Hayat yazısı estetiği Bogdanovich, edebiyat çağının ulusal folklora olan tercihini paylaştığı ölçüde, hayat yazmaya yönelik genel edebi tutkuya, hizmet eden tam teşekküllü bir maddi ortam yaratma şeklindeki yeni estetik işlevlerinde saygı gösterdi.

Felsefe. Estetik

I. Sanat Tarihi ve Genel Estetik<…>Sistematik-felsefi estetik temelinden yoksun bırakılan poetika, temellerinde kararsız ve rastlantısal hale gelir. Sistematik olarak tanımlanan poetika, sözlü sanatsal yaratımın estetiği olmalıdır. Bu tanım

alıcı estetik

17. yüzyıl Avrupa klasisizm edebiyatındaki bir kişinin imajı Rönesans'ın yeni edebi fikirleri gerçek hayata çevrilemedi. Hümanistlerin öğretilerindeki hayal kırıklığı, klasikçi tasvirde çok önemli değişikliklere yol açar.

17. yüzyıl insanının yeni dünya görüşü. Avrupa'nın farklı bölgelerinde, manevi kültürün kendine özgü biçimlerinde ifadesini buldu. Bazı ülkelerde, Rönesans kültürünün krizinden sonra Barok dönem başlar (İtalya, Flanders), diğerlerinde yeni bir tarz oluşur - klasisizm. 17. yüzyılın başlarında barok, tüm sanat türlerinde tek bir üslup olarak hareket ederken, klasisizm oluşumunda geç kalmıştır. Klasisizmin üslup sistemi yalnızca 17. yüzyıl içinde değerlendirilemez, çünkü Avrupa'daki değiştirilmiş biçimlerdeki dağılımı 18. ve 19. yüzyılın başlarına denk gelir. Ancak klasisizm teorisi, barokun aksine çok gelişmişti ve hatta sanatsal pratiğin önüne geçmişti. Bir bütün olarak klasisizm sanat sistemi Fransa'da doğar. 17. yüzyılda olduğu için genellikle mutlakiyet kültürü olarak adlandırılır. Fransa'da gelişiyor klasik desen mutlakiyetçi devlet. Ancak klasisizm sanatı, mutlakiyetçiliğin hizmetine indirgenemez. Klasisizm, Fransa'nın geleceği sorununun açık kaldığı yüzyılın ilk yarısında şekillendi. Ülkenin ana sosyal güçlerinin - kraliyet gücü, soylular ve büyüyen burjuvazi - hala bir dengesinin olduğu bir devlet ve ulusal inşa süreci vardı. Krala mutlak boyun eğmeyi değil, ideolojik vatandaşlığı yücelten klasik sanatın ortaya çıkmasına izin veren, kendi başına kraliyet gücü değil, tam da bu dengeydi. Bu sanat herkesten talep edildi - yöneticiler ve astlar makul eylemler, sosyal denge, düzen ve ölçü için endişe. Klasisizm yansıtıcı ve yapıcı bir sanattır. Kamu yararına ilişkin makul fikirlere dayalı, adil ve uyumlu bir dünyanın ideal modellerini yaratmaya çalıştı. Klasisizm teorisyenleri, toplumun eğitimini sanatın ana görevi olarak görüyorlardı. Elbette hiçbir sanat yalnızca akıl ilkeleri üzerine inşa edilemez, aksi takdirde sanat olmaktan çıkar. Klasisizm, Rönesans mirasından ve modernite deneyiminden yola çıktı, bu nedenle, hem analiz ruhu hem de ideale hayranlık eşit derecede onun özelliğiydi. Klasisizm, bu kültürün kendisi bir kriz durumundayken, Rönesans gerçekçiliği estetize edilmiş anlamsız üslupçuluk sanatı olarak yeniden doğduğunda, Rönesans kültürünün yerini almaya gelir. XVII yüzyılın tarihsel koşulları altında. iyinin kötülüğe karşı zaferine, insan doğasının ahenkli ilkesine olan hümanist inanç kayboldu. Bu inancın kaybı, doğrudan bir sanatsal yaratıcılık krizine yol açtı, çünkü idealini - zengin bir manevi yaşamı ve asil bir hedefi olan bir kişiyi - kaybetti. Bu nedenle, klasisizmi Yüksek Rönesans sanatıyla birleştiren en önemli bağlantı, aktif, güçlü bir kahramanın - amaçlı, enerjik, mutluluk özlemi ve hayata aşık bir kişinin - modern aşamasına dönüşüydü. Ancak Rönesans idealinin aksine, toplumda var olan güçlü bir ahlaki kriter, Yeni Çağ kahramanının mutluluğuna giden yolda hareket etti. İnsan onurunun değişmez bir yasası olarak genel ahlakın bir kişiye ilham vermesi ve eylemlerine rehberlik etmesi gerekiyordu. Corneille, Racine'in trajedilerinde ve Molière'in komedilerinde görünen böyle bir kahramandır. Klasisizm estetik teorisinin öncelikle geliştirilmesi tesadüf değildir. Fransız dramaturjisi ve edebiyat. Fransız yazar ve şairlerin incelemeleri, klasisizmin ana üslup biçimlerinin gelişmesinde olağanüstü bir rol oynadı. Teorinin oluşumuna paralel olarak, ilk tam klasik sanat eserleri ortaya çıktı. Klasisizmin ilk teorisyenlerinden ve şairlerinden biri Nicolas Boileau-Depreo'dur (1636-1711). "Şiir Sanatı" adlı şiirsel incelemesinde ilk kez bir araya getirildi. teorik ilkeler klasisizm. Bu çalışmada klasisizmin normları ve kanonları canlı ve anlaşılır bir biçimde sunulmaktadır. Şiirsel sistem aklın disiplinine tabi olmalıdır. Konunun rasyonel gelişimi ön plana çıkıyor. Boileau'nun "Dizelerle Düşünülen Aşk" sözü, klasik şiirin büyük ilkesi haline geldi. Bir şairin temel şartı, yaratıcılığını akıl disiplinine tabi kılmaktır. Akıl, duygu ve hayal gücüne hükmetmelidir. Ama sadece eserin içeriğinde, anlamında değil, biçiminde de. İçeriği mükemmel bir şekilde yansıtmak için doğru doğrulanmış yönteme, yüksek profesyonel beceriye ve virtüözlüğe ihtiyacınız var. Biçim ve içerik birliği, klasisizmin temel ilkelerinden biridir. Klasisizm, antik kültürde estetik güzellik idealini gördü. Antik sanat, hem Rönesans hem de Barok sanatı için norm ilan edildi. Ancak bu normun korelasyonu sanatsal uygulama klasisizm temelde farklıdır. Rönesans için antik sanat bir mükemmellik okulu ve bağımsız yaratıcı arama için bir teşvikti ve kanonik bir model değildi. Barok ustaları antik çağın kanunlarını teorik olarak kabul ettiler, ancak çalışmalarında onlardan uzaktılar. Klasisizm sanatında, antik çağın normları tartışılmaz bir gerçeğin anlamını kazanır. Yeni Çağ kültürü koşullarında bu kanonları takip etmek, klasisizm sanatını hakikatin "ikincil" doğasına mahkum eder. Adın kendisi - klasik değil, klasisizm, bu ikincil doğayı vurgular. Klasisizm, antik kültürde yalnızca estetik değil, aynı zamanda etik bir ideal de gördü. Antik Yunan ve Roma sanatı, yüksek medeni ve ahlaki idealleri vaaz eden, büyük sosyal sondaj sanatının bir örneğiydi. Klasisizm sanatında eski kanonların kullanımının iç çekirdeği rasyonel ilkeydi. Bu unsur, Rönesans'taki yaratıcılık sürecinde de önemli bir yer tuttu. Ancak daha sonra, doğa ve sanat yasalarını anlamanın ana yolu olarak Orta Çağ'ın irrasyonel duygusuna karşı rasyonalizm ortaya atıldı. Klasisizmde akıl, doğal bir unsur olarak görünmez. insan aktivitesi ama bir ibadet nesnesi olarak. Rasyonalizm, klasisizm teorisinin temeli ve özü haline geldi. Akıl, sanatsal hakikat ve güzelliğin ana kriteri ilan edildi. Klasisizm sanatı, güzellik algısında kendisini temelde öznel duygular alanından ayırdı. Klasisizm, mutlak ahlaki gerçekleri ve sarsılmazlığı onayladığını iddia etti. Sanat bicimleri akılla kurulur ve kurallarla ifade edilir. Yaratıcılık yasalara uymalıdır. Klasikçiler, bu yasaları eski sanat gözlemlerine dayanarak türetmişlerdir. Klasisizmin ilk kuramcılarından biri olan büyük Fransız oyun yazarı Pierre Corneille (1606-1684), Aristoteles'in Poetika'sını yorumlayarak ve yüzyılların tarihsel deneyimine atıfta bulunarak dramanın biçimsel yasalarını çıkarmaya çalıştı. Bunlardan en önemlilerinden biri, üç birlik yasasıydı - zaman, yer ve eylem. Corneille'in etkinliği gerçek bir dramaturji reformuydu. Drama teorisi üzerine çeşitli incelemelerin ve kendi yazılarının eleştirel analizlerinin yazarıdır. Corneille'in trajedisi "Bahçe", Fransızların ulusal gururu oldu. Çok hızlı bir şekilde birçok dile çevrildi. Avrupa dilleri. Oyunun ve yazarının görkemi olağanüstüydü. "Sid" ve şimdi sadece Fransızların değil, Avrupa'daki diğer birçok tiyatronun daimi repertuarında. Corneille, oyunlarının olay örgüsünde ("Horace", "Cinna" vb.) Tarihsel geçmişten, akut siyasi ve sosyal çatışmaların olduğu bir dönemde insanların kaderinden dramatik anlar yaptı. Özellikle sık sık, Roma tarihiyle ilgili materyalleri kullandı ve bu, ona siyasi düşünceler için bol malzeme sağladı. çağdaş temalar. Corneille'in trajedilerinin ana dramaturjik çatışması, akıl, ... ve duygular, görev ve tutku çatışmasıdır. Zafer her zaman akıl ve görevle olmuştur. Seyirci, herhangi bir çelişki ve şüphe duymadan tiyatrodan ayrılmak zorunda kaldı. Trajiğin kaynağı aşırı tutkudur ve izleyicinin bir ders alması gerekiyordu - tutkuları kontrol altında tutmak gerekir. Bir başka ünlü oyun yazarı Jean Racine'in (1639-1699) trajedilerinde seyirci yalnızca görkemli bir kahraman değil, zayıflıkları ve eksiklikleri olan bir kişi gördü ("Andromache", "Berenik", "Iphigenia in Aulis"). Rasi-na'nın oyunları Versailles'ın salon yaşamını yansıtıyordu. Yunanlılar ve Romalılar, taleplerle kaçınılmaz klasik şiir, zamanlarının gerçek Fransızları gibi görünüyordu. Sahnede kıvrık peruklar, eğik şapkalar ve kılıçlarla performans sergilediler. Racine'in sahneye çıkardığı krallar, XIV. Louis'nin idealize edilmiş portreleriydi. Kralın saltanatı 50 yıldan fazla sürdü ve Avrupa tarihi bu sefer XIV.Louis yüzyılı bile deniyordu. Elverişli koşullar altında, Fransa, ekonomik ve zihinsel gelişme ve siyasi güçte o kadar yüksek bir düzeye yükseldi ki, Avrupa'nın önde gelen gücü ve tüm Avrupa için zevk ve modanın trend belirleyicisi haline geldi. Mutlakıyetçiliğin kurulması, kralın kişisel eğilimlerine tekabül ediyordu. Güce aç, narsist, saraylıların dalkavukluklarıyla şımartılmış Louis, "Devlet benim" ifadesini tekrarlamayı severdi. Kraliyet prestijini yükseltmek için saray hayatına özel önem verildi. Katı görgü kuralları, kraliyet zamanını dakik bir huysuzlukla dağıttı ve hayatının en sıradan eylemi (örneğin giyinmek) son derece ciddi bir şekilde döşenmişti. Louis XIV, saraylılardan gördüğü ve duyduğu hayranlıkla yetinmedi, çekmeye başladı. seçkin yazarlar, Fransız ve yabancı, kendilerini ve saltanatını yüceltmeleri için onlara parasal ödüller ve emekli maaşları veriyor. Fransız edebiyatı yavaş yavaş saraylı bir karakter kazandı. 1635'te Paris'te Edebiyat Akademisi kuruldu. O zamandan beri, klasisizm edebiyatta resmi baskın eğilim haline geldi. Mahkemeden nispeten uzakta Jean de La Fontaine (1621-1695) duruyordu. Klasisizm literatüründe kendine özgü bir yer kaplar. Lafontaine "aşağı" türlere ilgi duymaktan korkmuyor, halk bilgeliği derinden tanımlayan folklor Ulusal karakter onun yaratıcılığı. Yaratıcı mirası çok yönlüdür, ancak Fransa'nın en büyük şairlerinden birinin ününü masallarına borçludur. (Lafontaine gelenekleri IA. Krylov tarafından kullanılmıştır.) Öğretici ahlaklarında, klasisizmin en önemli ilkelerinden birinin tezahürünü görüyoruz - sanat eğitmeli ve ikna etmelidir. Klasik tarzın figüratif sisteminin lirik şiir, resim ve müzik sanatı için verimsiz olduğu ortaya çıktı. Kararsız, değişken duygu alanı klasisizme yabancıydı. Yeni tarzın ilkeleri "formların harmonik dengesi ve ideal oranlar- esasen mimarlığın ilkeleriydi. İki yüzyıllık Avrupa kültürüne yayılmasını belirleyen klasisizmin ana başarıları bu sanat alanında yatmaktadır. Klasisizm mimarisinde, stilin temel ilkeleri organik düzenlemelerini buldu. Klasik mimari Fransa, İngiltere ve Hollanda'da gelişmiştir. İdeal olarak, bu tarz barokun tam tersidir. Net bir form geometrisi, katı çizgiler, net hacimler ve uyumlu bir kompozisyon tasarımı ile karakterize edilir. Klasisizm antik mimarinin formlarına döndü, sadece motiflerini ve bireysel unsurlarını değil, aynı zamanda inşaat kalıplarını da kullandı. Klasisizm mimari dilinin temeli, antik çağa baroktan daha yakın formlardaki düzendi. Klasisizm'in mimari imgesi, kendiliğinden irrasyonel barok yerine mantık, düzen ve ölçü hakkındaki fikirleri ifade etmeye çalışır. Ancak 17. yüzyılda mimarlık, bu fikirlerin tutarlı ve net bir şekilde somutlaştırılmasına henüz gelmemişti. Uygulamada, barok sistemle olan bağlantı hala görülüyordu. Özellikle bazı barok tekniklerin bu şekilde ödünç alınması Fransa mimarisinde görülmüştür. Kesin olarak klasik figüratif araçlar, resmi sanat teorisyenleri tarafından belirlenen mutlak monarşiyi yüceltme sorunlarını çözemezdi. Bu nedenle, klasisizm mimarları genellikle barok tören temsili yöntemlerine başvurdular. Binalarının cephelerini, deneyimsiz bir izleyicinin stili kesin olarak tanımlamasını bazen zorlaştıran Barok ruhuyla dekore ettiler. Ancak 18. yüzyılda, kraliyet gücü aydınlanmış bir monarşi görünümüne büründüğünde ve sosyal doktrinini değiştirdiğinde, klasisizm tamamen bağımsız bir figüratif yapı geliştirdi. 17. yüzyıl Fransa'sı, geç Rönesans, Gotik ve Barok özelliklerin klasisizm özellikleriyle iç içe geçmesiyle karakterize edilir. Ancak ana yön klasisizmdi, geri kalan her şey ona eşlik etti. Yeni Çağ kültürünün genel seyrinde, müstahkem bir kalenin müstahkem bir saraya kademeli olarak dönüşme süreci vardı. Şehir içinde cadde ve meydanlar genel yapısına dahil edilmiş, şehir dışında ise geniş bir park ile bağlanmıştır. Asma köprüler taş olanlarla değiştirildi, hendekler parkın bir parçası oldu, girişteki kulelerin yerini pavyonlar aldı. Tuileries, Fontainebleau vb. bahçe ve park toplulukları yaratıldı ve verilen çim ve çalılarla budanmış, düzleştirilmiş sokaklardan oluşan perdeleriyle düzenli bir Fransız bahçesi sanatının temellerini attılar. geometrik şekil koniler ve toplar. Bahçıvan bir mimar ve heykeltıraş oldu, canlı malzemeyi rasyonel tasarıma tabi kılmak için mekansal kategoriler açısından düşünmeye başladı. Artan konut ihtiyacı şehrin gelişimini değiştirdi. Yüzyılın başında Paris'te iki yüzyıl boyunca egemen olan bir otel tipi gelişti. Bunlar avlulu ve bahçeli soyluların evleridir. Sade ve kullanışlı planları heykel, kabartma ve düzen ile cömertçe dekore edilmiş cephelerle birleştiriyorlar. Şehir evlerinin yeni görünümünde büyük önem tasarımı ve şekli değişen çatıları vardı. XVII yüzyılın 30'larında. mimar Mansart, konut için bir çatı katı kullanarak kırık bir çatı şekli önerdi. Adını çatı katının müellifinden alan bu sistem tüm Avrupa'ya yayılmıştır. İLE erken XVII V. İngiliz klasisizminin mimarisi şekilleniyor. Bu dönem, ülkenin güçlü endüstriyel gelişimi ve kapitalizmin oluşumu zamanına denk geliyor. İlk büyük ölçekli klasisizm kompozisyonlarının başlatıcısı ve yaratıcısı, mimar Inigo Jones'du. Londra'daki ünlü Banqueting House (resmi resepsiyon binaları) ve Lindsay House projelerinin sahibidir. Greenwich'teki Quans House'un (Kraliçe Evi) mimarıydı. Bu, konut inşaatı tarihinde mükemmel bir klasisizm örneğidir. Klasisizmin en katı biçimlerinde, Londra'daki Greenwich Hastanesi'nin bir topluluğu olan Whitehall Kraliyet Sarayı'nın bir bina topluluğu (mimarlar Jones, Christopher Wren ve diğerleri) yaratıldı. Klasisizm yeni biçimler geliştirdi çeşitli alanlar- çeşitli tiplerde şehir meydanlarının oluşturulması (Londra'da Covent Garden Square, Paris'te Place Vendôme), inşaat saray kompleksleri (Versay, Whitehall), kiliseler (Londra'daki St. Paul Katedrali - mimar K. Wren, Invalides Katedrali - mimar Hardouin-Mansart), kamu binaları - belediye binaları, hastaneler, özel konutlar, soyluların malikaneleri, ticaret şirketlerinin binaları (Invalides topluluğu - mimar Bruant, Cambridge'deki Trinity College Library", Londra'daki gümrük binası - mimar K. Ren; Augsburg'daki belediye binası - mimar Elias Holl, Amsterdam'daki belediye binası - mimar J. van Kampen , Gouda'da ölçeklerin inşası vb.) Klasisizm, hem mutlak monarşinin hem de burjuva sosyal düzeninin zevklerini karşılayan mimari dil biçimleri geliştirdi. XIV.Louis'in yeni ikametgahı olan Versailles, Fransız mimarisinde özel bir yere sahiptir. Versailles çağın üslubunun estetik bir diyapazon haline geldi.Bu, ihtişam ve bütünlük içinde benzeri görülmemiş bir saray mimari topluluğudur.Sarayın önündeki devasa meydandan üç cadde ayrılır, merkezi * aks, şehrin içinden 16 kilometre boyunca uzanır. , meydan, saray ve park. Levo, Orbe, Mansart, Lebrun, Lenotre, Gabriel gibi birçok inşaat döneminde Versailles topluluğunun oluşturulmasında birçok mimar yer aldı. Bu topluluk, klasisizm ilkelerini tutarlı bir şekilde somutlaştırdı - düzenlilik, katı simetri, kompozisyonun netliği, parçaların net bir şekilde düzenlenmesi, değişen pencerelerin sakin ritmi, pilasterler, sütunlar. Aynı zamanda, özellikle iç mekandaki yemyeşil dekoratif kaplamalar Barok'u anımsatıyor. Sarayın salonları, heykelsi dekor, renkli mermer, yaldızlı bronz kabartmalar, freskler, aynalarla zengin bir şekilde dekore edilmiş enfiladeslerde yer almaktadır. Park, mimari ifadesinden ayrılamaz, topluluğun önemli bir parçası haline geldi. Yeni bir sanat türü olan peyzaj bahçeciliğinin bir program çalışması olarak kabul edilebilir. André Linotre (1613-1700), mimari, heykel, bahçecilik ve hidrolik mühendisliği unsurlarını bir topluluk temelinde birleştiren sanatını mükemmelleştirdi. Tarihte ilk kez sanatçılar tarafından düzenlenen manzaralar sanat eserine dönüştü. Park, ünlü ustalar François Girandon (1628-1715) ve Antoine Coisevox'un (1640-1720) heykelleriyle süslenmiştir. Bu heykel programatik bir karaktere sahipti - büyük hükümdarın saltanatının yüceltilmesi. Heykeltıraşlar barok motifleri klasik bir şekilde kullandılar: her figürün izolasyonu ve simetrik yerleşimi için çabaladılar. Mimar Claude Perrault (1613-1688) tarafından Louvre'un doğu cephesi (bazen Louvre Colonnade olarak adlandırılır) Klasisizm mimarisinin tipik bir örneği haline geldi. Rasyonel basitliği, parçaların uyumlu dengesi, çizgilerin netliği, sakin ve görkemli statikiyle Perrault sütun dizisi, dönemin hakim idealine karşılık geliyordu. 1677'de, asıl görevi "ideal ebedi güzellik yasalarını" geliştirmek için birikmiş mimarlık deneyimini genelleştirmek olan Mimarlık Akademisi kuruldu. Bu yasaları daha fazla inşaat takip edecekti. Klasisizm, resmi olarak önde gelen mimari tarzı olarak kabul edildi. Sanatın, monarşinin büyüklüğünü, ulusun ve devletin gücünü görkemli saraylarda ve parklarda, şehir topluluklarında ve kamu binalarında görsel olarak ifade etmesi ve yüceltmesi gerekiyordu. Akademi, Barok ilkelerinin eleştirel bir değerlendirmesini yaptı ve bunların Fransa için kabul edilemez olduğunu kabul etti. Oranlar güzelliğin temeliydi. Binanın çıkıntısına, balkona veya alınlığa mutlaka karşılık gelmesi gereken binanın merkezi ekseninin düzenine göre zemine göre net bir şekilde bölünmesi ve tahsis edilmesi zorunlu kabul edildi. Cephenin kanatları pavyonlarla çevrelenecekti. Resmi klasisizmin diktesi görsel sanatlarda da hissediliyordu. Resimdeki klasikçi akımın yaratıcısı Nicolas Poussin'dir (1594-1665). Bu fransız sanatçı Roma'da okudu ve çalıştı (Paris'te XIII.Louis'in daveti üzerine kraliyet sarayında geçirdiği iki yıl, çalışmaları için verimli olmadı). Poussin, seçkin bir teorisyen ve uygulayıcıyı birleştirdi. Ressamların ve teorisyenlerin bir araya geldiği Roma atölyesinde, sanatçının düşünceleri yayılmak için verimli bir zemin buldu. Poussin özel bilimsel incelemeler yazmadı, sanatçının resmin amaçları ve olanakları hakkındaki düşünceleri yazışmalarında ve diğer yazarların aktarımında bize ulaştı. "Görkemli üslup" sanatının 4 unsurdan oluştuğuna inanıyordu - bu içerik, yorumu, yapısı ve tarzıdır. Önemli olan, içeriğin ve olay örgüsünün görkemli ve güzel olmasıdır. Bunu yapmak için sanatçının, hikayenin yüce anlamıyla çelişmemek için küçük olan her şeyi bir kenara atması gerekiyor. Görüntünün konusu güzellik fikrine "hazırlanmış" olmalıdır, bu hazırlıkta asıl olan düzen, ölçü ve biçimdir. Düzen ve biçim - Poussin sürekli bundan bahseder, rasyonalizm felsefesinin kurucusu Descartes da bundan bahseder: "çok net ve belirgin bir şekilde algıladığımız şeyler doğrudur." Yalnızca makul bir "hazırlık", gerçekten güzel olması için maddeyi ruhsallaştırabilir. Sanatta doğa, şeylerin makul seyri, "edep" kuralları ve görgü kuralları hakkındaki görüşe uymayan şeylerden yoksun, akılla asilleştirilmiş bir biçimde sunulmalıdır. Peyzaj, doğanın destansı gücünü ve uyumunu bünyesinde barındırmalıdır, bu bestelenmiş bir manzaradır. Bu güzelliğin bir ifadesi olarak, göksel varlıkların, kahramanların, satirlerin, perilerin ve güzel insanların yaşadığı Poussin's Arcadia dünyası ortaya çıkar ("The Kingdom of Flora", "The Arcadian Shepherds", "Landscape with Polyphenes"). Mitolojiden, Kutsal Kitaplardan ve tarihsel geleneklerden temalar çıkardı. Poussin, güçlü karakterler, görkemli işler, aklın ve adaletin zaferinden etkilendi. Düşünce için yiyecek sağlayan, erdemi eğiten arazileri seçti. Bunda sanatın toplumsal amacını gördü. Poussin, dramatik bir komplo şeklinde sunulan kamu görevi, ahlaki gereklilik temalarını ön plana çıkarır: askerler, Tiberius'un emriyle zehirlenen Germanicus'a bağlılık yemini eder, Erminia, yaralı kahramanı sarmak için lüks saçlarını keser ve Onu kurtaran Kral Süleyman, iki anne arasında bir çocuk yüzünden çıkan anlaşmazlıkta ahlaki adaletin taşıyıcısı olarak hareket eder ("Germenicus'un Ölümü", "Tancred ve Erminia", "Kudüs'ün Alınması", "Sabinlerin Tecavüzü") . Klasisizm resminin temeli, eserin sanatsal organizasyonunun kesin değişmez yasalarıdır. Poussin'in kompozisyonları sıralanmıştır, içlerinde net bir yapıcı şema görülür, ana eylem her zaman ön planda gerçekleşir. Sanatsal dilde asıl anlam biçime, çizime, çizgiye bağlıdır. Zihnin fetişleştirilmesi gerçek sanat için bir tehdit oluşturuyordu. Hesaplama ve ilham arasında, rasyonel ve duygusal, sezgisel arasında bir denge sağlamak çok zor bir yaratıcı görevdir. Poussin, çalışmalarında klasisizm kavramının gerçekten üretken bir şekilde somutlaştığı 17. yüzyılın tek ressamıydı. Diğer ustalar için, görev ezici oldu. Soyut rasyonel ilke galip geldi ve klasikçi sistem akademik bir sisteme dönüştü. Yerleşik kanonlara dayanan dogmatik bir yaklaşımın hakimiyetindeydi. Fransız Sanat Akademisi 1648 yılında kurulmuş ve kralın ilk bakanının gözetiminde olmuştur. Diğer tüm sanat biçimlerinde olduğu gibi resimde de, katı bir düzenleme ve sanatsal yaratıcılığın mutlakiyetçiliğin görevlerine tabi kılınması süreci vardı. Akademi, virtüöz sanatın biçimsel kurallarını geliştirmeye çağrıldı. O zamanın bazı sanatçıları, yalnızca bilim adamlarının sanat uzmanı olabileceğini savundu. Resmi akıl yoluyla geliştirme fikri çok güçlüydü. Hatta her ressamın matematiksel başarı tabloları bile vardı. Akademi, önde gelen sanatçıların öğrencilerin huzurunda Louvre kraliyet koleksiyonundan tabloları ayırdığı düzenli toplantılarda bir araya geldi. Resimlerin analizlerinde tasnif esas alınmıştır. Her şey tasarım, orantı, renk, kompozisyon kategorilerine ayrıldı. En yüksek resim türü, İncil'den sahneler, antik mitoloji, ünlü edebi eserler içeren tarihi olarak kabul edildi. Tasvir etmeye yalnızca mükemmel olan değer verir, klasikçilerin şiirlerinde olduğu gibi düşük olan her şey, dikkati ana şeyden uzaklaştıran tesadüfi, gereksiz bir ayrıntı olarak reddedildi. Portre, manzara, natürmort, ev içi sahneler "küçük bir tür" olarak kabul edildi. Akademisyenler, hareketlerin ve jestlerin belirli kurallara uygunluğuna dayanan bütün bir kurallar sistemi geliştirdiler. zihinsel durumlar- korku, öfke, neşe, sürpriz vb. Klasik risalelerde belirli duygu durumlarının nasıl aktarılacağına dair kesin talimatlar verilmiş ve bunlara çizimler-şemalar eklenmiştir. Oranlar insan vücudu eski kanonlara göre inşa edildi. Çizimin resme olan önceliği ile klasikçilerin tuvallerindeki figürler antik heykelleri andırıyordu. Ama antik çağ oldu doğal form idealin ifadeleri, ancak "yüksek stil" eserler için zorunlu aksesuarlar. Makul ve kuru normatiflik, klasisizmin akademiye doğru yozlaşmasına yol açtı. Hayal gücünü, fantaziyi, bireysel görüşü sanattan uzaklaştırdı. Yaratıcı süreci yöneten kurallar dizisi, sanatı mutlakiyetçiliğin denetimine tabi kılarak, sanatın düzenlenmesine katkıda bulundu. Klasisizmin tarihsel olarak gerekli rolü, herhangi bir yaratıcılığın doğasında var olan bilinçli bir ilkenin geliştirilmesiydi. Ancak tarihsel koşullar nedeniyle bu eğilim çok kuru ve rasyonel bir gölge aldı. Sanatsal yaratım bilinci, mekanik uygunluğa dönüştü. Düşüncenin önceliği fikri, tam tersine - cansız biçimciliğe dönüştü. Oyuncu stili formülleri hem olumlu hem de olumsuz bir rol oynadı. Klasik sanatı içeriğinin tüm zenginliği ve çeşitliliği içinde görebilmeliyiz. Sanatsal uygulama her zaman teoriden daha zengindir ve kural olarak çağını aşar. Corneille ve Racine'in dramaları, Molière'in komedileri ve La Fontaine'in masalları, Poussin ve Lorrain'in manzaraları hala yaşıyor ve dünya kültür tarihindeki ölümsüzlüklerini doğruluyor. Sorular 1. Klasisizm tarzının ortak özellikleri nelerdir? 2. Antik çağın kültürel idealleri, Rönesans ve klasisizm nasıl ilişkilidir? 3. Rasyonel ilke, klasisizm sanatında nasıl bir rol oynadı? 4. Fransız dramaturjisinde hangi klasisizm ilkeleri oluşturuldu? 5. Klasisizm teorisyenleri sanatın asıl görevini nasıl anladılar? 6. Mimaride ve resimde klasisizm tarzının temel özellikleri nelerdir?

Klasisizm, 17. yüzyılda ortaya çıkan, 18. yüzyılda gelişen ve 19. yüzyıllarda izlenebilen sanatta estetik açıdan önemli bir akımdır. Mükemmel uyumun katı bir normatif modeli olarak antik klasiklere bir çağrı ile karakterize edilir. estetik fikirler klasisizm, o dönemde hakimiyetini yayan rasyonalizm damarında oluşur - felsefi ve bilimsel bir doktrin, buna göre aklın en yüksek insan yeteneği olduğu, dünyayı tanımasına ve hatta dönüştürmesine, kısmen Tanrı ile eşit hale gelmesine izin verir. , toplumları yeniden düzenlemek. Rasyonalizm açısından akıl, insan zihninin yalnızca ana değil, aynı zamanda tamamen yeterli tek yeteneğidir. Duygular, kendi içlerinde açık gerçeği gizleyen rasyonel akıl yürütmenin öncüllerinden başka bir şey değildir; mistik sezgi, rasyonel tartışma sistemine dahil edilmesi açısından değerlidir. Böyle bir görüş, Avrupa ülkelerinde toplumun en yüksek çevrelerinde şekillenmeye başlayan kültür alanları arasındaki ilişkiyi etkileyemezdi: özellikle bilim, felsefe ve matematik - bunlar bilginin ilerlemesinin ana itici güçleridir; sanata duygusal zevk gibi daha mütevazı, ikincil bir rol verilir, hafif eğlence ve anlaşılır, etkileyici düzenleme; felsefi deizmin rasyonel fikirleriyle "aydınlanmamış" geleneksel din, sosyal organizma için yararlı olan basit, eğitimsiz insanların inancıdır - sosyal adetler alanında bir tür dengeleyici.
Klasisizm, normatif estetik teoriye dayanır. Zaten 17. yüzyılın ilk yarısının Fransız matematikçisi ve filozofu Rene Descartes, o döneme ait orijinal eserleri olan “Metot Üzerine Söylev”, “Müzik Özeti” vb. akıl tarafından. Aynı zamanda, R. Descartes'a göre sanat eserlerinin dili rasyonellikle ayırt edilmeli, kompozisyon kesin olarak belirlenmiş kurallara dayanmalıdır. Sanatçının asıl görevi, her şeyden önce düşüncelerin gücü ve mantığıyla ikna etmektir. Klasisizmin normatif estetik teorisi, rasyonalizm, dengeli netlik, orantılılık, bütünlük, birlik, formların dengesi ve eksiksizliğine odaklanan biçimsel hesaplama, siyasi mutlakiyetçilik fikirleriyle bağlantı ve ahlaki zorunluluk ile karakterize edilir. Klasisizmin normatif ilkeleri, yüksek ve düşük türlere net bir bölünmeyi ima etti.
Bu klasisizm ilkeleri, tüm sanat türlerinde kendini gösterir: N. Boileau'nun (Cornel, Racine, Moliere, Lope de Vega ve diğerleri) ideolojik genellemelerine bağlı kalan tiyatroda; edebiyatta (Lafontaine) mimaride, özellikle seküler - saray ve park (Versailles'ın görüntüsü) ve sivil ve kilisede (Levo, Hardouin-Mansart, Lebrun, Le Nôtre, Jones, Ren, Quarenghi, Bazhenov, Voronikhin, Kazakov, Rossi, vb.); resimde (Poussin, Velasquez, Vermeer, Rembrandt, Van Dyck): heykelde (Canova, Thorvaldsen, vb.) müzikte (Gluck, Haydn, Mozart, erken dönem Beethoven, vb.) derin ifade fikirleri, klasisizmin katı normatifliğinin ötesine geçti, onun tarafından yüksek ve düşük türlerin ayrımını öne sürdü, ancak çalışmaları hala bu dönemin özelliği olan ifade netliği, özlülük ve stil uyumu ilkeleriyle birleşiyor.
O dönemin estetik sanat teorisinin en önde gelen temsilcisi, normları ve kuralları şiirsel inceleme "Şiirsel Sanat" - a acemi bir şaire, sanatçıya bir tür talimat.
N. Boileau, şairin eserinde (ve genel olarak sanatta) entelektüel alanın duygusal olana üstünlüğünün bir destekçisidir. Sanat yapıtlarının duygulara değil de akla hitap ettiğine inanır. Güzelliğin en önemli alametleri -zihnin kolayca yakalayabildiği bir şey- netlik, belirginliktir. Her şey aynı anda anlaşılmaz ve çirkin. Eserin fikri, somutlaşması açık olmalı, eserin parçaları ve bütün mimarisi açık ve belirgin olmalıdır. Sadelik ve netlik - bu, N. Boileau tarafından mükemmel kompozisyonlarında şiir ve dramaturjiye genişletilen ünlü "üç birlik" ilkesinin motifidir: yer birliği (sahne değişikliğini gerektirse de eylem coğrafi olarak yerelleştirilmiştir) , zaman birliği (aksiyon bir güne, bir güne sığmalıdır), aksiyon birliği (ardışık sahneler olayların zamansal sırasına karşılık gelmelidir). Aynı zamanda canlandırılan karakterler eser boyunca değişmemelidir. N. Boileau'ya göre bu ilkeler, akıl, disiplin yasalarının doğrudan tezahürleridir. yaratıcı olanaklarşair ve okuyucunun veya izleyicinin iletilen içeriği kolayca ve dolayısıyla tatmin edici bir şekilde tam olarak anlamasına izin verir.
Akla yatkınlık, N. Boileau'nun sanat estetiğinin anahtar kavramıdır. N. Boileau güzeli makul ve doğal olarak sunduğundan beri. Akıl, beğeni normlarının evrensel geçerliliğinin temelidir. Böylece güzel bir şekilde gerçeğe boyun eğer. Ancak hayatın gerçeği aynı zamanda normatif bir idealleştirmedir ve sadece doğru bir yansıma değildir. N. Boileau'ya göre güzellik, dünyaya bir tür rasyonel ruhani ilke tarafından tanıtılır ve rasyonel faaliyetin bir ürünü olarak bir sanat eseri, doğanın yaratımlarından daha mükemmel hale gelir. Manevi güzellik, fizikselin ve sanatın - doğanın üzerindedir.
N. Boileau, klasisizmde gelişen türler teorisini daha yüksek ve daha düşük olanlara ayrıldıklarında somutlaştırır: Öyleyse, trajedi yüksek ve kahramanca, komedi - düşük ve kısır tasvir etmelidir. Komedinin kahramanları, düşüncelerini görkemli retorik dilinde değil, hafif, modern, seküler bir dilde ifade eden basit insanlardır.
Aydınlanma'nın yeni fikirleri büyük ölçüde klasisizm ilkeleriyle ilişkilendirildi ve 18. yüzyılın birçok kültürel fenomeninde onunla organik bir birliği temsil etti. Aydınlanma Çağı, aksiyomatik ilkelerinde, 17. yüzyılın ortaya çıkan dünya görüşü kadar akılcıdır, ancak erken dönem akılcılığın aksine, Aydınlanma, pahasına doğanın güçlerine hakim olmayı pek amaçlamayan bütün bir programdır. bilimsel bilgi kanunları (elbette 17. yüzyılda başlayan bu süreç devam etti), ancak tüm kültürün ve tüm toplumun akıl temelinde, yeni bilimsel bilgi temelinde, birçok açıdan çelişen dönüşümü üzerine. kökleri Orta Çağ'ın tutumlarına dayanan manevi gelenek. Yazarları Fransız, İngiliz ve Alman düşünürler (D. Diderot, Voltaire (M.F. Arue), J.-J. Rousseau, J. Locke, D. Hume, I. Herder ve diğerleri) olan Aydınlanma projesi Illuminati (Latince illuminatio - aydınlanmadan gelir) gibi akılcı bir inanca sahip gizli mistik toplulukların üyeleri - birbiriyle ilişkili bir dizi alandan oluşuyordu: bilimsel bilginin sağlamlaştırılması ve yeni bir tür rasyonel bilginin felsefi anlayış sorularına yayılması sanat dahil insan, toplum, kültür; eğitimli bir halka hitap eden yeni neslin bilimsel bilgi ve değerlerinin genel halk arasında yayılması; toplumun yaşadığı yasaların devrimci değişikliklere kadar iyileştirilmesi.
Bu bağlamda, Aydınlanma felsefesinin çizgilerinden biri, kavrayan zihnin sınırlarının belirlenmesi ve bunun, kavrama hissi gibi insanın diğer bilici ve aktif güçleriyle bağlantısının belirlenmesidir - dolayısıyla felsefi estetiğin bir tür olarak ortaya çıkmasıdır. kapsamı pratik aklın küresi olarak yorumlanan irade gibi bağımsız disiplin. Doğallığın ve kültürün oranı, aydınlatıcılar tarafından farklı şekillerde anlaşıldı: Jean-Jacques Rousseau'nun çağrısında parlak bir şekilde ifade edilen, insanın doğallığı tezi, kültürel ve uygarlık ilerlemeciliğinin baskın fikirlerine karşı çıktı: "Doğaya dönüş. " Aydınlanma program görevlerinin uygulanmasıyla ilgili bir başka husus, dünya kültürünün ufuklarında bilginin ortaya çıkması, Avrupa dışı kültür, sanat ve din deneyiminin gelişiminin başlaması ve özellikle ortaya çıkmasıdır. dünya sanat kültürü kavramı (J. Goethe).
Sanatta Aydınlanma fikirleri, 18. yüzyılın sanat yaşamında bir dizi yeni fenomende ifade edildi. - demokraside - sanatın laik salonların, ofislerin ve sarayların ötesinde, temaları ele alırken halka açık konser salonlarına, kütüphanelere, galerilere dönüşmesi halk hayatı Ve ulusal tarih, kahramanca aristokrasinin reddedilmesinde ve sıradan insanların imgelerinin yüksek ve düşük türlerin bir karışımında, gündelik türün ve komedi türünün popülaritesinde; meraklı kamusal yaşam ve ilerleme; dindarlık karşıtlığında ve kişisel dindarlıkla örtülenler de dahil olmak üzere Orta Çağ'ın harap olmuş kalıntılarına ve kısır adetlere yönelik karikatürize ironik eleştiride; liberalizmde - bireyin özgürlüğünü vaaz etmek ve aynı zamanda toplumun iyiliği ile koordineli olarak insanın sadeliği ve doğallığının ahlaki vaazında; Avrupa dışı kültürlere geniş ansiklopedik ilgi ve dikkat; gerçekçilikte - hata yapabilen zihnin aksine, doğallığa ve insan duygularına sadakate pastoral bir bağlılık içinde, insan imgelerinin basit bir doğasını, sosyal bağlamını ve psikolojik aurasını sergilemek.
Edebiyatta ve tiyatroda bu, Beaumarchais, Lessing, Sheridan, Goldoni, Gozzi, Schiller, Goethe, Defoe, Swift'in eserlerine yansıdı; resimde - Hogarth, Gainsborough, Reynolds, Chardin, Grez, David, Goya, Levitsky; heykelde - Houdon, Shubin, vb.
Aydınlanma'nın birçok fikri, klasisizm estetiği tarafından geliştirilen sanat biçimlerinde uygulandı, bu nedenle, ilkelerinin belirli bir ideolojik sınırlandırmasıyla bu stillerin gerçek benzerliği hakkında konuşabiliriz. Bazı eğitici motifler, Rococo'nun eğlenceli ve rafine saray stiliyle uyum içindeydi. Geç Aydınlanma fikirleri çerçevesinde, hayalcilik, duyarlılık, aktarılan duygunun yaşamı anlamadaki özel rolü ve şefkat (sempati) ile karakterize edilen (özellikle şiir ve resimde) özgün bir duygusallık tarzı oluşturuldu. ahlaki eğitim, doğal uygunluk ve pastoral pastoral - J.J. Rousseau'nun felsefesinin ruhu içinde. Bir yandan duygusallık ve 18. yüzyılın sonlarına ait F. Schiller, J. Goethe, F. Goya, J.-L. David gibi sanat yaratıcılarının son derece anlamlı sembolik imgeleri, özel bir aşamadan bahsetmemize izin veriyor. Aydınlanma estetiğinin ve yaşamının derinliklerinde hazırlanmış, romantizm öncesi dönemin.
Aydınlanma estetiğinin felsefi fikirleri, aşağıdakiler de dahil olmak üzere, 18. yüzyılın bir dizi büyük düşünürünün çalışmalarında açıkça ifade edildi:
Alexander Baumgarten (1714 - 1762) - Alman filozof, Alman klasik felsefesinin estetiğinin kurucusu Leibniz ve Wolff'un takipçisi. 1735'te
A. Baumgarten, duyusal bilginin felsefi bilimi, güzelliği anlama ve yaratma olarak adlandırdığı ve sanat imgelerinde ifade edilen "estetik" terimini ilk kez tanıttı. Baumgarten'in estetik görüşleri, "Şiirsel bir eserle ilgili bazı meseleler üzerine felsefi düşünceler", "Estetik" adlı eserlerde ortaya konur.
Gotthold Ephraim Lessing (1729 - 1781) - Alman filozof - edebiyat ve sanatın yaşamla yakınsamasını savunan eğitimci, oyun yazarı, edebiyat eleştirmeni, sanat teorisyeni; sınıf-aristokratik normatifliğin prangalarından kurtulmaları için. Lessing'e göre sanat, geniş anlamda yaşam bilgisi olarak yorumlanan doğanın taklididir. Gerçekçi sanat teorisini doğrulamak, Aristoteles'in terminolojisine ve Shakespeare'in klasisizmle mücadele çalışmalarına dayanır. Lessing'in temel teorik çalışması: “Laocoön. Resim ve şiirin sınırlarında.
Johann Goethe (1749 - 1832) - alman şair, kurucu Alman edebiyatı Yeni zaman, düşünür ve doğa bilimci. Goethe, gençliğinde Sturm und Drang hareketinin liderlerinden biriydi. Goethe'ye göre sanat, modası geçmiş geleneklere, harap olmuş ahlaka direnmeye, bireyin baskısına karşı savaşmaya çağrılır. I. Goethe, sanatı doğanın "taklidi" olarak yorumladı. Aslında "Tipleştirme" fikrini formüle etti. Goethe, herhangi bir yaratıcı gücü belirtmek için "şeytani" kavramını tanıttı. I. Goethe'nin ana eserleri: “Doğanın basit bir taklidi. Biçim. Stil", "Işık Doktrini".
Immanuel Kant (1724 - 1804) - Alman klasik felsefesinin kurucusu. I. Kant'ın estetik problemler üzerine ana eseri "Yargılama yeteneğinin eleştirisi" dir. I. Kant'a göre, estetik ilke, temel bir a priori (herhangi bir ampirik deneyimden önce bilincin yapısını belirleyen) bir biçim - uygulamasında evrensel olan, ilgisiz bir beğeni yargısı biçimi olarak ortaya çıkıyor. Zevk yargısı, türevleri insan iradesinin eyleminin pratik yararı ve insan iradesinin eyleminin yasallığı olan "amaçsız uygunluk" ilkesi temelinde zevk veya hoşnutsuzluk hissetme yeteneği ile bağlantılıdır. akıl. Kant'ın estetiğinin ana kategorileri uygunluk (parçaların ve bütünün uyumlu bağlantısı), güzel ve yücedir. Kant, güzellik duygusunu estetik biçim üzerinde tefekkür etmekten kaynaklanan "çıkarsız" zevke indirgeyerek, rasyonalist ve faydacı güzellik kavramlarını ortadan kaldırdı. Aynı zamanda, I. Kant'a göre bir sanat eserinin temel avantajı, hayati içeriği kadar mükemmel bir form değil, bir kişinin deneysel estetik yeteneğine hitap ediyor. Kant'a göre yüce olanın özü olağan ölçünün ihlalidir. Yüce yargı, gelişmiş bir hayal gücü ve yüksek ahlak gerektirir. Sanat algısı için zevke, yaratım için - bir dehaya - benzersiz bir kişiliğe ihtiyacınız var. yüksek derece yaratıcı hayal gücü.
Georg Hegel (1770 - 1831) - görüşleri Aydınlanma'nın özelliği olan rasyonalizmin etkisi altında oluşan Alman klasik felsefesinin seçkin bir temsilcisi. Bununla birlikte, G. Hegel, gerçekten evrensel felsefi sisteminde, aydınlanma fikirlerinin çerçevesini aştı. Orijinal metodolojisinin oluşumunda, 19. yüzyılın başlarındaki Alman filozoflarının kavramlarında göze çarpan erken romantik motiflerden de etkilenmiştir. I. Fichte ve F. Schelling. G. Hegel, rasyonel yansıma yöntemini daha mükemmel hale getirdi, varlık ve bilincin çelişkilerini kavrayabildi, hem kesinlikle rasyonel-mantıksal hem de özellikle estetik ve hatta Hegel'e göre uyan düşünce hareketinin mistik modellerini kendi içinde bütünleştirdi. diyalektik mantığın daha geniş koordinatlarına, böylece zihnin kipliklerine dönüşüyor. G. Hegel, diyalektik yöntemine dayanan nesnel idealizm sisteminin yaratıcısıdır.
Yaratıcılığın erken döneminde G. Hegel, tüm fikirleri kucaklayan en yüksek akıl eyleminin estetik bir eylem olduğuna ve hakikat ile iyiliğin aile bağlarıyla yalnızca güzellikte birleştiğine inanıyordu. Daha sonra G. Hegel'in estetiği bir sanat felsefesi olarak karşımıza çıkar. Sanat, ruhun kendini bilmesinin mutlak bir biçimi olarak felsefeye kıyasla bir ast alır, bir adım tarihsel gelişim tarih bilinci.
G. Hegel'in olgun dönem estetiğinin yeniliği, sanat ve güzelliğin insan faaliyetiyle ve "nesnel ruhun", yani bir bütün olarak toplum kültürünün gelişimiyle bağlantısının vurgulanmasından ibaretti. Hegel'e göre güzellik her zaman insanidir. Hegel'deki en genel estetik kategori güzeldir. Hegel'in estetiği içseldir. tarihsel ilke malzemenin dikkate alınması. Sanatın kendini geliştirmesinin diyalektik üçlüsü, tarih boyunca art arda değişen biçimleriyle oluşur: sembolik (Eski Doğu), klasik (Antik Çağ) ve romantik (Hıristiyan Avrupa). Hegel'in Estetik'inde sanat formları ayrıntılı olarak ele alınmıştır. Her yerde gelişme ilkesini kavramaya çalıştı. G. Hegel'in estetik kavramını özetleyen ana çalışma Estetik Dersleri'dir.