Pelan bandar ideal zaman renaissance. Imej artistik zaman Renaissance
Seni Renaissance
Renaissance- ini adalah zaman kegemilangan semua seni, termasuk teater, dan kesusasteraan, dan muzik, tetapi, tidak syak lagi, yang utama di antara mereka, yang paling sepenuhnya menyatakan semangat zamannya, adalah seni halus.
Bukan kebetulan bahawa terdapat teori bahawa Renaissance bermula dengan fakta bahawa artis tidak lagi berpuas hati dengan kerangka gaya "Byzantine" yang dominan dan, dalam mencari model untuk karya mereka, adalah yang pertama beralih kepada kepada zaman dahulu. Istilah "Renissance" (Renaissance) diperkenalkan oleh pemikir dan artis era itu sendiri, Giorgio Vasari ("Biografi pelukis, pengukir dan arkitek terkenal"). Jadi dia memanggil masa dari 1250 hingga 1550. Dari sudut pandangannya, ini adalah masa kebangkitan zaman dahulu. Bagi Vasari, zaman dahulu muncul dengan cara yang ideal.
Pada masa hadapan, kandungan istilah telah berkembang. Kebangkitan itu mula bermakna pembebasan sains dan seni daripada teologi, penyejukan terhadap etika Kristian, kelahiran sastera kebangsaan, keinginan manusia untuk bebas daripada sekatan Gereja Katolik. Iaitu, Renaissance, pada dasarnya, mula bermakna kemanusiaan.
KEBANGKITAN, RENAISSANCE(French renais sance - kelahiran semula) - salah satu era terbesar, titik perubahan dalam perkembangan seni dunia antara Zaman Pertengahan dan zaman baru. Renaissance meliputi abad XIV-XVI. di Itali, abad XV-XVI. di negara Eropah yang lain. Tempoh dalam perkembangan budaya ini menerima namanya - Renaissance (atau Renaissance) berkaitan dengan kebangkitan minat dalam seni kuno. Walau bagaimanapun, artis pada masa itu bukan sahaja menyalin corak lama, tetapi juga meletakkan kandungan baru secara kualitatif ke dalamnya. Renaissance tidak boleh dianggap sebagai gaya atau arah artistik, kerana pada era ini terdapat pelbagai gaya artistik, trend, arus. Ideal estetik Renaissance dibentuk berdasarkan pandangan dunia progresif baru - humanisme. Dunia sebenar dan manusia diisytiharkan sebagai nilai tertinggi: Manusia adalah ukuran bagi semua perkara. Peranan orang kreatif telah meningkat terutamanya.
Kesakitan humanistik era itu paling baik terkandung dalam seni, yang, seperti pada abad-abad sebelumnya, bertujuan untuk memberikan gambaran tentang alam semesta. Apa yang baru ialah mereka cuba menyatukan material dan spiritual menjadi satu keseluruhan. Sukar untuk mencari orang yang tidak peduli dengan seni, tetapi keutamaan diberikan kepada seni halus dan seni bina.
Lukisan Itali abad ke-15 kebanyakannya monumental (lukisan dinding). Lukisan menduduki tempat yang terkemuka di kalangan jenis seni halus. Ia paling sesuai dengan prinsip Renaissance iaitu "meniru alam semula jadi." Sistem visual baru dibentuk berdasarkan kajian alam semula jadi. Artis Masaccio membuat sumbangan yang layak kepada pembangunan pemahaman kelantangan, penghantarannya dengan bantuan chiaroscuro. Penemuan dan pengesahan saintifik undang-undang perspektif linear dan udara telah mempengaruhi nasib lukisan Eropah selanjutnya. Bahasa plastik baru arca sedang dibentuk, pengasasnya ialah Donatello. Dia menghidupkan semula patung bulat yang berdiri bebas itu. Karya terbaiknya ialah arca David (Florence).
Dalam seni bina, prinsip sistem susunan kuno dibangkitkan, kepentingan perkadaran dinaikkan, jenis bangunan baru sedang dibentuk (istana bandar, vila desa, dll.), teori seni bina dan konsep bandar yang ideal adalah sedang dibangunkan. Arkitek Brunelleschi membina bangunan di mana dia menggabungkan pemahaman kuno seni bina dan tradisi Gothic lewat, mencapai kerohanian kiasan baru seni bina, tidak diketahui oleh orang dahulu. Semasa Renaissance tinggi, pandangan dunia baru paling baik terkandung dalam karya artis yang berhak dipanggil genius: Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione dan Titian. Dua pertiga terakhir abad ke-16 dipanggil Renaissance lewat. Pada masa ini, krisis meliputi seni. Ia menjadi terkawal, sopan, kehilangan kehangatan dan keasliannya. Walau bagaimanapun, individu artis hebat - Titian, Tintoretto terus mencipta karya agung dalam tempoh ini.
Renaissance Itali mempunyai impak yang besar terhadap seni Perancis, Sepanyol, Jerman, England, dan Rusia.
Peningkatan dalam perkembangan seni Belanda, Perancis dan Jerman (abad XV-XVI) dipanggil Renaissance Utara. Karya pelukis Jan van Eyck, P. Brueghel the Elder adalah kemuncak zaman ini dalam perkembangan seni. Di Jerman, A. Dürer adalah artis terhebat Renaissance Jerman.
Penemuan yang dibuat semasa Renaissance dalam bidang budaya dan seni kerohanian mempunyai kepentingan sejarah yang besar untuk perkembangan seni Eropah pada abad-abad berikutnya. Minat terhadap mereka berterusan hingga ke hari ini.
Renaissance di Itali melalui beberapa peringkat: Renaissance awal, Renaissance tinggi, Renaissance lewat. Florence menjadi tempat kelahiran Renaissance. Asas seni baru telah dibangunkan oleh pelukis Masaccio, pemahat Donatello, dan arkitek F. Brunelleschi.
Yang pertama mencipta lukisan dan bukannya ikon adalah tuan terbesar Proto-Renaissance Giotto. Beliau adalah orang pertama yang berusaha untuk menyampaikan idea-idea etika Kristian melalui gambaran perasaan dan pengalaman manusia yang sebenar, menggantikan simbolisme dengan gambaran ruang sebenar dan objek tertentu. Pada lukisan dinding terkenal Giotto di Kapel Arena di Padua anda boleh melihat watak yang agak luar biasa di sebelah orang kudus: gembala atau pemutar. Setiap individu dalam Giotto menyatakan pengalaman yang agak pasti, watak yang pasti. 
Dalam era kebangkitan awal dalam seni, perkembangan warisan seni kuno berlaku, cita-cita etika baru terbentuk, artis beralih kepada pencapaian sains (matematik, geometri, optik, anatomi). Peranan utama dalam pembentukan prinsip ideologi dan gaya seni zaman Renaissance awal dimainkan oleh Florence. Dalam imej yang dicipta oleh tuan seperti Donatello, Verrocchio, patung ekuestrian condottiere Gattamelata David oleh Donatello mendominasi prinsip heroik dan patriotik ("St. George" dan "David" oleh Donatello dan "David" oleh Verrocchio). 
Masaccio adalah pengasas lukisan Renaissance.(mural di Kapel Brancacci, "Trinity"), Masaccio dapat menyampaikan kedalaman ruang, menghubungkan angka dan landskap dengan idea komposisi tunggal, dan memberikan ekspresi potret individu.
Tetapi pembentukan dan evolusi potret bergambar, yang mencerminkan minat budaya Renaissance pada manusia, dikaitkan dengan nama-nama artis sekolah Umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.
Karya artis itu menonjol pada zaman Renaissance awal Sandro Botticelli. Imej-imej yang diciptanya bersifat rohani dan puitis. Penyelidik mencatatkan abstraksi dan intelektualisme yang diperhalusi dalam karya artis, keinginannya untuk mencipta komposisi mitologi dengan kandungan yang rumit dan disulitkan ("Spring", "The Birth of Venus"). Salah seorang penulis biografi Botticelli berkata bahawa Madonnas dan Venusnya memberikan gambaran kehilangan, menyebabkan kita rasa sedih yang tidak terhapuskan... Sebahagian daripada mereka kehilangan langit, yang lain - bumi. 
"Musim bunga" "Kelahiran Venus"
Kemuncak dalam perkembangan prinsip ideologi dan seni Renaissance Itali ialah Renaissance Tinggi. Pengasas seni Renaissance Tinggi ialah Leonardo da Vinci, seorang artis dan saintis yang hebat.
Dia mencipta beberapa karya: "Mona Lisa" ("La Gioconda") Tegasnya, wajah Gioconda dibezakan oleh kekangan dan ketenangan, senyuman yang mencipta kemasyhuran dunianya dan yang kemudiannya menjadi bahagian penting dalam karya itu. sekolah Leonardo hampir tidak kelihatan di dalamnya. Tetapi dalam jerebu yang mencair lembut yang menyelubungi wajah dan susuk tubuh, Leonardo berjaya merasakan kepelbagaian ekspresi wajah manusia yang tidak terbatas. Walaupun mata Gioconda memandang dengan penuh perhatian dan tenang pada penonton, kerana teduhan soket matanya, seseorang mungkin berfikir bahawa mereka sedikit berkerut; bibirnya dimampatkan, tetapi bayang-bayang yang hampir tidak dapat dilihat digariskan berhampiran sudutnya, yang membuatkan anda percaya bahawa setiap minit ia akan terbuka, tersenyum, bercakap. Perbezaan antara pandangannya dan senyuman separuh di bibirnya memberikan gambaran tentang sifat pengalamannya yang bercanggah. Tidak sia-sia Leonardo menyeksa modelnya dengan sesi yang panjang. Tidak seperti orang lain, dia berjaya menyampaikan bayang-bayang, warna dan halftone dalam gambar ini, dan mereka menimbulkan perasaan hidup yang bergetar. Tidak hairanlah Vasari menyangka bahawa pada leher Mona Lisa anda boleh melihat bagaimana urat berdegup.
Dalam potret Gioconda, Leonardo bukan sahaja menyampaikan badan dan persekitaran udara yang menyelubunginya dengan sempurna. Dia juga memasukkan ke dalamnya pemahaman tentang apa yang diperlukan oleh mata agar gambar menghasilkan kesan yang harmoni, itulah sebabnya segala-galanya kelihatan seolah-olah bentuk secara semula jadi dilahirkan satu daripada yang lain, seperti yang berlaku dalam muzik apabila disonansi yang tegang diselesaikan dengan kord yang harmoni. Gioconda ditulis dengan sempurna dalam segi empat tepat berkadar, separuh angkanya membentuk sesuatu yang utuh, tangan yang dilipat memberikan kesempurnaan imejnya. Kini, sudah tentu, tidak ada persoalan tentang keriting pelik Pengumuman awal. Walau bagaimanapun, tidak kira betapa lembutnya semua kontur, kunci beralun rambut Gioconda selaras dengan tudung lutsinar, dan kain tergantung yang dilemparkan ke bahu mendapat gema dalam lilitan lancar jalan yang jauh. Dalam semua ini, Leonardo menunjukkan keupayaannya untuk mencipta mengikut undang-undang irama dan harmoni. “Dari segi teknik, Mona Lisa sentiasa dianggap sesuatu yang tidak dapat dijelaskan. Sekarang saya rasa saya boleh menjawab teka-teki ini,” kata Frank. Menurutnya, Leonardo menggunakan teknik yang dibangunkannya "sfumato" (bahasa Itali "sfumato", secara harfiah - "hilang seperti asap"). Caranya ialah objek dalam lukisan tidak sepatutnya mempunyai sempadan yang jelas, semuanya harus lancar beralih dari satu sama lain, garis besar objek dilembutkan dengan bantuan jerebu udara ringan di sekelilingnya. Kesukaran utama teknik ini terletak pada pukulan terkecil (kira-kira satu perempat milimeter) yang tidak boleh diakses untuk pengecaman sama ada di bawah mikroskop atau menggunakan sinar-X. Oleh itu, ia mengambil beberapa ratus sesi untuk melukis lukisan da Vinci. Imej Mona Lisa terdiri daripada kira-kira 30 lapisan cat minyak cecair, hampir lutsinar. Untuk kerja-kerja perhiasan seperti itu, artis itu nampaknya terpaksa menggunakan kaca pembesar. Mungkin penggunaan teknik yang susah payah itu menjelaskan masa yang lama dihabiskan untuk mengerjakan potret - hampir 4 tahun. 
, "Makan malam terakhir" memberi kesan yang berkekalan. Di dinding, seolah-olah mengatasinya dan membawa penonton ke dunia keharmonian dan penglihatan yang megah, drama Injil kuno tentang kepercayaan yang tertipu terungkap. Dan drama ini menemui resolusinya dalam dorongan umum yang ditujukan kepada watak utama - seorang suami dengan wajah sedih, yang menerima apa yang berlaku sebagai tidak dapat dielakkan. Kristus baru saja berkata kepada murid-murid-Nya, "Seorang daripada kamu akan mengkhianati Aku." Pengkhianat duduk bersama yang lain; tuan-tuan tua menggambarkan Yudas duduk secara berasingan, tetapi Leonardo mengeluarkan pengasingannya yang suram dengan lebih meyakinkan, menyelubungi wajahnya dengan bayang-bayang. Kristus tunduk kepada nasibnya, penuh kesedaran akan pengorbanan pencapaiannya. Kepalanya senget dengan mata yang menunduk, isyarat tangannya sangat cantik dan megah. Pemandangan menawan terbuka melalui tingkap di belakang susuk tubuhnya. Kristus adalah pusat dari keseluruhan komposisi, dari semua pusaran nafsu yang berkecamuk di sekeliling. Kesedihan dan ketenangannya, seolah-olah, kekal, semula jadi - dan ini adalah makna mendalam drama yang ditunjukkan. Dia sedang mencari sumber bentuk seni yang sempurna dalam alam semula jadi, tetapi N. Berdyaev menganggap dia bertanggungjawab untuk proses yang akan datang mekanisasi dan mekanisasi kehidupan manusia, yang mengoyakkan seseorang dari alam semula jadi.
Lukisan mencapai keharmonian klasik dalam kreativiti Raphael. Seninya berkembang daripada imej awal Umbria Madonnas (Madonna Conestabile) kepada dunia "Kekristianan gembira" karya Florentine dan Rom. "Madonna with a Goldfinch" dan "Madonna in an Armchair" adalah lembut, berperikemanusiaan dan juga biasa dalam kemanusiaan mereka. 
Tetapi imej "Sistine Madonna" adalah megah, secara simbolik menghubungkan dunia syurga dan duniawi. Paling penting, Raphael dikenali sebagai pencipta imej lembut Madonnas. Tetapi dalam lukisan, dia merangkumi kedua-dua cita-cita manusia sejagat Renaissance (potret Castiglione), dan drama peristiwa sejarah. The Sistine Madonna (c. 1513, Dresden, Galeri Seni) ialah salah satu karya artis yang paling diilhamkan. Ditulis sebagai altarpiece untuk gereja biara St. Sixtus di Piacenza, lukisan ini, dari segi reka bentuk, komposisi dan tafsiran imej, berbeza dengan ketara daripada Madonnas zaman Florentine. Daripada imej intim dan duniawi seorang gadis muda yang cantik merendahkan diri mengikuti hiburan dua bayi, di sini kita mempunyai penglihatan indah yang tiba-tiba muncul di langit kerana tirai yang ditarik oleh seseorang. Dikelilingi oleh cahaya keemasan, khidmat dan megah, Mary berjalan melalui awan, memegang anak Kristus di hadapannya. Kiri dan kanan berlutut di hadapan St. Sixtus dan St. Barbara. Komposisi simetri, seimbang ketat, kejelasan siluet dan generalisasi monumental bentuk memberikan Sistine Madonna kemegahan istimewa.
Dalam gambar ini, Raphael, mungkin pada tahap yang lebih besar daripada mana-mana tempat lain, berjaya menggabungkan kebenaran seperti kehidupan imej dengan ciri-ciri kesempurnaan yang ideal. Imej Madonna adalah kompleks. Kesucian dan kenaifan yang menyentuh hati seorang wanita muda digabungkan dalam dirinya dengan keazaman yang teguh dan kesediaan heroik untuk berkorban. Kepahlawanan ini menjadikan imej Madonna berkaitan dengan tradisi terbaik humanisme Itali. Gabungan ideal dan nyata dalam gambar ini mengingatkan kata-kata terkenal Rafael dari sepucuk surat kepada rakannya B. Castiglione. "Dan saya akan memberitahu anda," tulis Raphael, "bahawa untuk menulis kecantikan, saya perlu melihat banyak kecantikan ... tetapi disebabkan kekurangan ... dalam wanita cantik, saya menggunakan beberapa idea yang terlintas di fikiran saya. . Sama ada ia mempunyai kesempurnaan, saya tidak tahu, tetapi saya berusaha keras untuk mencapainya. Kata-kata ini memberi penerangan kaedah kreatif artis. Meneruskan realiti dan bergantung padanya, pada masa yang sama dia berusaha untuk meningkatkan imej di atas segala-galanya yang tidak disengajakan dan sementara.
Michelangelo(1475-1564) - sudah pasti salah seorang artis yang paling terinspirasi dalam sejarah seni dan, bersama dengan Leonardo da Vinci, tokoh paling berkuasa dari kebangkitan tinggi Itali. Sebagai seorang pemahat, arkitek, pelukis dan penyair, Michelangelo mempunyai pengaruh yang sangat besar pada sezamannya dan pada seni Barat seterusnya secara umum.
Dia menganggap dirinya seorang Florentine - walaupun dia dilahirkan pada 6 Mac 1475 di kampung kecil Caprese berhampiran bandar Arezzo. Michelangelo sangat mencintai kotanya, seni, budayanya dan membawa cinta ini hingga akhir zamannya. Dia menghabiskan sebahagian besar tahun matangnya di Rom, bekerja untuk paus; bagaimanapun, dia meninggalkan wasiat, mengikut mana jenazahnya dikebumikan di Florence, di sebuah makam yang indah di gereja Santa Croce.
Michelangelo menyiapkan arca marmar Pieta(Lamentation of Christ) (1498-1500), yang masih di lokasi asalnya - di Katedral St. Peter. Ini adalah salah satu karya paling terkenal dalam sejarah seni dunia. Pieta itu mungkin telah disiapkan oleh Michelangelo sebelum dia berumur 25 tahun. Ini adalah satu-satunya kerja yang ditandatanganinya. Mary muda digambarkan dengan Kristus yang mati di lututnya, imej yang dipinjam dari seni Eropah utara. Pandangan Mary tidak begitu sedih seperti yang serius. Ini adalah titik tertinggi kreativiti Michelangelo muda. 
Tidak kurang pentingnya karya Michelangelo muda ialah imej marmar gergasi (4.34 m). David(Akademi, Florence), dilaksanakan antara 1501 dan 1504, selepas kembali ke Florence. Wira Perjanjian Lama digambarkan oleh Michelangelo dalam bentuk seorang lelaki muda yang kacak, berotot, telanjang yang kelihatan cemas ke kejauhan, seolah-olah menilai musuhnya - Goliath, dengan siapa dia harus bertarung. Ekspresi wajah David yang meriah dan tegang adalah ciri kebanyakan karya Michelangelo - ini adalah tanda cara arca individunya. David, arca Michelangelo yang paling terkenal, telah menjadi simbol Florence dan pada asalnya diletakkan di Piazza della Signoria di hadapan Palazzo Vecchio, dewan bandar Florentine. Dengan patung ini, Michelangelo membuktikan kepada orang sezamannya bahawa dia bukan sahaja mengatasi semua artis kontemporari, tetapi juga sarjana zaman dahulu.
Lukisan pada peti besi Kapel Sistine Pada tahun 1505, Michelangelo telah dipanggil ke Rom oleh Pope Julius II untuk memenuhi dua perintah. Yang paling penting ialah lukisan fresko bilik kebal Sistine Chapel. Bekerja berbaring di atas perancah tinggi betul-betul di bawah siling, Michelangelo mencipta ilustrasi yang paling indah untuk beberapa cerita alkitabiah antara 1508 dan 1512. Di peti besi gereja paus, dia menggambarkan sembilan adegan dari Kitab Kejadian, bermula dengan Pemisahan Terang dari Kegelapan dan termasuk Penciptaan Adam, Penciptaan Hawa, Pencobaan dan Kejatuhan Adam dan Hawa, dan Air Bah. . Di sekeliling lukisan-lukisan utama, imej-imej nabi dan sibyl berselang-seli di atas takhta marmar, watak-watak Perjanjian Lama yang lain dan nenek moyang Kristus.
Untuk mempersiapkan kerja hebat ini, Michelangelo membuat sejumlah besar lakaran dan kadbod, di mana dia menggambarkan sosok pengasuh dalam pelbagai pose. Imej agung dan berkuasa ini membuktikan pemahaman mahir artis tentang anatomi dan pergerakan manusia, yang memberi dorongan kepada hala tuju baharu dalam seni Eropah Barat. 
Dua lagi patung yang sangat baik, Banduan Terikat dan Kematian Budak(kedua-duanya c. 1510-13) berada di Louvre, Paris. Mereka menunjukkan pendekatan Michelangelo terhadap arca. Pada pendapatnya, angka-angka itu hanya disertakan dalam blok marmar, dan adalah tugas artis untuk membebaskan mereka dengan mengeluarkan batu yang berlebihan. Selalunya Michelangelo meninggalkan arca yang belum selesai, sama ada kerana mereka tidak lagi diperlukan atau hanya kerana mereka kehilangan minat mereka untuk artis. 
Perpustakaan San Lorenzo Projek makam Julius II memerlukan kajian seni bina, tetapi kerja serius Michelangelo dalam bidang seni bina bermula hanya pada tahun 1519, apabila dia diarahkan untuk menghadap Perpustakaan St. Lawrence di Florence, di mana artis itu kembali semula ( projek ini tidak pernah dilaksanakan). Pada tahun 1520-an dia juga mereka bentuk dewan pintu masuk Perpustakaan yang elegan bersebelahan dengan gereja San Lorenzo. Struktur ini telah siap hanya beberapa dekad selepas kematian pengarang.
Michelangelo, seorang penganut puak republik, mengambil bahagian pada tahun 1527-29 dalam perang melawan Medici. Tanggungjawabnya termasuk pembinaan dan pembinaan semula kubu Florence. 
Kapel Medici. Selepas tinggal di Florence untuk tempoh yang agak lama, Michelangelo menyelesaikan antara 1519 dan 1534 suruhanjaya keluarga Medici untuk mendirikan dua makam di sakristi baru gereja San Lorenzo. Di dalam sebuah dewan dengan peti besi berkubah tinggi, artis itu mendirikan dua makam yang indah di dinding, bertujuan untuk Lorenzo De Medici, Duke of Urbino dan untuk Giuliano De Medici, Duke of Nemours. Dua kubur kompleks diilhamkan sebagai representasi jenis yang bertentangan: Lorenzo - seseorang yang tertutup dalam dirinya, seorang yang bertimbang rasa, orang yang menarik diri; Giuliano, sebaliknya, aktif, terbuka. Di atas kubur Lorenzo, pengukir meletakkan arca alegoris Pagi dan Petang, dan di atas kubur Giuliano - alegori Siang dan Malam. Kerja pada makam Medici diteruskan selepas Michelangelo kembali ke Rom pada tahun 1534. Dia tidak pernah melawat bandar tercintanya lagi.
Penghakiman Terakhir
Dari 1536 hingga 1541, Michelangelo bekerja di Rom untuk mengecat dinding altar Kapel Sistine di Vatican. Lukisan dinding Renaissance terbesar menggambarkan hari Penghakiman Terakhir. Kristus, dengan kilat berapi-api di tangannya, tidak dapat dielakkan membahagikan semua penduduk bumi menjadi orang-orang benar yang diselamatkan, digambarkan di sebelah kiri komposisi, dan orang-orang berdosa turun ke dalam. Dante's hell (sebelah kiri lukisan dinding). Mengikut tradisinya sendiri, Michelangelo pada asalnya melukis semua figura itu telanjang, tetapi sedekad kemudian beberapa artis Puritan "memakai" mereka kerana iklim budaya menjadi lebih konservatif. Michelangelo meninggalkan potret dirinya sendiri di lukisan dinding - wajahnya mudah ditebak pada kulit yang terkoyak dari Rasul Suci Martir Bartholomew.
Walaupun dalam tempoh ini Michelangelo mempunyai komisen bergambar lain, seperti melukis kapel St. Paul the Apostle (1940), pertama sekali dia cuba menumpukan seluruh kekuatannya kepada seni bina.
Kubah Katedral St. Peter. Pada tahun 1546, Michelangelo dilantik sebagai ketua arkitek Katedral St. Peter di Vatican, yang sedang dalam pembinaan. Bangunan itu dibina mengikut rancangan Donato Bramante, tetapi Michelangelo akhirnya bertanggungjawab untuk pembinaan apse mezbah dan untuk pembangunan penyelesaian kejuruteraan dan artistik untuk kubah katedral. Penyiapan pembinaan Katedral St. Peter adalah pencapaian tertinggi tuan Florentine dalam bidang seni bina. Semasa hayatnya yang panjang, Michelangelo adalah kawan rapat putera dan paus, dari Lorenzo de Medici hingga Leo X, Clement VIII, dan Pius III, serta ramai kardinal, pelukis dan penyair. Watak artis, kedudukannya dalam kehidupan sukar untuk difahami dengan jelas melalui karyanya - mereka sangat pelbagai. Kecuali mungkin dalam puisi, dalam puisinya sendiri, Michelangelo lebih kerap dan lebih mendalam beralih kepada persoalan kreativiti dan tempatnya dalam seni. Tempat yang besar dalam puisinya diberikan kepada masalah dan kesukaran yang terpaksa dia hadapi dalam kerjanya, dan hubungan peribadi dengan wakil yang paling terkenal pada era itu. Salah seorang penyair paling terkenal zaman Renaissance, Lodovico Ariosto menulis sebuah batu nisan untuk ini artis terkenal: "Michele lebih daripada seorang manusia, dia adalah malaikat ilahi." 
Seni Renaissance di Itali (abad XIII-XVI).
BAHAN-BAHAN SUMBER http://artclassic.edu.ru YANG KAMI GUNAKAN DALAM MENYUSUN LAMAN
Ciri-ciri seni Renaissance di Itali.
Seni Renaissance timbul berdasarkan humanisme (dari bahasa Latin humanus - "manusia") - aliran pemikiran sosial yang berasal dari abad ke-14. di Itali, dan kemudian pada separuh kedua abad ke-15 dan pada abad ke-16. merebak kepada yang lain negara Eropah Oh. Humanisme mengisytiharkan nilai tertinggi manusia dan kebaikannya. Pengikut trend ini percaya bahawa setiap orang mempunyai hak untuk berkembang secara bebas sebagai orang, menyedari kebolehan mereka. Idea-idea humanisme paling lengkap dan jelas terkandung dalam seni, tema utama yang menjadi seorang yang cantik, maju secara harmoni dengan kemungkinan rohani dan kreatif yang tidak terhad. Humanis telah diilhamkan oleh zaman purba, yang berkhidmat untuk mereka sebagai sumber pengetahuan dan model kreativiti artistik. Masa lampau hebat Itali, yang sentiasa mengingatkan dirinya, dianggap pada masa itu sebagai kesempurnaan tertinggi, manakala seni Zaman Pertengahan kelihatan tidak cekap dan biadab. Istilah "kebangkitan semula", yang muncul pada abad ke-16, bermaksud kelahiran seni baru, menghidupkan semula budaya kuno klasik. Walau bagaimanapun, seni Renaissance berhutang banyak kepada tradisi seni Zaman Pertengahan. Yang lama dan yang baru saling berkait dan berhadapan. Dengan semua kepelbagaian yang bertentangan dengan asal-usulnya, seni Renaissance ditandai dengan kebaharuan yang mendalam dan asas. Ia meletakkan asas budaya Eropah zaman moden. Semua bentuk seni utama - lukisan dan grafik, arca, seni bina - telah berubah dengan ketara.
Dalam seni bina, prinsip-prinsip kuno yang diolah semula secara kreatif sistem pesanan ,
jenis baru bangunan awam muncul. Lukisan diperkaya dengan perspektif linear dan udara, pengetahuan tentang anatomi dan perkadaran tubuh manusia. Kandungan duniawi menembusi tema keagamaan tradisional karya seni. Peningkatan minat dalam mitologi kuno, sejarah, adegan harian, landskap, potret. Bersama dengan lukisan dinding monumental yang menghiasi struktur seni bina, sebuah lukisan muncul; lukisan minyak berasal.
Seni belum berhenti menjadi kraf, tetapi keperibadian kreatif artis, yang aktivitinya pada masa itu sangat pelbagai, telah mengambil tempat pertama. Bakat sejagat tuan-tuan Renaissance sangat mengagumkan - mereka sering bekerja secara serentak dalam bidang seni bina, arca dan lukisan, menggabungkan minat mereka untuk kesusasteraan, puisi dan falsafah dengan kajian sains yang tepat. Konsep keperibadian yang kaya secara kreatif, atau "Renaissance" kemudiannya menjadi perkataan rumah tangga.
Dalam seni Renaissance, laluan pemahaman saintifik dan artistik dunia dan manusia saling berkait rapat. Makna kognitifnya dikaitkan erat dengan keindahan puitis yang luhur; dalam usahanya untuk keaslian, ia tidak turun ke kehidupan seharian yang remeh. Seni telah menjadi keperluan rohani sejagat.
Pembentukan budaya Renaissance di Itali berlaku di bandar-bandar yang bebas dari segi ekonomi. Dalam kebangkitan dan perkembangan seni Renaissance, Gereja dan mahkamah agung raja-raja yang tidak bertakhta - keluarga kaya yang memerintah, yang merupakan pelanggan terbesar dan pelanggan karya lukisan, arca dan seni bina, memainkan peranan penting. Pusat utama budaya Renaissance pada mulanya adalah bandar Florence, Siena, Pisa, kemudian Padua, Ferrara, Genoa, Milan, dan kemudian, pada separuh kedua abad ke-15, saudagar kaya Venice. Pada abad XVI. Rom menjadi ibu kota Renaissance Itali. Sejak masa itu, semua pusat kebudayaan lain, kecuali Venice, telah kehilangan kepentingannya dahulu.
Dalam era Renaissance Itali, adalah kebiasaan untuk membezakan beberapa tempoh:
Proto-Renaissance (separuh kedua abad XIII-XIV),
Renaissance awal (abad XV),
Renaissance Tinggi (akhir ke-15 - sepertiga pertama abad ke-16)
Renaissance Akhir (dua pertiga terakhir abad ke-16).
Proto-Renaissance
DALAM budaya Itali abad XIII-XIV Dengan latar belakang tradisi Byzantine dan Gothic yang masih kuat, ciri-ciri seni baru mula muncul, yang kemudiannya dipanggil seni Renaissance. Oleh itu, tempoh sejarahnya dipanggil Proto-Renaissance(dari bahasa Yunani "protos" - "pertama", iaitu menyediakan permulaan Renaissance). Tiada tempoh peralihan yang serupa di mana-mana negara Eropah. Di Itali sendiri, seni proto-Renaissance muncul dan berkembang hanya di Tuscany dan Rom.
Dalam budaya Itali, ciri-ciri lama dan baharu saling berkait. Penyair terakhir Zaman Pertengahan dan penyair pertama era baru, Dante Alighieri (1265-1321), mencipta bahasa sastera Itali. Apa yang dimulakan Dante diteruskan oleh Florentine hebat lain pada abad ke-14 - Francesco Petrarch (1304-1374), pengasas puisi lirik Eropah, dan Giovanni Boccaccio (1313-1375), pengasas genre novel (cerpen) di dunia sastera. Kebanggaan era itu ialah arkitek dan pengukir Niccolo dan Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio dan pelukis Giotto di Bondone .
Seni bina
Seni bina Itali untuk masa yang lama mengikuti tradisi zaman pertengahan, yang dinyatakan terutamanya dalam penggunaan sejumlah besar motif Gothic. Pada masa yang sama, Gothic Itali sendiri sangat berbeza daripada seni bina Gothic di Eropah utara: ia cenderung kepada ketenangan. bentuk besar, walaupun ringan, bahagian mendatar, permukaan dinding lebar. Pada tahun 1296, pembinaan bermula di Florence Katedral Santa Maria del Fiore. Arnolfo di Cambio mahu memahkotai mezbah katedral dengan kubah besar. Walau bagaimanapun, selepas kematian arkitek pada tahun 1310, pembinaan telah ditangguhkan, ia telah siap dalam tempoh Renaissance Awal. Pada tahun 1334, mengikut reka bentuk Giotto, pembinaan menara loceng katedral, yang dipanggil campanile, telah dimulakan - menara segi empat tepat langsing dengan bahagian mendatar dengan lantai dan tingkap Gothic yang elegan, bentuk melengkung lancet yang dipelihara dalam seni bina Itali untuk masa yang lama.
Antara istana bandar yang paling terkenal ialah Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) di Florence. Adalah dipercayai bahawa ia dibina oleh Arnolfo di Cambio. Ia adalah kiub berat dengan menara yang tinggi, dipenuhi dengan rustication batu keras. Fasad tiga tingkat dihiasi dengan tingkap berpasangan yang ditulis dalam gerbang separuh bulatan, yang memberikan keseluruhan bangunan kesan penjimatan yang terkawal. Bangunan itu mentakrifkan rupa pusat bandar lama, menyerang dataran dengan pukal yang keras.
arca
Lebih awal daripada dalam seni bina dan lukisan, carian artistik telah digariskan dalam arca, dan lebih-lebih lagi di sekolah Pisan, pengasasnya ialah Niccolò Pisano (sekitar 1220 - antara 1278 dan 1284). Niccolo Pisano dilahirkan di Apulia, di selatan Itali. Adalah dipercayai bahawa dia belajar arca di sekolah-sekolah selatan, di mana semangat kebangkitan tradisi klasik zaman dahulu berkembang. Tanpa ragu-ragu, Niccolo mengkaji hiasan arca zaman akhir Rom dan sarkofagus Kristian awal. Karya pengukir yang paling awal diketahui ialah heksagon mimbar marmar, yang dibuat olehnya untuk pembaptisan di Pisa (1260), - menjadi karya seni arca Renaissance yang luar biasa dan mempunyai kesan yang besar terhadap perkembangan selanjutnya. Pencapaian utama pengukir adalah bahawa dia berjaya memberikan kelantangan dan ekspresi kepada bentuk, dan setiap imej mempunyai kuasa tubuh.
Dari bengkel Niccolò Pisano datang ahli arca yang luar biasa Proto-Renaissance - anaknya Giovanni Pisano dan Arnolfo di Cambio, juga dikenali sebagai seorang arkitek. Arnolfo di Cambio (sekitar 1245 - selepas 1310) tertarik kepada arca monumental, di mana dia menggunakan pemerhatian hidupnya. Salah satu karya terbaik yang dilakukannya bersama bapa dan anaknya Pisano - Air pancut di Piazza Perugia(1278). Fonte Maggiore, dihiasi dengan pelbagai patung dan relief, telah menjadi kebanggaan bandar ini. Dilarang meminum haiwan daripadanya, mengambil air dalam tong arak atau dalam pinggan mangkuk yang tidak dibasuh. Muzium bandar telah mengekalkan serpihan patung berbaring yang dibuat oleh Arnolfo di Cambio untuk air pancut. Dalam angka ini, pengukir berjaya menyampaikan semua kekayaan pergerakan tubuh manusia.
Melukis
Dalam seni Renaissance Itali, lukisan dinding menduduki tempat yang dominan. Ia dibuat dalam teknik fresco. Dengan cat yang disediakan di atas air, mereka menulis sama ada pada plaster basah (sebenarnya lukisan dinding) atau kering - teknik ini dipanggil "secco" (diterjemahkan dari bahasa Itali - "kering"). Pengikat utama plaster adalah kapur. Kerana kapur mengambil sedikit masa untuk kering, lukisan fresco terpaksa dilakukan dengan cepat, selalunya di bahagian, di antaranya terdapat jahitan penyambung. Dari separuh kedua abad XV. teknik lukisan dinding mula ditambah dengan lukisan secco; yang terakhir dibenarkan untuk kerja yang lebih perlahan dan membenarkan penamat bahagian. Kerja pada mural didahului oleh pengeluaran sinopia - lukisan tambahan yang digunakan di bawah lukisan dinding pada lapisan pertama plaster. Lukisan ini dibuat dengan oker merah, yang dilombong dari tanah liat berhampiran bandar Sinop, yang terletak di pantai Laut Hitam. Mengikut nama bandar itu, cat itu dipanggil Sinop, atau sinopia, kemudian lukisan itu sendiri mula dipanggil dengan cara yang sama. Sinopia digunakan dalam lukisan Itali dari abad ke-13 hingga pertengahan abad ke-15. Walau bagaimanapun, tidak semua pelukis menggunakan bantuan sinopia - sebagai contoh, Giotto di Bondone, wakil paling terkemuka era Proto-Renaissance, melakukannya tanpa mereka. Secara beransur-ansur, synopia telah ditinggalkan. Dari pertengahan abad XV. Kadbod digunakan secara meluas dalam lukisan - lukisan persediaan yang dibuat di atas kertas atau pada kain dalam saiz kerja masa depan. Kontur lukisan dipindahkan ke plaster basah dengan bantuan habuk arang batu. Ia ditiup melalui lubang yang ditembusi dalam kontur dan ditekan ke dalam plaster dengan beberapa alat tajam. Kadang-kadang synopia dari lakaran lakaran bertukar menjadi lukisan monumental yang telah siap, dan kadbod memperoleh nilai karya lukisan bebas.
Pengasas gaya lukisan Itali baharu ialah Cimabue (sebenarnya Cenny di Pepo, c. 1240 - c. 1302). Cimabue terkenal di Florence sebagai ahli lukisan dan ikon altar yang khidmat. Imejnya dicirikan oleh abstraksi dan watak statik. Dan walaupun Cimabue mengikuti tradisi Byzantine dalam karyanya, dalam karyanya dia cuba untuk menyatakan perasaan duniawi, melembutkan ketegaran kanon Byzantine.
Piero Cavallini (antara 1240 dan 1250 - sekitar 1330) tinggal dan bekerja di Rom. Beliau ialah pengarang mozek Gereja Santa Maria di Trastevere (1291), serta lukisan dinding Gereja Santa Cecilia di Trastevere (sekitar 1293). Dalam karyanya, Cavallini memberikan isipadu dan kewujudan borang.
Pencapaian Cavallini diterima pakai dan diteruskan Giotto di Bondone(1266 atau 1267 - 1337), artis terhebat Proto-Renaissance. Nama Giotto dikaitkan dengan giliran dalam perkembangan lukisan Itali, rehatnya dengan kanun artistik zaman pertengahan dan tradisi seni Italo-Byzantine abad ke-13. Karya Giotto yang paling terkenal ialah lukisan Kapel Arena di Padua (1304-06). Lukisan dinding dibezakan oleh kejelasannya, naratif yang tidak rumit, kehadiran butiran setiap hari yang memberikan daya hidup dan semula jadi kepada adegan yang digambarkan. Menolak kanun gereja yang mendominasi seni pada masa itu, Giotto menggambarkan wataknya sebagai serupa dengan orang sebenar: dengan badan yang berkadar, mencangkung, muka bulat (bukannya memanjang), potongan mata yang betul, dsb. Orang-orang kudus-Nya tidak melayang di atas tanah, tetapi berdiri teguh di atasnya dengan kedua kaki. Mereka lebih memikirkan perkara duniawi daripada perkara syurgawi, mengalami perasaan dan emosi manusia sepenuhnya. Buat pertama kali dalam sejarah lukisan Itali, keadaan minda wira lukisan disampaikan melalui ekspresi muka, gerak isyarat, postur. Daripada latar belakang emas tradisional, lukisan dinding Giotto menggambarkan landskap, dalaman atau kumpulan arca pada fasad basilika.
Pada separuh kedua abad XIV. sekolah Siena yang indah terserlah. Sarjana terbesar dan paling halus lukisan Sienese abad XIV. ialah Simone Martini (c. 1284-1344). Berus Simone Martini adalah yang pertama dalam sejarah seni yang menggambarkan peristiwa sejarah tertentu dengan potret kontemporari. Imej ini" Condottiere Guidoriccio da Fogliano"di bilik Mappamondo (Peta Dunia) di Palazzo Publico (Siena), yang merupakan prototaip untuk banyak potret ekuestrian masa hadapan. Mezbah The Annunciation oleh Simone Martini, kini disimpan di Galeri Uffizi di Florence, menikmati kemasyhuran yang sewajarnya.
Ciri-ciri Renaissance. Proto-Renaissance
Ciri-ciri Renaissance
Renaissance awal
Pada abad XV. seni Itali menduduki kedudukan yang dominan dalam kehidupan seni Eropah. Asas budaya sekular humanistik (iaitu, bukan gerejawi) diletakkan di Florence, yang mendorong Siena dan Pisa menjadi latar belakang. Kuasa politik di sini adalah milik saudagar dan tukang, pengaruh paling kuat terhadap hal ehwal bandar dilakukan oleh beberapa keluarga kaya, yang sentiasa bersaing antara satu sama lain. Perjuangan ini berakhir pada akhir abad ke-14. kemenangan rumah perbankan Medici. Kepalanya, Cosimo de' Medici, menjadi penguasa Florence yang tidak terucap. Penulis, penyair, saintis, arkitek, artis berbondong-bondong ke mahkamah Cosimo Medici. Budaya Renaissance Florence mencapai kemuncaknya di bawah Lorenzo de' Medici, yang digelar Magnificent. Lorenzo adalah penaung seni dan sains yang hebat, pencipta Akademi Platonik, di mana minda cemerlang Itali, penyair dan ahli falsafah berkumpul, di mana perdebatan halus diadakan yang menaikkan semangat dan minda.
Seni bina
Di bawah Cosimo dan Lorenzo Medici, revolusi sebenar berlaku dalam seni bina Florence: pembinaan yang luas telah dilancarkan di sini, yang mengubah wajah bandar dengan ketara. Nenek moyang seni bina Renaissance di Itali ialah Filippo Brunelleschi(1377-1446) - arkitek, pengukir dan saintis, salah seorang pencipta teori saintifik perspektif. Pencapaian kejuruteraan terbesar Brunelleschi ialah pembinaan kubah. Katedral Santa Maria del Fiore di Florence. Terima kasih kepada genius matematik dan teknikalnya, Brunelleschi berjaya menyelesaikan masalah paling sukar pada zamannya. Kesukaran utama yang dihadapi oleh tuan adalah disebabkan oleh jarak gergasi salib tengah (42 m), yang memerlukan usaha khas untuk memudahkan penyebaran. Brunelleschi menyelesaikan masalah dengan menggunakan reka bentuk yang bijak: kubah berongga ringan yang terdiri daripada dua cengkerang, sistem rangka lapan rusuk galas yang disambungkan oleh cincin yang mengelilinginya, tanglung cahaya yang menutup dan memuatkan gerbang. Kubah Katedral Santa Maria del Fiore menjadi pelopor kepada banyak gereja berkubah di Itali dan negara-negara Eropah yang lain.
Brunelleschi adalah salah seorang yang pertama dalam seni bina Itali yang memahami secara kreatif dan pada asalnya mentafsir sistem susunan kuno ( Ospedale degli Innocenti (Shelter for foundlings), 1421-44), menandakan permulaan penciptaan gereja berkubah berdasarkan susunan kuno ( Gereja San Lorenzo ). Permata sebenar Zaman Renaissance Awal telah dicipta oleh Brunelleschi yang ditugaskan oleh keluarga Florentine yang kaya Kapel Pazzi(bermula pada 1429). Kemanusiaan dan puisi karya Brunelleschi, perkadaran harmoni, ringan dan keanggunan bangunannya, mengekalkan hubungan dengan tradisi Gothic, kebebasan kreatif dan kesahihan saintifik ideanya menentukan pengaruh besar Brunelleschi terhadap perkembangan seni bina Renaissance yang seterusnya.
Salah satu pencapaian utama seni bina Itali abad XV. ialah penciptaan jenis baru istana bandar, palazzo, yang berfungsi sebagai model untuk bangunan awam pada masa kemudian. Ciri-ciri palazzo abad ke-15 adalah pembahagian yang jelas bagi volum tertutup bangunan kepada tiga tingkat, halaman terbuka dengan arked lantai musim panas, penggunaan karat (batu dengan permukaan hadapan yang agak serong atau cembung) untuk pelapisan fasad, serta cornice hiasan yang dilanjutkan dengan kuat. . Contoh menarik gaya ini ialah pembinaan modal pelajar Brunelleschi Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), arkitek mahkamah keluarga Medici, - Palazzo Medici - Riccardi (1444-60), yang berfungsi sebagai model untuk pembinaan banyak istana Florentine. Penciptaan Michelozzo sudah hampir Palazzo Strozzi(diasaskan pada 1481), yang dikaitkan dengan nama arkitek dan pengukir Benedetto da Maiano (1442-97).
Tempat istimewa dalam sejarah seni bina Itali diduduki oleh Leon Battista Alberti(1404-72). Seorang lelaki yang berbakat dan berpendidikan luas, dia adalah salah seorang humanis yang paling cemerlang pada zamannya. Pelbagai minatnya luar biasa pelbagai. Ia meliputi moral dan undang-undang, matematik, mekanik, ekonomi, falsafah, puisi, muzik, lukisan, arca, seni bina. Seorang penggaya yang cemerlang, Alberti meninggalkan banyak karya dalam bahasa Latin dan Itali. Di Itali dan di luar negara, Alberti memperoleh kemasyhuran sebagai ahli teori seni yang cemerlang. Risalah terkenal "Sepuluh Buku Seni Bina" (1449-52), "Mengenai Lukisan", "Pada Patung" (1435-36) adalah milik penanya. Tetapi seni bina adalah kerjaya utama Alberti. Dalam kerja seni bina, Alberti tertarik kepada penyelesaian eksperimen yang berani, secara inovatif menggunakan warisan seni purba. Alberti mencipta jenis baru istana kota ( Palazzo Rucellai ). Dalam seni bina keagamaan, berusaha untuk kemegahan dan kesederhanaan, Alberti menggunakan motif gerbang kemenangan Rom dan arked dalam reka bentuk fasad ( Gereja Sant'Andrea di Mantua, 1472-94). Nama Alberti berhak dianggap sebagai salah satu yang pertama di kalangan pencipta besar budaya Renaissance Itali.
arca
Pada abad XV. Arca Itali, yang telah memperoleh kepentingan bebas bebas daripada seni bina, berkembang pesat. Pesanan untuk hiasan bangunan awam mula memasuki amalan kehidupan artistik; pertandingan seni diadakan. Salah satu pertandingan ini - untuk pembuatan gangsa pintu utara kedua baptistery Florentine (1401) - dianggap sebagai acara penting yang dibuka. halaman baharu dalam sejarah arca Renaissance Itali. Kemenangan itu dimenangi oleh Lorenzo Ghiberti (1381-1455).
Salah seorang yang paling berpendidikan pada zamannya, ahli sejarah pertama seni Itali, pelukis yang cemerlang, Ghiberti menumpukan hidupnya kepada satu jenis arca - relief. Prinsip utama seninya Ghiberti menganggap keseimbangan dan keharmonian semua elemen imej. Kemuncak karya Ghiberti ialah pintu timur florence baptistery (1425-52), yang mengabadikan nama tuan. Hiasan pintu termasuk sepuluh gubahan persegi yang diperbuat daripada gangsa berlapis emas (" Penciptaan Adam dan Hawa”), dengan ekspresi luar biasa mereka mengingatkan lukisan yang indah. Artis berjaya menyampaikan kedalaman ruang, tepu dengan gambar alam semula jadi, angka orang, struktur seni bina. Dengan tangan ringan Michelangelo, pintu timur pembaptisan Florentine mula dipanggil "Pintu Syurga".
Bengkel Ghiberti menjadi sekolah untuk seluruh generasi artis, khususnya, Donatello yang terkenal, pembaharu besar arca Itali, bekerja di sana. Karya Donatello (c. 1386-1466), yang menyerap tradisi demokrasi budaya Florence pada abad ke-14, adalah salah satu puncak dalam perkembangan seni Renaissance Awal. Ia merangkumi pencarian cara baru yang realistik untuk menggambarkan realiti, ciri seni Renaissance, perhatian rapat kepada manusia dan dunia rohaninya. Pengaruh karya Donatello terhadap perkembangan seni Renaissance Itali sangat besar.
Generasi kedua pemahat Florentine tertarik kepada seni yang lebih lirikal, damai dan sekular. Peranan utama di dalamnya adalah milik keluarga pengukir della Robbia. Ketua keluarga, Lucca della Robbia (1399/1400 - 1482), menjadi terkenal kerana penggunaan teknik sayu dalam arca bulat dan relief. Teknik glaze (majolica), yang dikenali dari zaman purba kepada orang-orang Asia Kecil, telah dibawa ke Semenanjung Iberia dan pulau Majorca (maka namanya) pada Zaman Pertengahan, dan kemudian tersebar luas di Itali. Lucca della Robbia mencipta medali dengan relief pada latar belakang biru tua untuk bangunan dan mezbah, kalungan bunga dan buah-buahan, patung majolica Madonna, Kristus dan orang-orang kudus. Seni yang ceria, anggun dan baik hati tuan ini mendapat pengiktirafan yang sewajarnya daripada rakan seangkatannya. Kesempurnaan hebat dalam teknik majolica juga dicapai oleh anak saudaranya Andrea della Robbia (1435-1525) ( relief pada muka hadapan Ospedale degli Innocenti).
Melukis
Peranan besar yang dimainkan Brunelleschi dalam seni bina Zaman Renaissance Awal, dan Donatello dalam arca, dimiliki oleh Masaccio (1401-1428) dalam lukisan. Masaccio meninggal dunia muda, sebelum mencapai usia 27 tahun, namun dia berjaya melakukan banyak perkara dalam lukisan. Ahli sejarah seni terkenal Vipper berkata: "Masaccio adalah salah seorang jenius yang paling bebas dan konsisten dalam sejarah lukisan Eropah, pengasas realisme baru ..." Meneruskan pencarian Giotto, Masaccio dengan beraninya memecahkan tradisi seni zaman pertengahan. Dalam lukisan "Trinity"(1426-27), dicipta untuk gereja Santa Maria Novella di Florence, Masaccio menggunakan perspektif penuh buat kali pertama dalam lukisan dinding. Dalam mural Kapel Brancacci Gereja Santa Maria del Carmine di Florence (1425-28) - ciptaan utama kehidupannya yang singkat - Masaccio memberikan imej daya hidup yang belum pernah terjadi sebelumnya, menekankan fizikal dan monumentaliti watak-wataknya, dengan mahir menyampaikan keadaan emosi kedalaman psikologi imej. Dalam Fresco "Pengusiran dari Syurga" artis menyelesaikan tugas paling sukar pada zamannya untuk menggambarkan sosok manusia telanjang. Seni Masaccio yang keras dan berani mempunyai kesan yang besar terhadap budaya seni Renaissance.
Perkembangan lukisan Renaissance Awal adalah samar-samar: para artis pergi sendiri, kadang-kadang dengan cara yang berbeza. Permulaan sekular, keinginan untuk naratif yang menarik, perasaan duniawi yang berlirik didapati jelas dalam karya Fra Filippo Lippi (1406-69), seorang sami dari ordo Karmelit. Tuan yang menawan, pengarang ramai gubahan mezbah, antaranya gambar itu dianggap terbaik « Pemujaan Anak » dicipta untuk kapel di Palazzo Medici - Riccardi, Filippo Lippi berjaya menyampaikan kemesraan manusia dan cinta puitis terhadap alam semula jadi dalam diri mereka.
Pada pertengahan abad XV. lukisan Itali Tengah mengalami berbunga pesat, contoh utama kreativiti mana yang boleh digunakan Piero della Francesca(1420-92), artis terhebat dan ahli teori seni Renaissance. Ciptaan Piero della Francesca yang paling menakjubkan - kitaran lukisan dinding di gereja San Francesco di Arezzo, yang berdasarkan legenda Pohon Salib Pemberi Kehidupan. Lukisan dinding tiga peringkat menjejaki sejarah salib yang memberi kehidupan sejak awal lagi, apabila pohon suci tumbuh dari benih pohon syurga pengetahuan tentang kebaikan dan kejahatan di atas kubur Adam. ("Kematian Adam") sehingga akhir, apabila maharaja Byzantine Heraclius dengan sungguh-sungguh mengembalikan relik Kristian ke Baitulmaqdis (« Pertempuran antara Heraclius dan Chosroes » ). Karya Piero della Francesca melangkaui sekolah lukisan tempatan dan menentukan perkembangan seni Itali secara umum.
Pada separuh kedua abad ke-15, ramai tukang berbakat bekerja di utara Itali di bandar Verona, Ferrara, dan Venice. Antara pelukis pada masa ini, yang paling terkenal ialah Andrea Mantegna (1431-1506) - seorang ahli lukisan kuda-kuda dan monumental, pelukis pelukis dan pengukir, pengukir dan arkitek. Cara bergambar artis dibezakan dengan mengejar bentuk dan lukisan, ketegasan dan kebenaran imej umum. Terima kasih kepada kedalaman spatial dan sifat arca figura, Mantegna mencapai kesan adegan sebenar yang membeku seketika - wataknya kelihatan begitu besar dan semula jadi. Kebanyakan hidupnya Mantegna tinggal di Mantua, di mana dia mencipta karyanya yang paling terkenal - mural "Chamber degli Sposi" di istana desa Marquis L. Gonzaga. Dengan cara melukis sahaja, dia mencipta dalaman Renaissance yang mewah di sini, tempat untuk majlis resepsi dan percutian. Seni Mantegna, yang menikmati kemasyhuran hebat, mempengaruhi keseluruhan lukisan Itali utara.
Tempat istimewa dalam lukisan Zaman Renaissance Awal adalah milik Sandro Botticelli(sebenarnya Alessandro di Mariano Filipepi), yang dilahirkan pada tahun 1445 di Florence dalam keluarga seorang penyamak kulit yang kaya. Pada tahun 1459-64. lelaki muda itu belajar melukis dengan tuan terkenal Florentine Filippo Lippi. Pada tahun 1470 beliau membuka bengkelnya sendiri di Florence, dan pada tahun 1472 beliau menjadi ahli Guild of St. Luke.
Penciptaan pertama Botticelli adalah komposisi "Kekuatan", yang dilakukannya untuk mahkamah pedagang Florence. Artis muda itu dengan cepat mendapat kepercayaan pelanggan dan mendapat kemasyhuran, yang menarik perhatian Lorenzo the Magnificent, penguasa baru Florence, menjadi tuan dan kegemaran istananya. Botticelli melaksanakan kebanyakan lukisannya untuk rumah duke dan keluarga bangsawan Florentine yang lain, serta untuk gereja, biara dan bangunan awam di Florence.
Separuh kedua tahun 1470-an dan 1480-an menjadi bagi Botticelli tempoh berbunga kreatif. Untuk fasad utama gereja Santa Maria Novella, dia menulis komposisi " Pemujaan orang Majusi"- sejenis mitos potret kumpulan keluarga Medici. Beberapa tahun kemudian, artis mencipta alegori mitologi terkenalnya "Spring".
Pada tahun 1481, Pope Sixtus IV mengarahkan sekumpulan pelukis, di antaranya ialah Botticelli, untuk menghiasi kapelnya dengan lukisan dinding, yang kemudiannya menerima nama "Sistine". Lukisan dinding di Kapel Sistine oleh Botticelli Godaan Kristus », « Adegan dari kehidupan Musa », « Hukuman Korea, Datan dan Aviron". Dalam beberapa tahun akan datang, Botticelli menyelesaikan satu siri 4 lukisan dinding berdasarkan cerita pendek dari Decameron Boccaccio, mencipta karya mitologinya yang paling terkenal (“The Birth of Venus”, “ Pallas dan Centaur”), serta beberapa gubahan mezbah untuk gereja-gereja Florentine (“ Pertabalan Perawan Maria », « Altar San Barnaba"). Berkali-kali dia berpaling kepada imej Madonna (" Madonna del Magnificat », « Madonna dengan delima », « Madonna dengan sebuah buku”), juga bekerja dalam genre potret (“ Potret Giuliano Medici”, “Potret seorang wanita muda”, “Potret seorang lelaki muda”).
Pada tahun 1490-an, semasa tempoh pergerakan sosial yang menggoncang Florence dan khutbah mistik sami Savonarola, nota moral dan drama muncul dalam seni Botticelli ("Fitnah", " Ratapan untuk Kristus », « natal mistik"). Di bawah pengaruh Savonarola, dalam keadaan memuliakan agama, artis itu bahkan memusnahkan beberapa karyanya. Pada pertengahan 1490-an, dengan kematian Lorenzo the Magnificent dan pengusiran anaknya Pietro dari Florence, Botticelli kehilangan kemasyhurannya sebagai artis yang hebat. Dilupakan, dia diam-diam menjalani hidupnya di rumah saudara Simon. Pada tahun 1510 artis itu meninggal dunia.
Seni indah Botticelli dengan unsur-unsur penggayaan (iaitu generalisasi imej menggunakan teknik konvensional - penyederhanaan warna, bentuk dan kelantangan) dianggap sebagai salah satu kemuncak perkembangan lukisan. Seni Botticelli, tidak seperti kebanyakan sarjana Renaissance awal, adalah berdasarkan pengalaman peribadi. Sangat sensitif dan ikhlas, Botticelli melalui jalan yang sukar dan tragis dalam pencarian kreatif - daripada persepsi puitis tentang dunia pada masa mudanya kepada mistik dan kemuliaan agama ketika dewasa.
KEBANGKITAN AWAL
KEBANGKITAN AWAL
Renaissance Tinggi
Renaisans Tinggi, yang memberikan manusia tuan besar seperti Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione, Titian, Bramante, merangkumi tempoh masa yang agak singkat - penghujung abad ke-15 dan sepertiga pertama abad ke-16. Hanya di Venice perkembangan seni berterusan sehingga pertengahan abad ini.
Peralihan asas yang berkaitan dengan peristiwa penting dalam sejarah dunia, kejayaan pemikiran saintifik yang maju, tanpa henti mengembangkan idea orang tentang dunia - bukan sahaja tentang bumi, tetapi juga tentang ruang angkasa. persepsi dunia dan keperibadian manusia seolah-olah diperbesarkan; dalam kreativiti artistik, ini dicerminkan bukan sahaja dalam skala megah struktur seni bina, monumen, kitaran fresco dan lukisan yang sungguh-sungguh, tetapi juga dalam kandungannya, ekspresi imej. Seni Zaman Renaissance Tinggi ialah proses artistik yang meriah dan kompleks dengan kecemerlangan yang mempesonakan dan krisis-krisis berikutnya.
Donato Bramante.
Rom menjadi pusat seni bina High Renaissance, di mana satu gaya klasik dibentuk berdasarkan penemuan dan kejayaan terdahulu. Sarjana secara kreatif menggunakan sistem pesanan purba, mencipta struktur, monumentaliti megah yang selaras dengan era. Donato Bramante (1444-1514) menjadi wakil terbesar seni bina High Renaissance. Bangunan Bramante dibezakan oleh monumentaliti dan kemegahan, kesempurnaan harmoni perkadaran, integriti dan kejelasan penyelesaian komposisi dan ruang, dan penggunaan bebas, kreatif bentuk klasik. tertinggi pencapaian kreatif Bramante adalah pembinaan semula Vatican (arkitek sebenarnya mencipta bangunan baru, secara organik termasuk bangunan lama yang bertaburan di dalamnya). Bramante juga mengarang reka bentuk Katedral St. Peter di Rom. Dengan kerjanya, Bramante menentukan perkembangan seni bina pada abad ke-16.
Leonardo da Vinci.
Dalam sejarah umat manusia tidak mudah untuk mencari orang lain yang secemerlang pengasas seni Renaissance Tinggi. Leonardo da Vinci(1452-1519). Sifat menyeluruh aktiviti artis, pengukir, arkitek, saintis dan jurutera hebat ini menjadi jelas hanya apabila manuskrip yang bertaburan dari warisannya diteliti, berjumlah lebih tujuh ribu helaian yang mengandungi projek, ciptaan dan lakaran saintifik dan seni bina. Sukar untuk menamakan bidang pengetahuan yang tidak akan disentuh oleh geniusnya. Universalisme Leonardo sangat tidak dapat difahami sehingga penulis biografi terkenal tokoh-tokoh Renaissance, Giorgio Vasari, tidak dapat menjelaskan fenomena ini selain daripada campur tangan syurga: "Apa pun yang orang ini berpaling, setiap tindakannya membawa cap keilahian."
Dalam "Treatise on Painting" (1498) yang terkenal dan nota lain, Leonardo memberi perhatian yang besar kepada kajian tubuh manusia, maklumat mengenai anatomi, perkadaran, hubungan antara pergerakan, ekspresi muka dan keadaan emosi seseorang. Leonardo juga sibuk dengan masalah chiaroscuro, pemodelan volumetrik, perspektif linear dan udara. Leonardo memberi penghormatan bukan sahaja kepada teori seni. Dia mencipta beberapa altarpieces dan potret yang mengagumkan. Berus Leonardo tergolong dalam salah satu karya lukisan dunia yang paling terkenal - "Mona Lisa" ("La Gioconda"). Leonardo mencipta imej arca monumental, mereka bentuk dan membina struktur seni bina. Leonardo kekal sebagai salah satu personaliti paling berkarisma Renaissance hingga ke hari ini. Sebilangan besar buku dikhaskan kepadanya, hidupnya dipelajari dengan cara yang paling terperinci. Dan, bagaimanapun, banyak karyanya masih menjadi misteri dan terus mengujakan minda orang ramai.
Rafael Santi.
Seni Raphael Santi (1483-1520) juga tergolong dalam ketinggian Renaissance Itali. Idea keindahan dan keharmonian yang luhur dikaitkan dengan karya Raphael dalam sejarah seni dunia. Secara amnya diterima bahawa dalam buruj sarjana cemerlang Zaman Renaissance Tinggi, Raphael yang merupakan pembawa utama keharmonian. Perjuangan tanpa henti untuk permulaan yang cerah dan sempurna merangkumi semua kerja Raphael, membentuk makna dalamannya. Karyanya sangat menarik dalam keanggunan semula jadinya (" Sistine Madonna"). Mungkin itulah sebabnya tuan itu mendapat populariti yang luar biasa di kalangan orang ramai dan mempunyai ramai pengikut di kalangan artis pada setiap masa. Raphael bukan sahaja seorang pelukis yang menakjubkan, pelukis potret, tetapi juga seorang muralis yang bekerja dalam teknik fresco, seorang arkitek, dan penghias. Semua bakat ini ditunjukkan dengan kekuatan tertentu dalam lukisannya tentang pangsapuri Pope Julius II di Vatican (" Sekolah Athens "). Dalam seni artis yang cemerlang imej baru seorang lelaki Renaissance dilahirkan - cantik, harmoni, sempurna dari segi fizikal dan rohani.
Michelangelo Buonarotti.
Kontemporari Leonardo da Vinci dan Rafael adalah saingan abadi mereka - Michelangelo Buonarroti, tuan terhebat Zaman Renaissance Tinggi - pengukir, pelukis, arkitek dan penyair. saya cara kreatif titan zaman renaissance ini bermula dengan arca. Patung-patungnya yang besar telah menjadi simbol seorang lelaki baru - seorang wira dan pejuang ("David"). Tuan itu mendirikan banyak struktur seni bina dan arca, yang paling terkenal ialah Medici Chapel di Florence. Kemegahan karya-karya ini dibina atas ketegangan perasaan watak-watak ( Sarcophagus Giuliano de' Medici). Tetapi yang terkenal adalah lukisan oleh Michelangelo di Vatican, di Kapel Sistine, di mana dia membuktikan dirinya sebagai seorang pelukis yang cemerlang. Mungkin tiada seorang pun dalam dunia seni, baik sebelum mahupun selepas Michelangelo, telah mencipta watak-watak yang begitu kuat dalam badan dan semangat (“ Penciptaan Adam"). Lukisan dinding yang besar dan sangat kompleks di siling dibuat oleh artis sahaja, tanpa pembantu; sehingga hari ini ia kekal sebagai karya monumental lukisan Itali yang tiada tandingannya. Tetapi sebagai tambahan kepada mural siling Kapel Sistine, tuannya, yang sudah tua, mencipta "Penghakiman Terakhir" yang sangat menginspirasi - simbol keruntuhan cita-cita era agungnya.
Michelangelo banyak bekerja dan membuahkan hasil dalam seni bina, khususnya, dia menyelia pembinaan Katedral St. Peter dan ensemble Dataran Capitol di Rom. Karya Michelangelo yang hebat membentuk seluruh era dan jauh mendahului zamannya, ia memainkan peranan besar dalam seni dunia, khususnya, ia mempengaruhi pembentukan prinsip-prinsip Baroque.
Giorgione dan Titian.
Dalam sejarah seni Renaissance Tinggi, Venice memasuki halaman yang cerah, di mana lukisan berada di puncaknya. Giorgione dianggap sebagai sarjana pertama Renaissance Tinggi di Venice. Seninya sangat istimewa. Semangat keharmonian yang jelas dan beberapa renungan dan lamunan intim yang istimewa menguasainya. Dia sering menulis keindahan yang menggembirakan, dewi sebenar. Biasanya ini adalah fiksyen puitis - penjelmaan impian paip, kekaguman untuk perasaan romantis dan wanita cantik. Dalam lukisannya terdapat sedikit keghairahan sensual, keseronokan manis, kebahagiaan yang tidak wajar. Dengan seni Giorgione, lukisan Venetian memperoleh kepentingan semua-Itali, menegaskan ciri-ciri seninya.
Titian masuk turun dalam sejarah seni Itali sebagai titan dan ketua sekolah Venetian, sebagai simbol zaman kegemilangannya. Dalam karya artis ini, nafas era baru ditunjukkan dengan kekuatan khas - ribut, tragis, sensual. Karya Titian dibezakan oleh liputan jenis dan genre lukisan yang sangat luas dan serba boleh. Titian adalah salah seorang pengasas lukisan mezbah monumental, landskap as genre bebas, pelbagai jenis potret, termasuk upacara khusyuk. Dalam karyanya imej yang sempurna berdampingan dengan watak terang, konflik tragis - dengan adegan kegembiraan yang menggembirakan, gubahan keagamaan - dengan lukisan mitologi dan sejarah.
Titian membangunkan teknik lukisan baharu yang mempunyai pengaruh luar biasa terhadap perkembangan selanjutnya seni halus dunia, sehingga abad ke-20. Titian tergolong dalam ahli pewarna terhebat lukisan dunia. Lukisannya bersinar dengan emas dan rangkaian kompleks warna bercahaya bergetar. Titian, yang hidup selama hampir satu abad, terselamat daripada keruntuhan cita-cita Renaissance, karya tuan adalah separuh daripada Renaissance Akhir. Wiranya, yang memasuki perjuangan menentang pasukan musuh, mati, tetapi mengekalkan kehebatannya. Pengaruh bengkel besar Titian menjejaskan semua seni Venice.
KEBANGKITAN TINGGI
KEBANGKITAN TINGGI
Renaissance lewat
Pada separuh kedua abad XVI. di Itali, kemerosotan ekonomi dan perdagangan semakin berkembang, Katolik memasuki perjuangan dengan budaya kemanusiaan, seni berada dalam krisis yang mendalam. Ia menguatkan kecenderungan anti-Renaissance, yang terkandung dalam sikap. Walau bagaimanapun, Mannerisme hampir tidak menjejaskan Venice, yang pada separuh kedua abad ke-16 menjadi pusat utama seni Renaissance Akhir. Selaras dengan tradisi Renaissance humanistik yang tinggi, dalam keadaan sejarah baru di Venice, karya tuan besar Renaissance Akhir, diperkaya dengan bentuk baru, dibangunkan - Palladio, Veronese, Tintoretto.
Andrea Palladio
Karya arkitek Itali utara Andrea Palladio (1508-80), berdasarkan kajian mendalam seni bina purba dan Renaissance, adalah salah satu kemuncak dalam seni Renaissance Akhir. Palladio mengembangkan prinsip seni bina, yang dibangunkan dalam seni bina klasikisme Eropah pada abad ke-17-18. dan menerima nama Palladianisme. Arkitek menggariskan ideanya dalam karya teori Four Books on Architecture (1570). Bangunan Palladio (terutamanya istana dan vila bandar) penuh dengan keindahan dan keaslian yang anggun, kesempurnaan harmoni dan keteraturan yang ketat, ia dibezakan dengan kejelasan dan kesesuaian perancangan dan hubungan organik dengan alam sekitar ( Palazzo Chiericati). Keupayaan untuk mengharmonikan seni bina dengan landskap sekeliling terserlah dengan kekuatan tertentu di vila Palladio, disemai dengan rasa alam semula jadi yang anggun dan tercerahkan serta ditandai dengan kejelasan klasik dan kesederhanaan bentuk dan komposisi ( Vila Capra (Rotonda)). Palladio mencipta bangunan teater monumental pertama di Itali, Teatro Olimpico. Pengaruh Palladio terhadap perkembangan seni bina pada abad-abad berikutnya adalah sangat besar.
Veronese dan Tintoretto..
Sifat perayaan Venetian Renaissance yang menyerlahkan kehidupan paling jelas ditunjukkan dalam karya Paolo Veronese. Seorang artis yang monumental, dia mencipta ensembel dekoratif lukisan dinding dan siling yang mengagumkan dengan banyak watak dan butiran yang menghiburkan. Veronese dicipta gaya sendiri: lukisannya yang menakjubkan dan menakjubkan penuh dengan emosi, keghairahan dan kehidupan, dan wira, bangsawan Venetian, biasanya terletak di istana patrician atau berlatar belakangkan alam semula jadi yang mewah. Mereka terbawa-bawa oleh pesta besar-besaran atau perayaan yang mempesonakan (“Perkahwinan di Kana”). Veronese adalah penguasa Venice yang meriah, kejayaannya, penyair kecemerlangan keemasannya. Veronese mempunyai hadiah yang luar biasa sebagai seorang pewarna. Warna-warnanya meresap dengan cahaya, sengit dan tidak hanya memberikan objek dengan warna, tetapi mereka sendiri berubah menjadi objek, berubah menjadi awan, kain, tubuh manusia. Disebabkan ini, keindahan sebenar figura dan objek didarabkan dengan keindahan warna dan tekstur, yang menghasilkan kesan emosi yang kuat kepada penonton.
Lawan lengkap Veronese ialah Tintoretto kontemporarinya (1518-94) - sarjana utama terakhir Renaissance Itali. Banyaknya pengaruh artistik luaran terlarut dalam keperibadian kreatif unik Tintoretto. Dalam karyanya, dia adalah sosok raksasa, pencipta perangai gunung berapi, nafsu ganas dan intensiti heroik. Kerja beliau adalah satu kejayaan besar baik di kalangan sezaman dan generasi seterusnya. Tintoretto dibezakan oleh keupayaan yang benar-benar tidak berperikemanusiaan untuk bekerja, pencarian tanpa jemu. Dia merasakan tragedi zamannya lebih tajam dan mendalam daripada kebanyakan orang sezamannya. Tuannya memberontak terhadap tradisi yang telah ditetapkan dalam seni visual - pematuhan simetri, keseimbangan yang ketat, statik; memperluaskan sempadan ruang, tepu dengan dinamik, tindakan dramatik, mula meluahkan perasaan manusia dengan lebih jelas. 1590 . Seni Mannerisme bertolak dari cita-cita Renaissance tentang persepsi harmoni dunia. Manusia berada di bawah rahmat kuasa ghaib. Dunia kelihatan tidak stabil, goyah, dalam keadaan reput. Imej mannerist penuh dengan kebimbangan, kegelisahan, ketegangan. Artis bergerak dari alam semula jadi, berusaha untuk mengatasinya, mengikuti karyanya subjektif " idea dalaman”, asasnya bukan dunia nyata, tetapi imaginasi kreatif; cara persembahan ialah "cara yang indah" sebagai jumlah teknik tertentu. Antaranya ialah pemanjangan angka yang sewenang-wenangnya, irama serpentin yang kompleks, ketidaknyamanan ruang dan cahaya yang hebat, dan kadang-kadang warna menusuk sejuk.
Jacopo Pontormo (1494-1556) adalah ahli cara yang terbesar dan paling berbakat, seorang pelukis takdir kreatif yang kompleks. Dalam lukisannya yang terkenal Turun dari Salib» gubahannya tidak stabil, rajah-rajahnya pecah, warna terang tajam. Francesco Mazzola, digelar Parmigianino (1503-40) suka menarik perhatian penonton: sebagai contoh, dia menulis " Potret diri dalam cermin cembung". Kesengajaan yang disengajakan membezakan lukisannya yang terkenal " Madonna dengan leher panjang ».
Pelukis mahkamah Medici Agnolo Bronzino (1503-72) terkenal dengan potret upacaranya. Mereka menggemakan era kekejaman berdarah dan kemerosotan moral yang mencengkam kalangan tertinggi masyarakat Itali. Pelanggan mulia Bronzino, seolah-olah, dipisahkan daripada penonton dengan jarak yang tidak kelihatan; kekakuan pose mereka, wajah mereka yang tidak tenang, pakaian mereka yang kaya, gerak-geri tangan depan mereka yang cantik - semua ini seperti cangkerang luar yang menyembunyikan kehidupan yang cacat dalaman. Dalam potret Eleanor dari Toledo dengan anaknya (c. 1545), ketidakbolehcapaian imej yang sejuk dan menyendiri diperkukuh oleh fakta bahawa perhatian penonton diserap sepenuhnya oleh corak besar rata pakaian brokat yang indah milik duchess. Jenis potret mahkamah yang dicipta oleh Mannerists mempengaruhi seni potret abad ke-16-17. di banyak negara Eropah yang lain.
Seni ragam adalah peralihan: Renaissance telah memudar ke masa lalu, masanya telah tiba untuk pan-Eropah baru gaya artistik- barok.
Seni Renaissance Utara.
Negara-negara Eropah Utara tidak mempunyai masa lampau mereka, tetapi zaman Renaissance menonjol dalam sejarah mereka: dari giliranXV – XVIuntuk separuh masa keduaXVIIabad. Masa ini dibezakan oleh penembusan cita-cita Renaissance ke dalam pelbagai bidang budaya dan perubahan secara beransur-ansur dalam gayanya. Seperti di tempat kelahiran Renaissance, dalam seni Renaissance Utara, minat dalam dunia sebenar mengubah bentuk seni. Walau bagaimanapun, seni negara-negara utara tidak dicirikan oleh kesedihan lukisan Itali, memuliakan kuasa manusia-titan. Orang-orang burgher (yang dipanggil penduduk bandar kaya) lebih menghargai integriti, kesetiaan kepada tugas dan perkataan, kesucian ikrar perkahwinan dan perapian. Dalam kalangan burgher, cita-cita mereka sendiri tentang seseorang sedang berkembang - seorang yang jelas, tenang, soleh dan suka berniaga. Seni burghers menyajakkan orang biasa biasa dan dunianya - dunia kehidupan seharian dan perkara mudah.
Sarjana Renaissance di Belanda.
Ciri-ciri baru seni Renaissance muncul terutamanya di Belanda, yang merupakan salah satu negara terkaya dan paling perindustrian di Eropah. Oleh kerana hubungan antarabangsanya yang meluas, Belanda menerima pakai penemuan baharu dengan lebih pantas berbanding negara Nordik yang lain.
Gaya Renaissance di Belanda dibuka Jan Van Eyck(1390-1441). Karya beliau yang paling terkenal ialah Altar Ghent, di mana artis itu mula bekerja dengan abangnya, dan terus bekerja selepas kematiannya sendiri selama 6 tahun lagi. Mezbah Ghent, yang dicipta untuk katedral bandar, adalah lipatan dua tingkat, pada 12 papan di mana gambar kehidupan sehari-hari (di papan luar, yang kelihatan apabila lipatan ditutup) dan perayaan, gembira, berubah rupa. kehidupan (di pintu dalam, yang kelihatan terbuka semasa cuti gereja). Ini adalah monumen seni, mengagungkan keindahan kehidupan duniawi. Perasaan emosi Van Eyck - "dunia ini seperti syurga", setiap zarahnya indah - diungkapkan dengan jelas dan jelas. Artis bergantung pada banyak pemerhatian dari alam semula jadi. Semua rajah dan objek mempunyai isipadu dan berat tiga dimensi. Van Eyck bersaudara adalah antara yang pertama menemui kemungkinan lukisan minyak; dari masa ini, anjakan beransur-ansur tempera olehnya bermula.
Pada separuh kedua XVabad, penuh dengan persengketaan politik dan agama, dalam seni Belanda, seni yang kompleks dan unik menonjol Hieronymus Bosch(1450?-1516). Ini adalah artis yang sangat ingin tahu dengan imaginasi yang luar biasa. Dia hidup dalam dunianya sendiri dan dahsyat. Dalam lukisan Bosch terdapat pemeluwapan representasi cerita rakyat zaman pertengahan, montaj aneh yang hidup dan mekanikal, yang dahsyat dan komik. Dalam gubahannya, yang tidak mempunyai pusat, tidak ada watak utama. Ruang dalam beberapa lapisan dipenuhi dengan banyak kumpulan figura dan objek: reptilia yang dibesar-besarkan, kodok, labah-labah, makhluk yang dahsyat di mana bahagian-bahagian makhluk dan objek yang berbeza digabungkan. Tujuan gubahan Bosch ialah pembinaan moral. Bosch tidak menemui keharmonian dan kesempurnaan dalam alam semula jadi, imej iblisnya mengingatkan daya hidup dan kewujudan segala kejahatan dunia, tentang kitaran hidup dan mati.
Lelaki dalam lukisan Bosch itu menyedihkan dan lemah. Jadi, dalam triptych Pengangkutan jerami» artis mendedahkan sejarah umat manusia. Sayap kiri menceritakan kisah kejatuhan Adam dan Hawa, yang kanan menggambarkan Neraka dan segala kengerian yang menanti pendosa di sini. Bahagian tengah gambar menggambarkan peribahasa rakyat "Dunia adalah timbunan jerami, semua orang mengambil daripadanya apa yang dia berjaya ambil." Bosch menunjukkan bagaimana orang berjuang untuk sekeping jerami, mati di bawah roda gerabak, cuba memanjatnya. Di atas gerabak, meninggalkan dunia, kekasih menyanyi dan mencium. Di satu sisi mereka adalah malaikat, dan di sisi lain, syaitan: siapa yang akan menang? Makhluk menyeramkan menyeret kereta ke dunia bawah tanah. Di sebalik semua tindakan manusia, Tuhan memandang dengan kebingungan. Suasana yang lebih suram disemai dengan gambar itu " Memikul Salib”: Kristus memikul salibnya yang berat, dikelilingi oleh orang-orang yang menjijikkan dengan mata yang membonjol dan mulut yang ternganga. Demi mereka Tuhan mengorbankan dirinya, tetapi kematian-Nya di kayu salib akan membuat mereka tidak peduli.
Bosch telah pun meninggal dunia apabila seorang lagi artis terkenal Belanda dilahirkan - Pieter Brueghel the Elder(1525-1569), digelar Muzhitsky untuk banyak lukisan yang menggambarkan kehidupan petani. Brueghel mengambil peribahasa rakyat dan kebimbangan setiap hari orang biasa sebagai asas untuk banyak plot. Kesempurnaan imej lukisan " perkahwinan petani"Dan" tarian petani“membawa kuasa unsur rakyat. Malah lukisan Brueghel pada adegan alkitabiah didiami oleh Belanda, dan peristiwa Yudea yang jauh berlaku dengan latar belakang jalan yang dilitupi salji di bawah langitnya yang redup. negara asal (« Khotbah Yohanes Pembaptis"). Menunjukkan seolah-olah tidak penting, kecil, artis bercakap tentang perkara utama dalam kehidupan orang ramai, mencipta semula semangat zamannya.
Kanvas kecil Pemburu di salji” (Januari) dari siri "The Seasons" dianggap sebagai salah satu karya lukisan dunia yang tiada tandingannya. Pemburu yang letih dengan anjing pulang ke rumah. Bersama-sama dengan mereka, penonton memasuki bukit, dari mana panorama sebuah bandar kecil dibuka. Tebing sungai yang dilitupi salji, pokok-pokok berduri membeku di udara sejuk yang jernih, burung berterbangan, duduk di atas dahan pokok dan bumbung rumah, orang ramai sibuk dengan aktiviti harian mereka. Semua ini seolah-olah remeh, bersama-sama dengan biru langit, pokok hitam, salji putih, mencipta dalam gambar panorama dunia yang artis sangat suka.
Lukisan Brueghel yang paling tragis Perumpamaan Orang Buta“Ditulis oleh artis sejurus sebelum kematiannya. Dia menggambarkan kisah injil"Jika orang buta memimpin orang buta, mereka berdua akan jatuh ke dalam lubang." Mungkin ini adalah imej manusia, dibutakan oleh keinginannya, bergerak menuju kematiannya. Walau bagaimanapun, Brueghel tidak menghakimi, tetapi, memahami undang-undang hubungan orang antara satu sama lain, dengan persekitaran, menembusi intipati sifat manusia, mendedahkan kepada orang sendiri, tempat mereka di dunia.
Lukisan di Jerman semasa Renaissance.
Ciri-ciri Renaissance dalam seni Jerman muncul lebih lewat daripada di Belanda. Zaman kegemilangan humanisme Jerman, sains sekular dan budaya jatuh pada tahun-tahun pertamaXVIV. Ia adalah tempoh yang singkat di mana budaya Jerman memberikan dunia nilai seni tertinggi. Pertama sekali, mereka harus memasukkan karya Albrecht Dürer(1471-1528) - artis terpenting Renaissance Jerman.
Durer adalah wakil tipikal Renaissance, dia seorang pelukis, pengukir, ahli matematik, dan jurutera, dia menulis risalah tentang kubu dan teori seni. hidup potret diri dia kelihatan pintar, mulia, pekat, penuh dengan refleksi falsafah yang mendalam. Dalam lukisan, Dürer tidak berpuas hati dengan kecantikan formal, tetapi berusaha untuk memberikan ekspresi simbolik pemikiran abstrak.
Tempat istimewa dalam warisan kreatif Dürer adalah milik siri Apocalypse, yang merangkumi 15 potongan kayu besar. Dürer menggambarkan ramalan dari "Wahyu John theologian", sebagai contoh, lembaran " empat penunggang kuda"melambangkan bencana yang dahsyat - perang, wabak, kelaparan, penghakiman yang tidak adil. Firasat perubahan, ujian berat dan bencana, yang dinyatakan dalam ukiran, ternyata bersifat nubuatan (Reformasi dan Petani dan perang agama yang mengikutinya tidak lama lagi bermula).
Seorang lagi artis hebat pada masa itu ialah Lucas Cranach the Elder(1472-1553). The Hermitage menempatkan lukisannya Madonna dan Kanak-kanak di bawah Pokok Epal"Dan" Potret perempuan". Di dalamnya kita melihat wajah seorang wanita, ditangkap dalam banyak lukisan tuan (malah dipanggil "Cranach"): dagu kecil, celah mata sempit, rambut emas. Artis dengan teliti menulis perhiasan dan pakaian, lukisannya adalah pesta untuk mata. Kesucian dan kenaifan imej sekali lagi membuatkan anda melihat lukisan ini. Cranach adalah seorang pelukis potret yang hebat, dia mencipta imej ramai sezaman terkenal - Martin Luther (yang merupakan rakannya), Duke Henry of Saxony dan ramai lagi.
Tetapi pelukis potret paling terkenal Renaissance Utara sudah pasti boleh diiktiraf sebagai pelukis Jerman yang lain. Hans Holbein yang Muda (1497-1543). Untuk masa yang lama dia adalah pelukis istana raja Inggeris HenryVIII. Dalam potretnya, Holbein dengan sempurna menyampaikan sifat angkuh raja, yang tidak biasa dengan keraguan. Mata kecil pintar pada wajah berisi mengkhianati seorang zalim dalam dirinya. Potret Heinrich VIII sangat handal sehingga menakutkan orang yang mengenali raja. Holbein melukis potret ramai orang terkenal pada masa itu, khususnya negarawan dan penulis Thomas More, ahli falsafah Erasmus dari Rotterdam dan ramai lagi.
Perkembangan budaya Renaissance di Jerman, Belanda, dan beberapa negara Eropah lain terganggu oleh Reformasi dan peperangan agama yang mengikutinya. Berikutan ini, tiba masanya untuk pembentukan prinsip baru dalam seni, yang memasuki peringkat seterusnya perkembangannya.
Sergey Khromov
Walaupun tidak ada satu pun bandar ideal yang terwujud dalam batu, idea mereka menemui kehidupan bandar sebenar kebangkitan...
Lima abad memisahkan kita daripada tempoh apabila arkitek mula-mula menangani isu-isu membina semula bandar. Dan soalan-soalan yang sama adalah akut untuk kita hari ini: bagaimana untuk mencipta bandar baharu? Bagaimana untuk membina semula yang lama - untuk memuatkan ensemble berasingan ke dalamnya atau merobohkan dan membina semula segala-galanya? Dan yang paling penting - apakah idea untuk diletakkan di bandar baru?
Sarjana Renaissance merangkumi idea-idea yang telah dibunyikan dalam budaya dan falsafah kuno: idea-idea humanisme, keharmonian alam dan manusia. Orang ramai sekali lagi beralih kepada impian Plato untuk sebuah negeri yang ideal dan sebuah bandar yang ideal. Imej baharu bandar itu lahir dahulu sebagai imej, sebagai formula, sebagai idea, yang merupakan tuntutan berani untuk masa depan - seperti banyak ciptaan lain Quattrocento Itali.
Pembinaan teori bandar itu berkait rapat dengan kajian warisan kuno dan, di atas semua, keseluruhan risalah "Sepuluh Buku Seni Bina" oleh Mark Vitruvius (separuh kedua abad ke-1 SM), seorang arkitek dan jurutera. dalam tentera Julius Caesar. Risalah ini ditemui pada tahun 1427 di salah satu biara. Kewibawaan Vitruvius ditekankan oleh Alberti, Palladio, Vasari. Ahli terbesar Vitruvius ialah Daniele Barbaro, yang pada tahun 1565 menerbitkan risalahnya dengan ulasannya. Dalam karya yang didedikasikan untuk Maharaja Augustus, Vitruvius meringkaskan pengalaman seni bina dan perancangan bandar di Greece dan Rom. Dia menganggap sudah soalan klasik pemilihan kawasan yang sesuai untuk penubuhan bandar, penempatan dataran dan jalan bandar utama, tipologi bangunan. Dari sudut pandangan estetik, Vitruvius menasihati pematuhan kepada pentahbisan (mengikut perintah seni bina), perancangan yang munasabah, memerhati keseragaman irama dan susunan, simetri dan perkadaran, kesesuaian bentuk dengan tujuan dan pengagihan sumber. |
Dalam perancangan bandar Renaissance, teori dan amalan berkembang secara selari. Bangunan baru sedang dibina dan yang lama sedang dibina semula, ensembel seni bina sedang dibentuk dan risalah sedang ditulis pada masa yang sama, khusus untuk seni bina, merancang dan mengukuhkan bandar. Antaranya ialah karya terkenal Alberti dan Palladio, skema bandar yang ideal Filarete, Scamozzi dan lain-lain. Idea pengarang jauh mendahului keperluan pembinaan praktikal: mereka menggambarkan bukan projek siap pakai yang boleh digunakan untuk merancang bandar tertentu, tetapi idea yang digambarkan secara grafik, konsep bandar. Penaakulan tentang lokasi bandar dari sudut ekonomi, kebersihan, pertahanan, estetika diberikan. Carian sedang dibuat untuk rancangan optimum untuk kawasan kediaman dan pusat bandar, taman dan taman. Persoalan komposisi, keharmonian, kecantikan, perkadaran dikaji. Dalam pembinaan yang ideal ini, perancangan bandar dicirikan oleh rasionalisme, kejelasan geometri, komposisi sentrik dan keharmonian antara keseluruhan dan bahagian. Dan, akhirnya, apa yang membezakan seni bina Renaissance daripada era lain ialah orang yang berdiri di tengah, di tengah-tengah semua pembinaan ini. Perhatian terhadap keperibadian manusia sangat hebat sehinggakan struktur seni bina pun diumpamakan badan manusia sebagai standard perkadaran dan kecantikan yang sempurna.
Teori
Pada 50-an abad XV. Risalah "Ten Books on Architecture" oleh Leon Alberti muncul. Ia, pada dasarnya, kerja teori pertama era baru mengenai topik ini. Ia menangani banyak isu perancangan bandar, daripada pemilihan tapak dan perancangan bandar kepada tipologi dan hiasan bangunan. Yang menarik adalah hujah-hujahnya tentang kecantikan. Alberti menulis bahawa "kecantikan adalah keharmonian berkadar yang ketat dari semua bahagian, disatukan oleh apa yang mereka miliki - sehingga tiada apa yang boleh ditambah, dikurangkan atau diubah tanpa memburukkan lagi." Malah, Alberti adalah orang pertama yang mengisytiharkan prinsip asas ensembel bandar Renaissance, menghubungkan rasa perkadaran purba dengan permulaan rasionalistik era baharu. Nisbah ketinggian bangunan yang diberikan kepada ruang yang terletak di hadapannya (dari 1:3 hingga 1:6), ketekalan skala seni bina bangunan utama dan menengah, keseimbangan komposisi dan ketiadaan kontras sumbang - ini adalah prinsip estetik perancang bandar Renaissance.
Bandar yang ideal menggembirakan ramai orang hebat pada zaman itu. Terfikir tentang dia dan Leonardo da Vinci. Ideanya adalah untuk mewujudkan bandar dua tingkat: tingkat atas bertujuan untuk pejalan kaki dan jalan permukaan, dan yang lebih rendah adalah untuk terowong dan terusan yang bersambung dengan ruang bawah tanah rumah, di mana pengangkutan barang bergerak. Terkenal dengan rancangannya untuk pembinaan semula Milan dan Florence, serta projek bandar gelendong.
Seorang lagi ahli teori bandar yang terkenal ialah Andrea Palladio. Dalam risalahnya "Four Books on Architecture" dia mencerminkan integriti organisma bandar dan hubungan unsur-unsur ruangnya. Dia berkata bahawa "kota itu tidak lain hanyalah sesuatu yang pasti rumah besar, dan sebaliknya, rumah itu adalah sejenis bandar kecil. Mengenai ensembel bandar, dia menulis: “Kecantikan adalah hasil daripada bentuk yang cantik dan kesesuaian keseluruhan dengan bahagian, bahagian antara satu sama lain, dan juga bahagian kepada keseluruhan. Tempat yang menonjol dalam risalah diberikan kepada bahagian dalam bangunan, dimensi dan perkadarannya. Palladio cuba menghubungkan ruang luar jalan secara organik dengan bahagian dalam rumah dan halaman.
Hampir penghujung abad ke-16. ramai ahli teori tertarik dengan isu ruang runcit dan kubu pertahanan. Jadi, Giorgio Vasari Jr. di bandar idealnya memberi banyak perhatian kepada pembangunan dataran, arked membeli-belah, loggia, palazzo. Dan dalam projek Vicenzo Scamozzi dan Buanayuto Lorrini, isu seni benteng menduduki tempat yang penting. Ini adalah tindak balas kepada susunan masa itu - dengan penciptaan peluru letupan, dinding kubu dan menara digantikan dengan benteng tanah, dibawa keluar dari sempadan bandar, dan bandar itu mula menyerupai bintang berbilang pancaran dalam garis besarnya . Idea-idea ini terkandung dalam kubu Palmanova yang sebenarnya dibina, penciptaan yang dikaitkan dengan Scamozzi.
berlatih
Walaupun tidak ada satu pun kota yang ideal terwujud dalam batu, dengan pengecualian kota-kota kecil kubu, banyak prinsip pembinaannya telah diwujudkan dalam realiti sudah pada abad ke-16. Pada masa itu, di Itali dan negara-negara lain, jalan-jalan lurus yang luas diletakkan, menghubungkan unsur-unsur penting ensemble bandar, dataran baru dicipta, yang lama dibina semula, dan kemudiannya taman dan ensemble istana dengan struktur biasa muncul.
| Ideal City oleh Antonio Filarete Bandar ini adalah bintang segi lapan dalam pelan, dibentuk oleh persimpangan pada sudut 45 ° dua segi empat sama dengan sisi 3.5 km. Dalam tonjolan bintang terdapat lapan menara bulat, dan di dalam "poket" - lapan pintu bandar. Pintu dan menara disambungkan ke pusat melalui jalan jejari, sebahagian daripadanya adalah saluran perkapalan. Di bahagian tengah bandar, di atas bukit, terdapat dataran segi empat tepat utama, di sisi pendeknya terletak istana putera dan katedral bandar, dan di sisi panjang - institusi kehakiman dan bandar. Di tengah-tengah dataran itu terdapat kolam dan menara pengawal. Dua lagi bersebelahan dataran utama, dengan rumah-rumah penduduk paling terkemuka di bandar itu. Enam belas petak lagi terletak di persimpangan jalan jejari dengan jalan lingkaran: lapan membeli-belah dan lapan untuk pusat paroki dan gereja. |
Walaupun fakta bahawa seni Renaissance cukup bertentangan dengan seni Zaman Pertengahan, ia dengan mudah dan organik sesuai dengan bandar zaman pertengahan. Dalam aktiviti praktikal mereka, arkitek Renaissance menggunakan prinsip "membina yang baru tanpa memusnahkan yang lama." Mereka berjaya mencipta ensembel harmoni yang menghairankan bukan sahaja dari bangunan dengan gaya yang sama, seperti yang dapat dilihat di dataran Annuziata di Florence (reka bentuk oleh Filippo Brunelleschi) dan Capitol di Rom (reka bentuk oleh Michelangelo), tetapi juga untuk menggabungkan bangunan dari masa yang berbeza menjadi satu gubahan. Jadi, di dataran St. Mark di Venice, bangunan zaman pertengahan digabungkan menjadi ensembel seni bina dan ruang dengan bangunan baharu abad ke-16. Dan di Florence, dari Piazza della Signoria dengan Palazzo Vecchio zaman pertengahan, Jalan Uffizi, yang direka oleh Giorgio Vasari, mengikuti dengan harmoni. Selain itu, ensemble Katedral Florentine Santa Maria del Fiore (pembinaan semula Brunelleschi) menggabungkan tiga gaya seni bina sekaligus: Romanesque, Gothic dan Renaissance.
Kota Zaman Pertengahan dan kota Renaissance
Bandar ideal Renaissance muncul sebagai sejenis protes terhadap Zaman Pertengahan, yang dinyatakan dalam pembangunan prinsip perancangan bandar purba. Tidak seperti bandar zaman pertengahan, yang dianggap sebagai sejenis, walaupun tidak sempurna, rupa "Jerusalem Syurgawi", penjelmaan bukan manusia, tetapi rancangan ilahi, kota Renaissance dicipta oleh pencipta manusia. Manusia tidak hanya meniru apa yang telah ada, dia mencipta sesuatu yang lebih sempurna dan melakukannya mengikut "matematik ketuhanan". Kota Renaissance dicipta untuk manusia dan harus sesuai dengan susunan dunia duniawi, struktur sosial, politik dan hariannya yang sebenar.
Kota zaman pertengahan dikelilingi oleh tembok yang kuat, berpagar dari dunia, rumahnya lebih seperti kubu dengan beberapa celah. Kota Renaissance terbuka, ia tidak mempertahankan dirinya dari dunia luar, ia mengawalnya, menundukkannya. Dinding bangunan, membatasi, menyatukan ruang jalan dan dataran dengan halaman dan bilik. Mereka telap - mereka mempunyai banyak bukaan, arked, tiang, jalan masuk, tingkap.
Jika bandar zaman pertengahan adalah penempatan jilid seni bina, maka bandar Renaissance pada tahap yang lebih besar adalah pengedaran ruang seni bina. Pusat bandar baru bukanlah bangunan katedral atau dewan bandar, tetapi ruang kosong dataran utama, membuka kedua-dua ke atas dan ke sisi. Mereka memasuki bangunan dan keluar ke jalan dan dataran. Dan jika bandar zaman pertengahan secara komposisi ditarik ke pusatnya - ia adalah sentripetal, maka kota Renaissance adalah sentrifugal - ia diarahkan ke arah dunia luar.
| Bandar ideal Plato Secara rancangannya, bahagian tengah bandar itu adalah selang-seli gelang air dan bumi. Lingkaran air luar disambungkan ke laut dengan saluran sepanjang 50 stadia (1 stadia - kira-kira 193 m). Lingkaran tanah yang memisahkan cincin air mempunyai saluran bawah tanah berhampiran jambatan yang disesuaikan untuk laluan kapal. Lingkaran air terbesar dalam lilitan adalah tiga stadia lebar, seperti yang tanah yang mengikutinya; dua gelang seterusnya, air dan tanah, lebarnya dua stades; akhirnya, gelang air yang mengelilingi pulau yang terletak di tengah-tengah adalah selebar stadia. |
Bandar zaman pertengahan mengikuti landskap semula jadi, menggunakannya untuk tujuannya sendiri. Bandar Renaissance adalah lebih kepada karya seni, "permainan geometri". Arkitek mengubah suai rupa bumi dengan menindih grid geometri ruang yang dilukis di atasnya. Bandar sedemikian mempunyai bentuk yang jelas: bulatan, persegi, oktagon, bintang; bahkan sungai-sungai diluruskan di dalamnya.
Bandar zaman pertengahan adalah menegak. Di sini segala-galanya diarahkan ke atas, ke langit - jauh dan tidak boleh diakses. Bandar Renaissance adalah mendatar, perkara utama di sini adalah perspektif, aspirasi ke jauh, ke arah ufuk baharu. Bagi orang zaman pertengahan, jalan ke Syurga adalah kenaikan, boleh dicapai melalui pertaubatan dan kerendahan hati, penolakan segala sesuatu yang duniawi. Bagi orang-orang Renaissance, ini adalah pendakian melalui memperoleh pengalaman mereka sendiri dan memahami undang-undang Ilahi.
Impian sebuah bandar yang ideal memberi dorongan kepada pencarian kreatif ramai arkitek bukan sahaja Renaissance, tetapi juga pada zaman kemudian, ia memimpin dan menerangi jalan menuju keharmonian dan keindahan. Bandar ideal sentiasa wujud di dalam bandar sebenar, berbeza daripadanya seperti dunia pemikiran dari dunia fakta, seperti dunia imaginasi dari dunia fantasi. Dan jika anda tahu bagaimana untuk bermimpi seperti yang dilakukan oleh tuan-tuan Renaissance, maka anda boleh melihat bandar ini - Kota Matahari, Kota Emas.
Artikel asal adalah di tapak majalah "Acropolis Baru".
Seni bina Itali Zaman Renaissance Awal (Quattrocento) dibuka tempoh baru dalam pembangunan seni bina Eropah, meninggalkan yang dominan di Eropah seni gothic dan dengan meluluskan prinsip baharu yang berasaskan sistem pesanan.
Dalam tempoh ini, falsafah, seni dan kesusasteraan purba dipelajari secara sengaja dan sedar. Oleh itu, zaman purba berlapis-lapis pada tradisi berabad-abad yang kuat pada Zaman Pertengahan, terutamanya pada seni Kristian, yang disebabkan oleh sifat kompleks khusus budaya Renaissance berdasarkan transformasi dan jalinan subjek pagan dan Kristian.
Quattrocento adalah masa carian eksperimen, apabila bukan gerak hati, seperti pada era Proto-Renaissance, tetapi pengetahuan saintifik yang tepat muncul di hadapan. Sekarang seni memainkan peranan pengetahuan sejagat tentang dunia sekeliling, yang mana banyak risalah saintifik abad ke-15 telah ditulis.
Ahli teori seni bina dan lukisan pertama ialah Leon Batista Alberti, yang mengembangkan teori tersebut perspektif linear, berdasarkan imej sebenar dalam gambar kedalaman ruang. Teori ini membentuk asas kepada prinsip-prinsip baru seni bina dan perancangan bandar yang bertujuan untuk mewujudkan bandar yang ideal.
Tuan-tuan Renaissance mula beralih semula kepada impian Plato tentang sebuah bandar yang ideal dan negara yang ideal dan merangkumi idea-idea yang sudah menjadi yang utama dalam budaya dan falsafah kuno - idea-idea keharmonian antara manusia dan alam semula jadi, idea-idea humanisme. Jadi, imej baharu bandar yang ideal pada mulanya adalah formula tertentu, idea, tuntutan berani untuk masa depan.
Teori dan amalan perancangan bandar Renaissance berkembang selari antara satu sama lain. Bangunan lama dibina semula, bangunan baru dibina, sementara pada masa yang sama risalah ditulis mengenai seni bina, kubu dan pembangunan semula bandar. Pengarang risalah (Alberti dan Palladio) jauh mendahului keperluan pembinaan praktikal, tidak menerangkan projek siap, tetapi membentangkan konsep yang digambarkan secara grafik, idea bandar yang ideal. Mereka juga memberi alasan tentang bagaimana kedudukan bandar itu dari segi pertahanan, ekonomi, estetika dan kebersihan.
Alberti sebenarnya adalah orang pertama yang mengisytiharkan prinsip asas ensembel bandar ideal Renaissance, yang dibangunkan dengan mensintesis rasa perkadaran purba dan pendekatan rasionalistik era baru. Jadi, prinsip estetik perancang bandar Renaissance ialah:
- ketekalan skala seni bina bangunan utama dan menengah;
- nisbah ketinggian bangunan dan ruang yang terletak di hadapannya (dari 1:3 hingga 1:6);
- kekurangan kontras disonan;
- keseimbangan komposisi.
Bandar yang ideal adalah sangat mengujakan bagi ramai tuan besar Renaissance. Leonardo da Vinci juga memikirkannya, yang ideanya adalah untuk mewujudkan bandar dua tingkat, di mana pengangkutan barang bergerak di sepanjang tingkat bawah, dan jalan darat dan pejalan kaki terletak di tingkat atas. Rancangan Da Vinci juga dikaitkan dengan pembinaan semula Florence dan Milan, serta dengan penggubalan bandar gelendong.
Menjelang akhir abad ke-16, ramai ahli teori perancangan bandar hairan dengan isu struktur pertahanan dan kawasan komersial. Oleh itu, menara dan tembok kubu digantikan oleh benteng tanah, yang dibawa keluar dari sempadan bandar, yang mana, dalam garis besarnya, bandar-bandar mula menyerupai bintang berbilang rasuk.
Dan walaupun tidak ada satu pun bandar yang ideal dibina di atas batu (kecuali untuk bandar-bandar kecil yang berkubu), banyak prinsip untuk membina bandar sedemikian telah menjadi kenyataan pada abad ke-16, apabila jalan-jalan lurus yang lebar mula diletakkan di Itali dan banyak negara lain yang menghubungkan unsur-unsur penting ensembel bandar.
Masalah mewujudkan bandar yang ideal, walaupun relevan hari ini, adalah sangat teruk pada era Renaissance yang jauh (abad XIV - XVI). Tema ini, melalui prisma falsafah antroposentrisme, menjadi tema utama dalam seni perancangan bandar pada zaman ini. Seorang lelaki dengan keperluannya untuk kebahagiaan, cinta, kemewahan, keselesaan, kemudahan, dengan pemikiran dan ideanya, menjadi ukuran masa itu, simbol semangat purba yang bangkit semula, dipanggil untuk menyanyikan Lelaki ini dengan huruf besar. Dia menggerakkan pemikiran kreatif Renaissance untuk mencari penyelesaian yang unik, kadang-kadang utopia, seni bina dan falsafah kepada masalah pembentukan bandar. Yang terakhir mula memainkan peranan baru, ia dianggap sebagai ruang tertutup keseluruhan yang saling berkaitan, berpagar dan berbeza dari alam semula jadi, di mana seluruh kehidupan seseorang berlalu.
Dalam ruang ini, kedua-dua keperluan dan keinginan fizikal dan estetik seseorang harus diambil kira sepenuhnya, aspek-aspek penginapan manusia di bandar seperti keselesaan dan keselamatan harus difikirkan sepenuhnya. Senjata api baru menjadikan kubu batu zaman pertengahan tidak berdaya. Ini telah ditetapkan, sebagai contoh, rupa tembok dengan benteng tanah di sepanjang perimeter bandar dan ditentukan, nampaknya, garisan kubu kota berbentuk bintang yang aneh. Idea kebangkitan umum tentang "bandar ideal" sedang dibentuk - bandar yang paling mudah dan selamat untuk didiami. Dalam satu perkataan, trend sedemikian tidak asing kepada arkitek moden, tetapi Renaissance kemudian menandakan sempadan baru, nafas baru kehidupan dalam fikiran pencipta, mewujudkan sesuatu yang tidak diketahui. kriteria, piawaian dan stereotaip terdahulu, yang akibatnya dirasai dalam pencarian bandar yang ideal hari ini.
Kajian pertama dalam vena ini telah dijalankan oleh Mark Vitruvius (separuh kedua abad ke-1 SM), seorang arkitek dan jurutera dalam tentera Julius Caesar, - dalam risalahnya Ten Books on Architecture, Vitruvius menimbulkan masalah purata emas. antara teori dan amalan, menerangkan konsep asas estetika, perkadaran bangunan dan orang itu, buat kali pertama dalam sejarah dia menyiasat masalah akustik muzik premis.
Vitruvius sendiri tidak meninggalkan imej bandar yang ideal, tetapi ini dilakukan oleh banyak penyelidik dan penerus ideanya, dari mana, seperti yang sering diperhatikan, Renaissance itu sendiri bermula.
Tetapi hujah-hujah tentang bandar yang ideal, konsepnya berasal dari risalah ahli falsafah Yunani kuno - jadi, seketika, ia patut beralih ke era yang agak awal daripada yang kita pertimbangkan - ke zaman dahulu.
Sfortsinda - rumah tipikal gerbang. Filarete (lukisan oleh Leonardo da Vinci)
Proses berkurun lamanya membina negara kota di ibu kota Yunani purba, Athens, telah diringkaskan dalam tulisan dua ahli falsafah utama zaman dahulu: Plato (428-348 SM) dan Aristotle (384-322 SM).
Oleh itu, ahli falsafah idealis Plato, yang dikaitkan dengan kalangan bangsawan pada zamannya, adalah penganut sistem negara yang dikawal ketat, bukan tanpa alasan dia juga memiliki kisah negara mitos Atlantis, yang diperintah oleh seorang raja dan archon. . Dalam tafsiran Plato, Atlantis adalah prototaip sejarah negara kota yang ideal itu, yang dibincangkannya dalam karyanya "The State" dan "Laws".
Kembali ke Renaissance, katakan tentang Leon Batista Alberti, ahli teori sebenar perancangan bandar pertama dalam sejarah umat manusia, yang menerangkan secara terperinci "cara membuat bandar", bermula dari pilihan tempat dan berakhir dengan struktur dalamannya . Alberti menulis bahawa "kecantikan adalah keharmonian berkadar yang ketat dari semua bahagian yang disatukan oleh apa yang dimilikinya, supaya tiada apa yang boleh ditambah, dikurangkan, atau diubah tanpa memburukkan lagi." Malah, Alberti adalah orang pertama yang mengisytiharkan prinsip asas ensembel bandar Renaissance, menghubungkan rasa perkadaran purba dengan permulaan rasionalistik era baharu. Nisbah ketinggian bangunan yang diberikan kepada ruang yang terletak di hadapannya (dari 1:3 hingga 1:6), ketekalan skala seni bina bangunan utama dan menengah, keseimbangan komposisi dan ketiadaan kontras sumbang - ini adalah prinsip estetik perancang bandar Renaissance.
Alberti dalam risalahnya "Sepuluh buku tentang seni bina" melukis bandar yang ideal, cantik dari segi perancangan rasional dan rupa bangunan, jalan, dataran. Keseluruhan persekitaran hidup seseorang disusun di sini dengan cara yang memenuhi keperluan individu, keluarga, dan masyarakat secara keseluruhan.
Bernardo Gambarelli (Rosselino), mengambil idea yang sudah sedia ada, menyumbang kepada pembangunan visi bandar yang ideal, yang menghasilkan bandar Pienza (1459), yang sebenarnya wujud hingga ke hari ini, menggabungkan unsur-unsur banyak projek yang kekal. di atas kertas atau secara kreatif niat pencipta. Bandar ini merupakan contoh yang jelas tentang transformasi penempatan zaman pertengahan Corsignano menjadi bandar Renaissance yang ideal dengan jalan lurus dan susun atur biasa.
Antonio di Pietro Averlino (Filarete) (c. 1400 - c. 1469) dalam risalahnya memberikan gambaran tentang kota Sforzinda yang ideal.
Bandar ini adalah bintang segi lapan dalam pelan, dibentuk oleh persimpangan pada sudut 45 ° dua segi empat sama dengan sisi 3.5 km. Di tebing bintang terdapat lapan menara bulat, dan di dalam "poket" - lapan pintu bandar. Pintu dan menara disambungkan ke pusat melalui jalan jejari, sebahagian daripadanya adalah saluran perkapalan. Di bahagian tengah bandar, di atas bukit, terdapat dataran utama, segi empat tepat dalam pelan, di sisi pendek di mana istana putera raja dan katedral bandar akan ditempatkan, dan di sisi panjang - institusi kehakiman dan bandar. .
Di tengah-tengah dataran itu terdapat kolam dan menara pengawal. Dua lagi bersebelahan dataran utama, dengan rumah-rumah penduduk paling terkemuka di bandar itu. Enam belas petak lagi terletak di persimpangan jalan jejari dengan jalan lingkar: lapan dataran membeli-belah dan lapan untuk pusat paroki dan gereja.
Pienza bukanlah satu-satunya bandar yang direalisasikan di Itali yang merangkumi prinsip-prinsip perancangan "ideal". Itali sendiri pada masa itu bukanlah sebuah negara bersatu, seperti yang kita ketahui sekarang, ia terdiri daripada banyak republik dan duchi merdeka yang berasingan. Di kepala setiap kawasan itu adalah keluarga bangsawan. Sudah tentu, setiap pemerintah ingin mempunyai model bandar "ideal" di negerinya, yang membolehkannya dianggap sebagai orang Renaissance yang berpendidikan dan progresif. Oleh itu, pada tahun 1492, wakil dinasti D Este, Duke Ercole I, memutuskan untuk membina semula salah satu bandar utama duchynya - Ferrara.
Penstrukturan semula telah diamanahkan kepada arkitek Biagio Rossetti. Dia dibezakan oleh pandangan yang luas, serta kecintaan terhadap inovasi, yang ditunjukkan dalam hampir semua karyanya. Dia mengkaji dengan teliti susun atur lama bandar dan mendapat penyelesaian yang menarik. Jika sebelum ini arkitek sama ada merobohkan bangunan lama atau dibina dari awal, maka Biagio memutuskan untuk membina sebuah bandar baru di atas yang lama. Oleh itu, beliau pada masa yang sama menjelmakan konsep bandar Renaissance dengan jalan lurus dan kawasan lapang dan menekankan integriti dan sara diri bandar zaman pertengahan. Inovasi utama arkitek adalah penggunaan ruang yang berbeza. Dia tidak mematuhi semua undang-undang perancangan bandar biasa, yang mencadangkan dataran terbuka dan jalan yang luas. Sebaliknya, memandangkan bahagian zaman pertengahan bandar itu dibiarkan utuh, Biagio bermain secara bertentangan: dia menyelang-seli jalan utama dengan jalan-jalan sempit, dataran terang dengan jalan buntu yang gelap, rumah ducal besar dengan rumah rendah penduduk biasa. Lebih-lebih lagi, unsur-unsur ini tidak bercanggah sama sekali: perspektif terbalik digabungkan dengan yang lurus, dan garisan larian dan volum yang semakin meningkat tidak bercanggah antara satu sama lain.
Sarjana dan sarjana seni bina Venice Daniele Barbaro (1514-1570) menumpukan sebahagian besar hidupnya untuk mengkaji risalah Vitruvius, yang menghasilkan bukunya bertajuk "Sepuluh buku mengenai seni bina Vitruvius dengan ulasan oleh Daniele Barbaro", ditulis pada tahun 1556. Dalam buku ini sikap terhadap seni bina purba dicerminkan bukan sahaja oleh pengarang sendiri, tetapi juga oleh kebanyakan arkitek abad ke-16. Daniele Barbaro sepanjang hayatnya mempelajari risalah itu dengan teliti dan cuba mencipta semula skema bandar yang ideal, yang akan mencerminkan idea Vetruvius dan konsepnya yang melengkapi visinya.
Agak lebih awal, arkitek Renaissance Cesare Cesarino menerbitkan ulasannya pada Sepuluh Buku Seni Bina pada tahun 1521 dengan banyak ilustrasi, termasuk gambar rajah teori kota yang ideal.
Di antara banyak ahli teori seperti abad XVI. Andrea Palladio (1508-1580) menduduki tempat yang istimewa. Dalam risalahnya Empat Buku tentang Seni Bina (Bahasa Itali: Quattro Libri deHArchitettura), yang diterbitkan pada tahun 1570, Palladio tidak memilih bahagian khas mengenai bandar itu, tetapi keseluruhan karyanya pada dasarnya ditumpukan kepada topik tertentu ini. Dia berkata bahawa "bandar tidak lain hanyalah sejenis rumah besar, dan sebaliknya, rumah adalah sejenis bandar kecil."
Meletakkan tanda yang sama antara bangunan kediaman dan bandar, Palladio dengan itu menekankan integriti organisma bandar dan kesalinghubungan unsur spatialnya. Dia mencerminkan integriti organisma bandar dan hubungan unsur-unsur ruangnya. Mengenai ensembel bandar, dia menulis: "Kecantikan adalah hasil daripada bentuk yang indah dan korespondensi keseluruhan kepada bahagian, bahagian antara satu sama lain dan juga bahagian kepada keseluruhan." Tempat yang menonjol dalam risalah diberikan kepada bahagian dalam bangunan, dimensi dan perkadarannya. Palladio cuba menghubungkan ruang luar jalan secara organik dengan bahagian dalam rumah dan halaman.
Pada akhir abad XVI. semasa pengepungan bandar, senjata artileri dengan peluru letupan mula digunakan. Ini memaksa perancang bandar untuk mempertimbangkan semula sifat kubu kota. Tembok dan menara kubu telah digantikan dengan benteng tanah, yang, dibawa ke hadapan melangkaui sempadan kota, mampu menangkis serangan musuh dan melakukan tembakan mengapit ke arah musuh yang mendekati kota. Berdasarkan ini, tidak ada keperluan untuk melindungi pintu-pintu kota, yang mulai sekarang telah beralih dari pusat pertahanan yang kuat ke pintu masuk utama ke kota. Inovasi dalam bentuk pelbagai bentuk pelik berbentuk bintang dicerminkan dalam projek bandar ideal Buonayuto Lorini, Antonio Lupicini, Francesco di George Martini, Girolamo Maggi, Giovanni Bellucci, Fra Giocondo, Francesco de Marchi, Daniel Speckle , Jacques Perret, Albrecht Dürer, Vicenzo Scamozzi , George Vasari Jr. dan sebagainya.
Dan bandar berkubu Palmanova boleh dianggap sebagai kemuncak seni bina kubu Renaissance, yang rancangannya, menurut rancangan arkitek Vicenzo Scamozzi, mempunyai bentuk bintang berbucu sembilan, dan jalan-jalannya memancar dari dataran yang terletak di tengah. Wilayah kota itu dikelilingi oleh dua belas kubu, dan setiap kubu itu dirancang sedemikian rupa untuk melindungi orang-orang yang berjiran, dan mempunyai empat pintu gerbang kota, dari mana terdapat dua jalan utama yang bersilang pada sudut yang tepat. Di persimpangan mereka adalah dataran utama, yang menghadap ke istana, katedral, universiti dan institusi bandar. Dua dataran perdagangan bersebelahan dengan dataran utama dari barat dan timur, dataran pertukaran terletak di utara, dan dataran untuk perdagangan jerami dan kayu api terletak di selatan. Wilayah kota itu diseberangi oleh sungai, dan lebih dekat ke pinggirannya terdapat lapan gereja paroki. Susun atur bandar adalah teratur. Kubu itu dikelilingi oleh parit.
Dalam persekitaran kejuruteraan Renaissance, persoalan komposisi, keharmonian, keindahan, dan perkadaran dipelajari dengan tekun. Dalam pembinaan yang ideal ini, perancangan bandar dicirikan oleh rasionalisme, kejelasan geometri, komposisi sentrik dan keharmonian antara keseluruhan dan bahagian. Dan, akhirnya, apa yang membezakan seni bina Renaissance daripada era lain ialah orang yang berdiri di tengah, berdasarkan semua pembinaan ini. Banyak lagi nama dan nama bandar boleh dijadikan contoh. Terselamat Urbino dengan Istana Ducalnya yang megah, "sebuah bandar dalam bentuk palazzo", yang dicipta oleh arkitek Luciano Laurana untuk Duke Federico da Montefeltro, Terradel Sole ("City of the Sun"), Vigevano di Lombardy, Valletta (ibu kota Malta). Bagi yang terakhir, bandar berdinding megah ini tumbuh di tebing curam tanpa air di semenanjung Gunung Sciberras, menjulang di antara dua pelabuhan dalam Marsamxett dan Grand Harbour. Ditubuhkan pada 1566, Valletta telah dibina sepenuhnya, bersama-sama dengan benteng yang mengagumkan, kubu dan katedral, dalam masa yang sangat singkat - 15 tahun.
Idea umum, konsep Renaissance mengalir jauh melangkaui pergantian abad ke-17 dan terpercik keluar aliran ribut, meliputi generasi arkitek dan jurutera seterusnya.
Malah contoh banyak projek seni bina moden menunjukkan pengaruh Renaissance, yang selama beberapa abad tidak kehilangan idea tentang kemanusiaan dan keutamaan keselesaan manusia. Kesederhanaan, kemudahan, "kebolehcapaian" bandar untuk penduduk dalam semua jenis peranti berubah boleh didapati dalam banyak karya, dan masing-masing mengikutinya dengan cara mereka sendiri, arkitek dan penyelidik, semuanya sebagai satu, namun melangkah di sepanjang jalan berturap sudah diturap oleh sarjana Renaissance.
Tidak semua contoh "bandar ideal" dipertimbangkan dalam artikel itu, yang asal usulnya bermula pada kita dari kedalaman era Renaissance yang indah - dalam sesetengahnya, penekanan adalah pada kemudahan dan ergonomik menjadi orang awam, dalam yang lain mengenai kecekapan maksimum operasi pertahanan; tetapi dalam semua contoh kita memerhatikan keinginan yang tidak jemu untuk penambahbaikan, untuk mencapai keputusan, kita melihat langkah-langkah yakin ke arah kemudahan dan keselesaan seseorang. Idea, konsep, sedikit sebanyak, aspirasi Renaissance mengalir jauh melangkaui pergantian abad ke-17 dan terpercik dalam aliran ribut, merangkumi generasi arkitek dan tokoh kejuruteraan seterusnya.
Dan contoh arkitek moden jelas menunjukkan pengaruh konsep tokoh Renaissance, agak diubah suai, tetapi tidak kehilangan idea mereka tentang kemanusiaan dan keutamaan keselesaan manusia dalam projek perancangan bandar. Kesederhanaan, kemudahan, "kebolehcapaian" bandar untuk penduduk dalam semua jenis peranti boleh ubah boleh didapati dalam banyak kerja lain, dilaksanakan dan tidak semestinya - kekal di atas kertas. Masing-masing mengikuti jalan mereka sendiri, arkitek dan penyelidik, semuanya sebagai satu, namun melangkah di sepanjang jalan berturap yang telah diturap oleh tuan-tuan Renaissance, mengikuti cahaya abadi yang relevan dan memikat idea kelahiran semula, kelahiran semula jiwa manusia , dan langkah-langkah utama ke arah ini telah diambil pada abad XIV yang jauh.
Konsep bandar ideal Renaissance, untuk semua utopia dan kemustahilan mereka dari sudut pandangan pragmatik seseorang, terutamanya yang moden, tidak berhenti sepenuhnya dalam kemegahan mereka atau sekurang-kurangnya sebahagiannya, unsur-unsur secara berkala merayap ke dalam karya arkitek romantis, berusaha tidak begitu banyak untuk kesempurnaan dalam kraf kreatif mereka yang sukar, berapa banyak untuk kesempurnaan dalam persekitaran yang lebih kompleks dan tidak dapat diramalkan daripada kertas dan perspektif - kepada kesempurnaan yang tidak dapat dicapai jiwa dan kesedaran manusia.
Palmanova - Katedral
