O romantismo musical é uma característica comum. Arte musical da era do romantismo - apresentação no Teatro de Arte de Moscou

A música ocupou um lugar especial na estética do romantismo. Foi declarado modelo e norma para todas as áreas da arte, pois, devido à sua especificidade, é capaz de expressar da forma mais plena os movimentos da alma.“A música começa quando as palavras terminam” (G. Heine).

O romantismo musical como uma direção desenvolvida no inícioXIXséculo e desenvolveu-se em estreita ligação com várias tendências da literatura, pintura e teatro. Primeira etapa o romantismo musical é representado pelas obras de F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, N. Paganini, G. Rossini; a próxima etapa (1830-50) - a obra de F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, J. Verdi. A fase tardia do romantismo se estende até o fimXIXséculo. Assim, se na literatura e na pintura a direção romântica basicamente completa seu desenvolvimento em meadosXIXséculos, a vida do romantismo musical na Europa é muito mais longa.

EM romantismo musical, assim como em outras formas de arte e literatura, a oposição do mundo dos ideais belos e inatingíveis e da vida cotidiana permeada pelo espírito de filistinismo e filistinismo deu origem, por um lado, ao conflito dramático, ao domínio dos motivos trágicos de solidão, desesperança, errância, etc., com o outro - a idealização e poetização do passado distante, da vida popular, da natureza. Em comum com o estado de espírito de uma pessoa, a natureza nas obras dos românticos costuma ser colorida com uma sensação de desarmonia.

Como outros românticos, os músicos estavam convencidos de que os sentimentos são uma camada mais profunda da alma do que a mente:"a mente está enganada, sentimentos - nunca" (R. Schumann).

O especial interesse pela personalidade humana inerente à música romântica expressou-se na predominância detom pessoal . A revelação do drama pessoal muitas vezes adquiriu uma conotação entre os românticos.autobiografia, que trouxe uma sinceridade especial para a música. Assim, por exemplo, muitos obras de piano Schumann estão ligados à história de seu amor por Clara Wieck. Berlioz escreveu a sinfonia autobiográfica "Fantástica". A natureza autobiográfica de suas óperas foi fortemente enfatizada por Wagner.

Muitas vezes entrelaçado com o tema da "confissão lírica"tema da natureza .

A verdadeira descoberta dos compositores românticos foitema fantasia. A música pela primeira vez aprendeu a incorporar imagens fabulosas e fantásticas por meios puramente musicais. em óperasXVII - XVIIIpersonagens "sobrenaturais" de séculos (como a Rainha da Noite de " flauta mágica”) falou na linguagem musical “geralmente aceita”, destacando-se pouco do background de pessoas reais. Os compositores românticos aprenderam a transmitir o mundo da fantasia como algo completamente específico (com a ajuda de cores orquestrais e harmônicas incomuns). Um exemplo notável é a "Cena da Ravina do Lobo" no Weber's Magic Shooter.

Se XVIIIséculo foi a era dos improvisadores virtuosos de tipo universal, igualmente hábeis em cantar, compor, tocar vários instrumentos, entãoXIXo século foi uma época de entusiasmo sem precedentes pela arte dos pianistas virtuosos (K. M. Weber, F. Mendelssohn, F. Chopin, F. Liszt, I. Brahms).

A era do romantismo mudou completamente a "geografia musical do mundo". Sob a influência do despertar ativo da autoconsciência nacional dos povos da Europa, escolas de jovens compositores na Rússia, Polônia, Hungria, República Tcheca e Noruega avançaram para a arena musical internacional. Os compositores desses países, incorporando as imagens da literatura nacional, história, natureza nativa, contou com entonações e ritmos do folclore nativo.

Altamente característico do romantismo musical é o interesse emArte folclórica . Como os poetas românticos que, à custa do folclore, enriqueceram e atualizaram linguagem literária, músicos amplamente voltados para o folclore nacional - canções folclóricas, baladas, épicos (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. Smetana, E. Grieg, etc.). Incorporando as imagens da literatura nacional, história, natureza nativa, eles contaram com as entonações e ritmos do folclore nacional, revivendo os velhos modos diatônicos.Sob a influência do folclore, o conteúdo da música européia mudou drasticamente.

Novos temas e imagens exigiram o desenvolvimento de românticosnovos meios de linguagem musical e os princípios de modelagem, individualização da melodia e introdução de entonações de fala, expansão do timbre e paleta harmônica da música (trastes naturais, justaposições coloridas de maior e menor, etc.).

Já que o foco dos românticos não é mais a humanidade como um todo, mas uma pessoa específica com seu sentimento único, respectivamentee nos meios de expressão, o geral cada vez mais dá lugar ao individual, individualmente único. A proporção de entonações generalizadas na melodia, progressões de acordes comumente usadas na harmonia e padrões típicos na textura estão diminuindo - todos esses meios estão sendo individualizados. Na orquestração, o princípio dos grupos ensemble deu lugar ao solo de quase todas as vozes orquestrais.

O ponto mais importanteestética o romantismo musical foia ideia de síntese artística , que encontrou sua expressão mais vívida na obra operística de Wagner e emmúsica do programa Berlioz, Schumann, Liszt.

Gêneros musicais nas obras de compositores românticos

Na música romântica, três grupos de gêneros emergem claramente:

• gêneros que ocupavam um lugar subordinado na arte do classicismo (principalmente música e miniatura de piano);
• gêneros percebidos pelos românticos da época anterior (ópera, oratório, ciclo sonata-sinfônico, abertura);
• gêneros poéticos livres (baladas, fantasias, rapsódias, poemas sinfônicos). O interesse por eles é explicado pelo desejo dos compositores românticos de se expressar livremente, a transformação gradual das imagens.

Primeiro plano em cultura musical defensores do romantismocanção como um gênero mais adequado para expressar os pensamentos mais íntimos de um artista (enquanto no trabalho profissional de compositoresXVIIIséculo, a canção lírica recebeu um papel modesto - servia principalmente para preencher o lazer). Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Grieg e outros trabalharam no campo da música.

O típico compositor romântico cria muito diretamente, espontaneamente, a mando de seu coração. A compreensão romântica do mundo não é uma compreensão filosófica consistente da realidade, mas uma fixação instantânea de tudo o que tocou a alma do artista. Nesse sentido, na era do romantismo, o gênero floresceuminiaturas (independente ou combinado com outras miniaturas em um ciclo). Esta não é apenas uma música e um romance, mas também composições instrumentais -momentos musicais, improvisados, prelúdios, estudos, noturnos, valsas, mazurcas (em conexão com a confiança na arte popular).

Muitos gêneros românticos devem sua origem à poesia, suas formas poéticas. Assim são os sonetos, as canções sem palavras, os contos, as baladas.

Uma das ideias principais da estética romântica - a ideia de uma síntese das artes - naturalmente colocou o problema da ópera no centro das atenções. Quase todos os compositores românticos se voltaram para o gênero operístico com raras exceções (Brahms).

O tom de expressão pessoal e confidencial inerente ao romantismo transforma completamente os gêneros clássicos da sinfonia, sonata e quarteto. Eles recebeminterpretação psicológica e lírico-dramática. O conteúdo de muitas obras românticas está associado aprogramação (ciclos de piano Schumann, os anos de peregrinação de Liszt, as sinfonias de Berlioz, a abertura de Mendelssohn).

Francês romantismo

Um movimento artístico que surgiu no final do século XVIII e início do século XIX. primeiro na literatura (Alemanha, Grã-Bretanha, outros países da Europa e América), depois na música e outras artes. O conceito de "romantismo" vem do epíteto "romântico"; antes do século 18 ele apontou algumas características de obras literárias escritas em línguas românicas (ou seja, não nas línguas da antiguidade clássica). Eram romances (romance espanhol), bem como poemas e romances sobre cavaleiros. Em con. século 18 “romântico” é entendido de forma mais ampla: não apenas como aventureiro, divertido, mas também como um povo antigo e original, distante, ingênuo, fantástico, espiritualmente sublime, fantasmagórico, assim como incrível, assustador. “Os românticos romantizaram tudo o que gostaram do passado recente e distante”, escreveu F. Blume. Eles percebem a obra de Dante e W. Shakespeare, P. Calderon e M. Cervantes, J. S. Bach e J. W. Goethe como “suas”, muito na antiguidade; eles também são atraídos pela poesia do Dr. Minnesingers orientais e medievais. Com base nas características observadas acima, F. Schiller chamou sua "Donzela de Orleans" de "tragédia romântica" e nas imagens de Mignon e Harper ele vê o romantismo dos "Anos dos Ensinamentos de Wilhelm Meister" de Goethe.

romantismo como termo literário aparece pela primeira vez em Novalis como termo musical- E. T. A. Hoffmann. No entanto, em seu conteúdo, não é muito diferente do epíteto correspondente. O romantismo nunca foi um programa ou estilo claramente definido; Esse círculo largo tendências ideológicas e estéticas, em que a situação histórica, o país, os interesses do artista criaram certos acentos, determinaram vários objetivos e meios. No entanto, a arte romântica de diferentes formações também tem importantes características comuns tanto no que diz respeito à posição ideológica quanto ao estilo.

Tendo herdado muitas de suas características progressistas do Iluminismo, o romantismo está ao mesmo tempo associado a uma profunda decepção tanto com o próprio iluminismo quanto com os sucessos de toda a nova civilização como um todo. Para os primeiros românticos que ainda não conheciam os resultados da Grande revolução Francesa, decepcionante foi o processo geral de racionalização da vida, sua subordinação a uma "razão" média e sóbria e praticidade sem alma. No futuro, especialmente durante os anos do Império e da Restauração, o significado social da posição dos românticos - sua antiburguesia - tornou-se cada vez mais claramente delineado. De acordo com F. Engels, “as instituições públicas e políticas estabelecidas pela vitória da razão acabaram sendo uma caricatura maligna e amargamente decepcionante das brilhantes promessas dos iluministas” (Marx K. e Engels F., On Art, vol. 1, M., 1967, p. 387).

Na obra dos românticos, a renovação da personalidade, a afirmação da sua força e beleza espiritual, conjuga-se com a exposição do reino dos filisteus; humano de pleno direito, criativo se opõe a medíocre, insignificante, atolado em vaidade, vaidade, cálculo mesquinho. Na época de Hoffmann e J. Byron, V. Hugo e George Sand, H. Heine e R. Schumann, a crítica social do mundo burguês havia se tornado um dos principais elementos do romantismo. Em busca de fontes de renovação espiritual, os românticos muitas vezes idealizaram o passado, tentaram inspirar vida nova em mitos religiosos. Assim, nasceu uma contradição entre a orientação progressista geral do romantismo e as tendências conservadoras que surgiram em seu próprio canal. Na obra dos músicos românticos, essas tendências não tiveram um papel perceptível; eles se manifestaram principalmente nos motivos literários e poéticos de algumas obras, porém, na interpretação musical de tais motivos, o princípio vivo e real-humano geralmente superava.

O romantismo musical, que se manifestou de forma tangível na segunda década do século XIX, foi um fenômeno historicamente novo e, ao mesmo tempo, revelou laços sucessivos profundos com os clássicos musicais. A obra de compositores destacados da época anterior (incluindo não só os clássicos vienenses, mas também a música dos séculos XVI e XVII) serviu de suporte para o cultivo de um alto escalão artístico. Foi esse tipo de arte que se tornou o modelo para os românticos; segundo Schumann, “só esta fonte pura pode alimentar as forças da nova arte” (“Sobre a Música e os Músicos”, vol. 1, M., 1975, p. 140). E isso é compreensível: só o sublime e perfeito poderia se opor com sucesso à conversa fiada musical do salão secular, ao virtuosismo espetacular do palco e palco de ópera, tradicionalismo indiferente dos músicos artesanais.

Os clássicos musicais da era pós-Bach serviram de base para o romantismo musical em relação ao seu conteúdo. A partir de C. F. E. Bach, o elemento do sentimento se manifestou cada vez mais livremente, a música dominou novos meios que possibilitaram expressar tanto a força quanto a sutileza da vida emocional, o lirismo em sua versão individual. Essas aspirações fizeram com que muitos músicos da segunda metade do século XVIII se relacionassem. com o movimento literário Sturm und Drang. A atitude de Hoffmann em relação a K. V. Gluck, W. A. ​​​​Mozart e, especialmente, a L. Beethoven, como artistas de um armazém romântico, era bastante natural. Tais avaliações refletiam não apenas a predileção pela percepção romântica, mas também a atenção às características de "pré-romantismo" que eram realmente inerentes aos principais compositores da segunda metade do século XVIII e início do século XIX.

O romantismo musical também foi historicamente preparado pelo movimento que o precedeu para o romantismo literário na Alemanha entre os românticos "Jenian" e "Heidelberg" (W. G. Wackenroder, Novalis, irmãos F. e A. Schlegel, L. Tieck, F. Schelling, L . Arnim, C. Brentano, e outros), do escritor Jean Paul, que lhes era próximo, depois de Hoffmann, na Grã-Bretanha, dos poetas dos chamados. A “escola do lago” (W. Wordsworth, S. T. Coleridge e outros) já havia desenvolvido completamente os princípios gerais do romantismo, que foram então interpretados e desenvolvidos na música à sua maneira. No futuro, o romantismo musical foi significativamente influenciado por escritores como Heine, Byron, Lamartine, Hugo, Mickiewicz e outros.

As áreas mais importantes da criatividade dos músicos românticos incluem letras, fantasia, folk e original nacional, natural, característico.

A importância primordial das letras no romântico. a arte, especialmente na música, foi fundamentada fundamentalmente por ele. R. teóricos. Para eles, "romântico" é principalmente "musical" (o lugar mais honroso foi dado na hierarquia da arte na música), porque o sentimento reina supremo na música e, portanto, a obra de um artista romântico encontra seu objetivo mais alto iniciar. Portanto, a música é a letra. No aspecto filosófico abstrato, segundo a teoria da lit. R., permite que uma pessoa se funda com a "alma do mundo", com o "universo"; no aspecto da vida concreta, a música por sua natureza é o antípoda da prosa. realidade, é a voz do coração, capaz de falar com a maior plenitude sobre uma pessoa, sua riqueza espiritual, sobre sua vida e aspirações. É por isso que no campo das letras das musas. R. pertence à palavra mais brilhante. O lirismo, o imediatismo e a expressão, a individualização do lirismo alcançada pelos músicos românticos eram novidades. declarações, a transferência de psicológico. o desenvolvimento de um sentimento cheio de novos detalhes preciosos em todas as suas fases.

A ficção em contraste com a prosa. a realidade é semelhante à letra e muitas vezes, especialmente na música, está entrelaçada com esta última. Em si, a fantasia revela diversas facetas igualmente essenciais para R. Atua como liberdade da imaginação, livre jogo de pensamento e sentimento, e ao mesmo tempo. como liberdade de conhecimento, precipitando-se com ousadia no mundo do "estranho", maravilhoso, desconhecido, como se desafiasse a praticidade filisteu, miserável "senso comum". A fantasia também é uma espécie de beleza romântica. Ao mesmo tempo, a ficção científica possibilita de forma indireta (e, portanto, com máxima generalização artística) colidir o belo e o feio, o bom e o mau. Nas artes. R. deu uma grande contribuição para o desenvolvimento deste conflito.

O interesse dos românticos pela vida "externa" está inextricavelmente ligado ao conceito geral de conceitos como folclore e identidade nacional, natural, característico. Foi um desejo de recriar a autenticidade, primazia, integridade perdida na realidade circundante; daí o interesse pela história, pelo folclore, o culto da natureza, interpretada como primordial, como a mais completa e sem distorção da "alma do mundo". Para um romântico, a natureza é um refúgio dos problemas da civilização, consola e cura uma pessoa inquieta. Os românticos deram uma grande contribuição ao conhecimento, à arte. reavivamento de pessoas poesia e música de épocas passadas, bem como de países "distantes". Segundo T. Mann, R. é “uma saudade do passado e, ao mesmo tempo, um reconhecimento realista do direito à originalidade de tudo o que realmente existiu com sua própria cor e atmosfera locais” (Coll. soch., v. . 10 , M., 1961, p. 322), iniciada no Reino Unido no século XVIII. coleção de nacional folclore foi continuado no século 19. W. Scott; na Alemanha, foram os românticos que primeiro coletaram e divulgaram os tesouros dos beliches. criatividade de seu país (coleção de L. Arnim e K. Brentano "The Magic Horn of a Boy", "Children's and Family Tales" do irmão Grimm), que teve grande importância e para música. O desejo de uma transmissão fiel do nacional-nat. artes. estilo ("cor local") - uma característica comum de músicos românticos de diferentes países e escolas. O mesmo pode ser dito sobre a música. paisagem. Criado nesta área por compositores 18 - cedo. século 19 muito ultrapassado pelos românticos. na musica a personificação da natureza, R. alcançou uma concretude figurativa até então desconhecida; isso foi servido pelos expressos recém-descobertos. meios de música, principalmente harmônicos e orquestrais (G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner).

A "característica" atraiu os românticos em alguns casos como originais, íntegros, originais, em outros - como estranhos, excêntricos, caricaturados. Perceber a característica, expô-la significa romper o véu cinza nivelador da percepção comum e tocar a vida real, bizarramente colorida e fervilhante. Na luta por esse objetivo, um típico para românticos art-in lit. e música. retrato. Tal afirmação foi frequentemente associada à crítica do artista e levou à criação de retratos paródicos e grotescos. De Jean Paul e Hoffmann, a tendência a um esboço de retrato característico é transmitida a Schumann e Wagner. Na Rússia, não sem a influência do romântico. tradições musicais. retrato desenvolvido entre compositores nat. realista. escolas - de A. S. Dargomyzhsky a M. P. Mussorgsky e N. A. Rimsky-Korsakov.

R. desenvolveu elementos de dialética na interpretação e exibição do mundo e, nesse aspecto, foi próximo de seu contemporâneo. clássico filosofia. Na ação, o entendimento da relação entre o particular e o geral é potencializado. De acordo com F. Schlegel, romântico. a poesia é “universal”, ela “contém tudo o que é poético, desde o maior sistema de artes, que novamente inclui sistemas inteiros, até um suspiro, um beijo, como eles se expressam na canção natural de uma criança” (“Fr. Schlegels Jugendschriften”, hrsg von J. Minor, Bd 2, S. 220). Variedade ilimitada com extensão oculta. unidade - é isso que os românticos valorizam, por exemplo. em Dom Quixote de Cervantes; F. Schlegel chama o tecido heterogêneo desse romance de “a música da vida” (ibid., p. 316). Este é um romance com "horizontes abertos" - observa A. Schlegel; segundo sua observação, Cervantes recorre a "variações infinitas", "como se fosse um músico sofisticado" (A. W. Schlegel. Sämtliche Werke, hrsg. von E. Böcking, Bd 11, S. 413). Tal arte. posição gera atenção especial quanto ao otd. impressões e suas conexões para a criação de um conceito comum. Na música diretamente. a efusão de sentimento torna-se filosófica, a paisagem, a dança, a cena de gênero, o retrato impregnam-se de lirismo e levam a generalizações. R. mostra um interesse especial pelo processo da vida, naquilo que N. Ya. Berkovsky chama de “fluxo direto da vida” (“Romanticism in Germany”, Leningrado, 1973, p. 31); isso também se aplica à música. É típico dos músicos românticos lutar por transformações infinitas do pensamento original, por um desenvolvimento “infinito”.

Já que R. viu em todas as reivindicações um único significado e um único capítulo. o objetivo é se fundir com a misteriosa essência da vida, a ideia de síntese das artes adquiriu um novo significado. “A estética de uma arte é a estética de outra; apenas o material é diferente”, observa Schumann (“On Music and Musicians”, vol. 1, M., 1975, p. 87). Mas a combinação de "diferentes materiais" aumenta o poder impressionante do todo artístico. Na fusão profunda e orgânica da música com a poesia, com o teatro, com a pintura, novas possibilidades se abriram para a arte. Na área de instr. música, o princípio da programabilidade adquire um papel importante, ou seja, inclusão tanto na ideia do compositor quanto no processo de percepção da música, lit. e outras associações.

R. é especialmente amplamente representado na música da Alemanha e da Áustria. Em um estágio inicial - o trabalho de F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, L. Spohr, G. Marschner; posteriormente pela escola de Leipzig, principalmente por F. Mendelssohn-Bartholdy e R. Schumann; no 2º andar. século 19 - R. Wagner, I. Brahms, A. Bruckner, Hugo Wolf. Na França, R. já apareceu nas óperas de A. Boildieu e F. Aubert, então de uma forma muito mais desenvolvida e original de Berlioz. Romântico na Itália tendências foram visivelmente refletidas em G. Rossini e G. Verdi. europeu comum valor recebeu o trabalho do computador polonês. F. Chopin, Hung. - F. Liszt, italiano. - N. Paganini (a obra de Liszt e Paganini também foi o auge da performance romântica), alemão. -J. Meyerbeer.

Nas condições do nacional As escolas R. mantinham muito em comum e ao mesmo tempo mostravam uma notável originalidade nas ideias, enredos, gêneros favoritos e também no estilo.

Nos anos 30. seres foram encontrados. desacordo entre ele. e francês escolas. Existem idéias diferentes sobre a medida permissível de estilística. inovação; polêmica também foi a questão da admissibilidade da estética. compromissos do artista para agradar os gostos da "multidão". O antagonista da inovação de Berlioz foi Mendelssohn, que defendeu firmemente as normas de um estilo "clássico-romântico" moderado. Schumann, que defendeu ardentemente Berlioz e Liszt, não aceitou, no entanto, o que lhe parecia os extremos dos franceses. escolas; ele preferiu o muito mais equilibrado Chopin ao autor da Sinfonia Fantástica, Mendelssohn extremamente conceituado e A. Henselt, S. Heller, V. Taubert, W. S. Bennett e outros próximos a este compositor. Schumann critica Meyerbeer com extraordinária nitidez, vendo em sua espetacular teatralidade, apenas demagogia e busca do sucesso. Heine e Berlioz, ao contrário, apreciam a dinâmica "huguenotes" do autor. música dramaturgia. Wagner desenvolve críticas Os motivos de Schumann, no entanto, em sua obra, ele vai longe das normas de um romântico moderado. estilo; aderindo (ao contrário de Meyerbeer) a critérios estéticos rígidos. seleção, ele segue o caminho de reformas ousadas. Tudo está. século 19 como uma oposição à escola de Leipzig, a assim chamada. Nova escola alemã ou Weimar; Liszt tornou-se seu centro em seus anos de Weimar (1849-61), R. Wagner, H. Bülow, P. Cornelius, J. Raff e outros eram adeptos. dramas do tipo wagneriano e outros tipos radicalmente reformados de nova música. ação judicial. Desde 1859, as idéias da nova escola alemã foram representadas pelo "General German Ferein" e pelo jornal criado já em 1834 por Schumann. "Neue Zeitschrift für Musik", Krym desde 1844 foi dirigido por K. F. Brendel. No campo oposto, junto com o crítico E. Hanslik, o violinista e compositor J. Joachim, e outros, estava J. Brahms; este último não buscou polêmica e defendeu seus princípios apenas na criatividade (em 1860, Brahms sozinho assinou um artigo polêmico - um discurso coletivo contra certas idéias dos "Weimarites", publicado na revista berlinense "Echo" ). O que os críticos tendiam a considerar conservadorismo na obra de Brahms, na verdade, era uma arte viva e original, onde o romântico. a tradição foi atualizada, experimentando uma nova e poderosa influência do clássico. música do passado. As perspectivas desse caminho foram mostradas pelo desenvolvimento da Europa. próxima música. décadas (M. Reger, S. Frank, S. I. Taneev e outros). Na mesma medida, os insights dos “weimaritas” mostraram-se promissores. No futuro, as disputas entre as duas escolas tornam-se historicamente obsoletas.

Já que no mainstream de R. houve buscas bem-sucedidas por nat. autenticidade, social e psicológica. veracidade, os ideais desse movimento estavam intimamente ligados à ideologia do realismo. Tais conexões são evidentes, por exemplo, nas óperas de Verdi e Bizet. O mesmo complexo é típico para vários nat. música escolas no seculo 19 Em russo música romântica. os elementos estão claramente representados já por M. I. Glinka e A. S. Dargomyzhsky, na 2ª parte. século 19 - dos compositores de The Mighty Handful e de P. I. Tchaikovsky, mais tarde de S. V. Rachmaninov, A. N. Scriabin, N. K. Medtner. Sob a forte influência de R. jovens musas se desenvolveram. culturas da Polônia, República Tcheca, Hungria, Noruega, Dinamarca, Finlândia (S. Moniuszko, B. Smetana, A. Dvorak, F. Erkel, K. Sinding, E. Grieg, N. Gade, E. Hartman, K. Nielsen, I Sibelius e outros), bem como espanhol. música 2º andar. 19 - implore. século 20 (I. Albeniz, E. Granados, M. de Falla).

Musas. R. contribuiu ativamente para o desenvolvimento de letras vocais de câmara e ópera. De acordo com os ideais de R. na reforma do wok. música ch. papel é desempenhado pelo aprofundamento da síntese de art-in. Wok. a melodia responde com sensibilidade à expressividade do poético. palavras, torna-se mais detalhado e individual. Ferramenta a festa perde o caráter de “acompanhamento” neutro e está cada vez mais saturada de conteúdo figurativo. Na obra de Schubert, Schumann, Franz, Wolf, pode-se traçar um caminho que vai da canção desenvolvida pelo enredo à “música. poema." Entre wok. gêneros, aumenta o papel da balada, monólogo, cena, poema; músicas em pl. casos são combinados em ciclos. no romantico ópera, que se desenvolveu em dez. direções, a conexão entre música, palavras, teatro está aumentando constantemente. ações. Este propósito é servido por: o sistema de musas. características e leitmotivs, o desenvolvimento de entonações de fala, a fusão da lógica da música. e palco desenvolvimento, o uso de ricas oportunidades sinfônicas. orquestra (as partituras de Wagner pertencem às maiores realizações da sinfonia operística).

Em instr. música, compositores românticos são especialmente propensos a FP. miniatura. Uma peça curta torna-se uma fixação do momento, desejável para um artista romântico: um esboço superficial de um estado de espírito, uma paisagem, uma imagem característica. Aprecia e se relaciona. simplicidade, proximidade com as fontes vitais da música - cantar, dançar, a capacidade de capturar um sabor original e fresco. Variedades populares de romântico. peça curta: “canção sem palavras”, noturno, prelúdio, valsa, mazurca, além de peças com nomes de programas. Em instr. a miniatura atinge imagens de alto conteúdo e relevo; com uma forma compacta, distingue-se por uma expressão brilhante. Como no wok. letras, aqui há uma tendência de unir otd. peças em ciclos (Chopin - Prelúdios, Schumann - "Cenas infantis", Liszt - "Anos de andanças", etc.); em alguns casos, trata-se de ciclos de estrutura "através", onde entre os individuais são relativamente independentes. joga surgem dif. tipo de entonação. comunicações (Schumann - "Borboletas", "Carnaval", "Kreisleriana"). Esses ciclos "através" já dão uma ideia das principais tendências do romantismo. interpretação de um grande instr. formulários. Por um lado, enfatiza o contraste, a diversidade do indivíduo. episódios, por outro lado, a unidade do todo é fortalecida. Sob o signo dessas tendências, uma nova criatividade é dada. interpretação do clássico sonata e ciclo sonata; as mesmas aspirações determinam a lógica das formas “livres” de uma parte, que geralmente combinam as características de uma sonata allegro, um ciclo sonata e variação. Os formulários "gratuitos" eram especialmente convenientes para a música do programa. Em seu desenvolvimento, na estabilização do gênero da “sinfonia” de uma parte. poemas" O mérito de Liszt é grande. O princípio construtivo subjacente aos poemas de Liszt - a livre transformação de um tema (monotematismo) - cria uma expressão. contrastes e ao mesmo tempo garante a unidade máxima de toda a composição (Prelúdios, Tasso, etc.).

No estilo da música R. o papel mais importante é desempenhado por meios modais e harmônicos. A busca por uma nova expressividade está associada a dois processos paralelos e muitas vezes inter-relacionados: ao fortalecimento do funcional e ao dinâmico. lados das harmonias e com amplificação do harmônico. colorido. O primeiro desses processos foi a saturação crescente dos acordes com alterações e dissonâncias, o que agravava sua instabilidade, aumentava a tensão que exigia resolução nos harmônicos futuros. movimento. Tais propriedades de harmonia expressam melhor o “langor” típico de R., o fluxo de sentimentos “infinitamente” em desenvolvimento, que foi incorporado com particular perfeição no “Tristão” de Wagner. Efeitos coloridos já apareceram no uso das possibilidades do sistema modal maior-menor (Schubert). Novas cores muito diversas. tons foram extraídos dos chamados. modos naturais, com a ajuda de que Nar foi enfatizado. ou arcaico. a natureza da música; um papel importante - especialmente na ficção científica - foi atribuído aos trastes com escalas de tom inteiro e "tom-semitom". Propriedades coloridas também foram encontradas em um acorde dissonante cromaticamente complicado, e foi nesse ponto que os processos observados acima se tocaram claramente. Fresco efeitos sonoros também foram alcançados através comparações de acordes ou modos dentro da diatônica. escala.

no romantico melódico agiu o seguinte ch. tendências: na estrutura - o desejo de amplitude e continuidade do desenvolvimento, e em parte pela "abertura" da forma; no ritmo - superando as tradições. métrica de regularidade. acentos e qualquer automático repetição; na entonação. composição - detalhando, preenchendo com expressividade não apenas os motivos iniciais, mas também toda a melodia. desenho. O ideal de Wagner de "melodia sem fim" incluía todas essas tendências. A arte dos maiores melodistas do século XIX também está ligada a eles. Chopin e Tchaikovsky. Musas. R. enriqueceu muito, individualizou os meios de apresentação (textura), tornando-os um dos elementos mais importantes das musas. imagens. O mesmo se aplica ao uso de instr. composições, especialmente sinfônicas. orquestra. R. desenvolveu cor. os meios da orquestra e a dramaturgia do orc. desenvolvimento a uma altura que a música de épocas anteriores não conhecia.

Música tardia. R. (final do século 19 - início do século 20) ainda deu “ricas mudas”, e entre seus maiores sucessores o romântico. a tradição ainda expressava as ideias do progressista, humanista. reivindicações (G. Mahler, R. Strauss, K. Debussy, A. N. Skryabin).

A nova criatividade está associada ao fortalecimento e transformação qualitativa das tendências de R.. realizações na música. Imagens recém-detalhadas estão sendo cultivadas - tanto na esfera das impressões externas (colorido impressionista) quanto na transmissão primorosamente sutil de sentimentos (Debussy, Ravel, Scriabin). As possibilidades da música estão se expandindo. figuratividade (R. Strauss). O refinamento, por um lado, e o aumento da expressividade, por outro lado, criam uma escala mais ampla de expressividade emocional da música (Scriabin, Mahler). Ao mesmo tempo, no final da R., que se confunde intimamente com as novas tendências na virada dos séculos XIX e XX. (impressionismo, expressionismo), os sintomas da crise foram crescendo. No início. século 20 A evolução de R. revela uma hipertrofia do princípio subjetivo, uma degeneração gradual do refinamento em amorfo e imobilidade. Uma reação polêmica a essas características de crise foi a musa. anti-romantismo dos anos 10-20 (I. F. Stravinsky, jovem S. S. Prokofiev, compositores do francês "Seis", etc.); o falecido R. se opôs ao desejo de objetividade no conteúdo, de clareza na forma; surgiu nova onda"classicismo", o culto dos velhos mestres, cap. arr. era pré-Beethoven. meados do século 20 mostrou, no entanto, a viabilidade das tradições mais valiosas de R. Apesar das tendências destrutivas intensificadas na música ocidental, R. manteve sua base espiritual e, enriquecida com novas estilísticas. elementos, foi desenvolvido por muitos. grandes compositores do século XX. (D. D. Shostakovich, Prokofiev, P. Hindemith, B. Britten, B. Bartok e outros).

Literatura: Asmus V., Musical Aesthetics of Philosophical Romanticism, "SM", 1934, nº 1; Nef K., History of Western European Music, traduzido do francês. Editado por B. V. Asafiev, Moscou, 1938. Sollertinsky I., Romantismo, sua estética geral e musical, em seu livro: Estudos históricos, L., 1956, vol.1, 1963; Zhitomirsky D., Notas sobre o Romantismo Musical (Chopin e Schumann), "SM", 1960, nº 2; a sua, Schumann e o Romantismo, no seu livro: Robert Schumann, M., 1964; Vasina-Grossman V., Canção romântica do século XIX, M., 1966; Konen, V., História da Música Estrangeira, vol. 3, M., 1972; Mazel L., Problemas da harmonia clássica, M., 1972 (cap. 9 - Sobre o desenvolvimento histórico da harmonia clássica no século XIX e início do século XX); Skrebkov S., princípios artísticos estilos musicais, M., 1973; Estética musical da França no século XIX. Comp. textos, introdução. artigo e introdução. ensaios de E. F. Bronfin, M., 1974 (Monumentos do pensamento musical e estético); Música da Áustria e Alemanha do século XIX, livro. 1, M., 1975; Druskin M., História da música estrangeira, vol. 4, M., 1976.

D. V. Zhitomirsky

ideológico direção artística, que se desenvolveu em todos os países da Europa e do Norte. América em con. 18 - 1º andar. século 19 R. expressou a insatisfação da sociedade burguesa. mudanças, opondo-se ao classicismo e ao iluminismo. F. Engels observou que "... as instituições sociais e políticas estabelecidas pela "vitória da razão" acabaram sendo uma caricatura maligna e amargamente decepcionante das brilhantes promessas dos iluministas." A crítica ao novo modo de vida, delineado na corrente iluminista entre os sentimentalistas, era ainda mais evidente entre os românticos. O mundo parecia-lhes deliberadamente irracional, cheio de pessoas misteriosas, incompreensíveis e hostis. personalidade. Para os românticos, as altas aspirações eram incompatíveis com o mundo exterior, e a discórdia com a realidade acabou sendo quase a principal. recurso R. Planícies e vulgaridade do mundo real R. opostos religião, natureza, história, fantástico. e exótico. esferas, adv. criatividade, mas acima de tudo - a vida interior do homem. Representações sobre sua R. extremamente enriquecidas. Se a antiguidade era o ideal do classicismo, então R. foi guiado pela arte da Idade Média e dos tempos modernos, considerando A. Dante, W. Shakespeare e J. W. Goethe como seus predecessores. R. afirmou a arte, não prevista por modelos, mas criada pelo livre arbítrio do artista, personificando seu mundo interior. Não aceitando a realidade circundante, R. na verdade a conhecia mais profunda e plenamente do que o classicismo. a arte mais elevada pois R. era a música, como a personificação do elemento livre da vida. Ela alcançou grande sucesso durante esse tempo. R. também foi um período de desenvolvimento extraordinariamente rápido e significativo do balé. Os primeiros passos de um romântico balés foram feitos na Inglaterra, Itália, Rússia (Sh. Didlo, A. P. Glushkovsky e outros). No entanto, R. de forma mais completa e consistente tomou forma em francês. teatro balé, cuja influência se refletiu em outros países. Um dos pré-requisitos para isso era o alto desenvolvimento da tecnologia clássica na França naquela época. dança, principalmente feminina. Mais claramente romântico. as tendências manifestaram-se nos balés de F. Taglioni ("La Sylphide", 1832, etc.), onde a ação geralmente se desenrolava em paralelo nos mundos real e fantástico. A fantasia libertou a dança da necessidade de justificativas cotidianas privadas, abriu espaço para o uso da técnica acumulada e seu posterior desenvolvimento para revelar as propriedades essenciais dos personagens representados na dança. Na dança feminina, que se destacou no balé de R., os saltos foram cada vez mais amplamente introduzidos, surgiram as danças nas sapatilhas de ponta, etc., que correspondiam perfeitamente à aparência criaturas sobrenaturais- Willis, sílfide. No balé R. dominou a dança. Novas formas composicionais do clássico dança, o papel da dança feminina uníssono do corpo de balé aumentou acentuadamente. Conjunto, dueto e dança solo. O papel da bailarina principal aumentou, começando com M. Taglioni. Uma túnica apareceu como um traje permanente para uma dançarina. O papel da música aumentou, muitas vezes antes do da seleção nacional. A sinfonia de danças começou. ações. O ápice do romance. balé - "Giselle" (1841), encenada por J. Coralli e J. Perrot. A obra de Perrault marcou uma nova etapa no balé R. A performance agora dependia muito da iluminação. a fonte original ("Esmeralda" de acordo com Hugo, "Corsair" de acordo com Byron, etc.) e, portanto, a dança foi mais dramatizada, o papel de composições eficazes (pas d "ação" aumentou), o folclore de dança foi usado mais Aspirações semelhantes se manifestaram no trabalho das datas mais proeminentes Dançarinos de balé em agosto Bournonville Dançarinos F. Elsler, C. Grisi, F. Cerrito, L. Grand, E. I. Andreyanova, E. A. Sankovskaya se apresentaram.

Tipo romântico. performance, estabelecida nos balés de Taglioni, Perrot, Bournonville, continuou a existir até o fim. século 19 No entanto, a estrutura interna dessas performances, principalmente no trabalho de balés. M. I. Petipa, transformada.

O desejo de um renascimento romântico. o balé em sua forma original se manifestou na obra de alguns mestres do balé do século XX. M. M. Fokin deu a R. no balé novos recursos do impressionismo.

Balé. Enciclopédia, SE, 1981

I Música (do grego musike, literalmente a arte das musas) é um tipo de arte que reflete a realidade e afeta uma pessoa por meio de sequências sonoras significativas e especialmente organizadas, consistindo principalmente de tons ... ... Grande Enciclopédia Soviética

- (grego moysikn, de mousa musa) um tipo de traje que reflete a realidade e afeta uma pessoa por meio de sequências sonoras significativas e especialmente organizadas em altura e tempo, consistindo principalmente de tons ... ... Enciclopédia de música

Conteúdo 1 Aspectos históricos 2 Literatura 2.1 Origem 2.2 Realismo ... Wikipedia

Este termo é derivado do grego ή μουσική (implicando arte τέχνη), isto é, a arte das Musas (principalmente as deusas do canto e da dança). Mais tarde, recebeu um significado mais amplo dos gregos, no sentido do desenvolvimento harmonioso do espírito em geral, e conosco novamente ... ... Dicionário Enciclopédico F.A. Brockhaus e I. A. Efron

MÚSICA ESPIRITUAL- música. obras de Cristo. conteúdo não destinado a ser realizado durante o culto. D. m. muitas vezes se opõe à música secular e, nesse sentido, uma gama extremamente ampla de fenômenos da música litúrgica é às vezes referida a essa área ... ... Enciclopédia Ortodoxa

As raízes de N.m remontam aos tempos antigos. Dados arqueológicos. estudos indicam a existência de outros germes. tribos de vários tipos de espíritos. ferramentas (lurs), a fabricação de krykh remonta à Idade do Bronze. Aceso. e histórico...... Enciclopédia de música

Características da formação de musas. cultura dos EUA, que começou em con. XVII, foram largamente determinadas pelo tipo colonial de desenvolvimento do país. Transferido para Amer. o chão da música as tradições da Europa, África, depois Ásia foram assimiladas e, interagindo, ... ... Enciclopédia de música

As origens de R. m. remontam ao trabalho do Oriente. glória. tribos que habitavam o território do Dr. Rus' antes do surgimento no século IX. o primeiro russo vai va. SOBRE espécies antigas leste glória. a música pode ser hipoteticamente julgada por otd. histórico provas...... Enciclopédia de música

As origens do F. m. remontam ao folclore das tribos celtas, gaulesas e francas que viveram em tempos antigos no território da atual França. Nar. a arte da canção, assim como a cultura galo-romana, tornou-se a base para o desenvolvimento de F. m. Ancient lit. E… … Enciclopédia de música

No final do século XVIII - início do XIX século, surgiu uma direção artística como o romantismo. Nesta época, as pessoas sonhavam com um mundo ideal e "fugiam" na fantasia. Esse estilo encontrou sua personificação mais vívida e figurativa na música. Entre os representantes do romantismo, compositores do século XIX como Carl Weber,

Robert Schumann, Franz Schubert, Franz Liszt e Richard Wagner.

Franz Liszt

O futuro nasceu na família de um violoncelista. Seu pai lhe ensinou música desde cedo. Ainda criança, cantava em um coral e aprendeu a tocar órgão. Quando Franz tinha 12 anos, sua família mudou-se para Paris para que o menino pudesse estudar música. Não foi admitido no conservatório, no entanto, desde os 14 anos que compõe esquetes. Tal século 19 como Berlioz, Paganini, teve uma grande influência sobre ele.

Paganini se tornou o verdadeiro ídolo de Liszt e ele decidiu aprimorar suas próprias habilidades no piano. A atividade de concerto de 1839-1847 foi acompanhada por um triunfo brilhante. Durante esses anos, Ferenc criou a famosa coleção de peças "Anos de Andanças". Um virtuoso do piano e um dos favoritos do público tornou-se uma verdadeira personificação da época.

Franz Liszt compôs música, escreveu vários livros, ensinou e conduziu aulas abertas. Compositores do século 19 de toda a Europa vieram até ele. Podemos dizer que quase toda a sua vida ele se dedicou à música, pois trabalhou por 60 anos. Até hoje, seu talento e habilidade musical são um modelo para os pianistas modernos.

Ricardo Wagner

O gênio criou uma música que não poderia deixar ninguém indiferente. Ela tinha admiradores e oponentes ferozes. Wagner era fascinado pelo teatro desde a infância, e aos 15 anos decidiu criar uma tragédia com a música. Aos 16 anos, trouxe suas composições para Paris.

Por 3 anos ele tentou em vão encenar uma ópera, mas ninguém queria lidar com um músico desconhecido. Tal compositores populares XIX, como Franz Liszt e Berlioz, que conheceu em Paris, não lhe trazem sorte. Ele está na pobreza e ninguém quer apoiar suas ideias musicais.

Tendo falhado em França, o compositor regressa a Dresden, onde começa a trabalhar como maestro no teatro da corte. Em 1848 emigrou para a Suíça, pois após participar do levante foi declarado criminoso. Wagner estava ciente da imperfeição da sociedade burguesa e da posição dependente do artista.

Em 1859, ele cantou o amor na ópera Tristan und Isolde. Em Parsifal, a fraternidade universal é apresentada de forma utópica. O mal é derrotado e a justiça e a sabedoria vencem. Todos os grandes compositores do século XIX foram influenciados pela música de Wagner e aprenderam com sua obra.

No século 19, uma escola nacional de composição e execução foi formada na Rússia. Existem dois períodos na música russa: romantismo precoce e clássico. O primeiro inclui compositores russos do século 19 como A. Varlamov, A. Verstovsky, A. Gurilev.

Mikhail Glinka

Mikhail Glinka fundou uma escola de compositores em nosso país. O espírito russo está presente em todas as suas famosas óperas como "Ruslan e Lyudmila", "Life for the Tsar" estão imbuídas de patriotismo. Glinka resumiu as características da música folclórica, usando velhas melodias e ritmos da música folclórica. O compositor também foi um inovador na dramaturgia musical. Sua obra é a ascensão da cultura nacional.

Os compositores russos deram ao mundo muitos obras de gênio que ainda hoje conquistam os corações das pessoas. Entre os brilhantes compositores russos do século 19, nomes como M. Balakirev, A. Glazunov, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, P. Tchaikovsky são imortalizados.

A música clássica reflete de forma vívida e sensual o mundo interior de uma pessoa. O racionalismo estrito foi substituído pelo romance do século XIX.

período romântico

O período romântico na música durou aproximadamente de 1830 a 1910. Até certo ponto, a palavra "romântico" é apenas um rótulo, um conceito que não pode ser definido com rigor, como aliás tantos outros. Muitas das obras mencionadas em todos os capítulos de nosso livro, sem exceção, podem ser chamadas de "românticas".

A principal diferença deste período em relação aos outros é que os compositores daquela época prestavam mais atenção aos sentimentos e à percepção da música, tentando expressar experiências emocionais com a sua ajuda. Nisso eles diferem dos compositores do período clássico, para quem o mais importante na música era a forma e que tentavam seguir certas regras para a construção da composição.

Ao mesmo tempo, elementos de romantismo podem ser vistos em alguns compositores do período clássico, e elementos de classicismo podem ser vistos em compositores do período romântico. Portanto, tudo o que falamos acima não é uma regra rígida e rápida, mas apenas características gerais.

A história não parou e todas as pessoas de repente não se tornaram românticas, interessadas apenas em suas experiências emocionais. Esta é a época do nascimento do socialismo, da reforma postal e da fundação do Exército de Salvação. Ao mesmo tempo, foram descobertas vitaminas e rádio, o Canal de Suez foi construído; Daimler projetou o primeiro carro e os irmãos Wright fizeram o primeiro voo. Marconi inventou o rádio enviando com sucesso uma mensagem sem fio a uma milha e meia de distância. A rainha Vitória sentou-se no trono da Grã-Bretanha por mais tempo do que qualquer outro monarca inglês. A corrida do ouro levou milhares de pessoas a viajar para a América.

Folheando nosso livro, você notará que este é o maior de todos os seus capítulos, nos quais são mencionados nada menos que trinta e sete compositores. Muitos deles viveram e trabalharam simultaneamente em diferentes países. Assim, dividimos este capítulo em três seções: "Os primeiros românticos", "Os compositores nacionais" e os "Românticos tardios".

Como você provavelmente já adivinhou, esta divisão também não afirma ser absolutamente precisa. No entanto, esperamos que ajude a manter a narrativa consistente, embora nem sempre em ordem cronológica.

São compositores que se tornaram uma espécie de ponte entre o período clássico e o período do romantismo tardio. Muitos deles trabalharam ao mesmo tempo que os "clássicos", e Mozart e Beethoven tiveram grande influência em seus trabalhos. Ao mesmo tempo, muitos deles deram sua contribuição pessoal para o desenvolvimento da música clássica.

Nosso primeiro compositor do período romântico foi uma verdadeira estrela de seu tempo. Durante suas apresentações, ele demonstrou as maravilhas do virtuosismo do violino e executou acrobacias incríveis. Como o virtuoso guitarrista de rock Jimi Hendrix, que nasceu cento e sessenta anos depois, Nicolau Paganini invariavelmente impressionava o público com sua performance apaixonada.

Paganini poderia tocar a peça inteira em duas cordas de violino em vez de quatro. Às vezes

ele até fez as cordas quebrarem deliberadamente no meio da apresentação, após o que ainda finalizou a obra de forma brilhante sob os aplausos ruidosos do público.

Quando criança, Paganini se dedicava exclusivamente à música. No entanto, seu pai até o puniu por não se exercitar o suficiente, não lhe dando comida ou água.

Já adulto, Paganini tocava violino de forma tão virtuosa que se dizia que ele havia feito um pacto com o próprio diabo, já que nenhum mortal tocava tão magnificamente. Após a morte do músico, a igreja a princípio até se recusou a enterrá-lo em seu próprio terreno.

O próprio Paganini, sem dúvida, entendeu todos os benefícios de seus discursos públicos, afirmando:

"Eu sou feio, mas quando as mulheres me ouvem tocar, elas rastejam até meus pés."

O estilo e a estrutura das composições musicais continuaram a evoluir tanto nas composições instrumentais quanto na ópera. Na Alemanha, a vanguarda da ópera liderada Carl Maria von Weber, embora tenha vivido em anos que muitos não atribuem ao período romântico.

Pode-se dizer que, para os Webers, a ópera era um assunto de família, e Carl viajou muito com a companhia de ópera de seu pai quando criança. sua ópera Atirador Gratuito (Atirador Mágico) entrou na história da música pelo fato de nela serem utilizados motivos folclóricos.

Um pouco mais tarde, você aprenderá que tal técnica é considerada característica período romântico.

Weber também escreveu vários concertos para clarinete, pelos quais é amplamente conhecido hoje.

A Itália é o berço da ópera, e diante Gioacchino Antonio Rossini Os italianos tiveram a sorte de encontrar um novo herói desse gênero. Ele escreveu óperas de conteúdo cômico e trágico com igual sucesso.

Rossini era um daqueles compositores que compõe rapidamente e geralmente levava apenas algumas semanas para escrever uma ópera. No auge de sua fama, ele disse uma vez:

"Dê-me a conta da lavanderia e eu a colocarei em música."

Eles disseram aquilo barbeiro de sevilha Rossini compôs em apenas treze dias. Um ritmo tão acelerado de trabalho levou ao fato de que suas novas óperas eram constantemente encenadas em todos os teatros da Itália. Mas ele nem sempre tratou favoravelmente os intérpretes de suas composições e uma vez até falou depreciativamente sobre eles:

“Que ópera maravilhosa seria se não houvesse cantores nela!”

Mas aos trinta e sete anos, Rossini parou repentinamente de escrever óperas e, nos últimos anos, quase quatro décadas de sua vida a partir de grandes obras que ele criou apenas Stabat mater.

Até agora, não está totalmente claro o que o guiou ao tomar tal decisão, porém, naquela época, uma quantia considerável havia se acumulado em sua conta bancária - royalties de produções.

Além da música, Rossini tinha paixão pelas artes culinárias, e muitos outros pratos levam seu nome do que outros compositores. Você pode até organizar um jantar completo, que incluirá Salada Rossini, Omelete Rossini e Tournedo Rossini. (Turnedos são tiras de carne fritas na farinha de rosca, servidas com patê e trufas.)

Francisco Schubert, que viveu apenas trinta e um anos, já aos dezessete anos havia se estabelecido como um talentoso compositor. Para mim vida longa no total escreveu mais de seiscentas canções, nove sinfonias, onze óperas e cerca de quatrocentas outras obras. Só em 1815 compôs cento e quarenta e quatro canções, duas missas, uma sinfonia e várias outras obras.

Em 1823 contraiu sífilis e cinco anos depois, em 1828, morreu de febre tifoide. Um ano antes, ele compareceu ao funeral de seu ídolo Ludwig van Beethoven.

Vale ressaltar que Schubert foi um dos primeiros grandes compositores a se tornar famoso graças à execução de obras alheias. Ele mesmo deu apenas um grande concerto no ano de sua morte, e mesmo assim foi ofuscado pela atuação de Paganini, que veio a Viena quase na mesma época. Então, o pobre Schubert nunca teve o respeito que merecia durante sua vida.

Um dos maiores mistérios de Schubert é Sinfonia nº 8, conhecido pelo nome Inacabado. Ele escreveu apenas duas partes e depois parou de trabalhar. Ninguém sabe por que ele fez isso, mas esta sinfonia ainda é uma de suas obras mais populares.

Heitor Berlioz nasceu na família de um médico, de modo que, ao contrário de muitos outros compositores mencionados em nosso livro, não recebeu uma educação musical completa.

A princípio, decidiu seguir os passos do pai e tornar-se médico, para o qual foi para Paris, mas lá começou a passar cada vez mais tempo na ópera. Ele finalmente decidiu seguir a música, para grande desgosto de seus pais.

A imagem de Berlioz pode parecer uma caricatura para pessoas tão longe de escrever

quaisquer compositores são apresentados: muito nervosos e irritáveis, impulsivos, com mudanças bruscas de humor e, claro, extraordinariamente românticos nas relações com o sexo oposto. Uma vez ele atacou sua ex-amante com uma arma na mão e ameaçou envenená-la; outro ele perseguiu, vestido com roupas femininas.

Mas o principal assunto das aspirações românticas de Berlioz foi a atriz Harriet Smithson, que mais tarde sofreu um grave colapso nervoso - aparentemente, ela os deve em grande parte ao próprio Berlioz. Ele a viu pela primeira vez em 1827, mas só conseguiu conhecê-la pessoalmente em 1832. A princípio, Smithson rejeitou Berlioz e ele, querendo obter reciprocidade, escreveu fantástica sinfonia. Mesmo assim, em 1833, eles se casaram, mas, como era de se esperar, alguns anos depois, Berlioz se apaixonou por outra mulher.

Quanto à música, Berlioz adorava escopo. Tomemos, por exemplo, seu Réquiem, escrita para uma enorme orquestra e coro, além de quatro bandas de sopro colocadas em cada canto do palco. Tal afeição por formas grandes não contribuiu muito para sua fama póstuma. Executar suas obras na forma em que as concebeu pode ser muito caro e, às vezes, até impossível. Mas tais obstáculos não o incomodavam em nada, e ele continuou a compor música com toda a paixão de que era capaz. Uma vez ele disse:

"Todo compositor está familiarizado com a dor e o desespero que vem de não ter tempo suficiente para escrever o que ele criou."

Qualquer estudante lendo este livro deveria ter inveja de pessoas como Félix Mendelsohn, para pessoas que se tornaram famosas na infância.

Como podemos ver em vários exemplos, isso está longe de ser incomum no mundo da música clássica.

No entanto, Mendelssohn teve sucesso não apenas na música; ele foi uma das poucas pessoas que conseguem um bom resultado em tudo o que fazem - na pintura, na poesia, nos esportes, nas línguas.

Não foi difícil para Mendelssohn dominar tudo isso.

Mendelssohn teve sorte - ele nasceu em uma família rica e cresceu na atmosfera criativa dos círculos artísticos de Berlim. Quando criança, conheceu muitos artistas e músicos talentosos que vinham visitar seus pais.

Mendelssohn fez sua primeira aparição pública aos nove anos de idade e, aos dezesseis, já havia composto Octeto de cordas. Um ano depois, ele escreveu uma abertura para a peça de Shakespeare Um sonho em uma noite de verão. Mas ele criou o resto da música para esta comédia somente depois de dezessete anos (incluindo o famoso Marcha nupcial, que ainda é frequentemente realizado em casamentos).

A vida pessoal de Mendelssohn também se desenvolveu com sucesso: ao longo dos anos de um casamento longo e duradouro, ele e sua esposa tiveram cinco filhos.

Ele trabalhou e viajou muito, inclusive na Escócia, sobre os habitantes dos quais ele falou não com muita aprovação:

"... [eles] não produzem nada além de uísque, neblina e mau tempo."

Mas isso não o impediu de escrever duas obras maravilhosas dedicadas à Escócia. Treze anos após o término da primeira viagem Sinfonia Escocesa; a base Aberturas das Hébridas Melodias escocesas se deitam. Mendelssohn também estava conectado com a Grã-Bretanha por seu oratório Elijah, que foi encenado pela primeira vez em Birmingham em 1846. Ele até conheceu a rainha Victoria e deu aulas de música ao príncipe Albert.

Mendelssohn morreu de um derrame em um período relativamente tenra idade aos trinta e oito. Claro, pode-se dizer que ele não se poupou e se sobrecarregou com o trabalho excessivo, mas em grande parte sua morte foi acelerada pela morte de sua amada irmã Fanny, que também era uma talentosa musicista.

Diante de nós está outro romântico até a medula dos ossos. Em que Frédéric Chopin ele também se distinguia por uma devoção apaixonada a um instrumento, o que é uma grande raridade para os compositores mencionados em nosso livro.

Dizer que Chopin amava o piano é um eufemismo. Ele o admirava, dedicou toda a sua vida a compor composições para piano e aprimorar as técnicas de tocá-lo. Era como se não existissem outros instrumentos para ele, exceto talvez como acompanhamento em composições orquestrais.

Chopin nasceu em 1810 em Varsóvia; seu pai era francês de nascimento e sua mãe era polonesa. Frederick começou a se apresentar aos sete anos de idade, e suas primeiras composições datam da mesma época. Deve-se dizer que seu marca sempre teve o foco no futuro.

Posteriormente, Chopin ficou famoso em Paris, onde passou a dar aulas de música para ricos, graças ao que ele próprio ficou rico. Ele sempre manteve um olhar atento sobre o seu aparência e manter seu guarda-roupa atualizado com as últimas modas.

Como compositor, Chopin era metódico e meticuloso. Ele nunca se permitiu ser descuidado, cada trabalho foi aperfeiçoado por ele com perfeição. Não surpreendentemente, compor música foi um processo doloroso para ele.

No total, compôs cento e sessenta e nove obras solo para piano.

Em Paris, Chopin se apaixonou por Amandine Aurora Lucile Dupin, uma conhecida escritora francesa de nome chique, mais conhecida pelo pseudônimo de George Sand. Ela era uma pessoa bastante notável: muitas vezes podia ser encontrada nas ruas de Paris andando com roupas masculinas e fumando charutos, o que chocou o público bem-educado. O romance entre Chopin e George Sand prosseguiu tempestuosamente e terminou em uma ruptura dolorosa.

Como alguns outros compositores do período romântico, Chopin não viveu muito - ele morreu de tuberculose aos trinta e nove anos, logo após seu rompimento com George Sand.

Robert Schumann- outro compositor que viveu uma vida curta e excitante, embora no seu caso tudo fosse temperado com uma boa dose de loucura. Hoje em dia são conhecidas obras para piano, canções e música de câmara de Schumann.

Schumann foi um compositor brilhante, mas durante sua vida esteve na sombra de sua esposa Clara Schumann, brilhante pianista da época. Como compositora, ela é menos conhecida, embora também tenha escrito músicas bastante interessantes.

O próprio Robert Schumann não podia atuar como pianista devido a uma lesão na mão, e era difícil para ele morar ao lado de uma mulher que se tornou famosa nessa área.

O compositor sofria de sífilis e um colapso nervoso; uma vez ele até tentou cometer suicídio jogando-se no Reno. Ele foi socorrido e internado em um hospital psiquiátrico, onde morreu dois anos depois.

Schumann tratou a arte pragmaticamente. A seguinte afirmação é conhecida:

“Para compor, você só precisa criar uma melodia que ninguém mais tenha pensado.”

Se Paganini pode ser chamado de rei dos violinistas-intérpretes, entre os pianistas românticos, esse título pertence por direito a Franz Liszt. Também exerceu atividades docentes e executou incansavelmente as obras de outros compositores, especialmente Wagner, que serão discutidos mais adiante.

As composições para piano de Liszt são extremamente difíceis de executar, mas ele escreveu de acordo com sua técnica de tocar, sabendo muito bem que ninguém as tocaria melhor do que ele.

Além disso, Liszt transcreveu para piano as obras de outros compositores: Beethoven, Berlioz, Rossini e Schubert. Sob seus dedos, eles adquiriram uma originalidade bizarra e começaram a soar de uma maneira nova. Considerando que foram escritas originalmente para orquestra, resta maravilhar-se com a habilidade do músico, que as reproduz com surpreendente precisão em um único instrumento.

Liszt foi uma verdadeira estrela de seu tempo; cem anos antes da invenção do rock and roll, ele levou uma vida digna de qualquer músico de rock, incluindo vários casos de amor. Mesmo a decisão de receber ordens sagradas não o impediu de iniciar um caso.

Liszt também popularizou apresentações com piano e orquestra, um gênero que continua até hoje. Ele gostava de pegar os olhares de admiração dos fãs e ouvir os gritos entusiasmados da platéia vendo seus dedos voarem sobre as teclas. Então ele virou o piano para que o público pudesse acompanhar a execução do pianista. Antes disso, eles se sentaram de costas para o público.

O público em geral sabe Georges Bizet como o criador da ópera Carmen mas a lista publicada no final do nosso livro incluía outra de suas obras, Au Fond du Temple Saint(também conhecido como Dueto de Nadir e Zurgi) da ópera Caçadores de pérolas. Tem estado consistentemente no topo das paradas desde que começamos a compilar a lista das músicas mais populares entre os ouvintes da Classic FM em 1996.

Bizet é outra criança prodígio que demonstrou sua excepcional habilidade musical ainda na infância. Ele escreveu sua primeira sinfonia aos dezessete anos. É verdade que ele também morreu cedo, aos trinta e seis anos, aumentando a lista de gênios que partiram prematuramente.

Apesar de seu talento, Bizet nunca alcançou reconhecimento real durante sua vida. Ópera caçadores de pérolas foi encenado com sucesso misto, e a estréia Carmen e acabou completamente em fracasso - o público da moda da época não aceitou. Favorecido por críticos e verdadeiros conhecedores de música Carmen conquistada somente após a morte do compositor. Desde então, foi colocado em todos os principais casas de ópera paz.

Aqui está outra definição extremamente vaga. Não apenas todos os compositores românticos, mas também, até certo ponto, muitos representantes do período barroco e clássico podem ser chamados de “nacionalistas”.

No entanto, nesta seção listaremos quatorze principais compositores do período romântico, cujas obras são escritas em tal estilo que mesmo os ouvintes que não estão muito familiarizados com a música clássica podem dizer de onde vem este ou aquele mestre.

Às vezes, esses compositores são classificados como pertencentes a uma ou outra escola musical nacional, embora essa abordagem não seja totalmente correta.

Normalmente, quando se utiliza a palavra “escola”, apresenta-se uma sala de aula em que as crianças, sob a orientação de um professor, realizam a mesma tarefa.

Se falamos de compositores, eles estavam unidos por uma direção comum, e cada um seguiu seu próprio caminho, tentando encontrar seu próprio meio único de expressão musical.

Se a música clássica russa tem um pai fundador, então é, sem dúvida, Mikhail Ivanovich Glinka. Os músicos nacionalistas se distinguem justamente pelo fato de utilizarem melodias folclóricas em suas obras. Glinka foi apresentado às canções russas por sua avó.

Ao contrário de muitos outros compositores talentosos que são mencionados com tanta frequência nas páginas de nosso livro, Glinka começou a estudar música seriamente em uma idade relativamente avançada - por volta dos vinte anos. No início, ele atuou como funcionário do Ministério das Ferrovias.

Quando Glinka decidiu mudar de carreira, foi para a Itália, onde se apresentou como pianista. Foi lá que desenvolveu um profundo amor pela ópera. Voltando para casa, ele compôs sua primeira ópera Vida para o rei. O público imediatamente o reconheceu como o melhor compositor contemporâneo russo. Sua segunda ópera Ruslan e Ludmila, não teve tanto sucesso, embora tenha resistido melhor ao teste do tempo.

Alexander Porfiryevich Borodin pertence aos compositores que, além da música, estiveram ativamente envolvidos em outras atividades. Quanto a Borodin, ele começou sua carreira como cientista - químico. Sua primeira composição se chamava “Sobre a ação do iodeto de etila sobre hidrobenzamida e amarina”, e é claro que você nunca a ouvirá na Classic FM, pois é trabalho científico isso não tem nada a ver com música.

Borodin era filho ilegítimo de um príncipe georgiano; Ele herdou da mãe o amor pela música e o interesse pela arte em geral, mantendo-os para o resto da vida.

Devido ao emprego constante, conseguiu publicar apenas cerca de vinte obras, que incluem sinfonias, canções e música de câmara.

Junto com Mily Balakirev, Nikolai Rimsky-Korsakov, Caesar Cui E O modesto Mussorgsky Borodin era membro da comunidade musical Mighty Handful. O sucesso de todos esses compositores é ainda mais notável porque todos eles tinham outras atividades além da música.

Nisso eles são distintamente diferentes da maioria dos outros compositores mencionados neste livro.

A obra mais popular de Borodin - danças polovtsianas de sua ópera Príncipe Igor. Deve-se mencionar que ele próprio nunca o completou (embora tenha trabalhado nele por dezessete anos). A ópera foi completada por seu amigo Rimsky - Korsakov, sobre quem falaremos com mais detalhes posteriormente.

Segundo nossa opinião, O modesto Petrovich Mussorgsky foi o mais inventivo e influente dos compositores do "Mighty Handful", embora, como pessoa incomum, não escapasse de um ou dois vícios inerentes a muitos representantes de profissões criativas.

Deixando o exército, Mussorgsky conseguiu um emprego no serviço público. Na juventude adorava, como dizem, passear, distinguia-se pela impressionabilidade e, no final da vida, sofria de alcoolismo. Por esse motivo, ele é frequentemente retratado com cabelos despenteados e um nariz anormalmente vermelho.

Muitas vezes Mussorgsky não terminava suas obras, e seus amigos faziam isso por ele - às vezes não da maneira que ele pretendia, então agora não temos certeza de qual era a intenção original do autor. Orquestração da ópera Boris Godunov refeito Rimsky-Korsakov, bem como o famoso " imagem musical» Noite na Montanha Careca(usado no filme da Disney Fantasia). Orquestração para Imagens da exposição escreveu Maurice Ravel, e nesta versão eles são conhecidos em nosso tempo.

Apesar de Mussorgsky vir de uma família rica e ter grande talento como pianista e compositor, ele morreu com apenas 42 anos de alcoolismo.

Pais Nikolai Rimsky-Korsakov sonhavam com o filho servindo na marinha, e ele correspondeu às suas expectativas. Mas, tendo servido durante vários anos na Marinha e tendo feito uma série de viagens marítimas, tornou-se compositor e professor de música, o que sem dúvida foi uma surpresa para sua família. Para falar a verdade, Rimsky-Korsakov sempre se interessou por música e até começou a compor Sinfonia nº 1, quando seu navio estava atracado na área industrial de Gravesend, na foz do Tâmisa. Este é provavelmente um dos lugares menos românticos para compor a música mencionada neste livro.

Além de Rimsky-Korsakov ter concluído e revisado algumas das composições de Mussorgsky, ele mesmo criou quinze óperas sobre temas da vida russa, embora a influência de países exóticos também seja sentida em suas obras. Por exemplo, Scheherazade baseado na história das Mil e Uma Noites.

Rimsky-Korsakov foi especialmente bom em mostrar a beleza do som de toda a orquestra. Ele prestou muita atenção a isso em suas atividades de ensino e, assim, influenciou muitos compositores russos que trabalharam depois dele, especialmente Stravinsky.

Peter Ilitch Tchaikovsky também usou melodias folclóricas russas em suas composições, mas, ao contrário de outros compositores nacionais russos, ele as processou à sua maneira, como, de fato, a herança musical de toda a Europa.

A vida pessoal de Tchaikovsky, envolta em vários segredos (eram rumores generalizados sobre suas inclinações homossexuais), não foi fácil. Ele mesmo disse uma vez:

“Seria realmente algo para enlouquecer se não fosse pela música!”

Quando criança, ele era impressionável e, quando adulto, era propenso a crises de melancolia e até depressão. Mais de uma vez ele teve pensamentos de suicídio. Na juventude, estudou direito e trabalhou brevemente no Ministério da Justiça, mas logo deixou o serviço para se dedicar inteiramente à música. Aos trinta e sete anos, ele se casou inesperadamente, mas seu casamento se tornou um verdadeiro tormento para ele e sua esposa. No final, sua esposa acabou em um hospital psiquiátrico, onde morreu. O próprio Tchaikovsky também sofreu por muito tempo com uma separação que ocorreu apenas dois meses após o casamento.

As primeiras obras de Tchaikovsky não foram reconhecidas pelo público em geral, o que lhe causou muito sofrimento. Curiosamente, muitos desses trabalhos, incluindo Concerto para violino e orquestra E Concerto para piano nº 1, em atualmente são muito populares. Gravação Concerto para piano nº 1 em geral, tornou-se a primeira gravação de música clássica a receber o status de "Disco de Ouro" por vender um milhão de cópias.

Tchaikovsky escreveu dez óperas, incluindo Eugene Onegin, e música para balés como Quebra-Nozes, Bela Adormecida E Lago de cisnes. Ao ouvir esta música, você percebe imediatamente toda a grandeza do talento de Tchaikovsky, que foi capaz de criar uma melodia extremamente harmoniosa e emocionante. Seus balés ainda são frequentemente encenados em palcos mundiais e despertam a invariável admiração do público. Pela mesma razão, frases musicais de suas sinfonias e concertos são conhecidas até mesmo por quem não está familiarizado com a música clássica.

Durante anos, Tchaikovsky desfrutou do favor de uma rica viúva chamada Nadezhda von Meck, que lhe enviou grandes somas de dinheiro com a condição de que nunca se encontrassem pessoalmente. É possível que em um encontro pessoal eles não se reconheçam.

As circunstâncias da morte do compositor ainda não estão totalmente claras. De acordo com a conclusão oficial, Tchaikovsky morreu de cólera: ele bebeu água infectada por vírus. Mas há uma versão segundo a qual ele próprio cometeu suicídio, temendo que suas relações homossexuais se tornassem públicas.

Se Glinka é considerado o pai da música clássica russa, o mesmo papel na música clássica tcheca é desempenhado por Bedrich Smetana.

Smetana sempre se inspirou no checo cultura popular e natureza país natal. Isso é especialmente sentido em seu ciclo de poemas sinfônicos. Minha pátria, que Smetana levou oito anos para escrever.

Atualmente, a obra mais popular deste ciclo é Vltava, dedicado a um dos maiores rios tchecos que atravessam Praga.

Perto do fim de sua vida, Bedřich Smetana adoeceu gravemente (provavelmente com sífilis), ficou surdo e perdeu a cabeça. Morreu com sessenta anos.

A sua música influenciou o próximo compositor da nossa lista, Antonín Dvořák, cujas composições são reconhecidas muito além da República Checa.

Antonin Dvorak foi um verdadeiro herói nacional tcheco que amava apaixonadamente sua pátria. Seus compatriotas retribuíram e o adoraram.

As obras de Dvorak foram amplamente divulgadas por Brahms (que será discutido um pouco mais adiante). Gradualmente, o nome de Dvorak foi reconhecido em todo o mundo. Assim, por exemplo, ganhou fãs na Inglaterra, onde se apresentou a convite da Royal Philharmonic Society, bem como em festivais de Birmingham e Leeds.

Depois disso, Dvorak decidiu ir para os Estados Unidos, onde na década de 1890 foi oferecido o cargo de regente do Conservatório Nacional de Nova York, que ocupou por três anos. Dvorak sentiu muita falta de sua terra natal, mas não deixou de se interessar pela música local. Suas impressões são refletidas em seu Sinfonias nº 9, nomeado Do Novo Mundo.

Por fim, Dvorak decidiu voltar para casa e passou os últimos anos de sua vida em Praga, ensinando.

Além da música, Dvorak se interessava por trens e navios, e foi essa sua paixão que, aparentemente, contribuiu para que aceitasse visitar os Estados Unidos, embora a grande taxa que lhe foi oferecida também pudesse desempenhar um papel decisivo.

d Representantes da escola nacional de música tcheca também incluem Josef Suk, Leos Janacek E Boguslav Martin.

norueguês Edvard Grieg pertence ao círculo de compositores que amaram apaixonadamente sua terra natal. E a pátria respondeu a ele em troca. Na Noruega, suas composições ainda são extremamente populares. Mas tudo poderia ter sido diferente, já que a família Grieg era na verdade de origem escocesa - seu tataravô emigrou para a Escandinávia após a derrota na batalha com os britânicos perto de Culloden.

O melhor de tudo é que Grieg produziu obras de pequenos gêneros, como Reproduções líricas para piano. Mas seu show mais famoso é concerto de piano, com uma introdução impressionante, em que os sons do piano parecem chover sob o trêmulo dos tímpanos.

d Representantes da escola de música nacional escandinava também incluem Carl Nielsen E Johan Svendsen.

Apesar do fato de que em século XIX na Espanha também escreveu música clássica, não viveram tantos compositores que alcançaram fama mundial. Uma das exceções é Isaac Albeniz, em sua juventude, ele não se distinguia por uma disposição complacente.

Dizem que Albeniz aprendeu a tocar piano com um ano de idade. Três anos depois, ele se apresentou em público e, aos oito anos, começou a fazer turnês. Aos quinze anos, conseguiu visitar Argentina, Cuba, Estados Unidos e Inglaterra.

Albeniz foi especialmente bem-sucedido na improvisação: ele poderia criar algum tipo de melodia na hora e imediatamente vencê-la em várias versões. Ele também demonstrou as maravilhas de dominar o instrumento - ele tocou, de costas para ele. Para completar, ele se vestia de mosqueteiro todas as vezes, aumentando o espetáculo de suas apresentações.

Na idade adulta, ele se acalmou um pouco e surpreendeu o público não mais com seu comportamento ultrajante, mas com suas composições. Ele é especialmente famoso por seu ciclo de peças para piano. Ibéria. Graças ao seu sucesso, este compositor tirou a Espanha das sombras e atraiu para ela a atenção da comunidade musical mundial.

d Albéniz teve grande influência sobre muitos outros compositores da escola nacional da Espanha, incluindo Pablo de Sarasate, Enrique Granados, Manuel de Falla E Vila Heitora - Lobosa(que era brasileiro).

Arthur Sullivan bem conhecido hoje. Mas a história não o tratou com justiça, porque hoje longe de serem lembradas as melhores de suas obras. Na década de 1870 começou a colaborar com o poeta e libretista W. S. Gilbert. Juntos, eles escreveram várias operetas cômicas: Julgamento pelo Júri, Piratas de Penzance, Pinafore da Fragata de Sua Majestade, Princesa Ida, O Mikado, Yeoman the Guard e outros.

Apesar do enorme sucesso do trabalho conjunto, os dois autores não se davam muito bem e, no final, após violentas brigas, pararam de se comunicar por completo. Essas brigas, no entanto, eram vazias.

Assim, por exemplo, um deles dizia respeito a um novo tapete no Savoy Theatre de Londres, onde suas operetas costumavam ser encenadas.

Sullivan sonhava em se tornar famoso como um compositor sério, mas agora suas obras, que não pertencem ao gênero opereta, foram esquecidas.

No entanto, ele escreveu uma ópera Ivanhoe bastante interessante Sinfonia em mi menor e hino "Avante, exército de Cristo!"- talvez sua obra mais executada.

d Representantes da English National School of Music também incluem Arnold Bucks, Hubert Parry, Samuel Coleridge-Taylor, Charles Villiers Stanford E Jorge Butterworth.

O análogo francês das operetas de Gilbert e Sullivan pode ser chamado de obras Jacques Offenbach, um homem que definitivamente tinha senso de humor. Ele nasceu em Colônia e, portanto, às vezes assinava como "O. de Colônia” (“O. de Cologne” soa como “colônia”).

Em 1858, Offenbach surpreendeu os parisienses pode, pode de uma opereta Orfeu no inferno; para um público refinado, tais danças do povo pareciam selvagens e obscenas, porém, a própria opereta era considerada escandalosa.

Aliás, se esse nome lhe parece familiar, vale lembrar que Peri, Monteverdi e Gluck escreveram músicas para o mito de Orfeu em séculos anteriores. A versão de Offenbach era satírica, destinada ao entretenimento e, portanto, incluía cenas muito frívolas. No entanto, apesar da primeira impressão, o público acabou se apaixonando pela opereta, de modo que o próprio Offenbach dificilmente teve motivos para se arrepender do que havia escrito.

A ópera séria é conhecida entre suas outras obras. Contos de Hoffmann em que soa Barcarola.

Leo Delibes não foi um compositor menos influente que Offenbach, embora agora apenas uma de suas óperas seja mais lembrada - Lakmé, em que o famoso dupla de flores, usado em inúmeros protetores de tela e comerciais de televisão.

Entre os conhecidos de Delibes estavam grandes músicos como Berlioz e Bizet, com quem trabalhou como diretor do coro do Teatro Lírico de Paris.

d Representantes da escola nacional francesa de música também incluem Alexis - Emmanuel Chabrier, Charles Marie Widor, Joseph Kante - Lub E Júlio Massenet,ópera Thais que, incluindo o intermezzo Reflexões (Meditação), popular entre muitos violinistas contemporâneos.

Nossos dois últimos compositores nacionais - romance - são pai e filho, embora a diferença de idade entre eles (vinte e um anos) não seja tão grande para a história. Johann Strauss Sênior considerado o "pai da valsa". Ele era um excelente violinista e liderava uma orquestra que se apresentava em toda a Europa e recebia muito dinheiro por isso.

No entanto, o título de "rei da valsa" pertence por direito a seu filho, que também se chamava Johann Strauss. Seu pai não queria que ele se tornasse violinista, mas o jovem Johann dedicou sua vida à música de qualquer maneira e organizou sua própria orquestra, que rivalizava com a de seu pai. No Strauss mais jovem tinha uma boa visão de negócios, graças à qual conseguiu fortalecer sua posição financeira.

Total Johann Strauss - filho escreveu cento e sessenta e oito valsas, incluindo a mais popular delas - No belo Danúbio azul. No final, até seis orquestras receberam o nome de Strauss, uma das quais era dirigida pelo irmão de Johann, o jovem Joseph, e a outra por seu outro irmão, Eduard (cada uma delas compôs cerca de trezentas composições).

As valsas e polcas de Johann foram verdadeiros sucessos nos cafés vienenses, e seu estilo leve e alegre tornou-se o padrão da dance music em toda a Europa.

Alguns amantes da música clássica ainda consideram as composições de Strauss muito vulgares e frívolas. Não acredite neles e não sucumba às suas provocações! Esta família foi capaz de escrever obras verdadeiramente grandiosas, edificantes e memoráveis ​​por muito tempo logo após a primeira audição.

Muitos dos compositores desse período continuaram a escrever música até o século XX. No entanto, falamos deles aqui, e não no próximo capítulo, porque era justamente o espírito de romantismo que era forte em suas músicas.

Note-se que alguns deles mantiveram laços estreitos e até amizade com os compositores mencionados nas subseções "Primeiros Românticos" e "Nacionalistas".

Além disso, deve-se ter em mente que durante esse período tantos compositores excelentes trabalharam em diferentes países europeus que qualquer divisão deles de acordo com qualquer princípio seria totalmente arbitrária. Se em várias literaturas dedicadas ao período clássico e ao período barroco, aproximadamente o mesmo período de tempo é mencionado, o período romântico é definido de maneira diferente em todos os lugares. Parece que a fronteira entre o fim do período romântico e o início do século 20 na música é muito tênue.

O principal compositor da Itália do século XIX foi, sem dúvida, Giuseppe Verdi. Este homem com um bigode grosso e sobrancelhas, olhando para nós com olhos brilhantes, estava de cabeça e ombros acima de todos os outros compositores de ópera.

Todas as composições de Verdi estão literalmente transbordando de melodias brilhantes e memoráveis. No total, ele escreveu vinte e seis óperas, a maioria das quais são encenadas regularmente até hoje. Entre eles estão as obras mais famosas e marcantes da arte operística de todos os tempos.

A música de Verdi foi muito valorizada mesmo durante a vida do compositor. na estreia Hades O público deu uma ovação tão longa que os artistas tiveram que se curvar até trinta e duas vezes.

Verdi era um homem rico, mas o dinheiro não poderia salvar as duas esposas e dois filhos do compositor da morte prematura, então houve momentos trágicos em sua vida. Ele legou sua fortuna a um abrigo para velhos músicos construído sob sua direção em Milão. O próprio Verdi considerou a criação de um abrigo, e não a música, a sua maior conquista.

Apesar de o nome de Verdi estar principalmente associado às óperas, falando dele, é impossível não mencionar Réquiem, que é considerado um dos melhores exemplos de música coral. É cheio de drama, e algumas características da ópera escapam dele.

Nosso próximo compositor não é de forma alguma a pessoa mais charmosa. Em geral, esta é a figura mais escandalosa e polêmica de todas as mencionadas em nosso livro. Se fôssemos fazer uma lista baseada apenas em traços de personalidade, então Ricardo Wagner nunca iria acertar. No entanto, somos guiados apenas por critérios musicais, e a história da música clássica é inconcebível sem este homem.

O talento de Wagner é inegável. De - sob sua pena vieram alguns dos mais significativos e impressionantes composições musicais por todo o período do romantismo - especialmente para a ópera. Ao mesmo tempo, é falado como anti-semita, racista, burocrático, o último enganador e até ladrão que não hesita em levar tudo o que precisa, e gente rude sem remorso. Wagner tinha uma auto-estima exagerada e acreditava que seu gênio o elevava acima de todas as outras pessoas.

Wagner é lembrado por suas óperas. Este compositor levou a ópera alemã a um nível totalmente novo e, embora tenha nascido na mesma época que Verdi, sua música era muito diferente das composições italianas da época.

Uma das inovações de Wagner foi que cada personagem principal recebeu seu próprio tema musical, o que se repetia toda vez que ele começava a desempenhar um papel significativo no palco.

Hoje parece óbvio, mas naquela época essa ideia fez uma verdadeira revolução.

A maior conquista de Wagner foi o ciclo Anel do Nibelungo, composto por quatro óperas: Ouro do Reno, Valquíria, Siegfried E Morte dos deuses. Eles geralmente são colocados em quatro noites seguidas e, no total, duram cerca de quinze horas. Essas óperas por si só seriam suficientes para glorificar seu compositor. Apesar de toda a ambigüidade de Wagner como pessoa, deve-se reconhecer que ele foi um compositor notável.

Uma característica distintiva das óperas de Wagner é sua duração. Sua última ópera parsifal dura mais de quatro horas.

O maestro David Randolph disse uma vez sobre ela:

“Esse é o tipo de ópera que começa às seis e, quando você olha para o relógio de pulso depois de três horas, descobre que marca 6h20.”

Vida Anton Bruckner como compositor, esta é uma lição de como não desistir e insistir em si mesmo. Ele praticava doze horas por dia, dedicava todo o seu tempo ao trabalho (era organista) e aprendeu muito na música por conta própria, terminando o domínio da escrita por correspondência em uma idade bastante madura - aos trinta e sete anos.

Hoje, as sinfonias de Bruckner são mais lembradas, das quais ele escreveu um total de nove peças. Por vezes foi tomado por dúvidas sobre a sua viabilidade como músico, mas ainda assim alcançou o reconhecimento, embora no final da sua vida. Depois de executá-lo Sinfonias nº 1 os críticos finalmente elogiaram o compositor, que nessa época já havia completado quarenta e quatro anos.

Johannes Brahms não um daqueles compositores que nasceu, por assim dizer, com uma varinha de prata na mão. Na época de seu nascimento, a família havia perdido sua antiga riqueza e mal conseguia sobreviver. Quando adolescente, ele ganhava a vida tocando nos bordéis de sua cidade natal, Hamburgo. Quando Brahms se tornou adulto, ele, sem dúvida, conheceu os lados mais atraentes da vida.

A música de Brahms foi promovida por seu amigo, Robert Schumann. Após a morte de Schumann, Brahms tornou-se próximo de Clara Schumann e eventualmente até se apaixonou por ela. Não se sabe exatamente que tipo de relacionamento eles tiveram, embora o sentimento por ela provavelmente tenha desempenhado algum papel em suas relações com outras mulheres - ele não entregou seu coração a nenhuma delas.

Como pessoa, Brahms era bastante desenfreado e irritável, mas seus amigos afirmavam que havia suavidade nele, embora nem sempre a demonstrasse para as pessoas ao seu redor. Um dia, voltando para casa de uma festa, ele disse:

“Se não ofendi ninguém, peço perdão.”

Brahms não teria vencido a competição de compositor mais elegante e elegante. Ele detestava terrivelmente comprar roupas novas e muitas vezes usava as mesmas calças largas e remendadas, quase sempre curtas demais para ele. Durante uma apresentação, suas calças quase caíram. Em outra ocasião teve que tirar a gravata e usá-la no lugar do cinto.

O estilo musical de Brahms foi muito influenciado por Haydn, Mozart e Beethoven, e alguns historiadores da música chegam a afirmar que ele escreveu no espírito do classicismo, naquela época já fora de moda. Ao mesmo tempo, ele também possui várias novas ideias. Ele foi especialmente bem-sucedido em desenvolver pequenas peças musicais e repeti-las ao longo da obra - o que os compositores chamam de "motivo repetitivo".

Opera Brahms não escreveu, mas experimentou quase todos os outros gêneros de música clássica. Por isso, pode ser considerado um dos maiores compositores citados em nosso livro, um verdadeiro gigante da música clássica. Ele mesmo disse isso sobre seu trabalho:

"Não é difícil compor, mas é surpreendentemente difícil jogar notas extras embaixo da mesa."

Max Bruch nasceu apenas cinco anos depois de Brahms, e este certamente o teria ofuscado, se não fosse por uma obra, Concerto para violino nº 1.

O próprio Bruch reconheceu esse fato, afirmando com modéstia incomum para muitos compositores:

"Daqui a cinquenta anos, Brahms será considerado um dos maiores compositores de todos os tempos, e eu serei lembrado por ter escrito o Concerto para Violino em Sol Menor."

E ele acabou por estar certo. Verdade, o próprio Brujah tem algo para se lembrar! Ele compôs muitas outras obras - cerca de duzentas ao todo - ele tem especialmente muitas obras para coro e óperas, que raramente são encenadas hoje em dia. Sua música é melódica, mas ele não contribuiu com nada particularmente novo para seu desenvolvimento. Em seu contexto, muitos outros compositores da época parecem ser verdadeiros inovadores.

Em 1880, Bruch foi nomeado regente da Liverpool Royal Philharmonic Society, mas voltou a Berlim três anos depois. Os músicos da orquestra não gostaram dele.

Nas páginas de nosso livro, já encontramos muitos prodígios musicais, e Camille Saint-Sans não ocupa a maior parte entre eles último lugar. Aos dois anos, Saint-Saens já captava melodias no piano e aprendeu a ler e escrever música ao mesmo tempo. Aos três anos de idade, ele estava jogando peças própria composição. Aos dez anos, ele executou perfeitamente Mozart e Beethoven. No entanto, tornou-se seriamente interessado em entomologia (borboletas e insetos), e mais tarde em outras ciências, incluindo geologia, astronomia e filosofia. Parecia que uma criança tão talentosa simplesmente não conseguia se limitar a uma coisa.

Depois de se formar no Conservatório de Paris, Saint-Saens trabalhou como organista por muitos anos. Com a idade, ele começou a influenciar vida musical França, e foi graças a ele que a música de compositores como J.S. Bach, Mozart, Handel e Gluck passou a ser tocada com mais frequência.

Maioria famoso ensaio Santa - Sansa - carnaval animal, que o compositor proibiu de tocar durante sua vida. Ele estava preocupado sobre como críticos musicais, tendo ouvido este trabalho, não o considerou muito frívolo. Afinal, é engraçado quando a orquestra no palco retrata um leão, galinhas com um galo, tartarugas, um elefante, um canguru, um aquário com peixes, pássaros, um burro e um cisne.

Saint-Saens escreveu algumas de suas outras composições para combinações não tão frequentes de instrumentos, incluindo o famoso "Órgão" Sinfonia nº 3, soou no filme "Babe".

A música de Saint-Saens influenciou o trabalho de outros compositores franceses, Incluindo Gabriel Faure. Este jovem herdou o cargo de organista da igreja parisiense de Santa Madalena, anteriormente ocupada por Saint-Saens.

E embora o talento de Faure não se compare ao talento de seu professor, ele era um grande pianista.

Fauré era um homem pobre e por isso trabalhava muito, tocando órgão, regendo o coro e dando aulas. Ele estava escrevendo em Tempo livre, que restaram muito poucos, mas, apesar disso, conseguiu publicar mais de duzentos e cinquenta de seus trabalhos. Algumas delas foram compostas por muito tempo: por exemplo, trabalho em Réquiem durou mais de vinte anos.

Em 1905, Fauré tornou-se diretor do Conservatório de Paris, ou seja, o homem de quem dependia em grande parte o desenvolvimento da música francesa da época. Quinze anos depois, Faure se aposentou. No final de sua vida, ele sofreu de perda auditiva.

Hoje Faure é respeitado fora da França, embora seja muito apreciado lá.

Para os fãs da música inglesa, o aparecimento de uma figura como Eduardo Elgar, deve ter parecido um verdadeiro milagre. Muitos historiadores da música o consideram o primeiro compositor inglês significativo depois de Henry Purcell, que trabalhou durante o período barroco, embora um pouco antes tenhamos mencionado Arthur Sullivan.

Elgar gostava muito da Inglaterra, especialmente de sua terra natal, Worcestershire, onde passou a maior parte de sua vida, encontrando inspiração nos campos de Malvern Hills.

Quando criança, ele estava cercado por música em todos os lugares: seu pai era dono de uma loja de música local e ensinou o pequeno Elgar a tocar vários instrumentos musicais. Aos doze anos, o menino já substituía o organista nos cultos da igreja.

Depois de trabalhar em um escritório de advocacia, Elgar decidiu se dedicar a uma ocupação muito menos segura financeiramente. Por algum tempo trabalhou meio período, dando aulas de violino e piano, tocando em orquestras locais e até regendo um pouco.

Gradualmente, a fama de Elgar como compositor cresceu, embora ele tivesse que lutar para sair de seu condado natal. A fama o trouxe Variações sobre um tema original, que agora são mais conhecidos como Variações do enigma.

Agora a música de Elgar é percebida como muito inglesa e soa durante os maiores eventos de escala nacional. Aos primeiros sons disso Concerto para violoncelo o campo inglês aparece imediatamente. Nimrod de variações muitas vezes jogado em cerimônias oficiais, e Marcha solene e cerimonial nº 1, conhecido como Terra de esperança e glória se apresentou em bailes de formatura em todo o Reino Unido.

Elgar era um homem de família e amava uma vida tranquila e organizada. No entanto, ele deixou sua marca na história. Este compositor com um bigode grosso e exuberante pode ser notado imediatamente na nota de vinte libras. Obviamente, os designers de cédulas descobriram que tais pêlos faciais seriam muito difíceis de falsificar.

Na Itália, o sucessor de Giuseppe Verdi na arte operística foi Giacomo Puccini, considerado um dos mestres mundiais reconhecidos desta forma de arte.

A família Puccini tem sido associada a música de igreja mas quando Giacomo ouviu ópera pela primeira vez Aída Verdi, ele percebeu que essa era sua vocação.

Depois de estudar em Milão, Puccini compõe uma ópera Manon Lesko, que lhe trouxe seu primeiro grande sucesso em 1893. Depois disso, uma produção de sucesso seguiu a outra: Boêmia em 1896, saudade em 1900 e Madame Borboleta em 1904.

No total, Puccini compôs doze óperas, a última das quais foi Turandot. Ele morreu sem concluir esta composição, e outro compositor completou a obra. Na estreia da ópera, o maestro Arturo Toscanini parou a orquestra exatamente onde Puccini havia parado. Ele se virou para o público e disse:

"Aqui a morte triunfou sobre a arte."

Com a morte de Puccini, terminou o apogeu da arte operística da Itália. Nosso livro não mencionará mais o italiano compositores de ópera. Mas quem sabe o que o futuro nos reserva?

Em vida Gustav Mahler Ele era mais conhecido como maestro do que como compositor. Ele regia no inverno e no verão, via de regra, preferia escrever.

Quando criança, Mahler teria encontrado um piano no sótão da casa de sua avó. Quatro anos depois, aos dez anos, já fazia sua primeira apresentação.

Mahler estudou no Conservatório de Viena, onde começou a compor música. Em 1897, tornou-se diretor da Ópera Estatal de Viena e, nos dez anos seguintes, ganhou considerável fama nesse campo.

Ele mesmo começou a escrever três óperas, mas nunca as terminou. Em nosso tempo, ele é mais conhecido como compositor de sinfonias. Nesse gênero, ele é dono de um dos verdadeiros "sucessos" - Sinfonia nº 8, em cuja performance estão envolvidos mais de mil músicos e cantores.

Após a morte de Mahler, sua música saiu de moda por cinquenta anos, mas na segunda metade do século 20 recuperou a popularidade, principalmente na Grã-Bretanha e nos Estados Unidos.

Ricardo Strauss nasceu na Alemanha e não pertencia à dinastia Strauss vienense. Apesar de este compositor ter vivido quase toda a primeira metade do século XX, ainda é considerado um representante do romantismo musical alemão.

A popularidade mundial de Richard Strauss sofreu um pouco com o fato de ele ter decidido ficar na Alemanha depois de 1939 e, após a Segunda Guerra Mundial, ter sido totalmente acusado de colaborar com os nazistas.

Strauss era um excelente maestro, graças ao qual entendia perfeitamente como deveria soar este ou aquele instrumento da orquestra. Ele frequentemente aplicava esse conhecimento na prática. Ele também deu vários conselhos a outros compositores, como:

"Nunca olhe para trombones, você apenas os encoraja."

“Não se preocupe durante a performance; apenas os ouvintes devem ficar quentes.

Hoje, Strauss é lembrado principalmente em conexão com sua composição Assim falou Zaratustra, a introdução que Stanley Kubrick usou em seu filme 2001: A Space Odyssey. Mas ele também escreveu algumas das melhores óperas alemãs, entre elas - Rosenkavalier, Salomé E Ariadne em Naxos. Um ano antes de sua morte, ele também compôs belas Quatro últimas músicas para voz e orquestra. Na verdade, essas não foram as últimas canções de Strauss, mas se tornaram uma espécie de final de sua atividade criativa.

Até agora, entre os compositores mencionados neste livro, havia apenas um representante da Escandinávia - Edvard Grieg. Mas agora somos novamente transportados para esta terra dura e fria - desta vez para a Finlândia, onde Jean Sibelius, grande gênio musical.

A música de Sibelius absorveu os mitos e lendas de sua terra natal. sua maior obra Finlândia,é considerada a personificação do espírito nacional dos finlandeses, assim como no Reino Unido as obras de Elgar são reconhecidas como um tesouro nacional. Além disso, Sibelius, como Mahler, era um verdadeiro mestre das sinfonias.

Quanto às outras paixões do compositor, em sua vida diária ele gostava excessivamente de beber e fumar, de modo que aos quarenta e tantos anos adoeceu com câncer na garganta. Muitas vezes ele também não tinha dinheiro, e o estado lhe deu uma pensão para que ele pudesse continuar escrevendo música sem se preocupar com seu bem-estar financeiro. Porém, mais de vinte anos antes de sua morte, Sibelius parou de compor qualquer coisa. Ele viveu o resto de sua vida em relativa solidão. Ele era especialmente duro com aqueles que recebiam dinheiro por resenhas de sua música:

“Não ligue para o que os críticos dizem. Até agora, nenhum crítico recebeu uma estátua.”

O último da nossa lista de compositores românticos também viveu até quase meados do século XX, embora tenha escrito a maior parte de suas obras mais famosas nos anos 1900. E, no entanto, ele está classificado entre os românticos, e nos parece que este é o mais compositor romântico de todo o grupo.

Sergei Vasilyevich Rahmaninov nasceu em uma família nobre, que naquela época gastava muito dinheiro. Ele desenvolveu um interesse pela música desde primeira infância, e seus pais o enviaram para estudar, primeiro em São Petersburgo e depois em Moscou.

Rachmaninov era um pianista surpreendentemente talentoso e também se revelou um compositor maravilhoso.

Meu Concerto para piano nº 1 ele escreveu aos dezenove anos. Ele também encontrou tempo para sua primeira ópera, Aleko.

Mas este grande músico, via de regra, não estava particularmente satisfeito com a vida. Em muitas das fotos, vemos um homem zangado e carrancudo. Outro compositor russo, Igor Stravinsky, certa vez observou:

“A essência imortal de Rachmaninoff era sua carranca. Ele tinha um metro e oitenta de carranca... era um homem temível."

Quando o jovem Rachmaninoff tocou para Tchaikovsky, ficou tão feliz que colocou um cinco com quatro pontos positivos em sua partitura - a marca mais alta da história do Conservatório de Moscou. Logo toda a cidade começou a falar sobre o jovem talento.

Mesmo assim, o destino permaneceu desfavorável ao músico por muito tempo.

Os críticos foram muito duros com ele. Sinfonias nº 1, cuja estréia terminou em fracasso. Isso deu a Rachmaninov experiências emocionais severas, ele perdeu a fé em sua própria força e não conseguia compor nada.

No final, apenas a ajuda do experiente psiquiatra Nikolai Dahl permitiu que ele saísse da crise. Em 1901, Rachmaninoff havia concluído o concerto para piano, que ele havia trabalhado arduamente por muitos anos e dedicado ao Dr. Dahl. Desta vez, o público saudou com alegria a obra do compositor. Desde então Concerto para piano nº 2 tornou-se um favorito um clássico realizada por vários grupos musicais Mundialmente.

Rachmaninoff começou a fazer turnês pela Europa e Estados Unidos. Voltando à Rússia, ele regeu e compôs.

Após a revolução de 1917, Rachmaninov e sua família foram a shows na Escandinávia. Ele nunca voltou para casa. Em vez disso, mudou-se para a Suíça, onde comprou uma casa às margens do Lago Lucerna. Ele sempre amou os corpos d'água e agora, quando se tornou um homem bastante rico, podia se dar ao luxo de relaxar na praia e admirar a paisagem que se abria.

Rachmaninoff era um excelente regente e sempre dava o seguinte conselho para quem queria se destacar nessa área:

“Um bom maestro deve ser um bom motorista. Ambos precisam das mesmas qualidades: concentração, atenção intensa contínua e presença de espírito. O maestro só precisa saber um pouco da música…”

Em 1935 Rachmaninoff decidiu se estabelecer nos EUA. Ele morou primeiro em Nova York e depois se mudou para Los Angeles. Lá ele começou a construir para si mesmo casa nova, completamente idêntico ao que ele deixou em Moscou.

Com a idade, Rachmaninoff regeu cada vez menos e quase parou completamente de compor música. Ele atingiu o auge de sua fama como um excelente pianista.

Apesar da saudade, Rachmaninov gostou dos EUA. Ele tinha orgulho de seu enorme Cadillac e costumava convidar pessoas para um passeio de carro apenas para exibir seu carro.

Pouco antes de sua morte, Rachmaninoff recebeu a cidadania americana. Neste país ele foi enterrado.

Demos muito mais atenção ao período romântico em nosso livro do que a todos os outros períodos da música clássica.

Nesta época, tantas coisas interessantes aconteceram em vários países que é simplesmente impossível contar tudo em um pequeno artigo. A música clássica mudou muito, assim como seu som, que se tornou graças a grande orquestras sinfônicas mais rico e intenso. De muitas maneiras, as obras de Rachmaninoff são o exemplo perfeito desse som. Se compararmos com Beethoven, fica claro o quão grandiosas foram as mudanças.

Mas por mais significativas que sejam essas mesmas mudanças que ocorreram no mundo da música durante cerca de oitenta anos do período romântico, elas não podem ser comparadas com o que aconteceu depois. E no futuro a música tornou-se ainda mais diversa e inusitada - o que, a nosso ver, nem sempre foi a seu favor.