito cedo.

A escola de arte é aceita após a quinta série do ensino geral. Eu não sabia que essa escola existia e descobri por acaso. Em uma aula paralela, estudava meu colega, que também pintava, competíamos com ele. Uma vez ele me disse que estava entrando em uma escola de arte, havia exames, mas ele tinha certeza de que passaria. Fiquei chocado ao saber que existe tal escola, corri para lá, mas acabou sendo tarde demais - os exames acabaram e tive que esperar o ano novo. Fui aconselhado a me preparar na Pioneer House...”

Por dois anos ele estudou em um círculo de desenho com Alexander Mikhailovich Mikhailov, de quem ele se lembra com amor e gratidão. Sobre Próximo ano Eric Bulatov tentou entrar na segunda série de uma escola de arte, mas não passou no concurso. Em 1947 ele foi admitido na terceira série. Depois da escola, "de alguma forma por si só" Bulatov entrou no Instituto Surikov, a faculdade de pintura. Como se formou na escola com uma medalha, não precisou fazer vestibular.

“Tive sorte com os professores da Escola Secundária de Arte de Moscou (a famosa Escola de Arte de Moscou), onde estudei com Ilya Kabakov e Oleg Vasilyev, ..com quem somos amigos toda a nossa vida».

“... Não éramos “caras do mesmo quintal”. A princípio, nossa amizade foi profissional - a semelhança de algumas opiniões que compartilhamos - e só então, por assim dizer, humana. Então era como o ar, porque eles fingiam que simplesmente não existíamos. E claro, tal amizade, apoio mútuo era simplesmente necessário ... Oleg e eu tínhamos pontos de vista próximos, conversávamos o tempo todo e precisávamos um do outro, então nos unimos no trabalho.

No Instituto Surikov, ele estudou com o professor Pyotr Dmitrievich Pokarzhevsky. “Na escola de arte, desenhamos como loucos, trabalhávamos de manhã à noite e não pensávamos em mais nada. Filhos dos privilegiados e pessoas comuns, mas para nós não importava, eles foram divididos apenas em medíocres e talentosos. E em Surikovsky havia uma atmosfera provinciana sombria, mofada, o tempo era difícil - o fim década de 1940 - Começar década de 1950 Morte de Stálin...

Ao final do instituto, Bulatov percebeu que não deveria depender das ordens do Estado para se desenvolver livremente. Todos os meios de subsistência estavam nas mãos do estado, não poderia haver ordens privadas. Assim, no ramo da pintura, foi preciso buscar outra forma de ganhar dinheiro, para que sobrasse tempo para o trabalho direto.

“Depois do instituto, senti que não entendia nada de arte, não sabia fazer nada. Preciso me reciclar para aprender arte real e séria... Depois de me formar em Surikovka, caí em desespero: não havia consciência de que eu era um artista, mas havia a sensação de que tudo o que nos ensinavam não era verdade. Em total desespero, Oleg Vasiliev e eu começamos a procurar uma pessoa que pudesse explicar algo e acidentalmente encontramos Favorsky ....

Falk e Favorsky me ajudaram a entender e dominar meu ofício, o que foi uma ajuda inestimável para mim, não consegui isso no instituto. Eu queria me tornar um artista sério e real, então tive que treinar novamente. A educação recebida não foi suficiente.”

Demorou mais três anos para retreinar. E para isso era preciso não depender do Estado, ser financeira e espiritualmente independente. Então, era preciso buscar uma oportunidade de ganhar a vida não pintando. Foi então que soou muito oportunamente Conselho útil o clássico atual Ilya Kabakov: “... você precisa entrar na ilustração infantil. Lá o trabalho é mais ou menos gratuito, e lá é mais tranquilo. Ganhe e então você fará o seu próprio. E assim aconteceu.

Desde 1959, Oleg Vasiliev e Eric Bulatov trabalham juntos para criar ilustrações para livros infantis para as editoras Detgiz e Malysh. "Eu tentei jeitos diferentes. A melhor coisa para mim foi ilustrar livros infantis...Tínhamos que ganhar a vida de alguma forma, e Oleg Vasiliev e eu gostamos muito de desenhar para livros infantis ...E assim, junto com Oleg Vasiliev, começamos a ilustrar livros infantis e fazemos isso há trinta anos.

Eric Bulatov e Oleg Vasiliev dividiram o ano em duas partes: o tempo escuro - outono e inverno - eram livros infantis que traziam ganhos, e durante o dia - primavera e verão - havia trabalho para eles, pintura.

“Quando eu estava fazendo livros por meio ano e pintando por meio ano, nem sempre tinha tempo para terminar o quadro, mas aqui tenho que mudar para outro trabalho que exige uma consciência e atitude diferentes. Essas transições sempre foram difíceis... E desenvolvi a capacidade de conservar esta ou aquela imagem em minha mente. Por seis meses não deveria ter mudado, era necessário voltar ao local onde interrompi o trabalho. Talvez essa abordagem tenha sido peculiar para mim, mas certamente se desenvolveu graças a essa forma de trabalhar ... Nunca misturei essas coisas.

“Não podíamos fazer as duas coisas ao mesmo tempo. Ambos os trabalhos exigiram de nós total dedicação. Nesse sentido, Oleg e eu somos iguais. Embora eu não entendesse então por que para mim, e agora eu não entendo. É um trabalho que você faz porque parece que você tem que fazer. E se você tentar não fazer isso, o tempo todo sentirá que está enganando, que está trapaceando e geralmente vadiando.

“Não posso dizer que ficamos sobrecarregados com isso. Foi interessante. Fizemos livros infantis só nós dois. Desenvolvemos um artista que não era nem Oleg Vasiliev nem Eric Bulatov. Era alguém terceiro. Todos os nossos livros são ilustrados por este artista. No total, fizemos mais de cem livros em trinta anos.

Quando se trata de contos de fadas (“Contos dos Povos do Mundo”, contos de Charles Perrault, contos de H.K. Andersen), um tempestuoso e feriado brilhante. Alguns pesquisadores até resmungaram às escondidas que os jovens artistas trabalham de maneira muito "ruidosa". Mas as crianças, como você sabe, não leem pesquisadores. Eles estão apenas admirando a Bela Adormecida, a bela Cinderela e, muito provavelmente, eles realmente ouvem o barulho de um alegre baile da quadra.

“Afinal, as crianças sentem intuitivamente onde está a verdade da arte. Você pode desenhar uma cópia de um verdadeiro castelo medieval e a criança dirá: não acredito. Porque ele sabe exatamente como deve ser um castelo de verdade e como deve ser um príncipe de verdade. Então tentamos desenhar tudo “na verdade”.

Muitos grandes artistas Comecei ilustrando livros infantis. Existe a explicação mais superficial e mundana para isso. Naqueles anos surdos de censura estrita, eles não podiam vender abertamente suas obras "sérias", nem exibi-las abertamente. E o ofício de desenhista infantil dava um bom rendimento e sobrava tempo para aquelas atividades que consideravam as principais. E aqui está um ponto muito importante: é fácil pensar que sua forçada, trabalho assalariado no campo da ilustração infantil apenas os distraiu do caminho principal.

Na verdade, tudo era diferente. Não é de admirar que nossos sábios gostem de repetir que "não há mal sem bem". Porque, como disse o grande escritor proletário Gorky, “você precisa escrever para crianças da mesma forma que para adultos, só que melhor”. Acontece que esse trabalho diurno supostamente forçado deu a esses artistas a oportunidade de passar por uma escola maravilhosa. Assim como em sua época os Oberiuts aprenderam uma liberdade inédita ao escrever suas cantigas infantis, os artistas que passaram pela escola de design de livros para crianças, voluntária ou involuntariamente, ganharam uma liberdade que o treinamento acadêmico nunca dará.

Pouco antes da perestroika, Bulatov recebeu uma oferta de emprego no Ocidente. Ele concordou e ele e sua esposa foram embora. Após a exposição em Zurique em 1988, eles se mudaram para os EUA.

“Morávamos em Nova York, no bairro artístico do Soho, onde há muitos galerias de arte. Este lugar tem uma aura maravilhosa para a criatividade. No entanto, eles continuam dizendo: “Vamos, tudo o que você faz é ótimo, você só precisa fazer ainda mais rápido, ainda mais!” Sob tanta pressão, a consciência do artista não tem tempo para desenvolver novas imagens e começa a clonar seu próprias ideias. Em geral, tive sorte de termos partido logo.

Eles partiram para Paris. Em 1992, o Ministério da Cultura francês ofereceu uma pequena doação e moradia barata em Paris. “Uma vez em Paris, Natasha disse que não iria a outro lugar. Compramos um apartamento perto do Centro Pompidou, fizemos amigos e vivemos assim...

acho que tenho muito vida feliz. O que pode sonhar um artista que faz o que bem entende e da maneira que bem entende? com o qual eu provavelmente não teria lidado. Provavelmente, pelo bem-estar de hoje, paguei com o fato de que durante trinta anos nem pensei que poderia mostrar minhas pinturas, muito menos exibi-las ou vendê-las.

Grandes ilustradores. Bulatov e Vasiliev. Exatamente. Como o nome de um artista. Talvez até então fosse ridículo para eles pintar contos de fadas infantis com todos os tipos de fadas e feiticeiras, ou talvez ... Aos setenta anos, até o sorriso de uma criança tem um valor diferente dos quarenta. E se todos ficarem felizes com seus livros? ..

foto: Apêndice "Antiguidades" ao poço. "Interior + Design", 2008, nº 1, fotodepartament

Eric Vladimirovich Bulatov (nascido em 5 de setembro de 1933 em Sverdlovsk) é um dos mais famosos artistas contemporâneos russos. Um dos fundadores da Sots Art.

Nasceu em 1933 em Sverdlovsk (agora Yekaterinburg). Pai - Vladimir Borisovich, originalmente de Saratov, era trabalhador do partido (entrou no partido em 1918), morreu na frente em 1944, mãe Raisa Pavlovna - da cidade de Bialystok (Polônia), emigrou ilegalmente para a Rússia aos 15 anos ; três anos depois, ela conseguiu um emprego como estenógrafa - apesar de, ao chegar, não saber russo (só sabia polonês e iídiche).

Segundo Erik Bulatov, por algum motivo seu pai acreditava muito que ele seria um artista.

Em 1958 graduou-se instituto de arte nomeado após V. I. Surikov. Desde 1959, ele trabalhou na editora infantil "Detgiz" junto com Kabakov e Vasiliev. A atividade de exibição em Moscou começou em 1957 e, desde 1973, já no exterior.

Um método criativo característico e reconhecível de Bulatov é a colisão de um texto de pôster, arrancado do contexto da realidade soviética, com um componente figurativo (na maioria das vezes paisagem, emprestado da imprensa de massa). Como resultado, o artista consegue de forma extremamente acessível ilustrar o absurdo da realidade, supersaturado com os símbolos da propaganda soviética.

Além das obras do tema Sots-Art, mesmo em seus primeiros trabalhos, Bulatov desenvolveu uma teoria da interação da imagem e do espaço. Nessas suas obras, a influência de Falk é perceptível. Uma etapa forte e original de sua obra, pouco valorizada no contexto da história da arte.

As obras de Bulatov são regularmente exibidas em leilões de arte contemporânea. Assim, no leilão da Philips, a obra “Espaço Soviético” custou cerca de US $ 1,6 milhão, mais duas telas sobre temas soviéticos, incluindo “Revolução - Perestroika”, foram vendidas por um milhão de dólares cada, o que fez de Bulatov um dos mais caros artistas russos contemporâneos.

De 1963 até o final da década de 1960, Erik Bulatov experimentou vários estilos modernistas na pintura, descobriu seu interesse em analisar as qualidades espaciais, de luz e de cor de uma pintura. Na URSS, o artista não pôde expor por motivos de censura, apenas em 1965 e 1968 foram realizadas mostras de curta duração de seu trabalho no Instituto Kurchatov e no café Blue Bird em Moscou. No início dos anos 1970, ele começou a criar pinturas em grande escala, nas quais, via de regra, se refere a temas sociais e imagens de mídia de massa da realidade soviética: retrata slogans, inscrições, cartazes. Em 1972 cria o famoso "Horizonte". Durante o período da perestroika, a pintura foi percebida como uma obra de paródia e até identificada com o estilo Sots Art. Em 1988, após uma série de grandes exposições individuais - no Kunsthalle (Zurique), no Centro Georges Pompidou (Paris), etc., bem como a participação na Bienal de Veneza, rapidamente recebeu reconhecimento internacional: foi nomeado "artista da perestroika" e reconhecido pela UNESCO como o melhor artista do ano. A maioria das obras de Erik Bulatov acabou em coleções e museus ocidentais.

Desde 1989 morou em Nova York, em 1992 mudou-se para Paris. Em 2003, pela primeira vez em sua terra natal, foi realizada uma exposição de seus gráficos, e em 2006 - a primeira exposição retrospectiva de suas pinturas (ambas exposições em Galeria Tretyakov, Moscou). Em 2013 ele se tornou um laureado Competição totalmente russa no domínio da arte contemporânea "Inovação" na nomeação "Pela contribuição criativa para o desenvolvimento da arte contemporânea." Em 2015, a artista foi convidada a criar telas em grande escala na inauguração do novo prédio do Garage Museum of Contemporary Art de Moscou. No mesmo ano, para a exposição do Museu do primeiro presidente da Rússia, B. N. Yeltsin, criou a pintura "Liberdade".

Vive em Moscou e Paris.

Na Rússia, é representado pela galeria pop/off/art.

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Bulatov, Eric Vladimirovich

Eric Bulatov. Louvre. Gioconda. 2006

Eric Bulatov. Horizonte. 1971–1972

"Brezhnev. espaço soviético "(1977)

Eric Bulatov. Rua Krasikov. 1977

‘ Eu queria mostrar a vida soviética como ela é, sem expressar nenhuma relação com ela. Não houve protesto óbvio em minha pintura, não tive vontade de convencer o espectador de algo: olha que horror! Não fui um herói da luta social como Oscar Rabin. Minha tarefa era fundamentalmente diferente: eu queria que o espectador visse sua vida como ela é, mas ele a via como se fosse de fora.

« Eu queria criar uma distância entre essa realidade e a consciência do espectador. Para isso servia a fotografia, funcionando como distância, como instância de um olhar distante. Construí uma obra de arte como uma instância entre realidade e consciência. Isso é o que era importante para mim. Para que o espectador pense: então é assim a minha vida ... Para que ele veja minhas pinturas não como uma lição, mas também faça uma descoberta ele mesmo.

Eric Bulatov. Eu queria que fosse leve, mas não funcionou. 2002

Eric Bulatov. toda esta primavera. 1998

Eric Bulatov. Foto para memoria

russo do século 20

Glória ao PCUS

Um método criativo característico e reconhecível de Bulatov é a colisão de um texto de pôster, arrancado do contexto da realidade soviética, com um componente figurativo (na maioria das vezes paisagem, emprestado da imprensa de massa). Como resultado o artista consegue ilustrar de forma extremamente acessível o absurdo da realidade, supersaturado com os símbolos da propaganda soviética.

E. Bulatov. PÔR DO SOL. 1989

Eric Bulatov "Liberte" 1992 - esta foto apareceu no cartaz da exposição "Counterpoint"

Em 14 de outubro de 2010, a exposição "Contraponto: Arte Contemporânea Russa" foi inaugurada no Louvre. A exposição apresenta obras de mais de vinte artistas. Estes são Erik Bulatov, Emilia e Ilya Kabakov, Vitaly Komar e Alexander Melamid, Valery Koshlyakov, Alexey Kallima, Vladimir Dubossarsky e Alexander Vinogradov, Andrey Monastyrsky, Vadim Zakharov, Yuri Leiderman, Yuri Albert, Avdey Ter-Oganyan, os Narizes Azuis e AES + F e outros. Na véspera do vernissage, Yuri Kovalenko, correspondente do Izvestia na França, conheceu o acadêmico Eric Bulatov em seu workshop em Paris.

Trechos da entrevista de 2010

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Izvestia: Nenhum dos artistas russos expôs no Louvre durante sua vida. Sim, e mestres ocidentais que receberam tal honra, uma ou duas vezes, e contados. Em uma palavra, entrar no Louvre é legal!

erik bulatov: De fato, o Louvre parece para todos nós algo inatingível. Mas a nossa exposição decorrerá, por assim dizer, nas caves - no Louvre medieval, onde foram escavadas as fundações das paredes e torres do palácio. Este local para a exposição é absolutamente inadequado. Lá, exceto que você pode fazer instalações ou mostrar um vídeo. Uma verdadeira exposição que falasse sobre o estado atual de nossa arte, especialmente no Ano da Rússia na França, deveria ter sido organizada em outro lugar. Por exemplo, no Centro Nacional de Artes e Cultura Georges Pompidou.

e: Então, você está ofendido?

Bulatov: Não estou ofendido, mas simplesmente não quero que haja euforia, entusiasmo imoderado: "Oh, o Louvre, o Louvre!" Mas seja como for, para nós, russos, o Louvre é um lugar sagrado ao qual nos juntamos. Deixe em algum lugar no canto, no crack ..

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e: O público está preparado para surpresas. No dia do vernissage no Louvre, o artista Yuri Leiderman organiza sua própria performance: duas mulheres em trajes nacionais russos destroem cem cabeças de repolho na frente do público. Por sua vez, seu colega Yuri Albert conduzirá o público pelo Louvre com os olhos vendados ...

bulatov: Este é o nosso conceitualismo.

e: No cartaz da exposição, sua pintura "Liberte" ("Liberdade") é reproduzida - um eco da famosa pintura de Delacroix "Liberdade nas Barricadas".

Bulatov: Há dois dos meus trabalhos em exposição. Além disso, há também a pintura “Noite Negra - Neve Branca”.

E: "Liberte" é uma imagem de livro didático em todos os sentidos. Junto com seu outro trabalho - "Espaço Soviético" - entrou até nos livros didáticos franceses.

Bulatov: Recebi esta encomenda em 1989, quando uma grande festa estava sendo preparada na França por ocasião do 200º aniversário da revolução. Eles iam erguer um dirigível no ar, que, por um lado, seria pintado por um artista russo e, por outro, por um americano. E tive uma ideia relacionada à nossa situação revolucionária na década de 1980. Havia muitas ilusões de amor à liberdade então.

e: Como o público ocidental percebe a arte russa hoje?

Bulatov: Sempre com interesse. Fiquei convencido disso na exposição "Paisagem Russa" na National Gallery de Londres. O museu é gratuito, mas a exposição é paga. E as pessoas se levantaram para entrar nele. A mesma atenção é dada às exposições russas em Paris. O problema surge com a crítica - ela não está interessada.

I: E de que lado está a verdade?

Bulatov: A verdade não pode estar do lado de quem está tentando liderar a arte. Também é errado supor que ela está do lado do público. As massas, por exemplo, vão para Glazunov ou Shilov. De qualquer forma não se pode deixar de contar com o público, ou pelo menos com aqueles que querem entender a pintura. Eles precisam ser educados, você precisa trabalhar com eles. Não é fácil declarar um artista bom e outro ruim, mas para explicar coisas relativas aos fundamentos fundamentais da arte.

e: Existe uma expressão francesa "treinar o olhar".

Bulatov: Não apenas os olhos, mas também a cabeça. O olho, como disse meu professor Vladimir Andreevich Favorsky, pode ser enganado. A consciência é mais difícil de enganar.

e: Favorsky não era apenas um artista, mas também um filósofo.

e: Não é muito poder assumido pelos curadores, que são chamados aqui de comissários? Artistas em suas mãos, em suas palavras, como material auxiliar - tintas e pincéis?

Bulatov: Tenho a impressão de que a situação geral agora está mudando. Talvez porque entre os curadores haja uma mudança de gerações.

e: a arte não perdeu suas funções morais em muitos aspectos e não se tornou parte da indústria do entretenimento?

Bulatov: Não podemos julgar objetivamente a arte de hoje, porque julgamos precisamente pelo que nos é mostrado. Não sei como isso corresponde ao que está acontecendo na arte. Além disso, espero que não seja esse o caso. A sobre que tipo de arte hoje, saberemos, talvez daqui a cinquenta anos.

e: A próxima vitória no Ocidente da cultura pequeno-burguesa de massa foi predita por Herzen. Agora parece ter finalmente ganhado vantagem na Rússia.

e: Você ainda vai ao Louvre estudar com os clássicos. O que um artista famoso de longa data pode aprender?

Bulatov: Na verdade, posso fazer muito pouco. Há muitas coisas que não posso fazer.

e: Humilhação mais que orgulho?

e: Você ainda está atormentado pelo tormento criativo?

Bulatov: Junto com Favorsky, Falk foi meu professor. Como estudante, vim mostrar-lhe o meu trabalho. E ele me perguntou: “O que você acha deles?” Então eu estava em completo desespero com minha própria mediocridade e contei a ele sobre isso. Falk me respondeu: “Então agora você está em um estado criativo muito bom. Vou lhe contar algo que não será um consolo para você, mas que será útil no futuro. Este estado continuará por toda a sua vida. E se passar, então você como artista acabou. Nunca me senti tão impotente como agora, na minha velhice, quando começo uma nova natureza morta.

e: Ao lado das obras de quais grandes artistas na Galeria Tretyakov ou no Louvre você gostaria de expor sua pintura?

bulatov: No Louvre - assustador dizer - com a "Coroação de Nossa Senhora" de Fra Angelico e com o "Concerto Country" de Ticiano. Na Galeria Tretyakov - com Alexander Ivanov ou com Levitan. Minha pintura favorita de Levitan é Lake, que está no Museu Russo. Era para se chamar "Rus", mas Levitan era muito tímido para dar esse nome, considerando a imagem malsucedida.

e: Por que uma reprodução da Mona Lisa está pendurada em sua oficina em Moscou?

Bulatov: Escrevi um artigo sobre a Mona Lisa. É importante para mim como esta imagem é organizada, como é mostrada problema da fronteira entre arte e vida. Foi nisso que Leonardo trabalhou mais do que qualquer outra pessoa.

e: Mas a vida ainda é mais importante que a arte?

Bulatov: Eu realmente não sei. Por um lado, isso é verdade, mas, por outro lado, a vida é o material para a arte.

e: Tendo vivido cerca de duas décadas na França, você se considera um artista russo ou europeu?

Bulatov: Sou um artista russo por criação e educação. Portanto, sou um artista europeu, como todos os artistas que vivem na França, Alemanha ou Itália.

…………………………………..

e: Um novo paisagista do nível de Levitan pode aparecer hoje?

……………………………………………….— Ultimamente, parece-me que o elemento social está a abandonar as tuas pinturas, embora antes desempenhasse um papel importante. Muitos até o chamaram de fundador da Sots Art.

— Nunca fui um artista da Sots Art. Claro, minhas pinturas, como "Horizonte", tiveram um grande papel na formação dessa tendência, isso mesmo. Mas os artistas da Sots Art têm diferenças fundamentais comigo. O significado é completamente diferente. Minhas pinturas são um confronto entre a realidade ideologizada e a realidade natural. Duas realidades se opõem e nossa consciência está completamente bloqueada por esse espaço ideológico. Na mesma matéria. E ninguém, exceto eu, lidou com esse conflito. Então eles começaram a estudar quando a União Soviética já havia entrado em colapso.

……………………………………………..

— E no Ocidente, em Paris, por exemplo, eles se interessam pela arte russa contemporânea?

- Na verdade. É que no Ocidente eles sabem com certeza que isso não existe, então não há nada para se interessar aqui. Existe música russa, existe literatura russa, talvez teatro russo, mas não havia arte russa e não.

…………………………………….

— E a vanguarda russa?

— Você sabe, em Paris a vanguarda russa é vista como um desembarque da arte francesa na arte russa. Nosso século XIX é considerado um ramo provincial da arte alemã, e depois o desembarque francês, que deu um resultado inesperado. Então os pára-quedistas foram baleados e tudo acabou. Embora isso seja altamente injusto. Acredito que o século 19 também merece atenção especial - definitivamente não é um ramo provincial, embora certamente tenha havido influências alemãs.

Veja bem, é importante que nossos teóricos e críticos de arte russos finalmente comecem a lidar seriamente com essas questões. Veja bem, em nossa história da arte, a arte russa do século XIX se encontrava entre dois pólos: ou é sabe-se lá o quê (como pensam alguns de nossos protagonistas, como Katya Degot, no Ocidente e depois), ou é algo extraordinário , o mais belo e o maior criado quando Ou, o melhor do mundo. Na verdade, ambas as posições são prejudiciais. Não apenas errado, mas prejudicial. É preciso olhar com atenção como ela difere da arte de outros países e escolas, qual é a sua essência, quais são suas deficiências e méritos. Simplesmente estigmatizar ou exaltar é um caminho para lugar nenhum.

Novamente, se falamos de arte russa como tal, você precisa entender qual é a conexão entre diferentes épocas e gêneros. O século 19 russo e a vanguarda russa são realmente duas coisas opostas que se excluem? Se ambos são arte russa, então há alguma base comum aqui, algo unificado. Mas ninguém analisa esses fenômenos. Por que então queremos que os outros pensem que temos arte? Afinal, não podemos dizer nada sobre ele.

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O material foi preparado por Elena Ishchenko.

Publicação - http://www.liveinternet.ru/community/camelot_club/post323364700/

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Erik Vladimirovich Bulatov nasceu em 5 de setembro de 1933 em Sverdlovsk (atual Yekaterinburg), um artista soviético e russo.

Pai - Vladimir Borisovich, natural de Saratov, era trabalhador do partido (entrou no partido em 1918), morreu na frente em 1944, mãe - da cidade de Bialystok (Polônia), emigrou ilegalmente para a Rússia aos 15 anos; três anos depois, ela conseguiu um emprego como estenógrafa - apesar de, ao chegar, não saber russo (só sabia polonês e iídiche). Segundo Erik Bulatov, por algum motivo seu pai acreditava muito que ele seria um artista. Em 1958 ele se formou no V. I. Surikov Art Institute. Desde 1959, ele trabalhou na editora infantil "Detgiz" junto com Kabakov e Vasiliev. A atividade de exibição em Moscou começou em 1957 e, desde 1973, já no exterior. Em seus primeiros trabalhos na década de 1960, Bulatov explorou os princípios de interação entre superfície e espaço como um conceito filosófico de pintura e espaço. Era marco sua obra, na qual é perceptível a influência de Falk, a quem Bulatov, junto com Favorsky, chamava de seu professor, é perceptível. No início dos anos 1970, Bulatov começou a desenvolver um novo estilo original de sua obra Horizon, combinando paisagens naturalistas padrão com grandes símbolos de cartazes e slogans transparentes. Como resultado, o artista consegue de forma extremamente acessível ilustrar o absurdo da realidade, supersaturado com os símbolos da propaganda soviética. O espaço de Bulatov é sempre multicamadas: o texto do slogan ou um símbolo reconhecível é colocado no topo da imagem. Enfatizando o contraste entre propaganda e realidade, Bulatov se aproxima da Sots Art, mas o principal objetivo do artista continua sendo explorar a fronteira entre o espaço da arte e o espaço social. Bulatov vê sua tarefa criativa como “mostrar e provar que o espaço social, por mais significativo e agressivo que pareça, na verdade não é ilimitado. Tem um limite, uma fronteira, e a liberdade humana e o sentido da existência humana em geral estão do outro lado da fronteira. O espaço da arte está logo ali, do outro lado da fronteira social.”

"Horizonte", 1972

"Retrato de Brejnev"

"Glória ao PCUS" 2003-2005

Desde 1992 vive e trabalha principalmente em Paris.

“A palavra em minhas pinturas é uma imagem puramente visual. Você pode ver como o ar engrossa e se transforma em uma palavra. Claro, é mais fácil para os telespectadores russos, eles veem o ponto nisso. Os ocidentais nem sempre percebem as mudanças que ocorreram em minhas pinturas nos últimos anos.

"Não exagere a importância do meu trabalho. período soviético. Afinal, não havia nada de soviético ou anti-soviético na pintura “Entrada - não há entrada”, apenas o vermelho é o mais otimista e Cor azul- a cor da prostração. Este pacote mais tarde acabou por ser a minha língua. Sempre foi importante para mim que a imagem não tivesse um caráter aplicado e não ilustrasse nenhuma tese social, ela deveria se tornar uma afirmação. Muitos críticos viram apenas o soviético e o anti-soviético quando lhes contei sobre o que estava trabalhando e por qual ideal estava lutando.

“Trabalhei com o tema soviético apenas até 1991. Por que mastigar o velho? Quando foi - foi um assunto sério. Agora é como chutar um leão morto."

“Há cerca de cinco anos pintei o quadro “O firmamento é o céu”. O ímpeto foi um poema de Vsevolod Nekrasov, este é o meu favorito poeta contemporâneo o que significa muito para mim. Ali, o espaço virou do avesso. E acabou sendo um globo, ou, ao contrário, profundidade, um jogo tão duplo. Em geral, trabalhei muito com o céu, a partir de 1975, quando pintei o quadro “Estou chegando” - já tinha movimento através do quadro, através da imagem. O céu para mim é uma imagem de liberdade. Em um espaço social, estou convencido, não pode haver liberdade. Acho que em geral para uma pessoa o sentido da sua vida, o sentido da sua existência não está no espaço social. Aqui as necessidades necessárias são satisfeitas, mas não vivemos para isso, vivemos para outra coisa, parece-me.

Fontes: Wikipedia, RFI - estação de rádio pública

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