Veldig vakkert arbeid av moteillustratører fra Amerika. Moteillustrasjon - historie, forfall og gjenfødelse

Når vi blar gjennom motemagasiner og merkevarekataloger, er vi vant til å se iøynefallende bilder av perfekte modeller i designerklær og tilbehør. Men hvordan lærte motefolk om klestrender før oppfinnelsen og populariseringen av kameraer? Hva publiserte bladene på sidene sine? "Stedfaren" til fotografering var moteillustrasjon, som effektivt kan kringkaste de siste trendene og selge produkter fra moteindustrien. I dag er håndtegnede bilder tilbake og blir stadig mer populære.

Historie om moteillustrasjon

Hva er moteillustrasjon verden lærte for 500 år siden. På 1500-tallet malte kunstnere hoffdamer og herrer i moteriktige antrekk, og på slutten av århundret så en bok med bilder av klær og instruksjoner for deres skreddersøm dagens lys. Den første moteillustratøren regnes for å være kunstneren Wenceslas Hollar, som bodde og arbeidet i London fra 1640-tallet. Han var en ekte arbeidsnarkoman og skapte omtrent 3000 etsninger på det meste ulike emner fra landskap til tegninger av dameklær. I 1679 ble magasinet Mercure Galant første gang utgitt i Lyon, som ble en pioner i verden av fasjonabel glans. Utgaven inneholdt tegninger av de legendariske kunstnerne Pierre Bonnard, Abraham Bossom og mange andre.

Den aktive utviklingen av moteillustrasjon fant sted på slutten av 1800- og begynnelsen av 1900-tallet. På den tiden fikk magasiner generell popularitet, fashionistas over hele verden så frem til utgivelsen av nye utgaver. Dette bidro igjen til fremveksten av store illustratører som ble bindeleddet mellom mote og mennesker.

Kunstnerne Charles Dana Gibson og Giovanni Boldini arbeidet på slutten av 1800- og midten av 1900-tallet, og det var de som i stor grad påvirket dannelsen av selve konseptet kvinnelig skjønnhet, som viser modeller i utsøkte antrekk og med en slank figur. Gibson fortjener spesiell oppmerksomhet, fordi. han skapte et spesielt bilde for heltinnene sine, som ekte kvinner prøvde å etterligne. Faktisk var Gibson Girls de første håndtegnede stilikonene! Moteillustratørene Paul Iribe, Georges Barbier, Georges Lepape, Erte, Kenneth Paul Block og mange andre ga også et spesielt bidrag til utviklingen av sjangeren.

Siden 1930-tallet begynte Vogue å publisere fotografier på forsidene, noe som hadde en skadelig effekt på moteillustrasjonen. På 1960-tallet "overga" retningen sine posisjoner og ga plass for fotografier, men den forsvant aldri og fortsatte å utvikle seg.

En ny runde med moteillustrasjon

Fremveksten av nettbaserte magasiner, moteblogger og sosiale nettverk gjenopplivet sjangeren moteillustrasjon. Faktum er at fotografier begrenser fantasien til en person, ikke lar deg fullføre bildet på egen hånd, fordi. betrakteren ser et helhetsbilde med en ideell modell.

Kles- og tilbehørsmerker henvender seg i økende grad til illustratører for å få hjelp, de bruker tegningene sine til trykk, samt mønstre for stoffer. Mange merker foretrekker håndtegnede bannere og plakater for å tiltrekke seg oppmerksomheten til kunder i merkevarebutikker.

Motemagasiner og designere har valgt illustrasjoner for å lage reklamekampanjer, noe som er ganske naturlig, fordi. tegninger lar kjøperen vise fantasi og prøve det opprettede bildet, tenke opp en historie, dette er ikke alltid mulig når du bruker fotografier med modeller.

Populære bloggere som skriver om moteindustrien har også vendt seg til illustrasjoner. De lager bilder som gjenspeiler fremtidige trender, pluss at de ledsager buene sine med håndtegnede kopier. Mange av dem blir lagt merke til av kjente magasiner eller motehus, som tilbyr samarbeid. Så den tegnede kaninen Fifi Lapin ble til et helt merke.

Sosiale nettverk ønsker innhold, og "varmt" innhold, faktum er at brukere er lei av direkte reklame for et produkt som ikke fremkaller en sterk følelsesmessig resonans og blokkerer fantasien. Illustrasjonene bidrar også til å unngå trolling og negative kommentarer, det er ingen grunn for brukere å øse ut misnøye med de "photoshoppede" modellene og deres figurer.

Arbeidet til moteillustratører

Moderne illustratører gjenoppliver motetegninger basert på rik historie moteillustrasjoner. De jobber i en rekke teknikker: fra akvarell til akryl, mens de på mesterlig vis kombinerer frihåndstegning med datateknologi.

Motekunstnere lager skisser på moteshow (ikke en eneste moteuke er komplett uten dem), overfører gatestil til papir, tegner sløyfer, lager mønstre for stoffer og hjelper klesdesignere med å lage kolleksjoner. De jobber med illustrasjoner for motemagasiner, bøker, filmer, reklamefilmer, nettsider, sosiale nettverk, samarbeider med klær, kosmetikk, tilbehør og luksusmerker, reklamebyråer, forlag og designbyråer.

Illustratører må raskt kunne tegne for hånd, kunne jobbe med profesjonelle programmer ( Adobe Illustrator, Photoshop, etc.), for å takle oppgaver i tide, og viktigst av alt, for å ha en gjenkjennelig individuell stil og en uuttømmelig inspirasjonskilde.

moteillustratørutdanning

Begynnelsen av det 21. århundre er vår tid, tiden vi alle lever i, tiden for utviklingen av teknologi og nye trender, ikke mindre tekniske, innen kunst, men det er denne tiden, begynnelsen av det 21. århundre, som kalles allerede gjenfødelsens tid, renessanse, moteillustrasjon, moteillustrasjon. Den samme gamle god illustrasjon, som i det tjuende århundre ble erstattet av fotografiet.

Det er så vanlig å se fotografier på forsidene og sidene til motemagasiner, men nå sameksisterer illustrasjoner ganske godt ved siden av fotografier. Generelt utfører de de samme funksjonene - de viser, overfører et bilde til oss, utseende denne eller den tingen, reklame for den. Fotografering er moderne, illustrasjon er gammel, for i de dager, da verden ennå ikke visste hva et kamera var, utførte det fotograferingsfunksjonene svært vellykket. Men det er også forskjeller mellom dem. I illustrasjonen er det mye mer rom for manifestasjon av talent, individualitet, ens idé om noe, kreativitet og derfor mye mer enn forfatteren selv. Til slutt vet nesten alle hvordan de skal ta bilder i dag, men ikke å tegne. Og dette gir også moteillustrasjonen en viss magi.

Prototypene til de første moteillustrasjonene kan betraktes som graveringer og etsninger fra 1500-tallet, som skildrer damer og herrer, fashionistas og motekvinner. Men selve moteillustrasjonen dukker opp på 1800-tallet. XIX - første halvdel av XX århundrer - tiden for sin storhetstid. Den franske motedesigneren Paul Poiret støtter aktivt moteillustratører, jobber med moteillustrasjon og. På begynnelsen av 1900-tallet fungerte tallrike blomsterpynt, som populært ble kalt "spinat", som bakgrunn for moteillustrasjonen. Da fjernes bakgrunnen enten helt eller blir mer mangfoldig.

moteillustrasjoner fra ulike tidsepoker

I første halvdel av det tjuende århundre jobber ikke bare smale spesialister, de hvis brød er illustrasjon, men også mange kjente kunstnere med moteillustrasjon. Så motetegninger av verket vises i Vogue. Og den russiske kunstneren Roman Tyrtov (bedre kjent som Erte) ble tilbudt samarbeid i 1914 av to motemagasiner samtidig: Vogue og Harper's Bazaar. De sier at Erte opptrådte helt banalt - for ikke å bli plaget av valgproblemet, kastet han ganske enkelt en mynt: "hoder eller haler". Og skjebnen i form av en mynt pekte på Harpers Bazaar.

Moteillustrasjonen blomstret på forsidene og sidene til motemagasiner frem til 1930-tallet. Det var på dette tidspunktet fotografiet begynte å erstatte henne.

Men et nytt pust, en liten vekkelse, for moteillustrasjonen er den franske moteillustratoren Rene Gruaults verk. Gruault i lang tid jobber med House of Dior, som han designet kataloger, emballasje (parfyme) og til og med kunngjøringer og invitasjoner for. Rene Gruault jobbet med Dior på 40-, 50-, 60- og 70-tallet. Det er fullt mulig å si at bildet av House of Dior ble bestemt blant annet av Rene Gruault. Imidlertid jobbet han ikke bare innen motegrafikk, men også innen reklame, enda mer innen reklame. På 60-tallet samarbeidet Gruault også med Valentino. Illustrasjonene hans har dukket opp i magasinene Vogue og L'Officiel. Faktisk, på midten av det tjuende århundre, vant Gruaults illustrasjoner over fotografiet, men dette var bare et hyggelig unntak snarere enn regelen. Interessen for moteillustrasjon våknet igjen først på begynnelsen av det 21. århundre.

Denne leksjonen vil lære deg det grunnleggende om bygging proporsjonal slank figur for moteskisser. Den inneholder den grunnleggende kunnskapen som vil fungere som grunnlag for andre leksjoner som viser modeller i ulike positurer. I utgangspunktet vil vi håndtere selve torsoen og bena. Jeg vil vise deg, hvordan tegne modellfigurer høyde på 8, 9 og 10 mål. Hvis du vil lære å tegne et hode og ansikt, sjekk ut denne.

For det første er ikke modellskissen en del av realismen. Selvfølgelig er modellskisser som vanlige folk, siden de i de fleste tilfeller tjener til å vise klær på ekte menneskelige skikkelser. Skissenes proporsjoner er imidlertid langt fra kroppens faktiske proporsjoner. Så en kommentar som "Ekte kvinner ser ikke slik ut" adressert til en moteskisse kan sammenlignes med en kommentar som "Det er uvirkelig verden”, adressert til maleriene til Salvador Dali. En moteskisse er en ABSTRAKSJON.

Før du utvikler din egen stil tegne moteillustrasjoner, kan du øve deg på å jobbe med "standard" kroppsproporsjoner som de fleste moteillustratører bruker. Så la oss sette i gang!

Tegn figuren til en jente for en moteskisse

Se på bildet nedenfor. Disse tre figurene forskjellige proporsjoner og de gir forskjellige inntrykk. Den første figuren er veldig langstrakt og ser usannsynlig ut. Den tredje skissen ser mest naturlig ut. Alle tre figurene er imidlertid bygget på samme måte.

Som regel tegner vi et hode med en størrelse på 2,5 X 1,5 cm. Jeg skal bruke i dette eksemplet disse tallene. Så lengden på hodet er 2,5 cm (i det tredje eksemplet, 2,2 cm). I alle tre eksemplene tilsvarer lengden på overkroppen (fra haken til bikinilinjen) høyden på tre hoder, det vil si:

Hodelengde x 3 + 1 cm = torsolengde

2,5 x 3 + 1 = 8,5 cm

1. HODE

1. NAKKE OG SKULDER

Trinn 1. Fra haken, tell 1 eller 1,5 cm og finn halsen, gapet mellom halsen og kragebeina. Tegn to linjer.

Trinn 2. Tegn to vertikale linjer på nakken (bredden avhenger av typen figur - tynn eller atletisk) og to horisontale linjer for skuldre (skulderbredde = 4 cm).

Trinn 3. Med buede linjer skisserer kroppens konturer.

1. BRYST

Trinn 1. Definer armhulene. Det skal være nok plass til å passe en liten sirkel mellom vinkelen på skulderbladet og armhulen.

Trinn 2. Tell 1 cm ned fra halskanten. Vi begynner å tegne den nedre omrisset av brystet. For meg ser det ut som et telt️⛺. Men dette er bare én type bryst, selvfølgelig, og former og størrelser varierer. Den ytre konturen ser ut som bokstaven S.

1. MIJE OG HØFTER

I følge våre beregninger er lengden på kroppen fra haken til hoftene 8,5 cm Bredden på hoftene er lik bredden på skuldrene.

For å tegne en timeglasskroppsform, tegn to kryssende diagonale linjer som forbinder skulderpunktene med det motsatte punktet på låret. På denne måten skisserer vi kroppens form, som vist på bildet.

Vel, tilbake til bildet med tre figurer og hoder. Som du kan se er benlengdene for alle tre modellene henholdsvis 6, 5 og 4 hoder. Alt du trenger å gjøre er å telle:

Hodelengde x N = benlengde

Mønster 1: 2,5 x 6 = 15 cm

Figur 2: 2,5 x 5 = 12,5 cm

Mønster 3: 2,5 x 4 = 10 cm

Deler du denne lengden på 2 får du knærne. I vårt tilfelle er dette 15 cm / 2 = 7,5 cm.

Trinn 1. Beregn 7,5 cm ned fra skrittet og finn knærne. Du må tegne dem som to sirkler med tett avstand. Tegn den indre omrisset av knærne som vist nedenfor (i grønt).

Trinn 2. Tegn to sirkler på begge sider av skrittet litt høyere. Koble dem til knærne.

TRINN 3. For å tegne de indre lårmusklene, tegn en sirkel under skrittet og en annen sirkel over knærne (merket som 3 og 3' i figuren).

Trinn 4 Tegn omrisset av hoftene som vist nedenfor.

Trinn 5. For å finne ankelen, tell 7,5 cm ned fra knepunktet. Du kan merke dem med mindre sirkler. Deres plassering bør være litt nærmere venn til en venn enn ved knærne.

Trinn 6. Tegn omrisset av kalvene. Vær oppmerksom på formen på musklene vist ovenfor.

1. FØTTER

Med "fotlengde" mener vi den totale lengden fra ankelen til tuppen av stortåen.

HODELENGDE = FOTLENGDE

2,5 cm = 2,5 cm

Trinn 1. Husk at det indre beinet i ankelen er høyere enn det ytre.

Trinn 2. Tegn den indre omrisset av foten. Det er mer uttalt enn eksternt. I dette eksemplet tegner vi ben med høye hæler. Lengde 3/4 hodelengde.

Trinn 3. Tegn den ytre omrisset av foten.

Trinn 4. Tegn bena, avhengig av formen på skoens nese.

Bruk mal for moteskisser

Du kan laste ned en mal for alle tre typer former og bruke den til dine prosjekter, samt en base i neste leksjoner mote-illustrasjon.

Videoinstruksjon

Denne videoopplæringen handler om å tegne en figur med 8 hoder. Men her tar jeg en annen tilnærming. Se om du synes det er mer behagelig.

Illustrasjon av David Downton: Cate Blanchett på forsiden av Vogue Australia

Jeg har alltid trodd at mote er et legitimt emne for kunst... Se på måten moteillustratører som Eric og Antonio eller René Gruault har bidratt til å definere tiden vi lever i. De var som enhver fotograf når de tenkte på hvordan vi vil se ut og hvordan vi vil leve,

Sier David Downton, en av vår tids mest kjente og talentfulle illustratører.Og dette er sant, fordi det var illustrasjonen som fungerte som fotografi i en tid da det fortsatt var veldig langt før kameraets bruk: det introduserte nye motetrender, demonstrerte nye antrekk og trender.

HISTORIE TIL MOTE-ILLUSTRASJONER

Moteillustrasjon har eksistert i over 500 år. Prototypene kan betraktes som graveringer og etsninger fra 1500-tallet som viser hoffdamer og herrer - de viktigste (og generelt sett de eneste) fashionistaene og fashionistaene i disse århundrene. For eksempel, på slutten av 1500-tallet, dukket det opp bøker med bilder av klær og syinstruksjoner i Spania.

VACLAV HOLLAR

På den tiden regnes en av de første moteillustratørene for å være den tsjekkiske grafikeren og kunstneren Wenceslaus Hollar (13. juli 1607 – 28. mars 1677), som jobbet i London fra 1640. Hollar jobbet i etseteknikken, han laget rundt 2740 graveringer på ulike emner, blant annet bilder av kvinnekostymer.

I 1679, i Frankrike, i Lyon, begynner magasinet "Mercure Galant" å dukke opp, hvorfra historien til fasjonabel glans begynner. Magasinet var utsmykket med håndtegnede tegninger av kjente franske kunstnere: Abraham Bosse, Pierre Bonnard og andre.

Siden den gang har publikasjoner som inneholdt motetrykk blitt vanlig, og motefolk over hele verden har ventet spent på de siste utgavene. De aller første ekte motemagasinene oppsto i andre halvdel av 1700-tallet, deretter begynte moteillustrasjonen å utvikle seg aktivt, og dens daggry kommer i perioden fra 1800- til første halvdel av 1900-tallet. Denne gangen ga verden de mest talentfulle illustratørene som i stor grad påvirket oppfatningen av mote som kunst.

1850-1900 Bemerkelsesverdige tall i moteverden var den italienske maleren Giovanni Boldini (1842-1931) og den amerikanske grafikeren Charles Dana Gibson (1867-1944).

GIOVANNI BOLDINI

Giovanni Boldini, som var en utmerket portrettmaler i sin tid sent XIX- Begynnelsen av XX-tallet gikk tross alt ned i historien som en av de første moteillustratørene. Selvsikre damer i det høye samfunnet dukket opp i maleriene hans i utsøkte aftenkjoler. Det var Giovanni Boldini som for mer enn hundre år siden hadde en finger med i en ny oppfatning av idealet om kvinnelig skjønnhet. Dame Boldini er høyere enn gjennomsnittet, har en tynn ankel, små bryster og er spesielt slank.

Hva er rollen til moteillustrasjon i dagens mote-/glansverden?

På det russiske markedet tar illustrasjonen bare fart og begynner å vinne hjerter. Over hele glansverdenen dominerer fotokunsten – fordi den er mer forståelig og selger bedre, noe som er viktig i vår kommersialiserte verden. Det russiske motemarkedet er fortsatt ungt, det er ingen kultur og historie med moteillustrasjon. Imidlertid er det en kjærlighet til den figurative presentasjonen av ideer, næret på Murzilka og Crocodile. Verdens glansede magasiner, hvis forsider og sider var utsmykket med illustrasjoner av den russiske emigrerte kunstneren Erte og mange andre, har enorme arkiver av de store mesternes verk. Glansen kom til oss mye senere og allerede i fotoformat. Men takket være nettversjonene av magasiner, Instagram og blogging, øker etterspørselen etter illustrativ presentasjon av mote.

Hva er de 5 varene en moteillustratør bør ha i sitt arsenal?

En skisseblokk og en uendelig pakke med A3-papir, en Moleskine-porteføljemappe eller bare et nettbrett med en A3-klips for å lagre arbeidet ditt og kunne sitte og tegne på en hard overflate hvor som helst. Favorittblyant hvis du er en konservativ og elsker én teknikk, eller en hel koffert med kule materialer hvis du liker å eksperimentere. Jeg tar for eksempel ofte med meg en halv koffert med Faber-Castell-blyanter og Winsor & Newton-tusjer, blekk, pensler og annet godt på forretningsreiser, men for hver forestilling tar jeg med meg 1 materiale og regner det ut til det fulle. .

Du trenger også en telefon tilgjengelig for fotografering og primær behandling av bilder. Jeg har brukt iPhone i mange år, jeg elsker kameraet. Forresten, den nye iPhone 7 har optisk stabilisering, du kan ta bilder i RAW-format og umiddelbart redigere dem, for eksempel i Adobe Lightroom-applikasjonen - veldig praktisk. Og for full bildebehandling bruker jeg en MacBook Pro og Photoshop.

Moteillustrasjon innebærer ofte veldig raskt arbeid: hvordan ser prosessen ut fra idé til publisering?

I mitt tilfelle er det akkurat slik, jeg liker å jobbe raskt. Fra 30-60 sekunders skisser på showet, til "lange" verk (ikke mer enn 60 minutter, og for noen tar prosessen titalls timer - alt avhenger av teknikken). Hvis vi ta et eksempel arbeidet som en del av Paris Fashion Week, er prosessen som følger:

Hvis du fikk lov til å gå på kulissene, er dette lykke, for det er her du kan be modellen fryse i stillingen du trenger i 5-10 minutter og tegne en skisse, samt ta bilder på iPhone av de nødvendige vinklene for videre arbeid.

Jeg tar også bilder og videoer mellom skissene slik at jeg kan male de endelige bildene fra dem senere.

På kvelden etter forestillingen eller tidlig om morgenen gjennomgår jeg bilder / videoer / skisser, velger de beste vinklene og jobber med de endelige illustrasjonene.

på bra dagslys Jeg tar bilder i HD-format, du kan redigere umiddelbart i din favorittapplikasjon.