Coros folclóricos russos. H

Imagem artística peça de música no coro ela é criada e revelada através da melodia e da palavra. Portanto, os principais requisitos técnicos da sonoridade coral são, em primeiro lugar, a precisão da entonação aguda do som de cada cantor em uma parte separada e de cada parte no som coral geral; em segundo lugar, a unidade timbre e o equilíbrio dinâmico das vozes individuais dentro de cada parte e de todas as partes do conjunto coral geral; em terceiro lugar, uma pronúncia clara das palavras.
Mas uma sonoridade coral esbelta, entonacionalmente pura, equilibrada em força, unida no timbre é apenas um pré-requisito para a criação de uma imagem artística que transmita o conteúdo da obra. Portanto, antes de começar a aprender uma música, o líder deve, ao analisar a obra, compreender o seu conteúdo e os meios pelos quais ela é revelada pelo compositor. A partir do conhecimento do texto literário, pode-se compreender o tema e a ideia da obra e seu caráter: seja heróico, ou lírico, ou cômico, etc. , a coloração do timbre do som, a natureza do movimento da melodia são determinados , seleção semântica artística de frases.

Após tal análise da obra, é elaborado um plano de desempenho, ao qual todo o subsequente trabalho vocal e coral. O líder determina as dificuldades no domínio do trabalho, traça formas de superá-las, desenvolve determinados exercícios e traça um plano detalhado de ensaio.
Trabalhe com o coro nova música geralmente começa com um aprendizado aproximado - memorizando a melodia, construindo intervalos, consonâncias, elaborando o lado rítmico da obra e a dicção.
À medida que os elementos técnicos são dominados, o diretor passa a dar mais atenção ao acabamento artístico da obra. Chega um momento em que as notas simples começam a adquirir corpo artístico.
Damos como exemplo uma análise artística e um plano de performance para trabalhar com o coro na música “Polyushko Kolkhoznoe”, letra e melodia de G. Savitsky, arranjada para composição feminina coro folclórico I. Ivanova. (A música está impressa nesta edição da coletânea na página 13).

O texto literário da canção revela a imagem de um amplo e dividido campo de fazenda coletiva.

Ah, você é meu querido
Fazenda coletiva Polyushko,
Você é minha ampla
Você é minha extensão.
Ondas densas de centeio
O vento balança.
poliushko anual
A colheita é famosa.
Ah, você é meu querido
Fazenda coletiva Polyushko,
Você é minha namorada.
Você é minha extensão.

O poema distingue-se pela extraordinária concisão e ao mesmo tempo pela expressividade da imagem. Apesar de ser composta por apenas três quadras, sendo a terceira uma repetição literal da primeira, a imagem do "kolkhoz polyushka" destaca-se de forma convexa e forte. Que grande e amplo em seu escopo temático é o significado que o autor atribui às palavras “campo da fazenda coletiva”! Há um subtexto profundo neles: nesta “polyushka” está toda a vida de um trabalhador, uma vida nova e feliz, como uma “polyushka”, ampla e espaçosa.
Este significado interior, ou ideia, do poema já está delineado na primeira quadra, onde a imagem majestosa da “polyushka” começa a se desdobrar através de um apelo profundamente emocional e amoroso: “Oh, você é meu pólo”.

Se na primeira quadra a imagem do “pólo kolkhoz” se revela num personagem lírico-épico, então na segunda quadra ganha destaque o som heróico da imagem, que adquire um conteúdo dinâmico cada vez maior. Então, o início energético da segunda quadra -

Ondas densas de centeio
O vento balança.

transmite o movimento impetuoso, a dinâmica no desenvolvimento da imagem do “campo da fazenda coletiva”. Já não é apenas “amplo e espaçoso”, mas também “famoso pela colheita”. Aí vem a divulgação adicional do subtexto do poema. O mar agitado de centeio é fruto do trabalho criativo Homem soviético- o criador de todas as bênçãos terrenas. Portanto, na terceira quadra, que é uma repetição literal da primeira, o apelo à “polushka” soa com renovado vigor: não mais como uma reflexão, mas como um hino à sua fertilidade, como um hino ao trabalho criativo de Povo soviético.
Assim, a imagem do “pólo da fazenda coletiva” no poema se revela em um desenvolvimento dinâmico da majestade lírico-épica a um poderoso som heróico. A técnica de enquadramento confere ao poema integridade temática e ao mesmo tempo abre espaço para a criatividade do compositor e autor de arranjos corais.

Analisando a música da música " Fazenda coletiva Polyushko”, é fácil notar que a entonação é muito precisa, em estilo de canção folclórica transmite o caráter imagem literária. A melodia da música é ampla, melodiosa e, graças à diversificada organização rítmica da métrica, cria uma atmosfera de excitação emocional e movimento interior. Cada verso da música, transmitindo o clima da quadra correspondente, é, por assim dizer, um certo estágio no desenvolvimento da imagem musical da música.
Na música do primeiro verso, há um apelo suave e amoroso ao "pólo kolkhoz". Mas, ao mesmo tempo, não se trata de uma conversa no sentido literal, mas sim de uma reflexão profunda, onde o “campo da fazenda coletiva” e o destino de uma pessoa, toda a sua vida se fundem num único conceito. Daí vem o clima definidor do primeiro verso - suavidade, sinceridade e significado.

O andamento é lento, o movimento da melodia é suave, o tom geral é pianíssimo (muito baixo).
Todos os elementos da expressão artística (melodia, metrorritmo, textura, fraseado) estão em constante movimento, como se revelassem cada vez mais novos aspectos da imagem, graças aos quais a obra se torna um material fértil para a performance artística.

O primeiro verso, assim como os versos subsequentes, consiste em quatro frases, cada uma com seu próprio pico dinâmico. Os sons que seguem até o topo são tocados com sonoridade aumentada, e os sons que seguem o topo são tocados com enfraquecimento. Assim, o pico é enfatizado dinamicamente e organiza os sons anteriores e subsequentes em torno de si. Na música em análise, o topo de cada frase é a primeira batida do segundo compasso. Mas as frases não são equivalentes em seu significado. EM este caso a frase de vértice principal é a terceira. O crescimento emocional sobe até ela, a melodia amplia o alcance, o movimento interno acelera reduzindo o número de compassos na segunda frase, a textura fica saturada: na primeira uma cantora canta, na segunda frase a segunda se junta a ela, e no terceira frase já soa um coro polifônico. Na quarta frase, ao contrário, já há um enfraquecimento da tensão emocional, dinamicamente soa mais fraco que a terceira, seu padrão rítmico muda, o alcance é encurtado e a textura é simplificada: o uníssono vem substituir o quádruplo.
Tal distinção entre frases valor artístico chamado fraseado. (Exemplo nº 1) Se o tom geral do verso for pianíssimo, então no topo das frases o som pode aumentar um pouco, chegando ao piano, e no final da frase retornar ao tom original.

A terceira frase (topo) soa um pouco mais forte que todas as outras (dentro do piano).

O desenvolvimento da imagem musical na segunda e terceira estrofes segue o caminho do crescimento dinâmico - do piano ao forte, complicação textural, desenvolvimento variante das vozes, mudanças no timbre, na natureza do movimento da melodia e na pronúncia das palavras. Todas essas mudanças são baseadas no princípio da injeção - um aumento gradual e contínuo, uma expansão. Em apoio ao que foi dito, consideremos o plano dinâmico e as mudanças texturais da música.

plano dinâmico
O primeiro verso é pianíssimo.
O segundo verso é piano.
O terceiro verso vai do mezzo forte ao fortíssimo.

As mudanças na dinâmica estão intimamente relacionadas à complicação textural: a primeira estrofe é cantada por um cantor, a segunda por dois e a terceira estrofe começa com todo o coro. Aqui vemos não apenas um aumento no número de leads, mas também um aumento no número de partes vocais, bem como uma variação na linha melódica do próprio lead. (Exemplo #2)

A música atinge seu clímax no último verso com as palavras: “Você é meu amplo, você é meu espaçoso”. Todos os elementos de expressão artística deste local atingem o seu nível mais elevado. Aqui está o som mais alto do coro, a natureza do movimento da melodia (ao contrário dos versos anteriores, não se distingue mais pela formação suave e calma do som, mas pela pronúncia arrebatadora, brilhante e cativante de o som e a palavra, a partir de uma combinação de acento e duração máxima dos sons), a textura atinge seu desenvolvimento limitante (5 vozes, subtons), por fim, a melodia atinge seu ponto mais alto, enfatizando o clímax emocional e o final de a música inteira. (Exemplo #3)

Assim, como resultado da análise artística, o diretor esclareceu o conteúdo da música e os meios pelos quais o compositor o revela. Mas isso não se limita ao trabalho preliminar da obra.
Cada tipo de arte possui sua técnica, ou seja, um conjunto de determinadas habilidades necessárias para criar uma imagem artística. Na arte coral, trata-se do sistema, conjunto, dicção, habilidades vocais - respiração, produção sonora e ressonância. Portanto, fica claro que a próxima etapa do trabalho preliminar do líder é a análise da obra já do ponto de vista de suas dificuldades técnicas.
Consideremos os principais pontos do trabalho de formação do coro.
Cantar sem acompanhamento exige especialmente dos intérpretes em termos de entonação de intervalos e acordes. A linha melódica da música, muito desenvolvida e repleta de intervalos amplos, apresenta grande dificuldade de entonação intervalar. É preciso estar atento aos segmentos melódicos que o coral consegue cantar desafinado: aos sons da segunda proporção

a uma sequência de sons da mesma altura, muitas vezes causando uma diminuição na entonação e, portanto, exigindo “puxar” a altura de cada som subsequente, para a entonação de semitons.
Para obter um som entonacionalmente puro, o regente do coro deve conhecer os padrões de entonação dos vários graus das escalas maiores e menores de acordo com o seu significado modal.
entonação escala maior.

O som do primeiro passo (tom básico) é entoado de forma constante. Os sons do segundo, terceiro, quinto, sexto e sétimo passos são entoados x.o pela vontade de subir. Com um desejo particularmente forte de subir, são entoados os sons do terceiro e sétimo passos (o terceiro da tríade tônica e o tom introdutório). O som do quarto passo é entoado com vontade de diminuir.

Deve-se notar que na música russa muitas vezes há um modo maior com um sétimo passo rebaixado. Nesse caso, é entoado com vontade de diminuir.

O exemplo nº 5 mostra a natureza da entonação de vários graus da escala maior. As setas apontando para cima indicam que o som deve ser entoado com tendência a subir, uma seta horizontal indica uma entonação estável e uma seta apontando para baixo indica uma entonação com tendência a cair.

Entonação em escala menor (natural).

Os sons do primeiro, segundo e quarto passos são entoados com vontade de subir.
Sons do terceiro, sexto e sétimo passos - com vontade de diminuir.
Na menor harmônica e melódica, o som do sétimo passo é entoado com forte tendência de subida. Na menor melódica, o som do sexto passo também é entoado com vontade de subir.

O exemplo nº 6 mostra a natureza da entonação dos sons da escala "Si bemol menor", na qual está escrita a música "Polyushko Kolkhoznoe".
A entonação precisa depende em grande parte da respiração cantada. A respiração lenta com vazamento de ar causa diminuição do som, a respiração sobrecarregada com pressão de ar muito forte, ao contrário, leva a forçar e aumentar a entonação. A formação lenta do som (com entrada) também causa imprecisão de entonação. Uma posição baixa, que provoca sobrecarga da laringe, acarreta diminuição da entonação do som, a sobreposição do som no registro superior leva ao mesmo resultado (para vozes folclóricas isso acontece em canções calmas). Com o uso insuficiente de ressonadores torácicos, a entonação muda para cima.
A "posição alta" do som tem um efeito particularmente benéfico na entonação, cuja essência é direcionar o som para os ressonadores superiores e liberar a tensão da laringe. Uma posição elevada deve ser alcançada em qualquer registro.

Ao trabalhar nesta música, isso deve ser levado em consideração especialmente ao praticar com segundos contraltos, que cantam em um registro muito baixo. Exercícios vocais, cantar frases separadas com a boca fechada ou nas sílabas “li”, “le” são de grande benefício na elaboração de sons agudos.
Assim, o canto entonacionalmente puro em um coro depende em grande parte do nível de todo o trabalho vocal, que deve ser realizado no sentido de educar diversas habilidades de canto e corrigir certas deficiências na voz dos cantores (aperto do som, forçamento, tremor, nasal tom, etc.).
A habilidade vocal mais importante é a respiração correta e inclinada." Freqüentemente, diz-se que um cantor que possui respiração cantada canta "em um suporte" ou "som inclinado". A respiração inclinada é caracterizada pelo fato de que todo o ar durante o canto vai completamente à produção de som sem vazamentos e é consumido de maneira suave e econômica. Nesse caso, surge o chamado "som suportado". Tem muita saturação, densidade, elasticidade. Um som sem suporte, ao contrário, é abafado, solto , fraco, com rouquidão, o que indica vazamento de ar inútil. É possível uma grande economia de ar e, conseqüentemente, o canto de grandes estruturas musicais em uma só respiração. frase musical.

Para obter um som oposto é necessário manter um “ajuste de inspiração”, ou seja, ao cantar o cantor não deve permitir o abaixamento e estreitamento do peito. Depois de inspirar, é necessário “prender” a respiração por um momento e depois proceder à produção do som. Esse momento de “atraso”, por assim dizer, coloca em alerta todo o aparelho do canto. Você precisa respirar com facilidade e naturalidade, sem tensão excessiva, quase da mesma forma que na conversação normal. O cantor deve respirar o máximo de ar necessário para realizar determinada tarefa. O volume do ar inspirado depende do tamanho da frase musical e do registro em que ela soa, bem como da força do som. Cantar em um registro agudo requer mais ar. Inalar muito ar resulta em som tenso e entonação imprecisa. A duração da respiração depende do ritmo do trabalho e deve ser igual ao tempo de duração de uma batida da barra. Para a execução contínua de longas construções musicais, e até mesmo de toda a obra, utiliza-se a chamada “respiração em cadeia”. A sua essência reside na renovação sucessiva da respiração por parte dos cantores do coro. No exemplo do nº 7, é dada a parte coral do segundo verso, que é executada na “respiração em cadeia”.

Cada cantor individualmente não consegue cantar todo esse segmento sem uma renovação da respiração, mas no coral, como resultado da sucessiva renovação da respiração dos cantores, essa frase soa inarticulada. A respiração normal do canto de um cantor seca na virada do quarto e quinto compassos, mas mesmo um cantor não é recomendado para respirar neste local. Com a “respiração em cadeia” é melhor respirar não na junção de duas construções musicais, mas na frente delas ou depois de algum tempo. Você precisa se desconectar do canto e reiniciá-lo imperceptivelmente, respirar brevemente e principalmente no meio de uma palavra ou em um som sustentado. (Exemplo #7).

A importância da natureza da expiração deve ser enfatizada mais uma vez. Deve ser econômico e uniforme em toda a sua extensão. Somente essa expiração pode criar um canto suave e elástico. Não permita que todo o ar seja consumido durante a expiração. É prejudicial cantar com um suprimento de ar muito esgotado.
No canto, o processo respiratório está intimamente ligado ao momento de origem do som, ou ataque. Existem três tipos de ataque – forte, aspirado e suave. Com um ataque forte, os ligamentos fecham antes que o ar seja fornecido. Então o jato de ar abre os ligamentos com pouco esforço. O resultado é um som áspero.
Um ataque aspirado é o oposto de um ataque forte. Com ele, o aparecimento do som é precedido por uma expiração silenciosa, após a qual os ligamentos se fecham com calma. Nesse caso, a vogal “A” parece adquirir o caráter do som “xx-a”, mas a consoante “x” não deve ser ouvida.

Com um ataque suave, o fechamento dos ligamentos começa simultaneamente com o início do som.
Um ataque firme no canto é raro (nas exclamações sonoras, na formação alta do som após uma pausa).
Exercícios firmemente atacados são de grande benefício, trazem à tona a sensação de um som “apoiado” e são uma forma de combater a formação sonora lenta que provoca “entrada”. Tais exercícios (exemplo nº 8) devem ser cantados em ritmo lento ao som da vogal “A”

A base do canto é um ataque suave. Aspirado - usado para sonoridade calma e muito tranquila.
Para cantores com vozes agudas, é útil cantar pequenos arganazes ou segmentos da frase musical da obra que está sendo aprendida nas vogais “I”, “E”, “Yo”, “Yu” ou a sílaba “LA”, “ LE”, “LE”, “LU".
A imagem artística na arte vocal surge na unidade da música e da palavra. Não só a qualidade da mensagem para o ouvinte depende da forma de pronúncia das palavras, ou da dicção. texto literário músicas, mas todo o processo de canto. Como você sabe, a palavra consiste na unidade de vogais e consoantes. Sine qua non dicção correta ao cantar, o som mais longo das vogais e a pronúncia curta e ativa das consoantes são baseados em uma interação clara da língua, lábios, dentes e palato com uma expiração uniforme e em nenhum caso espasmódica. É útil descobrir a clareza da pronúncia das consoantes em um som baixo, duplicando-as. Ao mesmo tempo, para fixar toda a atenção nas consoantes, é útil lançar cada sílaba de forma breve, mas não abrupta, calculando mentalmente a duração das notas sustentadas. (Exemplo #9)

De particular dificuldade na pronúncia são as combinações de várias consoantes (país), uma consoante no início de uma palavra (conhecer, não encontrar) e uma consoante no final de uma palavra (cor, não cor).
Para preservar a continuidade final do som da melodia, as consoantes no final de uma sílaba devem ser conectadas com a próxima sílaba.
"U—ro—zha—e—ms l a—v e—ts I."
A dicção clara é geralmente identificada com a pronúncia clara das consoantes, esquecendo que as vogais também desempenham um papel importante na pronúncia das palavras e na unidade geral do som coral.
As vogais são sons puros, sem mistura de ruído. Alguns deles soam brilhantes, abertos - "A", outros são cobertos - "O", "U", o terceiro - "fechado" - "I". O grau de tensão, ou brilho, das vogais é diferente, depende da posição da boca e do lugar da vogal na palavra (as vogais tônicas soam mais intensas, mais brilhantes que as átonas).

No canto, para criar uma linha vocal suave, todas as vogais são neutralizadas de alguma forma, ou seja, a linha nítida entre elas é apagada. Isso ocorre como resultado da manutenção aproximadamente da mesma posição da boca para todas as vogais. Sabe-se que a mesma vogal disposições diferentes boca adquire diferentes qualidades sonoras: com ampla boca aberta soa aberto, brilhante, quando entreaberto - coberto, suave, ao cantar com os cantos dos lábios abertos (em um sorriso) - soa leve, fácil, "próximo". Portanto, fica bastante claro que na sonoridade de uma única frase ou de toda a obra, marcada por um determinado humor, todas as vogais devem soar no mesmo tom emocional, com uma posição predominante da boca. A forma unificada de formação das vogais no coro é de importância decisiva, pois é a base da unidade timbre das vozes. Para desenvolver uma ressonância vocálica única, é útil cantar uma sequência de sons de mesma altura nas sílabas MI-ME-MA-MO-MU (a consoante "M" é usada para suavizar o ataque. Exemplo nº 10) . Nesse caso, é necessário garantir que todas as vogais sejam executadas com o mesmo grau de abertura bucal.

Para evitar a “entrada” ao cantar as vogais “A”, “O”, “U”, “E”, “I” seguindo qualquer outra ou a mesma vogal, principalmente na junção de duas palavras, é necessário estique a primeira vogal o máximo possível e passe instantaneamente para a segunda, atacando o som com um pouco mais de força. Por exemplo: "...polyushko é famosa por sua colheita."
Já dissemos acima que a vogal tônica soa mais forte e mais brilhante do que a átona. Mas às vezes, nas canções folclóricas, a batida forte do compasso não coincide com a ênfase da palavra. Nestes casos, a vogal que soa na batida forte do compasso deve ser executada com menos destaque do que a vogal em que as palavras são acentuadas (Exemplo 11)

Aqui vemos que na palavra “My” a vogal átona “O” corresponde a uma batida relativamente forte do compasso e portanto, destacando-se, irá distorcer a palavra. Para evitar que isso aconteça, a sílaba “MO” deve ser executada um pouco mais baixa que a vogal “Yo”.
O trabalho com vogais em um coro folclórico é de particular importância devido à visão errônea de alguns músicos sobre o timbre da voz folclórica. Eles acreditam que apenas um som aberto e branco é característico do canto folclórico. A falta de compreensão da base vocal do canto folclórico leva a uma orientação errada deste maravilhoso gênero de arte coral. É a riqueza do gênero russo canções nativas de um refrão calmo e gentil, cantigas nítidas a amplas telas de canções líricas cantadas e sardas vociferantes, não fala de sua mais ampla gama emocional?! Como você consegue cantar todas essas músicas com um só som?! É absolutamente claro que a sonoridade de um coro folclórico, como de qualquer outro coro, depende do conteúdo da música, do seu tom emocional.

A base de qualquer coletivo arte musical, incluindo o coral, é a unidade e uma certa coordenação de ações de todos os membros da equipe. Todos os elementos da sonoridade coral: estrutura, dicção, força, timbre, velocidade de movimento, etc. existem apenas em forma coletiva e de conjunto. Portanto, o trabalho em conjunto permeia todas as etapas da obra coral.
Já falamos sobre uma forma única de formação de vogais e consoantes. Agora consideraremos o conjunto rítmico e dinâmico. Em "Polyushka Kolkhozny" cada voz tem seu próprio padrão rítmico independente. Com uma execução única, existe o perigo de violação do conjunto rítmico. Para evitar isso, é necessário educar os cantores para sentirem a pulsação da melodia. Para isso, é bom cantar passagens musicais dividindo em voz alta cada semínima, meia e nota inteira em colcheias componentes (exemplo N2 12).

Graças a este exercício, o coro suportará com precisão durações complexas e passará para os sons subsequentes no tempo. Normalmente, em sons de longa duração, os cantores perdem a noção precisa de movimento e passam para os sons subsequentes com atraso ou antecedência.
O conjunto dinâmico do coro baseia-se no equilíbrio da força das vozes de uma parte e numa certa coordenação das partes entre si: ou a parte superior, conduzindo a voz principal, soa mais alto que as outras partes, então o a voz média ou baixa vem à tona, então todas as partes soam com a mesma força. Assim, na música “Polyushko Kolkhoznoe”, a princípio a voz superior soa mais alta, depois as mudanças melódicas em várias vozes começam a ser enfatizadas dinamicamente, no clímax da música todas as vozes soam com igual força.

A maioria das canções folclóricas russas são executadas com cantores principais. Nestes casos, é muito importante o conjunto entre o líder e o coro, que assume do líder todo o caráter da execução da música. Isso deve ser levado em consideração ao aprender esta música. base bom conjunto no coro está a correta seleção dos votos e sua igualdade quantitativa em cada partido. O resultado é um conjunto natural. Mas às vezes as vozes que compõem o acorde apresentam condições de tessitura diferentes. Nesse caso, o equilíbrio sonoro é alcançado artificialmente, como resultado de uma distribuição especial da intensidade sonora entre as vozes: a voz secundária escrita em registro agudo deve soar mais baixa, e a voz principal escrita em registro grave deve ser executada mais alta. Se todas as vozes em uma determinada situação forem executadas com a mesma força, então a voz secundária abafará a principal e, claro, não haverá conjunto.
Para criar um conjunto artisticamente completo, é necessário que cada cantor não apenas cante com precisão sua parte, mas também, ouvindo seus vizinhos de festa, se funda com eles. Além disso, ele deve ouvir a voz principal e medir a força de sua voz com ela.

O coletivo remonta a 2 de março de 1911, quando aconteceu no pequeno palco da Assembleia Nobre o primeiro concerto do coro camponês liderado por Mitrofan Efimovich Pyatnitsky. O programa do primeiro concerto incluiu 27 músicas das regiões de Voronezh, Ryazan e Smolensk da Rússia. Sergei Rachmaninoff, Fyodor Chaliapin e Ivan Bunin ficaram chocados com a arte de canto imaculada e inspirada dos camponeses e deram a mais alta avaliação aos cantores e músicos camponeses. Essa avaliação contribuiu muito para a formação da equipe como unidade criativa. Palco russo aqueles anos. Até 1917, o time era “amador”. Depois Revolução de outubro As atividades do coro foram apoiadas pelo governo soviético. Todos os membros se mudam para lugar permanente residência em Moscou. E desde o início da década de 1920, o coro vem realizando uma grande atividade de concertos não só em Moscou, mas em todo o país.

A partir do início da década de 30, a equipe chefiou como diretor de música Artista do Povo da URSS, laureado com Prêmios de Estado V. G. Zakharov, cujas canções do autor “And Who Knows Him”, “Along the Village”, “Russian Beauty”, glorificaram o Coro Pyatnitsky em todo o país.

No final da década de 1930, foram criados grupos orquestrais e de dança no coro, chefiados pelo Artista do Povo da Federação Russa V. V. Khvatov e pelo Artista do Povo da URSS, laureado com Prêmios de Estado, Professor T. A. Ustinova. Isso permitiu ampliar significativamente os meios expressivos do palco, e tal base estrutural foi preservada até os dias atuais, e muitos coletivos estatais foram criados nesta imagem.

Durante a Segunda Guerra Mundial, o coro em homenagem a M.E. Pyatnitsky conduziu uma grande atividade de concertos como parte das brigadas de concertos da linha de frente. E a música “Oh, fogs” de V.G. Zakharova se tornou o hino movimento partidário. No dia 9 de maio de 1945, o coral foi um dos principais grupos nas festividades grande vitória em Moscou. Além disso, foi uma das primeiras equipes encarregadas de representar o país no exterior. Em todas as décadas subsequentes, o coro em homenagem a M.E. Pyatnitsky liderou uma grande atividade de turnês e concertos. Ele apresentou sua arte a todos os cantos do país, visitou mais de 40 países ao redor do mundo. A equipe criou obras-primas da arte popular mundial.

Uma página significativa na história do grupo é a obra do Artista do Povo da URSS, ganhador do Prêmio do Estado, compositor VS Levashov. As canções de VS Levashov "Pegue um sobretudo - vamos para casa", "Meus subúrbios nativos" - e hoje são um adorno do palco da música moderna.

Sobre o coro em homenagem a M.E. Pyatnitsky criou artístico e documentários, como "Singing Russia", "Russian Fantasy", "All life in dance", "You, my Russia", Os livros "State Russian Folk Choir nomeado após M.E. Pyatnitsky" foram publicados sobre o M.E. VG Zakharov", "Russo danças folclóricas»; um grande número de coleções musicais "Do repertório do coro que leva o nome de M.E. Pyatnitsky", publicações de jornais e revistas, muitos discos foram lançados.

Coro moderno com o nome de M.E. Pyatnitsky é um organismo criativo complexo, composto por grupos corais, orquestrais e de balé com um aparato artístico e administrativo.

Fonte - http://www.pyatnitsky.ru/action/page/id/1194/?sub=kolektiv

De arafans ao chão, kokoshniks e arte musical. Coros folclóricos russos com o título de "acadêmicos" - como reconhecimento ao mais alto nível de atuação no palco. Mais sobre a trajetória dos “populistas” em grande palco-Natália Letnikova.

Coro Cossaco Kuban

200 anos de história. As canções dos cossacos são uma marcha a cavalo ou uma surtida a pé sob "Marusya, um, dois, três ..." com um apito valente. 1811 - ano da criação do primeiro coro na Rússia. Um monumento histórico vivo que transmitiu ao longo dos séculos a história do Kuban e as tradições de canto do exército cossaco. Nas origens estavam o iluminador espiritual do Kuban, o arcipreste Kirill Rossinsky e o regente Grigory Grechinsky. A partir de meados do século XIX, o coletivo não só participou em serviços divinos, mas também deu concertos seculares no espírito de temeridade Homens livres cossacos e, de acordo com Yesenin, - "feliz melancolia".

Coro Mitrofan Pyatnitsky

Uma equipa que há um século se autodenomina orgulhosamente “camponesa”. E mesmo que hoje artistas profissionais se apresentem no palco, e não os vociferantes grandes camponeses russos de Ryazan, Voronezh e outras províncias, o coro apresenta uma canção folclórica em incrível harmonia e beleza. Cada performance é admirável, como há cem anos. O primeiro concerto do coro camponês aconteceu no salão da Assembleia Nobre. O público, incluindo Rachmaninov, Chaliapin, Bunin, ficou chocado após a apresentação.

Coro Folclórico do Norte

Uma simples professora rural, Antonina Kolotilova, morava em Veliky Ustyug. Para o bordado, ela reuniu amantes da música folclórica. Numa noite de fevereiro costuraram linho para um orfanato: “A luz suave e suave que cai do relâmpago criava um conforto especial. E lá fora, o mau tempo de fevereiro assolava, o vento assobiava na chaminé, sacudia as tábuas do telhado, jogava flocos de neve pela janela. Dessa discrepância entre o calor de um quarto aconchegante e o uivo de uma nevasca, fiquei um pouco triste na alma. E de repente soou uma música, triste, persistente..."É assim que soa a melodia do norte - 90 anos. Já fora do palco.

Coro Folclórico Ryazan em homenagem a Evgeny Popov

Canções de Yesenin. Na terra natal do principal cantor das terras russas, seus poemas são cantados. Melódico, comovente, emocionante. Onde bétula branca- não aquela árvore, não aquela garota, congelada na margem alta do Oka. E o choupo é certamente “prateado e brilhante”. O coro foi criado com base no conjunto de folclore rural da aldeia de Bolshaya Zhuravinka, que atuava desde 1932. O coro Ryazan teve sorte. O próprio chefe do grupo, Yevgeny Popov, escreveu música para os versos de um compatriota que surpreendentemente sentiu a beleza. Eles cantam essas músicas como se estivessem falando sobre suas vidas. Quente e gentil.

Coro folclórico da Sibéria

Coro, balé, orquestra, ateliê infantil. Coro Siberiano multifacetado e em sintonia com o vento gelado. O programa do concerto "The Coachman's Tale" é baseado no material musical, musical e coreográfico do Território Siberiano, como muitos esquetes teatrais do grupo. A criatividade dos siberianos foi vista em 50 países ao redor do mundo - da Alemanha e Bélgica à Mongólia e Coréia. Sobre o que eles vivem, eles cantam. Primeiro na Sibéria e depois em todo o país. Como aconteceu com a canção “O pão é a cabeça de tudo” de Nikolai Kudrin, que foi interpretada pela primeira vez pelo Coro Siberiano.

Coro Folclórico Russo de Voronezh em homenagem a Konstantin Massalitinov

Músicas na linha de frente naqueles dias difíceis, quando, ao que parece, não há tempo para criatividade. O coro de Voronezh apareceu no assentamento de trabalho de Anna no auge do Grande Guerra Patriótica- em 1943. Os primeiros a ouvir as músicas da nova banda foram nas unidades militares. Primeiro grande concerto- com lágrimas nos olhos - passou em Voronezh, libertado dos alemães. No repertório - canções líricas e cantigas, que são conhecidas e amadas na Rússia. Incluindo agradecimentos à solista mais famosa do coro de Voronezh - Maria Mordasova.

Coro Folclórico do Volga em homenagem a Pyotr Miloslavov

“Um vento de estepe percorre o palco do teatro Châtelet e nos traz o aroma de canções e danças originais”,- escreveu o jornal francês L'Umanite em 1958. Samara-gorodok apresentou aos franceses a herança musical da região do Volga. O intérprete é o Coro Folclórico do Volga, criado por decisão do Governo da RSFSR em 1952 por Pyotr Miloslavov. Vida sem pressa e sincera às margens do grande Volga e no palco. Ekaterina Shavrina iniciou sua carreira na equipe. O Coro Volga cantou pela primeira vez a música "Snow-White Cherry".

Coro folclórico de Omsk

Urso com balalaica. O emblema do famoso time é bem conhecido na Rússia e no exterior. “Amor e orgulho da terra siberiana”, como os críticos apelidaram a equipe durante uma de suas viagens ao exterior. “O Coro Folclórico de Omsk não pode ser chamado apenas de restaurador e guardião de uma antiga canção folclórica. Ele próprio é uma personificação viva da arte popular dos nossos dias”,- escreveu o britânico The Daily Telegraph. O repertório é baseado em canções siberianas gravadas pela fundadora da banda, Elena Kalugina, há meio século e em imagens vívidas da vida. Por exemplo, a suíte "Winter Siberian Fun".

Coro folclórico dos Urais

Apresentações nas frentes e em hospitais. Os Urais não apenas deram metal ao country, mas também elevaram o moral com danças turbulentas e danças circulares, o mais rico material folclórico da terra dos Urais. Sob a Filarmônica de Sverdlovsk, grupos amadores das aldeias vizinhas de Izmodenovo, Pokrovskoye, Katarach, Laya foram unidos. "Nosso gênero está vivo"- dizem na equipe hoje. E salvar esta vida é considerada a tarefa principal. Como o famoso Ural "Semyora". Drobushki e Barabushki estão no palco há 70 anos. Não é uma dança, mas uma dança. Autêntico e remoto.

Coro folclórico de Orenburg

Um lenço de penas como parte de uma fantasia de palco. Rendas fofas entrelaçadas com canções folclóricas e numa dança redonda - como parte da vida dos cossacos de Orenburg. A equipa foi criada em 1958 para preservar a cultura e os rituais únicos que existem "no limite da vasta Rus', ao longo das margens dos Urais". Cada performance é como uma performance. Eles tocam não apenas músicas que o povo compôs. Até a dança tem uma base literária. "Quando os cossacos choram" - uma composição coreográfica baseada na história de Mikhail Sholokhov da vida dos aldeões. Porém, cada música ou dança tem sua própria história.

Coro folclórico do norte da Rússia - a alma do Mar Branco

Os Arkhangelsk Pomors são descendentes dos antigos novgorodianos que colonizaram esta região nos tempos antigos. Sua arte ainda está preservada em sua forma original. Este peculiar mundo artístico com suas próprias leis e conceitos de beleza. Ao mesmo tempo, nas canções e danças do Norte, o humor, o entusiasmo e o temperamento interior característicos dos Pomors se manifestam claramente. A arte da canção do Norte é especial, distingue-se pela severidade do estilo, pureza casta e contenção, tudo isso combinado com um começo épico corajoso e obstinado.
O Coro do Norte é justamente chamado de pérola da cultura russa. Em 85 anos de existência, nunca mudou de papel. Cada performance é um mundo artístico especial e uma performance dinâmica brilhante: grandes produções de enredo, composições vocais e coreográficas, pinturas feriados populares. Todos os tons sonoros da natureza setentrional são ouvidos na polifonia musical do coro: o dialeto pensativo da taiga, a castidade suave dos rios, a profundidade ecoante do oceano e o tremor transparente das noites brancas.

Antonina Yakovlevna KOLOTILOVA - fundadora e diretora artística do Coro Folclórico Acadêmico Estatal do Norte da Rússia (1926 - 1960), Artista do Povo da RSFSR, Artista Homenageado da RSFSR, laureada com o Prêmio Estadual da URSS

“Aquele que não ama a sua canção nativa não ama o seu povo nativo!”(A.Ya. Kolotilova)

Antonina Yakovlevna Kolotilova (Sherstkova) nasceu em 1890 na aldeia de Zhilino, não muito longe de cidade antiga Grande Ustyug.
Em 1909, Kolotilova formou-se com louvor no Ginásio Feminino Veliky Ustyug e foi lecionar em uma escola rural na vila de Pelyaginets, distrito de Nikolsky, província de Vologda. Foi nesta aldeia que Antonina Kolotilova começou a mostrar o seu interesse profissional pelo folclore. Ela sempre assistiu com interesse às cerimônias do norte, ouviu canções, aprendeu a lamentar, a se dignificar, dominou a forma de movimento de meninas e mulheres em danças circulares, quadrilhas e reverências.
Kolotilova, nascida e criada no norte da Rússia, amava-a profundamente pátria, especialmente - a extensão dos prados inundados na época da floração das gramíneas.
Em 1914, Antonina Yakovlevna casou-se e mudou-se para Nikolsk. Lá ela trabalha como professora em escola pública e continua a coletar e gravar canções, contos e cantigas locais. O talento artístico inato ajudou a jovem a dominar facilmente a cultura e a forma de atuação.
Após 5 anos, os Kolotilovs mudaram-se para Veliky Ustyug. É nesta antiga cidade do norte da Rússia que começa a história do Coro do Norte. Aqui Antonina Yakovlevna organiza um conjunto feminino amador, que se apresenta em clubes, e um pouco mais tarde em uma emissora de rádio inaugurada na cidade. Devo dizer que os primeiros membros da equipe eram em sua maioria donas de casa. Eles chegaram facilmente ao apartamento dela, organizaram ensaios coletivos, estudaram as músicas que os interessavam. Os concertos dos jovens coristas foram recebidos com aprovação pelos ouvintes e as apresentações na rádio tornaram o grupo muito popular. Naquela época, havia cerca de 15 pessoas no coral amador de Kolotilova.

“Antonina Yakovlevna mereceu plenamente o amor do povo e a glória de si mesma, pois deu todas as suas forças e pensamentos, energia inesgotável e paixão de sua alma ao canto folclórico e ao coral que ela criou... Se esta mulher maravilhosa não tivesse sido no mundo, não haveria nosso coro folclórico do norte da Rússia!"(Nina Konstantinovna Meshko)

Nascimento do Coro Norte

Em 1922, em Moscou, no estúdio de gravação, Antonina Yakovlevna conheceu Mitrofan Pyatnitsky. Foi esse encontro que se tornou um marco para Kolotilova. O conhecimento do trabalho do coro Pyatnitsky serviu de impulso para a criação de seu próprio coro folclórico de canções do norte. No dia 8 de março de 1926, um pequeno grupo amador se apresentou pela primeira vez na Casa dos Trabalhadores da Educação. Este dia foi o aniversário do Coro Folclórico do Norte da Rússia.
No início, o coro era etnográfico, mas depois as condições de vida no palco exigiram uma reestruturação organizacional e criativa: um grupo de dança, acordeonistas. Em 1952, o coral organizou grupo orquestral através dos esforços do compositor V.A. Laptev.
Na equipe havia apenas 12 cantores. Os trajes das mães e avós serviam de fantasia - verdadeiros vestidos e blusas camponesas. Os primeiros harmonistas foram os irmãos Tryapitsyn Boris e Dmitry, bem como o irmão mais novo de Antonina Yakovlevna Valery Sherstkov. As festas nos ensaios foram ministradas pela voz do diretor artístico. Antonina Yakovlevna não só mostrou como cantar, mas também como se mover, se curvar e se comportar corretamente no palco.
O coro recém-criado foi sempre bem recebido nos empreendimentos da cidade, nas instituições de ensino e nas aldeias vizinhas. O status de grupo amador não impediu Kolotilova de trabalhar seriamente, tratando com cuidado a música nortenha e reproduzindo com precisão a forma de sua apresentação! Ela nunca mudou esses requisitos no futuro. Nos primeiros anos, o coral tocava principalmente canções folclóricas antigas, que as cantoras - ex-camponesas, indígenas do Norte - conheciam desde a infância, possuíam não só habilidades performáticas, mas também um estilo folclórico de improvisação. Não é à toa que o Coro Norte é há muito considerado o mais etnograficamente autêntico, consistente na sua linha criativa, preservando as tradições da canção nortenha, e os coristas sempre se distinguiram pela capacidade de penetrar nas profundezas da imagem musical e encarnar com uma beleza única.
Em 1931, Kolotilova organizou um coro em Arkhangelsk de maior escala, tanto em número de participantes quanto em volume de repertório. Os programas dos concertos incluem canções de Pinezhye, Pomerânia do Norte, danças e cenas do quotidiano. O mais rico material musical que Kolotilova coleta durante suas viagens a várias regiões da região de Arkhangelsk. Paralelamente, foram adquiridos figurinos para os integrantes do coral.
Em 1935, enquanto viajava por Pomorie, Antonina Yakovlevna conheceu Marfa Semyonovna Kryukova, uma famosa contadora de histórias. Kolotilova garantiu que Kryukova participasse do primeiro All-Union Radio Festival (1936). Posteriormente, Marfa Kryukova viajou com o Coro Norte para Moscou, onde, junto com Antonina Yakovlevna, trabalhou nos primeiros contos.
Além dos épicos, a programação do coral sempre incluía canções-bufões engraçadas, dançantes, cômicas, oriundas da arte dos músicos-bufões itinerantes, e canções líricas prolongadas, que os cantores executavam de maneira comovente e sincera.
Durante a guerra, a equipe deu muitos shows. Eles viajavam em vans, viviam famintos, não dormiam o suficiente e de vez em quando fugiam dos bombardeios. Eles foram para a Frota do Norte, para Murmansk, para o Ártico, para a frente careliana-finlandesa, para os Urais. Em 1944 partiram por seis meses para o Extremo Oriente.

Antonina Kolotilova: “Eu amo meu Norte natal e canto músicas para ele!”

Até 1960, Antonina Yakovlevna permaneceu como diretora artística do grupo. Todos os anos de trabalho de Kolotilova foram repletos de trabalho árduo e incansável e ardor criativo, um desejo sincero de preservar e transmitir aos contemporâneos a profundidade da originalidade e da beleza da arte popular. Território do Norte, busca constante sempre novas formas de palco e meios de atuação. A vida de Kolotilova foi um verdadeiro feito criativo e as tradições por ela estabelecidas estão vivas na equipe.

Fonte: Residentes Proeminentes de Vologda: Esboços Biográficos/
Ed. conselho "Enciclopédia Vologda" - Vologda:
VSPU, editora "Rus", 2005. - 568 p. - ISBN 5-87822-271-X

Em 1960, a Artista do Povo da RSFSR, laureada com o Prêmio do Estado Antonina Yakovlevna Kolotilova, entregou a liderança do grupo a uma graduada do Conservatório Estadual Tchaikovsky de Moscou, uma experiente professora e maestrina de coro Nina Konstantinovna Meshko. novo período na vida da equipe é marcada pelo crescimento do profissionalismo e da cultura cênica.

Nina Konstantinovna Meshko - Artista do Povo da URSS, laureada com o Prêmio de Estado da RSFSR em homenagem a Glinka, diretora artística do coro folclórico do norte de 1960 a 2008, acadêmica da IAU, professora do departamento da Academia Russa de Ciências. Gnesinas

“O povo se baseia em sua cultura tradicional indígena!”(Nina Meshko)

Nina Meshko nasceu em 1917 na aldeia de Malakhovo, distrito de Rzhevsky, região de Tver, no seio de uma família de professores, onde gostavam muito de canções. Mamãe, Alexandra Vasilievna, tinha uma voz maravilhosa, e seu pai, Konstantin Ivanovich, não apenas liderava o coral da escola, mas também adorava cantar na igreja local.

Das memórias de N.K. Mêsko: “Não me lembro quantos anos eu tinha, talvez menos de um ano... Eu estava enrolado em um lenço felpudo e alguém me segurava nos braços. Na cozinha, as pessoas estavam sentadas em volta de uma grande mesa de madeira e todos cantavam. E ao mesmo tempo experimentei uma felicidade completamente inexplicável..."

A pequena Nina dominou o piano de forma independente, estudou teoria musical elementar e solfejo. E ela ficou tão capturada pelo mundo da música que decidiu: só música e nada mais! E assim, sem dúvida, Nina Meshko ingressa na escola de música que leva o nome da Revolução de Outubro, e depois de se formar no Conservatório de Moscou para maestro e corpo docente de coral. Foi lá que Nina Konstantinovna ouviu pela primeira vez o Coro Norte. Ele causou uma impressão muito forte nela.
E então Nina Meshko foi convidada a criar um coro folclórico na região de Moscou. Foi depois desse trabalho que Nina Konstantinovna finalmente decidiu: só canto folclórico e nada mais.

Das memórias de N.K. Mêsko: “Algum tipo de obsessão literalmente explodiu em mim para reviver a cultura folclórica do canto. Porque ela era a melhor! Esta é uma habilidade! Isto é evidenciado pelos registros, especialmente os do norte.

Depois do Coro de Moscou, Nina Meshko trabalhou com o Coro de Canção Folclórica Russa da Rádio All-Union, e então foi recebido um convite para liderar o Coro do Norte. O Norte a conquistou e fez com que ela se apaixonasse por si mesma.

Das memórias de N.K. Mêsko: “Tocar uma música como no Norte pode ser feito por pessoas que estão muito familiarizadas com a cultura do canto, tendo vozes bonitas, flexíveis e livres.”

Por quase 50 anos, Nina Konstantinovna Meshko liderou o Coro Folclórico Acadêmico do Norte da Rússia, conhecido não apenas na Rússia, mas também muito além de suas fronteiras. Ela assumiu a batuta de sua professora Antonina Kolotilova. Sob Nina Meshko, o coro foi laureado com vários competições internacionais. Meshko foi o fundador da Escola Gnessin de Canto Folclórico. "School Meshko" trouxe uma galáxia de professores, mestres de coro e intérpretes de canções folclóricas. Entre eles estão Tatyana Petrova, Nadezhda Babkina, Lyudmila Ryumina, Natalya Boriskova, Mikhail Firsov e muitos outros. Lyudmila Zykina a considerava sua professora. Meshko desenvolveu sua própria técnica coral, que agora é usada por seus numerosos alunos.

Das memórias de N.K. Mêsko: “A arte da canção é uma crônica da vida de todo o povo russo. É único, extraordinariamente rico, assim como a língua russa é insuperavelmente rica. E então está vivo, em constante desenvolvimento, renovando-se, renascendo das cinzas... O povo se baseia na sua cultura tradicional, indígena.

Confissão

Perdoe-me, perdoe-me Senhor
Pelo que eu não pude fazer
E na agitação do dia
Não tive tempo de pagar minhas dívidas.
eu não consegui dar
Alguém olha, alguém acaricia,
Um não aliviou a dor,
Não contei a história para outras pessoas.
Na frente de parentes em uma hora triste
Não me arrependi
E o mendigo na bolsa mais de uma vez
Não deu esmola.
Amigos amorosos, muitas vezes eles
Eu me ofendo involuntariamente
E vendo as tristezas dos outros,
Fujo do sofrimento.
Eu corro ansiosamente para o céu,
Mas o fardo das preocupações atrai para a terra.
Eu quero dar um pedaço de pão -
E eu esqueço em cima da mesa.
Eu sei tudo que deveria
Mas não cumpriu a aliança...
Você vai me perdoar Senhor
Por tudo, por tudo, por tudo por isso?

N. Meshko

Irina Lyskova,
Secretária de Imprensa do Coro Norte

A originalidade do repertório e a atenção à riqueza musical da região

O grupo dirigente do coletivo - o coral feminino cativa o ouvinte com seu timbre único, a beleza dos cantos originais, a pureza do som das vozes femininas a cappella. O coro mantém a continuidade da tradição do canto. O coro norte, que se distingue por uma elevada cultura de canto e uma originalidade única, preserva de forma estável as tradições e a prioridade da elevada espiritualidade na execução.
Os trajes do Coro Norte merecem atenção especial. Criados por figurinistas profissionais, com base nas melhores amostras das coleções de museus de Arkhangelsk, Moscou, São Petersburgo, eles são uma imagem coletiva do traje nacional russo dos nortistas. Durante o concerto, os artistas trocam de figurino diversas vezes - apresentando-se diante do público em trajes festivos, cotidianos ou estilizados criados especificamente para números de concertos.
O grupo consiste em três grupos - coral, dança e orquestra de instrumentos folclóricos russos. Já em 1952, um grupo orquestral foi organizado como parte do coro através dos esforços do compositor V.A. Laptev. No som dos instrumentos folclóricos russos da orquestra há uma sinceridade e calor incríveis. A originalidade do repertório e a atenção à riqueza musical da região, a modernidade e o alto nível de atuação trazem ao coral um sucesso merecido!
A atenção do espectador está constantemente voltada para o palco: bufões alegres alternam com canções líricas prolongadas, quadrilhas fervorosas substituem danças circulares calmas, canto a cappella alterna com obras musicais.
O Coro Norte dá atenção especial à formação de seu ouvinte, seu telespectador, por isso muitos de seus programas são dedicados a crianças, adolescentes e estudantes. O coro continua ativamente suas atividades de concerto na Rússia e no exterior.
Em 1957, a equipe foi laureada no Festival da Juventude e dos Estudantes de Moscou. Este evento abriu caminho para o coral no exterior. Começou novo palco nas atividades do coletivo, para obter reconhecimento no exterior, o coral deve ser especial.
Desde 1959, o coro viajou pela Polónia, Bulgária, França, Alemanha, Itália, China, Índia, Afeganistão, Japão, Tunísia e EUA. A equipe foi várias vezes à Finlândia com shows, visitou a Suécia e a Noruega. Preparou o programa "Arctic Rhapsody" em conjunto com o conjunto de dança folclórica "Rimpparemmi" na Finlândia (Rovaniemi). Trabalhou em 2004 e 2007 em Damasco (Síria), onde foram realizadas as Jornadas da Rússia no centro Russo-Sírio. Em 2005, a equipe é convidada pela associação de museus da cidade de Varde (Noruega) para comemorar o aniversário da cidade. No outono de 2005 a equipe participa do festival de cultura e cinematografia russa em Nice. “Os cantos mais íntimos da alma francesa foram tocados por artistas - nortistas da Rússia, tendo recebido uma resposta emocional poderosa, o público não deixou os artistas irem por muito tempo, aplaudindo com lágrimas nos olhos. Este é o triunfo da arte popular nacional russa!” - foi assim que as atuações do coro foram avaliadas pela mídia francesa. Em 2007, o Coro Norte foi oficialmente convidado pelo Ministério da Cultura da Síria, pelo Escritório de Representação do Roszarubezhcenter na República Árabe Síria e pela Rússia Centro Cultural em Damasco para o festival de folclore na cidade de Bosra.
O Coro do Norte participa regularmente de grandes eventos na Rússia, por isso, na primavera de 2004, a equipe participou do Festival de Páscoa em Moscou, em 2005, junto com o Artista Homenageado da Rússia, aluno de N.K. Meshko T. Petrova e a Orquestra Acadêmica Nacional de Instrumentos Folclóricos da Rússia em homenagem a N.P. Osipova participou da celebração do 250º aniversário da Universidade Estadual de Moscou.
O Coro Norte combina com sucesso a música de autor de compositores modernos com melos folclóricos tradicionais, alcançando verdade cênica e sabor nortenho na atuação dos artistas. O repertório do coro inclui canções baseadas em poemas de: Sergei Yesenin, Olga Fokina, Larisa Vasilyeva, Alexander Prokofiev, Viktor Bokov, poetas de Arkhangelsk Dmitry Ushakov e Nikolai Zhuravlev, Oleg Dumansky.

Prêmios e títulos do coro norte

Durante seus 85 anos de vida criativa, a equipe recebeu altos títulos e prêmios.

1940
A equipe recebeu o status de equipe estadual profissional.

1944
1 prêmio por Revisão totalmente russa coros (Moscou)

1957
Laureado e Grande Medalha de ouro VI festival mundial jovens e estudantes (Moscou).
Laureado e Diploma de 1º grau (secundário) no segundo All-Union Festival teatros musicais, conjuntos, coros (Moscou).

1967
Diploma da Revisão All-Union de grupos de arte profissionais.

1971
Laureado do VI Festival Internacional de Folclore de Túnis.

1975
Laureado e Diploma de 1º grau na Revisão Pan-Russa de Coros Folclóricos Profissionais Russos.

1976
Por despacho do Ministro da Cultura, foi-lhe atribuído o título - “Académico”.

1977
Laureado e Medalha de Ouro do Festival de Amizade Soviético-Alemã de Magdeburg.
Laureado no concurso de grupos artísticos da Rússia.

1999
Laureado do IV Festival "Folklore Spring" e do 1º Festival Pan-Russo de Cultura Nacional.

ano 2001
Laureado do Festival Internacional de Folclore de Saint-Ghislain (Bélgica).

2002
Laureado do Festival Internacional de Folclore de Rovaniemi (Finlândia).
Laureado do Festival Pan-Russo de Moscou culturas nacionais.

2003
Laureado do Festival Russo de Culturas Nacionais (São Petersburgo).
Vencedor do Congresso e Festival das Culturas Nacionais dos Povos da Rússia (Nizhny Novgorod).

2007
Laureado do festival de arte popular da cidade de Bosra (República Árabe Síria).

2010
Laureado do I Festival Russo de Arte de Canto Folclórico "Origens Eternas" (Moscou).

2011
8 de março programa de concerto"Northern Choir for All Seasons" marcou o 85º aniversário do Northern Choir.
O Coro do Norte recebeu o status de "Objeto especialmente valioso do patrimônio cultural da região de Arkhangelsk".
Laureado do Festival Internacional de Natal da Itália. No âmbito da competição, a equipa recebeu dois diplomas de ouro nas nomeações “Folclore de Palco” e “Canto Espiritual”.

ano 2012
Laureado do festival de coros profissionais "Dança de roda eslava" (Ryazan).
Organizador do II Festival de Memória de Toda a Rússia Artista do Povo URSS, diretora artística do grupo Nina Konstantinovna Meshko.

Líderes do Coro Norte

Diretor do coro: Natália GeorgievnaAsadchik.

Diretor artistico: Artista Homenageado da Rússia, Professora da Academia de Música Gnessin Svetlana Konopyanovna Ignatieva.

Maestro Chefe: Artista Homenageado da Rússia Alexander Mikhailovich Kachaev.

Coreógrafo principal: Artista Homenageado da Rússia Selivanov Alexander Petrovich.