Introduksjon. Hurtigskisser Maling av hurtigskisser i olje

De Boillier

Å tegne fra livet er alltid profesjonell kreativ trening. Under denne treningen utvikler øynene, hjernen og hånden seg aktivt. Med øynene våre trener vi persepsjonsprosessen. Hjernen er ansvarlig for abstraksjonsprosessen og visuell tenkning - ved å trekke fra livet bidrar vi til dets utvikling på dette området. I dette øyeblikket utvikler hånden ferdigheten til å jobbe med materialet, lærer å lage et bilde på bildeplanet mer effektivt og teknisk. Derfor er det ingen tvil om at det å trekke naturen fra livet dramatisk øker nivået av kreative ferdigheter. I denne artikkelen vil jeg snakke om hvordan plein airs er nyttig for kunstnere, om valg av emne og de grunnleggende tekniske teknikkene for å skissere fra naturen. Jeg deler mine små triks for å gjøre maling utendørs morsommere og behageligere i min andre artikkel:

Fordelene med friluftspraksis

Å tegne fra livet er alltid profesjonell kreativ trening. I denne prosessen, mange av ferdighetene som er nødvendige for kunstnerisk virksomhet. Plein-luftøvelser fremmer effektivt øye- og håndjustering, utvikler visuell tenkning og figurativt minne. Vi kan snakke i det uendelige om fordelene ved å trekke fra livet - de beriker seg selv kunstnerisk kunnskap, prosessen med å jobbe med materiale er forbedret, følelsen av farge når et nytt nivå. I friluft kopierer kunstneren ikke tankeløst det han ser, men aktivt forskningsaktiviteter, nøye studier verden, og legger merke til de mest subtile endringene i ham. Takket være denne praksisen oppstår en helt ny visjon av farge, form og hele rommet rundt. En rekke nyanser åpner seg foran øynene dine, og nå i det vanlige grønne kan du allerede finne rødt, lilla, blått ... Kunstnerens oppgave er å fortelle riktig om dette i arbeidet sitt, og skildrer hva han så som det var i dette øyeblikket.

Men blant denne uvurderlige praktiske fordelen er det usynlig en annen viktig komponent i friluftspraksis - nær kontakt med den levende naturens verden, som åndelig beriker en person. En slik dialog setter alltid et spesielt inspirert avtrykk på innsiden, og er en kilde til kreativ styrke. Når du maler en plein air, er det nødvendig å overføre naturtilstanden som regjerte på den tiden til skissen. Bildet kan delvis formidle nødvendige farger, luftperspektiv, men noe levende som dette øyeblikket ble fylt med, vil være fraværende. Når du tegner fra et fotografi, kan du ikke fullt ut oppleve stemningen, øyeblikkets pust, lys- og skyggespillet, livets bevegelse i den fangede tiden. Det er derfor veldig ofte plein air-skisser viser seg å være spesielt livlige, med karakteren av den formidlede atmosfæren.

Jeg elsker virkelig plein air trening nettopp fordi du ser landskapet ikke bare med øynene. Du hører hvisken av løv og lyden av vann, du kjenner noe usynlig som omslutter alt rundt. Og disse følelsene overføres gjennom børsten og malingen til lerret eller papir.

Skisser

En av hovedoppgavene til skisser er å formidle staten, å konsentrere førsteinntrykket av naturen. Tidsfristen bestemmer detaljene i skissen. Trenger å lage kunstnerisk bilde, for å danne en idé om naturen, ved å bruke et minimum av visuelle og komposisjonelle midler, uten å gå inn i unødvendige detaljer, men rette vektoren for oppmerksomhet til det viktigste. Skisser er en veldig nyttig øvelse. Når han utfører dem, utvikler kunstneren aktivt ferdigheten til å huske, reprodusere et fargebilde og utvikle kortsiktig visuelt minne. Evnen til å formidle en fargebildetilstand er svært viktig for den følelsesmessige uttrykksevnen til et maleri. Det er systematisk utførelse av skisser som lar en finne og formidle det koloristiske bildet av naturen riktig gjennom maling.

Scenevalg

Alt fra hele omverdenens mangfold kan brukes som natur for skisser: landskapsmotiver, bygater, stilleben i friluft og mye mer. Det viktigste er at det valgte motivet reagerer spesifikt på deg, ikke etterlater deg likegyldig, og fanger deg med noen av dets særegenheter, som kanskje ikke er åpenbare for andre ved første øyekast. Når øynene dine lyser opp når du ser på naturen og hendene dine ikke kan vente med å ta på malingen, er valget gjort riktig. Du trenger bare å finne det optimale synspunktet på den valgte tomten, som vil hjelpe deg å se de viktigste og mest karakteristiske tingene i naturen. Et riktig valgt format vil også hjelpe deg med å understreke særegenheten til motivet. For kortsiktige skisser er det bedre å velge enkle scener med et lite antall objekter inkludert i dem. Dette vil hjelpe deg å unngå å gå i overdreven detalj, som ikke alltid har en positiv effekt på integriteten til skissen. Hvis din friluftspraksis Hvis du ennå ikke er rik, bør du ikke umiddelbart ta på deg bypanoramaer, men det er bedre å starte med enkle naturlige motiver. Selv forholdet mellom himmelen og et klart felt som strekker seg til horisonten kan være ekstremt interessant, spesielt for å løse fargeproblemer. Slike tomter vil være ideelle for å utføre kortsiktige skisser. De vil hjelpe deg med å bygge opp erfaringen og selvtilliten du trenger for å ta på deg mer komplekse oppgaver.

Teknikk og maleteknikker

Ethvert kunstmateriale kan brukes utendørs - det er ingen begrensninger. Det viktigste er at det valgte materialet er kjent for deg, fordi det i felten ikke vil være mulig å studere egenskapene og oppførselen til materialet i detalj. Etter å ha valgt et plott, må du nøye analysere farge- og toneforholdene til alle komponentene i den. Under arbeidet er det nødvendig å hele tiden sammenligne resultatet i farge og tone med naturen. For mer nøyaktig å forstå forskjellen i tone, må du myse oftere, se på naturen og deretter på arbeidet. Når du sammenligner farger, må du hele tiden stille deg selv spørsmål om hvilken farge som er kjøligere, hvilken som er varmere og hvor mye, hvilke nyanser er det fortsatt i denne fargen? Så konstant komparativ analyse vil hjelpe deg med å skape den rette atmosfæren i bildet, formidle stemningen riktig miljø. Hver naturtilstand er preget av sine egne farge- og tonale forhold - hvis de blir funnet riktig, vil skissen formidle ønsket tilstand. For eksempel vil morgensolen lyse opp gjenstander med en rosa-gul nyanse, og gjøre skygger blå-lilla.

Fremdriften i arbeidet med skissen må struktureres i henhold til prinsippet "fra generelt til spesifikt." Det vil si at hovedmassene løses først, arbeidet utføres i store flekker, og det brukes brede børster. Og først på slutten gis tid til mer detaljert studie. I lang tid, i friluft, hadde jeg et slikt problem som å "grave i detaljene" - uten å ha tid til å legge ut de generelle massene, tegnet jeg forsiktig gressstrå og lurte på hvorfor jeg ikke hadde tid til å lage en skisse på tre timer. Dette problemet ble løst ved at jeg på det første stadiet begynte å ta bare store børster, og stadig minnet meg selv om hva som er viktigst. Jeg lar detaljene være til sist, og gir dem rollen som aksenter som beriker bildet. Det er ingen grunn til å forveksle en skisse med lang, multi-sesjonsarbeid i studio, å prøve å utarbeide en skisse til den grad av perfeksjon, eller helt unødvendig fotografisk nøyaktighet. Å fremføre etuder har sine egne oppgaver og logikk. Hovedsaken her er overføring av inntrykk, fargeskala, stemningen som gjennomsyret verden rundt oss for øyeblikket. Naturen selv kan fortelle deg hvilken teknisk teknikk du skal bruke for å utføre en skisse hvis du studerer den nøye. Ofte kan det diktere metoden for å påføre maling, arten av slagene - enten det er en jevn fylling eller tykke strøk som forlater børstens tekstur, vil du forstå, og fange naturen til det som er foran øynene dine. En skisse som kombinerer forskjellige skriveteknikker ser veldig livlig og interessant ut, så jeg anbefaler deg å eksperimentere i ett verk, malingslag variert i tekstur og malingsteknikk. For å utføre denne oppgaven vil du også bli hjulpet av børster av forskjellige former og bust, som hver vil etterlate sitt eget karakteristiske preg. Ikke overse verktøy som filler og fingre, de kan skape fantastiske effekter hvis du jobber med oljer eller pasteller. Alle disse tekniske punktene bør hjelpe deg med å lage et kunstnerisk bilde.

Minnene som jeg tar med meg fra friluftslivet er gjemt i malingsstrekene. Så de vil ikke forsvinne, vil ikke oppløses i dypet av minnet. Når han tegner, overfører kunstneren ikke mekanisk det han ser til et lerret eller ark, men forbinder usynlig med handlingen, husker hver detalj, for et øyeblikk blir han det som er rundt ham - enten en stormfull elvestrøm, eller en skjelvende blå himmel eller et duftende gresstrå. Tiden går, men det som blir sett og fanget dukker lett opp foran det indre øye i alle de minste detaljene. Du kan til og med kjenne østavinden og summingen av en humle igjen. Tegn det som resonerer med glede, spennende og likegyldig i hjertet ditt! Tross alt vil stemningen i plottet usynlig forbli inni deg.

Etude. Skissemaleri inntok en betydelig plass i Malyutins arbeid.

Skisser kan deles inn i to typer. Noen er langvarige: de ble skapt fra naturen, med nøye utarbeiding av skjemaer på to til fire timer og var hovedsakelig beregnet på sjanger fungerer. Disse inkluderer for eksempel følgende: "Shepherd with a Shepherd" (1893, Tretyakov Gallery), "Hut" for maleriet "Country Fair" (1907, Tretyakov Gallery), "Boy" for maleriet "Grandfather and Granddaughter" (1932, All-Russian Central Council of Trade Unions), "Vannmeloner" for maleriet "Artel Lunch" (1934, Tretyakov Gallery).

Disse studiene ble gjort på grunnet finkornet, tett lin lerret. Malyutin påfører energisk deigaktige slettede malinger med kroppslignende, teksturerte streker som uttrykksfullt skulpturerer former.

Den andre typen skisser inkluderer 15-20-minutters skisser, som ble utført av kunstneren på stedet under hans hyppige turer til Moskva-regionen, Nord-Russland, Krim og andre steder i vårt moderland.

Kloster i Istra

I disse skissene av standardstørrelser (9x15 centimeter) forfulgte Malyutin et dobbelt mål. For ham var det for det første konstant trening av hendene og øynene på stedet, og for det andre, i "slap"-skissene så kunstneren etter fargeforholdene han trengte.

Størrelsen på 9x15 centimeter samsvarte nøyaktig med den lille skisseboken (en gave fra K. Korovin). vanligvis ledsager Malyutin under hans ekskursjoner. Da han planla å skrive skisser, tok Malyutin bare med seg en liten skissebok. Han likte ikke å jobbe på location med andre skissekunstnere. Etter å ha presset ut fargene han trengte på paletten, tok han kalk og pensler i lommen og gikk for å male.

Hovedmaterialet for disse skissene var plater av slitesterk, trelags, godt krydret kryssfiner, 1,5 til 2,5 millimeter tykk. I sjeldne tilfeller ble et grunnet finkornet lerret limt på kryssfiner (studie “Hut”, 1925, samling av O. S. Malyutina).

Teknikkene for å legge maling i små, raskt malte skisser var usedvanlig mangfoldige. Det var en veldig tynn, halvglasert (ganske tynt fortynnet maling) legging av maling i skissen "Alabino. Stream" med inkludering noen steder av det pittoreske og fargerike laget av kryssfinertekstur; deretter en mer impasto malt skisse "Skorotovo" (1936) med et halvglasurlag av bakgrunnsfarger og massive, kroppslignende, relieff, sterkt uttalte strøk (skyer); deretter energisk murverk med korte, brede streker av middels tykke farger, som tydelig skulpturerer formene i «Bøndegården» (1911); deretter de langsgående, teksturerte strekene bredt utlagt over hele lengden av skissen (himmel og vann) i kombinasjon med svært impasto og relieff små strøk i forgrunnen (strand og steiner) i skissen "Krim. Sea" (1925).

Noen studier utmerker seg ved en massiv legging av emaljelignende fargerik tykk pasta, skarpt lagt ut i små strøk (studie "Tree. Crimea" (1925).

Malyutin brukte dyktig den teksturerte overflaten av kryssfiner i skissen sin. Maleri i skissen «Krim. Beach" (1925) er laget på en slik måte at teksturen til kryssfiner, lett gnidd med grå maling (som etterlot spor på den i form av mange linjer), perfekt formidler sandstranden. Bare i bakgrunnen formidler noen få strøk med blå maling og kalkmaling uttrykksfullt vannet og skummet fra bølgene. Sitter på stranden kvinneskikkelse skissert med noen lett påførte strøk av venetiansk rød og svart.

Malyutin malte alltid skissene sine med bustbørster i forskjellige størrelser.

Etude. Kunstneren Malyutin S.V.

Den kreative prosessen og resultatet er nært knyttet til kunstnerens verdensbilde. Bildet han skaper involverer hans tanker, følelser, fantasi, dyktighet og holdning til det som er avbildet. Kunstneren leter alltid etter den mest uttrykksfulle løsningen på planen sin, grubler over handlingen og komposisjonen. Bildene som dukker opp i hans fantasi har et objektivt opphav, er født fra virkelighetens synlige egenskaper og har sine egne spesifikke former. Derfor vender maleren, som legemliggjør planen sin, til egenskapene til objekter og fenomener som han oppfatter visuelt. Bare hvis det er visuell autentisitet av det som er avbildet, kan man uttrykke visse følelser, tanker og fremkalle tilsvarende opplevelser hos betrakteren, hvis assosiative ideer er knyttet til den objektive verden. I et godt landskap vil betrakteren ikke bare se materielle gjenstander, men også det naturlige lys- og fargespillet, duggs sølvglans eller fargespillet på morgenhimmelen. Et slikt bilde fremkaller glemte inntrykk, får fantasien til å fungere, og aktiverer tanker og følelser knyttet til tidligere erfaringer, med tidligere erfaringer. Den emosjonelle og estetiske virkningen av malerier er assosiert med særegenhetene til denne assosiative oppfatningen.

Man bør ikke tro at forfatteren av et maleri, som prøver å oppnå visuell autentisitet av maleriet, må mekanisk kopiere utseendet til personen som er avbildet. Akademisk arbeid kjennetegnes først og fremst av erkjennelse, fordypning og omfattende naturstudier. Ofte er pedagogiske skisser for "tørkede", "brøkdeler", "protokoller", som ligner hverandre, ikke bare i plott og tematisk, men også i teknisk utførelse. Alt dette er ganske naturlig, og "tørrhet" og engstelighet i akademisk arbeid kan ikke betraktes som tegn på dets svakhet eller forfatterens mangel på kreativt talent.

Samtidig er studentens frie holdning til oppgavene i skissen, en viss "prikke" ikke tegn på kreativitet, som noen ganger antas. Pedagogiske verk er ikke emosjonelle, friske og originale nok, fordi de fortsatt er ufullkomne kunstnerisk, siden studentene ennå ikke har erfaring, ferdigheter og ikke kjenner hele utvalget av midler for å løse et pedagogisk problem eller implementere en plan. Bare med erfaring vil det komme fri kreativ mestring av naturen og dens lover, samt teknisk perfeksjon.

Det handler om pedagogisk arbeid de tildelte pedagogiske oppgavene ble konsekvent og tydelig løst, og i forbindelse med dette ble elevenes kreative talenter pleiet og utviklet.

Hoveddel

Evnen til å se og formidle tredimensjonale former og farger på objekter på et plan er essensen av maleri. Denne ferdigheten tilegnes hovedsakelig gjennom øvelser fra naturen. Hvordan mer en kunstner maler skisser fra livet, jo mer akutt blir hans sans for farge, harmoni av farger og linjerytme. Som et resultat av konstante øvelser i å skildre stilleben, landskap, menneskehoder og figurer fra naturen, utvikles observasjon, evnen til å understreke det vesentlige, forkaste det sekundære og uttrykke ens følelser forårsaket av skjønnheten i den omkringliggende naturen og mangfoldet av livet utvikles.

Veien til mestring begynner med å studere det teoretiske grunnlaget for maleri og systematisk utføre praktiske øvelser. Uten kunnskap om maleriets lover utføres studentenes praktiske arbeid blindt og faglig forbedring bremser opp.

Å skildre er for det første å resonnere. Når du begynner å male, må du tenke gjennom oppgaven din godt og tydelig definere målet ditt.

Leonardo da Vinci sa også at «de som forelsker seg i praksis uten vitenskap, er som vridende skapninger som setter seil uten ror eller kompass, for de kan aldri være sikre på hvor de skal. Praksis må alltid bygges på god teori, og uten den kan ingenting gjøres bra når det gjelder maleri."

De snakket hovedsakelig om en langsiktig skisse, som innebar en grundig studie av formen til gjenstander i farger, og tok hensyn til fargeskjemaet til stilleben, miljøforhold - lys, omgivende rom og deres gjensidige påvirkninger.

Men på malekurs i kunstskole Ny kunstintensjon Vi lærer begynnende kunstnere å raskt ta opp en tegning, å fange i en skisse bare det viktigste, mest betydningsfulle eller bare en del av helheten - et fragment. Derfor, sammen med arbeider som varer hele maletimen, finnes det andre former for skisser. Dette er skissestudier, skisser av fragmenter, skisser fra hukommelsen.

Alle disse formene har rett til å eksistere. Spørsmålet er bare hvordan man kombinerer dem på en fornuftig måte. Ved å kun jobbe med skisser som tar lang tid å fullføre med dyptgående og detaljert tegning av objekter, vil vi ikke tilegne oss ferdighetene til å arbeide raskt og vil ikke umiddelbart kunne fange opp de viktigste og mest betydningsfulle trekkene i skissen; vil ikke lære å bevisst ofre visse detaljer for det viktigste.

I en slik studie, sammen med å bestemme komposisjonsstrukturen, finner vi ut fargeskjemaet for oss selv, husk blandingen av farger, ved hjelp av hvilken vi oppnår de ønskede kombinasjonene. Denne skissen utføres innen en halv time - en time.

Nedenfor er en serie raske skisser og skisser av individuelle fragmentariske løsninger for stilleben av frukt, bær og husholdningsartikler. Gjør en rekke øvelser for å få noen ferdigheter i å tegne korte skisser.

Lære å tegne skisser.

Om våren eller sommeren, lag en bukett med ensartede blomster, inkludert en eller to blomster av en annen type. Plasser først en slik bukett i diffust lys i et stort, lyst rom, på verandaen eller i hagen og skriv en skisse innen en og en halv til to timer. Prøv å skrive den samme eller en annen bukett i lyse lysforhold, på en solrik dag, plasser blomster på et vindu eller i hagen. I hver av disse oppgavene vil du møte forhold som er nye for deg. Under påvirkning av sterkt direkte lys (in i dette tilfellet sol) fargen på objekter endres sammenlignet med romforholdene. Takket være kontrastene som oppstår, overflod av reflekser, gjenskinn, takket være kombinasjonen og samspillet mellom alle disse faktorene, ser det ut til at objekter mister sin konkrethet. Lys, skygge og penumbra oppfattes ikke som tydelig avgrenset fra hverandre, men beriker hverandre med en masse nye nyanser, nyanser og overganger. Kort sagt, å løse avskjæringsproblemer i dette tilfellet blir veldig viktig.

For en maler er belysning like viktig som selve det avbildede motivet, eller rettere sagt, det ene er uløselig knyttet til det andre. Når man arbeider med en skisse i luften, som man sier i friluft*, oppstår det derfor spesielle problemer som er av stor interesse. *(Fra fransk plein air - under frisk luft. Begrepet brukes i kunst i forhold til et utendørs bilde).

Studiet av feltklokker ble gjort i direkte sollys. Deres totale masse er lett skissert med gjennomsiktig maling. Men den oppleves likevel som omfangsrik. Langs den ytre kanten av buketten er det bjeller, som om de er gjennomsiktige og vektløse. Noen av dem forsvinner nesten i bakgrunnen, andre leses tydeligere, men ikke skarpt.

Skissen er interessant for oss teknisk side henrettelse. Fargenes renhet og det generelle inntrykket av friskhet og rikdom oppnås ved at arbeidet utføres på fuktig, fuktet papir, rikelig mettet med en malingsløsning. På malekurs på skolen vår snakker vi mer utdypende om trekk ved slik skriving.

I motsetning til forrige øvelse - en bukett med ensartede blomster, lag også en liten bukett blomster i forskjellige farger og former. Plasser den i diffust lys i et rom mot en lys, umønstret vegg. Buketten vil danne en silhuett av en viss styrke i forhold til bakgrunnen.

På tegningen kan du enkelt skissere blomstene som stikker ut fra den totale massen av buketten. De vil være forskjellige i omriss, form og størrelse. Deretter, hele tiden sammenligne styrken til tonen, begynner du å dekke individuelle grupper av farger i deler med ønsket farge, og prøver å formidle karakteren deres. Det er ikke nødvendig å bruke helmaling for senere å kunne forsterke enkelte deler. Når du tegner blomster, unngå skarpe konturer der noen blomster berører andre eller berører grøntområder. Ellers vil de gi inntrykk av stivhet og virke mer kunstige enn levende. Blomster, spesielt markblomster, er alltid ømme, skjøre og skjelvende, og i en skisse bør man strebe etter å formidle disse egenskapene.

Se på omsorgen og kjærligheten som hyllebærklasen, de gule paddelinblomstene er laget med, ved siden av dem er kamille- og bregnebladene. Pass på at bildet ikke gir inntrykk av å være flatt, som om det er klippet ut og limt på papir som en applikasjon. For å unngå dette, er det nødvendig å bestemme ved sammenligning funksjonene til buketten som berører bakgrunnen. I noen deler vil blomstene smelte sammen med den i letthet eller til og med være lettere enn den, i andre vil de danne silhuetter med forskjellige konturstyrker. Til tross for variasjonen av nyanser som utgjør en bukett blomster, bør den ikke virke variert, men opprettholde roen og integriteten til en enkelt tonalitet. Når du lærer å tegne på en kunstskole, anbefaler vi at nybegynnere noen ganger myser øynene mens de jobber og ser enten på buketten eller på skissen. Dette hjelper å se feil som er gjort i den tonale løsningen.

Den neste øvelsen i denne maletimen er utformet for å utdype ferdighetene til å jobbe med en rask skisse. Øvelsen setter oppgaven, ved å bruke tidligere ervervede ferdigheter i a la prima-teknikken, for å oppnå rikdom og fargerikhet i maleriet. Det er nyttig å bruke én til to timer på hver av disse øvelsene.

Til å begynne med kan du fullføre en oppgave som ligner på jordbærstudien. Her, som i den forrige skissen, bruker forfatteren enten egenskapene til en børste som er ekstremt mettet med malingsløsning, eller legger lette, gjennomsiktige strøk av ren maling, noe som tillater et minimum av blanding. Som et resultat formidles saftigheten og mykheten til store bær, og inntrykket av at de er gjennomsyret av lys.

Skissen med kruset er også laget i skjemaet rask skisse. Produksjonen er interessant på grunn av kombinasjonen av ulike objekter. Kunstneren står overfor ny oppgave- vis metallglansen ved siden av den blanke overflaten av tomatskinnet. Fargene er rene, lette, gjennomsiktige, den generelle fargen er lys. Derfor gir verket inntrykk av friskhet og spontanitet.

Følgelig er oppgaven i raske skisser å etablere grunnleggende fargeforhold, grunnleggende kontraster og formidle belysning. Slike studier krever ikke detaljerte detaljer i alle deler. For eksempel, i en bukett med bjeller, med en generalisert løsning av hele bukettens masse, ser vi en kamille og de karakteristiske konturene til selve klokkene skissert i silhuett.

Slike skisser kan ha både underordnet og selvstendig betydning. Underordnet - når du utfører en foreløpig skisse før en lang skisse; uavhengig - når du løser spesielle maleproblemer (overføring av lysforhold, fargekombinasjoner) og til slutt når du trenger å fange et motiv for deg selv, men det er ikke tid til å fullføre det mer detaljert.

På malekurs Ny kunstintensjon Vi advarer mot å la oss rive med av slike kjappe skisser. Dersom løsningen generaliseres, skal ikke skissen miste sine emneegenskaper. Kort sagt, generalitet bør ikke bli et mål i seg selv i tegning for nybegynnere. Tvert imot, med dens hjelp prøver vi å uttrykke de mest karakteristiske og typiske egenskapene for et gitt objekt eller fenomen.

Akrylstudier malt av studenter under kunsttimene på Artintenstudio.

En skisse er et maleverk av hjelpekarakter og begrenset størrelse, laget utelukkende fra livet.

Arbeider i friluft på en skisse, setter kunstneren seg selv oppgaven med å sannferdig og levende legemliggjøring av naturen i maleriet.

Skisser kan være et middel til å studere naturen, pedagogiske øvelser for kunstneren og et middel til å forbedre ferdighetene hans. De fungerer ofte som materiale for å forberede et maleri, for eksempel studier av enkeltsteder, områder, trær, løvverk og andre detaljer som interesserer maleren. Fulltidsjobb over dem på stedet hjelper til med å skape landskap.

Skissemaling lar deg utvikle øyet ditt, styrke hånden din og forbedre maleferdighetene dine.

En skisse krever en nøye utformet tegning, som må være nøyaktig og sann, ikke bare i skala, men også i individuelle detaljer og forholdet mellom dem. Det som er viktig for ham er en generell skjematisk tegning fra livet uten overdreven detaljer, troskap og nøyaktighet av hovedlinjene og konturene til gjenstander. I tegningen skal kunstneren kunne formidle det han observerer og studerer i naturen. Imidlertid ikke bare det som ble sett, men også generalisert - essensielt, viktig, uten mindre detaljer.

Tegningen for skissen er gjort på papir, papp eller direkte på den grunnede overflaten av lerretet med blyant, kull, men best av alt med en pensel, en maling.

I våre landskapsmestres arbeid opptar og opptar etuden en svært betydelig sted. Uovertrufne mestere innen skissemaleri var A.K. Savrasov, I.I. Levitan, I.I. Shishkin, N.K. Roerich, M.V. Nesterov, K.A. Korovin. Når det gjelder deres fullstendighet og kunstneriske mestring, kan mange av skissene deres betraktes som verk av uavhengig betydning.

Når du lager skisser, setter kunstnere seg vanligvis visse oppgaver, og løser dem ved hjelp av forskjellige metoder, avhengig av de individuelle egenskapene til kunstneren selv.

Kjennskap til arbeidet med skisser av individuelle landskapsmalere, deres metoder for å utføre disse verkene og de tekniske egenskapene ved å jobbe med dem er av utvilsomt interesse for en ung, begynnende kunstner, og vil hjelpe ham å unngå mange feil.

Den fremragende landskapsmesteren N.K. Roerich viet en stor plass til å skissere maleri i sitt arbeid. Som allerede nevnt, kreativ metode Roerich baserte skapelsen av sitt arbeid på nær, gjennomtenkt observasjon og konstant, innsiktsfull studie av naturen. Da han begynte å skrive en skisse, satte han seg først og fremst en veldig spesifikk oppgave, som han søkte løsningen på. Ideen om komposisjonen av verket, som oppsto i kunstnerens sjel som et resultat av hans observasjoner og studier av naturen, ble tenkt ut av ham før begynnelsen av maleriet. Når komposisjonsstruktur Skissen ble mentalt bestemt, da plottet til komposisjonen ble bestemt og den viktigste koloristiske løsningen ble skissert, begynte Roerich å tegne skisser og deretter male.

I prosessen med en lang studie av naturen var øyeblikket kunstneren fant og traff ham grunnlaget for inntrykket av ham; det kreativt realiserte og mentalt bearbeidede inntrykket og det kunstneriske bildet som oppsto på bakgrunn av dette ble hele tiden bevart i hukommelsen under arbeidet med skissen.

Roerich visste godt at en gang observert i naturen ikke kan se den igjen, skrev Roerich sine skisser raskt, i løpet av noen få timer. Ellers er det umulig å formidle i all sin første friskhet og umiddelbarhet av førsteinntrykket denne eller den naturtilstanden, siden etter en dag, og noen ganger etter noen timer, vil den allerede være helt annerledes.

Roerich mente at det selvfølgelig er veldig viktig å kunne skildre det man ser i naturen, men det er ikke mindre viktig å kunne se det man ønsker å skildre. Dette er ifølge Roerich hovedegenskapen til en kunstner, som består i at man ikke må se på naturen med en observatørs likegyldige blikk, men med et kjærlig, sjelfullt blikk, mentalt velge ut og merke seg hva man liker. Hvis du ikke legger all lidenskapen til sjelen din, all din kjærlighet til den i å studere naturen, trenger du ikke å male den.

I en skisse skal du kunne finne enkle løsninger på oppgavene du har satt deg, som virker ukompliserte for betrakteren. Disse beslutningene, både komposisjonelle og når det gjelder farger og design, bør være konsise. Dette krever imidlertid ikke bare erfaring, men også fast tillit til hovedmålet som er satt i dette arbeidet. Kunstneren må være i stand til å fokusere på å løse og oppnå dette målet, på det viktigste, og ikke på det sekundære, ved å bruke alle sine evner innen komposisjon og maleri. Konsentrasjon, ro, evnen til å se og fremheve det viktigste, hastighet og nøyaktighet i arbeidet - dette er nøkkelen til suksess i å lage en skisse.

Du må skrive det ved å beregne dine styrker og evner, bestemme med større eller mindre nøyaktighet hvor lenge naturtilstanden som interesserer kunstneren vil vare. Uten å gjøre dette er det lett å gjøre feil – fordi belysningen endres hele tiden. Det kan også skje slik: du begynner å male en skisse under visse forhold, for eksempel maler du jorden - solen var til venstre, så bytter du til å male himmelen, og solen har allerede gått over til den andre siden , som du ikke la merke til, og det viste seg usannsynlig. Du kan ikke male en skisse for lenge - det første inntrykket av naturen er sløvet, kunstneren blir sliten, og mister gradvis friskheten og skarpheten i persepsjonen.

Roerichs skisser forbløffer alltid med sin originale komposisjon, som bidrar til å avsløre med eksepsjonell fullstendighet naturens unike originalitet.

Av ikke liten betydning for vellykket arbeid kunstneren har størrelsen på en skisse. Derfor er det veldig viktig, med tanke på dine styrker og evner, å velge for skissene størrelsen på lerretet som er den letteste og mest praktiske for å jobbe på relativt kort tid og samtidig gjør det mulig å oppnå fullstendighet av arbeidet. Roerich brukte vanligvis papp som måler 35,5x45,8 cm; Til skissene sine brukte han enda mindre papp.

I skissene sine brukte Roerich som regel fargetonene ikke i full kraft, men noe mer behersket enn de faktisk var, og brukte ikke hele paletten sin fullt ut. Ved å gjøre dette tok kunstneren hensyn til: hvis du umiddelbart tar klangfulle, intense toner, så når du trenger å slå et fargeslag, vil det vise seg at hele utvalget allerede er brukt, og det vil ikke være noe å gjøre med det .

Mens han jobbet med skissen, begrenset Roerich paletten sin uten å fylle den med unødvendige farger, og mente med rette at overskudd alltid fører til store vanskeligheter med å kombinere fargespekteret til en enkelt helhet og fratar sannheten i å formidle fargeforhold observert i naturen.

I Roerichs skisser, med strålende dyktighet, er effekten av å sette sammen tilsynelatende uforenlige toner, indre enhet, og kunstnerens spesielle enkelhet og dristighet i fargekontraster. Disse smarte sammenstillingene av lyse og mørke toner, lyse og matte, gir maleriene hans en eksepsjonell lysstyrke. Dens fargerike toner ser ut til å være fylt og gjennomsyret av lys. Fargens lysstyrke er en av de fantastiske egenskapene til Roerich som maler, som kommer fra en sjelfull studie og observasjon av naturen.

V. N. Baksheev viet mye oppmerksomhet og tid til å jobbe med skisser. Hvert av maleriene hans ble malt fra skisser. Allerede i dem prøvde kunstneren å finne det mest karakteristiske for det valgte temaet, og oppnådde ikke bare ytre likhet med naturen, men også med indre fylde. Skisser hjalp ham absolutt med å lage store lerreter - han studerte form, farge, lys. Imidlertid kopierte kunstneren aldri tankeløst fra skissen, og trodde at arbeidet med et maleri er kreativ prosess, der du sender indre liv, psykologi.

Dette er hva Baksheev sa i en av samtalene hans med forfatteren av denne boken om kravene til skissen: " Først av alt må skisser være strengt tegnet og tro mot farger. Du må studere naturen veldig nøye. Det er viktig å først finne ut alt: proporsjoner, fargeforhold, lys og skygger, og først etter det begynne å male. Og så, når du begynner å jobbe med maling, overbevis deg selv om at dette blir ditt. det beste at du vil skrive det godt; still inn så og start så! Polenov rådet meg til først å sette lyse, spesifikke toner på lerretet, deretter de mørkeste og lyseste; halvtoner sammenlignes både i forhold til lys og mørke, og i forhold til varmt og kaldt. Du må male uten undermaling, i deler og om mulig i full farge. Skissen må være godt utformet og detaljert... Du kan heller ikke skrive bedre enn det er i naturen, ellers kommer det ut falskt» .

Baksheev brukte varierende tid på skisser: han klarte å skrive noen for å fullføre ferdigstillelse i løpet av en dag, mens andre fullførte han over lengre tid. Hjemme gjorde han aldri noen endringer eller rettelser, fordi maleriet som regel ble falskt.

S. V. Malyutin var seriøst involvert i skissemaling. Skisser kan deles inn i to typer. Noen er langvarige: de ble laget på stedet, med nøye utarbeiding av skjemaer på to til fire timer og var hovedsakelig beregnet på sjangerverk. Den andre typen inkluderer 15-20 minutters skisser laget av kunstneren på stedet under hans hyppige turer til Moskva-regionen, Nord-Russland, Krim og andre steder i landet vårt. I disse skissene av standardstørrelser (9x15 cm), utført på plater av trelags godt tørket og krydret kryssfiner, forfulgte Malyutin et dobbelt mål. For ham var dette for det første konstant trening av øynene og hendene på stedet, og for det andre, i skissestudier fant kunstneren fargen og toneforholdene han trengte.

M. V. Nesterov var veldig oppmerksom på skissemaleri. I skissene hans kan vi observere en gjennomtenkt utførelsesmåte, som fullt ut samsvarte med hans holdning til denne typen kreativitet. Nesterov fortalte elevene sine: " En skisse er en alvorlig ting! Skisser må skrives veldig nøye. De skal ikke være tilfeldige, men gjennomtenkte på forhånd, funnet og fullt ut i samsvar med kunstnerens kreative hensikt. Hvis du lyver i skissen, så blir det enda flere løgner i bildet.» .