Jazzstile sind musikalische Beispiele. Jazz: Was ist das, welche Richtungen, wer spielt

Als eine der am meisten verehrten musikalischen Kunstformen in Amerika legte der Jazz den Grundstein für eine ganze Industrie, die der Welt zahlreiche Namen brillanter Komponisten, Instrumentalisten und Sänger vorstellte und eine breite Palette von Genres hervorbrachte. Die 15 einflussreichsten Jazzmusiker sind verantwortlich für ein globales Phänomen, das im letzten Jahrhundert in der Geschichte des Genres aufgetreten ist.

Jazz entwickelte sich in den späten Jahren des 19. und frühen 20. Jahrhunderts als eine Kombination aus klassischen europäischen und amerikanischen Klängen mit afrikanischen Volksmotiven. Die Lieder wurden mit einem synkopischen Rhythmus aufgeführt, was der Entwicklung und später der Bildung großer Orchester zur Aufführung Auftrieb gab. Die Musik hat seit den Tagen des Ragtime einen großen Schritt nach vorne gemacht zeitgenössischer Jazz.

Der Einfluss des Westafrikaners musikalische Kultur in welcher Musik geschrieben und wie sie aufgeführt wird. Polyrhythmik, Improvisation und Synkopierung zeichnen den Jazz aus. Im Laufe des letzten Jahrhunderts hat sich dieser Stil unter dem Einfluss von Zeitgenossen des Genres verändert, die ihre eigene Idee zur Essenz der Improvisation gebracht haben. Neue Richtungen begannen aufzutauchen - Bebop, Fusion, lateinamerikanischer Jazz, Free Jazz, Funk, Acid Jazz, Hard Bop, Smooth Jazz und so weiter.

15 Art Tatum

Art Tatum - Jazzpianist und ein praktisch blinder Virtuose. Er gilt als einer der größten Pianisten aller Zeiten, der die Rolle des Klaviers im Jazzensemble verändert hat. Tatum wandte sich dem Stride-Stil zu, um seinen eigenen einzigartigen Spielstil zu kreieren, indem er dem Rhythmus Swing-Rhythmen und fantastische Improvisationen hinzufügte. Seine Einstellung zur Jazzmusik veränderte die Bedeutung des Klaviers im Jazz als Musikinstrument grundlegend von seinen früheren Eigenschaften.

Tatum experimentierte mit den Harmonien der Melodie, beeinflusste die Struktur des Akkords und erweiterte ihn. All dies charakterisierte den Stil des Bebop, der, wie Sie wissen, zehn Jahre später populär wurde, als die ersten Platten dieses Genres erschienen. Kritiker bemerkten auch seine tadellose Spieltechnik – Art Tatum konnte die schwierigsten Passagen mit einer solchen Leichtigkeit und Geschwindigkeit spielen, dass es schien, als ob seine Finger die schwarzen und weißen Tasten kaum berührten.

14 Thelonischer Mönch

Einige der komplexesten und vielfältigsten Klänge finden sich im Repertoire des Pianisten und Komponisten, einem der wichtigsten Vertreter der Ära des Bebop und seiner weiteren Entwicklung. Schon seine Persönlichkeit als exzentrischer Musiker trug zur Popularisierung des Jazz bei. Monk, stets mit Anzug, Hut und Sonnenbrille bekleidet, brachte seine freie Haltung zur Improvisationsmusik offen zum Ausdruck. Er akzeptierte keine strengen Regeln und entwickelte seine eigene Herangehensweise an Kompositionen. Einige seiner brillantesten und berühmtesten Werke sind Epistrophy, Blue Monk, Straight, No Chaser, I Mean You und Well, You Needn’t.

Monks Spielstil basierte auf einem innovativen Improvisationsansatz. Seine Werke zeichnen sich durch perkussive Passagen und scharfe Pausen aus. Sehr oft sprang er direkt während seiner Auftritte vom Klavier auf und tanzte, während die anderen Mitglieder der Band weiter die Melodie spielten. Thelonious Monk bleibt einer der einflussreichsten Jazzmusiker in der Geschichte des Genres.

13 Karl Mingus

Als anerkannter Kontrabass-Virtuose, Komponist und Bandleader war er einer der außergewöhnlichsten Musiker der Jazzszene. Er entwickelte einen neuen Musikstil und kombinierte Gospel, Hardbop, Free Jazz und klassische Musik. Zeitgenossen nannten Mingus „den Erben von Duke Ellington“ wegen seiner fantastischen Fähigkeit, Werke für kleine Leute zu schreiben Jazz-Ensembles. In seinen Kompositionen stellten alle Mitglieder der Band ihre spielerischen Fähigkeiten unter Beweis, die zudem nicht nur talentiert waren, sondern sich durch eine einzigartige Spielweise auszeichneten.

Mingus wählte die Musiker seiner Band sorgfältig aus. Der legendäre Kontrabassist war für sein Temperament bekannt, und einmal schlug er sogar dem Posaunisten Jimmy Knepper ins Gesicht und schlug ihm dabei einen Zahn aus. Mingus litt an einer depressiven Störung, war aber nicht bereit, sich damit abzufinden, dass dies seine kreative Tätigkeit irgendwie beeinträchtigte. Trotz dieses Leidens ist Charles Mingus eine der einflussreichsten Persönlichkeiten der Jazzgeschichte.

12 Art Blakey

Art Blakey war ein berühmter amerikanischer Schlagzeuger und Bandleader, der mit Stil und Technik des Schlagzeugspiels für Furore sorgte. Er kombinierte Swing, Blues, Funk und Hardbop – ein Stil, der heute in jeder Moderne zu hören ist Jazz-Komposition. Zusammen mit Max Roach und Kenny Clarke erfand er eine neue Art, Bebop auf dem Schlagzeug zu spielen. Seit über 30 Jahren hat seine Band The Jazz Messengers vielen Jazzkünstlern Jazz gegeben: Benny Golson, Wayne Shorter, Clifford Brown, Curtis Fuller, Horace Silver, Freddie Hubbard, Keith Jarrett und mehr.

Die Jazz Messengers haben nicht nur phänomenale Musik gemacht – sie waren eine Art „musikalisches Testgelände“ für junge talentierte Musiker, wie die Band von Miles Davis. Art Blakeys Stil veränderte den Sound des Jazz und wurde zu einem neuen musikalischen Meilenstein.

11 Dizzy Gillespie (Dizzy Gillespie)

Der Jazztrompeter, Sänger, Songwriter und Bandleader wurde zu einer herausragenden Persönlichkeit in den Tagen des Bebop und des modernen Jazz. Sein Trompetenstil beeinflusste Miles Davis, Clifford Brown und Fats Navarro. Nach seiner Zeit in Kuba, nach seiner Rückkehr in die USA, gehörte Gillespie zu jenen Musikern, die den afrokubanischen Jazz aktiv förderten. Neben seiner unnachahmlichen Darbietung auf der charakteristisch geschwungenen Trompete war Gillespie beim Spielen an seiner Hornbrille und den unglaublich großen Wangen zu erkennen.

Der große Jazzimprovisationskünstler Dizzy Gillespie sowie Art Tatum haben Harmonie innoviert. Die Kompositionen von Salt Peanuts und Goovin' High waren rhythmisch völlig anders als frühere Werke. Gillespie blieb dem Bebop während seiner gesamten Karriere treu und gilt als einer der einflussreichsten Jazztrompeter.

10 Max Roch

Zu den 15 einflussreichsten Jazzmusikern in der Geschichte des Genres gehört Max Roach, ein Schlagzeuger, der als einer der Pioniere des Bebop bekannt ist. Wie kaum ein anderer hat er den modernen Stil des Schlagzeugspiels beeinflusst. Roach war ein Kämpfer für Bürgerrechte und gemeinsam mit Oscar Brown Jr. und Coleman Hawkins sogar das Album We Insist! - Freiheit jetzt ("Wir bestehen darauf! - Freiheit jetzt"), gewidmet dem 100. Jahrestag der Unterzeichnung der Emanzipationsproklamation. Max Roach ist ein Vertreter eines tadellosen Spielstils, der während des gesamten Konzerts ein langes Solo aufführen kann. Absolut jedes Publikum war von seinem unübertroffenen Können begeistert.

9 Billy Holiday

Lady Day ist der Liebling von Millionen. Billie Holiday schrieb nur wenige Songs, aber wenn sie sang, drehte sie ihre Stimme von den ersten Tönen an. Ihre Performance ist tiefgründig, persönlich und sogar intim. Ihr Stil und ihre Intonation sind vom Klang von Musikinstrumenten inspiriert, die sie gehört hat. Wie fast alle oben beschriebenen Musiker wurde sie zur Schöpferin eines neuen, aber bereits vokalen Stils, der auf langen musikalischen Phrasen und dem Tempo, sie zu singen, basiert.

Die berühmte Strange Fruit ist nicht nur die beste in der Karriere von Billie Holiday, sondern in der gesamten Jazzgeschichte, wegen der gefühlvollen Darbietung der Sängerin. Sie wurde posthum mit renommierten Preisen ausgezeichnet und in die Grammy Hall of Fame aufgenommen.

8 John Coltrane

Mit dem Namen John Coltrane verbindet man virtuose Spieltechnik, exzellentes Talent für das Komponieren und die Leidenschaft, neue Facetten des Genres zu lernen. An der Schwelle zu den Ursprüngen des Hardbops erzielte der Saxophonist enorme Erfolge und wurde zu einem der einflussreichsten Musiker in der Geschichte des Genres. Coltranes Musik hatte einen scharfen Klang, und er spielte mit hoher Intensität und Hingabe. Er konnte sowohl alleine spielen als auch im Ensemble improvisieren und Soloparts von unvorstellbarer Dauer schaffen. Coltrane spielte Tenor- und Sopransaxophon und war auch in der Lage, melodische Smooth-Jazz-Kompositionen zu kreieren.

John Coltrane ist der Autor einer Art "Bebop-Neustart", in den modale Harmonien eingebaut sind. Er blieb die wichtigste aktive Figur in der Avantgarde, war ein sehr produktiver Komponist und hörte nicht auf, Platten zu veröffentlichen, und nahm im Laufe seiner Karriere etwa 50 Alben als Bandleader auf.

7 Graf Basie

Der revolutionäre Pianist, Organist, Komponist und Bandleader Count Basie führte einen der größten an erfolgreiche Gruppen in der Jazzgeschichte. Im Laufe von 50 Jahren hat sich das Count Basie Orchestra, darunter unglaublich beliebte Musiker wie Sweets Edison, Buck Clayton und Joe Williams, einen Ruf als eine der gefragtesten Big Bands Amerikas erarbeitet. Der neunmalige Grammy-Gewinner Count Basie hat Generationen von Zuhörern die Liebe zum Orchesterklang eingeimpft.

Basie schrieb viele Songs, die zu Jazzstandards geworden sind, wie April in Paris und One O'Clock Jump. Kollegen sprachen von ihm als einem taktvollen, bescheidenen und enthusiastischen Menschen. Hätte es das Count Basie Orchestra in der Jazzgeschichte nicht gegeben, hätte die Big-Band-Ära anders und sicherlich nicht so einflussreich geklungen, wie sie es mit diesem herausragenden Bandleader wurde.

6 Coleman Hawkins

Das Tenorsaxophon ist das Symbol des Bebop und der gesamten Jazzmusik im Allgemeinen. Und dafür können wir dankbar sein, Coleman Hawkins zu sein. Die Innovationen, die Hawkins mitbrachte, waren entscheidend für die Entwicklung des Bebop Mitte der vierziger Jahre. Sein Beitrag zur Popularität dieses Instruments hat möglicherweise die zukünftigen Karrieren von John Coltrane und Dexter Gordon bestimmt.

Die Komposition Body and Soul (1939) wurde für viele Saxophonisten zum Maßstab für das Spielen des Tenorsaxophons. Andere Instrumentalisten wurden ebenfalls von Hawkins beeinflusst – Pianist Thelonious Monk, Trompeter Miles Davis, Schlagzeuger Max Roach. Seine Fähigkeit zu außergewöhnlichen Improvisationen führte zur Entdeckung neuer Jazzseiten des Genres, die von seinen Zeitgenossen nicht berührt wurden. Dies erklärt zum Teil, warum das Tenorsaxophon zu einem festen Bestandteil des modernen Jazz-Ensembles geworden ist.

5 Benny Gutmann

Die fünf 15 einflussreichsten Jazzmusiker in der Geschichte des Genres werden eröffnet. Der berühmte King of Swing leitete fast das beliebteste Orchester des frühen 20. Jahrhunderts. Sein Konzert in der Carnegie Hall im Jahr 1938 gilt als eines der wichtigsten Live-Konzerte in der Geschichte der amerikanischen Musik. Diese Show demonstriert das Aufkommen der Jazz-Ära, die Anerkennung dieses Genres als eigenständige Kunstform.

Obwohl Benny Goodman Leadsänger eines großen Swing-Orchesters war, war er auch an der Entwicklung des Bebop beteiligt. Sein Orchester wurde eines der ersten, das Musiker verschiedener Rassen in seiner Zusammensetzung vereinte. Goodman war ein lautstarker Gegner des Jim Crow Act. Er lehnte sogar eine Tour durch die Südstaaten ab, um die Rassengleichheit zu unterstützen. Benny Goodman war nicht nur im Jazz, sondern auch in der Popmusik eine aktive Figur und Reformator.

4 Meilen davis

Eine der zentralen Jazzfiguren des 20. Jahrhunderts, Miles Davis, stand an den Ursprüngen vieler musikalischer Ereignisse und beobachtete ihre Entwicklung. Ihm werden Pionierleistungen in den Genres Bebop, Hard Bop, Cool Jazz, Free Jazz, Fusion, Funk und Techno zugeschrieben. IN ständige Suche neuen Musikstil erzielte er immer wieder Erfolge und war umgeben von brillanten Musikern wie John Coltrane, Cannoball Adderley, Keith Jarrett, JJ Johnson, Wayne Shorter und Chick Corea. Zu seinen Lebzeiten wurde Davis mit 8 Grammy Awards ausgezeichnet und in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen. Miles Davis war einer der aktivsten und einflussreichsten Jazzmusiker des letzten Jahrhunderts.

3 Charlie Parker

Wenn Sie an Jazz denken, erinnern Sie sich an den Namen. Auch bekannt als Bird Parker, war er ein Jazz-Altsaxophon-Pionier, Bebop-Musiker und Komponist. Sein schnelles Spiel, sein klarer Klang und sein Talent als Improvisator haben die Musiker dieser Zeit und unsere Zeitgenossen maßgeblich beeinflusst. Als Komponist veränderte er die Standards des Schreibens von Jazzmusik. Charlie Parker war der Musiker, der die Idee kultivierte, dass Jazzmänner Künstler und Intellektuelle sind, nicht nur Schausteller. Viele Künstler haben versucht, Parkers Stil zu kopieren. Auch seine berühmten Spieltechniken lassen sich in der Manier vieler aktueller Nachwuchsmusiker nachvollziehen, die sich an der Komposition Bird orientieren, passend zum Spitznamen des Alt-Sakosophisten.

2 Herzog Ellington

Er war ein grandioser Pianist, Komponist und einer der herausragendsten Orchesterleiter. Obwohl er als Jazzpionier bekannt ist, hat er sich auch in anderen Genres hervorgetan, darunter Gospel, Blues, Klassik und Popmusik. Es ist Ellington, dem zugeschrieben wird, den Jazz zu bringen separate Ansicht Kunst. Mit unzähligen Auszeichnungen und Preisen hörte der erste große Jazzkomponist nie auf, sich zu verbessern. Er war die Inspiration für die nächste Generation von Musikern, darunter Sonny Stitt, Oscar Peterson, Earl Hines und Joe Pass. Duke Ellington bleibt ein anerkanntes Genie des Jazzklaviers – Instrumentalist und Komponist.

1 Louis ArmstrongLouis Armstrong

Der wohl einflussreichste Jazzmusiker in der Geschichte des Genres, alias Satchmo, ist ein Trompeter und Sänger aus New Orleans. Er gilt als Schöpfer des Jazz, der maßgeblich an seiner Entwicklung mitgewirkt hat. Die erstaunlichen Fähigkeiten dieses Interpreten machten es möglich, eine Trompete zu einem Solo-Jazzinstrument zu machen. Er ist der erste Musiker, der den Scat-Stil singt und populär macht. Es war unmöglich, sein tiefes, „donnerndes“ Timbre der Stimme nicht zu erkennen.

Armstrongs Engagement für seine eigenen Ideale beeinflusste die Arbeit von Frank Sinatra und Bing Crosby, Miles Davis und Dizzy Gillespie. Louis Armstrong beeinflusste nicht nur den Jazz, sondern die gesamte Musikkultur und schenkte der Welt ein neues Genre, eine einzigartige Art zu singen und Trompete zu spielen.

Jazz- eine Art Musikkunst, die im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert als Ergebnis einer Mischung aus afrikanischer Musikkultur schwarzer Sklaven und europäischer entstand. Aus der ersten Kultur entlehnte diese Art von Musik Improvisation, Rhythmus, wiederholte Wiederholung des Hauptmotivs und aus der zweiten - Harmonie, Klänge in Moll und Dur. Es ist erwähnenswert, dass solche Elemente der Folklore afrikanischer Sklaven, die nach Amerika gebracht wurden, wie rituelle Tänze, Arbeits- und Kirchenlieder, Blues, sich auch in Jazzmelodien widerspiegeln.

Streitigkeiten über die Herkunft des Jazz dauern noch an. Es ist sicher bekannt, dass es sich von den USA aus in die ganze Welt ausbreitete, und seine klassische Richtung entstand in New Orleans, wo am 26. Februar 1917 die erste Jazzplatte von der Original Dixieland Jazz Band aufgenommen wurde.

Im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts wurden in den Südstaaten der Vereinigten Staaten Musikensembles besonders beliebt, die originelle Improvisationen zu den Themen Blues, Ragtime und europäische Lieder aufführten. Sie wurden "Jazzband" genannt, woher das Wort "Jazz" stammt. Die Zusammensetzung dieser Gruppen umfasste Musiker, die die spielten verschiedene Werkzeuge darunter: Trompete, Klarinette, Posaune, Banjo, Tuba, Kontrabass, Schlagzeug und Klavier.

Jazz hat mehrere charakteristische Merkmale, die ihn von anderen Musikgenres unterscheiden:

• Rhythmus;
• schwingen;
• Instrumente, die die menschliche Sprache imitieren;
• eine Art „Dialog“ zwischen den Instrumenten;
• spezifischer Gesang, intonatorisch an ein Gespräch erinnernd.

Jazz ist zu einem festen Bestandteil der Musikindustrie geworden und verbreitet sich auf der ganzen Welt. Die Popularität von Jazzmelodien hat zur Gründung einer großen Anzahl von Ensembles geführt, die sie aufführen, sowie zur Entstehung neuer Richtungen in diesem Musikgenre. Bis heute sind mehr als 30 solcher Stile bekannt, von denen die beliebtesten Blues, Soul, Ragtime, Swing, Jazz-Rock und Symphonic-Jazz sind.

Für diejenigen, die die Grundlagen dieser Art von Musikkunst erlernen möchten, ist die Entscheidung zum Kauf einer Klarinette, Trompete, Banjo, Posaune oder jedes andere Jazz-Instrument ist ein guter Anfang auf dem Weg zur Beherrschung dieses Genres. Später wurde das Saxophon in die Zusammensetzung von Jazzorchestern und -ensembles aufgenommen, die heute sogar im Online-Shop gekauft werden können. Zusätzlich zu den oben aufgeführten kann eine Jazzgruppe auch ethnische Musikinstrumente enthalten.

Jazz ist besondere Sorte Musik, die in den Vereinigten Staaten besonders populär geworden ist. Ursprünglich war Jazz die Musik schwarzer Bürger der Vereinigten Staaten, später nahm diese Richtung jedoch völlig andere Musikstile auf, die sich in vielen Ländern entwickelten. Wir werden über diese Entwicklung sprechen.

Das wichtigste Merkmal des Jazz, sowohl ursprünglich als auch heute, ist Rhythmus. Jazzmelodien verbinden Elemente afrikanischer und europäischer Musik. Aber der Jazz erhielt seine Harmonie durch europäischen Einfluss. Das zweite Grundelement des Jazz ist bis heute die Improvisation. Jazz wurde oft ohne vorgefertigte Melodie gespielt: Erst während des Spiels wählte der Musiker die eine oder andere Richtung und erlag seiner Inspiration. So entstand direkt vor den Augen der Zuhörer während des Spiels des Musikers die Musik.

Im Laufe der Jahre hat sich der Jazz verändert, hat es aber dennoch geschafft, seine Grundzüge beizubehalten. Einen unschätzbaren Beitrag zu dieser Richtung leisteten die berüchtigten "Blues" - anhaltende Melodien, die auch für Schwarze charakteristisch waren. Momentan sind die meisten Bluesmelodien fester Bestandteil der Jazzrichtung. Tatsächlich hat der Blues nicht nur den Jazz in besonderer Weise beeinflusst: Auch Rock'n'Roll, Country und Western verwenden Blues-Motive.

Apropos Jazz, es ist notwendig, die amerikanische Stadt New Orleans zu erwähnen. Dixieland, wie der New-Orleans-Jazz genannt wurde, verband erstmals Blues-Motive, schwarze Kirchenlieder und Elemente europäischer Volksmusik.
Später erschien Swing (auch Jazz im Stil von "Big Band" genannt), der ebenfalls eine breite Entwicklung erhielt. In den 1940er und 1950er Jahren gewann der "moderne Jazz" an Popularität, der ein komplexeres Zusammenspiel von Melodien und Harmonien war als der frühe Jazz. Erschienen neuer Ansatz zum Rhythmus. Die Musiker versuchten, neue Werke mit anderen Rhythmen zu erfinden, und daher wurde die Trommeltechnik komplizierter.

Die „neue Welle“ des Jazz fegte in den 60er Jahren um die Welt: Sie gilt als der Jazz der eben erwähnten Improvisationen. Als das Orchester auf die Bühne ging, konnte es nicht ahnen, in welche Richtung und in welchem ​​Rhythmus seine Darbietung gehen würde, keiner der Jazzmusiker wusste im Voraus, wann sich das Tempo und die Geschwindigkeit der Darbietung ändern würden. Und es muss auch gesagt werden, dass ein solches Verhalten der Musiker nicht bedeutet, dass die Musik unerträglich war: Im Gegenteil, es erschien ein neuer Ansatz für die Aufführung bereits bestehender Melodien. Verfolgt man die Entwicklung des Jazz, stellt man fest, dass es sich um eine sich ständig wandelnde Musik handelt, die jedoch über die Jahre hinweg ihr Fundament nicht verloren hat.

Fassen wir zusammen:

• Zunächst war Jazz schwarze Musik;
• Zwei Postulate aller Jazzmelodien: Rhythmus und Improvisation;
• Blues - hat einen großen Beitrag zur Entwicklung des Jazz geleistet;
• New Orleans Jazz (Dixieland) verband Blues, Kirchenlieder und europäische Volksmusik;
• Swing - die Richtung des Jazz;
• Mit der Entwicklung des Jazz wurden Rhythmen komplizierter, und in den 60er Jahren frönten Jazzorchester bei Auftritten wieder der Improvisation.

In der Geschichte des Jazz musste diese Musikrichtung viele Veränderungen durchmachen, manchmal angenehme, manchmal schwierige und unerwartete. Dennoch gibt es eine Reihe legendärer Musiker in Russland und im Ausland, die einen unschätzbaren Beitrag zum positiven Verlauf der Geschichte dieser Musik geleistet haben. Sie waren es, die die wirklich großen Jazzorchester geschaffen haben.

1932 sammelte der berühmte russische Musiker und Dirigent Alexander Tsfasman Musik Band"Moscow Guys", aus dem später "Alexander Tsfasman's Jazz Orchestra" wurde. Die Musiker traten im damals beliebten und renommierten Restaurant "Savoy" auf, tourten durch das Land, 4 Jahre nach der Gründung nahmen sie an den "Jazzabenden" der Hauptstadt teil.

Alexander Tsfasman arbeitete nicht nur als Leiter eines erfolgreichen Orchesters, sondern gab auch Solokonzerte, und wie Sie wissen, war er ein brillanter Pianist.

So berühmte Musiker wie Ivan Kozlovsky, Igor Gladkov, Mikhail Frumkin, Sergei Lemeshev, Valentin Berlinsky, Emil Geigner, Pavel und Mikhail Mikhailov, Vladimir Bunchikov, Claudia Shulzhenko, Nadezhda Kazantseva, Alexander Rivchun, Mark Bernes traten mit dem Orchester auf derselben Bühne auf.

Während der Kriegszeit unterstützte das Ensemble Sowjetische Truppen Sie gab an vielen Fronten Konzerte. Im historischen musikalisch Tsfasman war einer der ersten, der Swing in die UdSSR brachte.

Im Winter 1956 fand in der Säulenhalle des Hauses der Gewerkschaften zu Ehren von Tsfasmans 50. Geburtstag ein Galakonzert statt, bei dem das Orchester seine besten Hits aufführte. berühmter Musiker starb im Februar 1971 in Moskau. Der Dirigent hat in der Geschichte des sowjetischen Jazzorchesters deutliche Spuren hinterlassen.

1934 trat das legendäre Jazzorchester auf. Die Musiker, die sich damals in Shanghai aufhielten, begannen, durch das Land zu touren, und wenige Jahre später wurde der Maestro als „Jazz-König des Fernen Ostens“ bezeichnet.

1937 umfasste das Orchester bereits 11 Musiker, und das Repertoire des Ensembles erweiterte sich durch die Aufführung russischer Lieder in Jazzarrangements.

Die damaligen Schwierigkeiten im politischen Leben Chinas veranlassten das Orchester 1947, in die Sowjetunion zu ziehen. Die Nachkriegszeit brachte den Musikern große Erfolge. 1955 nahmen Oleg Lundstrem und sein Orchester Schallplatten auf, traten im Radio auf und wurden immer berühmter. Während seiner langen Karriere hat das Orchester über 10.000 Konzerte in der UdSSR und im heutigen Russland gegeben. 1989 lud Lundstrem Alexander Bryksin als Leiter des Orchesters ein.

2005 verstarb der große Dirigent Lundstrem. Seit 2007 tritt im Orchester ein neuer künstlerischer Leiter auf - Boris Mikhailovich Frumkin, die Konzertprogramme wurden aktualisiert. Jetzt tritt das Orchester immer noch erfolgreich in der Hauptstadt auf und tourt durch die Städte Russlands.

1971 stellte der berühmte Musiker Anatoly Kroll eine Big Band zusammen, die zu einer der erfolgreichsten in der UdSSR wurde. Das Orchester tourte durch Europa, arbeitete mit Yuri Antonov, Larisa Dolina, Evgeny Martynov, Leonid Serebrennikov. Anatoly Kroll löste das Ensemble 1991 auf und wechselte an das Theater der Union der Theaterarbeiter der Russischen Föderation.

Kroll begann auch als Komponist mit der ISS Big Band (benannt nach der International Commerce Union) zu arbeiten. Das Team hat zahlreiche Lobeshymnen von Kritikern und große Liebe von russischen Zuhörern erhalten. Die Musiker reisten viel mit Konzerten ins Ausland, zum Beispiel in Frankreich, in die Schweiz.

Bis heute ist der große Dirigent Anatoly Kroll der Leiter des Orchesters.

Eines der größten Jazzorchester des legendären Trompeters erschien 1937. Ursprünglich wurde die Big Band 1935-1936 gegründet, die Musiker unterzeichneten einen Vertrag mit einem Tonstudio Braunschweiger Aufzeichnungen, aber die finanzielle Situation des Teams war immer noch schwierig. 1938 war bildete eine neue Zusammensetzung des Orchesters, und das Glenn Miller Orchestra begann sich schnell zu entwickeln und an Popularität zu gewinnen. Dank Millers gestiegenen Anforderungen an Professionalität und harte Arbeit schuf er seinen eigenen Stil, der sich von anderen unterschied.

Am 4. April 1939 nahmen Miller und sein Orchester Moonlight Serenade auf. Und die am 5. Februar 1940 aufgenommene Komposition Tuxedo Junction verkaufte sich in der ersten Woche 115.000 Mal und brachte das Orchester im selben Jahr auf Platz 7 der nationalen Hitparade.

Im Oktober 1942 ging Glenn Miller aufgrund der politischen Situation zur Armee. Die Ernennung zum Hauptmann inspirierte ihn, die Armeebehörden davon zu überzeugen, die Militärkapelle zu modernisieren und letztendlich die Moral der Angestellten zu verbessern. Millers Ziel war erreicht – das Orchester war ein Erfolg! Ende 1943 gingen die Musiker auf Tournee nach England.

Im Herbst 1944 sollte das Orchester auf eine Europatournee gehen. Miller beschloss, früher in Paris anzukommen, um sich besser auf die Aufführung vorzubereiten, aber es kam zu einem Unfall – Glenn Miller stieg in ein Transportflugzeug nach Paris und starb bei einem Absturz. Trotzdem existiert das Orchester des großen Instrumentalisten noch immer und tourt erfolgreich um die Welt.

Das Ellington Orchestra wurde 1923 von seinem Leiter zusammengestellt. Nach 4 Jahren standen die Musiker bereits auf der Bühne des berühmten Clubs in Harlem.

Durch häufige Radioübertragungen von Konzerten aus diesem Club wurden Ellington und seine Musiker populär. 1931 unternahm das Duke Ellington Orchestra seine erste Tournee. Der seit Jahrzehnten aufgeführte Jazz-Standard Mood Indigo hat sich als äußerst erfolgreich erwiesen.

Kurz vor Beginn der Ära der Swingmusik schien er sein Erscheinen vorhergesagt zu haben. Kompositionen von 1933 Sophisticated Lady und Stormy Weather sind die „Visitenkarten“ des Orchesters geworden.

Häufige Tourneen durch Europa und Amerika brachten den Musikern große und wohlverdiente Erfolge. Basis aufgeführte Musik sind Ellingtons Kompositionen. 1971 besuchte das legendäre Orchester die UdSSR und feierte auch dort einen Triumph. Die Instrumentalisten, angeführt von ihrem ständigen Leiter, bereiteten weiterhin neue Konzertprogramme vor und nahmen beliebte Hits auf, spielten in Filmen mit, nahmen Soundtracks für Filme auf und erhielten Musikpreise. Bis in die letzten Tage seines Lebens führte Duke eine Konzerttätigkeit. Die Musik des großen Komponisten ist für immer in den Herzen von Millionen von Fans auf der ganzen Welt geblieben und hat viele nachfolgende Jazzmusiker inspiriert.

Klarinettist mit frühe Kindheit widmete sich selbstlos dem Jazz, und es ist nicht verwunderlich, dass die Schaffung eines erfolgreichen Orchesters eines seiner Hauptziele war. Im Frühsommer 1934 fand der erste Auftritt seiner Goodman Big Band statt. Einen Monat später gewann seine Komposition Moon Glow den ersten Platz in den amerikanischen Charts.

Das Orchester wurde oft ins Radio eingeladen, wodurch es seine Popularität merklich steigerte und mehr als 10 Mal den ersten Platz in den Jazz-Charts des Landes belegte. Die Musiker gewannen große Popularität und die Plattenfirma RCA Victor, wo es 1917 hergestellt wurde, bot ihnen einen lukrativen Vertrag an. Während der schwierigen Zeit der Weltwirtschaftskrise in den USA hörte das Orchester nicht auf zu touren, auch unter Berücksichtigung der schwierigen finanziellen Situation der Künstler.

Das Konzert am 21. August 1935 in der Institution Palomar wurde entscheidend für Goodmans Arbeit. Sein Orchester und der Musiker selbst wurden nach Auftritten dort zu wahren Stars vor allem des Jazz und des Swing. Im Dezember 1949 löste Benny Goodman sein legendäres Orchester auf. Die weitere Tätigkeit des Klarinettisten bestand hauptsächlich darin, temporäre Ensembles für Tourneen und Aufnahmen zusammenzustellen. Meistens versammelte der Klarinettist Gruppen von 4 oder 6 Musikern, aber manchmal gab es auch Big Bands. Die Musik von Benny Goodman kann als raffiniert beschrieben werden, mit einem einzigartigen Geschmack und natürlich der besonderen Präsentation seiner Instrumentalisten.

Count Basie, eine der bedeutendsten Persönlichkeiten des Swing, ist auch als Leiter einer herausragenden Big Band bekannt, die die großen Jazzorchester verdientermaßen ergänzt. Das Count Basie Orchestra wurde aus Musikern zusammengestellt, die Bennie Motens Kansas City Orchestra 1935 verließen. Seit 1 Jahr ist das Ensemble aus 9 Personen zu einem großen Orchester gewachsen. Zahlreiche Radiosender begannen, sie einzuladen, und Basie selbst erhielt den Spitznamen "Count" (Graf).

Der Hauptunterschied zwischen dem Count Basie Orchestra und anderen Big Bands bestand darin, dass es auf hochkarätigen Solisten basierte - dies ermöglichte es, beispiellose Improvisationen aufzuführen. Die Rhythmusgruppe des Kant Basie Orchestra gilt als die beste im Jazz. Joe Johnson war hinter dem Schlagzeug, Buddy Rich spielte einige Zeit im Orchester, am Saxophon -. Die ersten Personen des Jazz traten mit dem Orchester auf - und.

In den 1940er Jahren geriet das Orchester wie viele andere Big Bands in schwere Zeiten. Seit 2 Jahren löst Basie das Team auf und spielt mit einem Sextett. Bei der ersten Gelegenheit versammelt sich das Orchester wieder und geht auf eine lange Tournee, die dem Team das Recht sichert, als Nr. 1 Orchester im Swing angesehen zu werden.

Nach dem Tod von Count Basie hörte das Orchester nicht auf zu existieren. In Russland trat die Big Band 1985 auf.

1935 gründete der Jazzposaunist und Trompeter Tommy Dorsey seine eigene Big Band. Das Team führte den sogenannten "kommerzialisierten Jazz" oder Pop-Jazz auf. Die Popularität der Band wurde durch die Arbeit mit den herausragenden Arrangeuren Poll Weston und Bill Feingan gebracht. Das Orchester arbeitete mit Bunny Berigan, Dave Tuf,

Die Band war dem Team von Benny Goodman technisch unterlegen, stellte sich aber als schlagkräftiger heraus. Die Swing- und Bigband-Krise Ende der 40er Jahre hat das Orchester adäquat überstanden. Das Orchester hatte ein starkes „Küken“: Tommy wurde vorgeworfen, gelockt zu haben beste musiker. Die Forscher argumentieren, dass Dorsey ein Perfektionist und ein Mann der Stimmung war, und dies erklärt die häufigen Änderungen in der Zusammensetzung des Teams.

1940 holte Tommy Dorsey einen aufstrebenden Sänger. Zwei Jahre lang nahmen die Band und Sinatra 80 Songs auf, darunter die Hits „In The Blue of Evening“ und „This Love of Mine“.

Tommy Dorsey war einer der ersten, der Boogie-Woogie an das Orchester anpasste und Swing-Arrangements machte. Er ist auch einer der ersten weißen Jazzbandleader, der die Soloimprovisation zur Pflicht gemacht hat. Er ermutigte Sänger, Scat- und "Unsinnslieder" zu verwenden, um das Publikum zu unterhalten. Nach Tommys Tod im Jahr 1956 wurde die Band von seinem Bruder und dann von Lee Castle und Warren Covington geleitet.

Der herausragende Schlagzeuger Chick Webb stellte 1926 die erste Band in Harlem zusammen. Es ist bekannt, dass die Band 1931 ein ständiger Bewohner des berühmten Savoy Club wurde.

Mangelnde musikalische Bildung, Höhe 130 cm hinderte Chik nicht daran, zu werden brillanter Profi und Leiter eines der besten Orchester der Welt.

Ein bedeutendes Ereignis ereignete sich 1937, als die Band von Chick Webb mit dem Orchester konkurrierte. Das Publikum vergab den Titel fast einstimmig an den weniger berühmten Chick. Laut Goodmans Schlagzeuger Gene Krupa griff Cheek das Publikum an.

Natürlich verdankt das Orchester seinen Ruhm nicht nur der herausragenden Rhythmusgruppe. 1935 wurde die junge Frau Solistin des Orchesters, das die Band nach dem bevorstehenden Tod von Chick leitete.

Moskauer Jazzorchester von Igor Butman

Eines der beliebtesten russischen Orchester unserer Zeit wurde von einem Saxophonisten gegründet. 1999 stellte er eine Bigband zusammen, die 2012 das Recht erhielt, Moskauer Jazzorchester genannt zu werden.

Im Jahr 2003 gab es ein hochkarätiges Ereignis in der Welt des Jazz und einen Meilenstein für die Big Band von Igor Butman. Das Moscow Jazz Orchestra gab ein gemeinsames Konzert mit dem Lincoln Center Jazz Orchestra unter der Leitung der Legende.

2013 bezeichnete das amerikanische Magazin Downbeat das Orchester als „Konstellation von Virtuosen“, und in einem Bericht vom Umbria Jazz Festival wurde die Band mit dem Orchester von Buddy Rich, Count Basie und der Band verglichen.

Im selben Jahr erschien das Album Special Opinion des Moscow Jazz Orchestra. Auf der Aufnahme waren der Saxophonist Bill Evans, der Schlagzeuger Dave Weckl, die Gitarristen Mike Stern und Mitch Stein, der Trompeter Randy Brekker und der Bassist Tom Kennedy zu hören.

2017 trat das Moscow Jazz Orchestra zusammen mit einem Sänger beim ersten Jazzforum-Fest in St. Petersburg auf.

In der Folge führten Ragtime-Rhythmen kombiniert mit Blues-Elementen zu einer neuen musikalischen Richtung – dem Jazz.

Die Ursprünge des Jazz sind mit dem Blues verbunden. Es entstand Ende des 19. Jahrhunderts als Verschmelzung afrikanischer Rhythmen und europäischer Harmonik, aber seine Ursprünge sollten in dem Moment gesucht werden, in dem Sklaven aus Afrika in das Gebiet der Neuen Welt gebracht wurden. Die mitgebrachten Sklaven stammten nicht aus demselben Clan und verstanden sich meist nicht einmal. Die Notwendigkeit der Konsolidierung führte zur Vereinigung vieler Kulturen und in der Folge zur Schaffung einer einzigen Kultur (einschließlich Musik) der Afroamerikaner. Die Prozesse der Vermischung von afrikanischer und europäischer Musikkultur (die auch in der Neuen Welt gravierende Veränderungen erfuhren) fanden ab dem 18. Jahrhundert statt und führten im 19. Jahrhundert zur Entstehung des "Proto-Jazz" und dann des Jazz im Allgemeinen akzeptierter Sinn.

New-Orleans-Jazz

Der Begriff New Orleans oder traditioneller Jazz wird allgemein verwendet, um sich auf den Stil von Musikern zu beziehen, die zwischen 1900 und 1917 in New Orleans Jazz spielten, sowie auf Musiker aus New Orleans, die in Chicago spielten und von etwa 1917 bis in die 1920er Jahre Schallplatten aufzeichneten. . Diese Periode der Jazzgeschichte wird auch als Jazz Age bezeichnet. Und dieses Konzept wird auch verwendet, um Musik zu beschreiben, die in verschiedenen gespielt wird historische Epochen Vertreter des New-Orleans-Revivals, die danach strebten, Jazz im gleichen Stil wie die Musiker der New-Orleans-Schule aufzuführen.

Die Entwicklung des Jazz in den USA im ersten Viertel des 20. Jahrhunderts

Nach der Schließung von Storyville beginnt sich der Jazz von einem regionalen Folk-Genre zu einem landesweiten zu entwickeln. Musikrichtung, erstreckt sich auf die nördlichen und nordöstlichen Provinzen der Vereinigten Staaten. Aber seine weite Verbreitung konnte natürlich nicht nur durch die Schließung eines Unterhaltungsviertels erleichtert werden. Zusammen mit New Orleans in der Entwicklung des Jazz sehr wichtig St. Louis, Kansas City und Memphis spielten von Anfang an. Ragtime wurde im 19. Jahrhundert in Memphis geboren und verbreitete sich von dort in der Zeit bis 1903 auf dem gesamten nordamerikanischen Kontinent. Auf der anderen Seite verbreiteten sich Minstrel-Auftritte mit ihrem bunten Mosaik afroamerikanischer Folklore aller Art, von Jig bis Ragtime, schnell überall und bereiteten die Bühne für das Aufkommen des Jazz. Viele zukünftige Jazzstars begannen ihre Reise in der Minstrel-Show. Lange bevor Storyville geschlossen wurde, tourten Musiker aus New Orleans mit sogenannten „Vaudeville“-Truppen. Jelly Roll Morton tourte ab 1904 regelmäßig durch Alabama, Florida, Texas. Ab 1914 hatte er einen Vertrag, um in Chicago aufzutreten. 1915 wechselte er nach Chicago und zu Tom Browns White Dixieland Orchestra. Große Vaudeville-Tourneen in Chicago wurden auch von der berühmten Creole Band unter der Leitung des Cornettisten Freddie Keppard aus New Orleans unternommen. Einstmals von der Olympia Band getrennt, traten die Künstler von Freddie Keppard bereits 1914 erfolgreich im besten Theater Chicagos auf und erhielten noch vor der Original Dixieland Jazz Band, die jedoch Freddie Keppard war, das Angebot, eine Tonaufnahme ihrer Auftritte zu machen kurzsichtig abgelehnt.

Bedeutend erweiterte das Territorium, das durch den Einfluss des Jazz abgedeckt wurde, Orchester, die auf Vergnügungsdampfern spielten, die den Mississippi hinaufsegelten. Seit Ende des 19. Jahrhunderts sind Flussfahrten von New Orleans nach St. Paul beliebt, zuerst für das Wochenende, später für die ganze Woche. Seit 1900 treten Orchester aus New Orleans auf diesen Flussschiffen auf, deren Musik zur attraktivsten Unterhaltung für Passagiere bei Flussfahrten geworden ist. In einem dieser Orchester begann Suger Johnny, Louis Armstrongs spätere Frau, die erste Jazzpianistin Lil Hardin.

Viele zukünftige Jazzstars aus New Orleans traten im Riverboat-Orchester eines anderen Pianisten, Faiths Marable, auf. Dampfschiffe, die den Fluss entlang fuhren, hielten oft an vorbeifahrenden Bahnhöfen, wo Orchester Konzerte für die lokale Öffentlichkeit veranstalteten. Es waren diese Konzerte, die zu kreativen Debüts für Bix Beiderbeck, Jess Stacy und viele andere wurden. Eine andere berühmte Route verlief entlang des Missouri nach Kansas City. In dieser Stadt, in der sich dank der starken Wurzeln der afroamerikanischen Folklore der Blues entwickelte und schließlich Gestalt annahm, fand das virtuose Spiel der New-Orleans-Jazzer ein außerordentlich fruchtbares Umfeld. Chicago wurde Anfang der 1990er Jahre zum Hauptzentrum für die Entwicklung der Jazzmusik, in der durch die Bemühungen vieler Musiker aus verschiedenen Teilen der Vereinigten Staaten ein Stil geschaffen wurde, der den Spitznamen Chicago Jazz erhielt.

Schwingen

Der Begriff hat zwei Bedeutungen. Erstens dies Ausdrucksmittel im Jazz. Eine charakteristische Pulsationsart, die auf ständigen Abweichungen des Rhythmus von den Referenzanteilen beruht. Dadurch entsteht der Eindruck einer großen inneren Energie in einem instabilen Gleichgewichtszustand. Zweitens der Stil des orchestralen Jazz, der sich um die Wende der 1920er und 1930er Jahre als Ergebnis der Synthese von negro- und europäischen Stilformen der Jazzmusik herausbildete.

Künstler: Joe Pass, Frank Sinatra, Benny Goodman, Norah Jones, Michel Legrand, Oscar Peterson, Ike Quebec, Paulinho Da Costa, Wynton Marsalis Septett, Mills Brothers, Stephane Grappelli.

Bop

Jazzstil, der sich Anfang bis Mitte der 40er Jahre des 20. Jahrhunderts entwickelte und die Ära des modernen Jazz eröffnete. Es zeichnet sich durch ein schnelles Tempo und komplexe Improvisationen aus, die eher auf Harmonien als auf Melodien basieren. Das superschnelle Aufführungstempo wurde von Parker und Gillespie eingeführt, um Laien von ihren neuen Improvisationen fernzuhalten. Unter anderem ist das Markenzeichen aller Beboper ein schockierendes Auftreten und Aussehen geworden: die gebogene Pfeife "Dizzy" Gillespie, das Verhalten von Parker und Gillespie, die lächerlichen Hüte von Monk usw. Entstanden als Reaktion auf die Allgegenwart des Swing entwickelte der Bebop seine Prinzipien in der Verwendung von Ausdrucksmitteln weiter, fand aber gleichzeitig eine Reihe von gegensätzlichen Tendenzen.

Im Gegensatz zu Swing, der meist die Musik großer kommerzieller Tanzbands ist, ist Bebop eine experimentelle kreative Richtung im Jazz, die hauptsächlich mit der Praxis kleiner Ensembles (Combos) verbunden ist und in ihrer Richtung antikommerziell ist. Die Bebop-Phase war eine bedeutende Verschiebung des Schwerpunkts im Jazz von populärer Tanzmusik zu hochkünstlerischer, intellektueller, aber weniger mainstreamiger "Musik für Musiker". Bop-Musiker bevorzugten komplexe Improvisationen, die auf Akkordschlägen statt auf Melodien basierten.

Die Hauptgründer der Geburt waren: Saxophonist Charlie Parker, Trompeter Dizzy Gillespie, Pianisten Bud Powell und Thelonious Monk, Schlagzeuger Max Roach. Hören Sie auch Chick Corea, Michel Legrand, Joshua Redman Elastic Band, Jan Garbarek, Charles Mingus, Modern Jazz Quartet.

Große Bands

Die klassische, etablierte Form der Big Band ist im Jazz seit den frühen 1990er Jahren bekannt. Diese Form behielt ihre Relevanz bis Ende der 1990er Jahre. Die Musiker, die in der Regel fast als Teenager in die meisten Big Bands eintraten, spielten ganz bestimmte Rollen, die sie entweder in Proben oder aus Noten gelernt hatten. Sorgfältige Orchestrierungen zusammen mit massiven Bläser- und Holzbläsersätzen erzeugten reichhaltige Jazzharmonien und erzeugten den sensationell lauten Sound, der als "The Big Band Sound" bekannt wurde.

Die Big Band wurde zur populären Musik ihrer Zeit und erreichte Mitte der 20er Jahre ihren Höhepunkt. Diese Musik wurde zur Quelle des Swingtanzwahns. Die Leiter der berühmten Jazzorchester Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnet komponierten oder arrangierten und nahmen eine wahre Hitparade von Melodien auf, die nicht nur klangen im Radio, aber auch überall in Tanzlokalen. Viele Big Bands zeigten ihre Solo-Improvisationen, die das Publikum bei hochgehypten „Battles of the Orchestras“ in einen Zustand nahe der Hysterie brachten.

Obwohl Big Bands nach dem Zweiten Weltkrieg an Popularität verloren, tourten und nahmen Orchester unter der Leitung von Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James und vielen anderen in den nächsten Jahrzehnten häufig auf. Ihre Musik veränderte sich allmählich unter dem Einfluss neuer Trends. Gruppen wie Ensembles unter der Leitung von Boyd Ryburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus und Thad Jones-Mal Lewis erforschten neue Konzepte in Harmonie, Instrumentierung und Improvisationsfreiheit. Heute sind Big Bands der Standard in der Jazzausbildung. Repertoireorchester wie das Lincoln Center Jazz Orchestra, das Carnegie Hall Jazz Orchestra, das Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra und das Chicago Jazz Ensemble spielen regelmäßig Originalarrangements von Big-Band-Kompositionen.

Im Jahr 2008 wurde George Simons kanonisches Buch Big Orchestras of the Swing Age in russischer Sprache veröffentlicht, die im Wesentlichen fast ist vollständige Enzyklopädie alle großen Bands des goldenen Zeitalters von den frühen 20er bis zu den 60er Jahren des 20. Jahrhunderts.

Mainstream

Pianist Duke Ellington

Nach dem Ende der Mainstream-Mode der Bigbands in der Bigband-Ära, als die Musik der Bigbands von kleinen Jazz-Ensembles auf die Bühne gedrängt wurde, erklang weiterhin Swing-Musik. Viele berühmte Swing-Solisten spielten, nachdem sie in den Ballsälen gespielt hatten, gerne zum Spaß bei spontanen Jams in kleinen Clubs in der 52. Straße in New York. Darüber hinaus waren dies nicht nur diejenigen, die als "Sidemen" in arbeiteten große Orchester, wie Ben Webster, Coleman Hawkins, Lester Young, Roy Eldridge, Johnny Hodges, Buck Clayton und andere. Die Anführer der Big Bands selbst – Duke Ellington, Count Basie, Benny Goodman, Jack Teagarden, Harry James, Gene Krupa, die zunächst Solisten und nicht nur Dirigenten waren, suchten auch nach Möglichkeiten, getrennt von ihrem großen Team in einem kleinen zu spielen Komposition. Diese Musiker akzeptierten die innovativen Techniken des aufkommenden Bebop nicht und hielten an der traditionellen Swing-Manier fest, während sie bei der Aufführung von Improvisationsparts unerschöpfliche Vorstellungskraft unter Beweis stellten. Die Hauptstars des Swing traten ständig auf und nahmen kleine Kompositionen auf, die "Combos" genannt wurden, in denen viel mehr Raum für Improvisation war. Der Stil dieser Richtung des Club-Jazz der späten 1920er Jahre erhielt mit dem Beginn des Aufstiegs des Bebop den Namen Mainstream oder Hauptströmung. Einige der besten Interpreten dieser Ära waren in bester Form bei Jams zu hören, als die Akkordimprovisation bereits Vorrang vor der melodischen Färbung der Swing-Ära hatte. Als Freestyle-Stil in den späten 's und 's wieder auftauchte, absorbierte der Mainstream Elemente von Cool Jazz, Bebop und Hard Bop. Der Begriff „zeitgenössischer Mainstream“ oder Post-Bop wird heute für fast alle Stilrichtungen verwendet, die keine enge Verbindung zu historischen Stilrichtungen der Jazzmusik haben.

Nordost-Jazz. Schreiten

Louis Armstrong, Trompeter und Sänger

Obwohl die Geschichte des Jazz mit Beginn des 20. Jahrhunderts in New Orleans begann, erlebte diese Musik Anfang der 1990er Jahre einen wahren Aufschwung, als der Trompeter Louis Armstrong New Orleans verließ, um in Chicago neue revolutionäre Musik zu schaffen. Die kurz darauf einsetzende Migration von Jazzmeistern aus New Orleans nach New York markierte einen Trend der kontinuierlichen Bewegung von Jazzmusikern vom Süden in den Norden. Chicago nahm die Musik von New Orleans an und machte sie heiß, indem es nicht nur durch die Bemühungen von Armstrongs berühmten Hot Five- und Hot Seven-Ensembles, sondern auch durch andere, wie Eddie Condon und Jimmy McPartland, deren Austin High School-Crew zur Wiederbelebung beitrug, ihre Hitze steigerte New-Orleans-Schule. Unter anderen berühmten Chicagoern, die den Horizont der Klassik erweiterten Jazz-Stil New Orleans, gehören der Pianist Art Hodes, der Schlagzeuger Barrett Deems und der Klarinettist Benny Goodman. Armstrong und Goodman, die schließlich nach New York zogen, schufen dort eine Art kritische Masse, die dieser Stadt half, sich zu einer echten Welthauptstadt des Jazz zu entwickeln. Und während Chicago im ersten Viertel des 20. Jahrhunderts in erster Linie das Zentrum der Tonaufnahme blieb, entwickelte sich New York auch zum führenden Jazz-Veranstaltungsort und beherbergte so legendäre Clubs wie das Minton Playhouse, den Cotton Club, das Savoy und das Village Vengeward und so weiter Arenen wie der Carnegie Hall.

Kansas-City-Stil

Während der Ära der Weltwirtschaftskrise und der Prohibition wurde die Jazzszene von Kansas City zu einer Art Mekka für die neumodischen Klänge der späten 's und 's. Der Stil, der in Kansas City aufblühte, zeichnet sich durch gefühlvolle Blues-Stücke aus, die sowohl von großen Bands als auch von kleinen Swing-Ensembles aufgeführt werden und sehr energische Soli demonstrieren, die für die Gäste von Tavernen mit illegal verkauften Spirituosen aufgeführt werden. In diesen Pubs kristallisierte sich der Stil des großen Count Basie heraus, angefangen in Kansas City mit dem Orchester von Walter Page und später mit Benny Moten. Beide Orchester waren typische Vertreter Kansas-City-Stil, der auf einer eigentümlichen Form des Blues basierte, die als „Urban Blues“ bezeichnet wurde und sich im Spiel der oben genannten Orchester formte. Die Jazzszene von Kansas City zeichnete sich auch durch eine ganze Galaxie herausragender Meister des vokalen Blues aus, die als „König“ anerkannt wurden, unter denen der langjährige Solist des Count Basie Orchestra, der berühmte Bluessänger Jimmy Rushing, war. Der berühmte Altsaxophonist Charlie Parker, der in Kansas City geboren wurde, setzte bei seiner Ankunft in New York die charakteristischen Bluestechniken, die er in den Orchestern von Kansas City erlernt hatte, in großem Umfang ein und bildete später einen der Ausgangspunkte für die Experimente von Boppern in - e.

Westcoast-Jazz

Künstler, die in den 50er Jahren von der Cool-Jazz-Bewegung erfasst wurden, arbeiteten ausgiebig in den Aufnahmestudios von Los Angeles. Diese in Los Angeles ansässigen Künstler, die stark von Nonett Miles Davis beeinflusst wurden, entwickelten das, was heute als "West Coast Jazz" bekannt ist Jazz an der Westküste. Als Aufnahmestudios präsentierten Clubs wie The Lighthouse am Hermosa Beach und The Haig in Los Angeles oft seine Top-Künstler, darunter den Trompeter Shorty Rogers, die Saxophonisten Art Pepper und Bud Shenk, den Schlagzeuger Shelley Mann und den Klarinettisten Jimmy Giuffrey. .

Cool (cooler Jazz)

Die hohe Hitze und der Druck des Bebop begannen mit der Entwicklung des Cool Jazz nachzulassen. Beginnend in den späten 1900er und frühen 1900er Jahren begannen Musiker, eine weniger gewalttätige, sanftere Herangehensweise an die Improvisation zu entwickeln, die dem leichten, trockenen Spiel des Tenorsaxophonisten Lester Young in seiner Swing-Periode nachempfunden war. Das Ergebnis ist ein losgelöster und einheitlich flacher Sound, der auf emotionaler „Coolness“ basiert. Der Trompeter Miles Davis, einer der ersten Bebop-Spieler, der sich beruhigte, wurde zum größten Innovator des Genres. Sein Nonett, das in den 1950er Jahren das Album „Birth of the Cool“ einspielte, war der Inbegriff der Lyrik und Zurückhaltung des Cool Jazz. Andere bemerkenswerte Musiker der Cool-Jazz-Schule sind der Trompeter Chet Baker, die Pianisten George Shearing, John Lewis, Dave Brubeck und Lenny Tristano, der Vibraphonist Milt Jackson und die Saxophonisten Stan Getz, Lee Konitz, Zoot Sims und Paul Desmond. Arrangeure leisteten auch bedeutende Beiträge zur Cool-Jazz-Bewegung, insbesondere Thad Dameron, Claude Thornhill, Bill Evans und der Baritonsaxophonist Gerry Mulligan. Ihre Kompositionen konzentrierten sich auf instrumentale Farbigkeit und Langsamkeit der Bewegung, auf eine eingefrorene Harmonie, die die Illusion von Raum erzeugte. Auch Dissonanz spielte in ihrer Musik eine Rolle, allerdings mit einem weicheren, gedämpften Charakter. Das Cool-Jazz-Format ließ Raum für etwas größere Ensembles wie Nonette und Tentette, die in dieser Zeit häufiger wurden als in der frühen Bebop-Zeit. Einige Arrangeure experimentierten mit modifizierter Instrumentierung, einschließlich kegelförmiger Blechblasinstrumente wie Horn und Tuba.

Progressiver Jazz

Parallel zum Aufkommen des Bebop entwickelt sich im Jazzumfeld ein neues Genre – Progressive Jazz oder einfach Progressive. Der Hauptunterschied dieses Genres ist der Wunsch, sich vom eingefrorenen Klischee der Big Bands und veralteten, abgenutzten Techniken des sogenannten zu entfernen. Symphojazz, eingeführt in -e von Paul Whiteman. Im Gegensatz zu den Boppern wollten die Macher des Progressive die damals entstandenen Jazztraditionen nicht radikal aufgeben. Vielmehr versuchten sie, Swing-Phrase-Modelle zu aktualisieren und zu verbessern, indem sie die neuesten Errungenschaften des europäischen Symphonismus auf dem Gebiet der Tonalität und Harmonie in die Kompositionspraxis einführten.

Den größten Beitrag zur Entwicklung des Begriffs „progressiv“ leistete der Pianist und Dirigent Stan Kenton. Der Progressive Jazz der frühen 1990er Jahre geht eigentlich auf seine ersten Werke zurück. Die Musik seines ersten Orchesters stand klanglich Rachmaninow nahe, die Kompositionen trugen Züge der Spätromantik. Vom Genre her war es jedoch dem Symphojazz am nächsten. Später, in den Entstehungsjahren der berühmten Reihe seiner Alben „Artistry“, spielten Elemente des Jazz nicht mehr die farbgebende Rolle, sondern waren bereits organisch in das musikalische Material eingewoben. Neben Kenton gebührt die Anerkennung dafür seinem besten Arrangeur Pete Rugolo, einem Schüler von Darius Milhaud. Moderner (für damalige Zeiten) symphonischer Sound, spezifische Staccato-Technik beim Saxophonspiel, kühne Harmonien, häufige Sekunden und Blöcke, zusammen mit Polytonalität und jazziger rhythmischer Pulsation - das ist Unterscheidungsmerkmale diese Musik, mit der Stan Kenton als einer seiner Erneuerer über viele Jahre Jazzgeschichte einging, der eine gemeinsame Plattform für die europäische Symphoniekultur und Bebop-Elemente fand, die sich besonders in Stücken bemerkbar machte, in denen Solo-Instrumentalisten den Klängen der anderen entgegenzutreten schienen Orchester. Es sei auch darauf hingewiesen, dass Kenton in seinen Kompositionen den Improvisationsparts von Solisten große Aufmerksamkeit schenkte, darunter die weltberühmte Schlagzeugerin Shelley Maine, der Kontrabassist Ed Safransky, der Posaunist Kay Winding und June Christie, einer der besten Jazzsänger jener Jahre . Stan Kenton ist dem gewählten Genre während seiner gesamten Karriere treu geblieben.

Neben Stan Kenton trugen auch die interessanten Arrangeure und Instrumentalisten Boyd Ryburn und Gil Evans zur Entwicklung des Genres bei. Als eine Art Apotheose fortschreitender Entwicklung kann man neben der bereits erwähnten „Artistry“-Reihe auch eine Reihe von Alben betrachten, die die Gil Evans Big Band zusammen mit dem Miles Davis-Ensemble in den – s aufgenommen hat, zum Beispiel „Miles Ahead “, „Porgy and Bess“ und „Spanische Zeichnungen“. Kurz vor seinem Tod wandte sich Miles Davis wieder dem Genre zu und nahm mit der Quincy Jones Big Band alte Gil-Evans-Arrangements auf.

harter Bop

Hardbop (englisch - hard, hard bop) ist eine Art Jazz, die in den 50er Jahren entstand. 20. Jahrhundert von bop. Unterscheidet sich in ausdrucksstarker, grausamer Rhythmik, Vertrauen in den Blues. Bezieht sich auf die Stile des modernen Jazz. Etwa zur gleichen Zeit, als der Cool Jazz an der Westküste Fuß fasste, begannen Jazzmusiker aus Detroit, Philadelphia und New York, härtere, heftigere Variationen der alten Bebop-Formel zu entwickeln, die als Hardbop oder Hardbebop bezeichnet wurden. Der Hardbop der 1950er und 1960er Jahre, der in seiner Aggressivität und seinen technischen Anforderungen dem traditionellen Bebop sehr ähnlich war, stützte sich weniger auf Standard-Songformen und begann, mehr Wert auf Blues-Elemente und rhythmischen Antrieb zu legen. Brandstiftendes Solospiel oder Beherrschung der Improvisation zusammen mit starkes Gefühl Harmonien waren Eigenschaften, die für Blechbläser von größter Bedeutung waren, in der Rhythmusgruppe wurde die Beteiligung von Schlagzeug und Klavier deutlicher und der Bass erhielt ein flüssigeres, funky Gefühl (aus der Quelle „Musikalische Literatur“ Kolomiets Maria)

Modaler (modaler) Jazz

Soul-Jazz

Rille

Der Groove-Stil, ein Ableger des Soul-Jazz, zeichnet Melodien mit bluesigen Noten und zeichnet sich durch einen außergewöhnlichen rhythmischen Fokus aus. Manchmal auch "Funk" genannt, konzentriert sich der Groove darauf, ein kontinuierliches charakteristisches rhythmisches Muster beizubehalten und es mit leichten instrumentalen und manchmal lyrischen Verzierungen zu würzen.

Die im Groove-Stil vorgetragenen Stücke sind voller freudiger Emotionen und laden die Zuhörer zum Tanzen ein, sowohl in einer langsamen, bluesigen Version als auch in einem schnellen Tempo. Soloimprovisationen behalten die strikte Unterordnung unter den Takt und den kollektiven Klang. Die berühmtesten Vertreter dieses Stils sind die Organisten Richard „Groove“ Holmes und Shirley Scott, der Tenorsaxophonist Jean Emmons und der Flötist/Altsaxophonist Leo Wright.

freier Jazz

Saxophonist Ornette Coleman

Die vielleicht umstrittenste Bewegung in der Geschichte des Jazz entstand mit dem Aufkommen des Free Jazz oder des „New Thing“, wie es später genannt wurde. Obwohl Elemente des Free Jazz in der musikalischen Struktur des Jazz existierten, lange bevor der Begriff selbst geprägt wurde, waren die originellsten in den „Experimenten“ von Innovatoren wie Coleman Hawkins, Pee Wee Russell und Lenny Tristano, aber erst gegen Ende der 1990er Jahre Durch die Bemühungen von Pionieren wie dem Saxophonisten Ornette Coleman und dem Pianisten Cecil Taylor nahm diese Richtung als eigenständiger Stil Gestalt an.

Was diese beiden Musiker zusammen mit anderen, darunter John Coltrane, Albert Ayler und Gemeinschaften wie dem Sun Ra Arkestra und der Gruppe namens The Revolutionary Ensemble, taten, war eine Vielzahl struktureller Veränderungen und ein Gefühl für die Musik. Zu den Neuerungen, die mit Fantasie und großer Musikalität eingeführt wurden, gehörte der Verzicht auf die Akkordfolge, die es der Musik ermöglichte, sich in alle Richtungen zu bewegen. Eine weitere grundlegende Veränderung fand sich im Bereich Rhythmus, wo „Swing“ entweder neu definiert oder ganz ignoriert wurde. Mit anderen Worten: Pulsation, Metrum und Groove waren nicht länger ein wesentliches Element dieser Interpretation des Jazz. Eine weitere Schlüsselkomponente wurde mit Atonalität in Verbindung gebracht. Nun baute der musikalische Spruch nicht mehr auf dem üblichen Tonsystem auf. Schrille, bellende, krampfhafte Töne erfüllten diese neue Klangwelt vollständig.

Free Jazz existiert auch heute noch als praktikable Ausdrucksform und ist tatsächlich kein so umstrittener Stil mehr wie zu Beginn seiner Entstehung.

kreativ

Das Erscheinen der Richtung „Kreativ“ war geprägt vom Eindringen von Elementen des Experimentalismus und der Avantgarde in den Jazz. Der Beginn dieses Prozesses fiel teilweise mit dem Aufstieg des Free Jazz zusammen. Die Elemente des Avantgarde-Jazz, verstanden als Veränderungen und Neuerungen in der Musik, waren schon immer „experimentell“. So stellten die neuen Formen des Experimentalismus, die der Jazz in den 50er, 60er und 70er Jahren bot, die radikalste Abkehr von der Tradition dar, indem sie neue Elemente von Rhythmus, Tonalität und Struktur in die Praxis einführten.Avantgarde-Musik wurde tatsächlich zum Synonym für Avantgarde-Musik offene Formulare, die schwerer zu charakterisieren waren als sogar Free Jazz. Die vorgeplante Spruchstruktur wurde mit freieren Solophrasen vermischt, die teilweise an Free Jazz erinnern. Die kompositorischen Elemente verschmolzen so sehr mit der Improvisation, dass es schon schwer war zu bestimmen, wo das erste endete und das zweite begann. Tatsächlich war die musikalische Struktur der Stücke so konzipiert, dass das Solo das Produkt des Arrangements war, was den musikalischen Prozess logischerweise in eine Form der Abstraktion oder sogar des Chaos führte. Swing-Rhythmen und sogar Melodien könnten in die Titelmusik aufgenommen werden, aber das war überhaupt nicht nötig. Zu den frühen Pionieren dieser Bewegung gehören der Pianist Lenny Tristano, der Saxophonist Jimmy Joffrey und der Komponist/Arrangeur/Dirigent Günter Schuller. Neuere Meister sind die Pianisten Paul Blay und Andrew Hill, die Saxophonisten Anthony Braxton und Sam Rivers, die Schlagzeuger Sunny Murray und Andrew Cyrill sowie Mitglieder der AACM-Community (Association for the Advancement of Creative Musicians) wie das Art Ensemble of Chicago.

Verschmelzung

Ausgehend nicht nur von der Verschmelzung von Jazz mit Pop- und Rockmusik, sondern auch mit Musik aus Bereichen wie Soul, Funk und Rhythm and Blues, Fusion (oder wörtlich Fusion), wie z Musik Genre, erschien in den späten 's, zunächst unter dem Namen Jazz-Rock. Einzelpersonen und Bands wie Eleventh House des Gitarristen Larry Coryell, Lifetime des Schlagzeugers Tony Williams und Miles Davis sind diesem Trend an vorderster Front gefolgt und haben Elemente wie Electronica, Rockrhythmen und erweiterte Tracks eingeführt und vieles von dem, wofür Jazz seither steht, zunichte gemacht seinen Ursprung, nämlich den Swing-Beat, und basierte hauptsächlich auf Blues-Musik, deren Repertoire sowohl Blues-Material als auch populäre Standards umfasste. Der Begriff Fusion wurde kurz nach der Entstehung verschiedener Orchester verwendet, darunter das Mahavishnu Orchestra, Weather Report und das Return To Forever Ensemble von Chick Corea. In der gesamten Musik dieser Ensembles lag ein ständiger Schwerpunkt auf Improvisation und Melodie, was ihre Praxis fest mit der Geschichte des Jazz verband, trotz Kritikern, die behaupteten, sie seien an Musikhändler "ausverkauft". Wenn man sich diese frühen Experimente heute anhört, wirken sie tatsächlich kaum kommerziell und bieten dem Hörer die Möglichkeit, sich an der Musik mit einem hochentwickelten Konversationscharakter zu beteiligen. Mitte der 20er Jahre entwickelte sich Fusion zu einer Variante von Easy Listening und/oder Rhythm and Blues Music. Kompositorisch oder performativ hat er einen erheblichen Teil seiner Schärfe eingebüßt, wenn nicht sogar ganz verloren. In -e verwandelten Jazzmusiker die musikalische Form der Fusion in ein wahrhaft ausdrucksstarkes Medium. Künstler wie der Schlagzeuger Ronald Shannon Jackson, die Gitarristen Pat Metheny, John Scofield, John Abercrombie und James „Blood“ Ulmer sowie der erfahrene Saxophonist/Trompeter Ornette Coleman haben diese Musik in verschiedenen Dimensionen kreativ gemeistert.

Postbop

Schlagzeuger Art Blakey

Die Post-Bop-Periode umfasst Musik, die von Jazzmusikern gespielt wird, die weiterhin im Bebop-Bereich arbeiteten und die Free-Jazz-Experimente vermieden, die sich in der gleichen Zeit der 1960er Jahre entwickelten. Auch diese Form basierte wie der zuvor erwähnte Hardbop auf den Rhythmen, der Ensemblestruktur und der Energie des Bebop, auf denselben Blechbläserkombinationen und auf demselben musikalischen Repertoire, einschließlich der Verwendung lateinamerikanischer Elemente. Was die Post-Bop-Musik auszeichnete, war die Verwendung von Funk-, Groove- oder Soul-Elementen, die im Geiste der neuen Zeit, die von der Dominanz der Popmusik geprägt war, umgeformt wurden.Oft experimentierte diese Unterart mit Bluesrock. Meister wie der Saxophonist Hank Mobley, der Pianist Horace Silver, der Schlagzeuger Art Blakey und der Trompeter Lee Morgan begannen diese Musik tatsächlich Mitte der 1900er Jahre und kündigten an, was heute zur vorherrschenden Form des Jazz geworden ist. Neben einfacheren Melodien und herzlicheren Beats konnte der Zuhörer auch Spuren von Gospel und Rhythm and Blues gemischt hören. Dieser Stil, der in den Jahren einige Änderungen erfuhr, wurde gewissermaßen zur Schaffung neuer Strukturen als kompositorisches Element verwendet. Der Saxophonist Joe Henderson, der Pianist McCoy Tyner und sogar ein so prominenter Bopper wie Dizzy Gillespie schufen Musik in diesem Genre, die sowohl menschlich als auch harmonisch interessant war. Einer der bedeutendsten Komponisten dieser Zeit war der Saxophonist Wayne Shorter. Shorter, der die Schule im Art Blakey Ensemble durchlaufen hatte, nahm eine Reihe starker Alben unter seinem eigenen Namen auf. Zusammen mit dem Keyboarder Herbie Hancock half Shorter Miles Davis, ein Quintett zu gründen (die experimentellste und einflussreichste Post-Bop-Gruppe war das Davis Quintet mit John Coltrane), das zu einer der bedeutendsten Gruppen der Jazzgeschichte wurde.

Acid-Jazz

Jazz manusch

Die Ausbreitung des Jazz

Jazz hat schon immer das Interesse von Musikern und Zuhörern auf der ganzen Welt geweckt, unabhängig von ihrer Nationalität. Genug zum Verfolgen frühe Arbeit Trompeter Dizzy Gillespie und seine Synthese von Jazztraditionen mit der Musik schwarzer Kubaner in -e oder später Kombination von Jazz mit japanischer, eurasischer und nahöstlicher Musik, bekannt in den Werken des Pianisten Dave Brubeck, sowie in dem brillanten Komponisten und Leader der Jazzband Duke Ellington, die das musikalische Erbe Afrikas, Lateinamerikas und des Fernen Ostens vereint. Jazz nahm ständig auf und nicht nur westliche Musiktraditionen. Zum Beispiel, als verschiedene Künstler versuchten, mit den musikalischen Elementen Indiens zu arbeiten. Ein Beispiel für diese Bemühungen sind die Aufnahmen des Flötisten Paul Horn im Taj Mahal oder der Strom der "Weltmusik", der beispielsweise von der Oregon-Band oder dem Shakti-Projekt von John McLaughlin vertreten wird. McLaughlins Musik, die früher weitgehend auf Jazz basierte, begann, neue Instrumente indischer Herkunft zu verwenden, wie Khatam oder Tabla, während seiner Arbeit mit Shakti, komplizierten Rhythmen erklangen und die Form des indischen Raga weit verbreitet war. Das Art Ensemble of Chicago war ein früher Pionier in der Verschmelzung von afrikanischen und Jazzformen. Später lernte die Welt den Saxophonisten/Komponisten John Zorn und seine Auseinandersetzung mit der jüdischen Musikkultur kennen, sowohl innerhalb als auch außerhalb des Masada Orchestra. Diese Werke haben ganze Gruppen anderer Jazzmusiker inspiriert, wie den Keyboarder John Medeski, der mit dem afrikanischen Musiker Salif Keita, den Gitarristen Marc Ribot und den Bassisten Anthony Coleman aufgenommen hat. Der Trompeter Dave Douglas lässt seine Musik vom Balkan inspirieren, während das Asian-American Jazz Orchestra zu einem führenden Befürworter der Konvergenz von Jazz und asiatischen Musikformen geworden ist. Während die Globalisierung der Welt fortschreitet, wird der Jazz ständig von anderen Musiktraditionen beeinflusst, was ausgereifte Nahrung für zukünftige Forschung liefert und beweist, dass Jazz wirklich Weltmusik ist.

Jazz in der UdSSR und Russland

Zuerst in der RSFSR
Exzentrisches Orchester
Jazzband Valentina Parnakh

Im Massenbewusstsein gewann der Jazz in den 30er Jahren große Popularität, vor allem dank des Leningrader Ensembles unter der Leitung des Schauspielers und Sängers Leonid Utyosov und des Trompeters Ya. B. Skomorovsky. Die beliebte Filmkomödie mit seiner Beteiligung „Merry Fellows“ (1934, ursprünglich „Jazz Comedy“ betitelt) war der Geschichte eines Jazzmusikers gewidmet und hatte einen passenden Soundtrack (geschrieben von Isaak Dunaevsky). Utyosov und Skomorovsky formten den ursprünglichen Stil des "Tea-Jazz" (theatralischer Jazz), basierend auf einer Mischung von Musik mit Theater, Operette, Gesangsnummern und einem Element der Performance, das darin eine große Rolle spielte.

Einen bemerkenswerten Beitrag zur Entwicklung des sowjetischen Jazz leistete Eddie Rosner, ein Komponist, Musiker und Orchesterleiter. Nachdem er seine Karriere in Deutschland, Polen und anderen europäischen Ländern begonnen hatte, zog Rozner in die UdSSR und wurde einer der Pioniere des Swing in der UdSSR und der Initiator des belarussischen Jazz. Eine wichtige Rolle bei der Popularisierung und Entwicklung des Swing-Stils spielten auch Moskauer Bands der 30er und 40er Jahre, angeführt von Alexander Tsfasman und Alexander Varlamov. Das Jazzorchester des All-Union Radio unter der Leitung von A. Varlamov nahm an der ersten sowjetischen Fernsehshow teil. Die einzige erhaltene Komposition aus dieser Zeit war das Orchester von Oleg Lundstrem. Diese heute weithin bekannte Bigband gehörte zu den wenigen und besten Jazzensembles der russischen Diaspora und trat von 1935 bis 1947 auf. in China.

Die Haltung der sowjetischen Behörden zum Jazz war zweideutig: Inländische Jazzkünstler wurden in der Regel nicht verboten, aber scharfe Kritik am Jazz als solchem ​​war im Zusammenhang mit der Opposition weit verbreitet westliche Kultur im Allgemeinen . In den späten 1940er Jahren, während des Kampfes gegen den Kosmopolitismus, erlebte der Jazz in der UdSSR eine besonders schwierige Zeit, als Gruppen, die "westliche" Musik aufführten, verfolgt wurden. Mit dem einsetzenden „Tauwetter“ wurde die Verfolgung der Musiker beendet, die Kritik aber ging weiter.

Nach Recherchen der Professorin für Geschichte und amerikanische Kultur Penny Van Eschen versuchte das US-Außenministerium, Jazz als ideologische Waffe gegen die UdSSR und gegen die Ausweitung des sowjetischen Einflusses in der Dritten Welt einzusetzen.

Das erste Buch über Jazz in der UdSSR wurde 1926 im Leningrader Verlag Academia veröffentlicht. Es wurde vom Musikwissenschaftler Semyon Ginzburg aus Übersetzungen von Artikeln westlicher Komponisten und Musikkritiker sowie seinen eigenen Materialien zusammengestellt und hieß „ Jazzband und zeitgenössische Musik» .
Das nächste Buch über Jazz wurde in der UdSSR erst Anfang der 1960er Jahre veröffentlicht. Es wurde von Valery Mysovsky und Vladimir Feyertag geschrieben, genannt " Jazz“ und war im Wesentlichen eine Zusammenstellung von Informationen, die zu dieser Zeit aus verschiedenen Quellen bezogen werden konnten. Seit dieser Zeit begann die Arbeit an der ersten Enzyklopädie des Jazz in russischer Sprache, die erst 2001 vom St. Petersburger Verlag „Skifia“ herausgegeben wurde. Enzyklopädie " Jazz. XX Jahrhundert. Enzyklopädische Referenz“ wurde von einem der maßgeblichsten Jazzkritiker Vladimir Feiertag vorbereitet, zählte mehr als tausend Namen von Jazzpersönlichkeiten und wurde einstimmig als das wichtigste russischsprachige Buch über Jazz anerkannt. 2008 erschien die zweite Auflage der Enzyklopädie „ Jazz. Enzyklopädische Referenz“, wo die Jazzgeschichte bis ins 21. Jahrhundert festgehalten wird, Hunderte der seltensten Fotografien hinzugefügt und die Liste der Jazznamen um fast ein Viertel erweitert wurde.

Lateinamerikanischer Jazz

Die Kombination lateinamerikanischer rhythmischer Elemente ist im Jazz fast seit Beginn der kulturellen Fusion, die ihren Ursprung in New Orleans hatte, präsent. Jelly Roll Morton sprach in seinen Aufnahmen Mitte bis Ende der 1990er Jahre von "spanischen Untertönen". Duke Ellington und andere Jazzbandleader verwendeten ebenfalls lateinische Formen. Der wichtigste (wenn auch nicht allgemein anerkannte) Vorläufer des Latin Jazz, der Trompeter/Arrangeur Mario Bausa, brachte in den 1990er Jahren eine kubanische Neigung aus seiner Heimatstadt Havanna in Chick Webbs Orchester und ein Jahrzehnt später brachte er sie in den Sound von Don Redman, Fletcher Henderson und Cab Calloway Orchester. Durch die Zusammenarbeit mit dem Trompeter Dizzy Gillespie im Calloway Orchestra seit den späten 1900er Jahren führte Bausa eine Richtung ein, von der es bereits eine direkte Verbindung zu Gillespies Big Bands der Mitte des 20. Jahrhunderts gab. Diese "Liebesaffäre" von Gillespie mit lateinamerikanischen Musikformen hielt für den Rest seiner langen Karriere an. In Bausa setzte er seine Karriere fort und wurde Musikdirektor Machito Afro-Cuban Orchestra, angeführt von seinem Schwager, dem Perkussionisten Frank Grillo, Spitzname Machito. Die 1950er und 1960er Jahre waren geprägt von einem langen Flirt des Jazz mit lateinamerikanischen Rhythmen, hauptsächlich in Richtung Bossa Nova, und bereicherten diese Synthese mit brasilianischen Elementen des Samba. Durch die Kombination des Stils des Cool Jazz, der von Musikern der Westküste entwickelt wurde, europäischer klassischer Proportionen und verführerischer brasilianischer Rhythmen, erlangte Bossa Nova oder besser gesagt "brasilianischer Jazz" in den Vereinigten Staaten große Popularität. Subtile, aber hypnotische Akustikgitarrenrhythmen unterstrichen die einfachen Melodien, die sowohl auf Portugiesisch als auch auf Portugiesisch gesungen wurden Englische Sprache. Der von den Brasilianern Joao Gilberto und Antonio Carlos Jobin eingeführte Stil wurde in den 1950er Jahren zu einer Tanzalternative zu Hard Bop und Free Jazz und erweiterte seine Popularität durch Aufnahmen und Auftritte von Musikern von der Westküste, insbesondere des Gitarristen Charlie Byrd und des Saxophonisten Stan Getz . Die musikalische Mischung aus lateinamerikanischen Einflüssen breitete sich im Jazz und darüber hinaus in den 's und 's aus, darunter nicht nur Orchester und Gruppen mit erstklassigen lateinamerikanischen Improvisatoren, sondern auch die Kombination lokaler und lateinamerikanischer Interpreten, um Beispiele für die aufregendste Bühnenmusik zu schaffen . Diese neue Latin-Jazz-Renaissance wurde durch einen ständigen Zustrom ausländischer Künstler unter den kubanischen Überläufern angeheizt, wie der Trompeter Arturo Sandoval, der Saxophonist und Klarinettist Paquito D'Rivera und andere, die vor dem Fidel-Castro-Regime auf der Suche nach größeren Möglichkeiten flohen, als sie erwartet hatten in New York, York und Florida zu finden. Es gibt auch die Meinung, dass die intensiveren, tanzbareren Qualitäten der polyrhythmischen Musik des Latin Jazz das Jazzpublikum stark erweiterten. Richtig, bei nur minimaler Intuition für die intellektuelle Wahrnehmung.

Jazz in der modernen Welt

Dieser Abschnitt kann Originalforschung enthalten.