rumah › peralatan elektrik › Seni Kontemporari Jepun: Anime dan Manga. Mono no Avare

Seni Kontemporari Jepun: Anime dan Manga. Mono no Avare

Walaupun Jepun dianggap sebagai negara teknologi yang semakin meningkat di seluruh dunia, seni kontemporari kontemporari tidak tergesa-gesa untuk memutuskan hubungan dengan tradisi. Pameran “Mono no Avare. The Charm of Things” adalah kisah sedih tentang keadaan manusia pada zaman plastik.

Mono no Avare ialah ciri prinsip estetik budaya Jepun, yang memberi tajuk kepada pameran itu, bermaksud pesona menyedihkan sesuatu, perasaan terpesona dengan keindahan benda dan fenomena yang jelas dan tersirat, dengan naungan wajib kesedihan yang tidak munasabah yang disebabkan oleh rasa sifat khayalan dan kelemahan segala-galanya nampak. Ia berkait rapat dengan agama Shintoisme tradisional Jepun. Shintoists percaya bahawa semua perkara dikurniakan dengan intipati rohani "kami". Ia wujud dalam mana-mana objek: dalam kayu dan dalam batu. "Kami" adalah abadi dan termasuk dalam kitaran hidup dan mati, di mana segala-galanya di dunia sentiasa dikemas kini.

Dan walaupun seni kontemporari bercakap dalam bahasa antarabangsa, seni kontemporari Jepun yang dipersembahkan dalam pameran ini lebih baik dilihat dari perspektif tradisi mereka.

Pemasangan pengenalan oleh artis Hiraki Sawa mengambil seluruh bilik, dan merupakan teater bayangan di mana pelakonnya adalah peralatan rumah. Ia dibina berdasarkan prinsip kanak-kanak kereta api. Kereta api dengan lampu suluh melalui landskap yang dicipta oleh artis, sinar cahaya melahirkan dunia makro dari dunia mikro perkara. Dan sekarang sudah Hutan Birch, bukan pensel berdiri menegak; dan ini adalah talian elektrik di ladang, dan bukan penyepit pakaian; dan besen plastik terbalik dengan pemegang ialah terowong. Karya itu dipanggil "Inside", ia telah ditunjukkan di Venice Biennale sebelum ini.

Lukisan Shinishiro Kano boleh dipanggil surrealisme primitif. Semasa Kano masih hidup, bola keranjang, planet Bumi dan buah-buahan berada dalam satu pinggan.

Tiada lukisan itu sendiri dalam lukisan itu, tetapi hanya bingkai yang dicat dengan minyak. Pada satu kanvas, sosok dewa dalam kimono merah digabungkan dengan tuala merah yang digantung pada cangkuk di sebelah yang lain. Bukankah siri bergambar ini tentang alam ilusi dunia? Atau mungkin setiap perkara ada kami.

Dalam lukisan oleh Masaya Chiba, berlatarbelakangkan hutan yang indah, terdapat dua sosok: makhluk antropomorfik yang uzur dari bahan putih, hampir tidak menyerupai lelaki dan wanita. Mereka dipasang pada kayu seperti oriental boneka teater. Materi adalah fana, ia hanya cangkang - seolah-olah penulis ingin memberitahu kita. Karya lukisannya yang lain "Sleeping Man" adalah lebih kurang sama. Tiada orang dalam gambar itu, hanya segelintir perkara pada ottoman: gambar lama dan poskad, kaktus yang telah ditanam, sarung tangan, pita kegemaran, balang rempah dan satu set alatan.

Artis Teppei Kanueji "mengukir" (objek binaan) orangnya mengikut prinsip yang sama: dia melekatkan sampah rumah dalam bentuk makhluk antropomorfik dan menutupnya dengan cat putih.

Mandala besar dipenuhi dengan garam di atas lantai; ini adalah ritual kuil tradisional untuk Jepun, nampaknya berasal dari agama Buddha. Sekeping perhiasan sedemikian menangkap semangat sama ada labirin atau peta tanah misteri, dan betapa baiknya tiada angin di muzium. Pemasangan ini unik, artis membuatnya selama beberapa hari di dalam dinding muzium. Terdapat juga tradisi Jepun yang menarik: sebelum pertarungan, ahli gusti sumo menaburkan garam di atas tanah.

Pemasangan Hiroaki Morita "Dari Evian ke Volvik" dibuka agak lama topik yang menarik moden untuk Jepun - pemprosesan plastik. Di atas rak kaca terletak sebotol air Evian, bayang daripadanya betul-betul jatuh ke leher botol Volvik lain yang berdiri di atas lantai. Ia mencipta ilusi bahawa air mengalir dari botol ke botol. Tidak masuk akal pada pandangan pertama. Bagi orang Jepun, karya konseptual ini bukan sahaja melambangkan kitaran "kami", iaitu intipati rohani, tetapi juga dalam secara literal prinsip kitar semula - kitar semula. Sebagai sebuah negara kepulauan, Jepun adalah antara negara pertama yang mempelajari cara mengumpul, menyusun dan mengitar semula sisa plastik. Daripada bahan yang dihasilkan, bukan sahaja botol dan kasut baru dibuat semula, malah pulau buatan juga dicipta.

Pemasangan Teppei Kuneuji pada pandangan pertama menyerupai stesen pengasingan sampah. Di sini, objek plastik dibentangkan dalam urutan yang berbeza: sudu, acuan, mainan yang berbeza, penyangkut, berus gigi berwarna, hos, cermin mata dan lain-lain. Ditabur dengan serbuk putih, nampaknya mereka berbaring di sini untuk selama-lamanya. Apabila anda berjalan di antara objek yang biasa ini, tetapi kini tidak digunakan, memikirkan mereka sudah terpisah, seseorang mendapat perasaan seperti meditasi di taman batu. Dalam kolaj fotonya, Teppei Kuneuji "secara mental" membina menara daripada serpihan pembinaan. Tetapi ini bukanlah rantai kinetik seperti pasangan artistik Fishli dan Weiss, tetapi seperti bangunan suci Buddha di mana batu diletakkan di atas batu tanpa bahan ikatan.

Artis Suda Yoshihiro meletakkan bunga mawar merah jambu kayu yang dibuat dengan mahir dengan satu kelopak yang jatuh di antara anak tetingkap di tingkap muzium yang menghadap ke Moika. Melihat campur tangan yang sangat halus dan puitis di muzium ini, saya ingin mula bercakap dalam ayat Jepun dalam genre haiku, seperti: “Musim sejuk. Malah sekuntum mawar di muzium akan mekar selama-lamanya.”

Satu lagi karya puitis yang tidak kurang, The Opposite of Volume, oleh Onishi Yasuaki merujuk kepada karya pelukis zaman pertengahan dan sami Zen Toyo Sesshu. Klasik Jepun ini terkenal kerana membawa lukisan dakwat monokrom Cina ke Tanah Matahari Terbit.

Pemasangan Yasuaki ialah siluet tiga dimensi polietilena kelabu gunung, dengan jet (seperti hujan) plastik cecair beku jatuh ke atasnya dari siling. Mereka berkata untuk membuat gunung "kosong" di bawah hujan lebat, seolah-olah dengan monokrom Lukisan Toyo Sessu, artis itu terpaksa membina segunung kotak, menutupnya dengan polietilena nipis, dan kemudian menitiskan plastik panas dari siling.

Akhirnya, pemasangan Kengo Kito: kalungan gelung sukan plastik berwarna tergantung, seolah-olah "salam Jepun", dibawa ke Rusia untuk Sukan Olimpik. Adalah pelik bahawa pameran "The Charm of Things" menggunakan plastik sebagai bahan yang dengannya artis Jepun menyentuh bukan sahaja isu alam sekitar tetapi juga kerohanian.

Orang Jepun menemui keindahan yang tersembunyi dalam perkara-perkara pada abad ke-9-12, pada era Heian (794-1185) dan juga menetapkannya dengan konsep istimewa "mono tidak sedar" (物の哀れ (もののあわれ)), yang bermaksud " pesona sedih perkara. The Charm of Things adalah antara yang terawal kesusasteraan Jepun definisi kecantikan, ia dikaitkan dengan kepercayaan Shinto bahawa setiap benda mempunyai dewanya sendiri - kami - dan daya tarikannya yang tersendiri. Avare adalah intipati dalaman sesuatu, yang menyebabkan kegembiraan, keseronokan.

- Washi (wasi) atau wagami (wagami).
Pembuatan kertas manual. Jepun zaman pertengahan menghargai washi bukan sahaja untuk kualiti praktikalnya, tetapi juga untuk kecantikannya. Dia terkenal dengan kehalusannya, hampir ketelusan, yang, bagaimanapun, tidak menghilangkan kekuatannya. Washi diperbuat daripada kulit pokok kozo (mulberi) dan beberapa pokok lain.
Kertas washi telah dipelihara selama berabad-abad, bukti ini adalah album dan jilid kaligrafi Jepun kuno, lukisan, skrin, ukiran yang telah turun selama berabad-abad hingga ke hari ini.
Kertas Vasya berserabut, jika anda melihat melalui mikroskop, anda akan melihat retakan di mana udara dan cahaya matahari menembusi. Kualiti ini digunakan dalam pembuatan skrin dan tanglung tradisional Jepun.
Cenderamata Washi sangat popular di kalangan orang Eropah. Banyak barangan kecil dan berguna dibuat daripada kertas ini: dompet, sampul surat, kipas. Mereka agak tahan lama tetapi ringan.

- Gohei.
Maskot daripada jalur kertas. Gohei - kakitangan ritual seorang paderi Shinto, di mana jalur zigzag kertas dilampirkan. Jalur-jalur kertas yang sama digantung di pintu masuk ke kuil Shinto. Peranan kertas dalam Shinto secara tradisinya sangat hebat, dan produk kertas sentiasa diberikan makna esoterik. Dan kepercayaan bahawa setiap perkara, setiap fenomena, bahkan perkataan, mengandungi kami - dewa - menjelaskan penampilan jenis ini seni gunaan macam gohei. Shintoisme agak serupa dengan paganisme kita. Bagi penganut Shinto, kami amat bersedia untuk menetap dalam apa jua perkara yang di luar kebiasaan. Sebagai contoh, di atas kertas. Dan lebih-lebih lagi dalam gohei yang dipintal menjadi zigzag yang rumit, yang tergantung hari ini di hadapan pintu masuk ke kuil Shinto dan menunjukkan kehadiran dewa di kuil. Terdapat 20 cara untuk melipat gohei, dan kaedah yang dilipat secara luar biasa menarik minat kami. Gohei kebanyakannya berwarna putih, tetapi emas, perak dan banyak lagi warna lain turut ditemui. Sejak abad ke-9, terdapat adat di Jepun untuk menguatkan gohei pada tali pinggang ahli gusti sumo sebelum permulaan pertarungan.

- Anesama.
Ini adalah pembuatan anak patung kertas. Pada abad ke-19, isteri samurai membuat anak patung kertas yang dimainkan oleh kanak-kanak, memakaikan mereka dengan pakaian yang berbeza. Pada masa-masa ketika tidak ada mainan, anesama adalah satu-satunya teman bicara untuk kanak-kanak, "melaksanakan" peranan ibu, kakak, anak dan kawan.
Anak patung itu dilipat dari kertas washi Jepun, rambut diperbuat daripada kertas berkerut, dicelup dengan dakwat dan ditutup dengan gam, yang memberikannya kilauan. Ciri tersendiri adalah hidung kecil yang bagus pada muka yang memanjang. Hari ini, mainan mudah ini, yang tidak memerlukan apa-apa selain tangan yang mahir, dalam bentuk tradisional, terus dibuat dengan cara yang sama seperti dahulu.

- Origami.
Seni kuno melipat kertas (折り紙, lit.: "kertas berlipat"). Seni origami berakar umbi di China purba, tempat kertas dicipta. Pada mulanya, origami digunakan dalam upacara keagamaan. Untuk masa yang lama seni jenis ini hanya tersedia untuk wakil kelas atasan, di mana tanda rasa yang baik adalah memiliki teknik lipatan kertas. Hanya selepas Perang Dunia Kedua, origami melangkaui Timur dan datang ke Amerika dan Eropah, di mana ia segera menemui peminatnya. Origami klasik dilipat dari sehelai kertas persegi.
Terdapat satu set simbol konvensional tertentu yang diperlukan untuk melakar skema lipatan walaupun produk yang paling kompleks. Kebanyakan tanda-tanda konvensional telah diamalkan pada pertengahan abad ke-20 oleh tuan Jepun yang terkenal Akira Yoshizawa.
Origami klasik menetapkan penggunaan satu helaian kertas berwarna sama rata tanpa gam dan gunting. Bentuk seni kontemporari kadangkala menyimpang daripada kanun ini.

- Kirigami.
Kirigami ialah seni memotong pelbagai bentuk daripada helaian kertas yang dilipat beberapa kali dengan bantuan gunting. Sejenis origami yang membolehkan penggunaan gunting dan pemotongan kertas dalam proses membuat model. Ini adalah perbezaan utama antara kirigami dan teknik lipatan kertas lain, yang ditekankan dalam nama: 切る (kiru) - potong, 紙 (gami) - kertas. Kita semua suka memotong kepingan salji pada zaman kanak-kanak - varian kirigami, anda boleh memotong bukan sahaja kepingan salji, tetapi juga pelbagai figura, bunga, kalungan dan benda kertas comel lain menggunakan teknik ini. Produk ini boleh digunakan sebagai stensil untuk cetakan, hiasan album, poskad, bingkai foto, reka bentuk fesyen, reka bentuk dalaman dan pelbagai hiasan lain.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生け花 atau いけばな) diterjemahkan daripada Bahasa Jepun- ike" - kehidupan, "bana" - bunga, atau "bunga yang hidup". Seni gubahan bunga Jepun merupakan salah satu tradisi terindah masyarakat Jepun. Apabila menyusun ikebana, bersama-sama dengan bunga, dahan potong, daun dan pucuk digunakan.Prinsip asasnya adalah kesederhanaan yang indah, untuk mencapai yang mereka cuba menekankan keindahan semula jadi tumbuhan. Ikebana adalah penciptaan bentuk semula jadi yang baru, di mana keindahan bunga dan keindahan jiwa tuan mencipta komposisi digabungkan secara harmoni.
Hari ini di Jepun terdapat 4 sekolah utama ikebana: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Sebagai tambahan kepada mereka, terdapat kira-kira seribu lagi pelbagai arah dan arus yang mengikuti salah satu sekolah ini.

- Oribana.
Pada pertengahan abad ke-17, dua sekolah ohara (bentuk utama ikebana - oribana) dan koryu (bentuk utama - sek) bertolak dari ikenobo. By the way, sekolah ohara masih belajar hanya oribanu. Seperti yang orang Jepun katakan, adalah sangat penting bahawa origami tidak berubah menjadi origami. Gomi bermaksud sampah dalam bahasa Jepun. Lagipun, seperti yang berlaku, anda melipat sekeping kertas, dan kemudian apa yang perlu dilakukan dengannya? Oribana menawarkan banyak idea untuk karangan bunga untuk menghias pedalaman. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Kesilapan.
Sejenis seni halus yang lahir daripada floristry. Floristri muncul di negara kita lapan tahun yang lalu, walaupun ia telah wujud di Jepun selama lebih daripada enam ratus tahun. Suatu ketika pada Zaman Pertengahan, samurai memahami cara seorang pahlawan. Dan oshibana adalah sebahagian daripada laluan itu, sama seperti menulis hieroglif dan menghunus pedang. Maksud kesilapan itu ialah dalam keadaan kehadiran total pada masa itu (satori), tuan mencipta gambar bunga kering (bunga ditekan). Kemudian gambar ini boleh berfungsi sebagai kunci, panduan bagi mereka yang bersedia untuk memasuki kesunyian dan mengalami satori yang sama.
Intipati seni "oshibana" ialah, dengan mengumpul dan mengeringkan bunga, herba, daun, kulit kayu di bawah tekanan dan melekatkannya di pangkalan, pengarang mencipta dengan bantuan tumbuh-tumbuhan sebuah karya yang benar-benar "lukisan". Dalam erti kata lain, salah adalah melukis dengan tumbuhan.
Kreativiti artistik kedai bunga adalah berdasarkan pemeliharaan bentuk, warna dan tekstur bahan tumbuhan kering. Orang Jepun telah membangunkan teknik untuk melindungi lukisan "oshibana" daripada pudar dan gelap. Intipatinya ialah udara dipam keluar antara kaca dan gambar dan vakum dicipta yang menghalang tumbuhan daripada rosak.
Ia menarik bukan sahaja ketidakkonvensionalan seni ini, tetapi juga peluang untuk menunjukkan imaginasi, rasa, pengetahuan tentang sifat tumbuhan. Kedai bunga mencipta perhiasan, landskap, masih hidup, potret dan lukisan cerita.

- Bonsai.
Bonsai, sebagai fenomena, muncul lebih daripada seribu tahun yang lalu di China, tetapi budaya ini mencapai kemuncak pembangunannya hanya di Jepun. (bonsai - Jepun 盆栽 lit. "tanam dalam pasu") - seni menanam salinan tepat pokok sebenar dalam bentuk kecil. Tumbuhan ini ditanam oleh sami Buddha beberapa abad sebelum era kita dan seterusnya menjadi salah satu aktiviti golongan bangsawan tempatan.
Bonsai menghiasi rumah dan taman Jepun. Pada era Tokugawa, reka bentuk taman menerima dorongan baru: penanaman azalea dan maple menjadi hobi untuk orang kaya. Pengeluaran tanaman kerdil (hachi-no-ki - "pokok dalam pasu") juga berkembang, tetapi bonsai pada masa itu sangat besar.
Sekarang pokok biasa digunakan untuk bonsai, ia menjadi kecil kerana pemangkasan berterusan dan pelbagai kaedah lain. Pada masa yang sama, nisbah saiz sistem akar, terhad oleh jumlah mangkuk, dan bahagian tanah bonsai sepadan dengan perkadaran pokok dewasa dalam alam semula jadi.

- Mizuhiki.
Analog Macrame. Ini adalah seni terapan Jepun purba untuk mengikat pelbagai simpulan daripada kord khas dan mencipta corak daripadanya. Karya seni sedemikian mempunyai skop yang sangat luas - daripada kad hadiah dan surat kepada gaya rambut dan beg tangan. Pada masa ini, mizuhiki digunakan secara meluas dalam industri hadiah - untuk setiap peristiwa dalam kehidupan, hadiah sepatutnya dibungkus dan diikat dengan cara yang sangat khusus. Terdapat banyak simpulan dan gubahan dalam seni mizuhiki, dan tidak semua orang Jepun mengetahui semuanya dengan hati. Sudah tentu, terdapat simpulan yang paling biasa dan mudah yang paling kerap digunakan: untuk ucapan tahniah atas kelahiran anak, untuk perkahwinan atau peringatan, ulang tahun atau kemasukan universiti.

- Kumihimo.
Kumihimo ialah tali jalinan Jepun. Apabila menenun benang, reben dan tali diperolehi. Tali ini ditenun pada mesin khas - Marudai dan Takadai. Mesin Marudai digunakan untuk menganyam tali bulat, dan Takadai untuk yang rata. Kumihimo dalam bahasa Jepun bermaksud "menenun tali" (kumi - menganyam, melipat bersama, himo - tali, renda). Walaupun fakta bahawa ahli sejarah berdegil menegaskan bahawa tenunan seperti itu boleh didapati di kalangan orang Scandinavia dan penduduk Andes, seni jepun Kumihimo sememangnya salah satu jenis tenunan yang paling kuno. Sebutan pertama mengenainya bermula pada tahun 550, apabila agama Buddha tersebar di seluruh Jepun dan upacara khas memerlukan hiasan khas. Kemudian, tali kumihimo mula digunakan sebagai pengancing untuk tali pinggang obi pada kimono wanita, sebagai tali untuk "membungkus" seluruh senjata samurai (samurai menggunakan kumihimo untuk tujuan hiasan dan berfungsi untuk mengikat perisai dan perisai kuda mereka) dan juga untuk mengikat objek berat.
Pelbagai corak kumihimo moden ditenun dengan mudah pada alat tenun kadbod buatan sendiri.

- Komono.
Apakah yang tinggal pada kimono selepas ia habis pada zamannya? Adakah anda fikir ia dibuang? Tiada yang seperti ini! Orang Jepun tidak akan berbuat demikian. Kimono mahal. Tidak terfikir dan mustahil untuk membuangnya begitu sahaja... Bersama-sama dengan jenis kitar semula kimono yang lain, tukang-tukang membuat cenderahati kecil daripada serpihan kecil. Ini adalah mainan kecil untuk kanak-kanak, anak patung, kerongsang, kalungan bunga, barang kemas wanita dan produk lain, kimono lama digunakan dalam pembuatan perkara comel kecil, yang secara kolektif dipanggil "komono". Perkara kecil yang akan hidup nyawa sendiri, meneruskan laluan kimono. Inilah maksud perkataan "komono".

- Kanzashi.
Seni menghias klip rambut (paling kerap dihiasi dengan bunga (rama-rama, dll.) diperbuat daripada kain (terutamanya sutera). Kanzashi Jepun (kanzashi) ialah jepit rambut panjang untuk gaya rambut wanita Jepun tradisional. Ia diperbuat daripada kayu, lakuer, perak, kulit kura-kura yang digunakan dalam gaya rambut tradisional Cina dan Jepun. Kira-kira 400 tahun yang lalu, di Jepun, gaya gaya rambut wanita berubah: wanita berhenti menyikat rambut mereka dalam bentuk tradisional - taregami (rambut lurus panjang) dan mula menggayakannya dengan rumit. dan bentuk pelik – nihongami.digunakan pelbagai barangan- penyepit rambut, tongkat, sikat. Pada masa itu, sisir kushi yang ringkas pun bertukar menjadi aksesori elegan kecantikan luar biasa, yang menjadi karya seni yang sebenar. Pakaian tradisional wanita Jepun tidak membenarkan perhiasan pergelangan tangan dan rantai, jadi perhiasan rambut adalah kecantikan utama dan medan untuk ekspresi diri - serta menunjukkan rasa dan ketebalan dompet pemilik. Pada ukiran yang anda boleh lihat - jika anda melihat dengan teliti - bagaimana wanita Jepun dengan mudah menggantung sehingga dua puluh kanzashi mahal dalam gaya rambut mereka.
Kini terdapat kebangkitan semula dalam tradisi penggunaan kanzashi di kalangan wanita muda Jepun yang ingin menambah kecanggihan dan keanggunan pada gaya rambut mereka, barret moden boleh dihiasi dengan hanya satu atau dua bunga buatan tangan yang cantik.

- Kinusiga.
Jenis jahitan yang menakjubkan dari Jepun. Kinusiga (絹彩画) ialah kacukan antara batik dan kain perca. Idea utama ialah lukisan baharu dikumpul daripada kimono sutera lama sekeping demi sekeping - karya yang benar seni.
Pertama, artis membuat lakaran di atas kertas. Kemudian lukisan ini dipindahkan ke papan kayu. Kontur corak dipotong dengan alur, atau alur, dan kemudian carik kecil, padanan warna dan ton, dipotong daripada kimono sutera lama, dan tepi carik ini memenuhi alur. Apabila anda melihat gambar sedemikian, anda mendapat perasaan bahawa anda sedang melihat gambar, atau walaupun hanya melihat landskap di luar tingkap, ia sangat realistik.

- Temari.
Ini adalah bola bersulam geometri Jepun tradisional yang dibuat dengan jahitan ringkas yang dahulunya merupakan mainan kanak-kanak dan kini telah menjadi satu bentuk seni dengan ramai peminat bukan sahaja di Jepun tetapi di seluruh dunia. Adalah dipercayai bahawa satu masa dahulu produk ini dibuat oleh isteri samurai untuk hiburan. Pada awalnya, mereka benar-benar digunakan sebagai bola untuk permainan bola, tetapi secara beransur-ansur mereka mula memperoleh unsur artistik, kemudian bertukar menjadi perhiasan hiasan. Keindahan halus bola ini diketahui di seluruh Jepun. Dan hari ini, produk yang berwarna-warni dan dibuat dengan teliti adalah salah satu jenis kraf rakyat di Jepun.

- Yubinuki.
Bidal Jepun, apabila menjahit atau menyulam tangan, ia diletakkan pada phalanx tengah jari tengah tangan yang bekerja, dengan bantuan hujung jari jarum diberikan arah yang dikehendaki, dan jarum ditolak melalui cincin di tengah. jari dalam kerja. Pada mulanya, bidal yubinuki Jepun dibuat dengan ringkas - jalur kain padat atau kulit selebar kira-kira 1 cm dalam beberapa lapisan dililitkan pada jari dan diikat bersama dengan beberapa jahitan hiasan ringkas. Sejak yubinuk adalah subjek yang diperlukan di setiap rumah, mereka mula dihiasi dengan sulaman geometri dengan benang sutera. Daripada jalinan jahitan, berwarna-warni dan corak yang rumit. Yubinuki dari barang rumah yang ringkas juga telah bertukar menjadi objek untuk "mengkagumi", hiasan Kehidupan seharian.
Yubinuki masih digunakan dalam jahitan dan sulaman, tetapi ia juga boleh didapati hanya dipakai pada tangan pada mana-mana jari, seperti cincin hiasan. Sulaman gaya Yubinuki digunakan untuk menghiasi pelbagai objek dalam bentuk cincin - cincin serbet, gelang, berdiri temari, dihiasi dengan sulaman yubinuki, dan terdapat juga katil jarum bersulam dalam gaya yang sama. Corak Yubinuki boleh menjadi inspirasi hebat untuk sulaman temari obi.

- Suibokuga atau sumie.
Lukisan dakwat Jepun. ini gaya cina lukisan telah dipinjam oleh artis Jepun pada abad ke-14, dan pada akhir abad ke-15. menjadi aliran utama seni lukis di Jepun. Suibokuga ialah monokrom. Ia dicirikan oleh penggunaan dakwat hitam (sumi), bentuk pepejal arang atau diperbuat daripada jelaga dakwat Cina, yang dikisar dalam periuk dakwat, dicairkan dengan air, dan disapu dengan berus pada kertas atau sutera. Monokrom menawarkan tuan pilihan pilihan tonal yang tidak berkesudahan, yang dahulu dikenali oleh orang Cina sebagai "warna" dakwat. Suibokuga kadangkala membenarkan penggunaan warna sebenar, tetapi mengehadkannya kepada sapuan nipis dan telus yang sentiasa berada di bawah garisan dakwat. Lukisan dakwat berkongsi dengan seni kaligrafi ciri-ciri penting seperti ekspresi dikawal ketat dan penguasaan teknikal bentuk. Kualiti lukisan dakwat turun, seperti dalam kaligrafi, kepada integriti dan ketahanan terhadap koyak garis yang dilukis dalam dakwat, yang, seolah-olah, memegang karya seni pada dirinya sendiri, seperti tulang memegang tisu pada diri mereka sendiri.

- Etegami.
Poskad yang dilukis (e - gambar, ditandakan - huruf). Membuat poskad sendiri secara amnya merupakan aktiviti yang sangat popular di Jepun, dan sebelum cuti popularitinya semakin meningkat. Orang Jepun suka menghantar poskad kepada rakan mereka, dan mereka juga suka menerimanya. Ini adalah jenis surat cepat pada kosong khas, ia boleh dihantar melalui pos tanpa sampul surat. Bukan dalam etegami peraturan khas atau juruteknik, ia boleh menjadi mana-mana orang tanpa latihan khas. Etagami membantu dengan tepat menyatakan perasaan, kesan, ini adalah poskad buatan tangan yang terdiri daripada gambar dan surat pendek, menyampaikan emosi pengirim, seperti kemesraan, keghairahan, penjagaan, cinta, dll. Mereka menghantar poskad ini untuk cuti dan begitu sahaja, menggambarkan musim, aktiviti, sayur-sayuran dan buah-buahan, manusia dan haiwan. Lebih mudah gambar ini dilukis, lebih menarik ia kelihatan.

- Furoshiki.
Teknik membalut Jepun atau seni melipat kain. Furoshiki memasuki kehidupan orang Jepun untuk masa yang lama. Skrol kuno dari zaman Kamakura-Muromachi (1185 - 1573) telah dipelihara dengan imej wanita yang membawa berkas pakaian yang dibalut dengan kain di atas kepala mereka. Teknik menarik ini bermula seawal 710 - 794 Masihi di Jepun. Perkataan "furoshiki" secara literal diterjemahkan kepada "permaidani mandi" dan merupakan sehelai kain persegi yang digunakan untuk membungkus dan membawa objek dari semua bentuk dan saiz.
Pada zaman dahulu, adalah kebiasaan untuk berjalan di mandi Jepun (furo) dengan kimono kapas ringan, yang dibawa oleh pelawat dari rumah. Pemandian itu juga membawa permaidani (shiki) khas untuk dia berdiri semasa membuka pakaian. Setelah bertukar menjadi kimono "mandi", pelawat itu membungkus pakaiannya dengan permaidani, dan selepas mandi membungkus kimono basah dalam permaidani untuk dibawa pulang. Oleh itu, tikar mandi telah menjadi beg pelbagai fungsi.
Furoshiki sangat mudah digunakan: fabrik mengambil bentuk objek yang anda balut, dan pemegang memudahkan untuk membawa beban. Di samping itu, hadiah yang dibalut bukan dengan kertas keras, tetapi dalam kain lembut, berbilang lapisan, memperoleh ekspresi istimewa. Terdapat banyak skim untuk melipat furoshiki untuk sebarang majlis, setiap hari atau perayaan.

- Amigurumi.
Seni Jepun mengait atau mengait haiwan boneka kecil dan makhluk humanoid. Amigurumi (編み包み, lit.: "berbalut rajutan") adalah haiwan yang paling kerap comel (seperti beruang, arnab, kucing, anjing, dll.), lelaki kecil, tetapi mereka juga boleh menjadi objek tidak bernyawa yang dikurniakan harta manusia. Contohnya kek cawan, topi, beg tangan dan lain-lain. Amigurumi dikait atau dikait atau dirajut. DALAM Kebelakangan ini Amigurumi mengait telah menjadi lebih popular dan lebih biasa.
rajutan daripada benang dengan cara yang mudah mengait - dalam lingkaran dan, tidak seperti kaedah mengait Eropah, bulatan biasanya tidak disambungkan. Mereka juga dirajut pada saiz yang lebih kecil berbanding dengan ketebalan benang untuk menghasilkan fabrik yang sangat padat tanpa sebarang celah untuk pemadat terkeluar. Amigurumi selalunya dibuat daripada bahagian dan kemudian disatukan, kecuali beberapa amigurumi, yang tidak mempunyai anggota badan, tetapi hanya mempunyai kepala dan badan, yang merupakan satu keseluruhan. Anggota badan kadangkala diisi dengan kepingan plastik untuk memberi mereka berat hidup, manakala bahagian badan yang lain dipenuhi dengan serat.
Penyebaran estetika amigurumi dipermudahkan oleh kecomelan mereka ("kawaii").

Pameran menarik sedang berlangsung di Hermitage - Seni Moden Jepun "MONO-NO AWARE. Charm of things".

Untuk mengatakan bahawa saya peminat seni kontemporari - saya tidak boleh. Saya lebih suka apabila ada sesuatu untuk dilihat (grafik yang sibuk, atau seni dan kraf, etnos adalah segala-galanya). Mengagumi keindahan konsep murni tidak selalu menyeronokkan bagi saya. (Malevich, maaf! Saya tidak suka Black Square!)

Tetapi hari ini saya sampai ke pameran ini!

Berharga, jika anda berada di St. Petersburg, berminat dengan seni dan belum pernah ke sana, maka pameran itu akan berlangsung sehingga 9 Februari! Pergi, kerana ia menarik!

Konsep meyakinkan saya sedikit, seperti yang saya tulis di atas. Saya entah bagaimana berfikir bahawa dalam setahun melawat pameran moden, satu atau dua objek kelihatan paling lucu kepada saya. Dan banyak perkara yang tidak menyentuh saya sehingga saya berasa kesal dengan masa yang saya habiskan. Tetapi ia adalah dalam mana-mana genre, dalam mana-mana seni, peratusan nisbah bakat dan biasa-biasa sahaja, ia adalah baik jika ia adalah satu daripada sepuluh! Tetapi saya suka rancangan ini.

Ciptaan Jepun diletakkan di dalam dewan pameran Kakitangan Am. Pemasangan pertama yang menyambut pengunjung adalah labirin luar biasa yang dipenuhi dengan garam di atas lantai. Lantai kelabu, garam putih, ruang yang ditanda dengan sangat kemas, ditenun menjadi satu bidang. Besar bilik pameran, dan hiasan putih tersebar di seluruh lantai seperti loach yang menakjubkan. Dan anda faham betapa sementara seni ini. Pameran akan ditutup, labirin akan dihanyutkan dengan penyapu. Saya pernah menonton filem, "Little Buddha". Dan di sana, pada mulanya, seorang sami Buddha meletakkan hiasan kompleks dari pasir berwarna. Dan pada penghujung filem itu, sami membuat pergerakan tajam dengan berusnya dan kerja raksasa itu hilang ditiup angin. Itu, kemudian lompat, dan tidak. Dan ia berkata, hargai keindahan di sini dan sekarang, semuanya sekejap. Jadi labirin garam ini, ia masuk ke dalam dialog dengan anda, anda mula menjawab soalan-soalan yang dia meletakkan anda di hadapan. Artisnya ialah Motoi Yamamoto.

Ya Ya! Ini adalah labirin yang besar, adakah anda merasakan skalanya?

Objek kedua yang menawan ialah kubah besar yang diperbuat daripada polietilena dan damar hitam oleh Yasuaki Onishi. Ruang yang diputuskan secara luar biasa. Pada benang damar yang tidak sekata paling nipis hitam tergantung, sedikit bergerak, kubah .... atau gunung dengan pelepasan yang kompleks. Apabila anda masuk ke dalam, anda melihat corak beraneka ragam titik - tempat resin melekat. Ia lucu, seolah-olah hujan hitam turun secara senyap, dan anda berada di bawah kanopi.

Bagaimanakah teknik ini terhasil? kelakar kan? Tetapi hidup ia kelihatan lebih "hidup", kubah bergoyang sedikit dari angin yang dicipta oleh pengunjung yang lalu lalang. Dan terdapat perasaan interaksi anda dengan objek itu. Anda boleh memasuki "gua", lihat dari dalam bagaimana keadaannya!

Tetapi untuk tidak mendapat tanggapan bahawa segala-galanya hanya hitam dan putih, saya akan menyiarkan di sini beberapa lagi foto komposisi, diperbuat daripada gelung yang disambungkan bersama. Keriting plastik lucu berwarna sedemikian! Dan juga, anda boleh melalui bilik ini, di dalam gelung, atau anda boleh melihat segala-galanya dari luar.

Barang-barang ini adalah kegemaran saya. Sudah tentu, tidak lama lagi seni kontemporari berkonsepkan akan menjadi berbeza, selaras dengan masa baru. Ia tidak akan kembali kepada yang lama, dan tidak akan kekal seperti sekarang. Ia akan berubah. Tetapi untuk memahami apa itu, di mana aliran itu bergegas dan dari mana dan dari mana ia datang, anda perlu tahu apa yang berlaku sekarang. Dan jangan segan silu, konsep itu bukan untuk saya, tetapi cuba lihat dan nilaikan. Terdapat sedikit bakat, seperti biasa, tetapi mereka ada di sana. Dan jika pameran itu bergema, maka semuanya tidak hilang!!!

Dunia hari ini sering dipersalahkan krisis rohani, dalam kemusnahan hubungan dengan tradisi, dalam globalisasi, tidak dapat tidak menyerap asas negara. Semuanya diperibadikan dan dinyahperibadi pada masa yang sama. Jika yang dipanggil seni klasik boleh kita bahagikan kepada sekolah kebangsaan dan bayangkan di sana seni itali apakah seni Jerman dan apakah itu Perancis; maka bolehkah kita membahagikan seni kontemporari kepada "sekolah" yang sama?

Sebagai jawapan kepada soalan ini, saya ingin mempersembahkan seni kontemporari Jepun untuk perhatian anda. Pada persidangan di Muzium Seni Mori mengenai topik antarabangsaisme dalam seni kontemporari tahun lepas, profesor Universiti Tokyo, Michio Hayashi mencadangkan bahawa persepsi popular "ke Jepunan" di Barat telah diperkukuh pada tahun 1980-an oleh triniti "kitsch", "keaslian" dan "kerumitan teknologi. ”. Hari ini, seni kontemporari Jepun yang popular, dan terutamanya popular secara komersial masih boleh diletakkan dalam segi tiga ini. Bagi penonton Barat, ia kekal misteri dan asli kerana ciri khusus hanya wujud dalam seni tanah air matahari terbit. Pada bulan Ogos, Barat dan Timur bertemu di tiga tempat seni serentak: sehingga 8 Ogos, pameran "Dualiti Kewujudan - Pasca-Fukushima" telah diadakan di Manhattan (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan), pameran "teamLab: Ultra Ruang Subjektif” yang berlangsung sehingga 15 Ogos adalah berdekatan (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); dan "Kitaran Arhat" oleh Takashi Murakami di Palazzo Reale, di Milan, masih terus menakluk dan memukau pengunjung.

Semua karya seni yang ditunjukkan telah dicipta selepas 11 Mac 2011, apabila tsunami melanda Jepun. Bencana nuklear di loji janakuasa nuklear Fukushima memupuk negara, menjadikannya perlu untuk menimbang semula keutamaan dan nilai, dan kembali kepada tradisi yang telah lama dilupakan. Seni tidak boleh diketepikan dan dipersembahkan kepada dunia jenis baru seorang artis memberi tumpuan kepada keperluan penonton moden, dan pada masa yang sama menghormati asas dan nilai sejarah.

Takashi Murakami - komersial artis berjaya, yang mempopularkan techno kitsch dan mencipta superflat bahasa visual baharu, berdasarkan tradisi lukisan nihonga Jepun dan spesifikasi anime dan manga. Ideologi arca replika dan pemasangannya yang keterlaluan adalah untuk menunjukkan perubahan di Jepun selepas perang, apabila kepenggunaan menjadi berleluasa. Tetapi 11 Mac 2011 membahagikan kehidupan Jepun kepada "sebelum" dan "selepas", seperti dua hari yang mengerikan pada Ogos 1945, apabila bom nuklear dijatuhkan di Hiroshima dan Nagasaki. Selepas gempa bumi yang kuat itu, yang membawa kepada akibat yang dahsyat, Murakami memulakan jalan memikirkan semula Buddhisme dan estetika Jepun, mengambil langkah ke arah kembali kepada asal usul dan kerohanian. Karya pertama yang memulakan kitaran Arhats ialah 500 Arhats, yang ditunjukkan di pameran solo Takashi Murakami di Doha, Qatar, pada tahun 2012. Kembali kepada tema Buddha dijelaskan oleh pengarang sebagai percubaan untuk menyedari bahawa di dunia ini bukan sahaja ada kita, terdapat kuasa yang bebas daripada kita, dan kita mesti memperbaiki setiap masa untuk berhenti bergantung kepada kehendak sendiri dan memberi kesan. Dinding arhat yang padat, seolah-olah melindungi penonton daripada unsur-unsur yang mengamuk sepanjang 100 meter kanvas, menanamkan kedamaian dan ketenangan dalam jiwa semua orang. Tetapi Murakami tidak mengehadkan dirinya kepada hanya satu karya dan meneruskan kitaran lukisan, menambah dan mengembangkan naratif, seolah-olah menggunakan teknik manga dan bercerita dalam reka bentuk visual. Bahagian kedua kitaran telah dibentangkan dalam galeri Blum & Poe ( Los Angeles) pada tahun 2013. Hari ini, di Milan, para arhat mengembara dunia untuk kali ketiga, menyebarkan idea kembali kepada kerohanian dan penolakan nafsu. Walaupun peneguhan dan kedalaman makna, lukisan itu mudah dilihat kerana keputusan warna yang berani dan terang, bahasa artistik itu sendiri. Unsur-unsur manga membawa kepada mereka bahagian popularisasi yang diperlukan supaya idea penyiaran agama Buddha mudah dibaca dan diterima walaupun oleh orang ramai yang tidak tahu.

Wakil seterusnya lukisan Jepun moden boleh dipanggil Kazuki Umezawa, pelajar Murakami, yang membawa kita kembali kepada persoalan sekolah dan kesinambungan. Dia mencipta rendering digital watak anime dengan melukisnya di atas pelekat untuk mencipta kedalaman tambahan dan huru-hara visual. Daripada imej rawak dan bertaburan di seluruh Internet, dia membina kolaj, memecahkan latar belakang, mencipta mandala yang mencerminkan struktur dan kandungan imaginasi otaku (peminat anime dan manga). Rayuan kepada simbol Buddha meningkatkan nilai semantik karya artis muda, menghubungkan, di satu pihak, suci dan mapan dalam budaya, sebaliknya, isu-isu moden, tetapi sekali lagi dengan kemasukan fenomena Jepun tertentu - anime.

Takashi Murakami dan Kazuki Umezawa dengan mahir mengimbangi antara kaitan dan tradisi, kitsch dan gaya.

Anehnya, selepas gempa bumi pada 11 Mac 2011 di Jepun, seorang budak lelaki berusia 16 tahun yang terperangkap di bawah runtuhan rumahnya selama sembilan hari dan diselamatkan, apabila ditanya oleh seorang wartawan tentang impian masa depannya, menjawab: “Saya nak jadi artis.”

Akan ada pameran seni Jepun kontemporari "Double Perspective".

1. Terdapat banyak perkara luar biasa dalam seni kontemporari Jepun. Sebagai contoh, lukisan oleh Izumi Kato ini dibuat dengan tangan, tanpa menggunakan berus.

2. Pada pandangan pertama, nampaknya ini adalah mentol lampu biasa. Tetapi karya dengan makna mendalam ini didedikasikan untuk selari ke-38, yang memisahkan Korea Utara dan Selatan.

3. Sudah tentu, dalam setiap karya terdapat beberapa makna mendalam yang tidak terletak di permukaan, tetapi walaupun anda tidak menemuinya, anda hanya boleh mengagumi, sebagai contoh, keindahan bunga mawar yang dibuat dengan mahir ini.

4. ini adalah karya Kenji Yanobe tentang bagaimana seseorang boleh bertahan di akhir dunia

6. Ini adalah karyanya yang paling terkenal "Child of the Sun" yang dicipta selepas kemalangan di loji kuasa nuklear Fukushima.

8. Makoto Aida "Bonsai Ai-chan"

9. ini juga seni moden Jepun

10. projek intersny "Lenin dikehendaki di pangsapuri Moscow". Yoshinori Niva menggeledah rumah Muscovite untuk mencari barang-barang yang dipelihara yang berkaitan dengan keperibadian Lenin. Perkara yang paling aneh ialah ini tidak dilakukan oleh orang Rusia, tetapi oleh orang Jepun.