Die Entwicklung der Technologie in der Musikindustrie. Musikindustrie-Marketing: Methoden, Strategie, Zielgruppe des Musikmarketings planen

Vor dem Aufkommen moderner tragbarer Tonquellen, digitaler Signale und Musik hat der Prozess der Tonaufzeichnung und -wiedergabe einen langen Weg zurückgelegt. An der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. Die Musikindustrie hatte ein bestimmtes System, das Folgendes umfasste: Konzert- und Tourneenaktivitäten, Verkauf von Noten und Instrumenten. Im 19. Jahrhundert waren gedruckte Noten die wichtigste Form von Musikgütern. IN Ende des 19. Jahrhunderts Jahrhundert führte das Aufkommen von Geräten zur Tonaufzeichnung und -wiedergabe und infolgedessen das Aufkommen von Plattenfirmen zu einer erheblichen Veränderung der Struktur der Musikindustrie und zur Entstehung eines Phänomens wie des Musikgeschäfts zu Beginn des 20. Jahrhunderts Das 20. Jahrhundert.

Die Natur des Menschen ist so beschaffen, dass er sich ein Leben ohne Klänge, Harmonie und Musikinstrumente nicht vorstellen kann. Seit mehreren Jahrtausenden verfeinern Musiker ihre Fähigkeiten im Spiel auf Leier, Maultrommel, Laute oder Cistre. Doch um die Ohren hochrangiger Kunden zu erfreuen, war stets die Anwesenheit einer Truppe professioneller Musiker erforderlich. Es bestand also die Notwendigkeit, Musik mit der Möglichkeit ihrer weiteren Wiedergabe ohne menschliches Eingreifen aufzunehmen. Darüber hinaus ist die Entstehung des Musikgeschäfts vor allem auf das Aufkommen von Tonaufnahmen zurückzuführen.

Es wird angenommen, dass das erste Tonwiedergabegerät die Erfindung des antiken griechischen Erfinders Ktesibius war – „hydravlos“ . Die ersten Beschreibungen dieses Designs finden sich in den Manuskripten spätantiker Schriftsteller – Heron von Alexandria, Vitruvius und Athenaeus. Im Jahr 875 präsentierten die Brüder Banu Musa, nachdem sie die Idee aus den Manuskripten des antiken griechischen Erfinders entlehnt hatten, der Welt ihr Analogon eines Geräts zur Wiedergabe von Klängen – „Wasserorgel“ (Abb. 1.2.1.). Das Funktionsprinzip war äußerst einfach: Eine gleichmäßig rotierende mechanische Walze mit geschickt platzierten Vorsprüngen beaufschlagte die Gefäße mit unterschiedlich viel Wasser, was sich auf die Tonhöhe der Geräusche auswirkte und so die vollen Röhren zum Klingen brachte. Einige Jahre später stellten die Brüder auch die erste „automatische Flöte“ vor, die ebenfalls auf dem Prinzip der „Wasserorgel“ basierte. Bis zum 19. Jahrhundert waren es die Erfindungen der Banu Musa-Brüder, die die einzige Möglichkeit zur programmierbaren Tonaufzeichnung darstellten.

Reis. 1.2.1. Die Erfindung der Banu Musa-Brüder – „Wasserorgel“

Ab dem 15. Jahrhundert. Die Renaissance war geprägt von der Mode mechanischer Musikinstrumente. Eröffnet die Parade der Musikinstrumente mit dem Funktionsprinzip der Banu Musa-Brüder – der Drehorgel. 1598 erschien die erste Spieluhr, also Mitte des 16. Jahrhunderts. - Spieluhren. Auch die ersten Versuche zur Massenverbreitung von Musik waren die sogenannten „Balladenflyer“ - Auf Papier gedruckte Gedichte mit Notizen oben auf dem Blatt, die erstmals im 16.-17. Jahrhundert in Europa erschienen. Diese Vertriebsmethode wurde damals von niemandem kontrolliert. Der erste bewusst kontrollierte Prozess der Massenverbreitung von Musik war die Nachbildung von Noten.

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts setzte sich der Trend zur Entwicklung mechanischer Musikinstrumente fort – Dosen, Schnupftabakdosen – alle diese Geräte verfügten über einen sehr begrenzten Satz an Melodien und konnten das zuvor vom Meister „gespeicherte“ Motiv wiedergeben. Bis 1857 war es nicht möglich, eine menschliche Stimme oder den Klang eines akustischen Instruments aufzuzeichnen und weiter zu reproduzieren.

Das weltweit erste Tonaufzeichnungsgerät ist - Phonautogramm (Abb. 1.2.2.), das 1857 von Edward Leon Scott de Martinville erfunden wurde. Das Funktionsprinzip des Phonoautographen bestand darin, eine Schallwelle aufzuzeichnen, indem Vibrationen durch ein spezielles akustisches Horn erfasst wurden, an dessen Ende sich eine Nadel befand. Unter dem Einfluss von Schall begann die Nadel zu vibrieren und zeichnete eine intermittierende Welle auf eine rotierende Glaswalze, deren Oberfläche entweder mit Papier oder Ruß bedeckt war.

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Leider konnte Edward Scotts Erfindung das aufgezeichnete Fragment nicht reproduzieren. Vor einigen Jahren wurde in einem Pariser Archiv ein 10-sekündiger Ausschnitt der Aufnahme gefunden Volkslied„Moonlight“, vom Erfinder selbst am 9. April 1860 aufgeführt. Zukünftig wurde das Design des Phonoautographen als Grundlage für die Entwicklung anderer Geräte zur Tonaufzeichnung und -wiedergabe herangezogen.

Im Jahr 1877 schloss der Erfinder der Glühlampe, Thomas Edison, die Arbeit an einem völlig neuen Tonaufzeichnungsgerät ab – Grammophon (Abb. 1.2.3.), das er ein Jahr später bei der zuständigen US-Behörde patentieren ließ. Das Funktionsprinzip des Phonographen erinnerte an Scotts Phonoautographen: Als Tonträger fungierte eine gewachste Walze, deren Aufnahme über eine mit der Membran verbundene Nadel – dem Vorläufer des Mikrofons – erfolgte. Durch die Aufnahme von Schall durch ein spezielles Horn betätigte die Membran eine Nadel, die Vertiefungen auf der Wachswalze hinterließ.

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Erstmals konnte der aufgenommene Ton mit demselben Gerät wiedergegeben werden, auf dem auch die Aufnahme selbst gemacht wurde. Allerdings reichte die mechanische Energie nicht aus, um das Nennvolumenniveau zu erreichen. Damals stellte der Phonograph von Thomas Edison die ganze Welt auf den Kopf: Hunderte von Erfindern begannen mit verschiedenen Materialien zur Abdeckung der Trägerwalze zu experimentieren, und 1906 fand das erste öffentliche Hörkonzert statt. Edisons Phonograph wurde von einem ausverkauften Haus mit Beifall bedacht. Im Jahr 1912 sah die Welt Plattenphonograph , bei dem anstelle der üblichen Wachswalze eine Scheibe verwendet wurde, was die Konstruktion stark vereinfachte. Das Erscheinen des Plattenphonographen war zwar von öffentlichem Interesse, gleichzeitig aber auch unter dem Gesichtspunkt der Entwicklung der Tonaufzeichnung praktische Anwendung Fand es nicht.

Später, ab 1887, entwickelte der Erfinder Emil Berliner aktiv seine eigene Vision der Tonaufzeichnung mit seinem eigenen Gerät – Grammophon (Abb. 1.2.4.). Als Alternative zur Wachstrommel bevorzugte Emil Berliner das haltbarere Zelluloid. Das Aufnahmeprinzip blieb dasselbe: Hupe, Ton, Vibrationen der Nadel und gleichmäßige Rotation der Schallplatte.

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Experimente, die mit den Rotationsgeschwindigkeiten einer beschreibbaren Plattenplatte durchgeführt wurden, ermöglichten es, die Aufzeichnungszeit einer Seite der Platte auf 2–2,5 Minuten bei einer Rotationsgeschwindigkeit von 78 Umdrehungen pro Minute zu erhöhen. Die bespielten Schallplatten wurden in spezielle Papphüllen (seltener Lederhüllen) gelegt, weshalb sie später den Namen „Alben“ erhielten – äußerlich ähnelten sie stark Fotoalben mit Sehenswürdigkeiten von Städten, die überall in Europa verkauft wurden.

Der Ersatz für das sperrige Grammophon war das 1907 von Guillon Kemmler verbesserte und modifizierte Gerät - Grammophon (Abb. 1.2.5.).

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Dieses Gerät hatte ein kleines Horn im Gehäuse eingebaut und die Möglichkeit, das gesamte Gerät in einem kompakten Koffer unterzubringen, was zu einer raschen Popularisierung des Grammophons führte. In den 1940er Jahren Es erschien eine kompaktere Version des Geräts - ein Mini-Grammophon, das sich besonders bei Soldaten großer Beliebtheit erfreute.

Das Aufkommen von Schallplatten erweiterte den Musikmarkt erheblich, da sie im Gegensatz zu Noten von absolut jedem Hörer erworben werden konnten. Lange Jahre Die Schallplatten waren das wichtigste Aufnahmemedium und das wichtigste Musikgut. Erst in den 1980er Jahren machte die Schallplatte anderen Medien musikalischen Materials Platz. Seit Anfang der 1990er Jahre und bis heute machen die Verkäufe von Schallplatten nur wenige oder sogar Bruchteile eines Prozents des Gesamtumsatzes mit Audioprodukten aus. Doch auch nach einem derartigen Verkaufsrückgang verschwanden die Schallplatten nicht und haben bis heute ihr unbedeutendes und kleines Publikum unter Musikliebhabern und Sammlern behalten.

Das Aufkommen der Elektrizität markierte den Beginn einer neuen Etappe in der Entwicklung der Tonaufzeichnung. Ab 1925 - „Ära der elektrischen Aufnahme“ Verwendung eines Mikrofons und eines Elektromotors (anstelle eines Federmechanismus), um die Schallplatte zu drehen. Das Arsenal an Geräten, die sowohl die Tonaufnahme als auch die weitere Wiedergabe ermöglichen, wurde durch eine modifizierte Version des Grammophons ergänzt - Elektrophon (Abb. 1.2.6.).

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Das Aufkommen des Verstärkers ermöglichte es, die Tonaufzeichnung auf ein neues Niveau zu heben: Elektroakustische Systeme erhielten Lautsprecher, und die Notwendigkeit, den Ton durch eine Hupe zu erzwingen, gehört der Vergangenheit an. Alle körperlichen Anstrengungen eines Menschen wurden durch elektrische Energie ausgeführt. All diese und andere Änderungen verbesserten die akustischen Möglichkeiten und stärkten die Rolle des Produzenten im Aufnahmeprozess, was die Situation auf dem Musikmarkt radikal veränderte.

Parallel zur Tonträgerindustrie begann sich auch das Radio zu entwickeln. In den 1920er Jahren begann man mit der regelmäßigen Rundfunkausstrahlung. Zu Beginn wurden Schauspieler, Sänger und Orchester eingeladen, neue Technologien im Radio bekannt zu machen, was zur Entstehung einer enormen Nachfrage nach Radios beitrug. Das Radio wurde zu einer Notwendigkeit für ein großes Publikum und zu einem Konkurrenten der Phonographieindustrie. Es wurde jedoch bald eine direkte Abhängigkeit vom Klang der Schallplatten im Rundfunk und eine Steigerung der Verkaufszahlen dieser Schallplatten in den Läden festgestellt. Es bestand ein wachsender Bedarf an Musikkommentatoren, den sogenannten „Diskjockeys“, die nicht nur Schallplatten auf den Player legten, sondern auch zur Förderung neuer Schallplatten auf dem Musikmarkt beitrugen.

In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts erfuhr das Grundmodell der Musikindustrie erhebliche Veränderungen. Tonaufnahmen, Radio und andere Fortschritte in Wissenschaft und Technologie haben das ursprüngliche Publikum des Musikgeschäfts vervielfacht und zur Entstehung und Verbreitung neuer Musikstile und -trends wie der elektronischen Musik beigetragen. Sie boten der Öffentlichkeit ein attraktiveres Produkt und fügten sich organisch in die im 19. Jahrhundert üblichen Formen ein.

Eines der Hauptprobleme der damaligen Tonaufzeichnungsgeräte war die Dauer der Tonaufzeichnung, die erstmals vom sowjetischen Erfinder Alexander Shorin gelöst wurde. 1930 schlug er vor, als Betriebsaufzeichnung einen Film zu verwenden, der mit konstanter Geschwindigkeit durch ein elektrisches Schreibgerät läuft. Das Gerät wurde benannt Shorinofon , aber die Qualität der Aufnahme blieb nur für die weitere Wiedergabe der Stimme geeignet, es war bereits möglich, etwa 1 Stunde Aufnahme auf einem 20-Meter-Filmband zu platzieren.

Das letzte Echo der elektromechanischen Aufzeichnung war das sogenannte „Talking Paper“, das 1931 vom sowjetischen Ingenieur B.P. vorgeschlagen wurde. Skvortsov. Schallschwingungen wurden mit einem schwarzen Tintenstift auf Normalpapier aufgezeichnet. Ein solches Papier könnte leicht kopiert und übertragen werden. Zur Wiedergabe der aufgenommenen Daten wurden eine leistungsstarke Lampe und eine Fotozelle verwendet. In den 1940er Jahren des letzten Jahrhunderts wurden bereits durch eine neue Methode der Tonaufzeichnung erobert – magnetisch.

Die Entwicklungsgeschichte der magnetischen Tonaufzeichnung verlief fast immer parallel zu den mechanischen Aufnahmemethoden, blieb aber bis 1932 im Schatten. Ende des 19. Jahrhunderts beschäftigte sich der amerikanische Ingenieur Oberlin Smith, inspiriert von der Erfindung von Thomas Edison, mit der Frage der Tonaufzeichnung. Im Jahr 1888 wurde ein Artikel über die Nutzung des Phänomens des Magnetismus bei der Tonaufzeichnung veröffentlicht. Der dänische Ingenieur Valdemar Poulsen erhielt nach zehnjährigem Experimentieren 1898 ein Patent für die Verwendung von Stahldraht als Tonträger. So entstand das erste Tonaufnahmegerät, das auf dem Prinzip des Magnetismus basierte – Telegraph . Im Jahr 1924 verbesserte der Erfinder Kurt Stille die Idee von Valdemar Poulsen und schuf das erste Diktiergerät auf Magnetbandbasis. AEG griff in die Weiterentwicklung der magnetischen Tonaufzeichnung ein und brachte Mitte 1932 ein Gerät auf den Markt. Tonbandgerät-K 1 (Abb. 1.2.7.) .

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Durch die Verwendung von Eisenoxid als Filmbeschichtung hat BASF die Welt der Tonaufzeichnung revolutioniert. Durch den Einsatz von AC-Bias erreichten die Ingenieure eine völlig neue Klangqualität. Von 1930 bis 1970 gab es auf dem Weltmarkt Spulentonbandgeräte in den unterschiedlichsten Formfaktoren und mit den unterschiedlichsten Leistungsmerkmalen. Magnetbänder haben Tausenden von Produzenten, Ingenieuren und Komponisten kreative Türen geöffnet, denen die Möglichkeit gegeben wurde, mit Tonaufnahmen nicht im industriellen Maßstab, sondern direkt in ihrer eigenen Wohnung zu experimentieren.

Solche Experimente wurden durch das Erscheinen Mitte der 1950er Jahre noch erleichtert. Mehrspurrekorder. Es wurde möglich, mehrere Tonquellen gleichzeitig auf einem Magnetband aufzuzeichnen. 1963 kam ein 16-Spur-Tonbandgerät auf den Markt, 1974 ein 24-Spur-Tonbandgerät, und acht Jahre später bot Sony ein verbessertes digitales Aufnahmeschema im DASH-Format auf einem 24-Spur-Tonbandgerät an.

Im Jahr 1963 stellte Philips den ersten vor Kompaktkassette (Abb. 1.2.8.), das später zum wichtigsten Massentonwiedergabeformat wurde. 1964 wurde in Hannover mit der Massenproduktion von Kompaktkassetten begonnen. 1965 begann Philips mit der Produktion von Musikkassetten und im September 1966 kamen die ersten Produkte der zweijährigen Industrieexperimente des Unternehmens in den USA auf den Markt. Die Unzuverlässigkeit des Designs und die Schwierigkeiten bei der Musikaufnahme veranlassten die Hersteller, weiter nach einem Referenzspeichermedium zu suchen. Diese Suche war für die Advent Corporation erfolgreich, die 1971 eine Magnetbandkassette auf den Markt brachte, bei deren Herstellung Chromoxid verwendet wurde.

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Darüber hinaus eröffnete das Aufkommen von Magnetbändern als Audioaufzeichnungsmedium den Benutzern die zuvor nicht verfügbare Möglichkeit, Aufnahmen unabhängig zu reproduzieren. Der Inhalt der Kassette könnte auf eine andere Spule oder Kassette umgeschrieben werden, wodurch eine Kopie erhalten würde, die zwar nicht 100 % genau, aber zum Anhören durchaus geeignet ist. Zum ersten Mal in der Geschichte sind das Medium und seine Inhalte kein einziges und unteilbares Produkt mehr. Die Möglichkeit, Schallplatten zu Hause zu reproduzieren, hat die Wahrnehmung und Verbreitung von Musik an Endverbraucher verändert, aber die Veränderungen waren nicht radikal. Die Leute kauften immer noch Kassetten, weil es viel bequemer und nicht viel teurer war als das Kopieren. In den 1980er Jahren Die Zahl der verkauften Schallplatten war drei- bis viermal höher als die der Kassetten, aber bereits 1983 teilten sie den Markt gleichmäßig auf. Der Absatz von Kompaktkassetten erreichte Mitte der 1980er Jahre seinen Höhepunkt, erst Anfang der 1990er Jahre setzte ein spürbarer Umsatzrückgang ein. .

Später führten die Ende des 19. Jahrhunderts von Thomas Edison entwickelten Ideen zur Tonaufzeichnung in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts zum Einsatz eines Laserstrahls. So wurde das Magnetband durch ersetzt „Die Ära der laseroptischen Tonaufzeichnung“ . Die optische Tonaufzeichnung basiert auf dem Prinzip der Bildung spiralförmiger Spuren auf einer CD, die aus glatten Abschnitten und Vertiefungen bestehen. Das Laserzeitalter ermöglichte es, die Schallwelle als komplexe Kombination aus Nullen (glatte Bereiche) und Einsen (Pits) darzustellen.

Im März 1979 stellte Philips den ersten Prototyp der CD vor, und eine Woche später schloss der niederländische Konzern eine Vereinbarung mit dem japanischen Unternehmen Sony und genehmigte einen neuen Standard für Audio-CDs, die 1981 in Produktion gingen. Die CD war ein optisches Speichermedium in Form einer Kunststoffscheibe mit einem Loch in der Mitte, der Prototyp dieses Mediums war eine Schallplatte. Die CD fasste 72 Minuten hochqualitativen Ton und war zudem deutlich kleiner als Vinyl-Schallplatten: Sie hatte nur einen Durchmesser von 12 cm im Vergleich zu 30 cm Vinyl und hatte fast die doppelte Kapazität. Zweifellos wurde die Bedienung dadurch komfortabler.

Im Jahr 1982 stellte Philips den ersten CD-Player vor, der in puncto Wiedergabequalität alle bisher vorgestellten Medien übertraf. Das erste kommerzielle Album, das auf einem neuen digitalen Medium aufgenommen wurde, war das legendäre „The Visitors“ von ABBA, das am 20. Juni 1982 angekündigt wurde. Und 1984 veröffentlichte Sony erster tragbarer CD-Player - Sony Discman D-50 (Abb. 1.2.9.), dessen Kosten damals 350 US-Dollar betrugen.

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Bereits 1987 überstiegen die Verkäufe von CDs die Verkäufe von Schallplatten, und 1991 hatten CDs die Kompaktkassetten bereits deutlich vom Markt verdrängt. An Erstphase Die Compact Disc behielt den Haupttrend in der Entwicklung des Musikmarktes bei – es war möglich, zwischen einer Audioaufnahme und einem Träger ein Gleichheitszeichen zu setzen. Es war nur möglich, Musik von einer im Werk aufgenommenen CD zu hören. Doch dieses Monopol sollte nicht lange Bestand haben.

Die Weiterentwicklung der Ära der laseroptischen CDs führte 1998 mit der Entstehung des DVD-Audio-Standards zum Einstieg in den Audiomarkt andere Nummer Tonkanäle (von Mono bis Fünfkanal). Ab 1998 förderten Philips und Sony ein alternatives CD-Format, die Super Audio CD. Auf der Zweikanal-CD konnten bis zu 74 Minuten Ton sowohl im Stereo- als auch im Mehrkanalformat gespeichert werden. Es wurde eine Kapazität von 74 Minuten ermittelt Opernsänger, Dirigentin und Komponistin Noria Oga, die zu dieser Zeit auch die Position der Vizepräsidentin der Sony Corporation innehatte. Parallel zur Entwicklung der CDs entwickelte sich auch die handwerkliche Produktion – das Kopieren von Medien – stetig weiter. Plattenfirmen dachten zunächst über die Notwendigkeit eines digitalen Datenschutzes durch Verschlüsselung und Wasserzeichen nach.

Trotz der Vielseitigkeit und Benutzerfreundlichkeit von CDs wiesen sie eine beeindruckende Liste von Mängeln auf. Einer der Hauptgründe war die übermäßige Zerbrechlichkeit und die Notwendigkeit einer sorgfältigen Handhabung. Auch die Aufnahmezeit auf CD-Medien war stark begrenzt und die Tonträgerindustrie suchte nach einer Alternative. Das Erscheinen einer magnetooptischen Minidisk auf dem Markt blieb für normale Musikliebhaber unbemerkt. Mini-Disk(Abb. 1.2.10.)- wurde 1992 von Sony entwickelt und blieb Eigentum von Toningenieuren, Künstlern und Personen, die in direktem Zusammenhang mit Bühnenaktivitäten stehen.

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Beim Aufzeichnen einer Minidisk wurden ein magnetooptischer Kopf und ein Laserstrahl verwendet, die bei hoher Temperatur Bereiche mit einer magnetooptischen Schicht durchschnitten. Der Hauptvorteil der MiniDisc gegenüber herkömmlichen CDs war ihre verbesserte Sicherheit und längere Lebensdauer. 1992 stellte Sony außerdem den ersten Mini-Disk-Mediaplayer vor. Besonders in Japan erfreute sich das Player-Modell großer Beliebtheit, doch außerhalb des Landes wurden sowohl der erstgeborene Sony MZ1-Player als auch seine verbesserten Nachkommen nicht akzeptiert. So oder so war das Hören einer CD oder Mini-Disk ausschließlich für den stationären Gebrauch besser geeignet.

Am Ende des 20. Jahrhunderts kam "Epoche hohe Technologie" . Das Aufkommen von Personalcomputern und dem globalen Internet eröffnete völlig neue Möglichkeiten und veränderte die Situation auf dem Musikmarkt erheblich. 1995 entwickelte das Fraunhofer-Institut ein revolutionäres Audiodaten-Komprimierungsformat – MPEG 1 Audio Layer 3 , das den abgekürzten Namen MP3 erhielt. Das Hauptproblem der frühen 1990er Jahre Im Bereich der digitalen Medien war es nicht möglich, ausreichend Speicherplatz für eine digitale Komposition zur Verfügung zu haben. Die durchschnittliche Größe der Festplatte des damals modernsten Personalcomputers überschritt kaum mehrere zehn Megabyte.

1997 kam der erste Software-Player auf den Markt – Winamp , entwickelt von Nullsoft. Das Aufkommen des MP3-Codecs und seine anhaltende Unterstützung durch CD-Player-Hersteller führten zu einem allmählichen Rückgang der CD-Verkäufe. Der Hörer wählte zwischen der Klangqualität (die nur ein kleiner Prozentsatz der Verbraucher wirklich empfand) und der maximal möglichen Anzahl von Songs, die auf einer CD aufgenommen werden konnten (im Durchschnitt betrug der Unterschied etwa das 6- bis 7-fache), Letzteres.

Innerhalb weniger Jahre hat sich die Situation dramatisch verändert. Im Jahr 1999 gründete der 18-jährige Sean Fanning einen spezialisierten Dienst namens – „Napster“ , was die gesamte Ära des Musikgeschäfts schockierte. Mit Hilfe dieses Dienstes wurde es möglich, Musik, Schallplatten und andere digitale Inhalte direkt über das Internet auszutauschen. Zwei Jahre später wurde dieser Dienst wegen Urheberrechtsverletzungen durch die Musikindustrie geschlossen, aber der Mechanismus wurde eingeführt und das Zeitalter der digitalen Musik entwickelte sich unkontrolliert weiter: Hunderte von Peer-to-Peer-Netzwerken, die nur sehr schwer schnell zu regulieren waren.

Eine radikale Wende in der Art und Weise, wie Musik empfangen und gehört wird, kam, als drei Dinge zusammenkamen: der Personal Computer, das Internet und tragbare Flash-Player (tragbare Geräte, die auf einer eingebauten Festplatte oder einem Flash-Speicher aufgezeichnete Musiktitel abspielen können). . Im Oktober 2001 trat Apple auf den Musikmarkt und stellte der Welt die erste Generation eines völlig neuen Typs von tragbaren Mediaplayern vor – iPod (Abb. 1.2.11.), das mit einem Flash-Speicher von 5 GB ausgestattet war und auch die Wiedergabe von Audioformaten wie MP3, WAV, AAC und AIFF unterstützte. Es war etwa so groß wie zwei zusammengestapelte Kompaktkassetten. Zusammen mit der Veröffentlichung des Konzepts eines neuen Flash-Players, CEO Das Unternehmen Steve Jobs entwickelte einen faszinierenden Slogan – „1000 Songs in Your Pocket“ (übersetzt aus dem Englischen – 1000 Songs in Your Pocket). Zu dieser Zeit war dieses Gerät wirklich revolutionär.

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Darüber hinaus schlug Apple im Jahr 2003 seine eigene Vision vor, legale digitale Kopien von Kompositionen über das Internet über seinen eigenen Online-Musikshop zu verbreiten – iTunes Store . Zu diesem Zeitpunkt umfasste die gesamte Kompositionsdatenbank dieses Online-Shops über 200.000 Titel. Derzeit überschreitet diese Zahl die Marke von 20 Millionen Songs. Durch die Unterzeichnung von Vereinbarungen mit führenden Unternehmen der Tonträgerbranche wie Sony BMG Music Entertainment, Universal Music Group International, EMI und Warner Music Group hat Apple eine völlig neue Zukunft eröffnet neue Seite in der Geschichte der Tonaufzeichnung.

So sind Personalcomputer zu einem Mittel zum Verarbeiten und Reproduzieren von Audioaufnahmen geworden, Flash-Player - Allheilmittel Hören, und das Internet fungierte als einzigartiges Mittel zur Verbreitung von Musik. Dadurch haben Benutzer völlige Handlungsfreiheit. Gerätehersteller haben den Bedürfnissen der Verbraucher entsprochen, indem sie die Wiedergabe des komprimierten MP3-Audioformats nicht nur in Flash-Playern, sondern in allen AV-Geräten unterstützt haben, von Musikcentern über Heimkinos bis hin zur Umwandlung von CD-Playern in CD/MP3 Spieler. Aus diesem Grund begann der Musikkonsum unglaublich schnell zu wachsen, und die Gewinne der Urheberrechtsinhaber begannen ebenso stetig zu sinken. Die Situation konnte auch durch die neuen, fortschrittlicheren SACD-Disc-Formate, die als Ersatz für Compact Discs entwickelt wurden, nicht geändert werden. Die meisten Menschen zogen komprimiertes Audio und andere revolutionäre Innovationen, wie den iPod-Musikplayer und seine vielen Analoga, diesen Innovationen vor.

Mit Hilfe von Systemen der einfachsten Tonsignalerzeugung auf Personalcomputern begann man, Computermusik in großen Mengen zu erzeugen. Das Internet und die digitale Technologie haben es Produzenten ermöglicht, ihre eigene Musik zu erstellen und zu vertreiben. Künstler haben das Netzwerk für Werbung und Albumverkäufe genutzt. Benutzer hatten die Möglichkeit, eine Aufzeichnung von fast jedem zu erhalten Musikstück und erstellen Sie Ihre eigenen Musiksammlungen, ohne Ihr Zuhause zu verlassen. Das Internet hat den Markt erweitert, die Vielfalt des Musikmaterials erhöht und die Digitalisierung des Musikgeschäfts vorangetrieben.

Das Zeitalter der Hochtechnologie hatte einen großen Einfluss auf die Musikkultur, trug zur Entstehung bei und weitere Entwicklung Musikindustrie und damit die Entwicklung des Musikgeschäfts. Seitdem gibt es alternative Möglichkeiten für Künstler, ohne Beteiligung großer Plattenfirmen in den Musikmarkt einzusteigen. Alte Verteilungsmuster sind bedroht. In den letzten Jahren wurden 95 % der Musik im Internet raubkopiert. Musik wird nicht mehr verkauft, sondern kostenlos im Internet getauscht. Der Kampf gegen Piraterie nimmt zu, da den Plattenfirmen Gewinne entgehen. Die Computerindustrie ist profitabler als die Musikindustrie, und dies hat es ermöglicht, Musik als Produkt zur Förderung des digitalen Verkaufs zu nutzen. Die Unpersönlichkeit und Homogenität des Musikmaterials und der Interpreten führten zu einer Marktüberflutung und der Dominanz von Hintergrundfunktionen in der Musik.

Die herrschende Situation in Anfang des XXI Jahrhundert, das in vielerlei Hinsicht an die Ereignisse in der Musikindustrie an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert erinnert, als neue Technologien etablierte Traditionen brachen und Schallplatten und Radio aktiv in das Musikgeschäft eingeführt wurden. Dies führte dazu, dass die Musikindustrie bis zur Jahrhundertmitte eine nahezu neue Grundstruktur gebildet hatte, auf der die „Ära der Hochtechnologien“ an der Wende vom 20. zum 21. Jahrhundert begann. wirkte sich nachteilig aus.

Daraus lässt sich schließen, dass die gesamte Entwicklungsgeschichte von Audiodatenträgern auf der Vererbung der Errungenschaften der vorangegangenen Etappen beruht. Seit 150 Jahren hat die technologische Entwicklung in der Musikindustrie einen langen Weg der Entwicklung und Transformation zurückgelegt. In dieser Zeit sind immer wieder neue, fortschrittlichere Geräte zur Tonaufzeichnung und -wiedergabe aufgetaucht, vom Phonoautographen bis zur CD. Die ersten Aufnahmen auf optischen CDs und die rasante Entwicklung von Festplattenlaufwerken Ende der 1980er Jahre. In nur einem Jahrzehnt haben sie die Konkurrenz vieler analoger Aufnahmeformate gebrochen. Obwohl sich die ersten optischen Musikplatten qualitativ nicht von Schallplatten unterschieden, beendeten ihre Kompaktheit, Vielseitigkeit und Weiterentwicklung in die digitale Richtung erwartungsgemäß die Ära der analogen Formate für den Massengebrauch. neue Ära Hochtechnologie verändert die Welt des Musikgeschäfts erheblich und schnell.

Vortrag - Sergey Tynku

Es ist erstaunlich, aber so viele Menschen wissen immer noch nicht, wie der Mechanismus der Musikindustrie heute funktioniert. Deshalb werde ich versuchen, alles kurz und bündig zu erklären. Und übrigens, wenn Sie nicht verstehen, was Industrie ist, dann verstehen sie es im Ausland als Geschäft. Das heißt, es geht darum, wie das Musikgeschäft bzw. die Musikindustrie funktioniert. Machen Sie sich ein für alle Mal klar: Die Branche ist ein Geschäft.

Wie jede andere Branche stellt auch die Musikindustrie ein Produkt her und verkauft es. Und dieses Produkt ist ein Konzert. Früher war das Produkt Rekorde, aber in unserer Zeit ist es nicht mehr relevant. Jetzt ist das Produkt nur noch ein Konzert. Warum ein Konzert? Weil Musiker bei Konzerten Geld verdienen und Zuhörer Geld für Konzerte bezahlen.

Dementsprechend besteht das Hauptziel der Branche darin, die Nachfrage des Publikums (in einem bestimmten Gebiet) nach Konzerten eines bestimmten Formats, Stils und Preises zu verstehen. Der Branche selbst ist es egal, welche Art von Musik und welche Musiker sie verkaufen soll. Nur um besser zu verkaufen. Es ist wie in einer Bar. Einem adäquaten Barbesitzer ist es egal, welche Biersorte er verkaufen möchte, und er schenkt das Bier ein, für das mehr Nachfrage besteht und mit dem man mehr verdienen kann – billiger kaufen und teurer verkaufen.

Damit ein Künstler in die Musikbranche einsteigen, dort bleiben und erfolgreich sein kann, muss er nur gefragt sein. Es ist wie bei jedem Produkt in jedem Markt. Wenn es eine Nachfrage für Ihr Konzert gibt, dann sind Sie in der Branche tätig. Wenn es keine Nachfrage gibt, werden Sie nicht da sein. Die Branche ist an Künstlern interessiert, die Geld einbringen, zu dem die Leute kommen.

Dieses Gesetz gilt sowohl für große Stadien in Amerika als auch für kleine Tavernen in der Region Samara. Die Musikindustrie ist überall gleich.

Bitte beachten Sie, dass es nicht notwendig ist, gut zu sein, sondern gefragt zu sein. Und in unserem Land denken die Leute oft, wenn ein Produkt (ein Musiker) gut ist, dann muss es auch gefragt sein. Und das sind verschiedene Dinge. Und „gut“ ist sehr subjektiv. Aber das Konzept „gefragt“ ist mit den Händen zu spüren und lässt sich an der Anzahl der Zuschauer und dem Geld, das sie einbringen, messen.

Die Branche besteht aus drei Hauptakteuren: Konzerthalle, Künstler, Zuschauer. Und die Hauptsache ist der Betrachter. Denn das Ganze lebt vom Geld des Zuschauers. Er bezahlt alles. Konzertorte und Künstler leben von seinem Geld. Er bestellt Musik in jeder Hinsicht und bezahlt das Bankett.

Der Branche ist es egal, wie ein Künstler Popularität und Nachfrage erlangt (das ist eine persönliche Angelegenheit und geht auf Kosten des Künstlers und seines Managers). Gute Musik, Skandale, kompetente PR, Mode usw. Der Branche ist es egal, welches Produkt sie verkaufen soll. Seine Aufgabe ist es, das zu verkaufen, was nachgefragt wird. Wenn die Leute nicht in Ihren Club (oder Ihre Bar) kommen, sind Sie pleite. Daher besteht die Aufgabe der Branche darin, zu verstehen, was die Menschen brauchen – das ist vielleicht das Wichtigste in der Branche.

Stellen Sie sich für eine Sekunde vor, Sie hätten einen eigenen Rockclub. Sie haben das Geld ausgegeben, um es zu kaufen, Sie geben das Geld aus, um es zu warten, Sie bezahlen das Personal und es entstehen Ihnen eine Reihe anderer Ausgaben. Und nun stellen Sie sich vor, Sie müssten einen der Künstler für ein Konzert in Ihrem Club auswählen. Und zahlen Sie ihm eine Gebühr. Wen möchten Sie in Ihrem Verein sehen, wenn Sie verdienen und keine Verluste erleiden müssen?

Es ist die Aufgabe des Künstlers selbst (und seines Managements), jeden Künstler gefragt und beliebt zu machen. Der Branche ist es egal, wen sie verkaufen soll. Sie konzentriert sich einfach auf den aktuellen Geschmack des Publikums. Natürlich ändern sich diese Geschmäcker irgendwie ständig. Da die Geschmäcker des Publikums heterogen sind, arbeitet die Branche mit Künstlern unterschiedlicher Genres und Stilrichtungen zusammen.

Je nach Beliebtheit (Nachfrage) des Künstlers bietet die Branche dem Publikum Konzerte in Spielstätten mit größerer oder kleinerer Kapazität an und legt unterschiedliche Ticketpreise fest. Aber die Branche wird immer von der Nachfrage getrieben. Man kann sagen, dass dies eine seelenlose Maschine ist, die dummerweise die aktuelle Markt- und Nachfragelage widerspiegelt. Grob gesagt besteht die Branche aus Tausenden von Konzertorten, deren Anzahl, Größe und Format ausschließlich vom Markt bestimmt wird, also von der Nachfrage nach bestimmten Künstlern und Genres in bestimmten Gebieten.

Denken Sie daran, dass zu unterschiedlichen Zeiten in verschiedenen Gebieten auch die Nachfrage unterschiedlich ist!

Es macht keinen Sinn, dass der Künstler oder der Zuschauer mit der Branche unzufrieden sind. Es zeigt lediglich die Marktlage, reagiert darauf und formt sie nicht. Wenn etwas in der Branche nicht vorhanden ist oder schlecht vertreten ist, dann liegt das nur daran dieser Moment In einem bestimmten Gebiet besteht eine solche Nachfrage nach diesem Produkt (null oder gering).

Wenn ein Künstler es nicht in die Branche schafft (oder schafft, aber nicht in dem von uns gewünschten Umfang), ist es nicht die Schuld der Branche. Sie reagiert nur auf den Geschmack der Menge. Und die konkreten Künstlernamen sind ihr egal.

So funktioniert das Ganze kurz zusammengefasst.

Dementsprechend ist das Konzept der geforderten Musik ein anderes. Wenn Sie Musik nach Ihrem eigenen Geschmack machen, wundern Sie sich nicht, dass die Musikindustrie das nicht braucht. Ihr Geschmack ist nicht unbedingt derselbe wie der Geschmack des zahlenden Publikums. Und wenn ja, ist es keine Tatsache, dass die Qualität Ihres Musikprodukts mit der Qualität anderer Künstler mithalten kann. Achten Sie immer auf die Konkurrenz. Heutzutage gibt es viel mehr Musiker auf der Welt, als das Publikum braucht. Daher steigt nicht jeder in die Musikindustrie ein.

Wenn in einem Dorf nur ein Mundharmonikaspieler für eine Silvesterparty benötigt wird, dann passen zehn Mundharmonikaspieler nicht in die Branche dieses Dorfes.

Es gibt Musikermanager auf der Welt. Sie sind Vermittler zwischen Künstlern und Publikum, Künstlern und der Industrie. Jemand (wie auch anderswo) kann auf Vermittler verzichten, aber jemand schafft es nicht. Wie alle Vermittler streben auch Manager danach, Geld zu verdienen. Daher ist es für sie wichtig zu sehen und zu verstehen, ob ein bestimmter Künstler populär werden kann oder nicht. Diese Vision des Verstehens unterscheidet einen guten Manager von einem schlechten. Das ist sein Einkommen. Auch hier ist es der Branche egal, wie ein Künstler versucht, populär zu werden – mit oder ohne Manager. Unter dem Wort „Manager“ kann in diesem Text nicht nur eine Person, sondern ein ganzes Promotionsbüro verstanden werden.

Viele Künstler setzen große Hoffnungen auf Manager, die ihrer Meinung nach alle Probleme lösen. Aber so einfach ist es nicht. Wenn der Manager gut ist und den Markt kennt, wird er nur mit einem Künstler zusammenarbeiten, der seiner Meinung nach Potenzial hat. Und der Künstler muss es irgendwie schaffen, den Manager zu bezaubern und ihn dazu zu bringen, an sich selbst zu glauben. Und es stellt sich heraus, dass der Manager kein Zauberer ist, der ein schlechtes Produkt verkauft, und der Künstler muss zunächst ein Produkt mit den entsprechenden Eigenschaften herausgeben (das verkauft werden kann).

Wenn der Manager schlecht ist, kann er leicht einen Künstler mit unklaren Perspektiven einstellen. Und hier kann es sein, dass ein schlechter Manager in keiner Weise hilft, oder es kann sein, dass ein guter Künstler aus Sicht der Marktaussichten auch mit einem schlechten Manager erfolgreich sein wird. Aber auf jeden Fall muss ein Künstler, wenn er beschließt, mit Hilfe eines Managers für sich zu werben, den Manager dazu bringen, an diesen Künstler zu glauben.

Und wir müssen bedenken, dass der Manager nicht frei ist. Wenn ein Manager (Büro) Geld (oder Zeit/Aufwand) in Werbung investiert, bedeutet das, dass er das Potenzial des Produkts (Künstler) erkennt und plant, die Kosten wieder hereinzuholen und mehr zu verdienen. Und wenn keiner der klugen Manager mit Ihnen Geschäfte machen möchte, dann sehen sie in Ihnen kein Marktpotenzial. Sie können, wie alle anderen auch, Fehler machen – versuchen Sie es ihnen und dem Markt zu beweisen.

Verstehen Sie, dass, wenn Ihr Potenzial offensichtlich ist, sich sofort ein Meer von Menschen um Sie herum bilden wird, die mit Ihnen Geld verdienen wollen. Aber wenn es nicht offensichtlich ist, dann muss man das Elende herausziehen. Es ist wie bei Frauen. Wenn du ein Super-Girl bist, dann ist ein Meer von Männern um dich herum. Und wenn Sie nicht sehr gut sind, ist die Nachfrage auf dem Männermarkt viel geringer. Auf dieser Welt ist alles sehr einfach.

In der Musikindustrie gelten die gleichen Gesetze wie auf dem allgemeinen Markt. Stellen Sie sich einen Lebensmittelladen vor. Es gibt 10 Packungen Milch verschiedener Marken. Nehmen wir also an, Sie entscheiden sich für die Herstellung von Milch. Gute Milch. Du kommst in den Laden und sagst: „Ich habe gute Milch, nimm sie ins Regal.“ Und sie antworten Ihnen: Milch ist zwar gut, aber niemand weiß es und wird sie nicht kaufen – die Nachfrage der Menschen nach bestimmten Marken hat sich bereits entwickelt. Warum sollten wir potenziell illiquide Aktien in den Regalen kaufen? Dann beginnen Sie mit der Werbung für Ihr Produkt – Sie drehen Videos für eine Box, hängen Anzeigen auf Werbetafeln in der ganzen Stadt, verteilen kostenlose Pakete an die Bevölkerung in der Nähe der U-Bahn und engagieren einen Star für die Werbung. Alle! Es gab eine Nachfrage – sie brachten Sie in den Laden. Erst in einem, dann in einem anderen, dann im ganzen Land! Du bist im Geschäft, Mann!

In Wirklichkeit kann die Situation mit der Nachfrage und dem Geschäft natürlich komplizierter sein. Sie können sagen, dass es ihnen egal ist, was sie tauschen – die Leute in der Gegend kaufen für diesen Preis jede Milch und deshalb werden sie nichts am Sortiment ändern. Dann wird es notwendig sein, das Geschäft zu motivieren – ihm Einkaufspreise anzubieten, die unter denen der Konkurrenz liegen, oder dummerweise Bestechungsgelder zu zahlen. Bei Konzertsälen, denen es egal ist, wer in ihrer bedingten Kneipe spielt, wird alles nach den gleichen Methoden entschieden – Reduzierung der Honorarforderungen an den Künstler und wiederum eine gute alte Bestechung. Das ist der Markt.

Einfaches, klares Diagramm. Aber ein Detail ist hier wichtig. Sie müssen Milch in einer Qualität produzieren, die den Menschen gefällt. Und zu den Preisen, zu denen die Leute es kaufen wollen. Das heißt, das Paket sollte nicht 200 Dollar kosten. Und es muss keine Hundemilch sein. Zumindest in Russland. Sie selbst mögen vielleicht Hundemilch (oder Rattenmilch), aber wenn Sie in den Markt eintreten und versuchen, in die Milchindustrie, also ins Geschäft, einzudringen, müssen Sie die Nachfrage nach Produkten in einem bestimmten Bereich berücksichtigen.

Das heißt, wenn wir über die Milchindustrie sprechen, dann ist hier alles gleich – ein Produkt (Künstler), ein Geschäft (Konzertort), ein Käufer (Zuschauer). Und es gibt Werbeabteilungen und Agenturen (Labels, Zwischenhändler), die Waren gegen Geld bewerben.

Natürlich wollen viele Musiker auf der ganzen Welt überhaupt nicht über den Markt, das Produkt, die Kunden und andere unromantische Dinge nachdenken. Und vielen erfolgreichen Künstlern gelang es, in ihrer außergewöhnlich erhabenen Welt zu leben und nur kreative Arbeit zu leisten (aber gleichzeitig Manager zu bezahlen, die in Routine und Alltag vertieft sind).

Aber wenn Sie noch nicht so weit aufgeklärt sind, müssen Sie sich entweder selbst mit dem Markt und Ihrer Popularität auseinandersetzen oder versuchen, einen Manager (Büro) zu bezaubern, der an Sie glaubt. Und solche Manager gibt es natürlich. Denn in jedem Land gibt es erfolgreiche Künstler, und jemand ist in die Angelegenheiten dieser Künstler verwickelt. Aber wenn sie nicht an dich glauben, dann, mein Freund, liegen alle Probleme nur bei dir. In keinem anderen. Es ist schwer, es zuzugeben – schauen Sie in den Spiegel und sagen Sie sich: „Es scheint, dass ich nicht das bin, was die Leute brauchen.“

Natürlich kann man einen Manager (wie jede Werbeagentur) dummerweise für sein eigenes Geld (und nicht für einen Anteil an Konzerten) engagieren ... aber es ist wie bezahlter Sex. Die richtigen Leute werden kostenlos zur Verfügung gestellt. Und wenn man aus Liebe kein Gratisgeschenk bekommt, dann hat man offensichtlich Probleme damit, gefragt zu sein.

Sehr oft geben nicht beanspruchte Künstler der Branche, den Vermittlern und den Zuschauern die Schuld für ihre mangelnde Nachfrage. Es ist so dumm. Die Branche und die Manager reagieren auf die Bedürfnisse des Zuschauers, auf die Nachfrage. Und Zuschauer sind freie Menschen, die entscheiden, wofür sie ihr Geld ausgeben. Wenn sie dich nicht wollen, ist das ihr gutes Recht. Sie schulden dir nichts. Sie haben dich nicht gezwungen, Musik zu machen.

Und der zuverlässigste Weg, in die Branche einzusteigen, und das ist allen professionellen Musikern und Managern aller Zeiten und Völker bekannt, ist sehr einfach. Man muss dumm sein, um Hits zu schreiben. Und alle! Lieder, die die Leute mögen. Schreib Hits, Alter, und du wirst definitiv alles haben! Passen Sie auf – all die Künstler, die es nicht geschafft haben, in die Branche zu passen – sie haben keinen einzigen Hit.

Aber sagen wir mal, Sie können oder wollen keine Hits schreiben? Aber schließlich kann man Fremde spielen – das ist auch gefragt (in Kneipen und auf Firmenfeiern), und damit steigen sie auch in die Branche ein – nur vielleicht nicht auf dem Niveau, das jemand gerne hätte. Und wenn man überhaupt keine Hits spielt, gibt es keine Garantie, in die Branche einzusteigen. In der Branche mag es klappen, vielleicht aber auch nicht.

OK, jetzt ist alles vorbei. Ich hoffe, Sie verstehen jetzt, warum einige Künstler viele Konzerte und viel Geld haben, während andere eine weinende Katze haben.

Die moderne Musikindustrie ist ein ziemlich seltsames Phänomen, das nicht stillsteht und sich ständig weiterentwickelt. Wer mehr als ein Jahr in der musikalischen „Küche“ gearbeitet hat, weiß, dass es manchmal sehr schwierig ist, vorherzusagen, was uns in Zukunft erwartet musikalisch. Allerdings ist das Profitsystem immer dasselbe und jeder, der es ernst meint, seine Musik in bares Geld zu verwandeln, tut gut daran, zumindest ein grundlegendes Verständnis davon zu haben, wie das Musikgeschäft funktioniert.

Deshalb haben wir uns entschieden, einen kleinen Leitfaden für die Draufgänger zu schreiben, die ihre Musik promoten und damit gutes Geld verdienen wollen und wollen. Das sind gerade genug Informationen, um Ihnen ein grundlegendes Verständnis davon zu vermitteln, wie das Musikgeschäft lebt und atmet, und um Sie darüber nachzudenken, wie Sie ein Teil davon sein könnten.

Musikproduktionsfirmen

Der „traditionelle“ Weg zum Erfolg in der Musikindustrie besteht darin, dass Ihre Platte von einem bekannten Label gehört wird, das Sie dann unter Vertrag nimmt, um Ihre Arbeit zu promoten. Noch besser ist es, wenn Sie bereits einige Songs aufgenommen haben, die in Ihr Mini-Album, in ein Album in voller Länge oder in mehrere Alben im Netzwerk aufgenommen werden können.

Tatsächlich fungiert das Label als Investor, der sein Geld in Sie und Ihr Projekt investiert. Mit diesem Geld werden die Studiomiete, das Mischen und Mastering sowie Ihr Vorschuss bezahlt, der im Voraus gezahlt wird, damit Sie bis zu dem Punkt leben können, an dem Sie Ihren in der Branche genannten Anteil am Umsatz erhalten als Lizenzgebühren.

Das Label kümmert sich auch um den gesamten Papierkram, der für die Veröffentlichung eines Titels/Albums erforderlich ist. Dazu gehört auch ein Diagramm, wie die Lizenzgebühren aufgeteilt werden: Wie viel Prozent jeder verdienten Münze geht an Sie, die Mitarbeiter, und wie viel Prozent geht an das Label, um ihre Initialen zu decken Investition und erhalten Sie weitere Gewinne, die das Label erneut in Ihre Promotion investieren könnte.

Musikalische Kickbacks

Die Copyright Protection Society (MCPS) zahlt eine Lizenzgebühr für jede Kopie Ihres Titels. Das heißt, je mehr Platten Sie verkaufen, desto mehr erhalten Sie. Auch wenn Ihr Song auf CDs oder DVDs landet oder anderweitig genutzt wird, erhalten Sie dafür ebenfalls einen bestimmten Betrag.
Zum Beispiel: Es gibt 20 Lieder in der Sammlung und eines davon gehört Ihnen. Das bedeutet, dass die Copyright Society Ihnen 5 % aller Verkäufe zahlt.

Lange erwartete Veröffentlichung deiner Musik

Die Veröffentlichung Ihrer Musik bedeutet die Nutzung Ihres Titels in jeglicher Form, und alle nach der Veröffentlichung Ihrer Musik erhaltenen Einnahmen können von zahlreichen und stammen verschiedene Quellen. In Wirklichkeit wird jedes Mal Geld verdient, wenn ein Song im Fernsehen oder Radio gespielt oder als Filmsoundtrack verwendet wird, selbst wenn der Titel in den Umkleidekabinen von Topshop gespielt wird. Die Liste ist endlos.

Theoretisch stellt sich heraus, dass Sie für jede Nutzung Ihres Tracks Geld erhalten. Dieses System funktioniert über Inkassobüros wie PRS im Vereinigten Königreich oder ASCAP (Composers, Writers and Publishers of America) in den USA. Diese Organisationen verfolgen alle Arten der Nutzung Ihrer Musik und sammeln dann das Geld ein und verteilen es entsprechend.

Fernsehen, Filme und mehr

Die wichtigsten Vertriebskanäle und Einnahmequellen in der Musikindustrie sind Fernsehen, Filme und Videospiele, und zwar die Verbreitung des Soundtracks Ihrer Musik über diese Kanäle. Die Vorteile eines Tonträgers liegen auf der Hand: Sie werden für die Nutzung Ihrer Komposition bezahlt; Dadurch erzielen Sie neue Einnahmen dadurch, dass Ihr Song beispielsweise in Filmprojekten oder TV-Shows als Soundtrack verwendet wird. Durch diese Verwendung Ihrer Musik können Sie die Sichtbarkeit Ihrer Person und Ihrer Arbeit erhöhen, da sie von einem potenziell großen Publikum gehört wird, das Ihre Musik bisher nicht kannte.

Es ist nicht einfach, Titel für Fernseh- und Filmprojekte zu bekommen, aber es gibt spezialisierte Produktionsfirmen, die in Ihrem Namen handeln und Ihre Musik in die eine oder andere Richtung vorantreiben. So können Sie Ihrem Geschäft nachgehen, während Agenturen wie diese Ihre Titel bei Film- und Fernsehschaffenden bewerben.

Die Notwendigkeit, einen Musikkatalog zusammenzustellen, der in den Plattenbibliotheken von Musikunternehmen (in In letzter Zeit(auch Musikproduktionsfirmen genannt) ist verständlich. Schließlich ist ein solcher Katalog potenziell der profitabelste von allem, was Sie tun werden. In der Regel nimmt ein solches Unternehmen einen Prozentsatz für die Werbung für Ihre Musik ein. Aber Sie müssen ihnen nicht im Voraus bezahlen, um Sie zu vertreten. Die Bezahlung erfolgt vor Ort. Und was noch besser ist: Sie werden erst bezahlt, wenn Ihre Musik veröffentlicht wird. Das bedeutet, dass sie so hart wie möglich arbeiten, um sicherzustellen, dass jeder von Ihnen weiß.

Denken Sie an Rembrandts Komposition „I'll Be There For You“ – den Soundtrack zur Serie „Friends“ – und wie viele Menschen ihn auf der ganzen Welt kennen ...

Andere Einnahmequellen

Was wäre, wenn Sie überhaupt nichts geschrieben oder produziert hätten? Keine Sorge, mit Musik lässt sich immer noch Geld verdienen. PPL-Streaming ist aufgrund von Songwritern kein typischer Vertriebskanal. Dies ist eine zusätzliche Quelle für Lizenzgebühren, die Rundfunkveranstalter an Interpreten für die Nutzung ihrer Musik zahlen. Auch alle an der Entstehung des Songs Beteiligten (Bassisten, Backgroundsänger etc.) erhalten für ihre Arbeit einen kleinen Geldbetrag.

Verteilung

Der Distributor ist dafür verantwortlich, Ihre Musik vom Lager zum Laden zu bringen. Wenn Sie physische Inhalte erstellen, müssen Sie dazu eine Vertriebsvereinbarung abschließen.
Wie wir wissen, hinkt „physische“ Musik der Beliebtheit digitaler Musik hinterher, was eine gute Nachricht ist, wenn Sie ein eigenes Label gründen, da der Vertrieb nicht mit viel Aufwand oder Kosten verbunden sein muss. Der digitale Vertrieb bedeutet, dass Ihre Aufnahmen an allen Orten, auf die Ihre Fans warten, digital zum Verkauf angeboten werden. Zum Beispiel Amazon, Beatport, iTunes. Mit anderen Worten: Der digitale Vertrieb erspart Ihnen in jeder Hinsicht unnötigen Aufwand.

Und endlich

All das ist ziemlich schwer zu akzeptieren, aber wenn Sie Ihr Leben mit Musik verbinden wollen, dann müssen Sie die grundlegenden Mechanismen einer so riesigen Musikmaschine verstehen und bereit sein, sich wirklich auszudrücken und zu gehen Markiere das musikalische Feld, nimm die Sache an und gehe bis zum Ende, egal was passiert.
Und wir wünschen Ihnen viel Glück!

Wie oft hören wir Musik von überall her. Musik wird zum Klanghintergrund unseres Lebens. Kennen Sie das Gefühl, wenn Sie einfach vergessen haben, Ihre Kopfhörer mitzunehmen? Stille, nein – sogar Leere. Ungewöhnlich, und Hände neigen dazu, etwas anzuschalten. Die Musik hört auf zu spielen – die innere Stimme schaltet sich ein, aber irgendwie möchte ich sie überhaupt nicht hören. Erinnert uns an unerledigte Geschäfte, macht uns etwas vor, bringt uns zu ernsthaften Gedanken. Nein, ein neuer Track hätte so schnell wie möglich begonnen. Wir haben uns einfach an die Musik gewöhnt, uns daran gewöhnt, nicht die ganze Zeit allein zu sein, sondern mit diesen fröhlichen (oder auch nicht ganz so) musikalischen Rhythmen.

Wahrscheinlich hat jeder seine Lieblingsmelodien, bei deren Klang irgendwo tief in seinem Inneren Zeilen aus bekannten Liedern auftauchen. Gleichzeitig kommt es oft vor, dass eine Person die Texte auswendig kennt, aber nie über die Bedeutung der in ihrem Gedächtnis eingeprägten Wörter und sogar häufig gesprochener Wörter nachgedacht hat. Dies liegt daran, dass die meisten Menschen es gewohnt sind, Musik im Hintergrund oder im Ruhemodus zu hören, also sich zu entspannen und an nichts zu denken, Emotionen zu genießen oder einfach in die Gedanken Dritter einzutauchen.

Als Ergebnis eines solchen Zuhörens ist die Weltanschauung einer Person mit Texten und Bedeutungen gefüllt, die auf der Bewusstseinsebene nicht gefiltert wurden. Und da die Informationen mit verschiedenen Rhythmen und Melodien präsentiert werden, werden sie sehr gut aufgenommen und beginnen später auf der Ebene des Unterbewusstseins, das menschliche Verhalten zu beeinflussen. Welche Verhaltensprogramme werden durch die moderne Popmusik – die im Fernsehen und im Radio gespielt wird – an das Massenpublikum übertragen, und kann sie unbewusst, also ohne über ihren Einfluss nachzudenken, behandelt werden? Schauen wir uns einige Videos an:

Nach dem Ansehen dieser Videos ist es angebracht, sich an das Zitat des alten chinesischen Philosophen Konfuzius zu erinnern: „Die Zerstörung eines jeden Staates beginnt genau mit der Zerstörung seiner Musik.“ Ein Volk ohne reine und helle Musik ist dem Untergang geweiht.“

Bitte beachten Sie, dass es in der letzten Rezension nicht nur um den Inhalt bestimmter Lieder ging, sondern auch um die generelle Ausrichtung des Themas Popmusik. Dies ist eine wichtige Nuance, die berücksichtigt werden muss. Schließlich soll Musik verschiedene Aspekte unseres Lebens widerspiegeln und diese nicht in eine unangemessene Größe und Bedeutung drängen.

Die Kreativität eines Menschen, wenn sie von Herzen kommt, spiegelt immer seine innere Welt wider, berührt die Fragen der persönlichen Entwicklung, die Suche nach Antworten auf spannende Fragen. Wenn Kreativität durch Geschäft ersetzt wird und Geldverdienen an erster Stelle steht, dann wird ihr Inhalt automatisch mit den entsprechenden Bedeutungen und Formen gefüllt: primitiv, stereotyp, fade, dumm.

Das Anhören der Inhalte, die heute auf und in der Luft der meisten Radiosender abgespielt werden, ist ein echter Prozess, bei dem Menschen darauf programmiert werden, alle in den Videos aufgeführten Verhaltensweisen unbewusst in ihrem Leben umzusetzen.

Gleichzeitig wurde in den vorgestellten Videorezensionen nur der Inhalt der Texte und die Videosequenz der Clips analysiert, Rhythmus, Tonalität, Melodie und Lautstärke der Musik haben jedoch einen großen Einfluss auf einen Menschen. Schließlich besteht jede Musik letztlich aus Schwingungen, mit denen sie harmonieren kann internen Zustand Person, bzw buchstäblich destruktiv handeln.

Der Einfluss der Musik auf die Gesellschaft

Dissonanzen in der Musik, plötzliche Rhythmuswechsel, laute Geräusche – all das wird vom Körper als Stress wahrgenommen, als Schadstoff, der nicht nur das Nerven-, sondern auch das Herz-Kreislauf- und Hormonsystem beeinträchtigt. Im Internet finden Sie die Ergebnisse vieler Experimente, die zeigen, dass, wenn klassische Musik oder Volksmusik die geistigen Fähigkeiten verbessert, moderne Popmusik, die auf denselben Rhythmen basiert, oder schwere, zerlumpte Musik im Gegenteil die menschliche Psyche deprimiert und verschlechtert Gedächtnis, abstraktes Denken, Aufmerksamkeit.

Auf diesen Bildern kann man deutlich den Einfluss der Musik erkennen:

Diese Fotos wurden vom japanischen Forscher Masaru Emoto aufgenommen. Er setzte das Wasser verschiedenen Melodien und menschlicher Sprache aus, fror es anschließend ein und fotografierte die resultierenden gefrorenen Wasserkristalle mit starker Vergrößerung. Wie Sie auf der Folie sehen können, nehmen Kristalle aus destilliertem Wasser unter dem Einfluss der Klänge klassischer Musik anmutige symmetrische Formen an, unter dem Einfluss schwerer Musik oder negativer Worte, Emotionen bildet gefrorenes Wasser chaotische, fragmentierte Strukturen.

Wenn man bedenkt, dass wir alle größtenteils aus Wasser bestehen, kann man sich vorstellen, welchen großen Einfluss Musik auf uns hat. Aus diesem Grund sollte die Auswahl der Kompositionen, die Sie oft selbst hören oder für Kinder einschließen, bewusst erfolgen und die Wirkung der Musik und die gewünschte Wirkung abwägen.

Musik beeinflusst einen Menschen in dreierlei Hinsicht:

1. Aussagekräftige Botschaft von Liedtexten und Videoclips
2. Musikschwingungen (Rhythmus, Tonalität, Melodie, Stimmklangfarbe usw.)
3. Die persönlichen Qualitäten beliebter Künstler, deren Leben gezeigt werden

Als dritten Punkt auf dieser Folie haben wir den persönlichen Aspekt hervorgehoben, der mit der Moral derjenigen Künstler verbunden ist, die Ruhm und Ehre erhalten. Da das moderne Showbusiness darauf aufbaut, dass es das gesamte Privatleben der sogenannten Stars in die öffentliche Diskussion bringt und sie den jüngeren Generationen als Idole verkörpert, die „Erfolg“ verkörpern, muss man bei der Bewertung moderner Songs auch berücksichtigen den Lebensstil, den sie durch ihr Beispiel ihren Darstellern vermitteln.

Jeder hat wahrscheinlich schon einmal von einem so beliebten Westernsänger gehört. Mal sehen, welche Ideologie sie mit ihrer Arbeit und anhand ihres persönlichen Beispiels fördert.

Im Rahmen des Teach Good-Projekts wurden ähnliche Rezensionen zu anderen beliebtesten westlichen Künstlern abgegeben: - und überall das Gleiche. Ihre Karriere entwickelt sich wie nach einem Muster: Von relativ einfachen und bescheidenen Mädchen, die in die Showbusiness-Branche eingestiegen sind, werden sie nach und nach zu solchen, deren Fotografien und Früchte der Kreativität aufgrund obsessiver Vulgarität und Vulgarität sogar peinlich sind, sie während eines Vortrags zu demonstrieren.

Gleichzeitig sind es diese Sterne, die ständig mit den Hauptsternen ausgezeichnet werden Musikpreise, ihre Clips werden auf Fernsehsendern und Radiosendern abgespielt, auch hier in Russland werden ihre Lieder regelmäßig gespielt. Das heißt, in der Musikindustrie ist das gleiche System aufgebaut, das auf drei Hauptinstrumenten basiert: Preisinstitutionen, Finanzströme und Kontrolle über die zentralen Medien.

Wo findet man gute Songs?

Durch diese Barriere gute Darsteller- Für diejenigen, die wirklich bedeutungsvolle Lieder singen und versuchen, ihre Kreativität zum Wohle der Menschen einzusetzen, ist es fast unmöglich. Die Situation beginnt sich erst heute zu ändern, da mit dem Aufkommen des Internets jeder Mensch über seine Konten in sozialen Netzwerken, durch das Bloggen und die Erstellung von Websites die Möglichkeit erhält, als unabhängiges Massenmedium zu agieren.

Die Entstehung des Teach Good-Projekts und vieler anderer Vereinigungen fürsorglicher Menschen ist ein natürlicher Prozess der Zerstörung des alten Systems, das auf einer strengen Kontrolle der in die Medien zugelassenen Personen aufgebaut war. Und im Internet finden Sie Lieder dieser Interpreten, die Sie zwar nicht im Fernsehen hören, deren Musik aber wirklich angenehm und nützlich zum Anhören ist.

Sie touren auch durch Städte, treten auf Bühnen auf, versammeln sich in vollen Häusern, aber ihre Fotos werden nicht in Hochglanzmagazinen abgedruckt und ihre Lieder werden nicht auf populären Radiosendern oder Musikfernsehsendern ausgestrahlt. Denn für die moderne Musikindustrie entspricht ihre Arbeit nicht dem „Format“, das durch dieselben Medien definiert und einem breiten Publikum aufgezwungen wird, oder besser gesagt, den Mitteln zur Bildung und Kontrolle des öffentlichen Bewusstseins.

Als Beispiel für sinnvolle Kreativität machen wir Sie auf einen der Songs aufmerksam, der von den Lesern des Teach Good-Projekts erfunden und aufgenommen wurde.

Tischnummer 9

HAUPTMERKMALE DES RUSSISCHEN MUSIKMARKTES

Das russische Musikgeschäft hängt direkt von den allgemeinen Trends in der Entwicklung der heimischen Wirtschaft ab. Ein Beispiel hierfür ist die Krise vom August 1998, als die gesamte Musikindustrie praktisch zusammenbrach

körperlich gelähmt. Infolgedessen verringerte sich die Zahl der Plattenfirmen um das Dreifache, der Umsatz sank um das Drei- bis Fünffache (in einigen Repertoiregruppen um das Zehnfache) und die Preise fielen im Währungsäquivalent um das Zwei- bis Dreifache.

Eine Vielzahl von Problemen, die sich im Laufe der Zeit angesammelt haben letzten Jahren behindert die weitere Entwicklung der Musikindustrie. Das sind zunächst einmal Fragen: Rechte, gegenseitige Schulden und Vertrauen zwischen Unternehmen. Mittlerweile verfügen viele Firmen noch nicht über vollständige Dokumente, die ihre Rechte an bestimmten Tonträgern bestätigen ( wir reden sowohl Urheberrecht als auch verwandte Schutzrechte). Die Verträge wurden ohne Einhaltung der notwendigen Formalitäten geschlossen, daher kommt es derzeit zu einer gravierenden Eigentumsumverteilung an Projekten, die in den letzten zehn Jahren veröffentlicht wurden. Viele Unternehmer erkannten, dass sie Rechte und keine Tonträger kaufen mussten.

Ein weiteres Problem der damaligen Zeit war die neue Preispolitik. Die größten Verkäufer orientieren sich an den Mindestpreisen, vergleichbar mit Piratenpreisen. Ein solcher Ansatz ist zur einzig möglichen Voraussetzung für das Überleben der heimischen Musikindustrie und ausländischer Unternehmen geworden, die in Russland Geschäfte tätigen. Allerdings fiel die Entscheidung, zu günstigen Preisen zu arbeiten, nicht leicht. Die Majors hatten beispielsweise Angst davor, billige CDs in den Westen zu reexportieren. Und Reexport war und ist tatsächlich auch heute noch so. Eine Massenwerbung für billige CDs aus Russland kam nicht in Frage, da kein Händler mit Selbstachtung oder Besitzer einer Ladenkette CDs „unklarer Herkunft“ ohne IFPI-Codes und andere verkaufen würde

Symbolik, die ihre Rechtsnatur bestätigt. Parallelimporte bleiben ein großes Problem.

Im Jahr 1999 zeigte der Kassettenmarkt des Landes, dass sein Potenzial recht groß ist, obwohl er angesichts globaler Trends allmählich an Boden verliert.

Neben dem Verkauf traditioneller Medien wie MC und CD entwickelte sich 1999 auch der CD-R-Markt recht aktiv. Zu den bereits traditionellen CD-Rs sind CD-RW- und DVD-RAM-Discs hinzugekommen. Im Jahr 2000 wurde in Russland im Ural Electronic Plant die erste CD-R-Produktionslinie in Betrieb genommen.

Eines der Hauptprobleme der Geschäftsentwicklung ist der hohe Grad der Piraterie im Land – 65-70 %. In einigen Repertoiregruppen erreicht es 90 %

Auf diese Weise, Russischer Markt Im Allgemeinen sieht es so aus (Aufteilung nach Medientyp):

Tisch № 10

GESAMTDATEN DER RECHTLICHEN UND PIRATENVERKÄUFE IN MILLIONEN. $

* Folgen der Krise vom 17. August 1998 Wie aus der Tabelle und den Abbildungen hervorgeht, bleibt die Kompaktkassette der Hauptträger der Musikproduktion.

Tabelle Nr. 11

UMSATZ NACH REPERTOIRE IN MILLIONEN. EKZ. (MC+CD3).

Tabelle Nr. 12

MARKTSTRUKTUR NACH REPERTOIRE (% DES GESAMT-REPERTOIRE-UMSATZES).

WAS IST APKA? WAS IST NAPA?

Um den Zustand des US-Videomarktes besser zu verstehen, betrachten Sie die Aktivitäten der Motion Picture Producers Association of America (APCA). Dies ist ein Berufsverband führender Film-, Foto- und Fernsehunternehmen in den Vereinigten Staaten. Zu seinen Mitgliedern zählen Unternehmen wie Buena Vista Pictures Distribution (Walt Disney Company, Hollywood Pictures Corporation, Sony Pictures Entertainment, Columbia, Trista), Twentys Century Fox Film Corporation, Universal City Studios und Warner Bros.

APKA löst viele Probleme: Schutz der Urheberrechte und Interessen von Film-, Video- und Fernsehunternehmen, Verhinderung von Videopiraterie durch Verschärfung der Strafen für diese Art illegaler Aktivitäten. Die Anwälte der Vereinigung unterstützen die Staatsanwaltschaft bestmöglich bei der Formulierung des Vorwurfs; Sammeln Sie Beweise, sorgen Sie für die Beteiligung von Zeugen und Sachverständigen, führen Sie rechtliche und rechtliche Analysen durch und berechnen Sie die Höhe der Entschädigung.

Ungefähr 100 APKA-Ermittler sind in den gesamten Vereinigten Staaten im Einsatz und unterstützen die Polizei bei der Untersuchung von „Piraterie“-Aktivitäten und der Bestrafung der Verantwortlichen. Im Jahr 1998 und 2022 wurden solche Untersuchungen durchgeführt. Nach den Ergebnissen von 262 davon wurden Strafverfahren eingeleitet und Gerichtsentscheidungen erlassen. 52 Täter wurden zu Gefängnisstrafen verurteilt.

Mitglieder des Vereins tragen zu Anti-Piraterie-Operationen in mehr als 70 Ländern der Welt bei, darunter auch in Russland. Sie vermieten ihre

Filme in Russland über Organisationen mit entsprechenden russischen Lizenzen wie Cascade, East-West, Jemmy und Premier.

Seit Oktober 1998 wurden 32 von APKA-Mitgliedsstudios produzierte Filme legal in russischen Kinos zur Vorführung freigegeben. Darunter: „Shakespeare in Love“, „Armageddon“, „Mummy“, „Mask of Zorro“, „The Adventures of Flick“ und „Healer Adame“. Zusätzlich wird eine Reihe von Filmen auf Video präsentiert. Kinofilme unterliegen grundsätzlich nicht der gleichzeitigen Verbreitung auf Videokassetten. Letztere kommen in der Regel nach dem Ende des Filmverleihs in den Verkauf. Dies geschieht, um die Interessen der Filmverleiher zu schützen.

APKA unterstützt die russische Anti-Piraterie-Organisation – RAPO. Die Verwaltung von RAPO hat ihren Sitz in Moskau und die Organisation selbst ist in großen Städten in ganz Russland tätig. Zu den RAPO-Mitgliedern zählen nicht nur US-amerikanische Filmstudios und ihre Lizenzinhaber in Russland, sondern auch unabhängige russische Filmvertriebsorganisationen, zwei russische Fernsehunternehmen, die Russische Union der Kameramänner, die Russische Gesellschaft der Sammler und die Russische Videovereinigung.

RAPO-Mitarbeiter unterstützen Strafverfolgungsbehörden und die Steuerpolizei bei der Ermittlung der Quellen von Raubkopien und bei der Durchführung von Razzien zur Identifizierung der Hersteller und Verkäufer. RAPO vertritt Sachverständige, die Teile von „Raubkopien“ identifizieren und vor Gericht aussagen können.

NAPA – Nationaler Verband der Hersteller

Distributoren von Audioprodukten in Russland. Die Entscheidung, den Nationalen Verband der Audioprodukthersteller Russlands zu gründen, wurde auf der ersten Sitzung der Osteuropäischen Kommission IFPI nach der Augustkrise (September 1998) getroffen. Infolgedessen wurde NAPA im Juni 1999 registriert.

Die Hauptziele von NAPA sind: Vorbereitung der nationalen IFPI-Gruppe auf der Grundlage von NAPA in Russland, die sich schließlich mit den Mitarbeitern der IFPI-Repräsentanz in Moskau vereinen wird; Schutz der Rechte und legitimen Interessen von Audioproduktionsproduzenten – russischen Musikunternehmen, Bekämpfung der Vervielfältigung und Verbreitung illegaler Audioprodukte und Koordinierung der Aktivitäten von Rechteinhabern von Audioprodukten, um die bestehende Gesetzgebung auf dem Territorium der Russischen Föderation einzuhalten.

Derzeit umfasst NAPA die größten russischen Unternehmen und große Unternehmen, die über eigene Niederlassungen und Tochtergesellschaften in Russland verfügen, wie Universal, BMG, EMI (S.B.A.), Gala Records, Real Records Art-stars, Studio Soyuz, Producer Igor Matvienko Center und FeeLee Records Company, NOX-MUSIC und andere.

Bis heute hat NAPA sieben Organisationen, die als Tochtergesellschaften in Russland tätig sind. Mit anderen Regionen laufen Verhandlungen. NAPA expandiert aktiv „in das Hinterland“ und konzentriert sich gleichzeitig auf Wirtschaftsregionen des Landes, Millionenstädte.

NAPA umfasst viele NAPA-Mitgliedsunternehmen, die auch IFPI-Mitglieder sind. Um diese Konstruktion zu verstehen, betrachten wir zunächst die Struktur von IFPI in anderen Ländern und in der Welt insgesamt.

Die International Federation of the Phonographic Industry (IFPI) vereint Plattenfirmen, die wiederum auf territorialer Basis in nationalen Gruppen zusammengefasst sind. Das heißt, der Verband besteht aus Nationalgruppen verschiedener Länder, zum Beispiel Nationalgruppen Deutschlands, der USA usw. Bisher gab es in Russland keinen solchen Verein. In riskanten Geschäftsfeldern beginnt IFPI seine Aktivitäten mit der Eröffnung von Repräsentanzen. Abhängig von der Entwicklungsdynamik jedes einzelnen Landes entsteht nach einiger Zeit am Ort der Vertretung oder mit deren Hilfe eine nationale IFPI-Gruppe dieses Landes. Die Aufgaben der Vertretung des Verbandes in verschiedenen Ländern (und auch in Russland) beschränken sich auf die Aufklärung vor Ort Musikunternehmen die Rolle der IFPI im internationalen Musikgeschäft, laden Sie sie ein, Mitglieder der Föderation zu werden und schließlich eine nationale Gruppe zu gründen. Leider hat dieser Prozess in unserem Land einen „speziellen russischen Weg“ eingeschlagen.

Der Abschluss der Gründung der nationalen IFPI-Gruppe in Russland steht vor der Tür. Darauf ist die NAPA bestens vorbereitet – der Verband wurde als Kern der IFPI-Landesgruppe gegründet. Sie haben gemeinsame Ziele und Zielsetzungen: die Legalisierung des Musikgeschäfts, Rechts- und Rechtshilfe für IFPI-Mitgliedsunternehmen, eine aktive Bekämpfung der Piraterie in Russland im Allgemeinen, insbesondere aber in Regionen mit einer Million Einwohnern. Einen besonderen Platz nimmt natürlich die Arbeit in Moskau und der Region Moskau ein.

NAPA unterstützt staatliche Strukturen bei der Verbesserung der Gesetzgebung im Bereich des Urheberrechts und verwandter Schutzrechte und beteiligt sich als Unabhängiger

unabhängige Experten für die Entwicklung von Entscheidungen staatlicher Behörden und des Managements in Angelegenheiten des Musikgeschäfts.

Wir haben auch den Russischen Phonographischen Verband gegründet und betreiben ihn. Es wurde als eine Organisation gegründet, die Tonaufzeichnungsunternehmen vereint. Die Hauptziele waren die Erhebung von Vergütungen für die öffentliche Vervielfältigung und die Verteilung sicherer Gelder an Unternehmen, die Urheberrechte besitzen.

Jedes inländische Unternehmen, das rechtmäßig auf dem Markt tätig ist, die gesetzlichen Dokumente anerkennt und im Bereich der Tonaufzeichnung und Tonwiedergabe tätig ist, kann Mitglied der NAPA werden. Um beizutreten, müssen Sie sich mit einem Antrag bei der NAPA bewerben und diesem eine Reihe gesetzlicher und Registrierungsdokumente beifügen. Das Verfahren ist einfach, stellt jedoch eine hohe Verantwortung für die Mitglieder dar.

Zwischen Juli 1999 und Juli 2000 untersuchte die NAPA in Russland 62.076 Kopien von Audioträgern auf Fälschungen. Es wurden 22 Anträge eingereicht, um Personen vor Gericht zu stellen, die sich der illegalen Nutzung von Urheberrechten und verwandten Rechten schuldig gemacht haben, acht Klageschriften wurden eingereicht, fünf Petitionen wurden an die Gerichte geschickt, fünf Anti-Piraterie-Kampagnen wurden gemeinsam mit Strafverfolgungsbehörden und der IFPI durchgeführt Gemeinsam mit dem Innenministerium wurden fünfzehn Kampagnen durchgeführt.

Der Verband beschäftigt sich mit der Untersuchung des Marktes für Audioprodukte in der Russischen Föderation, der Erstellung einer Datenbank mit Audioprodukten, Audioherstellern und einem Handelsnetzwerk von Händlern und Distributoren – bis hin zu Informationen zu jedem Handel

Punkt. Er berät staatliche Stellen, Unternehmen, öffentliche Verbände und Bürger im Musikgeschäft, fördert zivilisierte Wege zur Entwicklung des Musikmarktes, organisiert Seminare, Symposien und Praktika in Russland und im Ausland. In naher Zukunft - die Organisation nationaler Wettbewerbe im Bereich der Musikindustrie.

NAPA vertritt russische Audioproduzenten im Internationalen Verband der Phonografischen Industrie (IFPI) und beteiligt sich an dessen Aktivitäten (interagiert mit anderen nationalen Gruppen).

Feste Partner NAPA sind zum einen die Urheberrechtsinhaber und zum anderen verschiedene Expertenorganisationen, darunter das System der forensischen Zentren des Innenministeriums der Russischen Föderation, das Zentrum für unabhängige umfassende Prüfung von Systemen und Technologien, die das gesamte mögliche Spektrum durchführen von Studien und Untersuchungen beschlagnahmter Produkte. Drittens: Unternehmen, die sich mit dem Transport und der verantwortungsvollen Lagerung gefälschter Produkte befassen.

Durch eine Reihe von Expertenuntersuchungen ist es möglich, die Herstellung gefälschter Produkte in einem bestimmten Unternehmen nachzuweisen oder, wie Experten sagen, Audiokassetten an eine bestimmte Maschine, ein bestimmtes Tonaufnahmegerät, zu „binden“. Insbesondere ein Magnetband, das sich beim Aufzeichnen von Toninformationen darauf bewegt, weist Veränderungen in der Oberflächenschicht auf, die für dieses Tonaufzeichnungsgerät charakteristisch sind

und wird durch die Ermittlungsuntersuchung völlig unmissverständlich aufgedeckt.

Die Suche nach Urheberrechtsinhabern erfolgt in Datenbanken, die Informationen über inländische Alben enthalten (und das von der Agentur Inter Media herausgegebene Russische Musikjahrbuch hilft dabei sehr) und in ausländischen Publikationen. Dabei greift NAPA auf von ausländischen Partnern erhaltene Datenbanken zurück. Es ist wichtig, für jeden Titel das Datum der Erstveröffentlichung des Werkes und den Tonträger zu ermitteln. Ein wesentlicher Bestandteil der Untersuchungs- oder Recherchehandlung ist die Feststellung der Höhe des Schadens, der den Rechteinhabern durch die rechtswidrige Nutzung von Werken und Tonträgern entsteht. Ein wichtiger Punkt ist die Anerkennung des Urheberrechtsinhabers als Zivilkläger.

Geldmittel, die nach der Verarbeitung gefälschter Produkte und der Herstellung legaler Produkte aus den freigegebenen Komponentenmaterialien erhalten werden, werden in einer vereinbarten Menge zwischen den Rechteinhabern, den für die Lagerung gefälschter Produkte verantwortlichen Unternehmen und dem System der Unternehmen für die Verarbeitung gefälschter Produkte verteilt Produkte und die Herstellung legaler Produkte sowie das Budget.

WAS IST „NOX“?

„NOX“ ist der Nationalverband Kulturgemeinschaften. Die Hauptideen von „Knox“ sind:

Bewahrung und Entwicklung nationaler und ethnischer Kulturen;

Propaganda des kulturellen Erbes;

Menschen durch kulturellen Austausch vereinen, freundschaftliche und brüderliche Beziehungen zwischen den Völkern stärken;

Bestätigung des Stolzes eines jeden Menschen auf seine Nation;

Unterstützung bei der Stärkung Russlands als Vielvölkerstaat, in dem alle Völker gleiche Rechte haben.

Seit vielen Jahren vertrete ich die Idee, dass alle Menschen in Freundschaft und Frieden leben, geschäftlichen Kontakt pflegen und sich durch kulturelle Bindungen gegenseitig bereichern sollten. Auf unserem Land sollte es keine Kriege geben. Schließlich bringen Mütter Kinder zur Welt glückliches Leben, entwickeln fleißig ihre Talente, wecken in ihnen die besten Gefühle und unbedingt den Stolz auf ihre Nation, denn in jeder Nation gibt es ungewöhnlich talentierte Menschen.

Um die Probleme unserer Gesellschaft durch Kultur zu lösen, habe ich NOX gegründet.

Jetzt gilt es, Menschen zu finden, denen man bei der Umsetzung dieser Ideen voll und ganz vertrauen kann. „NOX“ soll eine echte Schmiede dieses Personals werden. Ich gebe meine Ideen ständig an Manager weiter, bilde eine neue Generation von Produzenten aus, vertraue ihnen meine Projekte an und helfe ihnen bei der Umsetzung.