Rockmusik. Enzyklopädie Fremde Gesteinsenzyklopädie

Vorab ausgewählte Artikel aus der sogar in Sibirien halbmythischen Rock-Enzyklopädie, hauptsächlich aus ihren Bänden „Brit-Rock“ und „Prog-Rock“.

In Moskau und St. Petersburg hieß diese Enzyklopädie einfach Sibirisch. Jetzt können wir stolz seinen Autor nennen. Das ist Nikolai Methodievich Slynko, der dennoch anonym bleiben wollte.

Seit Ende der sechziger Jahre wurden an der Universität Nowosibirsk zahlreiche Versuche unternommen, die verstreuten Informationen über moderne Musik, die Sibirien unter großen Schwierigkeiten erreichen, zu sammeln und zu systematisieren. Mit viel größerem Erfolg sammelten Komsomol-Aktivisten Informationen über diejenigen, die beim NSU gerne Platten mit ideologisch feindlicher Musik sammelten. Jegliche Versuche, solche Musik und Informationen darüber zu verbreiten, wurden aufs entschiedenste unterdrückt. Daher waren viele, sehr viele, die begannen, sich auf eine solche behördenwidrige Tat einzulassen, früher oder später gezwungen, sich den Problemen und Schwierigkeiten zu beugen, die aus dem Nichts in der Arbeit und im Leben auftauchten. Aber nicht der legendäre Nikolai Slynko.

Und trotz aller von den Behörden geschaffenen Hindernisse begannen vor zwanzig Jahren die ersten Bände dieser schwierigen Veröffentlichung auf dem dünnen Papier des Samizdat zu erscheinen. Eine genaue Zahl kann derzeit nicht genannt werden. Diverse Artikel über Musik und Musiker irrten lange durch verschiedene Bände, und bisher ist kein Ende dieses Prozesses in Sicht.

Als Anatoly Korotin 1984 zum ersten Mal maschinengeschriebene Kopien von Prog-Rock- und Jazz-Rock-Bänden nach Moskau brachte, wurde ihre bedingte Gesamtzahl mit 12 angenommen, als er " Die Beatles"in zwei Bänden. Das Kit enthielt separat einen speziellen Band - eine für diese Zeit überraschend vollständige Sammlung von Kompositionen und Diskographien verschiedener Jazz- und Rockgruppen, die von Tatyana Voronova erstellt wurde.

Für eine unterirdische Druckerei, die Solschenizyn und andere verbotene Literatur druckte, hatte man bereits mit der Computertypisierung begonnen, aber die Verhaftungen von Kurieren, die bald darauf folgten, zwangen dazu, diese Arbeit für viele Jahre einzuschränken.

Aber sowohl auf Seidenpapier als auch in Fotokopien wurde diese Enzyklopädie unter Studenten verteilt. Sie trug nicht nur die notwendigen Informationen. Sie verschwieg zuverlässig die wahre Essenz und Bedeutung der Aktivitäten kurzlebiger studentischer Musikclubs. Die Geheimagenten des KGB nahmen mit großer Mühe separate Kopien heraus, die buchstäblich zu Löchern gelesen wurden, oder sogar nur Flugblätter mit separaten Artikeln, und nach gründlicher Untersuchung fanden die zuständigen Behörden in den erhaltenen Informationen nichts Kriminelles.

Denn die Arbeit der musikalischen Kreise wurde in zwei Kreisen durchgeführt. Der erste war öffentlich. Dort hörten die Studenten selbst Musik und hielten Vorträge auf der Grundlage von Artikeln aus dieser Enzyklopädie. In der zweiten Runde wurden speziell ausgewählten Studierenden der ersten Ausbildungsrunde das effektive Hören und Verstehen von Musik und die Musiker, die sie erschaffen, erklärt. Diese Vorträge werden nach und nach auf unserer Website eingestellt.

Und jetzt, wo bereits viele verschiedene russischsprachige Bücher und CDs mit Informationen über Musik und Musiker erschienen sind, ist dieses gigantische Werk nicht nur von historischem Interesse. Obwohl viele Artikel teilweise überarbeitet und ergänzt wurden, haben Sie eine großartige Gelegenheit, Musik durch die Augen eines Zeitzeugen aus zwei Jahrzehnten zu betrachten.

IN Kurzgeschichte Rockmusik zeichnet zwei Phasen deutlich nach: die Periode des Rock and Roll (1954-1962) und die Periode des Rock (von 1962 bis heute). Rock 'n' Roll (ein Ausdruck, der in vielen ländlichen Blues zu finden ist und wahrscheinlich eine sexuelle Konnotation hat, wie in der Zeile "Rock me, rock me all night") wurde Mitte der 1950er Jahre populär. Es gibt drei miteinander verbundene Quellen im Herzen des Rock'n'Roll. Erstens ist die Musik der schwarzen Rhythm and Blues-Ensembles der südwestlichen Bundesstaaten der USA ein Analogon zu den sanfteren und raffinierteren Swing-Jazz-Bands der östlichen Bundesstaaten. Der Name Rhythm and Blues beschreibt buchstäblich die Art von Musik, die diese Bands spielten: Die Grundlage der Melodien sind 12-Takt-Formen des ländlichen Blues, basierend auf Tonic-, Subdominant- und Dominant-Akkorden; Die Rhythmen sind scharf synkopiert und stark akzentuiert, der typischste Hintergrundschlag ist die Betonung des zweiten und vierten Schlags des 4/4-Takts. Die Sänger solcher Gruppen mussten schreien, um den lauten Klang des Ensembles zu übertönen; In der Folge wurde dieser Stil des "ausgerufenen" Blues zur akzeptierten Art von Rock'n'Roll-Sängern. Zweitens wurde eine wichtige Rolle bei der Entstehung von Rock and Roll gespielt Kirchenmusik Neger Gesangsgruppen der den Gesangsstil und die Harmonien aus der Tradition der sogenannten entlehnt hat. Black Gospel (religiöse Hymne). Das Hauptmerkmal des Gospelstils ist die „Frage-Antwort“ -Formel: Der Solist (und in der Kirche - der Prediger) spricht einen Vers aus und der Chor antwortet ihm. Q&A ist nicht nur ein fester Bestandteil des Gospel-Stils, sondern auch der afrikanischen Volksmusik. Drittens die Musik von Elvis Presley, der zusammen mit anderen Künstlern wie Buddy Holly, Carl Perkins und den Everly-Brüdern spontan Elemente der Musikstile des weißen Country und Western, des schwarzen ländlichen Blues und des Rhythm and Blues kombinierte. Jagdhund (Jagdhund), Sei nicht grausam (Sei nicht grausam), (Herzschmerz Hotel) und eine Reihe anderer früher Presley-Stücke sind Blues oder basieren auf Blues-Strukturen, und sein Gesangsstil kombinierte das typische "nasal" in der Country-Musik mit der Durchsetzungskraft und Sinnlichkeit, die für Negro-Musik charakteristisch sind.

Es ist Presleys unwiderstehlichem Rock'n'Roll-Appeal zu verdanken, dass seit dem Song Hotel wo Herzen brechen(1956) wurde zu einem nationalen Phänomen. Aber auch vor Presley gewannen andere Darsteller auf neue Weise an Popularität. Ab 1954 veröffentlichten Bill Haley and the Comets eine Reihe von Hits, die das Rhythm-and-Blues-Repertoire schwarzer Ensembles wieder aufwärmten. Chuck Berrys Musik entstand aus der Tradition des urbanen Blues, einem schroffen, elektrisch klappernden Abkömmling des ländlichen Blues, der nach dem Zweiten Weltkrieg in Memphis, Chicago und Detroit aufblühte. Sam Cooke und die Untersetzer, Drifter und Flamingos setzten die Tradition des Evangeliums fort, und das Musikrichtung mit geringfügigen Änderungen später in das umgewandelt, was später als Soul-Musik bezeichnet wurde.

Der frühe Rock'n'Roll wurde von einem klaren rhythmischen Pulsieren (Beat), einer elektrischen Gitarre, einem durchdringenden Tenorsaxophon und einem hysterisch wahnsinnigen Gesang dominiert. Das Thema der Lieder drehte sich um Alltagsleben Teenager: Schule, Eltern, Autos und vor allem jugendliche Liebe. Indirekt und oft direkt forderte diese Musik soziale Normen heraus. Die neue Musik hatte eine außerordentliche Anziehungskraft auf Teenager, und ihre Neuheit schien noch attraktiver im Vergleich zu der populären Musik der 1940er und frühen 1950er Jahre, die von langweiligen Klischees im Geiste des sentimentalen und künstlichen Stils von "Tin-Pan-Alli" geprägt war “, die eine der amerikanischen Jugend völlig fremde Welt widerspiegelte. Das ist der Grund, warum die Jugend den Rock and Roll mit solcher Begeisterung angenommen hat. Gerade die Tatsache, dass Erwachsene diese neue Musik nicht verstanden und ihre Ablehnung klar zum Ausdruck brachten, hat das junge Rock’n’Roll-Publikum angesprochen. Doch trotz der wachsenden Popularität von Elvis Presley, Ray Charles, Chuck Berry und anderen berühmten Künstlern trat der Rock'n'Roll um 1959 in eine Phase des Niedergangs ein. Tatsache ist, dass die Führer der größten Plattenfirmen, die das enorme kommerzielle Potenzial von Rock'n'Roll erkannten und versuchten, das Publikum zu erweitern, hübsche, aber im Großen und Ganzen untalentierte Künstler auf die Bühne brachten. Allmählich verblassten die Aggressivität, Sinnlichkeit und vor allem die aufflammenden Rhythmen des Rock'n'Roll, und sie wurden durch "nette" Fälschungen von Rock'n'Roll ersetzt jugendlicher Engel (Teenie-Engel) Und Sag Laura, dass ich sie liebe (Sag Laura, dass ich sie liebe).

Einfluss der Beatles.

In den späten 1950er und frühen 1960er Jahren schien Rock and Roll also auf dem Sterbebett zu liegen, aber 1962 erwachte er dank des Aufstiegs der Beatles, die eine phänomenale Popularität erlangten, wieder zum Leben. Das Quartett aus dem englischen Liverpool, gefolgt von weiteren britischen Gruppen und vor allem den Rolling Stones, hauchte den Grundkanonen des Rock'n'Roll neues Leben ein. Der explosionsartige Erfolg dieser Bands in den Vereinigten Staaten erinnerte wieder an den energiegeladenen Beat - sie machten "Rock", wie sie diesen Stil nun zu nennen begannen, noch lauter und aggressiver. Zunächst ließen sich die Beatles von frühen Beispielen des Rock 'n' Roll inspirieren, während die Rolling Stones mehr urbanen Bluesmen wie Muddy Waters verdankten, aus deren Lied rollender Stein (Rollender Stein), von denen sie ihren Namen geliehen haben.

Schon jetzt ist klar, wie zweitrangig und langweilig die ersten Aufnahmen der Beatles sind. Die hypnotische Wirkung der Beatles auf das Massenpublikum erklärt sich erstens durch den energischen Rhythmus ihrer Musik im Vergleich zu ihren zeitgenössischen populären Interpreten und zweitens und vor allem durch ihren persönlichen Charme. Sie waren niedlich-verwegene, langhaarige, bescheidene, wenn auch ungewöhnlich gekleidete Typen, und jeder „Beatle“ hatte einen ganz bestimmten Bühnenauftritt. Vor dem Hintergrund der Rolling Stones – arrogante, unhöfliche und trotzig sexy Typen – schienen sie „herrliche Tomboys“ zu sein.

Während des Niedergangs des Rock'n'Roll wurde für einige Zeit die weiße Volksmusik, die hauptsächlich in den Appalachen (im Osten der USA) existierte, wiederbelebt und sofort in Betrieb genommen. Die musikalischen Klischees des Volksstils gehörten einer anderen Zeit an und verloren bald ihren Reiz, aber die Texte dieser Lieder, die besonders von sozialem Engagement und naiver Poesie geprägt waren, erwiesen sich als beständiger. Bob Dylan begann seine Karriere als Folksänger während dieser Renaissance. Die schlichten Texte von Dylans frühen Protestliedern, wie Nur der Wind weiß es (Weht im Wind), Zeiten - sie ändern sich (Die Zeiten ändern sich") bereicherte in seinem Spätwerk die Züge der modernen Hochpoesie. Er verwendete poetische Mittel wie freie Assoziation, Synästhesie (eine Kombination heterogener Empfindungen, zum Beispiel visuell und auditiv; zum Beispiel bei Dylan: „Schatten in Klängen“), erweiterte Metaphern und bewusste Mehrdeutigkeit der Bedeutung. Einige Rockpoeten griffen diesen Trend auf, aber erst als Dylan 1965 beim Newport Folk Festival auftrat, begleitet von einer Rockband, mit elektrischen Instrumenten, die seine übliche Akustikgitarre ersetzten Mundharmonika. Rock-Puristen betrachteten Dylans Verwandlung als Verrat, aber viele Folk-Künstler, darunter Tim Hardin, Tim Buckley, Lovin' Spoonful, übernahmen ganz oder teilweise Rock-Instrumente, und viele Rockmusiker ließen sich von dem semantischen Reichtum des Liedes inspirieren, das Dylan demonstrierte .

Zu letzteren gehörten die Beatles. Obwohl die frühen Kompositionen einige musikalische Neuerungen enthielten, bestanden die Texte ihrer Lieder meist aus abgedroschenem Geschwätz. Ich möchte deine Hand halten (Ich möchte deine Hand halten), mach mich glücklich (Bitte bitte mich), Ich möchte dein Freund sein (Ich will dein Mann sein) sind typische Beispiele. Trotzdem ein episches Album. Gummiseele (Gummiseele, 1965) zeichnete sich sowohl durch die semantische Tiefe der Strophen als auch durch die erstaunliche Vielfalt musikalischer Fundstücke aus. George Harrison im Lied Norwegische Möbel (norwegisches Holz) spielt die indische Sitar und die Streicherbegleitung in der Ballade Michelle (Michelle) klingt im Geiste der klassischen Musik.

Zu diesem Zeitpunkt, Mitte der 1960er Jahre, als viele Musiker die künstlerischen Möglichkeiten des Rock erkannten, waren Hunderte von Rockbands aus dem Boden geschossen. Ihre Musik war eine logische Fortsetzung des frühen Rock'n'Roll, aber auch eine Reaktion und Antwort auf aktuelle Ereignisse im gesellschaftlichen und politischen Leben. Zum Beispiel „Country Joe und das Fish, eine Gruppe aus Berkeley, prangerte in ihren Songs den Vietnamkrieg und die soziale Ungleichheit in der amerikanischen Gesellschaft an. Origineller waren Jefferson Airplane und Grateful Dead, die beide eng mit der aufkommenden "Drogenkultur" verbunden waren. Sie versuchten, die sensorische Erfahrung der Einnahme von LSD nachzubilden, indem sie lange schwebende Gitarrensoli mit schrillem Geheul kombinierten, das oft durch verschiedene Verstärkereinstellungen und Feedback verzerrt wurde, mit dem herzzerreißenden Jucken, das durch das Platzieren eines elektrischen Instruments in der Nähe des Verstärkers erzeugt wurde. Die Texte spiegelten auch die Drogenabhängigkeit wider. In Komposition Acht Meilen über dem Boden (Acht Meilen hoch) der Byrds-Gruppe deuten surrealistische Bilder im Geiste Dylans nur auf ein Drogenerlebnis hin, aber im Acid Rock war der direkte Bezug auf Drogen durchaus üblich. In dem Bemühen, Rockmusik zu einem sinnlich-emotionalen Gesamterlebnis zu machen, erreichten die Musiker eine unangenehme und für ein ungewohntes Ohr oft unerträgliche Lautstärke.

Die Beatles experimentierten weiter. 1967 veröffentlichten sie ein Album namens Sergeant Peppers Lonely Hearts Club Band (Sergeant Peppers Lonely Heart's Club Band). Nach dem inspirierenden Beispiel des Beach Ensemble-Albums Lieblingsgeräusche (Haustiergeräusche, 1966), die Beatles taten es Feldwebel Pepper das erste Rockalbum, das ein ganzes Werk war und keine Sammlung einzelner Songs. Nach dem Auftritt Feldwebel Pepper Viele Rockkünstler folgten dem Beispiel der Beatles. Die Songs sind über das traditionelle Drei-Minuten-Format der Mittelwellensender hinausgegangen und haben nun ganze Blöcke in Musikalben zu einer inneren Einheit gefunden. So ist das beeindruckend komplexe und künstlerisch (wenn auch nicht kommerziell) gelungene Album der Gruppe „Jefferson Airplane“ Nach dem Baden bei Baxter (Nach dem Baden bei Baxter) besteht aus vier langen "Suiten", von denen jede mehrere übergreifende Themen hat.

Nachdem andere Künstler die eklektische Originalität verinnerlicht haben Feldwebel Pepper, Rock wurde von vielen verwandten Musikstilen beeinflusst. Die Gruppen Blood, Sweat and Tears, Lighthouse, Chicago begannen, Blechblasinstrumente nicht nur zum Ausspielen und rein rhythmischen Begleiten, charakteristisch für Soulmusik oder Rhythm and Blues, einzusetzen, sondern auch für Orchester- und Solonummern, geprägt von ausgefeilten Harmonien und mehr flexibles rhythmisches Muster, charakteristisch für zeitgenössischer Jazz. Einige Bands, wie die nicht mehr existierende Cream, legten großen Wert auf anhaltende instrumentale Improvisationen im Stil zeitgenössischer Jazzkünstler, während sie die typischen Rock-Rhythmen und Vocals beibehielten. Frank Zappa, Anführer der kurzlebigen Mothers of Invention, begnadeter Komponist und Virtuose elektronische Musik, entlehnte musikalische Mittel aus dem Arsenal der Klassiker des 20. Jahrhunderts. – Edgar Varese, John Cage, Karlheinz Stockhausen. Rock nutzte auch andere klassische Formen: Zwei britische Bands, The Who and the Kinks, komponierten und nahmen Rockopern auf - Tommy (Tommy) Und Arthur (Arthur), in denen jeweils die Handlung die musikalische Struktur bestimmt, gibt es übergreifende Themen, und einzelne Liedarien werden von verschiedenen Charakteren vorgetragen.

1970–1980er Jahre.

In den späten 1960er und frühen 1970er Jahren inspirierten Blues, weiße Volksmusik und Jazz – die Eckpfeiler des Rock – weiterhin Rockkünstler, und der Rock wiederum beeinflusste seine musikalischen Vorläufer. Eine Reihe von Dirigenten Sinfonieorchester, insbesondere Zubin Mehta (Los Angeles Philharmonisches Orchester) und Leonard Bernstein (New York Philharmonic Orchestra), nahmen an Konzerten teil, bei denen versucht wurde, Rock und klassische Musik zu synthetisieren.

Während diese Experimente fortgesetzt wurden, ging der Rock der frühen 1970er Jahre wieder zurück, ebenso wie in den frühen 1960er Jahren. Die Beatles lösten sich auf und die Musiker begannen alleine zu arbeiten. Dylan veröffentlichte eine Reihe von Alben, die Kritiker entsetzten. Andere bedeutende Künstler – Jimi Hendrix, der die Rolle der Leadgitarre, der Rhythm-and-Blues-Sängerin Janis Joplin und des Leadsängers der Doors, Jim Morrison, revolutionierte – starben auf tragische Weise, kaum dass sie ihre kreative Karriere begannen. Das Rockpublikum teilte sich in Fans unterschiedlicher Richtungen auf, die sich vervielfachten. Einer von ihnen war Country Rock – ein Stil, der angenommen wurde traditionelle Instrumente wie die Ukulele und wieder zurück zum Rhythm and Blues von Elvis Presley, Carl Perkins und Buddy Holly.

Gleichzeitig entstanden Musiker aus der Folk-Tradition der frühen 1960er Jahre. Die Akustikgitarristen Caroly King, Joni Mitchell und Paul Simon sangen über persönliche Beziehungen und altmodische romantische Probleme in einer raffinierten und anmutigen Art des lyrischen Bekenntnisses.

Progressive Rock entstand in Großbritannien, vertreten durch Bands wie Pink Floyd, Moody Blues, Jethro Tull, die klassische Arrangements verwendeten, um den Sound ihrer raffinierten Kompositionen zu bereichern. Diese betont melodische Musik mit dichter Orchestrierung stützte sich stark auf die Fähigkeiten des neu erschienenen elektronischen Synthesizers, der in der Lage war, den Klang fast jedes Instruments zu imitieren, einschließlich Blechbläser und Streicher.

Das Publikum für Heavy Metal wuchs, ein Genre, das durch ohrenbetäubende Lautstärke und sich wiederholende melodische Muster gekennzeichnet war. Eine Reihe von Vertretern dieses Trends, darunter "Led Zeppelin", "AC / DC", "Black Sabbath", wurden zu den beliebtesten, obwohl sie in Kreisen abgelehnt wurden Musikkritiker Superstars des Jahrzehnts.

Glam- und Glitzerrock, vertreten durch englische Künstler wie David Bowie, Roxy Music und T. Rex“ und die amerikanische Gruppe „New York Dolls“ brachten ungezügelte Transgender-Theatralik. Bowie veröffentlichte 1972 ein Konzeptalbum Der Aufstieg und Fall von Ziggy Stardust und den Spinnen vom Mars (Der Aufgang und Fall von Ziggy Stardust und den Spinnen vom Mars), in der die Handlung den rasanten Aufstieg zum Ruhm und den Zusammenbruch des dekadent-futuristischen Rock-Idols nachzeichnet. Dieses Ding stand in scharfem Kontrast zu dem sanften, angenehmen Auftreten der Rockkünstler der späten 1960er Jahre. Die Grenzen des Rock sprengte Bowie, der mit seinem bewusst androgynen Image sexuelle und soziale Normen herausforderte.

Bis Mitte der 1970er Jahre waren Dutzende von Genres in der Rockmusik verschmolzen. Alice Cooper und Kiss, die schamlos Elemente von Heavy Metal und Popmusik entlehnten, übernahmen die äußere Seite ihres Bühnenbildes vom Glam Rock, indem sie bei ihren Auftritten Make-up und Cartoon-Charakter-Garderobe verwendeten. Steely Dan, eine in Folk-Tradition und Soul verwurzelte Band, bot einen seltsamen Hybriden - intellektuellen Rock, der angenehme Melodien mit ziemlich zynischen Strophen kombinierte. Hall & Oates schufen "Blue-Eyed Soul", indem sie den R&B-Sound der Philadelphia-Soul-Musik aus den späten 1960er Jahren entlehnten. Art Rock kombiniert Elemente aus Glam und Progressive Rock. Bands wie Genesis, angeführt von Peter Gabriel, boten exzentrische Musik, die durch Theatralik verstärkt wurde. Bruce Springsteen, Sänger und Komponist aus New Jersey, erinnerte die Zuhörer mit der Kraft und Anziehungskraft von Bühnenauftritten und der sozialen Ausrichtung der Texte an den jungen Bob Dylan; Springsteen-Rekord Geboren um zu rennen (Geboren um zu rennen) wurde zum besten Album des Jahrzehnts gekürt.

George Clinton und seine Parliament-Funkadelic, eine Rhythm-and-Blues-Band aus Detroit, sind eine andere Art von Hybrid-Rock. Das Weltraumthema der Kompositionen und die außerirdischen Kostüme der Ensemblemitglieder trugen zur Popularisierung des Funkrock bei.

1974 wurde CBGB, ein kleiner Musikclub in New Yorks South East Side, zur Wiege des nächsten Rock-Genres. Lokale Rockbands – die Ramones, Television, Talking Heads, die Sängerin Patti Smith – kultivierten raue, nackte Drei-Akkord-Musik, die später als Punk bezeichnet wurde. Primitiv, hart, oft dissonant, aber voller Leidenschaft und ohne jeglichen musikalischen Schnickschnack, der den Rock der 1970er auszeichnete, war Punk die wildeste Spielart der Rockmusik. Die Merkmale des zukünftigen Punks wurden bereits 1970 in der Arbeit der Michiganer Gruppe MS-5 und Iggy Pop (richtiger Name James Osterberg) und seiner Gruppe Stooges erraten. Aber erst 1975 veröffentlichte Patti Smith ihr Debütalbum. Pferde(Pferde), Punk ging in die Umlaufbahn. Patti Smiths weinerlicher schamanische Gesang und verschwommenen, im Geiste von Arthur Rimbauds Texten, Verse vor dem Hintergrund einer minimalistisch dissonanten Melodie gewannen sofort Fans in der Rock-Avantgarde.

Der englische Unternehmer Malcolm McLaren, beeindruckt von dem, was er in New York hörte, griff zu einem neuen Musikstil auf. Die Sex Pistols, von McLaren aus einer bunt gemischten Schar junger Faulpelze rekrutiert, wurden zum Anführer des Punkrocks. Die politische und wirtschaftliche Atmosphäre Großbritanniens war reif für ein so offen aggressives apokalyptisches Genre, und Punk blühte in der Arbeit von „wütenden“ Jugendgruppen wie den Pistols auf (ihre erste Platte hieß Anarchie im Vereinigten Königreich) und "Zusammenstoß". Ein ebenso äußerst beliebtes Genre in dieser Zeit war Disco, eine Mischung aus Funk, Rhythm and Blues und Rock, die die sexuelle Freiheit und Lebensfreude feierte, die die Popkultur in den 1970er Jahren prägten.

Als die Popularität des Punkrocks zunahm und sich allmählich änderte, verwandelte er sich in eine "neue Welle". Elemente aus Skiffle (jazzartige Popmusik) und Ska (jamaikanische Tanzmusik) wurden in leichte, schnelle Songs gemischt, die von ethnisch gemischten Bands wie den Specials und dem English Beat vorgetragen wurden. Elvis Costello hat meisterhaft ausgearbeitete Hits populär gemacht, die in einem fieberhaft zerrissenen Rhythmus gehalten werden. Devo aus Akron, Ohio, traten in leichten Plastikoveralls und Masken auf der Bühne auf und deuteten damit ihre Zugehörigkeit zu außerirdischen Zivilisationen an. Und Bands wie Husker Du, Dead Kennedys und Black Flag verwandelten Punk in einen Strom unkontrollierbarer Aggression.

Videoclip-Revolution.

Am 1. August 1981 fand in der Rockmusik die erste Revolution seit den Beatles statt: Die Ära des Musical Television (MTV) begann – rund um die Uhr ausgestrahlte Musikvideos, in denen Rocksongs durch Spezialeffekte eine sichtbare Verkörperung erhielten, fantastische Bilder und Bearbeiten von Frames, synchronisiert mit musikalischen Phrasen. Eine Goldmine für erfinderische Darsteller werden“ neue Welle wie „Police“, „Depeche Mode“, „B-52s“ und „Go Gos“ hat MTV auch die Veröffentlichung von immer mehr One-Night-Stand-Wunderwerken der Videotechnik vorangetrieben.

Wenn die Punkbewegung der späten 1970er Jahre die Rockmusik auf das Wesentliche zurückführte, verwandelten die 1980er Jahre den Rock in einen theatralischen Akt. Künstler wie Madonna, Prince und insbesondere Michael Jackson wurden nur unter einem strengen, alles sehenden Videoauge berühmt. Indem sie den Zuschauern ihre exquisit gestalteten, sich ständig ändernden Bilder und Melodien boten, die auf eingängigen, unprätentiösen Rhythmen basierten, die nicht vom zentralen emotionalen Videothema ablenkten, spiegelten diese Darsteller die für die 1980er Jahre charakteristische „Mehr ist besser“-Philosophie wider.

Während Musikfernsehen zum Vergnügen einer überwiegend weißen Mittelschicht wurde, wurde Hip-Hop oder Rap in ärmlichen Stadtvierteln aus improvisierten Mitteln fabriziert. Discjockeys, die im Studio mehrere "Plattenspieler" gleichzeitig benutzten, drehten alte Schallplatten in Einzelteilen, sezierten Melodien und überlagerten Fragmente mit neuen Rhythmen. Vor diesem musikalischen Hintergrund konnte der „Rapper“ improvisierte rhythmische Verse singen, deren Lieblingsthemen Sex, Drogen und die afroamerikanische Kultur waren. Die frühen Befürworter des Rap – Afrika Bambaataa und Curtis Blow – basierten ihre Kompositionen auf alten Rhythm-and-Blues-Platten von James Brown und anderen Künstlern. Dann versuchten Bands wie Run DMC, ihr Publikum für Rap zu begeistern, indem sie ihre Songs insbesondere auf Rockmelodien basierten Gehen Sie diesen Weg (Gehen Sie diesen Weg) der Aerosmith-Gruppe. Mit dem Erfolg der Beastie Boys und anderer weißer Rapper Ende der 1980er Jahre wurde Rap zum Mainstream. Musik Genre, was seine sozial aktiveren Vertreter zu einer düsteren Aggressivität zwingt. Gangsta-Rap, aufgeführt von NWA, Geto Boys und Snoop Doggy Dogg, bot Verse, die inhaltlich so aggressiv, frauenfeindlich und hooliganisch waren, dass in der Gesellschaft Stimmen laut wurden, die, wenn nicht zur Unterdrückung durch Zensur aufgerufen, so doch zumindest von den Darstellern Selbstbeherrschung verlangten.

Nur wenige der Rock-Supergroups, die in den 1980er Jahren entstanden, erwiesen sich als lebensfähig. Ausnahmen waren jene Ensembles, die sich sowohl durch musikalisches Talent als auch durch ein einprägsames Image auszeichneten - REM, ein Quartett aus Athens, Georgia, und die irische U2, eine Gruppe, deren Kompositionen im Geiste religiöser Hymnen das Publikum in Ekstase versetzten.

Neue Formen in den 1990er–2000er Jahren.

Grunge, ein Genre, das in den frühen 1990er Jahren zum Star wurde, erinnerte stark an Punk. Er kombinierte die Avantgarde-Ambitionen von Bands wie Sonic Youth mit der frenetischen und kreischenden Gitarre von Neil Young, der seine Karriere Mitte der 1960er Jahre als Teil der frühen Country-Rockband Buffalo Springfield begann. Dank Bands wie Nirvana und Pearl Jam hat sich der Ruhm des Grunge weit über seine amerikanische Heimat hinaus verbreitet.

Sowohl in den 1970er als auch in den frühen 1990er Jahren kam es zu einer Fragmentierung der Stile. Viele neue Künstler wurden sogar gelegentlich als "alternativ" bezeichnet, wenn ihre Musik schnell von einem Massenpublikum aufgenommen wurde. "PJ Harvey" und andere Frauengruppen stimmhaftes militantes Riot-Girl rockt im "Heavy Metal"-Stil. Garth Brooks läutete die Rückkehr der Country-Rock-Tradition ein. In England folgte eine Explosion von Rave-Musik, geprägt von hypnotischen Melodien und extrem schnellen Tempi. In den USA verband die "Industrial Rock"-Gruppe "Ministry" hart-aggressive und tanzbare Musik zu einem Ganzen. Dank des wachsenden Einflusses des MTV-Senders haben der isländische Künstler Björk und die japanische Band Pizzicato Five internationale Berühmtheit erlangt.

Die Musik und Ästhetik des Grunge in den frühen 1990er Jahren bestimmten maßgeblich die Entwicklung des Rock im folgenden Jahrzehnt. Das Schlüsselkonzept dieser Zeit war das Konzept der "Alternative" (Alternative). Zunächst bedeutete es, die neue kompromisslose Musik dem endlosen und gesichtslosen Strom des Pop-Hardrock entgegenzusetzen, der den Musikmarkt der achtziger Jahre beherrschte. Wer sich nicht mit der seriellen und seelenlosen Produktion von Bands wie W.A.S.P. oder Poison abfinden wollte, hatte eine Alternative – Garagen- und Clubbands, die ihren eigenen, „ungepflegten“ Sound kreierten und nicht von den Stränden von Malibu, Schönheiten und Limousinen sangen, sondern darüber, was das Leben der meisten normalen Menschen ausmacht: über die Komplexität menschlicher Beziehungen, Entfremdung, Depression, Träume und Hoffnungen.

Die Stadt Seattle wurde zum Zentrum der „alternativen“ Musik, in der junge Gruppen um die kleine Firma „Sub Pop“ die Richtung des Grunge entwickelten: „Alice In Chains“ (Alice In Chains), „Melvins“ (Melvins), "Screaming Trees" (Schreiende Bäume), Nirvana, Soundgarden, Pearl Jam.

Grunge war eine wirklich frische und zeitgemäße Richtung. Die Popularität, die diese Richtung in ein oder zwei Jahren gewann, führte jedoch dazu, dass Musikindustrie begann die sogenannte auszunutzen. "alternativer" Klang. Was bis vor kurzem als marginal, nicht kommerziell galt und zum Repertoire kleiner unabhängiger Plattenfirmen gehörte, wurde innerhalb weniger Monate zum Repertoire Goldmine großes Showbusiness.

Die Hauptgruppen der „Seattle Wave“ versuchen, auf ihre Weise mit dieser Situation umzugehen und veröffentlichen Alben mit bewusst schmutzigem, rohem Sound: „Nirvana“ Im Mutterleib (In utero) und "Pearl Jam" Lebenswissenschaften (Vitalogie) und Alice In Chains wandten sich einem halbakustischen Sound zu, aber diese Alben wurden sofort mit Platin ausgezeichnet (d. h. über eine Million Mal verkauft). Seitdem hat der Begriff „alternative Musik“ im Allgemeinen seine Einzigartigkeit verloren, weil vieles, was früher eine echte Alternative zum großen Showbusiness war, Teil dieses Showbusiness wird. Die unabhängige (Indie, von Independent), nicht-kommerzielle Szene existiert jedoch weiterhin, und Gruppen wie Sonic Yus (Sonic Youth), Melvins (Melvins) oder Pavement sind ziemlich ruhig, ohne Massenhysterie und Millionenverträge spielen ihre Rolle eigene Musik.

Seit 1993, nach der Veröffentlichung des Albums Siamesische Träume, macht auf das Phänomen der Smashing Pumpkins-Gruppe aufmerksam, die Mitte der 1990er Jahre zur vielleicht beliebtesten amerikanischen Gruppe wurde. Ihre Arbeit ist ein Beispiel für eine seltene Kombination aus Kreativität und kommerzieller Erfolg. Kritiker haben diese Musik Post-Grunge genannt, was sehr formell klingt, aber zumindest die harte und schwere Grunge-Basis der Smashing Pumpkins-Musik widerspiegelt.

Ebenfalls seit Mitte der 1990er Jahre. Melodic Punk-Core (Punk-Core) Gruppen werden immer beliebter, vor allem Green Day ( grüner Tag) und "Nachkommen" (Nachkommen). Sie spielen sehr harte und schnelle Musik mit spektakulären Melodien und ironischen Texten. Green Day veröffentlichte 1994 ein Album Täuschen(Dookie), die sie zu Millionären gemacht haben. Nachfolgende Discs waren jedoch nicht so erfolgreich. Die Karriere von "Offspring" war viel erfolgreicher: nach einer wunderbaren Scheibe Zerschlagen (Zerschlagen, 1994) finden sie die Kraft, einen weiteren internationalen Bestseller zu schreiben amerikanisch (Amerikanisch, 1998) und erfreuen sich seither großer Beliebtheit.

Mit der Veröffentlichung des Albums von 1991 BloodSugarSexMagic (BloodSugarSexMagic) hat sich die Gruppe „Red Hot Chili Pepperz“ (Red Hot Chili Peppers) aus Los Angeles zu einer der bekanntesten Rockbands der Welt entwickelt. Ihre Musik ist eine Mischung aus Funk, Hardrock, Hip Hop und vielen anderen Stilrichtungen.Die Red Hot Chili Peppers veröffentlichen etwa alle drei Jahre ein Album und haben ihren „Superstar“-Status seit mehr als einem Jahrzehnt nicht verloren.

Die nächste internationale Welle in der Rockmusik nach Grunge war der sogenannte Brit-Pop. Damit übernahmen die Briten wieder für eine Weile die Führung in der Rockmusik. Parallelen zur „British Invasion“ Mitte der 60er Jahre drängen sich auf. Darüber hinaus wurde der "Boom" von Britpop von einer großen Kampagne begleitet, um das Masseninteresse an den Beatles (Beatles), der Veröffentlichung von Anthologien, der Veröffentlichung von Filmen usw. wiederzubeleben. Britpop hatte auch seine eigenen zwei populärsten und rivalisierenden Gruppen, die dem Beatles-Rolling-Stones-Tandem nachempfunden waren: Oasis und Blur. 1994 wurden die Oaces-Alben veröffentlicht. Es kann definitiv sein (Auf jeden Fall vielleicht) und die Blair-Gruppe Parkleben (Parkleben) und von diesem Moment an beginnt die Ära des Britpop. Viele andere Briten haben es in dieser Richtung zu Weltruhm gebracht: Pulp, Radiohead, Ride ua In der englischen Musik der späten 1980er Jahre. es war ziemlich interessante Richtung, wie die „Manchester-Welle“ mit ihren Kult-Performern: Happy Mondays (Happy Mondays), Stone Roses (Stone Roses), Charlatanes UK (Charlatanes UK), die in vielerlei Hinsicht den Britpop-Boom vorbereiteten. Und das erste Blair-Album mit dem Titel Leisure (Leisure, 1991) erschien während des Siegeszugs dieser Bewegung.

Obwohl der Höhepunkt der Popularität des Britpop mittlerweile überschritten ist, führen viele Gruppen immer noch ein erfolgreiches Dasein und veröffentlichen regelmäßig Alben. Wenn die Oaces jedoch hartnäckig ihrer monotonen Rock'n'Roll-Linie folgen, zeigt sich Blair-Anführer Damon Albarn als flexibler und erfinderischer Musiker, der an einem der mysteriösesten Projekte des frühen 21. Jahrhunderts teilnimmt. "Gorillaz" (Gorillaz). Mitglieder dieser Gruppe verstecken sich unter fiktiven Namen und Comic-Bildern. Bei Konzerten spielen sie hinter einem Vorhang, auf den Bilder ihrer Comic-Kollegen und andere Bilder projiziert werden.

In den 1990ern Es gibt weit verbreitete Experimente mit der Kombination von Elektronik und Live Gitarrenmusik, Live-Instrumente und digitale Technologien, wie Alben von David Bowie (Davi Bowie) 1 draußen (1 Draußen, 1995), Erdenbürger (Erdling, 1997) oder Discs von Garbage, Republica usw.

Einer der interessantesten experimentellen Musiker ist der Amerikaner Beck Hansen, besser bekannt als Beck. Jedes seiner Alben, beginnend mit dem ersten Reifes Gold (Mildes Gold, 1993), ist dies eine neue Etappe in der Entwicklung seines Ungewöhnlichen musikalisches Talent. Beck kombiniert ausgefeilte Elektronik mit den traditionellsten akustischen Instrumenten.

Fast zeitgleich mit Britpop erregte ein weiterer in Großbritannien geborener Trend namens Trip-Hop die Aufmerksamkeit der Welt. Massive Attack, Tricky, Portishead und später Morcheeba sind die bekanntesten Trip-Hop-Künstler. Trip-Hop-Gruppen wurden von nachdenklichen Hip-Hop-DJs und elektronischen Experimentatoren gegründet und bevorzugen langsame, hypnotische Tempi, düsteren oder melancholischen Sound, ungewöhnliche Samples (Samples, Samples - Fragmente des Klangs einer Komposition oder eines Instruments, die zum Erstellen neuer Kompositionen verwendet werden).

Bedeutender Einfluss auf die Musik in den 1990er Jahren lieferte eine Mode für die Kultur der vergangenen Jahrzehnte. In den frühen 1990er Jahren es gab eine Mode für die "Hippie-Ära" der 1960er Jahre, und dann kamen die 1970er Jahre in Mode, hauptsächlich Funk, Disco und Glam Rock. Begleitet wurde dies von der Wiedervereinigung vieler legendärer Bands der vergangenen Jahrzehnte: Jefferson Airplane (Jefferson Airplane), Fleetwood Mac (Fleetwood Mac), Deep Purple ( dunkellila), Black Sabbath (Black Sabbath), Eagles (Eagles) und andere. Jimmy Page und Robert Plant, Mitglieder von Led Zeppelin (Led Zeppelin), veröffentlichen 1994 ein gemeinsames Album Keine Gnade (Kein Viertel), das neue gemeinsame Songs und alte Hits der Gruppe in ungewöhnlichen orientalischen Arrangements präsentiert.

2001 war die Mode in den 1980er-Jahren angelangt: Elektro-Pop, rosa Jacken und Perhydrol. Sogar diejenigen, die alle vergessen haben, sind aufgetaucht, nämlich die Initiatoren des Glams der 1980er Jahre: Gruppen wie Poison (Poison) und Warrant (Warrant).

Ende der 1990er Jahre geprägt von einem erneuten Interesse an "schwerer" Musik. Solch amerikanische bands wie Limp Bizkit, Papa Roach, P.O.D. (POD), "Linkin Park" ( Linkin Park) spielen Musik, die seit einiger Zeit als Nu- oder Nu-Metal (Nu-Metal) bezeichnet wird. Es zeigt deutlich die Einflüsse von Bands der vorherigen Generation: Rage Against The Machine, Helmet, « Nirwana » (Nirvana), Alice in Ketten, Piloten des Steintempels. Einer von Schlüssel Konzepte in der Musik im frühen 21. Jahrhundert. - Multikulturalismus. Interesse an Volksmusik Lateinamerika, Mittelmeer, Osteuropa, Afrika, Fernost und anderen Regionen der Welt wächst über die übliche Mode des Exotischen hinaus. Elemente verschiedener Kulturen werden zum Material für Kreativität. Ein wunderbares Beispiel für diesen Ansatz ist der in Spanien geborene Franzose Manu Chao, der in seiner Musik lateinamerikanische, karibische, nordafrikanische und europäische Traditionen vermischte. So sind Eklektizismus und stilistische Vielfalt charakteristische Merkmale der Musik des frühen 21. Jahrhunderts.

Zu einer der Säulen der Populärkultur geworden, hat die Rockmusik ihren Platz in der Kunst als eigenständiges Gebiet eingenommen, das einer besonderen Untersuchung würdig ist; Tatsächlich umfasst der Lehrplan vieler Universitäten inzwischen Kurse zum Studium der Rockmusik. 1986 wurde die Rock and Roll Hall of Fame gegründet. Ihr treu historische Wurzeln, Rockmusik bleibt ein Zankapfel: Wenn Gegner darüber schockiert sind, dass Kenner von „ernsthafter“ Musik akzeptiert werden, dann werden treue Anhänger gerade durch den Gewinn von „Legitimität“ verwirrt, wodurch, wie sie versichern, der Rock seine verliert Eigene Kraft und Unmittelbarkeit.