З чого складається картина? Вишукано та сучасно: модульні картини для вітальні – з чого складаються блокові композиції та які краще Як кріпити модульні великі конструкції.

Із чого складається картина світу людини? Як покращити себе? Reviewed by Владислав Челпаченко on Jun 6 Rating: 5.0

Вітаю, дорогі друзі!

У цій статті я хочу познайомити Вас з тим, як ми формуємось. Що визначає нас як особистість?

Ми розглянемо 4 області картини світу людини та розберемося, як її можна змінити.

Що визначає картину світу людини?

Всі люди народжуються в різних умовах: у багатій чи бідній сім'ї, у столиці чи регіоні, з братами та сестрами чи єдина дитина у сім'ї, з довгим чи коротким носом, тощо. Кожен із нас формується під величезною кількістю різних обставин. Кожен із нас унікальний.

Важливо розуміти свою картину світу, якщо Ви розвинуєтеся у всіх сферах своєї життєдіяльності. Саме виявивши свої мінуси та помилки, Ви зможете покращити себе. Картину світу людини можна розділити на 4 найважливіші категорії:

• характер;
• Виховання;
• Життєвий досвід;
• Звички.

ХарактерУ цьому розумінні це те, що закладається в нас при народженні. Ви можете побачити, що кожна людина схильна до певної поведінки чи способу мислення, наприклад: спокій чи агресія, енергійність чи слабкість, гуманітарного чи математичного складу розуму тощо. Тобто характер - це певний набір якостей, які нам зовнішніми силами.

Виховання- це набір параметрів, які закладають наші батьки. З цим начебто все зрозуміло: прочитай дитині книжку «що означає добре, що означає погано» і дитина вихована. Але це зовсім негаразд. Уявіть, у сім'ї батьки поганословлять, нехай навіть рідко. Але дитині говорять і читають книжки у тому, що цього робити. Він це начебто розуміє, але йому виповнюється 13-16 років і вже підліток лається гірше за батьків, хоча спочатку він був упевнений, що не буде цього робити. Чому так? Справа в тому, що такі навіть незначні речі прошиваються в нас. Картина світу людини багато в чому залежить від виховання. Якщо ми не займаємося собою, то швидше за все будемо схожі на своїх батьків і тих, з ким спілкуємося тривалий час.

Життєвий досвідкупується нами кожну секунду нашого часу. Але особливо важливим є дитячий період. Найчастіше в ньому формуються наші страхи, наприклад, якщо на Вас напав собака, то, можливо, Ви боятиметеся їх все життя. Всі ми народилися в різний часта місці. Кожен отримав свій унікальний досвід спілкування, навчання, творчості, місця проживання – це варто розуміти.

Звички- Найсильніший інструмент людини. Вони можуть підняти на вершину успіху, так і зруйнувати особистість повністю. Кожна, навіть незначна звичка, визначає, хто ми є. Наприклад, якщо Ви будете зав'язувати та одягати своє взуття стоячи, то будете набагато здоровіша за людину, що робить це сидячи. Тільки уявіть, скільки часу за все життя Ви відведете на одяг взуття! Навіть така незначна звичка може зберегти ноги на довгий час.

Як змінити картину світу чи як покращити себе?

Ви повинні чітко розуміти, що змінити картину світу, що формувалася не один десяток років, досить трудомісткий процес. Ви точно не отримаєте швидких надрезультатів, над нею треба працювати довго та поступово, щоб не розгубити енергію дарма.

Як покращити себе? Для початку зрозумійте свої слабкості, над чим Вам доведеться працювати, наприклад: лінь, апатія, похмурість, проблеми зі здоров'ям, немає партнера. Далі, подумайте, що Ви можете зробити найпростіше для покращення свого становища.

Починайте формувати! Це найсильніший Ваш інструмент. Насправді Вам досить просто прищепити собі кілька звичок і Ви відразу відчуєте, як життя перетворитися. Але відразу застережу Вас від очікування швидкого освоєння. Звичка формується від 21 дня, весь цей час Ви повинні стежити за собою.

Один мій знайомий, коли відучувався від алкоголю (він не був залежним, але по роботі доводилося постійно з кимось випивати) складав слово «молодець». Щоразу, коли він відмовлявся від можливості випити, він просувався на одну літеру вперед, але якщо відбувалося інакше, то починав заново. Також можна використати менш гуманний спосіб. Надягніть гумку на свою руку, і коли Ви щось робите не так - б'єте себе по руці.

На цьому все, тепер Ви знаєте, як формується картина світу людини і як покращити саму себе. Задавайте свої запитання у коментарях і я відповім на них. і змініть свою картину світу в кращий бік! До зустрічі у наступних статтях.

Заняття творчістю – чудова можливість висловити почуття та підняти собі настрій. Мистецтво допомагає людині розібратися в собі та побачити прекрасне в навколишньому світі. І не важливо, має людина особливі здібності чи ні. Головне, щоб заняття якимось видом мистецтва приносило задоволення і було до душі. Це може бути музика чи спів, ліплення чи малювання. Живопис - популярне заняття, доступне сьогодні не лише професійним художникам, а й аматорам. Будь-яка картина починається з основи. Полотно - це чудова основа для мальовничого твору. Саме про нього йтиметься у цій статті.

Що таке полотно?

Основа для живопису може бути різною. Багато залежить від техніки письма, завдань майстра, його художнього задуму та переваг у образотворчому мистецтві. Малювати можна на дерев'яних дошках, металі, папері, картоні, бетоні, цегли, склі. Тобто практично на будь-яку поверхню за бажання можна наносити фарби.

Використання тканини як основи створення художніх творів практикується дуже давно. Ще в 15 столітті художники почали експериментувати із тканиною. Багато знамениті картинибули написані на цьому матеріалі. Полотно – це особливим чином закріплена на дерев'яній рамі тканина з різними якісними характеристиками, такими як міцність, фактура, структура, вага, тип нитки. Усі параметри залежать від типу обраного матеріалу. Наприклад, фактура полотна може бути дрібнозернистою, середньозернистою та крупнозернистою, а нитка - натуральною та синтетичною. Міцність та структура залежать від волокна, з якого виготовлена ​​тканина.

Види полотна

Як основа для живопису може бути використаний шовк, джут, вовна. В основному це натуральні тканини, виготовлені з рослинної сировини: льону, бавовнику, коноплі, джуту. Найбільш популярні видиполотна в сучасного живописуКабіна: льон, бавовна, синтетика, бортовка, комбіноване полотно. Є ще прядив'яний і джутовий варіанти. Льон найпоширеніший матеріал для виготовлення полотна. Волокно досить міцне та найбільш стійке до зовнішнім впливампроти іншими матеріалами.

Льняне полотно має сіро-жовтий колір, гарну зернистість. різного виду, Якість ниток ділиться на кілька типів. Бавовняний менш міцний, ніж лляний, легко вбирає вологу, досить крихкий, схильний до провисання на рамці, має блідо-жовтий колір. Бортування - це грубе, суворе полотно, більш придатне для технічного або господарського використання. При цьому тканина неміцна, легко рветься. На картині, написаній на полотні з бортівки, може швидко почати тріскатися фарба через слабке натягнення ниток. Також ця тканина часто має фабричні дефекти у вигляді вузликів та потовщень ниток. Тим не менш, саме бортівка дуже популярна серед сучасних живописців. Полотно із синтетичних ниток поліестру міцне, не реагує на зміни зовнішнього середовища, і в довгостроковій перспективі поки що мало вивчене. Цей вид найчастіше застосовується у цифровому друку зображень. Дуже поширений на сьогодні вид полотна серед любителів – комбінований. Складається він із натуральних та штучних волокон. Джутовий і прядив'яний варіанти мають низькі експлуатаційні характеристики, проте теж активно використовуються.

Переваги полотна

Переваги використання полотна полягають насамперед у зручності поводження з ним, особливо під час проведення виставок. Тканина легко скручується, зручно перевозиться, займає мало місця, менше деформується під час транспортування. Важлива також фактура полотна. Завдяки природній нерівності поверхні картини набувають додаткових художніх властивостей, що підсилюють естетичний ефект. Це гра світла та тіні, зміна відтінків кольору.

Картина на полотні виходить живою та глибокою.

Недоліки

Основний недолік полотна - це його сильна схильність до негативних впливів довкілля. Він чутливий до вологи та змін температури повітря. Його легко пошкодити механічно: порізати чи випадково проткнути. Деякі види тканинних полотен легко деформуються. Фарби на полотно можуть лягати нерівно і почати текти, що може безнадійно зіпсувати твір. Згодом через деформацію фарби можуть розтріскатися. Історії відомо багато випадків втрати чудових полотен саме з цієї причини. Через природну крихкість тканинної основи багато світових шедеврів у музеях зберігаються в особливих умоваху закритих скляних коробах.

Особливості живопису на полотні

Фактура полотна забезпечує гарне зчеплення фарби із поверхнею. Тим не менш, для отримання чудового результату необхідно відповідально підійти до підготовки тканини до використання. По-перше, потрібно правильно підібрати фактуру виходячи з поставлених художником цілей. Від техніки листа залежатиме вибір зернистості полотна: велике, середнє або дрібне.

Це важливо, тому що невідповідність зернистості манері листа може ускладнити процес написання та призвести до швидкого подальшого старіння картини. По-друге, полотно необхідно загрунтувати та зміцнити у підрамнику. Якщо передбачається писати на полотні маслом, то краще віддати перевагу великому зерну, для акварелі або інших. рідких фарбдосвідчені матсера кисті рекомендують використовувати дрібнозернисте полотно.

До художнього полотна висувається низка вимог. Він обов'язково має бути невибіленим. Відбілювачі, що застосовуються перед підготовкою тканини до промислового фарбування, містять різні хімічні складові, які негативно впливають на міцність тканини. Поверхня полотна також має бути рівною, без обривів ниток, вузликів та інших дефектів. Плетіння має бути щільним, нитки – однаковою товщини та натягу. При виборі тканини необхідно ретельно візуально оцінити її зовнішній вигляд.

Картина за номерами

Довгий час живопис був долею обраних. Насамперед необхідно мати талант або здібності до художнього письма. Потім необхідно довго вчитися, практикуватися, зіпсувати не одне полотно, перш ніж досягти результату. На щастя, сьогодні для будь-кого бажаючого існує чудова можливість займатися живописом без підготовки та при цьому отримувати чудові результати. У спеціальних магазинах для творчості можна придбати набір «Картина за номерами» (на полотні у тому числі).

Техніка роботи з таким набором зрозуміла, проста та доступна. Це заняття буде цікавим і дорослим, і дітям. У наборі є все необхідне: фарби, полотно, пензлі. На підготовленому полотні за номерами розмічено межі деталей малюнка. Фарби не треба спеціально розводити чи змішувати. Вони готові до роботи одразу. Один номер – один колір фарби. Дотримуючись інструкцій, потрібно крок за кроком покривати фарбою відповідну ділянку зображення. Така робота вимагає уважності, тому для початку можна вибрати полотно з нескладним малюнкомз великими елементами. При належній працьовитості та акуратності абсолютно точно вийде чудовий витвір мистецтва, який не соромно повісити на стіну свого будинку чи подарувати друзям.

Полотно для цифрового друку

Сучасні технології дозволяють сьогодні створювати витвори мистецтва різними способами. Однією з інноваційних технік є цифровий друк на полотні.

Для цих цілей використовується синтетичне або комбіноване полотно, яке має високі характеристики міцності. Зазвичай, за допомогою цифрового друку виготовляються високоякісні репродукції. відомих картинта фотографії. Зображення наноситься за допомогою сольвентного, латексного або ультрафіолетового друку.

Стилізований портрет

Ще одна сучасна технікацифрового друку, що стала окремим напрямком сучасного мистецтва- Створення стилізованого портрета на полотні по фотографії. Така картина стала дуже популярним подарунком. Поєднання високих технологійта традиційного полотна дозволяє отримати портрет, мало відмінний від рукотворного. При цьому техніка виконання та стиль можуть бути різними: від гранжу та поп-арту до шаржа та мальовничого портрета. Ключове словотут - означає, що звичайнісінька фотографія перетворюється за допомогою цієї технології на твір сучасного мистецтва.

Зробити вдома полотно – це просто

Професійні полотна коштують досить дорого. Тому при певній вправності художник-аматор може виготовити полотно для живопису своїми руками. Для цього потрібно буде виготовити дерев'яну рамку, натягнути на неї тканину (бажано лляну), закріпити. Потім загрунтувати і, дочекавшись повного висихання полотна, розпочинати роботу. Є ще один маленький секрет. Перед тим як почати наносити ґрунтовку на основу, її потрібно покрити двома шарами желатину, один за одним. Різні та докладні інструкціїпо виготовленню полотна в домашніх умовах, опубліковані на відповідних тематичних ресурсах, дозволяють забезпечити себе матеріалом на потрібну кількість картин практично у будь-який час.

Якісне і правильно підібране полотно - це запорука успішної та захоплюючої роботи, чудового результату та відмінного настрою.

Ми звикли бачити у музеях картини, написані різними фарбами: темперними, олійними, аквареллю. Але чи часто ми замислюємося над тим, як вони з'явилися, і хто був їхнім творцем? Вперше фарбою, якою послужила насправді глина, скористався ще первісна людина. Потім він почав змішувати глину, вугілля та інші природні барвники з жиром, що можна вважати вже першою справжньою фарбою. Пройшли цілі тисячоліття до появи фарби, яку почали використовувати художники.

Яєчна темпера

Такою фарбою стала яєчна темпера. Особливо популярною вона стала в епоху Відродження, коли нею працювали такі великі майстри як Рафаель, Леонардо да Вінчі та Мікеланджело. Темпера складалася з яєчного жовтка, води та сухих пігментів. На той час художники були змушені самі виготовляти фарби. Вони розтирали глину, рослинні мінерали, ягоди і навіть комах у дрібний порошок, потім змішували з водою та яєчним жовтком. Темпера вимагала від художників особливих навичок роботи. Ця рідка червона на диво швидко висихала. Це змушувало майстрів працювати дуже швидко, щоб зберегти єдність малюнка.

Масляні фарби

Справжню революцію в живописі справив у 15 столітті винахід масляних фарб Яном Ван Ейком. Як сполучну речовину він використовував лляну олію, замість звичного передусім яєчного жовтка. Строго кажучи, вони були відомі до нашої ери. Це підтверджують після руйнування Баміанських статуй Будди знайдені залишки фарб. Відомо, що олії для барвистих складів використовували й античні живописці. Різні трактати 8-12 століть говорять про використання лляної олії. Проте, речових підтверджень не збереглося. Масляні фарбибагато в чому перевершували яєчну темперу. Насамперед художників підкуповувала її пластичність. Масляні фарби легко змішувалися, що дозволяло створювати нові кольори. Фарби почали накладати тонкими шарами. Така техніка найкраще передавала простір, об'єм та глибину кольору.

Акварель

Незважаючи на те, що її поява відносять до 2 століття н.е., широку популярність вона набула лише на рубежі 18-19 століть. До її складу входять дрібно розтертий пігмент і легко розчиняються у воді клеї рослинного походження. Ця фарба розлучається водою і наноситься на папір. Специфіка акварельної технікиукладена у її прозорості. Аквареллю створюються легкі, ніжні, наче наповнені повітрям картини. Але є каверза: переробити малюнок або записати шар, як у олійного живописунаприклад, неможливо. При змішуванні кольорів більше двох, трьох фарба втрачає яскравість та чистоту, а при змиванні барвистого шару деформується папір, що призводить до появи бруду.

Починаючи з тих далеких часів фарби створювалися на основі натуральних компонентів: рослинних олій, деревної смоли та натуральних барвників. Але на початку ХХ століття хіміки, що працюють для великих виробників фарб, почали винаходити нові формули фарб. Саме у 20 столітті починається історія фарб, які можна бачити у магазинах сьогодні. Багато хто з них містить синтетичні компоненти, але нічим не поступається натуральним.

Для створення в будинку унікальної атмосфери часто використовуютьмодульні картини. Декоративний елемент додасть неповторного шарму інтер'єру. Комбінація полотен – новий штрих сучасної моди. Прикрасьте будь-яке приміщення справжнім витвором мистецтва.

Що таке картини із модулів

- це малюнок, поділений кілька окремих фрагментів.Таке рішення надає приміщенню шарм та вишуканість. Дизайнерський хід відтворює шедеври образотворчого мистецтвав високому дозволі. Яскраве колірне рішення, дерев'яна основа та 3D-технології створюють диво у приміщенні.

Порада!Подаруйте вітальні родзинку: замовте модульні полотна із сімейних фото.

Основа блокових картин - Полотно. На міцну підкладку з основою тканини наносять зображення в HD-якості. Для захисту фактури використовують полімерну речовину, яка захищає полотно від старіння. Застосування натуральних матеріалів має ряд переваг:

• захист від перепаду температур та рівня вологості;
• збереження яскравості та контрастності малюнка, захист від вицвітання;
• міцність та довговічність;
• відповідність вимогам пожежної безпеки.

З чого складаються модульні картини? Із сегментів. Декілька полотен гармонійно вибудовують художній образне порушуючи поєднання один з одним.

Блокова система створює цілісне зображення різними варіантамикомбінацій:

• Вертикальне сегментування. Такий варіант передбачає розміщення блоків зверху донизу. Використовуйте таке розташування модулів, щоб візуально подовжити приміщення.
• Горизонтальне сегментування. Прийом, при якому розміщують полотна паралельно підлозі. Не варто вибирати таку модель, якщо у приміщенні низькі стелі. Варіант горизонтального розташування розширює простір.
• Змішане сегментування. Такий тип поділу дозволяє дати волю фантазії та комбінувати вертикальне та горизонтальне розташування. Мозаїчна будова збільшує кількість блоків. Такий варіант підходить для великих приміщень – вітальні та залу – оскільки різні способи комбінування можуть візуально зменшити кімнату.
• Зміщення сегментів.Незвичайні модульні картиниможуть розташовуватися значною відстані друг від друга. Такий складний прийом використовують лише професійні дизайнери.

Різновиди картин

Цілісність зображення надає єдиний малюнок, розділений на кілька частин. Виділяють таківиди модульних картин:

• диптих - два модулі;
• триптих - три модулі;
• пенаптих – п'ять модулів.
• поліптих – шість і більше модулів.

Важливо!Чим більше елементів, тим складніше грамотно побудуватимодульне зображення. Вибирайте комплекти до 5 модулів, щоб не захаращувати кімнату.

Декор із кількох картин створює ефект присутності. Тривимірне зображення привертає увагу і привносить нову, більш привабливу атмосферу.

Способів нанесення малюнка на полотно багато – від бюджетних до дорогих.

Друк зображення коштує дешевше. Перевага такого способу полягає в тому, що можна замовити будь-який малюнок і через три дні стати власником модульного полотна.

Ручне виготовлення вимагає часу та грошей, але в результаті вийде неперевершена ексклюзивна річ, створена олійними фарбами.

Якщо ви впевнені у своїх художніх здібностяхто створіть власний шедевр. Декор, зроблений своїми руками, не порівняти навіть із найякіснішою печаткою.

Розміри

Блоки розташовують на різній відстані один від одного, вертикально або горизонтально. Головне – не порушити ідею цілісності. Розміри бувають різними. В одному комплекті можуть поєднуватися різноманітніваріанти модульних картин, маленькі та великі.

Розмірних меж не існує, проте надто маленькі фрагменти можуть зіпсувати вигляд приміщення. Рекомендований мінімальний розмірстановить 30 см. Невеликі полотна розміщують у маленьких кімнатах. Маленький предмет декорув інтер'єрі вітальнівиглядатиме несмачно.

Використовуйте стандартні блоки висотою від 80 до 120 см та шириною від 120 до 170 см.Універсальний розмір підходить для декорування будь-якого приміщення. Комбінація полотен прикрасить не лише житлові кімнати, а й офіси, кафе та банкетні зали. Модульні полотна можна купити в будь-якому інтер'єрному чи художньому магазині. Так ви підберете варіант, який підійде для вашої оселі.

Розташування сегментів

Грамотне розташування сегментівкорпусної картиниграє для інтер'єру важливу роль. Краще сім разів відміряти. Щоб правильно і рівно повісити частини, дотримуйтесь певного порядку дій:

1. Спочатку розташуйте центральну частину. Це блок, який несе основне сюжетне навантаження або розташовується посередині.
2. Продумайте сегментацію в деталях: відстань від підлоги, стелі, центру. Якщо частин багато, то основи комбінації повісьте дві частини. Якщо зображення складається з двох частин, то центр – це відстань між двома блоками.
3. Накресліть розташування стін сегментів, позначте при цьому кути простим олівцем. Уважно перевіряйте лінії горизонту, щоб полотно висіло рівно.
4. Оцініть ескіз та приступайте до декорування.

Порада!Враховуйте товщину полотна. Під час розміщення модулів збільште відстань між частинами на 3-4 див.

Варіанти оформлення

Розмістити модулі, як і будь-які інші, можна в будь-якому приміщенні. Все залежить від ваших смакових уподобань. Алеяк підібрати модульну картинущоб вона була доречна і прикрашала, а не перевантажувала кімнату? Є кілька нюансів.

Прикраса квартири

Щоб такий декор добре виглядавв інтер'єрі , потрібно враховувати деякі правила:

Підбираючи найкращі модульні картини для інтер'єру, враховуйте кілька нюансів:

• Площа кімнати.Вибирайте за правилом: велика кімната - велика картинамаленька кімната - маленька картина.Не варто вішати полотно в приміщення, де крісло менше від самих модулів.
• Стиль. Гармонійно поєднуйте колірну гамукімнати та предметів декору, витримуйте стилістику загалом.
• Місце. Прикрашайте добре освітлену стіну. Не прикрашайте кут кімнати - розташовуйте модулі в центральній частині. Не поспішайте вішати картини, якщо ви в'їхали в квартиру і ще не розставили меблі. Від її розташування залежить, яку частину кімнати прикрашати.

Ознайомившись зприкладами модульних картин в інтер'єрі, Ви зможете розташувати корпусні частини правильно. Але й технічні деталі є важливими.

Для того, щоб картина радувала око і викликала захоплення у ваших гостей, скористайтесь порадами з технічного розміщення блоків.

• Висота. Це важливий фактор. Повісьте художнє творіння лише на рівні очей, щоб у її огляді був необхідності піднімати чи опускати голову. Оптимальна висота центру становить 1,5 м. Такий спосіб запобігатиме спотворенню картини та подарує глядачеві естетичне задоволення.
• Кут нахилу. Його не має бути. Розташовуйте картини або вертикально, або горизонтально, якщо інше не задумане дизайнером. Не порушуйте цілісність полотна, розподіляйте блоки паралельно одне одному.
• Штучне освітлення. Не варто вішати картини на сонячній стороні, інакше полотно пожовкне. У продажу є комплекти із вбудованими мікролампочками.

Які модульні картини кращі? Великі, маленькі, друковані, масляні чи зроблені власноруч? Вирішувати лише вам. Правильно підібрана картина кардинально змінить вигляд вашої кімнати і вгамує естетичні потреби найвибагливіших поціновувачів мистецтва.

Картина- Твір живопису, що має закінченим характером (на відміну від ескізу та етюду) та самостійним художнім значенням. Складається з основи (полотна, дерев'яної або металевої дошки, картону, паперу, каменю, шовку тощо), ґрунту та барвистого шару. Картина – один із видів станкового мистецтва. Картини бувають різних жанрів. Створюючи картину, художник спирається на натуру, але у процесі велику роль грає творча уява. Кінець 19 століття у всій Європі відзначений новим динамічним поглядом на світ. Художник рубежу століть повинен був відповідати постійно мінливому життю: не стільки відображати навколишній світ (цим тепер займаються фотографія та кіно), скільки зуміти виразити в картині свою індивідуальність, свій внутрішній світ, власне бачення. У картинах видатних живописців досягнуто вершин мистецтва. У різноманітних течіях модернізму відбувається втрата сюжету і відмови від образотворчості, цим поняття картини значно переглядається. Деякі художники, що належать до різних шкіл живопису, відійшли від зображення світу (людей, тварин, природи) таким, яким ми його бачимо. На їх мальовничих полотнах світ постає деформованим, іноді зовсім невпізнанним, бо художники керуються більше своєю уявою, ніж зоровим сприйняттям навколишніх явищ.

У розвитку живопису картина грає найважливішу роль.

Репродукцію також можна назвати картиною, якщо у відповідному контексті не важливо, копія це чи оригінальний твір.

Картина в переносному або більше загальному значенні- будь-який закінчений, цілісний витвір мистецтва, у тому числі - живий і яскравий опис, усний або письмовий, вид природи.

Живопис - це мистецтво площини та однієї точки зору, де простір та обсяг існують лише в ілюзії. Живопис завдяки складності образотворчих засобівздатна створити на площині таку глибину ілюзорного простору та багатовимірність художньої реальності, яка непідвладна іншим способам зображення. Кожна картина виконує дві функції - образотворчу та експресивно-декоративну. Мова художника цілком зрозумілий лише тому, хто усвідомлює декоративно-ритмічні функції поверхні картини.

В естетичному сприйнятті всі функції картини (і декоративні, площинні та образотворчі, просторові) повинні брати участь одночасно. Правильно сприйняти і зрозуміти картину - це означає одночасно, неподільно побачити і поверхню, і глибину, і візерунок, і ритм, і зображення.

Естетичне сприйняття картини багато в чому виграє, коли вона полягає у відповідну раму, що відокремлює живопис від навколишнього світу. Східний тип картини зберігає традиційну форму вільно висить розгорнутого сувого (горизонтального або вертикального). Картина, на відміну монументального живопису, не пов'язана жорстко з певним інтер'єром. Вона може бути знята зі стіни та повішена по-іншому.

Глибина ілюзорного простору картин

Професор Річард Грегорі описав "дивні властивості картин": «Картини - унікальний клас предметів, тому що вони одночасно видно і власними силами, і як щось зовсім інше, ніж просто аркуш паперу, на якому вони намальовані. Картини парадоксальні. Жодний об'єкт не може перебувати у двох місцях одночасно; ніякий об'єкт не може бути одночасно двовимірним та тривимірним. А картини бачимо саме так. Картина має цілком певний розмір, і водночас вона показує справжню величину людського обличчя, будівлі або корабля. Картини – неможливі об'єкти.

Здатність людини реагувати на відсутні, уявні ситуації, представлені в картинах, є важливим етапому розвитку абстрактного мислення».

Як створюються картини

Картина – це духовний світхудожника, його переживання та почуття виражені на полотні чи папері. Пояснити, як створюються картини, складно – краще це побачити самому. Неможливо передати словами, як художник зафарбовує полотно, яким пензлем він торкається полотна, які фарби вибирає. Під час роботи все стають одним цілим: художник, пензель та полотно. І вже після першого помаху пензлем у майстерні починає діяти особливе диво живопису.

Картини не просто розфарбоване полотно, вони впливають на почуття та думки, залишають слід у душі, пробуджують передчуття.

Як створюється картина?

Здавалося б, фарбами, пензлями, на полотні. Можливо ще одна універсальна відповідь: по-різному.

Методи роботи над картиною постійно змінювалися протягом історії мистецтва. Художники італійського Відродженняпрацювали зовсім інакше, ніж Рембрандт чи " маленькі голландці " XVII століття, романтики - інакше, ніж імпресіоністи, абстракціоністи, сучасні нам художники-реалісти. Та й у рамках однієї епохи і навіть одного напряму можна зустріти велику різноманітність.

Художників-реалістів минулого та сьогодення (якщо розуміти реалізм у широкому значенні слова) об'єднує таке:

Створення повноцінного твору, даному випадкукартини, портрета чи пейзажу, неможливо без глибокого вивчення життя, активного ставлення до нього автора. Засобами художнього пізнання життя є робота з натури, зорові враження, аналіз та синтез життєвих явищ.

Створення картини – складний, трудомісткий творчий процес, результати якого визначаються не витраченим часом, а мірою таланту, майстерності художника, силою та дієвістю оригінального образного рішення. Найважливішими віхамицього процесу є зародження і конкретизація задуму, безпосередні спостереження, ескізи, етюди з натури, що написання картини з обов'язково творчою, активною переробкою життєвого матеріалу.

І коли в музеї чи на виставці глядач підходить до картини, то перш ніж винести про неї своє судження, він повинен пам'ятати, що за нею завжди стоїть жива людина, художник, який вклав у роботу шматок свого життя, серце, нерви, талант і майстерність. Можна сміливо сказати, що картина - це здійснена мрія художника.

Г. С. ОСТРОВСЬКИЙ

Завершеність картини

У житті багато буває випадково - у картині таких випадковостей бути не може, у ньому все має бути завершено, логічно. У який момент картина вважається завершеною?

Віртуозний рембрандтовський пастозний мальовничий мазок, що так високо цінується пізніше і в наш час, викликав у сучасників Рембрандта лише подив і породжував глузування і гостроти з його приводу. Заперечуючи своїм критикам, Рембрандт заперечував правильність їхнього розуміння закінченості мальовничого твору, протиставляючи їм своє розуміння її, яке він формулював таким чином: картину має вважати закінченою тоді, коли митець сказав у ній усе, що він хотів. Щоб не чути докучливих йому питань про «незакінченість» його картин, Рембрандт перестав дозволяти близько підходити до них наївним відвідувачам своєї майстерні, які дивилися з великою цікавістю на бравурні мазки його живопису, лякаючи їх тим, що до картин не слід підходити дуже близько, оскільки нюхати їхні фарби шкідливо для здоров'я.

Матісс про свій живопис:

"Я просто намагаюся покласти на полотно ті кольори, які виражають моє відчуття. Необхідна пропорція тонів може змусити мене змінити форму фігури або змінити композицію. Поки я цієї пропорції не досяг у всіх частинах картини, я її шукаю і продовжую роботу. Потім настає момент, коли всі частини знаходять остаточні співвідношення, і тоді не можу доторкнутися до картини, не переробляючи її всю заново " .

Починаючи приблизно з імпресіоністів, категорії малюнка, форми і колориту тісно пов'язані, зрослися, здаються безперервним процесом: малюнок і колорит, ліплення та композиція, тон і лінія виникають і розвиваються ніби в один час. Процес писання картини може, так би мовити, продовжуватися безмежно, момент закінчення роботи є дещо умовним: у будь-якому місці полотна художник може продовжувати її, накладаючи нові мазки на подібні, але нижчі. Найбільш яскравим та послідовним представником цієї системи є Сезанн. У листах і записаних розмовах він неодноразово формулював цей змішаний чи, вірніше, нерозчленований метод живопису. Будь-якої миті робота над картиною може бути перервана, але твір не втратить естетичної повноцінності. Будь-якої миті картина готова.

Зв'язок образотворчого простору картини з реальним простором

Художник і теоретик мистецтва В. А. Фаворський в курсі теорії композиції наголошував, що істинно художньому твору від народження притаманне двоїсте існування: як предмета в навколишньому просторі і як щодо замкнутого світу з власними просторово-часовими відносинами. У живопису така мета досягається узгодженням внутрішньої конструкції картини з рамою, у скульптурі – з навколишнім простором (класичний приклад: статуя у ніші).

Для зв'язку образотворчого простору з реальним простором, де знаходиться глядач, використовується рама картини. Художники обіграють також багаторазове "репродукування рами" у самому зображенні, зорові рими, повтори вертикалей та горизонталей. Одним із характерних прийомів, що дозволяють візуально "зміцнити" зображення в межах прямокутного формату, є "скос кута". Відокремлення живопису від архітектури породило певну систему сприйняття станкової картини. Основним змістом картини стає вираз цілісного уявлення простору. Композиція втілюється в експозицію, в якій глядач має бути перед перетвореним світом просторово-часових відносин і бачить себе в ньому як у дзеркалі. Так прозоре скло епохи Відродження перетворилося на дзеркало епохи Класицизму та Бароко. Для мистецтва постренесансної епохи характерні обігравання відображень у дзеркалі, введення в композицію картини фігур-медіаторів, осіб, які своїм становищем, поглядом чи жестом руки вказують на дію, що відбувається в глибині картини, ніби запрошують увійти до неї. Крім рами в подібних композиціях виникає проскеніум - передня частина сцени, куліси, потім середній план, в якому відбувається головна дія, і фон - задник.

Головні постаті художник зазвичай поміщає в середньому картини, встановлюючи їх на уявну горизонталь як на постамент. Від положення цієї опорної горизонтальної лінії залежить глибина "просторового шару" (у планиметричному відношенні - вище чи нижче щодо нижнього краю рами картини). Відкладаючи горизонталь багаторазово вгору, художник створює певний ритм руху на глибину уявного простору. Завдяки цьому навіть на невеликому полотні можна зобразити простір будь-якої протяжності з будь-якою кількістю фігур та предметів. У подібній експозиції доводиться спеціально звертати увагу глядача на те, що одні предмети знаходяться ближче, інші далі. Для цього застосовуються "покажчики": перспективне зменшення, введення масштабних орієнтирів (маленькі фігурки людей на далекому плані), перекривання планів, тональний контраст, тіні, що падають від джерела світла всередині або поза картиною. Іншим орієнтиром уявного руху глядача у просторі картини є діагоналі, головна їх - " діагональ входу " (зазвичай зліва направо).

Картина у картині

Зображення у зображенні

«Зображення у зображенні» може використовуватись у спеціальній композиційній функції. Подібна ієрархічна організація представлена ​​у разі зображення картини у картині (а також фресок у настінних розписах тощо).

"Картина у картині" - композиційний прийом, що у мистецтві класичної живописної картини XVI-XVII ст. Картина у картині може бути наділена особливим прихованим змістом.

Композиційний прийом «картина у картині» може виконувати кілька завдань:

• висловлювати ідею
• роз'яснювати сюжет
• протиставляти чи створювати гармонію
• бути деталлю обстановки (інтер'єру)

Найчастіше зображення тла у мальовничому творі можна зрозуміти як свого роду картина у картині, тобто самостійне зображення, побудоване за своїми спеціальними закономірностям. При цьому зображення фону більшою мірою, ніж зображення фігур на основному плані, підпорядковується суто декоративним завданням, можна сказати, що тут часто зображується не сам світ, але декорація цього світу, тобто представлено не саме зображення, а зображення цього зображення.

У голландців географічна карта, шпалера, картина, відкрите вікно як включений у картину образ розширюють межі світу або служать розвитку алегоричного сенсу основного сюжету. Вермеєр, відкриваючи завісу майстерні, стає поводирем за трьома рівнями реальності: простором глядача, простором своєї майстерні, простором художнього твору(полотно, що стоїть на мольберті), уподібнюючи ці метаморфози до плавання по океанах, нанесених на географічну картуабо політ над нанесеною на карту землею.

Перетікання реальності – мистецтва – міфу можна спостерігати і у Веласкеса, який охоче вдається до прийому «картина в картині», прикладом чого можуть служити «Меніни» та «Пряхи».

"Картина в картині" є і у "Венері перед дзеркалом" Веласкеса, але туманне дзеркало лише відображає тінь богині кохання.

Картина та рама

Будь-яке зображення, створене художником, крім лише древніх наскельних малюнків, має обрамлення. Обрамлення - необхідна та важлива частинакомпозиції, воно завершує її, надає єдності. Обрамлення може бути на тій самій площині, де виконано і сама мальовнича чи графічна композиція. Воно ж може бути створене спеціально як рельєфна форма за допомогою декоративних, скульптурних і архітектурних елементів. Найчастіше зустрічаються обрамлення прямокутної форми, дещо рідше – круглої та овальної.

Рама допомагає виділити мальовничий твір з довкілля як щось особливе і гідне уваги, разом із тим пов'язує його з оточенням. Так, якщо стиль рами збігається з художнім виглядом, строєм та характером інтер'єру, де знаходиться картина, це сприяє цілісності ансамблю. Залежно від кольору, насиченості декоративними та скульптурними деталями рама значно впливає на загальне враження від мальовничого образу. Все це дозволяє говорити про єдність картини і рами, де обрамлення виконує, звичайно, не головну, але дуже потрібну функцію.

Шляхи розвитку станкового живопису були складними. Якою яскравою віхою в її історії став перехід від середньовіччя до Ренесансу! Найбільш істотним у ньому стало прагнення уникнути застиглості і абстрактності іконного зображення, що панував у середньовіччі. Приблизно в XIV столітті народжується картина в сучасному значенні цього слова, а разом з нею з'являється і рама, одягнена поки що в мереживо готичної декорації.

Перші рами не протиставлялися повністю всьому зображенню і відокремлювалися від нього; матеріали обох були подібні, умовна позолота фону, наприклад, давньоруської ікони чи візантійської переходила на обрамлення, та й саме зображення нерідко "виплескувалося" на нього. Потім межі між картиною і рамою стали зізнаватися дедалі визначніше. Все ж таки як якась пам'ять про попередні століття у рами зберігся її золотий колір. Коли з живопису зник золотий фон, що позначав світ божественного, позолоченість рами стала сприйматися умовно, інакше кажучи - як необхідний атрибут обрамлення, що допомагав виділяти у приміщенні картину, залучати до неї погляд глядача.

В епоху Ренесансу панувало уявлення про живопис як про погляд у світ через вікно, рама своїми формами дуже ясно натякала на уявлення, що існувало, і відповідала йому. Ці пишні, урочисті рами виготовлялися за малюнками художників у спеціальних майстернях або помічниками художника, які працювали в його майстерні.

У епоху Відродження живопис постійно порівнювали з дзеркалом, у якому відбивається дійсність, і рама, створена на кшталт орнаментальної оправи дзеркала, ще більше підкреслювала таке порівняння. Ця рама могла виготовлятися не тільки з дерев'яних рейок та гіпсу, але й із дорогоцінних матеріалів, включаючи срібло, слонову кістку, перламутр тощо. Коштовність матеріалів начебто відповідала коштовності живопису, посилювала її.

Старі майстри були дуже уважні до рами, враховували її вплив у процесі роботи, іноді навіть писали в готовому обрамленні, зважаючи на певний тон і декоративний ритм рами. Тому композиції старих майстрів часто дуже виграють у початкових рамах.

Спостереження над рамами старих майстрів дозволяють встановити ще один принцип - відповідність між профілем і шириною рами та розміром картини: так, голландські живописці мали звичай вставляти свої невеликі картиниу великі рами з глибоким, прямовисним профільуванням, яке ніби веде око до центру картини і ізолює її від будь-якого впливу оточення

На початку XX століття почали лунати голоси, які закликають взагалі відмовитися від рам, як від чогось надто матеріального, що "заземляє" духовність мистецтва. Різні художники авангардистських напрямів, сприйнявши такі заклики, почали виставляти твори без рам. Проте внаслідок такого нововведення самі їхні твори вже переставали бути картинами у тісному значенні цього слова. Це були якісь "об'єкти", "плями", найчастіше позбавлені ясного сенсу.

Хоча тепер немає одного стилю в оформленні рам, як було колись, але є більша, ніж раніше, відповідність рами індивідуальній манері художника.

У останнім часомна художніх виставкахможна помітити, що інертність щодо оформлення рам (нехай, мовляв, буде, а яка - не така важлива), яка виявлялася в минулому і в наших художників, починає долатися. Рами фарбують у різні тони, на них нерідко поміщаються невеликі додаткові зображення та написи, живописцям допомагають скульптори – з'являються рами з багатими пластичними мотивами.

Формат картин

Існують, однак, два специфічні елементи картини, які хіба що створюють перехід від площини до зображення, одночасно належать і до реальності картини, і її фікції - формат і рама. Може здатися, що формат картини – лише інструмент художника, але не безпосередній вираз його творчої концепції: адже художник лише обирає формат. А тим часом характер формату тісно пов'язаний з усією внутрішньою структурою художнього твору і часто навіть вказує правильний шлях до розуміння задуму художника. Як правило, формат обирається на початок роботи художника. Але відома низка художників, які любили під час роботи змінювати формат картини, то відрізаючи від неї шматки, то додаючи нові (особливо охоче цей робив Веласкес).

Найпоширенішим форматом для картини є чотирикутний, причому чистий квадрат зустрічається значно рідше, ніж чотирикутник, більш менш витягнутий вгору або вшир. Деякі епохи цінують круглий формат (tondo) чи овал. Вибір формату не має випадкового характеру, формат зазвичай виявляє глибоку, органічний зв'язокяк зі змістом художнього твору, з його емоційним тоном, і з композицією картини, у ньому однаково яскраво відбивається і індивідуальний темперамент художника, і смак цілої епохи. Прихований причинний зв'язок між форматом та задумом митця ми відчуваємо перед кожною картиною, від якої виходить чарівність справжнього художнього твору. Є картини, зміст яких настільки зрісся з характером формату, що найменше переміщення пропорцій, здається, мало б порушити стилістичну та ідейну рівновагу картини.

Горизонтальний, витягнутий формат, загалом, безумовно більш придатний для оповідальної композиції, для послідовного розгортання руху повз глядача. Тому до такого формату охоче звертаються художники, налаштовані епічно, які прагнуть активної композиції, дії,- наприклад італійські живописці XIV і першої половини XV століття (особливо у фрескових композиціях). Навпаки, формат квадратний або такий, в якому висота дещо переважає над шириною, як би відразу зупиняє динаміку дії і надає композиції характеру урочистої репрезентації - саме цей вид формату надавали перевагу своїм вівтарним картинам майстра Високого Відродження (" Сикстинська мадонна"). У свою чергу, при значному переважанні висоти над шириною композиція знову набуває динаміки, сильної тяги, але цього разу вгору або вниз; такий вузький формат був особливо до душі художникам аристократичним, декоративним (Кривеллі) або налаштованим містично (маньєристи, Греко ), які прагнуть втілити певні емоції, настрої.

Безперечним є також зв'язок формату з індивідуальним темпераментом художника: чуттєва, динамічна фантазія Рубенса вимагає більшого формату, ніж стримана і одухотворена фантазія Рембрандта. Нарешті, формат знаходиться у прямій залежності від мальовничої техніки. Чим ширше, вільніше мазок художника, тим природніше його прагнення великого формату.