Lin Hwai-min Lin Hwai-min. Koreograf Lin Hwai-min: "I mange østlige kulturer betyr "ris" "Mor Lin hwai-min
Kjære venner!
.
Vennlig hilsen nettstedets administrasjon
Regissør
Lin Hwai-min
Biografi:
Lin Hwai-ming ble født i 1947 i Taiwan. OMgrunnlegger og kunstdirektør for det taiwanske Heaven's Gate Dance Theatre. Studerte den kinesiske operabevegelsen i hjemlandet Taiwan, moderne dans i New York, klassisk dans i Japan og Korea. Han grunnla troppen i 1973. Den kjente koreografen med internasjonal anerkjennelse bruker ofte teknikkene fra tradisjonell asiatisk kultur, noe som ikke hindrer ham i å lage verk med nyskapende former og moderne lyd. Lin er bemerket av mange internasjonale priser og priser. I 2003 ble han erklært en "Distinguished Citizen of Taipei". Magasinet "Dance Europe" presenterte Lin som "The Choreographer of the 20th century", og det internasjonale magasinet "Ballet International" i 2000 valgte ham som "Person of the Year" sammen med Merce Cunningham, Jiri Kilian, Pina Bausch og William Forsyth . Lin - kjent forfatter, romanen hans "Cicada" (Cicada) er en genuin bestselger i Taiwan, er flere av verkene hans oversatt til engelske språk og utgitt i USA Lin etablerte en danseavdeling på taiwansk Nasjonalt universitet Taipei Arts i 1983 og jobbet som avdelingsleder der i fem år. I 1996 debuterte Lin Hwai-min som operasjef. Han plasserte med hell operahus den østerrikske byen Graz, operaen Rashomon. I 2002 - " T osku" med National Symfoniorkester Taiwan, som har blitt en begivenhet i Taipei. Siden 2000 har Lin vært Art Director for Novel Hall Ny dans» ( Novel Hall New Dance Series) , som representerer kjente avantgardegrupper og enestående dansere i verden.
Filmer av Lin Hwai-min:
Utviklingen av dansekunsten i Taiwan gjenspeiler den vanskelige historien til øya. I andre halvdel av det tjuende århundre, en nøkkelrolle i utviklingen moderne dans spilt i Taiwan av Ling Hwai Ming.
Året 1947, da den fremtidige koreografen ble født, var ikke lett for både familien og Taiwan som helhet. Øyas tilbakeføring til kinesisk styre etter Japans nederlag i andre verdenskrig utløste et opprør som ble brutalt undertrykt, og krigsloven som ble innført det året ble opprettholdt i fire tiår. Da Lin ble født, hadde foreldrene mistet det meste av familiebedriften, men familien levde ikke i fattigdom. Han tilbrakte barndommen i den lille pittoreske byen Chiayi. Foreldrene var intelligente mennesker og ga sønnen en god utdannelse. Huset hadde mange malerier, bøker - både japansk og kinesisk, faren min var lidenskapelig opptatt av tegning, moren min - musikk. Lin kjente suget etter kunst allerede i tenårene – han var bare fjorten år gammel da historiene og diktene hans begynte å bli publisert i aviser og magasiner. I ungdommen var han interessert i ulike litterære fenomener - fra romanene til Leo Tolstoy og Ernst Hemingway til de modernistiske bevegelsene i Taiwan. Kino tiltrekker seg oppmerksomheten hans, spesielt dansefilmer, og etter å ha tjenestegjort i hæren ble Lin interessert i dans. Han deltok på seminarer for dansere som studerte i USA, men først koblet han ikke fremtiden sin med dette yrket. Han hadde tenkt å bli journalist, og for dette formål dro han til USA i 1969 for å studere ved universitetet.
Lin Hwai Min studerte i Missouri, deretter i Iowa. Men ikke bare studiet opptok ham på denne tiden. På Marcia Thayers kurs studerte han moderne dans, og opptrådte deretter som en del av et ensemble ledet av henne. Moderne dans vekker mer og mer interesse hos ham, og på slutten treningskurs i Iowa dro han til New York, hvor han studerte med, så vel som med. Samtidig studerte han samtidslitteratur besøkte teatre og museer. For å tjene til livets opphold måtte han tjene penger på restauranter, og likevel var tre år i New York den lykkeligste tiden for Lin, men dette kan ikke sies om hjemlandet: Taiwan, internasjonalt anerkjent som en del av Kina, mistet suverenitet, som var stort sjokk for innbyggerne. Lin Hwai Min - som mange av hans landsmenn som studerte i utlandet på den tiden - vendte tilbake til sitt hjemland, og strevde etter å være sammen med folket sitt i en så vanskelig tid.
Etter å ha startet sin virksomhet som koreograf i hjemlandet, satte koreografen seg for å lage moderne koreografiske produksjoner basert på nasjonal musikk. I 1973 skapte han det første moderne danseteateret i Taiwan, teatret ble kalt Cloud Gate ("Cloud Gate"), til ære for den eldste kinesiske dansen, som har en historie på fem tusen år. I sine første oppsetninger – for eksempel «The Tale of the White Snake» – brukte koreografen mange elementer av den tradisjonelle kinesisk kultur: sirkulære bevegelser (sirkelen spiller en viktig rolle i Kinesisk filosofi), en fan som symboliserer kjærlighet, en paraply som et tegn på separasjon. Tidlig periode koreografen beskrev arbeidet hans som "veldig kinesisk".
I 1978 skapte Ling Hwai-Min det episke Continuity, som forteller historien om nybyggere som forlot Kina til Taiwan for tre århundrer siden for å bygge nytt liv. Den koreografiske handlingen inneholder elementer av gymnastikk, tradisjonelle kinesiske danser og til og med karate. Verkene fra de påfølgende årene - "Nirvana" basert på buddhistisk filosofi, "Drøm i det røde kammer" basert på den kinesiske romanen med samme navn og andre - er rettet mot å søke etter nasjonal identitet.
Aktivitetene til troppen ble avbrutt i tre år i 1988 på grunn av økonomiske problemer. I løpet av disse årene reiste koreografen mye. Han besøkte Korea, Japan, Bali, India, Nepal. Inntrykkene som ble oppnådd under reisene ble reflektert i verkene fra de påfølgende årene - for eksempel er "The Song of Wanderers" assosiert med et besøk i det indiske området, hvor Gautama Buddha ifølge legenden oppnådde opplysning. MED Buddhistisk filosofi balletten "Moonwater" henger også sammen - tittelen gjenspeiler ordtaket: "Blomster i speilet og månen i vannet er illusoriske." Samtidig er dette navnet assosiert med Tai Chi, et gammelt kinesisk kompleks av psykofysiske øvelser. Innenfor dette systemet beskrives den ideelle menneskelige tilstanden å strebe etter som følger: "Energi flyter som vann, ånden skinner som månen." Den femti minutter lange balletten med sin "flytende" plastikk er usedvanlig kontemplativ.
Ikke begrenset til å lage forestillinger, er koreografen engasjert i pedagogisk virksomhet, og det er ikke begrenset til yrkesopplæring. Sammen med den koreografiske avdelingen til National Institute of Arts grunnla han mer enn tjue skoler i forskjellige byer i Taiwan. På disse skolene, som går på av barn, voksne og eldre, underviser tilhengerne hans i henhold til systemet han utviklet, som han kalte "Livets pause", er det designet for å hjelpe en person, gjennom kunnskapen om kroppen hans, komme i harmoni med både naturen og andre mennesker.
Alle rettigheter forbeholdt. Kopiering er forbudt.
Den 21. mai i Moskva, innenfor rammen av Tsjekhov-festivalen, ble det holdt premiere på to produksjoner av den taiwanske koreografen Lin Hwai-Min – «White Water» og «Ashes». I kontrast i innhold og ytelse ble begge produksjonene presentert i Europa for første gang i fjor på Movimentos kunstfestival i Tyskland. Et år før festivalen møtte Lin sine arrangører i Dresden for å diskutere programmet. Det var da han husket Strykekvartett nr. 8 i c-moll» av Dmitrij Sjostakovitsj (komposisjonen ble skrevet i 1960 i Dresden). Dermed ble "Aske" født, hvis andre navn er "Requiem". Ifølge Lin er produksjonen en slags katarsis fra fortidens redsler og nåværende århundrer: kriger, folkemord, undertrykkelse, økologiske katastrofer. Som koreografen senere fikk vite, tenkte Shostakovich arbeidet sitt som et rekviem.
På scenen til bystyret i Moskva viste de først en 55-minutters «White Water» til musikken til Sati, Roussel, Saigun, Oana og Iber. Som mange produksjoner av Lin Hwai-Min, handler denne om naturen, og derfor om livet generelt. Hvitt vann er en syding (av en bekk, en foss), vannskum. Danserne, henholdsvis i hvite eller lysegrå løse kapper, slik det er vanlig med Lin, synkroniserer på egen pust, og ikke på musikken – som om musikken er født av deres bevegelse, og ikke omvendt. Overfloden av hopp, pakket inn i føttene og løpende på halvbøyd - all denne klassiske "Cloud gate" er også til stede her. Etter å ha blitt vannet i en elv eller en foss, som syder på videoprojeksjonen på baksiden av scenen, blander danserne seg enten raskt, eller bremser bevegelsen så mye at det ser ut til at tiden har gått annerledes. Komposisjonelle omarrangeringer og teknisk rike soloer fordyper deg i en zen-buddhistisk sinnstilstand - en kontemplativ en.
Det motsatte er den 22 minutter lange produksjonen av Ashes. Det er umulig å gjenkjenne de raffinerte skapningene i snøhvite kapper med strake rygger og lyse øyne i de vridde zombiene som kryper inn på scenen. Håret er rufsete, ansiktene er som innsmurt med sot, i stedet for klær - svarte filler, kroppen ser ut til å være ødelagt i alle ledd. De beveger lemmene, noen en etter en, noen støtter den andre, faller som tørre grener, kroppene deres reduseres av en epileptisk spasme. Mens brennende aske slynger seg på bakken fra vinden, ruller danserne rundt scenen, som om de sakte brenner ned. Enten skjelver de krampaktig, vri hendene unaturlig, eller så stivner de i fryktelige klønete positurer. Før lysene slukket, sto de med åpen munn, et stille skrik som fortsatt runget i mørket. Da lysene ble tent igjen og salen brøt ut i applaus, sto danserne som en vegg, hånd i hånd, med strenge ansikter, uten å røre seg. Lyset ble slukket og slått på igjen - de sto, publikum applauderte hardere og ropte "Bravo!", Gardinen lukket og åpnet seg - ikke en eneste muskel beveget seg i ansiktene deres. Dette forsterket følelsen av alvoret i emnet og følelsene det vekker - dette er ikke en spøk, ikke et teater. De bukket aldri.
Begge forestillingene er hvite og svarte i yin-yang-tegnet. "White Water" - om liv, bevegelse, lys, "Aske" - om død, lidelse og verdens grusomhet. Lin Hwai-Min ser ut til å si - se på livet, det er flyktig og vakkert, du kan ikke ta det bort, brenne det, gjøre det om til aske.
kultur
Torsdag 11. juni var Voronezh-journalister så heldige å få snakke med den kult-taiwanesiske koreografen Lin Hwai-ming på Kommuna kunstsenter. Dansetroppen hans ble den første profesjonelle gruppen i Kina. Den legendariske regissøren brakte til Platonov-festivalen et verk sammen med Cloud Gate-danseteateret med den lakoniske tittelen "Rice".
Lin Hwai-ming begynte pressekonferansen med en historie om opprinnelsen til produksjonen:
Ideen om denne forestillingen kom til meg da jeg besøkte den mest interessante asiatiske landsbyen, der bønder driver med selvforsynende jordbruk. På dette stedet ser det ut til at tiden er frosset, det er ikke engang elektrisitet, men det er det nøye oppmerksomhet innbyggere til natur og landskap. En åker på flere hektar åpnet seg for øynene mine, som det vokste ris på, og skjønnheten i alt dette bokstavelig talt fengslet meg. Jeg så i alt dette en viss plastisitet som jeg ønsket å legemliggjøre på scenen.
Lin Hwai-ming sa at han til og med sendte en kameramann til den landsbyen spesielt for å filme ulike stadier ris modning. Det resulterende materialet ble brukt som bakgrunnsvideoinstallasjon for forestillingen.
Jeg ønsket å formidle i min produksjon livets sykliske natur, dets kontinuitet. Vi setter et likhetstegn mellom alle levende ting: troppens kunstnere skildrer voksende risbusker, men samtidig kan det oppfattes som en metafor for modningen av en person.
Regissøren delte også sin erfaring med å samhandle med kampsportutøvere som personlig jobbet med danserne til Cloud Gate Theatre:
Da jeg først henvendte meg til dem for å få hjelp, ga de meg en resolut irettesettelse: vi lærer ikke dans. Men jeg klarte å overbevise mesterne om at det er viktig for meg å forberede kunstnere åndelig og fysisk, for å lære dem plastisitetsstilen. Og til slutt oppnådde vi imponerende resultater, og jeg understreker at integriteten til forestillingen stort sett ikke er min fortjeneste, men en konsekvens av det fruktbare fellesarbeidet til danserne og kampsportguruene.
Skjønt, etter premiere"Risa," da vi mottok en stående applaus, kom først en sensei bort til meg, omgitt av venner, og sa: "Gratulerer, publikum er henrykte." Men da alle dro, ble han indignert: "Du gjorde alt galt!" Men dette er hans profesjonelle samvittighet – vi hadde ikke et mål om å overføre Kampsport på scenen uendret.
Lin Hwai Min er sikker på at danseestetikken til ethvert land er en refleksjon av dets kultur. klassisk ballett, ifølge koreografen, er et produkt av disse europeiske kulturer som ønsket å bygge høyt katedraler. Derfor er det så mange vertikalt rettet pas i den. Men den asiatiske kulturen, assosiert blant annet med innsamling av ris i bøyd stilling, ble reflektert i en uvanlig samtidskoreografiøstlige land.
Og generelt, for Kina, Indonesia og mange andre stater, fungerer "ris" som et synonym for ordet "mor". Jeg har møtt sangere som synger til lovprisning av risgudinnen, som gir avkom i form av en avling. Dette motivet fant forresten en plastisk refleksjon i produksjonen vår.
Interessant, en dansekunst Lin Hwai-mings liv er ikke begrenset. Han er en omfattende utviklet person - i en alder av 14 ga koreografen ut en bok med historier:
Å være en ung forfatter er flott. Spesielt fordi du fortsetter å motta royalties gjennom hele livet. Riktignok glemte jeg ordene for lenge siden, så det er usannsynlig at jeg kommer tilbake til verbal kreativitet. Nå danser språket mitt.
Det antas at prinsippet "så en - så alt" gjelder for forestillingene til Khwai-Min, og en slik mening, det må innrømmes, er ikke helt ubegrunnet. Cloud Gate kommer regelmessig til Moskva, forskjellige navn kommer med, men når det gjelder format, plastløsning, og enda mer konseptuelt, er en produksjon ikke mye forskjellig fra en annen, uansett om de snakker om vanskelighetene med kalligrafisk skrift eller vanskeligheter med å dyrke ris. Som regel er temaet oppgitt i tittelen, mens selve koreografien ikke er rik på funn, er universell og påføres mer eller mindre mekanisk, kun kostymene og videobildene på baksiden endres. Vanligvis er imidlertid forestillingen til det taiwanske danseteateret en enakter, i en times forestilling, og i denne saken- en diptyk (premiere i 2014) av to uavhengige opus, og dette alene virket nysgjerrig.
Akkurat som Hwai-mins "Rice" vist på Chekhovfest i fjor handlet om ris -
– «White Water», det er ikke vanskelig å gjette, er dedikert til vann. På bakskjermen veksler videoinstallasjoner diskret og uforstyrret med bilder av elvestrømmer, og på scenen veksler corps de ballet-episoder med solo- og duettepisoder. En femti minutters handling består av et dusin og et halvt korte fragmenter til musikk av pianominiatyrer franske komponister begynnelsen av 1900-tallet - hovedsakelig Satie, men også Roussel og Iber, og i tillegg til dem noen få verk av obskure asiatiske forfattere i samme ånd. Jenter i hvite sarafaner, unge menn i vide bukser og ermeløse T-skjorter, stoffer og lemmer "flyter", generelt danser, om ønskelig, kan du se et snev av "strømmer" og "steiner", pene kvinnelige soloer og morsomme mannlig duett under Sati er helt abstrakte, men på en eller annen måte - og dramaturgien som for all del ligger i det mest "plottløse" ballettforestillinger, Khwai-min mangler her som et faktum, og dette er en bevisst holdning til avvisning av enhver utvikling. «White Water» kan ikke en gang kalles et divertissement, for dette er ikke episodene kontrast nok. Det er litt mindre rolige og litt mer uttrykksfulle, men i det hele tatt er arrangementet ikke for alle: det skrangler eller spruter ikke i en stormfull bekk, men det flyter ganske jevnt, uten tydelig markerte sprut og boblebad, noen ganger sakte , noen ganger litt raskere, uten å fosse og uten å forsinke, selv om kanskje en slik ren kontemplasjon også er i stand til å glede øyet, spesielt hvis det er av vane.
«Ash» er bygget på lignende bevegelser, sakte og utført på halvbøyd, men lakonisk og på sin måte «programvare». Den ble satt til musikken til den åttende Sjostakovitsj-kvartetten, og er dedikert til en viss (uspesifikk) massetragedie, en humanitær katastrofe: konsekvensene av en bombing eller et folkemord begått uten involvering av luftfart, eller kanskje en atomangrep, "verdens ende" på lokal eller global skala, menneskeskapt eller spontan, men i alle fall skal bildet være entydig postapokalyptisk. Alle deltakerne i forestillingen er i "skitten" sminke, filledresser, i motsetning til den "flytende" plastisiteten til "White Water" her i "Ashes" er bevegelsene skarpe, kantete, krampaktige, lyset er dempet og det er mye røyk. Men viktigst av alt, det er ikke plass for soloer og duetter, hvis noen individualiserte solister, par skiller seg ut fra massen, klamrende hender, så ikke for et uavhengig danse-"nummer", men bare for å understreke total lidelse, inkludert og fysisk smerte, fysisk mishandling, ikke bare psykiske plager. Denne oppgaven løses imidlertid på de enkleste måtene i løpet av omtrent tretti sekunder, og en tjue minutters forestilling, igjen i utgangspunktet uten noen dramatisk utvikling, blir umiddelbart til en semi-performance, semi-installasjon, hvis timing ikke bestemmes av intern logikk , ikke av plastisk metning, men utelukkende etter varighet. musikkstykke, som fungerte som materiale for lydsporet. Kontemplasjon i Ashes er på ingen måte like salig som i White Water, men det er klart på forhånd: det nytter ikke å forvente at en diamant vil blinke fra Ashes, kunstnerne åpner ikke hendene på buer, som om de demonstrerer at vi er rik på en gang, men pasaran .
