Oljestudie. Samling av bøker om maleri og kunst

De snakket hovedsakelig om en langtidsstudie, som innebærer en dybdestudie av formen til gjenstander med farge, tatt i betraktning stillebenets fargespekter, miljøforhold - lys, det omkringliggende rommet og deres gjensidige påvirkninger.

Men på malekurs i kunstskole Nye kunstintensjoner vi lærer nybegynnere å raskt skrive ned en tegning, å fange i en skisse bare det viktigste, det viktigste, eller bare en del av helheten - et fragment. Derfor, sammen med verkene som varer hele maletimen, finnes det andre former for etude. Dette er etuder-skisser, etuder av fragmenter, skisser fra hukommelsen.

Alle disse formene har rett til å eksistere. Spørsmålet er bare hvordan man kombinerer dem på en fornuftig måte. Ved å bare jobbe med langsiktige studier med dyptgående og detaljert tegning av objekter, vil vi ikke tilegne oss ferdighetene til raskt arbeid og vil ikke umiddelbart kunne fange opp de viktigste og viktigste funksjonene i studien, vi vil ikke lære å bevisst ofre en eller annen detalj for hovedsaken.

I en slik etude, sammen med definisjonen av komposisjonsstrukturen, finner vi ut av det selv fargevalg, husk blandingen av farger, ved hjelp av hvilken vi oppnår de ønskede kombinasjonene. En slik etude utføres innen en halv time - en time.

Nedenfor er en serie raske etuder- skisser og skisser av individuelle fragmentariske løsninger av stilleben fra frukt, bær og husholdningsartikler. Gjør en rekke øvelser for å få litt ferdigheter i å tegne korte studier.

Lære å tegne skisser.

Om våren eller sommeren, lag en bukett med ensartede blomster, ta med en eller to blomster av en annen type i den. Sett først en slik bukett i diffust lys i et stort lysfylt rom, på en veranda eller i en hage, og skriv en skisse innen halvannen til to timer. Prøv å skrive den samme eller en annen bukett i sterkt lys, på en solrik dag, plasser blomster på et vindu eller i en hage. I hver av disse oppgavene vil du møte nye betingelser for deg. Under påvirkning av sterkt direkte lys (in denne saken solenergi) fargen på objekter endres sammenlignet med romforholdene. På grunn av de nye kontrastene, overfloden av refleksjoner, gjenskinn, på grunn av kombinasjonen og samspillet mellom alle disse faktorene, ser det ut til at objekter mister sin konkrethet. Både lys, og skygge og penumbra oppfattes ikke som klart avgrenset fra hverandre, men beriker hverandre med en masse nye nyanser, nyanser og overganger. Kort sagt, løsningen av lys- og skyggeproblemer får en veldig stor betydning i dette tilfellet.

For maleren er belysning like viktig som selve motivet, eller rettere sagt, det ene med det andre henger uløselig sammen. Når man arbeider med en etude i luften, som man sier i friluft*, oppstår det derfor spesielle problemer som er av stor interesse. * (Fra den franske plein air - under åpen himmel. Begrepet brukes i kunst brukt på utendørsbilde).

Studiet av feltklokker er laget i direkte sollys. Enkelt, med gjennomsiktig maling, er deres totale masse skissert. Men den oppleves likevel som omfangsrik. På ytterkanten av buketten ser klokkene ut til å være gjennomsiktige og vektløse. Noen av dem forsvinner nesten i bakgrunnen, andre er mer tydelige, men ikke skarpe.

Skissen er interessant for oss teknisk side henrettelse. Fargenes renhet, det generelle inntrykket av friskhet og saftighet oppnås ved at arbeidet utføres på fuktig fuktet papir, rikelig mettet med en malingsløsning. På malekursene på skolen vår snakker vi mer utdypende om trekk ved slik skriving.

I motsetning til forrige øvelse - en bukett med ensartede blomster, lag også en liten bukett blomster i forskjellige farger og former. Sett den i diffust lys i et rom mot en lys, umønstret vegg. Buketten vil i forhold til bakgrunnen utgjøre en silhuett av en viss styrke.

På tegningen kan du enkelt skissere blomstene som stikker ut fra den totale massen av buketten. De vil være forskjellige i omriss, form og størrelse. Deretter, mens du sammenligner styrken til tonen, begynner du å dekke i deler ønsket farge separate grupper av farger, prøver å formidle deres karakter. Samtidig er det ikke nødvendig å ta malingen i full kraft, for i ettertid å kunne forsterke enkelte deler. Når du tegner blomster, unngå skarpe konturer når du berører noen farger med andre eller med grønt. Ellers vil de gi inntrykk av stivhet og virke mer kunstige enn levende. Blomster, spesielt ville blomster, er alltid ømme, skjøre, dirrende, og i en skisse bør man strebe etter å formidle disse egenskapene.

Se på oppmerksomheten og kjærligheten som hyllebærbørsten, gule linblomster med, ved siden av dem er kamille- og bregneblader. Pass på at bildet ikke gir inntrykk av å være flatt, som om det er klippet ut og limt på papir som en applikasjon. For å unngå dette, er det nødvendig å bestemme ved sammenligning funksjonene til berøringen av buketten med bakgrunnen. I noen deler vil blomstene smelte sammen med den i letthet eller til og med vise seg å være lettere enn den, i andre vil de danne silhuetter med forskjellig konturstyrke. Til tross for variasjonen av nyanser som utgjør en bukett blomster, bør den ikke virke variert, men opprettholde roen, integriteten til en enkelt tonalitet. Når du lærer å tegne på en kunstskole, anbefaler vi at nybegynnere noen ganger myser øynene mens de jobber og ser enten på buketten eller på skissen. Dette hjelper å se feilene som er gjort i den tonale løsningen.

Den neste øvelsen i denne maletimen er laget for å utdype ferdighetene dine i å jobbe med en rask studie. Øvelsen setter oppgaven, ved å bruke de tidligere ervervede ferdighetene i a la prima-teknikken, for å oppnå rikdom og fargerikhet i maleriet. Det er nyttig å sette av en til to timer til hver av disse øvelsene.

Til å begynne med kan du fullføre en oppgave som ligner på skissen med jordbær. Her, som i den forrige studien, bruker forfatteren enten egenskapene til en pensel mettet med en malingsløsning, eller legger lette, gjennomsiktige strøk av ren maling, noe som tillater et minimum av blanding. Som et resultat oppnås overføring av saftighet og mykhet av store bær, inntrykk av deres gjennomtrengning med lys.

Studiet med krus er også laget i form rask skisse. Forestillingen er interessant med en kombinasjon av ulike fag. Før kunstneren oppstår ny oppgave- for å vise glansen til metall ved siden av den skinnende overflaten av skinnet til en tomat. Fargene er rene, lette, gjennomsiktige, den generelle fargen er lys. Derfor gir verket inntrykk av friskhet, umiddelbarhet.

Følgelig, i studier som er raske i utførelse, er oppgaven å etablere grunnleggende fargeforhold, grunnleggende kontraster og formidle belysning. I slike etuder er det ikke nødvendig med detaljerte detaljer i alle deler. For eksempel, i en bukett med bjeller, med en generalisert løsning av hele bukettens masse, ser vi en kamille og de karakteristiske konturene til selve klokkene skissert av silhuetten.

Slike etuder kan ha både underordnet og selvstendig betydning. Underordnet - når du utfører en foreløpig skisse før en lang skisse; uavhengig - når du løser spesielle billedproblemer (overføring av lysforhold, fargekombinasjoner) og til slutt når du trenger å fange et slags motiv for deg selv, men det er ikke tid til å fullføre det mer detaljert.

På malekurs Nye kunstintensjoner vi advarer mot overlatelse av slike raske etuder. Med generaliseringen av løsningen bør ikke studien miste sine fagegenskaper. Med et ord, generalisering bør ikke bli et mål i seg selv i tegning for nybegynnere. Tvert imot, ved hjelp av det prøver vi å uttrykke de mest karakteristiske og typiske egenskapene for et gitt objekt eller fenomen.

Akrylskisser malt av elever under maletimer på Artintenstudio.

Når begynner artisten? Hver til sin tid. Kunstneren i en naturlig setting dannes under påvirkning av miljøet: foreldre, lærere, samfunnet. Miljøet er en kilde til kreativitet, oppvåkning av talent.

Kreativ individualitet dannes forskjellig for alle. Derfor er det umulig å bestemme terskelen som skiller mesteren fra studenten. Noen ganger er det bare ett trinn, og noen ganger er det mange. Mestring av mestring for den ene skjer nesten umiddelbart, for den andre tar det lang tid og umerkelig.

Historien om maleri er full av en rekke eksempler på tidlig kunstnerisk utvikling og omvendt relativt sent. Vanligvis manifesterer talent seg i kunstens atmosfære, men kommer ofte fra et miljø som er fremmed for kunst. De fleste av kunstnerne hvis navn blir hørt fikk en akademisk utdanning, andre malere studerte flittig, men ikke i akademier. Og noen har mestret kunsten å skrive på egenhånd.

Til hver ekte kunstner et spesifikt sett med kvaliteter er iboende, uten hvilke det ikke kan finne sted: kjærlighet til naturen, en tørst etter kunnskap.

Hvorfor en så lang introduksjon?

Ved å rote i gamle permer fant jeg flere bevarte skisser fra læretiden, malt i olje. Det er interessant å se tilbake på et par tiår siden og huske følelsene dine mottatt fra jobben.

Hver skisse er en lærerik, rask (ikke mer enn 15 minutter) skisse i farger av en eller annen naturtilstand. På en andel av etuder - landskap: kveld, solnedgang, natt. Naturligvis måtte de skrives uten belysning. For eksempel er de sterkt opplyste vinduene på verandaen malt i stummende mørke med åpne farger bokstavelig talt ved berøring.

Skanneren kunne dessverre ikke formidle glansen til riktig farge. Han presenterte alle de mørkeste områdene som en solid svart fyll uten farge.

Kunstneren begynner nettopp med slike skisser «for staten». Vi, studenter ved maleavdelingen, malte hundrevis av dem med det eneste formålet å "fylle" hånden og øyet, med farge og den bredeste penselen.

Når det gjelder dagsstudier, hvis maleriet virker som en daub, anbefaler jeg å myse øynene og se hvordan det flate rommet i landskapet brytes ned i lys og skygge. Det spiller ingen rolle hvor teknisk og detaljert studieskissen er. Det som betyr noe er riktig forhold mellom lys og skygge. Dette er essensen av arbeidet i friluft, og slett ikke i intensjonen om å male et stort antall landskap for salg.

Men, i tillegg til og tilbakevisning av forrige avsnitt, la oss si at de beste og verdige salgsstudiene, selvfølgelig, lenge er solgt. Alt som presenteres her er essensen av resten.

Tag: staffeli maleri

Etude. betydelig sted i arbeidet til Malyutin var okkupert av etude maleri.

Skissene hans kan deles inn i to typer. Noen er lange: de ble skapt av naturen, med nøye studie av former på to til fire timer og var hovedsakelig beregnet på sjanger fungerer. Disse inkluderer for eksempel følgende: "Hyrde til maleriet "Shepherd with a shepherd" (1893, Tretyakov-galleriet), "Hut" til maleriet "Country Fair" (1907, State Tretyakov Gallery), "Boy" til maleriet "Grandfather and Granddaughter" (1932, All-Union Central Council of Trade Unions), "Watermelons" for maleriet "Artel Lunch" (1934, State Tretyakov Gallery).

Disse studiene er gjort på en grunnet finkornet, tett lin lerret. Pasty slettede malinger Malyutin påfører energisk kropp, teksturerte strøk, uttrykksfullt skulpturelle former.

Den andre typen etuder inkluderer 15-20-minutters etuder - "lapper" utført av kunstneren på stedet under hans hyppige turer til Moskva-regionen, nord i Russland, til Krim og andre steder i vårt moderland.

Kloster i Istra

I disse skissene av standardstørrelser (9x15 centimeter) forfulgte Malyutin et todelt mål. For ham var det for det første en konstant trening av hånd og øye i naturen, og for det andre i skissene-"flekkene" var kunstneren på jakt etter fargeforholdene han trengte.

Størrelsen på 9x15 centimeter tilsvarte nøyaktig en liten skissebok (en gave fra K. Korovin). vanligvis ledsager Malyutin under hans ekskursjoner. For å gå for å skrive skisser, tok Malyutin med seg bare en liten skissebok. Han likte ikke å jobbe på lokasjon med andre skissere. Han klemte fargene han trengte på paletten, tok hvitt og pensler i lommen og gikk for å skrive.

Hovedmaterialet for disse skissene var plater av sterk, trelags, godt krydret kryssfiner, 1,5 til 2,5 mm tykk. I sjeldne tilfeller ble primet finkornet lerret limt på kryssfiner (studie "Hut", 1925, samling av O. S. Malyutina).

Teknikker for å legge farger i små, raskt malte skisser ble preget av eksepsjonelt mangfold. Det var et veldig tynt, halvglassende (ganske flytende fortynnet maling) murverk av maling i etuden "Alabino. Brook" med inkludering noen steder i det pittoreske og fargerike laget av tekstur av kryssfiner; deretter en mer impastolisk malt skisse "Skorotovo" (1936) med et halvglassende murverk av farger i bakgrunnen og massive, pregede, sterkt uttalte strøk (skyer) plassert på himmelen i et korpus; deretter energisk murverk med korte, brede strøk med middels tetthet av farger, tydelig skulpturelle former i «Bøndergård» (1911); deretter de langsgående teksturerte strekene (himmel og vann) bredt lagt langs hele lengden av etuden, kombinert med veldig deigaktige og pregede små strøk i forgrunnen (strand og steiner) i etuden "Crimea. Sea" (1925).

Noen skisser utmerker seg med massivt murverk av emaljelignende fargerik tykk pasta, skarpt lagt i små strøk (skisse "Tree. Crimea" (1925).

Malyutin brukte dyktig den teksturerte overflaten av kryssfiner i studien. Maleri i skissen «Krim. The Beach” (1925) er laget på en slik måte at teksturen av kryssfiner, litt slitt med grå maling (etterlater spor på den i form av mange streker), perfekt formidler sandstranden. Bare i bakgrunnen formidles vann og surfeskum uttrykksfullt av flere strøk med blå maling og hvitt. Sitter på stranden kvinneskikkelse skissert med noen få lyse strøk av venetiansk rødt og svart.

Malyutin malte alltid skissene sine med bustbørster av forskjellige tall.

Etude. Kunstneren Malyutin S.V.

Jeg viste det kompakte settet mitt for raske skisser i akvarell (jeg skal skrive om lange neste uke), nå er det turen til å snakke om oljestudier. Også her avhenger det av oppgavene: for store verk Jeg tar et stativ Mabef og en bærer for lerret, for mange korte skisser - jeg bruker en liten Podolsky-skissebok med ben, endrer den litt for meg selv, men dette er et gåalternativ. Det er litt tid, jeg hoppet ut i parken og laget en skisse. Eller jeg dro på piknik med venner og mens alle spredte teppet og kuttet tomatene, fanget jeg øyeblikket raskt. Jeg gikk for å vise min mor Repino: hun går langs kysten, jeg maler. Og jeg tegnet denne ved lunsjtid 🙂

Et annet slikt alternativ kan kalles urban. Peter i sesongen - det er mengder av turister. Enig, få mennesker liker å jobbe når flere mennesker står bak ryggen og puster inn i bakhodet, spør om noe, gir råd ... Vel, det er rett og slett umulig å konsentrere seg om en oppgave. Jeg handler ikke bare om å tegne, jeg snakker om hvilken som helst jobb. I maleriet løser kunstneren også problemer: hvordan formidle lys, hvor det er bedre å plassere en busk, hvordan avlede oppmerksomheten til den fremtidige betrakteren dypt inn i arbeidet. Framtid! Men i ferd med å tegne er ikke alle klare til å "bli nakne" og vise "bak kulissene", tankene deres. Og selv om de sier tusen ganger, må du venne deg til å tegne i mengden, men det fungerer ikke! Du må begynne et sted. Bli vant til det) Jeg begynner, men i St. Petersburg turistsesongen og fortsetter med Jullian-boksen.

Den viktigste fordelen er at den ikke tiltrekker seg oppmerksomhet på samme måte som en vanlig skissebok med ben. Du kommer deg opp i en bråkete gate med stativ og det hele, du er en helt! De "så" selfies med deg, tar skisseskribler, spør hvorfor den er gul, forteller historiene deres... oh:((((Jeg prøver å skape de mest komfortable forholdene for meg selv i friluft. Om life hacks. Alt er enklere med Jullian-boksen: du trenger bare å ta en stol og sitte med ryggen til huset eller, for eksempel i sommerhage klem buskene. Jeg åpnet skisseboken på knærne og - fortsett! Lerret på papp 25x35 cm er skjult for nysgjerrige øyne, det er umulig å stå bak, det er veldig vanskelig å se inn (du trenger en hals som en sjiraff). Og hvis du i tillegg plukker opp grå-beige-grønne klær, så kan du enkelt smelte sammen med miljøet 🙂 Minimum tilskuere og maksimal konsentrasjon om prosessen.

Stort fett pluss lignende skissebøker - forberedelse til maling tar ikke mye tid. Du trenger bare å åpne lokket og klemme ut malingene (jeg liker ikke å gjøre dette på forhånd, i mange tuber er det eksfoliert flytende olje, mens du kommer til stedet, flytter noen malinger ut). Sliten eller en mengde turister fikk meg fortsatt, lukket lokket og dro.

Vekt kasse 2,5 kg. Mål: 42 x 29 x 9 cm Innvendig - rom med metallbelegg rengjøres enkelt for olje, som flekker alt rundt))) Laget av franskmennene perfekt. Jeg tok ikke Russland eller Kina, fordi. Jeg elsker ting som er laget med høy kvalitet, med sinnet. Når alle låsene klikkes mykt på plass, og lokket er sikkert festet i riktig posisjon (av seg selv, uten skruer), er selve kofferten laget av bøk, jevnt (!) lakkert, med et komfortabelt skinnhåndtak. Vel, generelt sett forstår du meg 🙂 det er alle mulige ting som vi bruker ofte, og hvis de er gjennomtenkte til minste detalj, så er dette en egen buzz.

Hva er inni?

• Lerret på papp 25x35 eller du kan kjøpe en stor papp og klippe den til ønsket størrelse
• Palett (når du lukker skuffen, er den tett festet med et lokk)
• Papirlommetørklær (hvis de er skitne, er de for hånden)
• Rag (jeg tørker av børstene mine)
• Palettkniver (jeg skriver med den ene, jeg renser paletten med den andre)
• Små rør med oljemaling i en kosmetikkpose (jeg liker ikke når de dingler rundt boksen og skrangler når de går)
• Søppelposer)
• smørskål
• En boks med knappenåler (før arbeid setter jeg dem umiddelbart inn i pappen, etter tegning legger jeg pappen mot lokket, så knappene beskytter lokket mot maling på skissen. Jeg legger ikke skissen mot paletten, fordi urensede malinger kan flytte ut til den skriftlige skissen). Hvordan selve knappene ser ut - se bildet i begynnelsen av notatet. Jeg overfører også flere skisser: I hver må du stikke knapper i hjørnene, stable skissene oppå hverandre og legge dem i en boks.
• I en plastflaske (dette er fra en dusjsåpe fra et hotell) - linolje eller en tee (jeg pleier å skrive på den)
• børster

Å ja! Om ulemper Jeg glemte å si! Å sitte der er bare ett synspunkt: horisontalplanet åpner seg lite, og hvis jeg blir tiltrukket av de gjennombrutte skyggene fra trærne i smuget som går i det fjerne, så må jeg enten ta et stativ eller lete etter en annen tomt.

Resten er solide plusser. Og videre! Når jeg hjemme maler et bilde på et stort lerret i flere økter, holder jeg en palett med allerede utklemt maling i en skuff slik at de ikke tørker ut.

Jeg kjøpte den for et par år siden i Kunstkvartalet og tok ut hjernen til en stakkars konsulent som viste meg forskjellige esker i et par timer: vi la inn forskjellige papp inni, regnet ut hvor mange skisser som skulle inn, la en haug med børster, veid, åpnet og lukket. Men sånn skal det være. Jeg prøvde alt, sørget for at skisseboken var 100% egnet for meg og var fornøyd. Aldri angret. Så, pinekonsulenter)

Spørsmål? Hva har du glemt å skrive om?

UPD. Tusen takk for spørsmålene på instagram! Det er tillegg.

Kartong, dessverre, fester seg ikke på noen måte, men jeg skriver raske skisser på en flytende måte, i ett tynt lag. Vanligvis, når du skriver impastolisk eller ekspressivt, skjelver lerretet) Derfor deler jeg opp settene mine etter oppgaver: solid maleri - en skissebok med ben eller et stativ, hurtigmaling - Jullians boks.

Hvordan blir jeg ikke skitten baksiden skisse fra fargene på paletten? Ja, jeg glemte å presisere at jeg pleier å presse ut ganske mye olje for en etude, skriver jeg flytende. Jeg setter inn knappene slik at de kommer ut på den andre siden og så beskytter de små bena skissen mot olje. Nei, paletten ble ikke ripet opp) Jeg vet ikke hvorfor) God dekning, antar jeg. Den rydder lett også. Hvis jeg presset ut mye olje, så la jeg pappen med plastbein til paletten. Hvis det er veldig, veldig mye, så tar jeg en metallboks fra under slikkepinner og flytter resten dit. Og da jeg dro til Vyborg for å studere skisser og skrev mye (mer enn 2 får ikke plass i en boks), brukte jeg en tykk papirpose fra en butikk og la 4-5 skisser med disse knappene der. Bæres separat.

Kreativitetsprosessen og resultatet er nært knyttet til kunstnerens verdensbilde. Hans tanker, følelser, fantasi, dyktighet, holdning til det avbildede deltar i bildet han skaper. Kunstneren leter alltid etter den mest uttrykksfulle løsningen på ideen sin, grubler over handlingen, komposisjonen. Bildene som oppstår i hans fantasi har et objektivt opphav, er født av virkelighetens synlige egenskaper og har sine egne spesifikke former. Derfor refererer maleren, som legemliggjør ideen sin, til de egenskapene til objekter og fenomener som han oppfatter visuelt. Bare i nærvær av visuell autentisitet av det avbildede, er det mulig å uttrykke visse følelser, tanker, for å forårsake passende opplevelser hos betrakteren, hvis assosiative representasjoner er assosiert med den objektive verden. I et godt landskap vil betrakteren ikke bare se materielle gjenstander, men også det naturlige lys- og fargespillet, duggs sølvglans eller fargespill på morgenhimmelen. Et slikt bilde fremkaller glemte inntrykk i hukommelsen, får fantasien til å virke, setter i gang tanker og følelser knyttet til tidligere erfaringer, med tidligere erfaringer. Den emosjonelle og estetiske virkningen av malerier er forbundet med særegenhetene ved denne assosiative oppfatningen.

Det bør ikke tenkes at forfatteren av bildet, som streber etter å oppnå den visuelle autentisiteten til maleriet, må mekanisk kopiere utseendet til det avbildede. Pedagogisk arbeid preges først og fremst av erkjennelse, fordypning og omfattende naturstudier. Ganske ofte er pedagogiske skisser for "tørkede", "brøkdeler", "protokoller", som ligner hverandre, ikke bare i plott og tematisk, men også i teknisk utførelse. Alt dette er ganske naturlig, og "tørrheten", skyheten i akademisk arbeid kan ikke betraktes som tegn på dets svakhet eller forfatterens mangel på kreativt talent.

Samtidig er studentens frie holdning til oppgavene i etuden, en viss "dristighet" ikke tegn på kreativitet, som noen ganger antas. Pedagogiske verk er ikke emosjonelle nok, friske og originale, fordi de fortsatt er kunstnerisk ufullkomne, siden studentene ennå ikke har erfaring, ferdigheter, ikke kjenner hele utvalget av midler for å løse et pedagogisk problem eller legemliggjøre en idé. Gratis kreativ mestring av naturen og dens lover, samt teknisk perfeksjon, vil bare komme med erfaring.

Det handler om akademisk arbeid de oppsatte pedagogiske oppgavene ble konsekvent og tydelig løst, og i forbindelse med dette ble elevene oppdratt og utviklet kreative talenter.

Hoveddel

Evnen til å se og formidle tredimensjonale former og farger på objekter på et plan er essensen av maleri. Dette vitnemålet erverves hovedsakelig i øvelser fra naturen. Hvordan mer artist skriver skisser fra naturen, jo skarpere blir hans sans for farge, harmoni av farger og linjerytme. Som et resultat av konstante øvelser i å skildre stilleben, landskap, hodet og figuren til en person fra naturen, utvikler observasjon, evnen til å understreke det essensielle, forkaste det sekundære, uttrykke ens følelser forårsaket av skjønnheten i den omkringliggende naturen, mangfold av liv utvikles.

Veien til mestring begynner med studiet av maleriets teoretiske grunnlag og systematisk gjennomføring av praktiske øvelser. Uten kunnskap om maleriets lover er det praktiske arbeidet til studentene blindt og faglig forbedring bremser opp.

Å skildre er for det første resonnement. Når du begynner å male, må du tenke nøye gjennom oppgaven din, klart definere målet ditt.

Til og med Leonardo da Vinci sa at «de som forelsker seg i praksis uten vitenskap, er som vrister som seiler uten ror og kompass, fordi de aldri kan være sikre på hvor de skal. Praksis må alltid bygges på god teori, og uten den kan ingenting gjøres godt i tilfeller av maling."