rumah › Cahaya dan kaca › budaya Jepun. Seni Jepun - Sejarah - Pengenalan - Jepun Menarik — LiveJournal

budaya Jepun. Seni Jepun - Sejarah - Pengenalan - Jepun Menarik — LiveJournal

Lukisan Jepun adalah salah satu lukisan tercantik di dunia.

Lukisan Jepun adalah salah satu jenis kreativiti yang paling kuno dan menakjubkan. Seperti yang lain, ia mempunyai sejarah panjangnya sendiri, yang boleh dibahagikan kepada beberapa tempoh mengikut teknik dan ciri. Biasa kepada semua zaman adalah alam semula jadi, yang diberi tempat utama dalam lukisan. Di tempat kedua dalam populariti dalam seni halus Jepun adalah adegan domestik dari kehidupan.

Yamato

Yamato(Abad VI-VII) - tempoh pertama seni Jepun, yang meletakkan asas untuk menulis. Dorongan untuk perkembangan seni diberikan oleh pencapaian China dalam bidang agama dan penulisan. Jepun bergegas untuk naik ke tahapnya, membuat perubahan dalam strukturnya dan membina segala-galanya dalam rupa China. Untuk pembangunan lukisan, sejumlah besar karya oleh tuan Cina telah dibawa ke Jepun, yang memberi inspirasi kepada Jepun, yang dengan berani bergegas untuk mencipta lukisan serupa.

Melukis di Makam Takamatsuzuka

Tempoh ini terdiri daripada dua tempoh kanak-kanak:

Kofun- tempoh seni Jepun, menduduki separuh pertama Yamato. Nama zaman itu diterjemahkan sebagai "tempoh barrows". Pada zaman itu, sememangnya, busut diberi peranan yang besar, menciptanya di mana-mana.
Asuka- bahagian kedua era Yamato. Tempoh itu dinamakan sempena pusat politik negara yang aktif pada tahun-tahun itu. Ia dikaitkan dengan kedatangan agama Buddha di Jepun, dan pada masa hadapan dengan perkembangan aktif semua kawasan budaya.

Nara

Agama Buddha yang berasal dari China sedang giat merebak di Jepun, yang menyumbang kepada kemunculan tema keagamaan dalam seni. Artis Jepun, yang terbawa-bawa oleh topik ini, melukis dinding kuil, yang dicipta oleh personaliti yang berpengaruh. Sehingga kini, kuil Horyu-ji telah mengekalkan lukisan dinding dari masa itu.

Azuchi-Momoyama

Tempoh ini adalah bertentangan dengan tempoh sebelumnya. Kesuraman dan monokrom hilang daripada karya, digantikan dengan warna-warna terang dan penggunaan emas dan perak dalam lukisan.

Cypress. Skrin. Kano Eitoku.

Meiji

Pada abad ke-19, pembahagian lukisan Jepun ke dalam gaya tradisional dan Eropah bermula, yang bersungguh-sungguh bersaing antara satu sama lain. Dalam tempoh ini, perubahan politik yang besar berlaku di Jepun. Pengaruh Eropah pada tahun-tahun itu mempengaruhi hampir setiap sudut planet ini, memperkenalkan ciri-cirinya sendiri ke setiap negeri. Gaya seni Eropah secara aktif disokong oleh pihak berkuasa, menolak tradisi lama. Tetapi tidak lama kemudian keterujaan di sekitar lukisan Barat cepat reda dan minat dalam seni tradisional kembali mendadak.

Perkembangan seni lukis Jepun dikemas kini: 15 September 2017 oleh: Valentine

Sejak zaman purba, seni Jepun telah dicirikan oleh kreativiti aktif. Walaupun bergantung kepada China, di mana trend artistik dan estetik baharu sentiasa muncul, artis Jepun sentiasa memperkenalkan ciri baharu dan mengubah seni guru mereka, memberikan rupa Jepun.

Sejarah Jepun seperti itu mula mengambil bentuk yang pasti hanya pada akhir abad ke-5. Sebilangan kecil item sejak abad sebelumnya (zaman kuno) telah ditemui, walaupun beberapa penemuan yang dibuat semasa penggalian atau semasa kerja pembinaan bercakap tentang bakat seni yang luar biasa.

zaman kuno.

Karya seni Jepun yang tertua ialah periuk tanah liat jenis Jomon (terasan tali). Nama itu berasal dari hiasan permukaan dengan kesan lingkaran tali yang dililit pada kayu yang digunakan oleh tuan untuk membuat kapal. Mungkin, pada mulanya, tuan secara tidak sengaja menemui cetakan rotan, tetapi kemudian mereka mula menggunakannya secara sedar. Kadangkala keriting tanah liat seperti tali tersangkut di permukaan, mencipta kesan hiasan yang lebih kompleks, hampir melegakan. Arca Jepun pertama berasal dari budaya Jomon. Dogu (lit. "imej tanah liat") seseorang atau haiwan mungkin mempunyai beberapa jenis kepentingan keagamaan. Imej orang, kebanyakannya wanita, sangat mirip dengan dewi tanah liat budaya primitif lain.

Analisis radiokarbon menunjukkan bahawa beberapa penemuan dari budaya Jomon mungkin bermula pada 6-5 ribu SM, tetapi tarikh awal seperti itu tidak diterima umum. Sudah tentu, hidangan sedemikian telah dibuat untuk masa yang lama, dan walaupun tarikh yang tepat belum dapat ditentukan, tiga tempoh dibezakan. Sampel tertua mempunyai tapak yang runcing dan hampir tidak berhias, kecuali kesan alat tukang periuk. Kapal zaman pertengahan dihiasi dengan lebih mewah, kadangkala dengan unsur-unsur acuan yang mencipta kesan kelantangan. Bentuk kapal tempoh ketiga sangat pelbagai, tetapi hiasannya kembali rata dan menjadi lebih terkawal.

Kira-kira pada abad ke-2. BC. Seramik Jōmon memberi laluan kepada seramik Yayoi, dicirikan oleh keanggunan bentuk, kesederhanaan reka bentuk dan kualiti teknikal yang tinggi. Serpihan kapal menjadi lebih nipis, perhiasannya kurang aneh. Jenis ini berlaku sehingga ke-3 c. AD

Dari sudut seni, mungkin karya terbaik tempoh awal adalah khaniva, silinder tanah liat sejak abad ke-3-5. AD Monumen ciri zaman ini ialah bukit besar, atau kuburan, struktur perkuburan maharaja dan bangsawan yang berkuasa. Selalunya sangat saiz besar, mereka adalah bukti kuasa dan kekayaan keluarga diraja dan pembesar istana. Pembinaan struktur sedemikian untuk Maharaja Nintoku-tenno (c. 395-427 AD) memerlukan 40 tahun. Ciri yang paling luar biasa dari barrows ini ialah silinder tanah liat yang mengelilingi mereka seperti pagar, khaniva. Biasanya silinder ini agak mudah, tetapi kadangkala ia dihiasi dengan figura manusia, kurang kerap dengan figura kuda, rumah atau ayam jantan. Tujuan mereka adalah dua: untuk mencegah hakisan jisim besar bumi dan untuk membekalkan si mati dengan segala yang diperlukan yang digunakannya dalam kehidupan duniawi. Sememangnya, silinder dibuat serta-merta dalam kuantiti yang banyak. Kepelbagaian tema, mimik muka dan gerak isyarat figura yang menghiasi sebahagian besarnya adalah hasil improvisasi tuan. Walaupun ia adalah karya artisan dan bukannya pelukis dan pengukir, ia adalah sangat penting sebagai bentuk seni Jepun yang betul. Bangunan-bangunan, kuda-kuda yang dibalut selimut, wanita-wanita prima dan pahlawan-pahlawan mempersembahkan gambaran yang menarik tentang kehidupan tentera Jepun feudal awal. Ada kemungkinan bahawa prototaip silinder ini muncul di China, di mana pelbagai objek diletakkan terus ke dalam pengebumian, tetapi pelaksanaan dan penggunaan haniwa tergolong dalam tradisi tempatan.

Zaman kuno sering dilihat sebagai masa yang tidak mempunyai karya pada tahap seni yang tinggi, masa penguasaan perkara yang mempunyai nilai arkeologi dan etnologi. Walau bagaimanapun, ia harus diingat bahawa kerja-kerja ini budaya awal secara amnya mempunyai daya hidup yang hebat, kerana bentuk mereka masih kekal dan terus wujud sebagai ciri nasional khusus seni Jepun pada zaman kemudian.

tempoh Asuka

(552-710 M). Pengenalan agama Buddha pada pertengahan abad ke-6 c. membuat perubahan ketara dalam cara hidup dan pemikiran orang Jepun dan menjadi pendorong kepada perkembangan seni pada zaman ini dan seterusnya. Kedatangan agama Buddha dari China melalui Korea secara tradisinya bertarikh 552 Masihi, tetapi ia mungkin diketahui lebih awal. Pada tahun-tahun awal, agama Buddha menghadapi tentangan politik, penentangan terhadap agama kebangsaan Shinto, tetapi selepas hanya beberapa dekad, kepercayaan baru itu mendapat kelulusan rasmi dan akhirnya ditubuhkan. Pada tahun-tahun awal penembusannya ke Jepun, Buddhisme adalah agama yang agak mudah dengan sejumlah kecil dewa yang memerlukan imej, tetapi selepas kira-kira seratus tahun ia mendapat kekuatan dan pantheon itu berkembang dengan pesat.
Dalam tempoh ini, kuil-kuil telah diasaskan, yang bukan sahaja bertujuan untuk mempromosikan iman, tetapi juga merupakan pusat seni dan pendidikan. Kuil biara di Horyu-ji adalah salah satu yang paling penting untuk kajian seni Buddha awal. Antara khazanah lain, terdapat patung triad agung Syaka-Nerai (623 M). Karya Tori Busshi, pengukir Jepun pertama yang terkenal, adalah imej gangsa bergaya, serupa dengan kumpulan serupa di kuil gua besar China. Kedepanan yang ketat diperhatikan dalam pose Shaki yang duduk (transkripsi Jepun perkataan "shakyamuni", Buddha sejarah) dan dua figura berdiri di sisinya. Bentuk figura manusia disembunyikan oleh lipatan simetri berat pakaian yang dibuat secara skematik, dan dalam wajah memanjang yang licin seseorang dapat merasakan penyerapan dan renungan diri yang termenung. Arca zaman Buddha pertama ini adalah berdasarkan gaya dan prototaip dari tanah besar lima puluh tahun yang lalu; ia setia mengikuti tradisi Cina yang datang ke Jepun melalui Korea.

Beberapa arca yang paling penting pada masa ini diperbuat daripada gangsa, tetapi kayu juga digunakan. Dua arca kayu yang paling terkenal ialah patung dewi Kannon: Yumedono Kannon dan Kudara Kannon, kedua-duanya di Horyuji. Mereka adalah objek pemujaan yang lebih menarik daripada triad Shaki, dengan senyuman kuno dan ekspresi termenung mereka. Walaupun susunan lipatan jubah dalam figura Kannon juga skema dan simetri, ia lebih ringan dan penuh dengan pergerakan. Sosok yang tinggi dan langsing menekankan kerohanian wajah, kebaikan abstrak mereka, jauh dari semua kebimbangan duniawi, tetapi sensitif terhadap rayuan orang yang menderita. Pemahat memberi sedikit perhatian kepada garis besar figura Kudara Kannon, tersembunyi oleh lipatan pakaian, dan berbeza dengan siluet bergerigi Yumedono, pergerakan kedua-dua figura dan kain diarahkan secara mendalam. Dalam profil Kudar, Kannon mempunyai bentuk S yang anggun.

Satu-satunya contoh lukisan yang masih hidup yang memberikan idea tentang gaya awal abad ke-7 ialah Tamamushi Zushi, "kuil bersayap". Tempat perlindungan kecil ini mengambil namanya daripada sayap kumbang berwarna-warni yang dipasang ke dalam bingkai logam berlubang; kemudiannya dihiasi dengan gubahan keagamaan dan tokoh-tokoh watak individu, dibuat dengan lakuer berwarna. Seperti arca zaman ini, beberapa imej menunjukkan kebebasan reka bentuk yang hebat.

tempoh Nara

(710-784). Pada 710 ibu kota dipindahkan ke Nara, Bandar baru, dibina berdasarkan model ibu kota China Chang'an. Terdapat jalan-jalan yang luas, istana besar, banyak kuil Buddha. Bukan sahaja agama Buddha dalam semua aspek, tetapi keseluruhan budaya dan kehidupan politik dianggap sebagai teladan. Tidak ada negara lain, mungkin, telah merasakan ketidakcukupan budayanya sendiri sebegitu rupa dan tidak begitu terdedah kepada pengaruh luar. Ulama dan jemaah haji bergerak bebas antara Jepun dan tanah besar, dan pentadbiran serta kehidupan istana dicontohi China semasa Dinasti Tang. Walau bagaimanapun, perlu diingat bahawa, walaupun meniru model Tang China, terutamanya dalam seni, melihat pengaruh dan gayanya, orang Jepun hampir selalu menyesuaikan bentuk asing dengan mereka sendiri.

Dalam arca, frontaliti dan simetri yang ketat pada zaman Asuka sebelumnya memberi laluan kepada bentuk yang lebih bebas. Perkembangan idea tentang tuhan, peningkatan kemahiran teknikal dan kebebasan pemilikan bahan membolehkan artis mencipta imej ikonik yang lebih dekat dan mudah diakses. Pengasas mazhab-mazhab Buddha baru meluaskan pantheon untuk memasukkan orang-orang kudus dan pengasas agama Buddha. Sebagai tambahan kepada arca gangsa, sejumlah besar karya yang diperbuat daripada kayu, tanah liat dan lakuer diketahui. Batu itu jarang berlaku dan hampir tidak pernah digunakan untuk arca. Lakuer kering sangat popular, mungkin kerana, walaupun proses penyediaan komposisi itu rumit, karya yang dibuat daripadanya kelihatan lebih hebat daripada kayu dan lebih kuat daripada produk tanah liat yang lebih mudah untuk dihasilkan. Angka lakuer dibentuk pada asas kayu atau tanah liat, yang kemudiannya dikeluarkan, atau pada kelengkapan kayu atau wayar; mereka ringan dan kuat. Walaupun teknik ini menentukan beberapa ketegaran dalam pose, banyak kebebasan dibenarkan dalam penggambaran wajah, yang sebahagiannya menyumbang kepada pembangunan apa yang boleh dipanggil arca potret yang betul. Imej wajah dewa itu dilakukan mengikut preskripsi ketat kanun Buddha, tetapi populariti dan bahkan pendewaan beberapa pengasas dan pendakwah agama memberikan peluang yang sangat baik untuk menyampaikan persamaan potret. Persamaan seperti itu dapat dikesan dalam arca lakuer kering patriark Cina Genjin, yang dihormati di Jepun, yang terletak di kuil Toshodaiji. Genjin buta ketika dia tiba di Jepun pada tahun 753, dan matanya yang tidak dapat melihat dan keadaan renungan batinnya yang tercerahkan dilukis dengan indah oleh seorang pengukir yang tidak dikenali. Trend realistik ini paling jelas dinyatakan dalam arca kayu pendakwah Kui, yang dicipta oleh pengukir Kosho pada abad ke-13-14. Pengkhotbah berpakaian seperti pengemis yang mengembara dengan tongkat, gong dan palu, dan figura kecil Buddha keluar dari mulutnya yang separuh terbuka. Tidak berpuas hati dengan imej sami yang menyanyi, pengukir itu cuba untuk menyatakan maksud paling dalam dari kata-katanya.
Imej Buddha zaman Nara juga dibezakan oleh realisme yang hebat. Dicipta untuk bilangan kuil yang semakin bertambah, mereka tidak sedingin dan terpelihara seperti pendahulunya, mempunyai keindahan dan kemuliaan yang lebih anggun, dan berpaling kepada orang yang menyembahnya dengan lebih banyak nikmat.

Sangat sedikit lukisan dari tempoh ini telah terselamat. Lukisan pelbagai warna di atas kertas menggambarkan kehidupan Buddha masa lalu dan masa kini. Ini adalah salah satu daripada beberapa contoh kuno emakimono, atau lukisan skrol. Skrol dibuka perlahan-lahan dari kanan ke kiri, dan penonton hanya dapat menikmati bahagian gambar yang berada di antara tangan membuka gulungan. Ilustrasi berada tepat di atas teks, berbeza dengan skrol kemudian, di mana bahagian teks berselang seli dengan imej penjelasan. Dalam contoh lukisan skrol tertua yang masih hidup ini, figura yang digariskan ditetapkan dengan latar belakang landskap yang hampir tidak digariskan, dan watak utama, dalam kes ini Syaka, muncul dalam pelbagai episod.

Heian awal

(784-897). Pada tahun 784 ibu kota dipindahkan sementara ke Nagaoka, sebahagiannya untuk mengelakkan dominasi pendeta Buddha Nara. Pada 794 dia berpindah ke Heian (kini Kyoto) untuk tempoh yang lebih lama. Akhir abad ke-8 dan ke-9 adalah tempoh apabila Jepun berjaya mengasimilasikan, menyesuaikan diri dengan ciri-cirinya sendiri, banyak inovasi asing. Agama Buddha juga mengalami masa perubahan, kemunculan mazhab baru Buddhisme esoterik, dengan ritual dan etika yang berkembang. Daripada jumlah ini, yang paling berpengaruh ialah mazhab Tendai dan Shingon, yang berasal dari India, sampai ke China, dan dari sana dibawa ke Jepun oleh dua orang ulama yang pulang ke tanah air mereka setelah lama belajar. Mazhab Shingon ("Kata-Kata Benar") amat disukai di mahkamah dan dengan cepat menduduki kedudukan dominan. Biara utamanya terletak di Gunung Koya berhampiran Kyoto; seperti pusat Buddha penting yang lain, mereka menjadi repositori koleksi besar monumen seni.

Arca ke-9 c. kebanyakannya kayu. Imej dewa dibezakan oleh keparahan dan keagungan yang tidak dapat diakses, yang ditekankan oleh kesungguhan penampilan dan kebesaran mereka. Langsir dipotong dengan mahir mengikut corak standard, selendang bergelombang. Sosok Shaki berdiri dari kuil di Muroji adalah contoh gaya ini. Untuk ini dan imej yang serupa pada abad ke-9. dicirikan oleh ukiran tegar dengan lipatan yang lebih dalam, jelas dan butiran lain.

Peningkatan bilangan tuhan menimbulkan kesukaran yang besar bagi artis. Dalam mandala yang kompleks, seperti peta (reka bentuk geometri dengan makna ajaib), dewa-dewa itu disusun secara hierarki mengelilingi Buddha yang diletakkan di tengah-tengah, yang dirinya hanyalah satu manifestasi dari yang mutlak. Pada masa ini, cara baru menggambarkan sosok dewa penjaga yang dikelilingi oleh api, rupa yang mengerikan, tetapi sifatnya yang baik, muncul. Dewa-dewa ini disusun secara tidak simetri dan digambarkan dalam pose bergerak, dengan ciri-ciri wajah yang menggerunkan, melindungi iman daripada kemungkinan bahaya.

Heian Tengah dan Akhir, atau zaman Fujiwara

(898-1185). Pemindahan ibu kota kepada Heian, yang bertujuan untuk mengelak tuntutan sukar paderi, juga menyebabkan perubahan dalam sistem politik. Golongan bangsawan adalah kuasa yang dominan, dan keluarga Fujiwara menjadi wakilnya yang paling berciri. Tempoh 10-12 abad. sering dikaitkan dengan nama ini. Tempoh kuasa istimewa bermula, apabila maharaja sebenar "sangat dinasihatkan" untuk mengetepikan urusan negara demi mengejar puisi dan lukisan yang lebih menyenangkan. Sehingga dewasa, maharaja dipimpin oleh seorang pemangku raja yang tegas - biasanya dari keluarga Fujiwara. Ia adalah zaman kemewahan dan pencapaian luar biasa dalam sastera, kaligrafi dan seni; semuanya terasa lesu dan emosi, yang jarang mencapai kedalaman, tetapi secara keseluruhannya menawan. Kecanggihan dan pelarian yang elegan dicerminkan dalam seni masa ini. Malah penganut agama Buddha mencari cara yang lebih mudah, dan penyembahan kepada Buddha syurga, Amida, menjadi sangat popular. Pengertian belas kasihan dan rahmat menyelamatkan Buddha Amida tercermin dengan mendalam dalam lukisan dan arca pada zaman ini. Kebesaran dan kekangan patung-patung abad ke-9. dalam 10-11 abad. memberi laluan kepada kebahagiaan dan pesona. Dewa-dewa digambarkan sebagai termenung, tenang dengan teliti, ukiran menjadi kurang dalam, permukaannya menjadi lebih berwarna-warni, dengan tekstur yang kaya. Monumen yang paling penting dalam tempoh ini adalah milik pemahat Jocho.
Karya-karya artis juga memperoleh ciri-ciri yang lebih lembut, mengingatkan lukisan pada kain, dan juga dewa-dewa yang dahsyat - pembela iman menjadi kurang menakutkan. Sutra (teks Buddha) ditulis dalam emas dan perak di atas kertas berwarna biru tua, kaligrafi halus teks itu sering didahului dengan ilustrasi kecil. Paling destinasi popular Agama Buddha dan dewa-dewa yang berkaitan dengannya mencerminkan keutamaan golongan bangsawan dan penyingkiran secara beransur-ansur dari cita-cita keras agama Buddha awal.

Suasana masa ini dan karya-karyanya sebahagiannya berkaitan dengan penamatan hubungan rasmi dengan China pada tahun 894. Agama Buddha di China pada masa itu telah dianiaya, dan mahkamah Tang yang korup berada dalam keadaan merosot. Kewujudan pulau terpencil yang menyusuli pemutusan hubungan ini mendorong orang Jepun beralih kepada budaya mereka sendiri dan mengembangkan gaya Jepun baru yang lebih tulen. Sesungguhnya, lukisan sekular abad ke-10-12. hampir sepenuhnya Jepun - baik dalam teknik dan dalam komposisi dan plot. Satu ciri tersendiri skrol Jepun ini, dipanggil yamato-e, adalah dominasi plot engi (asal usul, sejarah). Walaupun skrol Cina paling kerap menggambarkan alam semula jadi yang menakjubkan, panorama gunung, sungai, batu dan pokok, dan orang kelihatan agak tidak penting, pada skrol naratif Jepun dalam lukisan dan teks, orang itu adalah perkara utama. Landskap hanya memainkan peranan sebagai latar belakang untuk cerita yang diceritakan, subordinat kepada utama orang berlakon atau orang. Banyak skrol telah dilukis sejarah kehidupan pendakwah terkenal Buddha atau tokoh sejarah, pengembaraan dan kempen ketenteraan mereka. Yang lain menceritakan tentang episod romantis dari kehidupan bangsawan dan pembesar istana.

Gaya skrol awal yang kelihatan unik itu datang daripada lakaran dakwat ringkas pada halaman buku nota Buddha. Ini adalah lukisan mahir yang menggambarkan tingkah laku manusia melalui imej haiwan: monyet dalam pakaian monastik menyembah katak yang melambung, pertandingan antara arnab, monyet dan katak. Ini dan skrol Heian lewat yang lain menyediakan asas kepada skrol naratif yang lebih kompleks dari gaya yang dibangunkan pada abad ke-13 dan ke-14.

Zaman Kamakura

(1185-1392). Akhir abad ke-12 membawa perubahan serius kepada kehidupan politik dan agama Jepun dan, sudah tentu, kepada seninya. Keanggunan dan estetika mahkamah Kyoto telah diganti atau, dalam tradisi peraturan "istimewa", "menerima tambahan" dalam bentuk pemerintahan baru, keras dan berani - Keshogunan Kamakura. Walaupun Kyoto secara nominal kekal sebagai ibu kota, shogun Minamoto no Yoritomo (1147-1199) menubuhkan ibu pejabatnya di kota Kamakura dan hanya dalam 25 tahun menubuhkan sistem diktator tentera dan feudalisme yang tegar. Buddhisme, yang telah menjadi begitu kompleks dan ritual sehingga tidak dapat difahami oleh orang awam biasa, juga mengalami perubahan besar yang tidak menjanjikan naungan seni. Mazhab Yodo ("Tanah Tulen"), satu bentuk penyembahan Buddha Amida, di bawah pimpinan Honen Shonin (1133-1212) mengubah hierarki buddha dan dewa-dewa dan memberi harapan keselamatan kepada semua yang hanya percaya kepada Amida. Doktrin syurga yang mudah dicapai ini kemudiannya dipermudahkan oleh rahib lain, Shinran (1173-1262), pengasas mazhab Shin, yang mengiktiraf bahawa pemanjaan Amida sangat besar sehingga tidak perlu melakukan perbuatan keagamaan, cukup sekadar untuk mengulangi mantra "Namu Amida Butsu" (perkataan pertama bermaksud "menyerahkan"; dua yang kedua ialah "Buddha Amida"). Cara mudah untuk menyelamatkan jiwa adalah sangat menarik, dan kini berjuta-juta orang menggunakannya. Satu generasi kemudian, pendakwah militan Nichiren (1222-1282), yang dinamakan mazhab itu, meninggalkan bentuk agama yang dipermudahkan ini. Pengikutnya menghormati Sutra Teratai, yang tidak menjanjikan keselamatan segera dan tanpa syarat. Khutbahnya sering menyentuh topik politik, dan kepercayaannya serta cadangan pembaharuan gereja dan negeri menarik minat kelas pahlawan baru di Kamakura. Akhirnya, falsafah Zen, yang timbul seawal abad ke-8, mula memainkan peranan yang lebih besar dalam pemikiran Buddha pada zaman itu. Zen menekankan kepentingan meditasi dan menghina mana-mana imej yang mungkin menghalang manusia dalam usahanya untuk berhubung dengan Tuhan.

Jadi, ia adalah masa apabila pemikiran agama mengehadkan bilangan lukisan dan arca yang diperlukan sebelum ini untuk ibadat. Namun begitu, beberapa karya seni Jepun yang terbaik telah dicipta semasa zaman Kamakura. Rangsangan itu ialah kecintaan Jepun terhadap seni, tetapi kunci kepada teka-teki itu ialah sikap orang ramai terhadap kepercayaan baharu, dan bukannya dogma seperti itu. Malah, karya itu sendiri mencadangkan sebab penciptaan mereka, kerana banyak arca dan lukisan yang penuh dengan kehidupan dan tenaga ini adalah potret. Walaupun falsafah Zen mungkin menganggap objek biasa penyembahan agama sebagai penghalang kepada pencerahan, tradisi menghormati guru agak boleh diterima. Potret itu sendiri tidak boleh menjadi objek penyembahan. Sikap terhadap potret ini tidak unik kepada Buddhisme Zen: ramai menteri mazhab Tanah Tulen dihormati hampir seperti dewa Buddha. Terima kasih kepada potret itu, walaupun bentuk seni bina baharu muncul - mieido, atau gereja potret. Perkembangan realisme yang pesat adalah sepenuhnya mengikut semangat zaman.
Walaupun fakta bahawa potret imam yang indah, jelas, benar-benar imej orang tertentu, mereka sering mengolah semula lukisan yang menggambarkan pengasas agama Buddha Cina. Mereka dilukis berdakwah, mulut terbuka, tangan mengisyaratkan; kadang-kadang sami-sami pendeta digambarkan melakukan perjalanan yang sukar untuk kemuliaan iman.

Salah satu plot yang paling popular ialah raigo (kedatangan yang dikehendaki), yang menggambarkan Buddha Amida bersama para sahabatnya, turun di atas awan untuk menyelamatkan jiwa seorang mukmin di ranjang kematiannya dan memindahkannya ke syurga. Warna-warna imej sedemikian sering dipertingkatkan dengan emas yang digunakan, dan garisan bergelombang, tanjung yang berkibar, awan yang berpusar memberikan rasa pergerakan kepada penurunan Buddha.

Unkei, yang bekerja pada separuh kedua abad ke-12 dan awal abad ke-13, adalah pengarang inovasi yang memudahkan untuk mengukir kayu, yang kekal sebagai bahan kegemaran pengukir semasa zaman Kamakura. Sebelum ini, induk dihadkan oleh saiz dan bentuk dek atau log dari mana angka itu dipotong. Elemen lengan dan pakaian ditindih secara berasingan, tetapi bahagian siap selalunya menyerupai bentuk silinder asal. Dalam teknik baru, berpuluh-puluh kepingan kecil dipasang dengan teliti antara satu sama lain, membentuk piramid berongga, dari mana perantis kemudiannya boleh memotong angka itu secara kasar. Pemahat mempunyai bahan yang lebih mudah dibentuk dan keupayaan untuk mencipta bentuk yang lebih kompleks. Pengawal kuil berotot dan dewa dalam jubah dan jubah berkibar kelihatan lebih hidup juga kerana kristal atau kaca mula dimasukkan ke dalam rongga mata mereka; patung-patung mula dihiasi dengan gangsa berlapis emas. Mereka menjadi lebih ringan dan kurang berkemungkinan retak apabila kayu kering. Patung kayu Kuya Shonin yang disebut, karya anak lelaki Unkei Kosho, menunjukkan pencapaian realisme tertinggi era Kamakura dalam arca potret. Sesungguhnya, arca pada masa itu mencapai kemuncaknya dalam perkembangannya, dan seterusnya ia tidak lagi menduduki tempat yang begitu menonjol dalam seni.

Lukisan sekular juga mencerminkan semangat zaman. Skrol naratif zaman Heian lewat, dalam warna terkawal dan garis anggun, menceritakan kisah romantik Putera Genji atau hiburan wanita istana yang tertutup. Kini, dengan warna-warna cerah dan pukulan yang bertenaga, para artis era Kamakura menggambarkan pertempuran puak yang berperang, istana yang dilalap api dan ketakutan orang ramai yang melarikan diri daripada menyerang tentera. Walaupun apabila kisah agama terungkap pada skrol itu, imej itu tidak begitu menjadi ikon sebagai bukti sejarah perjalanan orang suci dan mukjizat yang mereka lakukan. Dalam reka bentuk plot ini, seseorang boleh mencari cinta yang semakin meningkat untuk alam semula jadi dan kekaguman untuk landskap asli.

Muromachi, atau zaman Ashikaga

(1392-1568). Pada tahun 1392, selepas lebih daripada 50 tahun perselisihan, shogun ketiga keluarga Ashikaga, Yoshimitsu (1358-1408), menyatukan semula negara itu. Kerusi kerajaan sekali lagi menjadi ibu kota nominal Kyoto, tempat shogun Ashikaga membina istana mereka di kawasan Muromachi. (Zaman ini kadang-kadang dipanggil Muromachi, kadang-kadang Ashikaga.) Masa perang tidak melepaskan banyak kuil - repositori seni Jepun, yang dibakar bersama dengan khazanah yang ada di sana. Negara itu musnah teruk, malah keamanan membawa sedikit kelegaan, kerana puak-puak yang berperang, dalam kejayaan mereka, menghulurkan bantuan mengikut kehendak mereka. Nampaknya keadaan itu sangat tidak menguntungkan untuk perkembangan seni, tetapi sebenarnya shogun Ashikaga menaunginya, terutamanya pada abad ke-15 dan ke-16, apabila lukisan berkembang.

Seni yang paling penting pada masa ini ialah lukisan dakwat puitis monokrom yang digalakkan oleh Buddhisme Zen dan dipengaruhi oleh reka bentuk Cina dinasti Song dan Yuan. Semasa Dinasti Ming (1368-1644), hubungan dengan China telah diperbaharui, dan Yoshimitsu, seorang pengumpul dan penaung seni, menggalakkan pengumpulan dan kajian lukisan Cina. Dia menjadi model dan titik permulaan untuk artis berbakat yang melukis landskap, burung, bunga, imej imam dan orang bijak dengan sapuan berus yang ringan dan lancar. Lukisan Jepun pada masa ini dicirikan oleh ekonomi talian; artis nampaknya mengekstrak intipati plot yang digambarkan, membolehkan pandangan penonton mengisinya dengan butiran. Peralihan dakwat hitam kelabu dan berkilat dalam lukisan ini sangat dekat dengan falsafah Zen, yang, sudah tentu, memberi inspirasi kepada pengarang mereka. Walaupun akidah ini mencapai pengaruh yang besar walaupun di bawah kuasa tentera Kamakura, ia terus menyebar dengan cepat pada abad ke-15 dan ke-16, apabila banyak biara Zen muncul. Mengkhotbahkan terutamanya idea "keselamatan diri", ia tidak mengaitkan keselamatan dengan Buddha, tetapi lebih bergantung pada disiplin diri manusia yang teruk untuk mencapai "pencerahan" intuitif secara tiba-tiba yang menyatukan dia dengan yang mutlak. Penggunaan dakwat yang jimat tetapi berani dan komposisi yang tidak simetri, di mana bahagian kertas yang tidak dicat memainkan peranan penting dalam menggambarkan landskap yang ideal, bijak dan saintis, adalah selaras dengan falsafah ini.

Salah seorang ahli sumi-e yang paling terkenal, gaya lukisan dakwat monokrom, ialah Sesshu (1420-1506), seorang imam Zen yang hayatnya yang panjang dan produktif memastikan dia terus dihormati. Pada akhir hayatnya, dia mula menggunakan gaya haboku (dakwat cepat), yang, berbeza dengan gaya matang, yang memerlukan pukulan yang jelas dan ekonomik, membawa tradisi lukisan monokrom hampir kepada abstrak.
Aktiviti keluarga artis Kano dan perkembangan gaya mereka jatuh pada tempoh yang sama. Dari segi pilihan subjek dan penggunaan dakwat, ia hampir dengan bahasa Cina, tetapi kekal Jepun dari segi cara ekspresif. Kano, dengan sokongan shogunate, menjadi sekolah "rasmi" atau gaya seni lukisan dan berkembang pesat hingga abad ke-19.

Tradisi naif yamato-e terus hidup dalam karya sekolah Tosa, arah penting kedua lukisan Jepun. Malah, pada masa ini, kedua-dua sekolah, Kano dan Tosa, berkait rapat, mereka disatukan oleh minat dalam kehidupan moden. Motonobu Kano (1476-1559), salah seorang daripada artis yang cemerlang tempoh ini, bukan sahaja mengahwinkan anak perempuannya dengan artis terkenal Tosa, tetapi juga melukis dengan caranya.

Dalam 15-16 abad. terdapat hanya beberapa karya arca yang patut diberi perhatian. Walau bagaimanapun, perlu diingatkan bahawa perkembangan drama noo, dengan pelbagai suasana dan emosi, membuka bidang aktiviti baru untuk pengukir - mereka mengukir topeng untuk pelakon. Dalam drama Jepun klasik yang dipersembahkan oleh dan untuk golongan bangsawan, pelakon (seorang atau lebih) memakai topeng. Mereka menyampaikan pelbagai perasaan daripada ketakutan, kebimbangan dan kekeliruan kepada kegembiraan yang tertahan. Beberapa topeng itu diukir dengan sangat hebat sehinggakan sedikit pusingan kepala pelakon menyebabkan perubahan halus dalam ekspresi. Contoh luar biasa topeng ini telah disimpan selama bertahun-tahun oleh keluarga yang menjadi ahlinya.

tempoh Momoyama

(1568-1615). Pada tahun 1593, diktator tentera yang hebat Hideyoshi membina istananya di Momoyama, "Bukit Peach," dan dengan nama ini adalah kebiasaan untuk menetapkan tempoh 47 tahun dari kejatuhan keshogunan Ashikaga hingga penubuhan zaman Tokugawa, atau Edo. , pada tahun 1615. Ini adalah masa penguasaan kelas tentera yang sama sekali baru, yang kekayaan besarnya menyumbang kepada perkembangan seni. Istana yang mengagumkan dengan dewan penonton yang besar dan koridor panjang menjadi fesyen pada akhir abad ke-16. dan menuntut perhiasan yang sesuai dengan kehebatan mereka. Ia adalah masa orang yang tegas dan berani, dan pelanggan baru, tidak seperti golongan bangsawan dahulu, tidak begitu berminat dalam usaha intelektual atau kehalusan ketukangan. Nasib baik, generasi baru artis hidup sesuai dengan pelanggan mereka. Dalam tempoh ini, skrin indah dan panel alih muncul dalam warna merah lembayung, zamrud, hijau, ungu dan biru yang terang. Warna dan bentuk hiasan yang begitu meriah, selalunya dengan latar belakang emas atau perak, sangat popular selama seratus tahun, dan penciptanya betul-betul dipanggil "penghias yang hebat." Terima kasih kepada rasa Jepun yang halus, gaya sombong tidak merosot kepada kelucahan, dan walaupun pengekangan dan pernyataan yang meremehkan memberi laluan kepada kemewahan dan keterlaluan hiasan, orang Jepun berjaya mengekalkan keanggunan.

Eitoku Kano (1543-1590), salah seorang artis hebat pertama dalam tempoh ini, bekerja dalam gaya Kano dan Tosa, mengembangkan konsep lukisan yang pertama dan menggabungkannya dengan kekayaan warna yang kedua. Walaupun hanya beberapa karya yang Eitoku boleh dikenal pasti sebagai pengarangnya telah terselamat, dia dianggap sebagai salah seorang pengasas gaya Momoyama, dan kebanyakan artis pada zaman ini adalah pelajarnya atau dipengaruhi olehnya.

Zaman Edo atau Tokugawa

(1615-1867). Tempoh keamanan yang panjang yang datang ke Jepun yang baru bersatu dipanggil sama ada masa Tokugawa, selepas nama pemerintah, atau Edo (Tokyo moden), sejak pada tahun 1603 bandar ini menjadi pusat kuasa baru. Dua jeneral terkenal zaman Momoyama yang singkat, Oda Nobunaga (1534-1582) dan Toyotomi Hideyoshi (1536-1598), melalui tindakan ketenteraan dan diplomasi, akhirnya berjaya mendamaikan puak berkuasa dan paderi militan. Dengan kematian Hideyoshi pada tahun 1598, kuasa diserahkan kepada Ieyasu Tokugawa (1542-1616), yang menyelesaikan langkah-langkah yang dimulakan bersama. Pertempuran Sekigahara yang menentukan pada tahun 1600 menguatkan kedudukan Ieyasu, kejatuhan Istana Oska pada tahun 1615 disertai dengan keruntuhan terakhir rumah Hideyoshi dan penubuhan pemerintahan tidak berbelah bahagi Keshogunan Tokugawa.

Pemerintahan aman Tokugawa berlangsung selama 15 generasi dan berakhir hanya pada abad ke-19. Ia pada asasnya adalah tempoh dasar "pintu tertutup". Dengan dekri 1640, orang asing dilarang masuk ke Jepun, dan Jepun tidak boleh pergi ke luar negara. Satu-satunya hubungan komersial dan budaya adalah dengan Belanda dan Cina melalui pelabuhan Nagasaki. Seperti dalam tempoh pengasingan yang lain, terdapat peningkatan perasaan kebangsaan dan kemunculan pada akhir abad ke-17. sekolah yang dipanggil seni lukis dan ukiran bergenre.
Ibu kota Edo yang berkembang pesat menjadi pusat bukan sahaja kehidupan politik dan perniagaan empayar pulau itu, tetapi juga pusat seni dan kraf. Keperluan bahawa daimyo, raja feudal wilayah, berada di ibu negara untuk bahagian tertentu setiap tahun mewujudkan keperluan untuk bangunan baru, termasuk bangunan istana, dan oleh itu artis menghiasinya. Kelas peniaga kaya tetapi bukan bangsawan yang muncul serentak memberikan perlindungan baharu dan selalunya tidak profesional kepada artis.

Seni zaman Edo awal sebahagiannya diteruskan dan mengembangkan gaya Momoyama, meningkatkan kecenderungannya ke arah kemewahan dan kemegahan. Kekayaan imej pelik dan polikromi yang diwarisi dari tempoh sebelumnya terus berkembang. Gaya hiasan ini mencapai kemuncaknya pada suku terakhir abad ke-17. dalam yang dipanggil. era Genroku zaman Tokugawa (1688-1703). Dalam seni hiasan Jepun, ia tidak mempunyai persamaan dalam kemewahan dan kekayaan warna dan motif hiasan dalam lukisan, fabrik, lakuer, dalam perkara kecil artistik - sifat gaya hidup mewah.

Memandangkan kita bercakap tentang tempoh sejarah yang agak lewat, maka tidak hairanlah jika banyak nama artis dan karya mereka telah dipelihara; di sini adalah mungkin untuk menamakan hanya beberapa yang paling menonjol. Antara wakil sekolah hiasan yang tinggal dan bekerja pada zaman Momoyama dan Edo ialah Honnami Koetsu (1558-1637) dan Nonomura Sotatsu (m. 1643). Hasil kerja mereka menunjukkan corak, komposisi dan warna yang luar biasa. Koetsu, seorang ahli seni seramik dan lakuer yang berbakat, terkenal dengan keindahan kaligrafinya. Bersama-sama dengan Sotatsu, mereka mencipta puisi skrol yang bergaya pada masa itu. Dalam gabungan kesusasteraan, kaligrafi dan lukisan ini, imej-imej itu bukan sekadar ilustrasi: mereka mencipta atau mencadangkan suasana yang sesuai dengan persepsi teks. Ogata Korin (1658-1716) adalah salah seorang pewaris gaya hiasan dan, bersama adiknya Ogata Kenzan (1663-1743), menyempurnakan tekniknya. Kenzan, yang lebih dikenali sebagai tukang seramik daripada artis, menembak kapal yang bertulis reka bentuk abangnya yang terkenal. Kebangkitan semula sekolah ini pada awal abad ke-19. oleh penyair dan pelukis Sakai Hoitsu (1761-1828) adalah lonjakan terakhir dalam gaya hiasan. Skrol dan skrin Horitsu yang cantik menggabungkan deria lukisan Korin dengan minat naturalisme Maruyama terhadap alam semula jadi, menghasilkan kekayaan warna dan motif hiasan pada zaman terdahulu, dibaja oleh kemegahan dan kehalusan sapuan berus.

Bersama-sama dengan gaya hiasan polikrom, lukisan dakwat sekolah Kano tradisional terus menjadi popular. Pada tahun 1622 Kanō Tanyu (1602-1674) telah dilantik sebagai pelukis istana kepada shogun dan dipanggil ke Edo. Dengan pelantikannya ke jawatan ini dan penubuhan sekolah lukisan Kano Edo di Kobikito, tempoh setengah abad kepimpinan artistik tradisi ini bermula, yang memulihkan keunggulan keluarga Kano dan menjadikan karya zaman Edo paling banyak. penting dalam lukisan Kano. Walaupun populariti skrin yang dicat dengan warna emas dan terang, dicipta oleh "penghias hebat" dan saingan, Tangyu, berkat kekuatan bakat dan kedudukan rasminya, dapat mempopularkan lukisan sekolah Kano yang dihidupkan semula di kalangan bangsawan. Tanyu menambah kuasa dan kesederhanaan pada ciri tradisional sekolah Kano, berdasarkan garis putus yang tegar dan susunan elemen gubahan yang difikirkan dengan baik pada permukaan bebas yang besar.

Trend baru, di mana ciri utamanya adalah minat terhadap alam semula jadi, mula diguna pakai pada akhir abad ke-18. Maruyama Okyo (1733-1795), ketua sekolah baru, adalah seorang petani, kemudian menjadi pendeta dan akhirnya seorang artis. Dua kelas pertama tidak membawanya kebahagiaan atau kejayaan, tetapi sebagai seorang artis dia mencapai tahap yang tinggi dan dianggap sebagai pengasas sekolah realistik Maruyama. Dia belajar dengan tuan sekolah Kano, Ishida Yutei (d. c. 1785); berdasarkan ukiran Belanda yang diimport, dia memahami teknik perwakilan perspektif Barat, dan kadang-kadang hanya menyalin ukiran ini. Beliau juga mempelajari gaya Cina dari dinasti Song dan Yuan, termasuk gaya halus dan realistik Chen Xuan (1235-1290) dan Shen Nanping; yang terakhir tinggal di Nagasaki pada awal abad ke-18. Okyo membuat banyak karya dari alam semula jadi, dan pemerhatian saintifiknya membentuk asas untuk persepsi alam semula jadi, yang menjadi asas kepada mazhab Maruyama.

Selain minat dalam naturalisme pada abad ke-18. pengaruh tradisi seni Cina yang diperbaharui. Wakil-wakil aliran ini tertarik kepada sekolah lukisan Ming (1368-1644) dan Qing (1644-1912) saintis pelukis, walaupun pemahaman mereka tentang keadaan seni semasa di China mungkin terhad. Seni sekolah Jepun ini dipanggil bujinga (seni orang terpelajar). Salah seorang ahli gaya bujinga yang paling berpengaruh ialah Ikeno Taiga (1723-1776), artis terkenal dan ahli kaligrafi. Gaya matangnya dicirikan oleh garis kontur tebal yang dipenuhi dengan sapuan berbulu ringan dalam ton dan dakwat terang; dia juga melukis dengan sapuan dakwat hitam yang luas dan bebas, menggambarkan batang buluh yang tunduk ditiup angin dan hujan. Dengan garisan pendek dan melengkung, dia mencapai kesan yang mengingatkan pada ukiran dalam imej gunung berkabus di atas tasik yang dikelilingi oleh hutan.
kurun ke 17 melahirkan satu lagi arah seni yang luar biasa pada zaman Edo. Ini adalah apa yang dipanggil ukiyo-e (gambar dunia yang berubah-ubah) - adegan genre yang dicipta oleh dan untuk orang biasa. Ukiyo-e awal berasal dari ibu kota lama Kyoto dan kebanyakannya indah. Tetapi pusat pengeluaran mereka tidak lama lagi berpindah ke Edo, dan perhatian tuan tertumpu pada potongan kayu. Perkaitan rapat cetakan kayu dengan ukiyo-e telah membawa kepada salah tanggapan bahawa cetakan kayu adalah penemuan pada zaman ini; sebenarnya, ia berasal dari abad ke-11. Imej awal sedemikian adalah sifat nazar, menggambarkan pengasas agama Buddha dan dewa, dan semasa zaman Kamakura, beberapa skrol naratif telah diterbitkan semula daripada blok berukir. Walau bagaimanapun, seni ukiran menjadi sangat popular dalam tempoh dari pertengahan abad ke-17 hingga ke-19.

Subjek ukiran ukiyo-e adalah pelacur yang cantik di kawasan gay, pelakon kegemaran dan adegan dari drama. Awal, kononnya. ukiran primitif dilakukan dalam warna hitam, dengan garis beralun berirama yang kuat, dan dibezakan dengan reka bentuk yang ringkas. Mereka kadang-kadang dicat dengan tangan dalam warna oren-merah yang dipanggil tan-e (lukisan merah terang), dengan tanda kuning sawi dan hijau. Beberapa artis "primitif" menggunakan lukisan tangan yang dipanggil urushu-e (lukisan lakuer), di mana kawasan gelap dipertingkatkan dan dibuat lebih cerah dengan penambahan gam. Cetakan polikrom awal, yang muncul pada 1741 atau 1742, dipanggil benizuri-e (cetakan lembayung) dan biasanya menggunakan tiga warna - merah mawar, hijau, dan kadangkala kuning. Ukiran benar-benar pelbagai warna, menggunakan keseluruhan palet dan dipanggil nishiki-e (imej brokat), muncul pada tahun 1765.

Di samping mencipta cetakan individu, ramai pengukir menggambarkan buku dan menghasilkan wang dengan membuat ilustrasi erotik dalam buku dan pada skrol. Perlu diingat bahawa ukiran ukiyo-e terdiri daripada tiga jenis aktiviti: ia adalah hasil kerja seorang pelukis, yang namanya cetakan, pengukir dan pencetak.

Hishikawa Moronobu (c. 1625-1694) dianggap sebagai pengasas tradisi mencipta cetakan ukiyo-e. Artis "primitif" lain dalam aliran ini ialah Kiyomasu (1694-1716) dan kumpulan Kaigetsudo (komuniti artis aneh yang kewujudannya masih tidak jelas), serta Okumura Masanobu (1686-1764).

Artis peralihan yang mencipta cetakan benizuri-e ialah Ishikawa Toyonobu (1711-1785), Torii Kiyohiro (aktif c. 1751-1760), dan Torii Kiyomitsu (1735-1785).

Karya Suzuki Harunobu (1725-1770) membuka era ukiran polikrom. Dipenuhi dengan warna lembut, hampir neutral, dihuni oleh wanita anggun dan pencinta gagah, cetakan Harunobu adalah satu kejayaan yang besar. Pada masa yang sama, Katsukawa Shunsho (1726-1792), Torii Kienaga (1752-1815) dan Kitagawa Utamaro (1753-1806) bekerja dengannya. Setiap daripada mereka menyumbang kepada pembangunan genre ini; tuan membawa ukiran yang menggambarkan keindahan anggun dan pelakon terkenal kepada kesempurnaan. Dalam beberapa bulan pada 1794-1795, Tosusai Saraku yang misterius mencipta potret pelakon-pelakon pada zaman itu yang sangat kuat dan terus terang kejam.

Pada dekad pertama abad ke-19 genre ini telah mencapai kematangan dan mula merosot. Katsushika Hokusai (1760-1849) dan Ando Hiroshige (1797-1858) adalah pakar terhebat era itu, yang karyanya menghubungkan kemerosotan seni ukiran pada abad ke-19. dan kebangkitan barunya pada awal abad ke-20. Kedua-duanya adalah terutamanya pelukis landskap, membetulkan peristiwa kehidupan moden dalam ukiran mereka. Penguasaan cemerlang teknik pengukir dan pencetak memungkinkan untuk menyampaikan garis aneh dan sedikit rona matahari terbenam atau kabus yang terbit pada waktu subuh dalam ukiran.

Pemulihan Meiji dan Zaman Moden.

Selalunya berlaku bahawa seni purba seseorang atau orang lain adalah miskin dalam nama, tarikh dan karya yang masih hidup, jadi sebarang pertimbangan hanya boleh dibuat dengan berhati-hati dan konvensyen. Walau bagaimanapun, tidak kurang sukar untuk menilai seni kontemporari, kerana kita tidak mempunyai perspektif sejarah untuk menilai dengan betul skala mana-mana pergerakan atau artis dan karyanya. Kajian seni Jepun tidak terkecuali, dan perkara yang paling boleh dilakukan ialah mempersembahkan panorama seni kontemporari dan membuat beberapa kesimpulan awal sementara.

Pada separuh kedua abad ke-19 Pelabuhan Jepun dibuka semula untuk perdagangan, perubahan besar berlaku dalam kancah politik. Pada tahun 1868, keshogunan telah dimansuhkan dan pemerintahan Maharaja Meiji telah dipulihkan. Ibu kota rasmi dan kediaman maharaja telah dipindahkan ke Edo, dan bandar itu sendiri dikenali sebagai Tokyo (ibu kota timur).

Seperti yang telah berlaku pada masa lalu, berakhirnya pengasingan negara menimbulkan minat yang besar terhadap pencapaian negara lain. Pada masa ini, Jepun membuat lompatan besar dalam sains dan teknologi. Secara artistik, permulaan era Meiji (1868-1912) menunjukkan penerimaan segala-galanya Barat, termasuk teknologi. Walau bagaimanapun, semangat ini tidak bertahan lama, dan ia diikuti oleh tempoh asimilasi, kemunculan bentuk baru, menggabungkan kembali kepada tradisi mereka sendiri dan trend Barat baru.

Antara artis, Kano Hogai (1828-1888), Shimomura Kanzan (1873-1916), Takeuchi Seiho (1864-1924) dan Tomioka Tessai (1836-1942) mendapat kemasyhuran. Tiga yang pertama mematuhi gaya dan subjek Jepun tradisional, walaupun mereka berusaha untuk menunjukkan keaslian dalam mood dan teknik. Seihō, sebagai contoh, bekerja dalam suasana tenang dan konservatif Kyoto. miliknya kerja awal dicipta dengan cara naturalistik Maruyama, tetapi kemudiannya dia mengembara secara meluas di China dan sangat dipengaruhi oleh lukisan dakwat Cina. Lawatannya ke muzium dan memimpin pusat seni Eropah juga meninggalkan kesan dalam karyanya. Daripada semua artis terkemuka masa ini, hanya Tomioka Tessai yang hampir membangunkan gaya baharu. Dalam karyanya yang bertenaga dan penuh kekuatan, garisan kasar, berpintal, bergerigi dan calitan dakwat hitam digabungkan dengan tompok warna yang ditulis dengan halus. Pada tahun-tahun kemudian, beberapa pelukis minyak muda berjaya di mana datuk mereka telah gagal. Percubaan pertama untuk bekerja dengan bahan luar biasa ini mengingatkan kanvas Paris dan tidak dibezakan oleh nilai istimewa atau ciri khas Jepun. Walau bagaimanapun, karya menarik yang luar biasa kini dicipta, di mana deria warna dan keseimbangan Jepun yang tersendiri bersinar melalui tema abstrak. Artis lain, bekerja dengan dakwat yang lebih semula jadi dan tradisional dan kadangkala menggunakan kaligrafi sebagai titik permulaan, mencipta kepingan abstrak bertenaga dalam warna hitam cemerlang dengan rona kelabu.

Seperti pada zaman Edo, pada abad ke-19 dan ke-20. arca tidak popular. Tetapi di kawasan ini, wakil generasi moden, dilatih di Amerika dan Eropah, bereksperimen dengan kejayaan besar. Arca gangsa kecil, dalam bentuk abstrak dan dinamakan aneh, menunjukkan rasa garisan dan warna Jepun, yang memanifestasikan dirinya dalam penggunaan patina berwarna hijau lembut atau coklat hangat; ukiran kayu membuktikan kecintaan orang Jepun terhadap tekstur bahan.

Sosaku hanga, "cetakan kreatif" Jepun, hanya muncul pada dekad pertama abad ke-20, tetapi sebagai hala tuju seni istimewa ia mengatasi semua bidang seni moden yang lain. Cetakan moden ini, secara tegasnya, bukanlah pengganti kepada potongan kayu ukiyo-e yang lebih lama; mereka berbeza dalam gaya, plot dan kaedah penciptaan. Seniman, yang kebanyakannya banyak dipengaruhi oleh lukisan Barat, menyedari kepentingan mereka sendiri warisan seni dan menemui bahan yang sesuai dalam kayu untuk menyatakan cita-cita kreatif mereka. Tuan Hanga bukan sahaja melukis, tetapi juga mengukir imej pada blok kayu dan mencetaknya sendiri. Walaupun kerja kayu berada pada tahap tertinggi dalam bentuk seni ini, semua teknik cetakan Barat moden digunakan. Bereksperimen dengan daun, benang dan "objek ditemui" dalam beberapa kes membolehkan anda mencipta kesan tekstur permukaan yang unik. Pada mulanya, tuan aliran ini terpaksa mendapatkan pengiktirafan: selepas semua, walaupun pencapaian terbaik sekolah ukiyo-e dikaitkan oleh artis intelektual dengan orang ramai yang buta huruf dan dianggap sebagai seni plebeian. Seniman seperti Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi, dan Maekawa Senpan banyak berjasa untuk memulihkan penghormatan terhadap seni cetak dan menjadikannya sebagai cabang seni halus yang layak. Mereka menarik ramai artis muda ke kumpulan mereka dan pengukir kini berjumlah ratusan. Antara sarjana generasi ini yang mencapai pengiktirafan di Jepun dan di Barat ialah Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen dan Saito Kiyoshi. Ini adalah sarjana yang inovasi dan bakat yang tidak dapat dinafikan telah membolehkan mereka menduduki jawatan yang layak di kalangan artis terkemuka Jepun. Ramai rakan sebaya mereka dan lain-lain, artis hanga yang lebih muda juga menghasilkan ukiran yang luar biasa; hakikat bahawa kita tidak menyebut nama mereka di sini tidak bermakna penilaian yang rendah terhadap kerja mereka.

SENI DAN SENI GUNAAN, SENIBINA DAN TAMAN

Bahagian sebelumnya membincangkan terutamanya lukisan dan arca, yang di kebanyakan negara dianggap sebagai jenis seni utama. seni visual. Mungkin adalah tidak adil untuk memasukkan pada akhir artikel seni hiasan dan kraf rakyat, seni taman dan seni bina - bentuk yang merupakan bahagian penting dan penting dalam seni Jepun. Walau bagaimanapun, mungkin, dengan pengecualian seni bina, mereka memerlukan pertimbangan khusus selain daripada periodisasi umum Seni Jepun dan dengan perubahan gaya.

Seramik dan porselin.

Seni dan kraf yang paling penting di Jepun ialah seramik dan porselin. Seni seramik secara semula jadi terbahagi kepada dua kategori. Polikrom halus Imari, Nabeshima dan Kakiemon china mengambil namanya dari tempat pengeluaran, dan lukisannya yang kaya pada permukaan krim atau putih kebiruan ditujukan untuk golongan bangsawan dan mahkamah. Proses membuat porselin sebenar mula dikenali di Jepun pada akhir abad ke-16 atau awal abad ke-17; pinggan dan mangkuk dengan sayu licin, dengan corak asimetri atau seperti brokat, dihargai di rumah dan di Barat.

Berbeza dengan porselin dalam tembikar kasar yang diperbuat daripada tanah liat atau jisim batu berkualiti rendah, yang tipikal untuk Shino, Oribe dan Bizen, perhatian tertumpu pada bahan, nampaknya cuai, tetapi susunan elemen hiasan yang bijak. Dipengaruhi oleh konsep Zen Buddhisme, kapal sebegini sangat popular dalam kalangan intelektual dan digunakan secara meluas, terutamanya dalam upacara minum teh. Dalam banyak cawan, teko dan kedi, sifat-sifat seni upacara minum teh, intipati Zen Buddhisme terwujud: disiplin diri yang keras dan kesederhanaan yang ketat. Semasa zaman kegemilangan seni hiasan Jepun, artis berbakat Korin dan Kenzan terlibat dalam menghias produk seramik. Harus diingat kemasyhuran Kenzan lebih dikaitkan dengan bakatnya sebagai ahli seramik, dan bukannya sebagai pelukis. Beberapa jenis dan teknik yang lebih mudah untuk membuat kapal berasal dari tradisi kraf rakyat. Bengkel moden, meneruskan tradisi lama, menghasilkan produk cantik yang menggembirakan dengan kesederhanaan elegannya.

Produk lakuer.

Sudah dalam 7-8 abad. varnis dikenali di Jepun. Dari masa ini, penutup peti mati, dihiasi dengan imej orang dan motif geometri, yang digunakan dengan garisan emas nipis, telah dipelihara. Kami telah pun bercakap tentang kepentingan teknik lakuer kering untuk arca pada abad ke-8 dan ke-9; pada masa yang sama dan kemudiannya, objek hiasan seperti kotak surat atau kotak kemenyan telah dibuat. Semasa zaman Edo, produk ini dibuat dalam kuantiti yang banyak dan dengan hiasan yang paling hebat. Kotak yang dihias mewah untuk sarapan pagi, untuk kek, untuk kemenyan dan ubat-ubatan, dipanggil inro, mencerminkan kekayaan dan cinta kemewahan yang wujud pada masa ini. Permukaan objek dihiasi dengan corak serbuk emas dan perak, kepingan kerajang emas, bersendirian atau digabungkan dengan tatahan cangkerang, ibu-mutiara, aloi timah dan plumbum, dsb.; corak ini berbeza dengan permukaan merah, hitam atau coklat bervarnis. Kadang-kadang artis seperti Korin dan Koetsu membuat reka bentuk lakuer, tetapi tidak mungkin mereka secara peribadi mengambil bahagian dalam karya ini.

Pedang.

Orang Jepun, seperti yang telah dikatakan, telah menjadi bangsa pahlawan untuk tempoh yang agak lama dalam sejarah mereka; senjata dan perisai dianggap sebagai barang penting bagi sebahagian besar penduduk. Pedang adalah kebanggaan seorang lelaki; kedua-dua bilah itu sendiri dan semua bahagian lain pedang, terutamanya pemegang (tsuba), dihiasi dengan pelbagai teknik. Tsuba yang diperbuat daripada besi atau gangsa dihiasi dengan tatahan emas dan perak, diukir, atau dipangkas dengan kedua-duanya. Mereka menggambarkan landskap atau figura manusia, bunga atau jata keluarga (mon). Semua ini melengkapkan kerja pembuat pedang.

Kain.

Sutera bercorak mewah dan fabrik lain, digemari oleh mahkamah dan paderi pada masa kemewahan dan kelimpahan, serta fabrik biasa dengan ciri reka bentuk hampir primitif seni rakyat, juga merupakan ekspresi bakat kebangsaan Jepun. Setelah mencapai kemuncaknya semasa era Genroku yang kaya, seni tekstil telah berkembang semula di Jepun moden. Ia menggabungkan idea dan gentian tiruan dari Barat dengan warna tradisional dan motif hiasan.

Taman-taman.

Dalam beberapa dekad kebelakangan ini, minat terhadap taman dan seni bina Jepun telah meningkat disebabkan oleh pendedahan yang lebih luas oleh masyarakat Barat terhadap bentuk seni ini. Taman di Jepun mempunyai tempat yang istimewa; ia adalah ungkapan dan simbol kebenaran agama dan falsafah yang tinggi, dan nada simbolik yang kabur ini, digabungkan dengan keindahan taman yang jelas, membangkitkan minat dunia Barat. Tidak boleh dikatakan bahawa idea agama atau falsafah adalah sebab utama mencipta taman, tetapi apabila merancang dan mencipta taman, perancang mempertimbangkan unsur-unsur tersebut, yang renungan akan membawa penonton untuk merenung pelbagai kebenaran falsafah. Di sini, aspek kontemplatif Buddhisme Zen terkandung dalam sekumpulan batu yang luar biasa, ombak pasir dan kerikil yang diraut, digabungkan dengan rumput, atau tumbuh-tumbuhan yang disusun supaya aliran di belakangnya hilang dan muncul semula, yang semuanya menggalakkan penonton untuk menyelesaikan secara bebas yang ditetapkan semasa idea taman pembinaan. Keutamaan untuk pembayang yang tidak jelas berbanding penjelasan yang boleh difahami adalah ciri falsafah Zen. Pokok kerdil bonsai dan taman pasu kecil, kini popular di Barat, telah menjadi kesinambungan idea ini.

Seni bina.

Utama monumen seni bina Jepun ialah kuil, kompleks monastik, istana feudal dan istana. Dari zaman purba hingga ke hari ini, kayu telah menjadi bahan binaan utama dan sebahagian besarnya menentukan ciri reka bentuk. Bangunan keagamaan tertua adalah kuil agama Jepun kebangsaan Shinto; berdasarkan teks dan lukisan, mereka adalah bangunan yang agak ringkas dengan bumbung jerami, seperti kediaman purba. Bangunan kuil yang didirikan selepas penyebaran agama Buddha dan dikaitkan dengannya adalah berdasarkan prototaip Cina dalam gaya dan susun atur. Seni bina kuil Buddha telah berubah dari semasa ke semasa, dan hiasan serta susunan bangunan telah berbeza-beza dalam mazhab yang berbeza. Bangunan Jepun dicirikan oleh dewan besar dengan bumbung tinggi dan sistem konsol yang kompleks, dan hiasannya mencerminkan rasa masa mereka. Seni bina kompleks Horyu-ji yang ringkas dan megah, dibina berhampiran Nara pada awal abad ke-7, adalah sebagai ciri zaman Asuka seperti keindahan dan keanggunan perkadaran Hoodo, "Dewan Phoenix" Uji yang tercermin di Tasik Lotus , ialah zaman Heian. Struktur yang lebih rumit pada zaman Edo menerima hiasan tambahan dalam bentuk pintu gelangsar yang dicat dengan mewah dan skrin yang dibuat oleh "penghias hebat" yang sama yang menghiasi bahagian dalam istana berparit dan istana feudal.

Seni bina dan taman-taman Jepun sangat berkait rapat sehingga boleh dianggap bahagian antara satu sama lain. Ini terutama berlaku untuk bangunan dan rumah taman untuk upacara minum teh. Keterbukaan, kesederhanaan dan sambungan mereka yang direka dengan teliti kepada landskap dan perspektif mempunyai pengaruh yang besar seni bina moden Barat.

IMPAK SENI JEPUN DI BARAT

Dalam masa satu abad sahaja, seni Jepun mula dikenali di Barat dan memberi kesan yang ketara ke atasnya. Terdapat juga kenalan terdahulu (contohnya, Belanda berdagang dengan Jepun melalui pelabuhan Nagasaki), tetapi objek yang sampai ke Eropah pada abad ke-17 kebanyakannya adalah karya seni gunaan - porselin dan pernis. Mereka tidak sabar-sabar dikumpulkan sebagai rasa ingin tahu dan disalin dalam pelbagai cara, tetapi eksport hiasan ini tidak mencerminkan intipati dan kualiti seni Jepun malah memberi Jepun idea yang tidak menarik tentang rasa Barat.

Buat pertama kalinya, lukisan Barat mengalami pengaruh langsung seni Jepun di Eropah pada tahun 1862 semasa Pameran Antarabangsa yang besar di London. Diperkenalkan di Pameran Paris lima tahun kemudian, cetakan blok kayu Jepun membangkitkan minat baharu. Beberapa koleksi peribadi ukiran segera muncul. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh dan lain-lain mengambil cetakan warna Jepun sebagai pendedahan; pengaruh seni cetak Jepun yang sedikit tetapi sentiasa dapat dikenali ke atas Impresionis sering diperhatikan. Whistler Amerika dan Mary Cassatt tertarik dengan kekangan garisan dan warna-warna cerah cetakan dan lukisan ukiyo-e.

Pembukaan Jepun kepada orang asing pada tahun 1868 mencipta daya tarikan dengan semua perkara Barat dan membuat orang Jepun berpaling daripada budaya dan warisan seni mereka sendiri yang kaya. Pada masa ini, banyak lukisan dan arca yang indah dijual dan berakhir di muzium Barat dan koleksi peribadi. Pameran barang-barang ini memperkenalkan Barat ke Jepun dan merangsang minat untuk mengembara ke Timur Jauh. Tidak dinafikan, pendudukan Jepun oleh tentera Amerika pada penghujung Perang Dunia II membuka lebih banyak peluang berbanding sebelum ini untuk kenalan dan kajian lebih mendalam tentang kuil Jepun dan khazanah mereka. Minat ini dicerminkan dalam kehadiran muzium Amerika. Minat terhadap Timur secara umumnya disebabkan oleh penganjuran pameran seni Jepun yang dipilih daripada koleksi awam dan swasta Jepun dan dibawa ke Amerika dan Eropah.

Kajian saintifik dekad kebelakangan ini melakukan banyak perkara untuk menyangkal pendapat bahawa seni Jepun hanyalah cerminan seni Cina, dan banyak penerbitan Jepun pada Bahasa Inggeris memperkenalkan Barat kepada cita-cita Timur.

Pemandangan seni Jepun moden nampaknya telah menjadi global sepenuhnya. Artis mengembara antara Tokyo dan New York, hampir semua menerima pendidikan Eropah atau Amerika, mereka bercakap tentang kerja mereka dalam seni antarabangsa Inggeris. Namun, gambar ini masih jauh dari lengkap.

Bentuk dan trend negara ternyata menjadi salah satu barangan yang paling dicari yang boleh ditawarkan oleh Jepun kepada pasaran dunia idea dan karya seni.

operasi kapal terbang. Bagaimana superflat menggabungkan budaya geek Amerika dan lukisan tradisional Jepun

Takashi Murakami. "Tang Tan Bo"

Jika di dunia Barat untuk hampir semua orang (kecuali mungkin ahli teori pascamoden yang paling bersemangat) sempadan antara budaya tinggi dan massa masih kekal relevan, walaupun bermasalah, maka di Jepun dunia ini benar-benar bercampur-campur.

Contohnya ialah Takashi Murakami, yang berjaya menggabungkan pameran di galeri terbaik dunia dan pengeluaran penstriman.

Rakaman lawatan pameran Murakami "Akan turun hujan lembut"

Walau bagaimanapun, hubungan Murakami dengan budaya popular - dan bagi Jepun ini terutamanya budaya peminat manga dan anime (otaku) - lebih rumit. Ahli falsafah Hiroki Azuma mengkritik pemahaman otaku sebagai fenomena Jepun yang asli. Otaku menganggap diri mereka berkaitan secara langsung dengan tradisi zaman Edo abad ke-17-19 - era pengasingan dan penolakan pemodenan. Azuma berhujah bahawa gerakan otaku - berdasarkan manga, animasi, novel grafik, permainan komputer - hanya mungkin timbul dalam konteks pendudukan Amerika selepas perang akibat import budaya Amerika. Seni Murakami dan pengikutnya mencipta semula otaku dengan teknik seni pop dan menafikan mitos nasionalis tentang keaslian tradisi itu. Ia mewakili "pemerintahan semula budaya Amerika Jepun."

Dari sudut pandangan artistik, superflat paling hampir dengan lukisan ukiyo-e Jepun awal. Karya paling terkenal dalam tradisi ini ialah cetakan The Great Wave Off Kanagawa oleh Katsushika Hokusai (1823–1831).

Bagi modenisme Barat, penemuan lukisan Jepun adalah satu kejayaan. Ia memungkinkan untuk melihat gambar sebagai pesawat dan berusaha untuk tidak mengatasi keanehan ini, tetapi untuk bekerja dengannya.

Katsushiki Hokusai. "Gelombang Hebat di Kanagawa"

Perintis prestasi. Apakah maksud seni Jepun tahun 1950-an hari ini

Dokumentasi proses kreatif Akira Kanayama dan Kazuo Shiraga

Superflat terbentuk hanya pada tahun 2000-an. Tetapi tindakan artistik yang penting untuk seni dunia bermula di Jepun lebih awal - dan lebih awal daripada di Barat.

Giliran persembahan dalam seni berlaku pada permulaan 60-an dan 70-an abad yang lalu. Di Jepun, persembahan itu muncul pada tahun lima puluhan.

Buat pertama kalinya, Kumpulan Gutai telah mengalihkan tumpuannya daripada penciptaan objek berdikari kepada proses pengeluaran mereka. Dari sini - satu langkah untuk meninggalkan objek seni yang memihak kepada acara yang tidak kekal.

Walaupun artis individu dari Gutai (dan terdapat 59 daripada mereka dalam tempoh dua puluh tahun) secara aktif wujud dalam konteks antarabangsa, memahami bagaimana aktiviti kolektif seni pasca perang Jepun secara amnya bermula di Barat baru-baru ini. Ledakan itu berlaku pada 2013 dengan beberapa pameran di galeri kecil di New York dan Los Angeles, Tokyo 1955-1970: The New Avant-Garde di MoMA, dan Gutai retrospektif sejarah yang besar: Taman Permainan Splendid di Muzium Guggenheim. Import seni Jepun di Moscow nampaknya merupakan kesinambungan trend ini yang hampir terlewat.

Sadamasa Motonaga. Bekerja (Air) di Muzium Guggenheim

Sungguh mengagumkan betapa modennya pameran retrospektif ini. Sebagai contoh, objek utama eksposisi di Muzium Guggenheim ialah pembinaan semula Kerja (Air) oleh Sadamasa Motonaga, di mana paras rotunda muzium disambungkan dengan paip polietilena dengan air berwarna. Mereka mengingatkan sapuan berus yang telah tercabut dari kanvas, dan menjadi contoh tumpuan utama Gutai pada "kekonkretan" (sebagaimana nama band itu diterjemahkan daripada bahasa Jepun), materialiti objek yang digunakan oleh artis itu.

Ramai ahli Gutai menerima pendidikan yang berkaitan dengan lukisan nihonga klasik, ramai yang secara biografi dilampirkan pada konteks agama Buddhisme Zen, dengan ciri kaligrafi Jepunnya. Kesemua mereka menemui pendekatan baru, prosedur atau penyertaan kepada tradisi kuno. Kazuo Shiraga telah merakam video bagaimana dia melukis monokrom anti-Rauschenberg dengan kakinya, dan juga mencipta lukisan di khalayak ramai.

Minoru Yoshida menukar bunga dari cetakan Jepun menjadi objek psychedelic - contohnya ialah Bunga Biseksual, salah satu arca kinetik (bergerak) pertama di dunia.

Kurator pameran di Muzium Guggenheim bercakap tentang kepentingan politik karya-karya ini:

"Gutai menunjukkan kepentingan tindakan individu yang bebas, merobohkan jangkaan penonton, dan juga kebodohan sebagai cara untuk menentang kepasifan dan kepatuhan sosial yang, selama beberapa dekad, membenarkan kerajaan ketenteraan memperoleh pengaruh yang besar, menyerang China, dan kemudiannya. menyertai Perang Dunia II."

Baik dan bijak. Mengapa Artis Meninggalkan Jepun ke Amerika pada 1960-an

Gutai adalah pengecualian kepada peraturan di Jepun selepas perang. Kumpulan avant-garde kekal terpinggir, dunia seni sangat berhierarki. Cara utama untuk mendapat pengiktirafan ialah penyertaan dalam pertandingan yang diadakan oleh persatuan artis klasik yang diiktiraf. Oleh itu, ramai yang lebih suka pergi ke Barat dan mengintegrasikan ke dalam sistem seni berbahasa Inggeris.

Ia amat sukar untuk wanita. Malah di Gutai yang progresif, bahagian kehadiran mereka tidak mencapai walaupun seperlima. Apa yang boleh kita katakan tentang institusi tradisional, untuk akses yang diperlukan pendidikan Khas. Menjelang tahun enam puluhan, kanak-kanak perempuan telah memperoleh hak untuk itu, bagaimanapun, belajar seni (jika ia bukan tentang hiasan, yang merupakan sebahagian daripada set kemahiran ryosai kenbo- isteri yang baik dan ibu yang bijak) adalah seorang yang bermasam muka dengan pekerjaan.

Yoko Ono. potong sekeping

Kisah penghijrahan lima artis wanita Jepun yang berkuasa dari Tokyo ke Amerika Syarikat menjadi subjek kajian Midori Yoshimoto "Into Performance: Japanese Women Artists in New York". Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi dan Shigeko Kubota pada permulaan kerjaya mereka memutuskan untuk berlepas ke New York dan bekerja di sana, termasuk pemodenan tradisi seni Jepun. Hanya Yoko Ono yang dibesarkan di AS - tetapi dia juga sengaja enggan kembali ke Jepun, kerana kecewa dengan hierarki seni Tokyo semasa tinggal singkatnya pada 1962-1964.

Ono menjadi yang paling terkenal daripada lima, bukan sahaja sebagai isteri John Lennon, tetapi juga sebagai pengarang persembahan proto-feminis yang didedikasikan untuk objektif badan wanita. Terdapat persamaan yang jelas antara Cut Piece It, di mana penonton boleh memotong potongan pakaian artis, dan "Rhythm 0" oleh "nenek persembahan" Marina Abramović.

Pada kaki pendek. Bagaimana untuk lulus latihan lakonan penulis Tadashi Suzuki

Dalam kes Ono dan Gutai, kaedah dan tema karya mereka, dipisahkan daripada pengarang, menjadi penting di peringkat antarabangsa. Terdapat bentuk eksport lain - apabila karya artis dilihat dengan minat di arena antarabangsa, tetapi peminjaman kaedah sebenar tidak berlaku kerana kekhususannya. Kes yang paling menarik ialah sistem latihan lakonan Tadashi Suzuki.

Teater Suzuki disayangi walaupun di Rusia - dan ini tidak menghairankan. Kali terakhir dia bersama kami pada tahun 2016 dengan persembahan The Trojan Women berdasarkan teks Euripides, dan pada tahun 2000-an dia datang beberapa kali dengan produksi Shakespeare dan Chekhov. Suzuki memindahkan aksi drama itu ke konteks Jepun semasa dan menawarkan tafsiran teks yang tidak jelas: dia menemui anti-Semitisme di Ivanov dan membandingkannya dengan sikap menghina orang Jepun terhadap orang Cina, memindahkan tindakan Raja Lear kepada suaka gila Jepun.

Suzuki membina sistemnya bertentangan dengan sekolah teater Rusia. DALAM lewat XIX abad, semasa zaman Meiji yang dipanggil, Jepun empayar pemodenan mengalami kebangkitan gerakan pembangkang. Hasilnya ialah pembaratan besar-besaran budaya yang sebelum ini sangat tertutup. Antara bentuk yang diimport ialah sistem Stanislavsky, yang masih kekal di Jepun (dan di Rusia) salah satu kaedah pengarah utama.

Senaman Suzuki

Pada tahun enam puluhan, apabila Suzuki memulakan kerjayanya, tesis itu semakin tersebar kerana ciri-ciri tubuh mereka, pelakon Jepun tidak dapat membiasakan diri dengan peranan dari teks Barat yang mengisi repertoir ketika itu. Pengarah muda itu berjaya menawarkan alternatif yang paling meyakinkan.

Sistem latihan Suzuki, yang dipanggil tatabahasa kaki, termasuk berpuluh-puluh cara untuk duduk, dan lebih banyak lagi untuk berdiri dan berjalan.

Pelakonnya biasanya bermain tanpa alas kaki dan seolah-olah, dengan menurunkan pusat graviti, diikat seketat mungkin ke tanah, berat. Suzuki mengajar mereka dan penghibur asing tekniknya di kampung Toga, di rumah Jepun purba yang dipenuhi dengan peralatan moden. Rombongannya hanya memberikan kira-kira 70 persembahan setahun, dan selebihnya dia hidup, hampir tanpa meninggalkan kampung dan tidak mempunyai masa untuk urusan peribadi - hanya bekerja.

Pusat Toga muncul pada tahun 1970-an dan direka bentuk atas permintaan pengarah oleh arkitek terkenal dunia Arata Isozaka. Sistem Suzuki mungkin kelihatan patriarki dan konservatif, tetapi dia sendiri bercakap tentang Toga dari segi desentralisasi moden. Malah pada pertengahan tahun 2000-an, Suzuki memahami kepentingan mengeksport seni dari ibu kota ke wilayah dan mengatur pusat pengeluaran tempatan. Menurut pengarah, peta teater Jepun dalam banyak aspek menyerupai peta Rusia - seni tertumpu di Tokyo dan beberapa pusat yang lebih kecil. Teater Rusia juga akan mendapat manfaat daripada sebuah syarikat yang kerap mengadakan lawatan di bandar-bandar kecil dan berpusat jauh dari ibu negara.

Pusat Syarikat SCOT di Toga

Jejak bunga. Apakah sumber yang ditemui teater moden dalam sistem noh dan kabuki

Kaedah Suzuki berkembang daripada dua tradisi Jepun purba - tetapi juga kabuki. Bukan sahaja jenis teater ini sering dicirikan sebagai seni berjalan, tetapi juga dalam butiran yang lebih jelas. Suzuki sering mengikut peraturan tentang prestasi semua peranan oleh lelaki, menggunakan penyelesaian spatial ciri, sebagai contoh, hanamichi ("jalan bunga") sampel kabuki - platform memanjang dari pentas ke kedalaman auditorium. Dia juga mengeksploitasi simbol yang agak dikenali seperti bunga dan skrol.

Sudah tentu, dalam dunia global tidak timbul persoalan tentang keistimewaan orang Jepun untuk menggunakan bentuk kebangsaan mereka.

Teater salah seorang pengarah paling penting pada zaman kita, Robert Wilson dari Amerika, dibina atas pinjaman daripada tetapi.

Dia bukan sahaja menggunakan topeng dan solekan yang mengingatkan khalayak ramai di Jepun, tetapi juga meminjam cara bertindak berdasarkan kelembapan maksimum pergerakan dan ekspresi diri yang mencukupi bagi isyarat itu. Menggabungkan bentuk tradisional dan ritualistik dengan skor cahaya ultra-moden dan muzik minimalis (salah satu karya Wilson yang paling terkenal ialah pengeluaran opera Philip Glass Einstein on the Beach), Wilson pada asasnya menghasilkan sintesis asal-usul dan perkaitan yang banyak diperjuangkan oleh seni moden. .

Robert Wilson. "Einstein di Pantai"

Daripada noh dan kabuki, salah satu tonggak tarian moden telah berkembang - butoh, secara harfiah diterjemahkan - tarian kegelapan. Dicipta pada tahun 1959 oleh koreografer Kazuo Ono dan Tatsumi Hijikata, yang juga menggunakan pusat graviti rendah dan tumpuan pada kaki, butoh adalah tentang membawa refleksi dari pengalaman perang traumatik ke dalam dimensi tubuh.

“Mereka menunjukkan mayat itu sakit, rebah, bahkan dahsyat, dahsyat.<…>Pergerakan sama ada perlahan, atau sengaja tajam, meletup. Untuk ini, teknik khas digunakan, apabila pergerakan dilakukan seolah-olah tanpa melibatkan otot utama, disebabkan oleh tuas tulang rangka, "sejarawan tarian Irina Sirotkina menulis butoh dalam sejarah pembebasan badan, menghubungkan. ia dengan berlepas dari normativiti balet. Dia membandingkan butoh dengan amalan penari dan koreografer pada awal abad ke-20 - Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, bercakap tentang pengaruh pada tarian "postmodern" kemudian.

Serpihan tarian Katsura Kana, penerus moden tradisi butoh

Hari ini, butoh dalam bentuk asalnya bukan lagi amalan avant-garde, tetapi pembinaan semula sejarah.

Walau bagaimanapun, kamus pergerakan yang dibangunkan oleh Ohno, Hijikata dan pengikut mereka kekal sebagai sumber yang berharga untuk koreografer kontemporari. Di Barat, ia digunakan oleh Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky dan juga dalam video untuk "Belong To The World" oleh The Weekend. Di Jepun, penerus tradisi butoh adalah, contohnya, Saburo Teshigawara, yang akan datang ke Rusia pada bulan Oktober. Walaupun dia sendiri menafikan persamaan dengan tarian kegelapan, pengkritik mendapati tanda-tanda yang agak dikenali: badan yang kelihatan tidak bertulang, kerapuhan, langkah tanpa suara. Benar, mereka sudah diletakkan dalam konteks koreografi pascamoden - dengan tempo tinggi, larian, bekerja dengan muzik bunyi bising pascaindustri.

Saburo Teshigawara. metamorfosis

Global tempatan. Bagaimanakah seni Jepun kontemporari serupa dengan seni Barat?

Karya Teshigawara dan ramai rakan sekerjanya secara organik sesuai dengan program festival tarian kontemporari Barat terbaik. Jika anda menyemak huraian persembahan dan persembahan yang ditunjukkan di Festival / Tokyo - pertunjukan tahunan terbesar teater Jepun, maka sukar untuk melihat perbezaan asas daripada aliran Eropah.

Salah satu tema utama ialah kekhususan tapak - artis Jepun meneroka ruang Tokyo, daripada rumpun kapitalisme dalam bentuk bangunan pencakar langit hingga ke kawasan kecil tumpuan otaku.

Tema lain ialah kajian tentang salah faham antara generasi, teater sebagai tempat pertemuan langsung dan komunikasi teratur orang yang berbeza umur. Projek yang didedikasikan untuknya oleh Toshika Okada dan Akira Tanayama telah dibawa ke Vienna selama beberapa tahun berturut-turut ke salah satu festival seni persembahan utama Eropah. Tiada perkara baharu dalam pemindahan bahan dokumentari dan cerita peribadi ke pentas menjelang penghujung tahun 2000-an, tetapi kurator Festival Vienna mempersembahkan projek-projek ini kepada orang ramai sebagai peluang untuk berhubung secara langsung, dari titik ke titik dengan yang lain. budaya.

Satu lagi baris utama bekerja melalui pengalaman traumatik. Bagi orang Jepun, ia tidak dikaitkan dengan Gulag atau Holocaust, tetapi dengan pengeboman Hiroshima dan Nagasaki. Teater merujuk kepadanya secara berterusan, tetapi kenyataan paling kuat tentang letupan atom sebagai momen genesis semua budaya Jepun moden masih menjadi milik Takashi Murakami.

ke pameran "Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture"

"Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture" ialah tajuk projek pilihan beliau yang ditayangkan di New York pada tahun 2005. "Little Boy" - "bayi" dalam bahasa Rusia - nama salah satu bom yang dijatuhkan di Jepun pada tahun 1945. Mengumpul ratusan komik manga daripada ilustrator terkemuka, mainan vintaj yang tersendiri, barangan yang diilhamkan oleh anime terkenal daripada Godzilla hingga Hello Kitty, Murakami telah menolak kepekatan kecomelan - kawaii - ke had dalam ruang muzium. Pada masa yang sama, beliau melancarkan pilihan animasi, di mana gambar letupan, bumi kosong, dan bandar yang musnah menjadi imej utama.

Penentangan ini merupakan kenyataan utama pertama tentang pemansuhan budaya Jepun sebagai cara untuk mengatasi gangguan tekanan selepas trauma.

Sekarang kesimpulan ini nampaknya sudah jelas. Kajian akademik kawaii oleh Inuhiko Yomota dibina di atasnya.

Terdapat juga pencetus traumatik kemudiannya. Antara yang paling penting - peristiwa 11 Mac 2011, gempa bumi dan tsunami yang membawa kepada kemalangan besar di loji tenaga nuklear Fukushima. Di Festival/Tokyo-2018, keseluruhan program enam persembahan dikhaskan untuk memahami akibat bencana alam dan teknologi; mereka juga menjadi tema untuk salah satu karya yang dibentangkan di Solyanka. Contoh ini jelas menunjukkan bahawa senjata kaedah kritikal yang digunakan oleh seni Barat dan Jepun pada asasnya tidak berbeza. Haruyuki Ishii mencipta pemasangan tiga set televisyen yang mengulangi rakaman yang disunting dan digelung berkelajuan tinggi daripada program televisyen tentang gempa bumi.

"Karya itu terdiri daripada 111 video yang ditonton artis setiap hari dalam berita sehingga saat semua yang dilihatnya tidak lagi dianggap sebagai fiksyen," jelas kurator. Jepun Baharu ialah contoh yang menunjukkan bagaimana seni tidak menentang tafsiran berdasarkan mitos kebangsaan, tetapi pada masa yang sama mata kritis mendedahkan bahawa tafsiran yang sama mungkin relevan untuk seni dari mana-mana asal usul. Para kurator bercakap tentang kontemplasi sebagai asas tradisi Jepun, menggunakan petikan dari Lao Tzu. Pada masa yang sama, seolah-olah meninggalkan kurungan bahawa hampir semua seni kontemporari tertumpu pada "kesan pemerhati" (seperti yang dipanggil pameran) - sama ada dalam bentuk mewujudkan konteks baru untuk persepsi fenomena biasa atau dalam meningkatkan persoalan tentang kemungkinan persepsi yang mencukupi seperti itu.

Komuniti Terbayang - satu lagi karya artis video Haruyuki Ishii

Permainan

Walau bagaimanapun, seseorang tidak sepatutnya berfikir bahawa Jepun pada tahun 2010-an adalah kepekatan progresif.

Tabiat tradisionalisme lama yang baik dan kecintaan terhadap eksotisme orientalis belum lagi dihidupkan. "The Theatre of Virgins" adalah tajuk artikel yang agak mengagumi tentang teater Jepun "Takarazuka" dalam majalah konservatif Rusia "PTJ". Takarazuka muncul pada akhir abad ke-19 sebagai projek perniagaan untuk menarik pelancong ke bandar terpencil dengan nama yang sama, yang secara tidak sengaja menjadi perhentian kereta api persendirian. Hanya gadis yang belum berkahwin bermain di teater, yang menurut pemilik kereta api, sepatutnya memikat penonton lelaki ke bandar. Hari ini, Takarazuka berfungsi seperti sebuah industri, dengan saluran TVnya sendiri, program konsert yang padat, malah taman hiburan tempatan. Tetapi hanya gadis yang belum berkahwin yang masih mempunyai hak untuk berada dalam rombongan - semoga mereka tidak memeriksa keperawanan sekurang-kurangnya.

Walau bagaimanapun, Takarazuka tidak begitu baik jika dibandingkan dengan kelab Toji Deluxe di Kyoto, yang orang Jepun juga panggil teater. Mereka menunjukkan sangat liar, berdasarkan penerangan Kolumnis New Yorker Ian Buruma, pertunjukan striptis: beberapa gadis berbogel di atas pentas mengubah demonstrasi kemaluan menjadi ritual awam.

Seperti ramai amalan seni, pertunjukan ini berdasarkan legenda purba (dengan bantuan lilin dan kaca pembesar, lelaki daripada penonton boleh bergilir-gilir meneroka "rahsia ibu dewi Amaterasu"), dan pengarang sendiri diingatkan tentang tradisi noh .

Kami akan menyerahkan pencarian analog Barat untuk Takarazuki dan Toji kepada pembaca - tidak sukar untuk mencarinya. Kami hanya ambil perhatian bahawa sebahagian besar seni moden ditujukan tepat untuk memerangi amalan penindasan sedemikian - kedua-dua Barat dan Jepun, daripada tarian superflat hingga butoh.

Jepun adalah negeri yang sangat menarik, terkenal dengan pelbagai tradisi dan adat resam. Kedudukan geografi Tanah Matahari Terbit menjadikannya agak terpencil dari negeri-negeri lain, berkat ia berkembang tanpa mengira negara-negara Eropah. Budaya Jepun sangat kaya dan pelbagai. Tradisi Jepun yang pelik terbentuk di bawah pengaruh sejarah peristiwa penting. Secara beransur-ansur, Jepun bertukar menjadi sebuah negara yang kuat dan bersatu dengan ciri ciri dan mentaliti tertentu penduduk.

Aspek utama budaya Jepun

Budaya negara dimanifestasikan dalam pelbagai bidang masyarakat. Di Jepun, aspeknya ialah;

Proses minum teh untuk orang Jepun bukanlah kepuasan yang mudah terhadap keperluan fisiologi badan, tetapi kultus sebenar. Upacara minum teh di Jepun disertai dengan sifat-sifat istimewa dan mengandungi banyak tradisi. Sikap hormat seperti itu, nampaknya, kepada proses sehari-hari mengambil perkembangannya dari meditasi sami Buddha. Merekalah yang membawa begitu banyak kepentingan kepada proses minum teh.

Bagi orang Eropah, konsep "kimono" mencirikan pakaian kebangsaan Jepun. Walau bagaimanapun, di Negeri Matahari Terbit itu sendiri, terdapat dua makna perkataan ini - dalam pengertian sempit dan luas. Perkataan "kimono" di Jepun bukan sahaja merujuk kepada pakaian kebangsaan, tetapi juga kepada semua pakaian secara umum. Di bawah kimono, sebagai peraturan, jubah khas dan tujuh tali pinggang dipakai. Kimono yang dipakai pada musim panas dipanggil yukata. Bergantung pada umur wanita, model pakaian juga mungkin berbeza.

Di Jepun, dua gerakan agama berjaya didakwah sekaligus - Shintoisme dan Buddhisme. Shintoisme muncul di Jepun kuno, ia berdasarkan penyembahan pelbagai makhluk. Agama Buddha pula terbahagi kepada beberapa jenis. Di Jepun, terdapat banyak sekolah yang mempromosikan satu atau satu lagi aliran agama Buddha.

Taman batu amat penting dalam budaya Jepun. Mereka bukan sahaja ciptaan seni bina yang menarik perhatian pelancong, tetapi juga tempat pertumbuhan rohani. Di sini orang Jepun mendapat pencerahan daripada perenungan struktur batu yang terletak dalam susunan khas. Taman-taman batu termasuk pelan khusus, yang hanya boleh dirungkai oleh orang yang tercerahkan.

Tango no sekku adalah perayaan untuk menghormati budak lelaki. Ia didedikasikan bukan sahaja untuk semua wakil lelaki kecil, tetapi juga untuk kejantanan dan kekuatan seluruh rakyat Jepun. Adalah lazim untuk meraikan percutian pada musim bunga, apabila alam semula jadi bangun dan gembira dengan keindahannya. Pada hari tango no sekku, budak-budak itu dijaga oleh ibu bapa mereka. Bapa mesti memberitahu anaknya tentang semua pahlawan Jepun dan eksploitasi mereka. Dan ibunya menyediakan meja untuknya dengan makanan yang lazat.

Bunga sakura dianggap sebagai fenomena semula jadi yang paling indah. Ramai pelancong datang ke sini hanya untuk menikmati renungan tumbuhan berbunga. Pada musim bunga, sekumpulan besar orang boleh diperhatikan di taman-taman Jepun. Ramai keluarga pergi berkelah dan melihat keindahan pokok ceri Jepun.

Busur boleh dikaitkan dengan tradisi pelik negara. Mereka mewakili peraturan adab yang baik. Bukan kebiasaan orang Jepun mengucapkan selamat tinggal, sebaliknya tunduk berkali-kali seperti yang dilakukan oleh teman bicara.

Samurai mewakili kelas masyarakat tertentu yang telah berkembang di bawah pengaruh tradisi dan adat resam. Ia mempunyai kaitan langsung dengan budaya negara. Samurai adalah pahlawan yang menjalankan perkhidmatan tertentu, yang boleh menjadi tentera, keselamatan atau rumah tangga. Dalam mana-mana kes ini, samurai melambangkan keberanian, kelelakian dan keluhuran rakyat Jepun.

Proses pembentukan budaya Jepun purba

Budaya Jepun purba mula berkembang dengan lahirnya bahasa dan tulisan Jepun. Tanah matahari terbit meminjam asas untuk ini dari China. Tulisan Jepun juga mengandungi hieroglif, yang tidak akan dapat difahami oleh warga asing. Lama kelamaan, perkataan, bunyi dan frasa baharu mula ditambah pada bahasa Jepun. Jadi dia benar-benar berubah, bagaimanapun ciri-ciri biasa dengan China masih boleh dikesan.

Keagamaan negara juga berasal dari zaman dahulu. Shintoisme adalah akibat daripada perkembangan pelbagai mitologi. hidup masa ini ajaran ini menggalakkan kultus pemimpin dan orang mati. Buddhisme pula mempunyai akar yang sangat mendalam sehinggakan pendapat saintis dan sejarawan tentang kemunculan jenis agama ini sangat berbeza.

seni Jepun

Hampir semua jenis seni yang diamalkan di Jepun membawa satu idea utama - ketenangan dan kelonggaran. Ia adalah tepat keharmonian seseorang dengan dirinya sendiri yang mengandungi seni, tanpa mengira cara maklumat disampaikan. Banyak bentuk seni yang terkenal di seluruh dunia memulakan pembangunan mereka di Jepun. Antaranya, origami boleh dibezakan - keupayaan untuk melipat pelbagai bentuk dari kertas.

Satu lagi bahagian popular Seni Jepun menjadi ikebana. Ini adalah kemahiran untuk membentuk jambangan bunga menggunakan teknologi khas. Dari sini muncul aktiviti yang sama popular, yang dipanggil bonsai. Ini adalah ciptaan pelbagai gubahan daripada pokok kerdil. Di Omiya, tidak jauh dari Tokyo, terdapat seluruh taman Bonsai. Setiap pokok kerdil yang dibentangkan di sini adalah unik dan cantik dengan cara tersendiri.

Lukisan Jepun akan mendapat kepentingan yang istimewa, kerana setiap lukisan membawa maksud tersembunyi. Sebagai reka bentuk, sebagai peraturan, warna terang, peralihan kontras dan garisan jelas digunakan. Jepun juga mempunyai seni kaligrafi. Ini adalah kemahiran penulisan hieroglif yang cantik secara estetik. Seni gunaan juga tersebar luas di Jepun. Terdapat seluruh muzium di Tokyo yang didedikasikan untuk kraf ini. Di sini anda boleh melihat produk yang diperbuat daripada kertas, kaca atau logam. Dan ini bukan senarai lengkap bahan yang digunakan untuk tujuan ini.

Reka bentuk dalaman gaya Jepun juga patut diberi perhatian khusus. Ia termasuk kefungsian dan kesederhanaan, bersama dengan keaslian pelaksanaan. Di samping itu, reka bentuk dalaman membawa falsafah keagamaan, seperti bentuk seni Jepun yang lain.

seni bina Jepun

Struktur seni bina di Jepun, dalam satu cara atau yang lain, dikaitkan dengan agama. Bangunan kuil pada mulanya, selalunya, tidak mempunyai sebarang bunga. Ini disebabkan penggunaan kayu yang tidak dicat dalam pembinaan. Kemudian mereka mula menggunakan warna merah dan biru.

Bahan utama untuk bangunan seni bina di Jepun dianggap sebagai kayu. Ini disebabkan oleh fakta bahawa saham sumber ini cukup besar dalam negara. Sebagai tambahan kepada fakta bahawa pokok itu menjalankan haba dengan baik dan menyerap kelembapan, ia juga praktikal semasa gempa bumi, yang berlaku agak kerap di Jepun. Jika rumah batu sangat sukar untuk dicipta semula selepas kemusnahan, maka rumah kayu lebih mudah.

Ciri utama dalam seni bina Jepun ialah kehadiran bentuk geometri yang sekata. Selalunya, ini adalah segi tiga dan segi empat tepat. Hampir mustahil untuk memenuhi kelancaran dan kebulatan garisan dalam mana-mana struktur. Prinsip utama, berdasarkan mana orang Jepun melengkapkan rumah mereka, adalah kewujudan dalaman dan luaran yang tidak dapat dipisahkan. Ini terpakai kepada taman Jepun. Mereka harus dihiasi dengan gaya yang sama seperti rumah itu sendiri. Jika tidak, ia dianggap rasa busuk dan rasa busuk yang lengkap. Orang Jepun memberi perhatian khusus kepada taman mereka.

muzik Jepun

Dari segi pembangunan muzik, Jepun melihat ke negara lain, menggunakan mana-mana alat muzik. Tetapi kemudian dia memodenkan mereka di bawah pengaruh citarasa dan tradisi tempatan. Pengaruh pertama terhadap pembentukan muzik klasik di Jepun ialah cerita rakyat Dengaku tempatan, bercampur dengan pengaruh asing dan menimbulkan muzik yang biasa di Jepun pada masa ini.

Isu agama juga menyumbang kepada asal usul muzik. Terima kasih kepada agama Kristian, permainan organ mula tersebar. Dan agama Buddha mempromosikan bermain seruling.

Pada masa ini, muzik klasik telah mendapat populariti di Jepun. Ramai ahli sel kreativiti ini mengembara ke luar Jepun. Ini termasuk Goto Midori, Ozawa Seiji dan Uchida Mitsuko. Baru-baru ini, dewan yang direka untuk keselesaan mendengar muzik klasik telah dibuka di Jepun. Ini termasuk Dewan Kiyo, Dewan Simfoni Osaka, Orchard, dsb.

Tradisi rumah tangga Jepun

Orang Jepun adalah orang yang berbudi bahasa, memerhatikan tradisi dan adat resam mereka. Menghormati diri sendiri dan orang lain di Jepun dianggap sebagai perkara biasa. Sejak kecil, kanak-kanak diajar norma-norma adab yang baik, menerangkan kepada mereka nilai-nilai asas orang Jepun, dan menyedarkan mereka dalam setiap cara yang mungkin. Dan itu semua untuk kepentingan masyarakat. Mana-mana pelancong yang datang ke Negara Matahari Terbit dari negara lain terkejut melihat betapa mesra, peramah dan berbudi bahasa Jepun.

Tidak seperti negara-negara Eropah, Jepun telah lama mempunyai larangan merokok di tempat awam. Ini juga terpakai kepada harta persendirian. Merokok berhampiran orang lain hanya dibenarkan jika mereka telah memberi kebenaran.

Antara lain, orang Jepun dengan ketat mematuhi semua peraturan kebersihan yang ditentukan oleh masyarakat kepada mereka. Sebagai contoh, di mana-mana bilik, termasuk bangunan keagamaan, terdapat permaidani straw khas. Anda tidak boleh berjalan di atasnya dalam kasut, mereka dianggap bukan sahaja hiasan dalaman, tetapi juga penghinaan sebenar. Juga, orang Jepun memutuskan untuk melindungi diri mereka daripada kemungkinan bakteria yang mereka bawa dari tandas di kaki mereka. Di mana-mana tempat awam dan di pangsapuri terdapat selipar khas untuk tandas, yang tidak membenarkan pemindahan kuman berbahaya ke bilik lain.

Makan untuk orang Jepun tidak dianggap sebagai proses kehidupan, tetapi kultus sebenar. Sebelum makan, orang Jepun sentiasa mengelap tangan mereka dengan tuala khas yang direndam dalam air, yang dipanggil oshibori. Penetapan jadual tidak berlaku secara rawak, tetapi mengikut skema khas. Malah setiap peranti mempunyai tempatnya sendiri. Orang Jepun membahagikan mereka kepada lelaki dan perempuan, dan ini sangat penting bagi mereka. Sudu di Jepun digunakan hanya untuk makan sup zon o, yang disediakan untuk Tahun Baru, orang Jepun lebih suka minum hidangan pertama yang lain secara eksklusif dari mangkuk khas. Selain itu, mengetap bibir anda semasa makan tidak dianggap sebagai bentuk yang buruk. Adalah dipercayai bahawa dengan cara ini rasa hidangan lebih baik didedahkan.

Perkaitan bentuk yang baik di Jepun dibuktikan dengan kehadiran peraturan berikut:

Adalah perlu untuk membincangkan tempat dan masa mesyuarat terlebih dahulu. Lewat di Jepun dianggap kurang ajar dan melampaui batas kesopanan.
Anda tidak boleh mengganggu lawan bicara, anda perlu sabar menunggu orang itu bercakap, kemudian mula menyatakan pendapatnya.
Jika anda salah menghubungi nombor, anda perlu meminta maaf.
Jika seseorang datang untuk membantu anda, maka anda pasti perlu berterima kasih kepadanya.
Sesetengah tetamu Jepun boleh dianggap sebagai tetamu kehormat. Bagi mereka, mereka juga memperuntukkan tempat khas di meja, yang, sebagai peraturan, adalah yang paling melampau dari pintu masuk ke bilik.
Apabila memberi hadiah kepada orang Jepun, seseorang harus meminta maaf kerana merendah diri walaupun apa yang berlaku. Itulah peraturan, anda tidak sepatutnya melanggarnya.
Duduk di meja makan, lelaki boleh menyilangkan kaki mereka, manakala wanita dilarang keras melakukan ini. Kaki hendaklah dimasukkan dan dihalakan ke satu arah.

Selain itu, tradisi dalam kehidupan Jepun termasuk pemujaan orang yang lebih tua. Tidak kira apa profesion, pendapatan, penampilan atau sifat seseorang, jika dia lebih tua, maka dia mesti dilayan dengan hormat. Usia tua di Jepun menimbulkan rasa hormat dan kebanggaan. Ini bermakna orang itu telah pergi jauh dan kini dia layak mendapat penghormatan.

Bantu tapak: Klik butang

helo, wahai pembaca sekalian penuntut ilmu dan kebenaran!

Hari ini kami menjemput anda untuk menyentuh keindahan dan bercakap tentang seni Jepun Purba. Dalam artikel di bawah, kami akan mengkaji secara ringkas peringkat sejarah yang mempengaruhi pembentukan seni Jepun, dan kemudian membincangkan setiap komponennya dengan lebih terperinci. Anda akan belajar tentang ciri-ciri bukan sahaja jenis tradisional, seperti seni bina, lukisan, tetapi juga tentang seni pertempuran, miniatur, teater, taman dan banyak lagi.

Jadi, artikel itu menjanjikan menarik, dan yang paling penting - bermaklumat!

Zaman sejarah

Tanah Matahari Terbit mempunyai budaya yang unik, yang terkandung dalam bangunan dan kuil asli tradisional, lukisan, arca, hiasan, taman, karya sastera. Dalam abad kebelakangan ini, kawasan bukan remeh seperti potongan kayu, puisi, origami, bonsai, ikebana, dan juga manga dan anime semakin popular. Kesemuanya terbentuk untuk masa yang lama, berakar pada zaman dahulu.

Sangat sedikit yang diketahui tentang masa ini sehingga awal abad yang lalu, kerana Jepun adalah negara yang agak tertutup kepada seluruh dunia. Walau bagaimanapun, banyak kajian telah dijalankan sejak itu, penggalian arkeologi yang penemuannya menakjubkan. Mereka menunjukkan bahawa sudah pada milenium kedua SM terdapat masyarakat Jepun budaya, dan puak primitif tinggal di pulau-pulau 15-12 ribu tahun yang lalu.

Budaya Jepun mula terbentuk sekitar milenium ke-4 SM, tetapi mencapai kemuncaknya pada Zaman Pertengahan - dalam tempoh dari abad ke-6 hingga ke-18.

Sejarah Jepun purba bermula pada zaman prasejarah dan berakhir dengan peringkat Heian pada abad ke-8-9, walaupun ramai pengkaji termasuk tempoh kemudian. Dalam hal ini, tiga peringkat utama dibezakan, yang, seterusnya, dibahagikan kepada tempoh yang lebih kecil, atau jidai. Setiap daripada mereka dicirikan oleh penampilan produk, struktur, gaya baru.

Sistem perkauman primitif

Masyarakat primitif di Jepun wujud pada zaman Neolitik, apabila alat batu pertama muncul, serta semasa zaman Jomon dan Yayoi. Adalah dipercayai bahawa Jōmon bertahan dari milenium ke-10 hingga abad ke-4 SM. Kemudian seramik pertama mula muncul, yang mempunyai nama yang sama dengan seluruh era - jomon.

Bekas tembikar Jomon

Kapal-kapal ini berbentuk tidak simetri dan mempunyai perhiasan tradisional dalam bentuk tali yang dipintal. Adalah dipercayai bahawa mereka digunakan dalam pelbagai ritual dan ritual. Pada masa yang sama, pelbagai jenis perhiasan muncul - anting-anting, gelang dan rantai yang diperbuat daripada tanah liat, gigi haiwan, cengkerang, batu, kristal.

Anting dan gelang tanah liat dari zaman Jomon

Pada abad III SM, era Yayoi bermula, yang berlangsung selama enam abad. Kemudian penduduk tempatan mereka belajar menanam tanaman padi, mengambil bidang pertanian, terus menguasai seni seramik, dan juga mula mencairkan logam, antaranya yang paling penting ialah besi, membuat senjata daripada tembaga dan loceng daripada gangsa.

Loceng gangsa Dotaku, penghujung era Yayoi

Pembentukan negara.Kenegaraan Jepun mula terbentuk dari abad ke-4 hingga ke-8. Tempoh ini dikenali sebagai zaman Kofun dan Yamato. Kemudian seluruh rangkaian kuburan muncul di negara itu, dan Jepun sendiri mula bergerak lebih dekat dengan Empayar Celestial, tidak dapat tidak menganut agama - dan dengannya - seni bina, arca. Bangunan paling penting pada era itu ialah Horyu-ji, yang diwakili oleh sebuah pagoda dalam lima tingkat. Arca khas yang diperbuat daripada tanah liat, yang dipanggil "khaniva", mula dipasang berhampiran busut.

Horyu-ji, Jepun

Pembentukan undang-undang Peringkat ini jatuh pada zaman Nara (abad VIII) dan Heian (akhir abad VIII-XII). Pada masa itu, orang Jepun semakin rapat dengan jiran mereka - orang Cina dan Korea, bersama-sama dengan konsep Buddha, mereka juga meminjam konsep Confucian dan Tao, mengamalkan teknik pemprosesan logam, kaedah pembinaan dan reka bentuk bangunan, trend baru dalam lukisan. terutamanya berubah - kuil Shinto yang ringkas digantikan dengan stupa Buddha bertingkat yang serupa dengan stupa India. Di kediaman orang biasa, bukannya tanah kosong, papan kayu muncul di lantai, dan bumbung cemara muncul di atas.

Gambaran zaman Nara di Jepun

Jika kita bercakap tentang masa kemudian, maka kita boleh membezakan beberapa lagi tempoh dan ciri budaya utama mereka:

Karakum (abad XII-XIV) - penampilan samurai dan seni mempertahankan diri;
Sengoku dan Jidai (abad XV-XVI) - masa pengembangan Eropah ke dunia Timur, di mana aliran Kristian dan budaya Barat menembusi bahkan ke Tanah Matahari Terbit;
Edo (abad XVII-XIX) - kuasa keluarga Tokugawa yang terkenal, dicirikan oleh pengasingan Jepun dan perkembangan identiti budaya.

Semua yang berlaku kemudiannya sudah menjadi zaman baru dan kemodenan, dan kini, tidak syak lagi, walaupun di Jepun yang agak tertutup, terdapat globalisasi budaya- pengalaman tuan Barat diterima pakai, dan di Barat pula, motif Jepun menjadi bergaya. Walau bagaimanapun, seni Jepun sentiasa mempunyai rasa yang istimewa, mempunyai ciri-ciri yang unik untuknya.

Kesederhanaan, perkadaran dengan manusia, ringkas, bahan semula jadi, perpaduan dengan alam semula jadi - ini adalah bagaimana anda boleh mencirikan karya agung Jepun, kedua-dua kuno dan moden.

Melukis

Jepun, seperti yang anda tahu, berdiri berasingan untuk masa yang lama, sempadannya ditutup kepada negara lain. Apabila, dengan kedatangan abad ke-7, orang Jepun mula berkomunikasi lebih dan lebih kerap dengan jiran mereka, untuk menjalin hubungan dengan dunia benua, mereka menemui cat, perkamen, dakwat, dan dengan mereka, seni halus.

Pada mulanya, ia sangat mudah dan ringkas: imej ringkas dibuat di atas kertas hitam atau putih, biasanya salah satu daripada tiga warna - kuning, hijau atau merah. Walau bagaimanapun, secara beransur-ansur kemahiran pelukis tempatan berkembang, dan sebahagian besarnya disebabkan oleh penyebaran ajaran Buddha, kerana semakin banyak gambar tercipta dari kehidupan Guru dan pelajarnya.

Gambar dengan tema Buddha di Jepun purba

Menjelang abad ke-9, Jepun telah pun membentuk cabang lukisannya sendiri, yang bebas daripada orang Cina. Pada masa yang sama, peranan agama Buddha mula lemah, dan motif keagamaan digantikan dengan apa yang dipanggil sekular, iaitu sekular, yang sangat popular semasa pemerintahan keluarga Tokugawa.

Shogun dari dinasti Tokugawa

Kaiga, sebagai orang Jepun dipanggil lukisan, mengambil bentuk dan gaya yang sama sekali berbeza, dan alam semula jadi mengambil tempat yang penting di dalamnya. Sejak itu, lukisan telah menunjukkan dirinya dalam bentuk baru:

Yamato-e ialah sekolah utama pelukis. Ia timbul pada abad ke-9-10 dan disokong oleh Akademi Seni di bawah maharaja. Kerja-kerja itu adalah gulungan gulungan, yang digambarkan plot sastera ditambah pula dengan seni khat yang mahir. Terdapat dua jenis skrol utama: emakimono - banyak meter panjang, dilipat secara mendatar dan sering dilihat di atas meja, dan kakimono - dilipat secara menegak dan digantung di dinding. Biasanya, sutera atau kertas dicat dengan terang dalam gaya yamato-e, tetapi kemudiannya hidangan seramik, pakaian kebangsaan, kipas, dinding, dan skrin semakin digunakan sebagai kanvas. Perhatian khusus diberikan untuk menyampaikan keadaan fikiran.
Sumi-e - sebagai gaya bebas dibentuk sekitar abad XIV. Ciri-cirinya ialah penggunaan cat air dan warna hitam putih.
Potret - menjadi popular pada abad XIII-XIV.
Landskap - mencapai populariti pada abad XIV-XV, sebahagian besarnya disebabkan oleh penyebaran Buddhisme Zen di seluruh negara, yang berdasarkan idea renungan dan perpaduan dengan alam semula jadi.
Ukiyo-e adalah ciri lukisan cerah pada papan. Ia muncul pada abad ke-17 dan mengandungi imej alam semula jadi, geisha Jepun yang terkenal atau artis teater Kabuki. Satu abad kemudian, trend ini menjadi sangat popular sehingga ia memenangi hati orang Eropah - mereka mula menerapkan gaya ini dalam karya mereka sendiri.

Cetakan Ukiyo-e tradisional

arah seni bina

Pada mulanya, seni bina Jepun dikurangkan kepada pembinaan rumah tradisional kuno - haniwa. Mereka dicipta sebelum abad ke-4, dan penampilan mereka hanya boleh dinilai oleh model dan lukisan tanah liat kecil yang masih hidup, kerana mereka tidak bertahan hingga ke hari ini.

Di sini berlalu kehidupan dan kehidupan orang biasa. Ini adalah tempat duduk asal, ditutup dari atas dengan kanopi jerami. Ia disokong oleh bingkai kayu khas.

Kemudian, takayuka muncul - analog jelapang. Mereka juga terdiri daripada rasuk sokongan khas, yang memungkinkan untuk menyelamatkan tanaman daripada bencana alam dan perosak.

Sekitar masa yang sama, pada abad I-III, kuil-kuil agama Shinto purba mula muncul sebagai penghormatan kepada dewa-dewa yang melindungi kuasa alam. Mereka paling kerap dibina daripada cypress yang tidak dirawat dan tidak dicat, dan mempunyai bentuk segi empat tepat laconic.

Bumbung jerami atau pain adalah gable, dan strukturnya sendiri dibina di atas tiang yang dikelilingi oleh astaka. Satu lagi ciri ciri kuil Shinto ialah pintu gerbang berbentuk U di hadapan pintu masuk.

Di Shinto, terdapat undang-undang pembaharuan: setiap dua puluh tahun, kuil itu dimusnahkan, dan hampir sama, tetapi baru, dibina di tempat yang sama.

Kuil yang paling terkenal itu dipanggil Ise. Ia mula-mula dibina pada awal milenium ke-1 dan, mengikut tradisi, sentiasa dibina semula. Ise terdiri daripada dua kompleks serupa yang terletak sedikit di antara satu sama lain: yang pertama didedikasikan untuk kuasa matahari, yang kedua didedikasikan untuk dewa kesuburan.

Sejak abad ke-6, ajaran Buddha yang datang dari China dan Korea mula tersebar di Tanah Matahari Terbit, dan dengannya prinsip membina kuil Buddha. Pada mulanya mereka mewakili salinan Cina, tetapi kemudian gaya istimewa, benar-benar Jepun mula dikesan dalam seni bina kuil.

Strukturnya dibina secara tidak simetri, seolah-olah bergabung dengan alam semula jadi. Ketepatan dan kejelasan bentuk, bingkai kayu, ditambah dengan asas batu, pagoda dalam beberapa peringkat, warna tidak terlalu terang - inilah yang membezakan tempat kudus pada masa itu.

Ramai daripada mereka telah bertahan sehingga hari ini. Monumen seni bina termasuk Horyu-ji dari awal abad ke-7 dengan Kuil Emasnya yang terkenal dan 40 bangunan lain, Todai-ji dari pertengahan abad ke-8 di bandar Nara, yang masih dianggap sebagai struktur kayu terbesar di planet. Pada masa yang sama, seni bina Buddha berkait rapat dengan arca dan lukisan, yang menggambarkan dewa dan motif dari kehidupan Guru.

Kuil Todai-ji

Pada permulaan abad ke-12-13, feudalisme bermula di negeri ini, dan oleh itu gaya Shinden, yang dibezakan oleh kemegahan, menjadi popular. Ia digantikan dengan gaya sein, di atasnya adalah kesederhanaan dan beberapa keintiman: bukannya dinding terdapat skrin hampir tanpa berat, di atas lantai terdapat tikar dan tatami.

Pada masa yang sama, istana-kuil tuan-tuan feudal tempatan mula muncul. Karya agung jenis struktur ini ialah Kinkaku-ji abad ke-14 yang terkenal, atau Pavilion Emas, serta Ginkaku-ji abad ke-15, juga dikenali sebagai Kuil Perak.

Kuil Ginkakuji (Pavilion Emas)

Bersama-sama dengan istana-kuil pada abad XIV-XV, seni berkebun landskap mula muncul. Dalam banyak cara, penampilannya adalah disebabkan oleh penembusan ajaran kontemplatif Zen ke Jepun. Taman mula muncul di sekitar kuil dan kediaman besar, di mana komponen utama bukan sahaja tumbuh-tumbuhan, bunga, tetapi juga batu, air, serta timbunan pasir dan kerikil, melambangkan unsur air.

Bandar unik Kyoto terkenal di seluruh dunia.

Satu lagi jenis taman ialah taman teh, yang dipanggil "tyaniva". Ia mengelilingi rumah teh, di mana upacara istimewa dan santai diadakan, dan laluan khas berjalan melalui seluruh taman ke rumah. Setelah muncul pada Zaman Pertengahan, tarikan ditemui di mana-mana hari ini.

Arah arca

Arca di Jepun purba kebanyakannya dikaitkan dengan tradisi keagamaan dan ritual. Juga dalam III-V abad orang belajar membuat figura kecil yang dipanggil dogu.

Dogu menggambarkan orang, haiwan, dan memandangkan mereka ditemui dalam gundukan, kita boleh menyimpulkan bahawa mereka telah dimasukkan ke dalam kubur bersama dengan orang mati - ini adalah hamba mereka yang boleh berguna di dunia seterusnya. Dogu ialah patung tanah liat, gangsa, kayu, lakuer. Kemudian, patung dewa yang lebih besar juga dicipta berhampiran busut dan kuil Shinto.

patung dogu

Kedatangan agama Buddha ke negara ini, sudah tentu menjejaskan seni arca tempatan. Banyak monumen Buddha mula muncul pada abad ke-6-7. Mengikuti tuan Cina dan Korea, pengukir tempatan memulakan perjalanan mereka.

Menjelang abad ke-9, arah arca mula berkembang lebih banyak lagi, tetapi rupa para buddha berubah dan mereka mula mempunyai beberapa, hingga seribu, muka dan tangan. Selalunya mereka diperbuat daripada spesies kayu yang kuat, varnis, gangsa, tanah liat.

Banyak monumen yang indah telah bertahan sehingga hari ini. Sebagai contoh, di kuil Haryu-ji, seorang tokoh Buddha yang agung duduk di atas bunga teratai, dan di Todai-ji terdapat sekumpulan dewa yang diketuai oleh Buddha 16 meter, yang dicipta oleh pengukir Kaikei dan Unkei. .

Jenis lain

Seni Jepun adalah pelbagai rupa dan anda boleh bercakap mengenainya selama berjam-jam. Mari kita bercakap tentang beberapa jenis seni lain yang berasal dari zaman dahulu.

kaligrafi

Ia dipanggil sedo, yang bermaksud "jalan pemberitahuan." Kaligrafi di Jepun muncul berkat hieroglif cantik yang dipinjam dari orang Cina. Di kebanyakan sekolah moden, ia dianggap sebagai mata pelajaran wajib.

haiku atau haiku

Haiku ialah puisi lirik khas Jepun yang muncul pada abad ke-14. Penyair dipanggil "haijin".

Origami

Nama ini diterjemahkan sebagai "kertas yang telah dilipat." Berasal dari Kerajaan Pertengahan, origami pada asalnya digunakan dalam ritual dan merupakan pekerjaan bagi golongan bangsawan, tetapi baru-baru ini tersebar ke seluruh dunia.

seni purba origami di jepun

Ikebana

Perkataan dalam terjemahan bermaksud "bunga hidup". Seperti origami, ia pada asalnya digunakan dalam ritual.

Miniatur

Dua jenis miniatur yang paling biasa ialah bonsai dan netsuke. Bonsai adalah salinan pokok sebenar dalam bentuk yang sangat berkurangan. Netsuke adalah patung kecil seperti azimat jimat yang muncul pada abad ke-18-19.

Seni mempertahankan diri

Mereka terutamanya dikaitkan dengan samurai - sejenis kesatria, ninja - pembunuh upahan, bushido - pahlawan.

Seni teater

Teater yang paling terkenal, kebanggaan semua orang Jepun ialah teater Kabuki klasik. Anda boleh membaca lebih lanjut mengenai seni teater di Jepun.

Teater Kabuki di Jepun

Kesimpulan

Seperti yang dapat kita lihat dari artikel itu, Jepun adalah perbendaharaan keseluruhan karya seni, bukan sahaja pada peringkat kebangsaan, tetapi juga pada skala global. Sejak zaman purba, yang bermula jauh sebelum era kita, orang Jepun mula mencipta dan mencipta perkara yang indah di sekeliling: lukisan, bangunan, patung, puisi, taman, miniatur - dan ini bukan senarai keseluruhan.

Menariknya, ciri yang tertanam dalam budaya Jepun zaman dahulu, boleh dikesan dalam ciptaan zaman kita - ini adalah kesederhanaan, ringkas, semula jadi, keinginan untuk harmoni dengan alam semula jadi.

Terima kasih banyak atas perhatian anda, pembaca yang dihormati! Kami berharap hari ini anda telah belajar banyak tentang negara yang misteri dan jauh seperti Jepun. Sertai kami - tinggalkan komen, kongsi pautan ke artikel dengan rakan - kami akan sangat gembira untuk meneroka dunia misteri Timur dengan anda!

Jumpa lagi!

Popular dalam kategori: