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Representantes da literatura estrangeira do século XIX. Literatura estrangeira do século XIX

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1. Literatura estrangeira 19 XIX

romantismo (o desejo de ir para outro mundo ideal);

realismo (uma tentativa de analisar e depois mudar este mundo).

Como essas correntes se desenvolveram quase simultaneamente, elas deixaram uma marca perceptível uma na outra. Isso se aplica especialmente a literatura 1 ª metade século 19: a obra de muitos escritores românticos (Walter Scott, Hugo, George Sand) tem uma série de características realistas, enquanto o trabalho de escritores realistas (Stendhal, Balzac, Mérimée) é frequentemente tingido de romantismo. Nem sempre é fácil determinar onde a obra deste ou daquele escritor deve ser atribuída - ao romantismo ou ao realismo. Somente na segunda metade do século XIX o romantismo finalmente deu lugar ao realismo.

2. Romantismo

Pré-requisitos sócio-históricos para o desenvolvimento do romantismo. O surgimento e desenvolvimento na literatura de vários países da direção, que foi denominado "romantismo", deve ser atribuído à última década do século XVIII e primeiro terço do século XIX. Esta direção complexa e peculiar, que encontrou sua expressão em vários campos da arte (literatura, pintura, música), deve ser considerada e estudada em conexão direta e inseparável com aquelas profundas mudanças sócio-históricas e políticas que ocorreram durante este período histórico e marcou o colapso dos sistemas feudais e a formação da sociedade burguesa. A expressão mais completa e completa desse processo histórico foi a grande revolução burguesa francesa de 1789-1794, que derrubou o mundo feudal e estabeleceu o domínio da burguesia. Essa revolução foi um grande ponto de virada na vida histórica não apenas da França, mas também de outros países europeus. O mesmo processo de desintegração do feudalismo e crescimento das relações burguesas ocorreu em ritmo mais lento em outros países (Alemanha, Rússia, países escandinavos, ocidentais e eslavos do sul, etc.).

O romantismo está associado à revolução burguesa francesa de 1789, às ideias dessa revolução. A princípio, os românticos aceitaram a revolução com entusiasmo e depositaram grandes esperanças na nova sociedade burguesa. Daí o devaneio e o entusiasmo característicos das obras dos românticos. No entanto, logo ficou claro que a revolução não justificava as esperanças nela depositadas. As pessoas não receberam nem liberdade nem igualdade. O dinheiro passou a desempenhar um papel importante no destino das pessoas, que, em essência, as escravizava. Para quem era rico, todos os caminhos foram abertos, a sorte dos pobres ainda ficou triste. Começou uma luta terrível por dinheiro, uma sede de lucro. Tudo isso causou grande decepção entre os românticos. Começaram a procurar novos ideais - alguns voltaram-se para o passado, começaram a idealizá-lo, outros, os mais progressistas, precipitaram-se para o futuro, que muitas vezes retratavam de forma vaga e indefinida. A insatisfação com o presente, a expectativa do novo, a vontade de mostrar relações ideais entre as pessoas, personagens fortes - é isso que caracteriza os escritores românticos. Não conhecendo as maneiras pelas quais a humanidade pode construir uma sociedade melhor, os românticos frequentemente se voltavam para os contos de fadas (Anderson), estavam profundamente interessados na arte popular e frequentemente a imitavam (Longfellow, Mitskevich). Os melhores representantes do romantismo, como Byron, por exemplo, clamavam pela continuação da luta e uma nova revolução.

3. Realismo

O realismo, em contraste com o romantismo, estava interessado principalmente nos dias atuais. Em um esforço para refletir a realidade o mais plenamente possível em suas obras, os escritores realistas criaram grandes obras (seu gênero favorito era o romance) com muitos eventos e heróis. Procuraram refletir em suas obras os acontecimentos característicos da época. Se os românticos retratavam heróis dotados de alguns traços nitidamente individuais, heróis que eram nitidamente diferentes das pessoas ao seu redor, então os realistas, ao contrário, procuravam dotar seus heróis com características típicas de muitas pessoas que pertenciam a uma ou outra classe, para um ou outro grupo social. « realismo sugere- escreveu F. Engels, - além da veracidade dos detalhes, a fidelidade da transferência de personagens típicos em circunstâncias típicas“Os realistas não clamavam pela destruição da sociedade burguesa, mas a retratavam com veracidade impiedosa, criticando duramente seus vícios, por isso o realismo do século XIX costuma ser chamado de realismo crítico.

Literatura Alemã. Romantismo na Alemanha.

Na Alemanha, o romantismo começou a tomar forma nos últimos anos do século XVIII e logo se tornou uma das tendências mais importantes da literatura e da arte.

Os princípios básicos da teoria do romantismo formulados Friedrich Schlegel (na ilustração) na obra "Fragmentos". Seu irmão August, Ludwig Tieck, Wilhelm Wackenroder e Friedrich von Hardenberg (pseudônimo Novalis) começaram a trabalhar com ele. Os filósofos Fichte e Schelling também desempenharam um papel importante na formação da estética romântica.

A segunda etapa do romantismo alemão foi a criação românticos de Heidelberg . A guerra de libertação contra Napoleão formou novas ideias que diferiam nitidamente dos julgamentos e pontos de vista dos românticos de Jena. Já os conceitos de nação, nacionalidade e consciência histórica. Isso leva ao surgimento de um novo movimento romântico, cujo centro era a cidade de Heidelberg. Ali se formou um círculo de poetas e prosadores, atraídos por tudo o que é verdadeiramente alemão (arte, cultura e história).

Os méritos dos Irmãos Grimm na história da cultura alemã são muito grandes. Eles estudaram a literatura alemã medieval, a mitologia dos povos germânicos ("Mitologia Alemã" 1835), lançaram as bases da linguística alemã ("Gramática Alemã" 1819), que foi realizada em 1852. A edição final do dicionário foi concluída apenas em 1961, quase 100 anos após a morte de Jakob e Wilhelm.

O desenvolvimento da literatura inglesa no século XIX

Na literatura inglesa do século XIX, como em outras literaturas nacionais deste século, 2 tendências estão em conflito: o romantismo e o realismo. O romantismo veio da França para a Inglaterra (influenciado pela revolução de 1789-1794) e subjugou a primeira metade do século XIX, embora alguns estudiosos literários acreditem que o verdadeiro romantismo existiu por apenas um quarto de século. O início do romantismo na Inglaterra está associado a 1798, quando W. Wordsworth e S. Coleridge publicaram um livro de poemas "Lyrical Ballads". O declínio dessa direção causa inúmeras disputas. Alguns acreditam que a morte de Byron em 1824 traçou uma linha sob o romantismo, outros associam esse fenômeno ao trabalho de W. Hazlitt, W. Landor e T. Carlyle, e já estamos em meados do século. O romantismo como método manifestava-se mais claramente na poesia, e na prosa estavam invariavelmente presentes tanto os traços do romantismo quanto os do realismo.

No romantismo inglês, podem-se distinguir 3 correntes principais (gerações):

1. poetas da "Escola do Lago" ("leukistas") - W. Wordsworth, S. Coleridge, R. Southey romantismo cultura idealismo sendo

2. românticos revolucionários - J.G. Byron, P.-B. Shelley, J. Keats

3. "Românticos de Londres" - C. Lam, W. Hazlitt, Lee Hunt

William Blake (1757-1827) é o pai do romantismo inglês. Blake criou suas principais obras no século 18 ("Canções da Inocência", "Canções da Experiência", "O Casamento do Céu e do Inferno"). No século 19, "Milton", "O Fantasma de Abel", etc. . foi escrito. Blake é considerado o fundador da cosmovisão cósmica.

Desenvolvimento fLiteratura francesa no século XIX

Hovellistic prosper meritee

Em seus contos, Merimee tenta encarnar o ideal positivo que deseja encontrar entre as pessoas e em países que ainda não foram estragados pela civilização burguesa (por exemplo, na Córsega, na Espanha). No entanto, ao contrário dos românticos, Merimee não idealiza os heróis e seu modo de vida. Ele retrata os heróis com objetividade: por um lado, mostra o lado heróico e nobre de seu caráter, por outro lado, não os esconde. lados negativos devido à sua selvageria, atraso e pobreza. Assim, em Merimee, o caráter do herói é determinado pelo ambiente externo. E nisso o escritor continua as tradições do realismo. Ao mesmo tempo, Merimee presta homenagem ao romantismo, e isso se manifesta no fato de que uma personalidade excepcionalmente forte está sempre no centro dos contos do escritor.

Ao contrário dos românticos, Merimee não descreve em detalhes as emoções dos personagens. O escritor é muito conciso e desenha a psicologia de uma pessoa, suas experiências por meio de signos externos - gestos, expressões faciais, ações. A narração é feita por conta do narrador, que a faz de forma descuidada, relutante, como se estivesse entediado, ou seja, o modo de narrar é sempre um tanto distanciado.

A composição dos contos é sempre muito clara, construída logicamente. Como escritor realista, Merimee retrata não apenas o clímax, mas também conta o pano de fundo dos eventos, dá descrições concisas, mas ricas dos personagens. O contraste nos contos de Merimee se manifesta no choque da realidade e eventos dramáticos e extraordinários que se desenrolam no cenário dessa realidade. Em geral, todos os contos são construídos em contraste: por um lado, vícios humanos e interesses básicos e, por outro, sentimentos desinteressados, o conceito de honra, liberdade e nobreza.

AmémLiteratura riquenha do século XIX

Criatividade O "Henry (nome verdadeiro - William Sidney Porter)

A obra deste escritor começa a tomar forma no final dos anos 90. Século XIX - início do século XX. Inicialmente, O "Henry não tinha nada a ver com literatura - trabalhava como caixa de banco, mas já naquela época se interessava pelas pessoas ao seu redor, e as pessoas eram completamente diferentes. bom senso de humor levam ao fato de que ele começa a publicar revista semanal em quadrinhos Rolling Stone. Mas logo a vida serena de O "Henry foi virada por uma falta no banco, e para evitar a prisão, o escritor parte viaja e passa a se dedicar profissionalmente à atividade jornalística. Posteriormente, esses materiais formarão a base das tramas de muitas obras. Depois de algum tempo, a doença de sua esposa obriga O "Henry a retornar, o júri considera o escritor culpado e o manda para a prisão por 5 anos. É lá que O" Henry se dedica ativamente a escrever histórias durante o turno da noite.

A primeira história foi escrita em 1899 sob o título "Dick the Whistler's Christmas Stocking". No total, O "Henry escreveu 287 histórias, que foram incluídas em coleções como "4 Million" (1906), "Burning Lamp" (1907), "Voice of the City" (1908), "Business People" (1910) , "The Rotation of Life "(1910) Em 1904, ele escreve um romance de aventura e humor "Kings and Cabbage".

O final do século XIX foi marcado por uma sensação de fim de era. Isso se deve ao fato de que as formas e modos de existência humana mudaram, o que acarretou uma forte fermentação de mentes. Esse sentimento penetrou profundamente na mente das pessoas. Este foi o resultado de uma mudança na vida política do mundo. Na política, formaram-se estruturas constantes e formas de subordinar uma pessoa. O mundo inteiro foi dividido em esferas de influência, grandes impérios foram formados. Ficou claro que os políticos em suas decisões nem sempre são pautados pelos padrões éticos e pelas leis da justiça. Portanto, surgiu na mente do público uma atitude negativa em relação a certos conflitos militares, o que nunca aconteceu no século XIX. Mudanças sérias começaram a ocorrer na visão de mundo das pessoas, houve uma mudança de atitude em relação à política colonial.

Há um ressurgimento do idealismo, e não do idealismo objetivo de Hegel, Schlegel e Schelling, mas do subjetivo, no qual tudo é determinado pela personalidade.Os filósofos dessa tendência partem do conceito de conhecimento irracional do ser. Em particular, Schopenhauer acredita que, ao conhecer o mundo, a mente atua como um obstáculo.Um ponto de virada ocorre na obra de jovens escritores. Há uma revisão dos fundamentos usuais da literatura do realismo crítico, que se desenvolveram em meados do século XIX século e existem ao longo do século 20

Os principais sinais do processo literário do século XIX. nos países da Europa Ocidental e nos Estados Unidos foi a formação e aprovação de duas tendências principais da literatura e da arte - romantismo e realismo - e, consequentemente, dois métodos criativos.

Os interesses e costumes das pessoas mudaram, os grilhões dos privilégios e restrições estatais foram derrubados. Surgiram novos mestres da vida que lançaram o slogan: "Fique rico!" A cultura refinada dos aristocratas não os interessava mais. O bezerro de ouro é o deus do "novo povo".

Desenvolvimento sociedade industrial acompanhado eventos dramáticos- guerras, revoluções, revoltas... Era um tempo de mudança. "O mundo foi transformado sob os trovões de uma nova glória."

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O século XIX como uma época cultural começa no calendário do século XVIII com os eventos da Grande Revolução Francesa de 1789-1793. Esta foi a primeira revolução burguesa em escala mundial (as revoluções burguesas anteriores do século XVII na Holanda e na Inglaterra tiveram um significado nacional limitado). A Revolução Francesa marca a queda final do feudalismo e o triunfo do sistema burguês na Europa, e todos os aspectos da vida com os quais a burguesia entra em contato tendem a acelerar, intensificar, começar a viver de acordo com as leis do mercado.

O século XIX é uma época de agitação política que redesenha o mapa da Europa. No desenvolvimento sócio-político, a França ficou na vanguarda do processo histórico. As guerras napoleônicas de 1796-1815 e a tentativa de restaurar o absolutismo (1815-1830) e uma série de revoluções subsequentes (1830, 1848, 1871) devem ser consideradas como consequências da Revolução Francesa.

A principal potência mundial do século XIX foi a Inglaterra, onde o início da revolução burguesa, a urbanização e a industrialização levaram à ascensão do Império Britânico e à dominação do mercado mundial. Mudanças profundas ocorreram na estrutura social da sociedade inglesa: a classe camponesa desapareceu, houve uma forte polarização entre ricos e pobres, acompanhada por manifestações de massa de trabalhadores (1811-1812 - o movimento dos destruidores de máquinas-ferramentas, o Luditas; 1819 - a execução de uma manifestação de trabalhadores no Campo de São Pedro perto de Manchester , que ficou para a história como a "Batalha de Peterloo"; o movimento cartista em 1830-1840). Sob a pressão desses eventos, as classes dominantes fizeram algumas concessões (duas reformas parlamentares - 1832 e 1867, a reforma do sistema educacional - 1870).

A Alemanha do século 19 resolveu dolorosa e tardiamente o problema de criar um único estado nacional. Tendo conhecido nova era em um estado de fragmentação feudal, após as guerras napoleônicas, a Alemanha passou de um conglomerado de 380 estados anões para uma união de 37 estados independentes no início, e após a tímida revolução burguesa de 1848, o chanceler Otto von Bismarck partiu para a criação de uma Alemanha unida "com ferro e sangue". O estado alemão unificado foi proclamado em 1871 e se tornou o mais jovem e agressivo dos estados burgueses da Europa Ocidental.

Os Estados Unidos da América durante o século XIX dominaram as vastas extensões da América do Norte e, à medida que o território aumentava, aumentava também o potencial industrial da jovem nação americana.

Na literatura do século XIX duas direções principais - romantismo e realismo. A era romântica começa nos anos noventa do século XVIII e abrange toda a primeira metade do século. No entanto, os principais elementos da cultura romântica foram totalmente definidos e revelaram as possibilidades de desenvolvimento potencial em 1830. O romantismo é uma arte nascida de um breve momento histórico de incerteza, uma crise que acompanhou a transição do sistema feudal para o sistema capitalista; quando, em 1830, os contornos da sociedade capitalista foram determinados, o romantismo foi substituído pela arte do realismo. A literatura do realismo a princípio era a literatura dos solteiros, e o próprio termo "realismo" apareceu apenas nos anos cinquenta do século XIX. Na consciência do grande público, o romantismo continuava a ser arte contemporânea, aliás, já havia esgotado suas possibilidades, portanto, na literatura posterior a 1830, romantismo e realismo interagem de forma complexa, em diferentes literaturas nacionais gerando uma variedade infinita de fenômenos que não podem ser classificados de forma inequívoca. Na verdade, o romantismo não morre ao longo do século XIX: uma linha reta vai dos românticos do início do século, passando pelo romantismo tardio, até o simbolismo, a decadência e o neorromantismo do final do século. Vamos dar uma olhada nos sistemas literários e artísticos do século XIX usando os exemplos de seus autores e obras mais proeminentes.

Século XIX - o século da adição da literatura mundial quando os contatos entre as literaturas nacionais individuais são acelerados e intensificados. Assim, a literatura russa do século XIX teve um grande interesse nas obras de Byron e Goethe, Heine e Hugo, Balzac e Dickens. Muitas de suas imagens e motivos ecoam diretamente nos clássicos da literatura russa, de modo que a escolha de obras para considerar os problemas da literatura estrangeira do século XIX é ditada aqui, em primeiro lugar, pela impossibilidade, no âmbito de um curso de curta duração, de dar cobertura adequada de várias situações em diferentes literaturas nacionais e, em segundo lugar, pelo grau de popularidade e importância de autores individuais para a Rússia.

Literatura

Literatura estrangeira do século XIX. Realismo: Leitor. M., 1990.
Morois A. Prometheus, ou a Vida de Balzac. M., 1978.
Reizov B. G. Stendhal. Criatividade artística. L., 1978.
Trabalho de Reizov B. G. Flaubert. L., 1955.
Mistério de Charles Dickens. M., 1990.

Leia também outros tópicos do capítulo "Literatura do século XIX".

1. Características e técnicas do psicologismo realista nos romances de Flaubert e Thackeray.

Flaubert e Thackeray são representantes do período tardio do realismo com um novo psicologismo. Naquela época, era preciso aprovar a própria pessoa e desmascarar o herói romântico. A "Educação dos Sentidos" de Flaubert é um desmascaramento de todo o conceito romântico. Tradução francesa: "EducationSentimentale" - educação sensual. Flaubert escreveu um livro desafiadoramente objetivo e verdadeiro. Embora Frederico, personagem principal- forma de realização herói realista, também possui características românticas (desânimo, melancolia).

Criatividade Flaubert foi um ponto de virada. Seu psicologismo deu raízes a toda a literatura subsequente. Flaubert faz problema artístico ambigüidades de natureza comum. Não podemos responder à questão de quem é Emma Bovary - uma mulher rebelde decente ou uma adúltera comum. Pela primeira vez na literatura, apareceu um herói não heróico (Bovary).

O psicologismo dominante de Thackeray: na vida real estamos lidando com pessoas comuns, e elas são mais complicadas do que apenas anjos ou apenas vilões. Thackeray se opõe a reduzir uma pessoa ao seu papel social (uma pessoa não pode ser julgada por esse critério). Thackeray enfrenta o herói perfeito! (subtítulo: "um romance sem herói"). Ele cria um herói ideal e o coloca em um quadro real (Dobbin). Mas ao retratar herói real, Thackeray não retratou o povo, mas apenas a classe média (cidade e província), porque ele próprio veio dessas camadas.

No entanto, Flaubert expõe esse mundo não tanto opondo a heroína a ele, mas por meio de uma identificação inesperada e ousada de princípios aparentemente opostos - a despoetização e a desheroização tornam-se um sinal da realidade burguesa, estendendo-se tanto a Charles quanto a Emma, ambos à família burguesa e na paixão, no amor, que destrói a família.

Principais características:

Substituindo a descrição dos clímax por uma descrição de ações, fatos.

A fala característica do personagem vai mudando - nem sempre o que se pensa é dito. SUBTEXTO (expressão indireta de pensamento) é introduzido.

2. A influência do romance histórico de Walter Scott na formação das concepções estéticas de Stendhal e Balzac.

Stendhal : essa ideia é expressa em seus tratados Racine e Shakespeare e Walter Scott e a princesa de Cleves.

"Walter Scott e a Princesa": Stendhal diz que é muito mais fácil descrever, retratar a vestimenta de um personagem, do que dizer o que ele sente e fazê-lo falar.

A vantagem de Walter Scott é que a descrição de sua aparência tem pelo menos duas páginas e seus movimentos espirituais ocupam várias linhas. Suas obras têm valor de prova histórica.

Nosso século dará um passo em direção a um gênero mais simples e verdadeiro. Estou convencido de que 10 anos serão suficientes para que a fama de Walter Scott caia pela metade.

Toda obra de arte é uma bela mentira. Mas Walter Scott era mentiroso demais. Quanto mais os personagens de Scott precisam expressar sentimentos elevados, mais carecem de coragem e confiança.

Stendhal escreve que a arte não tolera regras congeladas para sempre.

"Racine e Shakespeare": Os romances de Walter Scott são tragédias românticas com descrições longas(atenção ao quadro geral da vida do passado, ao historicismo dos acontecimentos e descrição detalhada trajes, ninharias, utensílios domésticos correspondentes à época descrita.

Scott retratou pessoas do passado sem falsa glorificação, em seu comportamento cotidiano, em sua conexão viva com a vida cotidiana e cenário histórico o tempo deles. Foi tirado dele por Stendhal.

Mas, ao contrário de seu "professor", ele apresenta seus personagens não com a ajuda de características detalhadas, mas sim condicionais, como Walter Scott fazia em sua época, mas em ação, em movimento, em ações. Além disso, ao contrário de Scott, Stendhal não usa a entrada de referência histórica, é mais um romance de costumes, e seus personagens são incluídos na história.

O romance "Red and Black" é policêntrico, com um amplo quadro épico, como o de Scott. Muitos personagens de fundo.

Balzac: Oferecendo aos leitores seu conceito de história, Balzac segue largamente Walter Scott, embora o critique por sua incapacidade de extrair grandes “ensinamentos” do passado para o futuro e mostrar os movimentos da paixão humana. A tarefa do romance histórico para Balzac é mostrar o passado nacional não apenas na descrição de eventos históricos, mas também nas pinturas de gênero, para mostrar os costumes e costumes da época.

No dele "Prefácio à Comédia Humana" ele escreve que Scott elevou o romance ao nível da filosofia da história, introduziu o espírito do passado no romance, combinou drama, diálogo, retrato, paisagem, descrição nele, incluindo verdade e ficção. Balzac usou as tradições de Walter Scott em seus primeiros trabalhos ("The Last Shuang", com a imagem de um vilão romântico gótico e senhores feudais sofrendo com sua arbitrariedade).

3. O caráter iluminista do heróico nos heróis românticos de Stendhal.

no panfleto Racine e Shakespeare

4. O problema da personagem italiana na obra de Stendhal.

Os italianos são conhecidos por toda a vida como as pessoas mais apaixonadas e emocionais, com sangue fervendo constantemente. Em suas "Crônicas italianas" e no romance "Mosteiro de Parma", Stendhal escreve claramente vários personagens italianos típicos. eu gostei Pietro Missirilli, cantor folk da liberdade Ferrante Palla E Gina Pietranera. Claro, o conde Mosca e o próprio Fabrizio Del Dongo também podem ser atribuídos ao personagem italiano.

heróis da novela "Vanina Vanini" - vêm de duas classes diferentes. Chance empurrou um jovem carbonário, filho de um pobre cirurgião, com uma bela aristocrata. Desde criança foi criada no luxo, não conheceu proibições e restrições, portanto, para ela, o amor está acima de tudo. Os ideais sociais de seu amante não dizem nada ao seu coração. Em sua cegueira egoísta, ela age com tanta sinceridade que é impossível condená-la. Stendhal está longe de ser um moralizador nu. Ele admira sua heroína, sua beleza, a força de seus sentimentos. O julgamento do autor não é sobre ela, mas sobre seu meio, sua classe.

Um dia, Vanina segue seu pai, vê uma mulher sangrando, Clementine, e a ajuda. Dois dias depois, ela fica muito doente e revela a Vanina que é uma carbonari. Pietro Missirilli, de Romagno, filho de um pobre cirurgião. Sua ventilação foi aberta e ele escapou milagrosamente. Ele se apaixona por Vanina, mas, recuperado, volta para se vingar. Ele é muito apaixonado pelo patriotismo e Vanina não gosta disso. E ela trai sua prole, ventu. Ele, tendo aprendido isso, a deixa. Os sentimentos de dever para com a pátria são maiores do que os pessoais. Mas então, quando ele é feito prisioneiro, Vanina vai e ameaça com uma pistola o ministro da polícia, tio de seu noivo Lívio, para que Pietro seja solto. Mas, mesmo assim, Pietro permanece fiel à sua terra natal. E assim eles se separam.

Gina Pietranera- um típico personagem italiano brilhante: beleza lombarda, natureza ardente e apaixonada, pronta para sacrificar tudo por algum propósito, amor (por Fabrizio). Mente, sutileza, graça italiana, incrível autocontrole. Gina esconde F. em Novara com um padre e tenta cancelar a perseguição de pessoas influentes. Ela conhece o conde Mosca de la Rovere, ministro do príncipe de Parma Ranucio dello Ernesto 4. Moscou é casado, mas ama Gina, a convida a se casar fictíciamente com o duque de Sanseverin para ter dinheiro e influência. Ela concorda. Influência e poder. Ela passa a cuidar de Fabrice com a ajuda de Mosca.

Ferrante Palla- um médico liberal, radical e republicano, um conspirador, dedicado à sua pátria e vagando pela Itália cantando a liberdade da república. Ele tem a convicção, a majestade, a paixão do crente. Grande em sua pobreza, ele glorifica a Itália na escuridão de seus esconderijos. Não tendo pão para sua amante, cinco filhos, ele rouba na estrada para alimentá-los. E ele mantém uma lista de todos os roubados para reembolsá-los por esse empréstimo forçado, na república, quando seus semelhantes estão no poder. Ele pertence a pessoas sinceras, mas enganadas, cheias de talento, mas sem saber as consequências nocivas de seus ensinamentos. Ele ama Gina, mas não se atreve a aceitar dinheiro porque não é o principal para ele. ele está pronto para se sacrificar para salvar Fabrizio. E ele mata o príncipe, cumprindo a vontade de Gina.

5. O tema de Napoleão nas obras de Stendhal.

Tanto Fabrizio quanto Julien se curvam diante de Napoleão, idealizando-o. Ambos são românticos, ansiando por façanhas românticas.

"Claustro de Parma": Fabrizio descobre que seu amado Napoleão desembarcou novamente na França (época de 100 dias) e deve travar a batalha decisiva em Waterloo. Fabrizio cavalga para o campo para participar - ele corre para o campo, mas nem reconhece seu herói Napoleão quando ele passa (quando Napoleão e o marechal Ney passaram por ele, eles não tinham nenhum sinal divino que os distinguisse dos meros mortais) . Fabrice viu em Napoleão o libertador dos povos escravizados. Pensando na salvação de sua pátria, deposita suas esperanças em Napoleão, pois para ele não se tratava apenas de uma glória pessoal, mas sobretudo de uma façanha que visava o benefício de sua pátria.

"Vermelho e preto": Para Julien Sorel, Napoleão era o ideal. Julien não foi à escola, mas estudou história e latim com um médico do regimento, participante das campanhas napoleônicas, que, antes de sua morte, legou ao menino seu amor por Napoleão - além de uma medalha e várias dezenas de livros. Desde a infância, ele sonhava em conhecê-lo. Ele comparou sua vida futura com sua vida (a brilhante Madame de Beauharnais olhou para ele), Julien sonhou que um dia a sorte sorriria para ele e uma senhora luxuosa se apaixonaria. Ele estava orgulhoso dele porque o outrora desconhecido tenente Bonaparte se tornou o governante do mundo e queria repetir suas façanhas.

Um episódio muito interessante em que Julien está parado no topo de um penhasco, observando o vôo de um falcão. Invejando o vôo de um pássaro, ele quer se tornar como ele, elevando-se acima do mundo ao seu redor. “Este foi o destino de Napoleão, talvez o mesmo me espere.” Mas houve um tempo em que Napoleão conquistou todos os países. Mas aos poucos Julien começou a entender que os tempos de glória haviam passado, e se antes para um plebeu era um caminho fácil para a fama e o dinheiro - tornar-se militar (sob Napoleão), agora nem tudo é assim.

Uma vez em Verrières, o pensamento se apossou dele: a moda de ser militar havia passado (os militares ganhavam dinheiro apenas durante a glória de Napoleão), mas agora é melhor ser ministro da igreja para ganhar mais dinheiro.

Se para Julien Napoleão é o maior exemplo de carreirista feliz, para Fabrizio ele é o libertador da Itália, o herói da revolução.

6. "Convento de Parma" de Stendhal e "Estudo sobre Bale" de Balzac.

"Claustro de Parma" : Reino da Itália. O Marquês del Dongo é um espião austríaco que espera a queda de Napoleão. O filho mais novo, Fabrizio, é o favorito de tia Gina, esposa do empobrecido conde Pietranera (inimigo da família), súdito do príncipe Eugênio e ardente defensor dos franceses. Gina é odiada na família. Fabrizio adora Napoleão, descobre que ele desembarcou na Baía de Juan e foge para a guerra por ele. A condessa e sua mãe lhe entregam os diamantes. F. Participa da Batalha de Waterloo. A batalha está perdida. O pai o amaldiçoa. O conde Pietranera morre em um duelo por sua posição. Gina esconde F. em Novara com um padre e tenta cancelar a perseguição de pessoas influentes. Ela conhece o conde Mosca de la Rovere, ministro do príncipe de Parma Ranucio dello Ernesto 4. Moscou é casado, mas ama Gina, a convida a se casar fictíciamente com o duque de Sanseverin para ter dinheiro e influência. Ela concorda. Influência e poder. Ela passa a cuidar de Fabrice com a ajuda de Mosca. O conde pede perdão à Áustria. Quer fazer F. Arcebispo de Parma. Após 4 anos, F. chega a Parma no posto de monsenhor (meias roxas podem ser usadas). A paixão de Gina por F. O príncipe desconfia e cava sob eles, escreve uma carta anônima ao seu ministro Mosca. Fabrice, por outro lado, gosta da atriz Marietta, que é dependente de Giletti, o gato. bate nela, rouba. F. Sai com Marietta, mas em um duelo com Giletti o mata. As andanças começam. Visita lugares nativos. Neste momento, o príncipe de Parma pronuncia uma sentença: 20 anos de prisão. A Duquesa lhe dá um ultimato. A marquesa Raversi falsifica cartas da duquesa para Fabrizio, onde ela marca um encontro com ele. Lá ele vê Clélia Conti, filha do general Fábio Conti. Apaixona-se por ela sem memória. O príncipe e o fiscal Rassi se preparam para envenenar Fabrice, mas Clélia o ajuda a escapar. Mosca e Rassi concordam contra o príncipe. Palla Ferrante é dedicada, ama Gina, pronta para tudo. Ela lhe dá dinheiro, mas ele não aceita. Ele oferece sua vida por Fabrizio, pelo bem dela. Eles estão preparando uma fogueira no castelo de Sacca em Parma. Fabrice e a Duquesa se escondem. Mas ele pensa apenas em Clélia.

Revolução. Palla Ferrante quase venceu. A revolta é reprimida pelo conde Mosca. No trono está Ranucio Ernesto 5, o jovem príncipe. A duquesa pode voltar. Fabrizio está salvo, ele pode se tornar arcebispo. Mas Fabrizio não tem cuidado, ele foge para a fortaleza para Clelia. Mas é perigoso para ele estar lá. Gina chega ao seu último desespero, arrebata a ordem de libertar F. do príncipe e jura ser fiel a ele por isso. Após ficar viúvo, Mosca se casa com Gina. Fabrice já é arcebispo. Em seguida, é descrito o amor deles por Clélia - um drama (a criança morre, Clélia morre, Fabrice não aguenta e também morre no mosteiro de Parma).

“Estudo de Bale ”: Balzac fala nele das três faces da literatura, três escolas - a literatura de imagens (absorve imagens sublimes da natureza), a literatura de ideias (rapidez, movimento, brevidade, drama) e ecletismo literário (uma visão geral completa dos fenômenos , uma mistura dos dois estilos anteriores). No entanto, não importa em que gênero uma obra seja escrita, ela permanece na memória das pessoas apenas se obedecer às leis do ideal e da forma.

Bayle - Stendhal. Um notável mestre da literatura de ideias (Musset, Merimet, Beranger pertencem a eles). Nesta escola há abundância de fatos, moderação de imagens, concisão, clareza. Ela é humana.

Victor Hugo é um destacado representante da literatura de imagens (Chateaubriand, Lamartine, Gauthier). Nesta escola existe uma saturação poética da frase, uma riqueza de imagens, uma ligação interior com a natureza. Essa escola é divina. A natureza prefere o homem.

A terceira escola tem menos probabilidade de inspirar as massas (Scott, de Stael, Cooper, Sand).

Basicamente, o tratado é dedicado ao "Mosteiro de Parma" de Stendhal, que Balzac considera uma obra-prima da literatura de ideias para o nosso tempo. Balzac vê o único e maior obstáculo à popularidade do livro no fato de que apenas pessoas de mente - diplomatas, cientistas, pensadores - podem entendê-lo.

Balzac conta em detalhes o enredo da Morada e faz comentários.

1. Sobre o Conde Mosca - é impossível não reconhecer nele o Príncipe Metternich, porém, transferido da grande chancelaria do Império Austríaco para o modesto Principado de Parma.

2. Principado de Parma e Ernesto Rausto IV - Duque de Modena e seu ducado.

3. Gina considera o conde Mosca o maior diplomata da Itália.

4. Mosca é tomado de amor por Gina, um grande amor eterno e sem limites, o mesmo que o amor de Metternich pela Sra. Lakes.

5. Balzac fala sobre as amplas cenas de paixões, sobre as paisagens e cores das ações descritas no romance.

6. Ele diz que não leu nada mais emocionante do que o capítulo sobre o ciúme do conde Mosca.

7. A cena em que a duquesa Gina vem se despedir do príncipe e lhe dá um ultimato é a cena mais bonita do romance moderno. Ela não quer perdão para Fabrice, apenas o príncipe deve confessar a injustiça deste caso e escrever que no futuro não terá consequências.

8. Balzac admira a nitidez da trama, a virada dos acontecimentos e dos sentimentos. Diz: "Eu não disse que este livro é uma obra-prima?"

9. Ele admira a imagem de Palla Ferrante - uma republicana e cantora da liberdade. Ele diz que queria fazer a mesma imagem (Michel Chrétien), mas não deu certo para ele.

Balzac também traz as deficiências do livro:

Stendhal cometeu um erro no arranjo dos eventos (um erro comum quando se toma uma história que é verdadeira na natureza. Mas implausível na arte).

O alongamento do início e do fim, sugerindo uma nova volta.... Isso é um sinal de menos.

Estilo fraco (sílaba desleixada).

Ao final do tratado, o livro deve ser polido e dotado do brilho da perfeição.

7. Princípios de composição nos romances de Stendhal e Balzac.

balzac: ele presta muita atenção à composição do romance. Balzac não renuncia de forma alguma a situações inusitadas, intrigas complexas e situações agudas características de um romance romântico. Mas ele dá uma motivação realista aos incidentes complexos, intrincados, às vezes completamente extraordinários do romance, mostrando que a própria vida burguesa, que ele retrata, contém muito do extraordinário. É complexo, tem muito drama, dinâmica, situações confusas. Portanto, no enredo de seus romances, ele não considera necessário abandonar intrigas complexas, mas deseja sondar o núcleo único que controla todos os eventos nessa variedade de fatos intrincados. Balzac abandona muitas das velhas tradições na construção do romance: de um único protagonista (muitos heróis fluindo de um romance para outro).

A força unificadora de todas as linhas são os interesses monetários. Muitos romances são construídos sobre o choque de interesses materiais de pessoas diferentes. Uma pessoa quer construir uma carreira, encontra resistência, surgem lutas e assim por diante. O significado do meu trabalho é dar aos fatos da vida das pessoas, fatos cotidianos, eventos da vida pessoal, tanta importância quanto os historiadores deram importância à vida social dos povos.

Para fins de sistematização científica, Balzac dividiu todo esse grande número de romances em séries.

Stendhal: Stendhal, ao contrário de Balzac, tem um personagem principal no romance. E Julien Sorel e Fabrizio. Os romances são dedicados à formação de uma personalidade do protagonista, sua experiência de diferentes pontos de vista e posições.

Quase todos os romances de Stendhal são baseados em fatos reais ("Red and Black": o caso legal de Antoine Berthe, que matou na igreja ...; "Mosteiro de Parma": um manuscrito dedicado às escandalosas aventuras do Papa Paulo III) .

Stendhal também tenta cobrir todas as esferas da vida social moderna, como Balzac, mas percebe isso à sua maneira: sua composição é crônica-linear, organizada pela biografia do herói. A trama é baseada na vida espiritual do herói, na formação de seu personagem na interação com o meio ambiente. (legendado Vermelho e Preto - "Crônica do século XIX").

8. O tema de Waterloo de Stendhal e Thackeray.

Stendhal: A cena da Batalha de Waterloo é de particular importância no "Convento de Parma". À primeira vista, parece que se trata apenas de um episódio inserido, mas é de importância decisiva para o desenrolar posterior da trama do romance.

A descrição da batalha no "Mosteiro de Parma" é verdadeira, brilhante em seu realismo. Balzac elogiou a magnífica descrição da batalha, com a qual sonhou por suas cenas da vida militar.

A Batalha de Waterloo é o início da ação no romance, o protagonista deseja imediatamente realizar um feito heróico, participar de uma batalha histórica.
Como Julien, Fabrizio está convencido de que o heroísmo só é possível no campo de batalha. Julien não consegue fazer carreira militar, Fabrizio recebe essa oportunidade.

O herói romântico, ansioso por uma façanha, experimenta a mais severa decepção. O autor descreve em detalhes as aventuras de Fabrizio no campo de batalha, revela passo a passo o colapso de suas ilusões. Assim que ele apareceu na frente, foi confundido com um espião e preso, ele escapou de lá.

Desapontamento:

O caminho de seu cavalo está bloqueado pelo cadáver de um soldado (sujo-terrível). A crueldade machuca os olhos do cara.

Ele não reconhece Napoleão: ele corre para o campo, mas nem mesmo reconhece seu herói Napoleão quando ele passa (quando Napoleão e o marechal Ney passaram por ele, eles não tinham nenhum sinal divino que os distinguisse dos meros mortais) .

Uma vez no campo de batalha, Fabrizio não consegue entender nada - nem onde está o inimigo, nem onde estão os seus. No final, entrega-se à vontade do seu cavalo, que o leva a não se sabe para onde. As ilusões são destruídas pela realidade.

Não é por acaso que Stendhal traça um paralelo entre a batalha histórica e as vivências do herói. Os eventos históricos assumem um significado simbólico no romance: a Batalha de Waterloo foi o túmulo político de Napoleão, sua derrota total. Uma chamada com as "ilusões perdidas" de Fabrice, o colapso de todos os seus sonhos de um grande feito heróico.

Fabrizio falha em "libertar sua pátria" - o colapso não apenas das esperanças pessoais, mas também das "ilusões perdidas" de toda uma geração. Depois da batalha, o heroísmo, o romance, a coragem continuam sendo os traços pessoais de Fabrice, mas adquirem uma nova qualidade: não estão mais voltados para a consecução de objetivos comuns.

Thackeray: A principal característica de Thackeray é que ele não retratou, não descreveu a batalha em si, a batalha em si. Ele apenas mostrou as consequências, os ecos da batalha. Thackeray descreve especificamente a cena da despedida de George Osborne para Emilia, quando as tropas de Napoleão cruzam o Sambre. Alguns dias depois, ele morrerá na Batalha de Waterloo. Antes disso, ele ainda manda uma carta para Emilia da frente dizendo que está tudo bem com ele. Em seguida, os feridos são trazidos do campo de batalha para a cidade, Emilia cuida deles, sem saber que o marido jaz sozinho, ferido, no campo e morrendo. Assim, Thackeray descreve a batalha em volume, em grande escala, mostrando tudo "antes e depois" do evento.

9. O tema da "desilusão" na Comédia Humana de Balzac.

Lucien Chardon. Rastignac.

"Ilusões perdidas" - para abrigar ilusões - o destino dos provincianos. Lucien era bonito e poeta. Ele foi notado em sua cidade pela rainha local = Madame de Bargeton, que deu uma clara preferência a um jovem talentoso. Seu amante constantemente lhe dizia que ele era um gênio. Ela disse a ele que somente em Paris eles poderiam apreciar seu talento. É lá que todas as portas se abrirão para ele. Afundou em sua alma. Mas quando ele chegou a Paris, sua amante o abandonou porque ele parecia um pobre provinciano comparado aos dândis da sociedade. Ele foi abandonado e deixado sozinho, mas todas as portas se fecharam diante dele. A ilusão que ele tinha em sua cidade provinciana (sobre fama, dinheiro, etc.) desapareceu.

EM "Padre Goriot" Rastignac ainda acredita no bem, tem orgulho de sua pureza. Minha vida é "clara como um lírio". Ele é de origem nobre aristocrática, vem a Paris para fazer carreira e ingressar na faculdade de direito. Ele mora na pensão de Madame Vaquet com o que resta de seu dinheiro. Ele tem acesso ao salão da viscondessa de Beauseant. Socialmente, ele é pobre. A experiência de vida de Rastignac é composta pela colisão de dois mundos (o condenado Vautrin e a viscondessa). Rastignac considera Vautrin e seus pontos de vista superiores a uma sociedade aristocrática, onde os crimes são pequenos. “Ninguém precisa de honestidade”, diz Vautrin. "Quanto mais frio você contar, mais longe você chegará." Sua posição intermediária é típica da época. Com o último dinheiro, ele organiza um funeral para o pobre Goriot.

na novela "Casa do Banqueiro"

EM "couro shagreen"- uma nova etapa na evolução do Rastignac. Aqui ele já é um estrategista experiente que há muito se despede de todo tipo de ilusões. Este é um cínico absoluto

10. O tema da "desilusão" no romance "Sensibilidades educativas" de Flaubert.

O tema da desilusão neste romance está relacionado com a vida e o desenvolvimento da personalidade do protagonista Frederic Moreau. Tudo começa com o fato de que ele vem de barco para Nogent no Sena para sua mãe depois de um longo estudo em uma faculdade de direito. A mãe quer que o filho se torne um homem grande, quer arrumá-lo em um escritório. Mas Ferederic quer ir para Paris. Vai para Paris, onde conhece, em primeiro lugar, a família Arnoux e, em segundo lugar, a família Dambrez (influente). Ele espera que eles o ajudem a se estabelecer. A princípio, ele continua estudando em Paris com seu amigo Deslauriers, conhece vários alunos - o artista Pellerin, o jornalista Ussonet, Dussardier, Regembard e assim por diante. Aos poucos, Feredric perde esse desejo de um objetivo alto e uma boa carreira. Ele entra na sociedade francesa, começa a frequentar bailes, bailes de máscaras, tem casos amorosos. Durante toda a sua vida ele foi assombrado pelo amor por uma mulher, Madame Arnoux, mas ela não permite que ele se aproxime dela, então ele vive, esperando por um encontro. Um dia ele descobre que seu tio morreu e deixou para ele uma fortuna relativamente grande. Mas Feredric já está no estágio em que sua posição nesta sociedade francesa se torna o principal para ele. Agora ele não está preocupado com sua carreira, mas como se veste, onde mora ou janta. Ele começa a gastar dinheiro para frente e para trás, investe em ações, queima, então por algum motivo ajuda Arn, ele não paga sua dívida, o próprio Frederico começa a viver na pobreza. Enquanto isso, uma revolução está sendo preparada. Uma república é proclamada. Todos os amigos de Frederick estão nas barricadas. Mas ele não se importa com a opinião pública. Ele está mais ocupado com sua vida pessoal e seus arranjos. Ele é atraído pela proposta de Louise Rokk, uma noiva em potencial com um bom dote, mas uma garota do campo. Depois toda a história com Rosanette, quando ela engravida dele e nasce um filho, que logo morre. Em seguida, um caso com Madame Dambrez, cujo marido morre e não lhe deixa nada. Frederico lamenta. Reencontra Arna, percebe que eles são ainda piores. Como resultado, ele fica sem nada. De alguma forma, ele lida com sua posição sem fazer carreira. Aqui estão elas, as ilusões perdidas de um homem que foi sugado pela vida parisiense e o tornou completamente sem ambição.

11. A imagem de Etienne Lousteau no romance "Ilusões Perdidas" de Balzac.

Etienne Lousteau - um escritor fracassado, jornalista corrupto, introduzindo Lucien no mundo do jornalismo parisiense animado e sem princípios, cultivando a profissão de "assassino de ideias e reputações". Lucien domina esta profissão.

Etienne é obstinado e descuidado. Ele próprio já foi poeta, mas falhou - jogou-se com amargura no turbilhão da especulação literária.

Seu quarto está sujo e desolado.

Etienne desempenha um papel muito importante no romance. É ele quem é o sedutor de Lucien do caminho da virtude. Ele revela a Lucien a venalidade da imprensa e do teatro. Ele é um conformista. Para ele, o mundo é um "tormento infernal", mas é preciso saber se adaptar a eles, e aí, talvez, a vida melhore. Agindo no espírito da época, ele está condenado a viver em eterna discórdia consigo mesmo: a dualidade desse herói se manifesta em suas avaliações objetivas de suas próprias atividades jornalísticas e arte contemporânea. Lucien é mais autoconfiante do que Lousteau e, portanto, rapidamente compreende seu conceito e a fama rapidamente sobe para ele. Afinal, ele tem talento.

12. A evolução da imagem do financista na "Comédia Humana" de Balzac.

Balzac:

gobsek

Félix Grande

Papa Goriot

Pai de David Sechard

Rastignac

13. A tragédia de Eugenia Grande novela de mesmo nome Balzac.

O problema é o dinheiro, o ouro e o poder avassalador que ele adquire na vida da sociedade capitalista, determinando todas as relações humanas, o destino dos indivíduos, a formação dos personagens sociais.

Old Man Grande é um gênio moderno que ganha dinheiro, um milionário que transformou a especulação em arte. Grande renunciou a todas as alegrias da vida, murchou a alma da filha, privou a felicidade de todos os que lhe eram próximos, mas ganhou milhões.

O tema é a decadência da família e do indivíduo, a queda da moralidade, o insulto de todos os sentimentos e relacionamentos humanos íntimos sob o domínio do dinheiro. Foi precisamente por causa da riqueza do pai que a infeliz Evgenia foi percebida pelos outros como uma forma de fazer um capital sólido. Entre os Kruchotins e os Grassenistas, os dois campos de oposição dos habitantes de Saumur, houve uma luta constante pela mão de Eugenia. Claro, o velho Grandet entendeu que as frequentes visitas de Grassins e Cruchot à sua casa eram expressões completamente falsas de respeito pelo velho tanoeiro e, portanto, ele costumava dizer a si mesmo: “Eles estão aqui pelo meu dinheiro. Eles vêm aqui para sentir minha falta pela minha filha. Haha! Minha filha não vai pegar nem um nem outro, e todos esses senhores são apenas anzóis na minha vara de pescar!

O destino de Eugenie Grande é a história mais triste contada por Balzac em seu romance. A infeliz menina, como se estivesse na prisão, definhando por muitos anos na casa de seu pai avarento, apega-se ao primo Carlos de todo o coração. Ela entende sua dor, entende que ninguém no mundo precisa dele e que sua pessoa mais próxima agora, seu próprio tio, não vai ajudá-lo pelo mesmo motivo que Evgenia tem que se contentar com comida ruim e roupas miseráveis a vida toda. E ela, pura de coração, dá a ele todas as suas economias, suportando corajosamente a terrível ira de seu pai. Há muitos anos ela espera seu retorno ... E Charles esquece seu salvador, sob a influência do sentimento público, ele se torna o mesmo Felix Grande - um acumulador imoral de riquezas. Ele prefere a garota feia titulada, Mademoiselle D'Aubrion, a Eugenie, porque agora é movido por interesses puramente egoístas. Assim, a fé de Evgenia no amor, a fé na beleza, a fé na felicidade inabalável e na paz foram interrompidas.

Evgenia vive com o coração. Os valores materiais para ela não são nada comparados aos sentimentos. sentimentos compõem conteúdo verdadeiro sua vida, neles para ela está a beleza e o sentido do ser. A perfeição interior de sua natureza também se revela em sua aparência externa. Para Eugênia e sua mãe, que ao longo de suas vidas tiveram a única alegria daqueles raros dias em que o pai lhes permitia aquecer o fogão, e que viam apenas sua casa em ruínas e o tricô cotidiano, o dinheiro não tinha absolutamente nenhum significado.

Portanto, enquanto todos ao redor estavam prontos para adquirir ouro a qualquer custo, para Evgenia, os 17 milhões herdados após a morte de seu pai acabaram sendo um fardo pesado. Gold não poderá recompensá-la pelo vazio que se formou em seu coração com a perda de Charles. E ela não precisa de dinheiro. Ela não sabe como lidar com eles, porque se ela precisava deles, era apenas para ajudar Charles, ajudando assim a si mesma e a sua própria felicidade. Mas, infelizmente, o único tesouro que existe para ela na vida - afeição e amor afins - é desumanamente pisoteado, e ela perdeu essa única esperança no auge da vida. Em algum momento, Evgenia percebeu todo o infortúnio irreparável de sua vida: para seu pai, ela sempre foi apenas a herdeira de seu ouro; Charles preferia uma mulher mais rica a ela, cuspindo em todos os sentimentos sagrados de amor, carinho e dever moral; os Somyurs olhavam e continuam a vê-la apenas como uma noiva rica. E os únicos que a amavam não por seus milhões, mas de verdade - sua mãe e a empregada Nanon - eram muito fracos e impotentes onde o velho Grande reinava supremo com os bolsos recheados de ouro. Perdeu a mãe, agora já enterrou o pai, que estende as mãos ao ouro mesmo nos últimos minutos da vida.

Sob tais condições, uma profunda alienação inevitavelmente surgiu entre Eugenia e o mundo ao seu redor. Mas é improvável que ela mesma soubesse claramente qual era exatamente a causa de seus infortúnios. Claro, apenas cite o motivo - o domínio desenfreado do dinheiro e das relações monetárias, que estava à frente da sociedade burguesa, que esmagou a frágil Eugenia. Ela é privada de felicidade e bem-estar, apesar de ser infinitamente rica.

E sua tragédia é que a vida de pessoas como ela acabou sendo absolutamente inútil e inútil para qualquer pessoa. Sua capacidade de afeição profunda caiu em ouvidos surdos.

Tendo perdido toda a esperança de amor e felicidade, Evgenia muda repentinamente e se casa com o presidente de Bonfon, que esperava por esse momento de boa sorte. Mas mesmo esse homem egoísta morreu logo após o casamento. Eugenia ficou sozinha novamente com ainda mais riqueza, que havia sido herdada de seu falecido marido. Provavelmente foi uma espécie de azar para a infeliz menina, que ficou viúva aos trinta e seis anos. Ela nunca deu à luz um filho, aquela paixão sem esperança que Evgenia viveu todos esses anos.

E, no entanto, no final, aprendemos que "o dinheiro estava destinado a comunicar sua coloração fria a esta vida celestial e incutir em uma mulher que era toda sentimento, desconfiança dos sentimentos". Acontece que no final Eugenia se tornou quase igual ao pai. Ela tem muito dinheiro, mas vive na pobreza. Ela vive assim, porque está acostumada a viver assim, e outra vida não é mais passível de sua compreensão. Eugenia Grande é um símbolo da tragédia humana, expressa no choro no travesseiro. Ela aceitou sua condição e não consegue mais conceber uma vida melhor. A única coisa que ela queria era felicidade e amor. Mas não encontrando isso, ela chegou à estagnação completa. E não pequeno papel aqui jogou as relações monetárias que prevaleciam naquela época na sociedade. Se eles não fossem tão fortes, Charles provavelmente não teria sucumbido à influência deles e mantido seus sentimentos devotados por Eugenia, e então o enredo do romance teria se desenvolvido de forma mais romântica. Mas não seria mais Balzac.

14. O tema da "paixão violenta" na obra de Balzac.

Balzac tem uma paixão violenta por dinheiro. Estes são acumuladores e imagens de usurários. Este tema aproxima-se do tema da imagem do financista, porque são eles que vivem esta paixão frenética pelo entesouramento.

gobsek parece ser uma pessoa desencarnada, impassível, indiferente ao mundo ao seu redor, à religião e às pessoas. Ele está longe de suas próprias paixões, porque as observa constantemente nas pessoas que o procuram para pedir contas. Ele os revisa e ele próprio está em constante calma. No passado, ele experimentou muitas paixões (negociou na Índia, foi enganado por uma bela mulher) e, portanto, deixou isso no passado. Conversando com Derville, ele repete a fórmula do couro shagreen: “O que é felicidade? Isso é uma forte excitação que prejudica nossa vida ou uma ocupação medida. Ele é tão mesquinho que no final, quando morre, fica um monte de mercadoria, comida, mofado pela mesquinhez do dono.

Dois princípios vivem nele: um avarento e um filósofo. Sob o poder do dinheiro, ele se torna dependente deles. O dinheiro se torna mágico para ele. Ele esconde ouro em sua lareira e, após sua morte, não deixa sua fortuna para ninguém (um parente, uma mulher caída). Gobsek é um comedor vivo (tradução).

Félix Grande- um tipo ligeiramente diferente: o gênio moderno do lucro, o milionário que transformou a especulação em arte. Grande renunciou a todas as alegrias da vida, murchou a alma da filha, privou a felicidade de todos os que lhe eram próximos, mas ganhou milhões. Sua satisfação está nas especulações bem-sucedidas, nas conquistas financeiras, nas vitórias comerciais. Ele é uma espécie de servo desinteressado da "arte pela arte", já que ele próprio é despretensioso pessoalmente e não se interessa pelos benefícios que são dados aos milhões. A única paixão - a sede de ouro - não conhece fronteiras, matou todos os sentimentos humanos no velho tanoeiro; o destino de sua filha, esposa, irmão, sobrinho o interessa apenas do ponto de vista da questão principal - a relação deles com sua riqueza: ele deixa a filha e a esposa doente passar fome, leva esta última à sepultura com sua mesquinhez e crueldade; ele destrói a felicidade pessoal de sua única filha, pois essa felicidade exigiria que Grande abrisse mão de parte dos tesouros acumulados.

15. O destino de Eugene de Rastignac em A Comédia Humana de Balzac.

EM "Padre Goriot"

Logo ele percebe que sua posição é ruim, não levará a nada, que ele deve desistir da honestidade, cuspir no orgulho e ir para a mesquinhez.

na novela "Casa do Banqueiro" fala sobre os primeiros sucessos comerciais de Rastignac. Com a ajuda do marido de sua amante, Delphine, filha de Goriot, o barão de Nucingen, ele faz fortuna por meio de um inteligente jogo de ações. Ele é um montador clássico.

EM "couro shagreen"

16. A diatribe como forma de identificar os problemas mais agudos de nosso tempo no conto de Balzac "A Casa do Banqueiro de Nucingen".

Diatribe- discurso sobre temas morais. Um discurso acusatório raivoso (do grego) A conversa permeia todo o romance "A casa do banqueiro de Nucingen", com a ajuda da conversa, os lados negativos dos personagens são revelados.

17. O estilo artístico do falecido Balzac. Dilogia sobre "Parentes Pobres".

18. Heróis positivos e o papel do final feliz na obra de Dickens.

19. Dickens e o Romantismo.

20. Imagens de financistas nas obras de Balzac e Flaubert.

Balzac: em Balzac, em quase todos os romances da "Comédia Humana" de nossa lista, há a imagem de um financista. Basicamente, são usurários que vivem da paixão frenética do dinheiro, mas também alguns outros representantes da burguesia.

Criando a imagem de seu usurário, Balzac o inseriu no contexto da mais complexa era social, contribuindo para a divulgação de vários aspectos dessa imagem.

Assim como o antiquário em Shagreen Leather, gobsek parece ser uma pessoa desencarnada, impassível, indiferente ao mundo ao seu redor, à religião e às pessoas. Ele está longe de suas próprias paixões, porque as observa constantemente nas pessoas que o procuram para pedir contas. Ele os revisa e ele próprio está em constante calma. No passado, ele experimentou muitas paixões (negociou na Índia, foi enganado por uma bela mulher) e, portanto, deixou isso no passado. Conversando com Derville, ele repete a fórmula do couro shagreen: “O que é felicidade? Isso é uma forte excitação que prejudica nossa vida ou uma ocupação medida. Ele é tão mesquinho que no final, quando morre, fica um monte de mercadoria, comida, mofado pela mesquinhez do dono.

Papa Goriot Um dos pilares da Comédia Humana. Ele é padeiro, ex-fabricante de massas. Ele carregou sua vida apenas amor por suas filhas: é por isso que ele gastou todo o dinheiro com elas, e elas usaram. Então ele faliu. Este é o oposto de Félix Grande. Ele exige deles apenas amor por ele, por isso está pronto para dar tudo a eles. No final da vida, deduz uma fórmula: o dinheiro dá tudo, até as filhas.

Pai de David Sechard: a mesquinhez começa onde começa a pobreza. O pai começou a ser ganancioso quando a gráfica estava morrendo. Ele chegou a determinar o custo de uma folha impressa a olho nu. Eles eram propriedade apenas de interesses egoístas. Ele colocou seu filho na escola apenas para preparar um sucessor para si. Este é o tipo de Felix Grande que queria que David lhe desse tudo enquanto ele estava vivo. Quando David estava à beira da ruína, ele procurou seu pai para pedir dinheiro, mas seu pai não lhe deu nada, lembrando que uma vez ele lhe deu dinheiro para estudar.

Rastignac(na Casa Bancária do Nucingen). Este romance fala dos primeiros sucessos comerciais de Rastignac. Com a ajuda do marido de sua amante, Delphine, filha de Goriot, Barão de Nucingen, ele faz fortuna por meio de um inteligente jogo de ações. Ele é um montador clássico. “Quanto mais eu faço empréstimos, mais eles acreditam em mim”, diz ele em Shagreen Skin.

Flaubert: Em Madame Bovary, a imagem do financista é o Sr. Leray, um usurário de Yonville. Ele é comerciante de tecidos e, como essa mercadoria é cara, ganha muito dinheiro com ela e mantém muitos habitantes da cidade endividados. Ele aparece na novela no momento em que os Bovary chegam a Yonville. O cachorro de Emma Jali foge e ele se solidariza com ela, falando sobre seus problemas com cachorros perdidos.

Para relaxar, Emma compra roupas novas de Leray. Ele se aproveita disso, percebendo que esse é o único consolo para a menina. Assim, ela cai no buraco da dívida com ele, sem dizer nada ao marido. E Charles um dia pede emprestado 1.000 francos dele. Leray é um empresário inteligente, lisonjeiro e astuto. Mas ele, ao contrário dos heróis de Balzac, age ativamente - ele transforma sua riqueza, emprestando.

21. O problema do herói realista em Madame Bovary de Flaubert.

Flaubert expõe esse mundo não tanto opondo a heroína a ele, mas por meio de uma identificação inesperada e ousada de princípios aparentemente opostos - a despoetização e a desheroização tornam-se um sinal da realidade burguesa, estendendo-se tanto a Charles quanto a Emma, tanto ao família burguesa e à paixão, pelo amor que destrói a família.

Uma forma objetiva de narrar - Flaubert mostra de maneira surpreendente e realista a vida de Emma e Charles nas cidades, os fracassos que acompanham essa família durante certos fundamentos morais da sociedade. Flaubert descreve a morte de Emma de forma especialmente realista quando ela se envenena com arsênico - gemidos, gritos selvagens, convulsões, tudo é descrito em detalhes e de forma realista.

22. O panorama social da Inglaterra no romance "Vanity Fair" de Thackeray e a posição moral do escritor.

Título duplo. Um romance sem herói. Com isso, o autor queria dizer que no bazar da vaidade mundana que ele retrata, todos os heróis são igualmente maus - todos são gananciosos, gananciosos, privados da humanidade elementar. Acontece que, se há um herói no romance, ele é um anti-herói - isso é dinheiro. Nessa dualidade, a meu ver, o movimento intenção do autor: ele nasceu de um humorista escrevendo para revistas, escondendo-se atrás de um nome falso, e então, reforçado em sua seriedade por associações bíblicas, a memória da intransigência moral de Bunyan, exigiu que o escritor falasse em seu próprio nome.

O subtítulo provavelmente deve ser interpretado literalmente: é um romance sem um herói romântico. O próprio Thackeray sugere tal interpretação no sexto capítulo, quando, apenas abordando os primeiros acontecimentos importantes do romance, reflete sobre como dar-lhes um rumo e que estilo de narração escolher. Ele oferece ao leitor uma variante de um crime romântico ou uma variante no espírito dos romances seculares. Mas o estilo escolhido pelo autor não corresponde a recomendações literárias que garantam o sucesso, mas segue a experiência de vida do autor: “Assim, vede, graciosas senhoras, como o nosso romance poderia ser escrito se o autor assim o desejasse; porque, para contar o verdade, ele está tão familiarizado com os costumes da prisão de Newgate quanto com os palácios de nossa respeitável aristocracia, pois observou ambos apenas de fora. (W. Thackeray Vanity Fair. M., 1986. P. 124.).

"Detalhes anti-românticos" são vistos ao longo do romance. Por exemplo, de que cor é o cabelo da heroína? De acordo com os cânones românticos, Rebecca teria que ser morena ("tipo de vilã"), e Emilia - loira ("tipo de inocência loira"). Na verdade, Rebecca tem cabelos dourados e avermelhados, enquanto Emilia tem cabelos castanhos.

Em geral, "... A famosa boneca Becky mostrou uma flexibilidade extraordinária nas articulações e revelou-se muito ágil no arame; a boneca Emilia, embora tenha conquistado um círculo de admiradores muito mais limitado, é finalizada pelo artista e vestido com a maior diligência..." O marionetista Thackeray leva o leitor ao seu palco teatral, à sua feira, onde se podem assistir "os mais diversos espectáculos: batalhas sangrentas, carrosséis majestosos e magníficos, cenas da vida da alta sociedade, como bem como da vida de pessoas muito modestas, episódios de amor para corações sensíveis, bem como cômicos, de gênero leve - e tudo isso é decorado com cenários adequados e generosamente iluminado com velas às custas do autor.

Motivo do marionetista.

O próprio Thackeray enfatizou repetidamente que seu livro é uma comédia de fantoches na qual ele é apenas um titereiro dirigindo o jogo de seus fantoches. Ele é um comentarista e um detrator, e ele próprio um participante deste "bazar da vaidade mundana". Este ponto enfatiza a relatividade de qualquer verdade, a ausência de critérios absolutos.

23. A tradição do picaresco e do romance na Vanity Fair.

24. Contraponto de Rebecca Sharp e Amelia Sedley.

Contraponto -é um ponto após ponto quando as histórias são intercaladas no romance. No romance de Thackeray, as histórias de duas heroínas se cruzam, representantes de duas classes diferentes, ambientes sociais, por assim dizer, Emilia Sedley e Rebecca Sharp. É melhor começar a comparar Rebecca e Emilia desde o início.

As duas garotas estavam na pensão da Srta. Pinkerton. É verdade que Rebecca também trabalhava lá, ensinava francês às crianças, mas ainda assim ela e Emilia podiam ser consideradas iguais no momento em que saíam do "abrigo" dos filhos (adolescentes). Miss Amelia Sedley é recomendada a seus pais "como uma jovem, bastante digna de ocupar seu lugar de direito em seu círculo escolhido e refinado. Todas as virtudes que distinguem uma nobre jovem inglesa, todas as perfeições condizentes com sua origem e posição, são inerentes na querida senhorita Sedley."

Rebecca Sharp, por outro lado, tinha a triste característica dos pobres - maturidade prematura. E, claro, sua vida de pobre aluna, tirada da misericórdia, deixada sozinha neste mundo, não se parecia com os sonhos da rica Emília, que tinha uma retaguarda confiável; e o relacionamento de Rebecca com Miss Pinkerton mostrou que neste coração amargurado só há espaço para dois sentimentos - orgulho e ambição.

Assim, um pensionista esperava por pais ternos, amorosos e, não menos importante, ricos, o outro - um convite para ficar com a querida Emilia por uma semana antes de ir para uma família estranha como governanta. Portanto, não é de estranhar que Becky tenha decidido se casar com esse "dândi gordo", irmão de Amelia.

A vida se divorciou de "amigos queridos": uma ficou em casa, ao piano, com o noivo e dois novos lenços indianos, a outra foi, e uma quer escrever "pegar felicidade e posição", pegar um marido ou patrono rico, riqueza e independência, com um xale indiano usado de presente.

Rebecca Sharp é uma atriz conscienciosa. Sua aparição costuma ser acompanhada por uma metáfora teatral, a imagem do teatro. Seu encontro com Emilia após uma longa separação, durante a qual Becky aprimorou suas habilidades e garras, aconteceu em um teatro onde "nenhuma dançarina mostrou uma arte de pantomima tão perfeita e não conseguiu igualar suas travessuras". E a maior ascensão de Rebecca em sua carreira secular é um papel em uma farsa, interpretada com brilhantismo, como a saída da atriz para o grande palco, após a qual ela terá que atuar em um palco provinciano mais modesto.

Então, o colapso, que para uma pessoa menor ou mais fraca (por exemplo, Emilia) significaria um colapso total, o fim, para Becky, é apenas uma mudança de papel. E um papel que já se tornou chato. Afinal, durante seus sucessos sociais, Becky admite a Lord Stein que está entediada e que seria muito mais divertido "vestir um terno de lantejoulas e dançar na feira em frente a uma barraca!" E nesta companhia duvidosa que a envolve em The Restless Chapter, ela realmente se diverte mais: talvez aqui ela finalmente se encontrasse, finalmente feliz.

Becky é a personalidade mais forte do romance, e somente antes de uma manifestação de sentimentos humanos ela cede - antes da humanidade. Ela, uma egoísta, simplesmente não entende o ato de Lady Jane, que primeiro comprou Rawdon dos credores e depois colocou ele e seu filho sob sua proteção. Ela não entende Rodon, que jogou fora as máscaras de oficial folião e marido traído, e adquiriu um rosto em seu amor carinhoso por seu filho, em sua confiança enganada, ele se elevou sobre Becky, que se lembraria e se arrependeria mais do que uma vez "sobre seu amor e fidelidade honestos, estúpidos e constantes".

Becky parece imprópria na cena de despedida de Rodon antes de ele partir para a guerra. Esse tolo mostrou tanta sensibilidade e preocupação com o futuro dela que até deixou seu novo uniforme para ela e fez campanha "quase com uma oração pela mulher que ele deixou".

Sobre Emilia, parece-me, é impossível falar em tons tão fortes e excitados. Ela tem uma espécie de vida “geléia” e sempre chora, sempre reclama, sempre se pendura no cotovelo do marido, que não sabe mais respirar com mais liberdade.

Thackeray acreditava que "Emilia ainda se mostraria" porque "ela seria salva pelo amor". Algumas páginas sobre Emilia, especialmente sobre seu amor pelo filho, são escritas em uma veia dickeniana chorosa. Mas a Vanity Fair provavelmente está organizada de tal forma que bondade, amor, fidelidade não apenas perdem seu valor, mas também perdem algo em si mesmos, tornando-se companheiros de estranheza, fraqueza, tacanha. E vaidoso, vaidoso amor-próprio: quem era, afinal, Emília, "se não uma pequena tirana descuidada"? Um pedaço de papel foi capaz de extinguir o amor ardente e "verdadeiro" por ... seu sonho, e foi Becky quem ajudou Emilia a encontrar sua felicidade estúpida e "gansa".

E Becky? Desde a infância, cínico, sem vergonha. Thackeray, no decorrer do romance, enfatiza insistentemente que ela não é pior nem melhor do que os outros, e que as circunstâncias adversas a tornaram o que ela é. Sua imagem é desprovida de suavidade. Ela se mostra incapaz de muito amor, até mesmo o amor de seu próprio filho. Ela ama apenas a si mesma. Dela caminho da vida- hipérbole e símbolo: a imagem de Rebecca ajuda a entender toda a ideia do romance. Vaidosa, ela busca a glória nos caminhos errados e, no final, chega ao vício e ao infortúnio.

25. A trilogia dramática de Goebbel "Nibelungen" e o problema do "mito" no realismo.

No final de sua vida, Goebel escreveu "Nibelungen". Esta é a última grande obra dramática concluída. Ele o escreveu por cinco anos (de 1855 a 1860). O conhecido épico medieval "A Canção dos Nibelungos" organizado de forma moderna para o escritor foi dedicado à sua esposa Cristina, que ele viu interpretando na produção teatral do drama de Raupach "Os Nibelungos", predecessor de Goebbel. Em geral, deve-se dizer que o tema deste épico foi retrabalhado por muitos escritores. Os precursores da tragédia de Goebbel foram Delamotte Fouquet, Ulat ("Siegfried"), Geibel ("Kriemhild"), Raupach, e depois Goebbel Wagner criou sua famosa trilogia "O Anel dos Nibelungos".

A principal diferença entre os "Nibelungos" de Goebel e a "Canção dos Nibelungos" é o profundo psicologismo da tragédia, um tema cristão de sonoridade mais forte, um texto mais mundano e o surgimento de novos motivos. Novos motivos são o amor de Brynhild e Siegfried, que não era tão claramente visível no último épico, a introdução de um novo personagem Frigga (a enfermeira de Brynhild) na tragédia e, o mais importante, uma nova interpretação do mito do ouro amaldiçoado, que soava na canção de Volker: "Crianças brincavam - uma matava a outra; ouro apareceu da pedra, o que deu origem a contendas entre os povos.

26. Revolução de 1848 e a estética da "arte pura".

A revolução ocorreu em muitos países europeus: Alemanha, Itália, França, Hungria.

O governo de Louis Philippe teve uma série de contratempos na política externa, levando ao surgimento de oposição parlamentar e não parlamentar. Em 1845-46 houve quebras de safra, tumultos por comida.

1847: O rescaldo de uma crise comercial e industrial geral na Inglaterra. O governo francês não queria reformas e as grandes massas compreendiam os motins insatisfeitos. Em fevereiro de 1848, ocorreu uma manifestação em defesa da reforma eleitoral, que resultou em uma revolução. O partido derrubado foi substituído por forças mais reacionárias. Houve uma segunda república (burguesa). Os trabalhadores estavam desarmados, não se tratava de concessões à classe trabalhadora. Então Napoleão, Presidente da República, deu um golpe de estado e tornou-se Imperador da França (Segundo Império).

Todo o curso da revolução burguesa foi a derrota e o triunfo das forças reacionárias. Os remanescentes das tradições pré-revolucionárias e os resultados das relações sociais pereceram.

A revolução de 1848 é percebida com um "Viva!" intelectual. Todos os intelectuais estão nas barricadas. Mas a revolução atola e se transforma em um golpe ditatorial. Aconteceu o pior que aqueles que aspiravam a esta revolução poderiam esperar. A fé num futuro humanista e no progresso desmoronou com o colapso da revolução. Um regime de vulgaridade burguesa e estagnação geral foi estabelecido.

Naquele momento, era necessário criar a aparência de prosperidade e sucesso. Assim nasceu a arte pura. Atrás dele - decadência, grupo parnasiano (Gaultier, Lille, Baudelaire).

– teoria da arte pura.

Surge o panteísmo - multicrença, muitos heróis, opiniões, pensamentos. A história e as ciências naturais tornam-se as musas da era moderna. O panteísmo de Flaubert é uma cascata moderna: ele explicava a languidez do espírito pelo estado da sociedade. “Só valemos alguma coisa por causa do nosso sofrimento.” Emma Bovary é um símbolo da época, um símbolo da modernidade vulgar.

27. O tema do amor na poesia de Baudelaire.

O próprio poeta Baudelaire é um homem com um destino difícil. Ruptura com a família (quando é enviado para uma colônia na Índia e foge de volta para Paris), viveu muito tempo sozinho. Vivia na pobreza, ganhava algum dinheiro com caneta (comentários). Muitas vezes em sua poesia, ele se voltou para tópicos proibidos (também uma espécie de choque).

Dos franceses, seus professores foram Sainte-Beuve e Theophile Gauthier. A primeira o ensinou a encontrar beleza naquilo que a poesia rejeitava, nas paisagens naturais, nas cenas suburbanas, nos fenômenos da vida ordinária e rude; o segundo dotou-o da capacidade de transformar o material mais ignóbil em ouro puro da poesia, a capacidade de criar frases amplas, claras e cheias de energia contida, com toda a diversidade de tons, a riqueza da visão.

O golpe e a revolução minaram muitos pensamentos idealistas em Baudelaire.

A postura de vida do poeta é escandalosa: rejeição constante do que é oficial. Ele não compartilhava ideias sobre o progresso humano.

O tema do amor em sua obra é muito complexo. Não se encaixa em nenhuma estrutura que foi colocada anteriormente sobre esse assunto por vários poetas. Este é um amor especial. Em vez disso, o amor pela natureza é mais do que por uma mulher. Muitas vezes soa o motivo do amor pelas extensões infinitas, por ele, pela distância infinita do mar.

A musa Baudelaire está doente, como sua alma. Baudelaire falava da vulgaridade do mundo na linguagem cotidiana. Em vez disso, era antipatia.

Até sua beleza é terrível - "um hino à beleza".

Seus temas principais eram pessimismo, ceticismo, cinismo, decadência, morte, ideais desmoronados.

“Você atrairia o mundo inteiro para sua cama, ó mulher, ó criatura, como você é má por causa do tédio!” comprado - os desejos voaram.

Esta é a sua compreensão do amor.

28. O tema da rebeldia nas Flores do Mal de Baudelaire.

As Flores do Mal foi publicado em 1857. Causou muito feedback negativo, o livro foi condenado, não foi aceito pela França burguesa. O tribunal decidiu: "Realismo grosseiro e insultuoso para envergonhar." Desde então, Baudelaire tornou-se um "poeta maldito".

O tema da rebelião nesta coleção é muito brilhante. Existe até uma parte separada chamada "rebelião" ou "motim". Incluía três poemas: “Caim e Abel”, “A Negação de São Pedro” e “Litanias a Satanás” (Oh, o melhor entre as forças reinantes no Céu, ofendido pelo destino e pobre em louvor). Nesse ciclo, as direções rebeldes e anti-igrejas do poeta foram mais claramente reveladas. Ele glorifica Satanás e São Pedro, que renunciou a Cristo e está bem feito nisso. O soneto “Caim e Abel” é muito importante: a família de Abel é a família dos oprimidos, a família de Caim é a família dos opressores. E Baudelaire venera a raça de Caim: “Levante-se do inferno e expulse o Todo-Poderoso do céu!”). Ele era um anarquista por natureza.

Ele descreveu Deus como um tirano sangrento que não se cansava dos tormentos da humanidade. Para Baudelaire, Deus é um homem mortal que morre em terrível agonia.

Sua rebelião não está apenas nisso. A revolta contra o tédio é também a revolta de Baudelaire. Em todos os seus poemas, há uma atmosfera de desânimo, tédio irresistível, que ele chamou de spleen. Esse tédio nasceu do mundo da vulgaridade sem fim, Baudelaire ergue-se justamente contra ele.

O caminho de Baudelaire é o caminho da reflexão dolorosa. Através de sua negação, ele rompe com a realidade, com aquelas questões que a poesia nunca tocou.

Seu ciclo de "Paris Pictures" também é uma espécie de rebelião. Ele descreve aqui as favelas da cidade, pessoas comuns - um necrófago bêbado, um mendigo ruivo. Ele simpatiza com essas pessoinhas sem dó. Ele os coloca como iguais a si mesmo e assim se rebela contra a realidade injusta.

29. O contexto social da história de Germiny no romance de Edmond e Jules Goncourt.

No prefácio do romance Germinie Lacerte, os autores alertaram imediatamente o leitor: “Este romance é verdadeiro, o livro veio da rua para nós. O que o leitor verá aqui é severo e puro. Oferecemos uma análise clínica do amor."

Na literatura, os irmãos Goncourt são um escritor. Edmond foi mais forte no desenvolvimento de ideias e linhas principais de livros, e Jules - em encontrar detalhes individuais.

A teoria deles é: "A história é o romance que foi, e o romance é a história que poderia ter sido". Portanto, o romance era o trabalho de sua vida. A estética do romance para eles é um reflexo da verdade da vida, verificada por fatos objetivos.

Pré-requisitos para criar a imagem de Germinie:

Após uma longa doença em 1864, a empregada doméstica dos Goncourts, Rose, morreu. Eles sinceramente lamentaram por ela. Ela era muito devotada a eles, mas depois de sua morte descobriu-se que ela levava uma vida dupla - ela tinha muitos casos de amor, secretamente se entregava à libertinagem e à embriaguez.

Para a imagem da anfitriã Germinie, a tia de Goncourt serviu de protótipo.

O contexto social do romance:

A autenticidade documental foi observada no romance - e não apenas no enredo: os Goncourts estudaram “in loco” o ambiente descrito no romance, vagaram por horas nos arredores de Paris, visitaram bailes folclóricos, laticínios, cemitérios para os pobres . O dândi Jupillon, a mãe lojista, a prostituta Adele, o pintor Gotrush foram eliminados da natureza.

Germínio:"homenzinho", estrangulado por uma sociedade desumana. Seu triste destino falava de problemas na vida social - o romance desferiu um golpe no otimismo oficial, agitou a consciência pública.

A história de Germiny:

germinação- uma criada que entrou ao serviço da velha de Varandeil em estado de total declínio, total insignificância e pobreza (suas irmãs a humilharam e ofenderam, ela foi estuprada por seu patrono José, depois engravidou. Suas irmãs a espancaram por isso . Ela deu à luz uma criança morta devido a espancamentos "Ela mesma emagreceu, adoeceu, morreu lentamente de fome. Uma das irmãs a colocou em tal estado com Madame de Varandeille. Lá ela começou a viver contente, tornou-se uma coquete, envolveu-se em negócios sujos, conheceu o filho de um lojista, Jupillon. Amor. Pois o amor do menino era apenas um meio de satisfazer a curiosidade, a ironia vil e a satisfação da luxúria. Eles tiveram uma filha, que esconderam de Madame. Logo a menina morreu e Germinie enlouqueceu completamente. Ela roubou dinheiro para o traidor Jupillon, começou a beber, seu cérebro ficou embotado, ela começou a roubar Madame. A cada dia ela ficava cada vez mais abandonada. A casa era uma bagunça constante , Germinie não fez nada e Madame sentiu pena dela. A última esperança era Gautrush, que ela conheceu em uma festa (ela foi com Adele ). Era uma pessoa alegre. Eles começaram a morar juntos, mas começaram a surgir rumores sobre o roubo dela. Ela começou a pensar em suicídio e confessou a Gotrbsch que o amava apenas por lucro. Ele a expulsou. Ela estava na rua. Comecei a me sentir mal. Ela tinha 41 anos. Ela morreu lentamente, nos braços da Sra. Antes de sua morte, suas dívidas (fruteira, mercearia, lavadeira) chegaram ao hospital para tirar dinheiro dela.

Logo a Sra. descobriu a verdade. O porteiro contou tudo a ela - sobre os cachorros, sobre a embriaguez, sobre Jupillon, a criança, sobre Gotrush. A senhora foi ao cemitério, mas não encontrou lá nem uma pedrinha, nem uma marca na sepultura. Ela foi enterrada sem uma cruz.

No final da frase: Era possível orar por ela apenas ao acaso, como se o destino desejasse que o corpo da sofredora permanecesse no subsolo tão desabrigado quanto seu coração estava na terra. ».

30. A paisagem impressionista nos romances de Flaubert e dos irmãos Goncourt.

No romance de Flaubert Madame Bovary e os Goncourts, um apelo à natureza é muito usado. Flaubert considerava a natureza uma sabedoria eterna e às vezes procurava respostas para perguntas nela.

Como o impressionismo era geral naquela época, Flaubert o amou muito e tirou dele muitas ideias para descrever sua paisagem nos romances “Madame Bovary” e “Educação dos Sentidos”. Pintou telas coloridas, com cores desbotadas, como os artistas da época.

"Senhora Bovary": três vezes a paisagem impressionista é expressa com muita clareza: a primeira vez que ocorre quando Charles e Emma chegam a Yonville - prados se fundem em uma pista com pastagens, espigas douradas de trigo se desfocam sob a sombra das árvores na vegetação, florestas e falésias são riscadas com linhas vermelhas longas e irregulares - vestígios de chuva. A paisagem é descrita em cores vivas e brilhantes, que servem de combustível para a trama, quando Emma tem na alma novas esperanças para o futuro.

Na segunda vez, a paisagem impressionista é vividamente descrita, quando Emma se lembra de sua juventude no mosteiro, de como ela estava calma e pacífica lá. A paisagem é harmoniosa (névoa vespertina, neblina púrpura, véu fino pendurado nos galhos), descrita em tons suaves, o que permite ir longe no passado.

A terceira vez é quando Emma está no meio da noite com Rodolphe, e quando ele decide que não irá com ela, ele não quer carregar esse fardo. Uma lua carmesim, um reflexo prateado do céu, uma noite tranquila, prenunciando uma tempestade.

"Educação dos sentidos": na descrição da caminhada de Frederic Moreau com sua amada no castelo de Fontainebleau perto de Paris. Flaubert dá uma descrição detalhada, descreve de forma colorida as flores e belezas do castelo.

No momento em que Frédéric volta a Paris pela primeira vez após visitar Nogent (quando descobre que seu tio lhe deixou uma herança) - uma paisagem matinal impressionista dos quintais parisienses: fachadas nuas de linhas domésticas, canos, neblina.

Em seguida, ele descreve o baile de máscaras na casa da capitã Rosanette - tudo é claro, as máscaras brilham e se fundem em um só lugar.

Quando Ferederic, em sua segunda visita a Nogent, caminha com Louise Roque, árvores e flores são exibidas em cores impressionistas no jardim. A sua explicação sobrepõe-se a estas cores e tudo ganha um brilho vivo, luminoso e quente.

Os irmãos Goncourt no romance "Gérminie Lacerte" Toda a vida de Germinie é apresentada como uma paisagem impressionista - toda borrada, instável, escura intercalada com períodos de luz.

A paisagem durante a primeira caminhada de primavera de Germinie com seu marido Jupillon é muito bem descrita: um painel brilhante do céu com os raios do primeiro sol da primavera, do céu soprou espaço e liberdade, como se de um portão aberto para o prados. Campos cintilantes na névoa da noite. Tudo parecia flutuar na poeira do sol, que ao pôr do sol transforma o verde em tons escuros e as casas em rosados. Ao final da caminhada, o céu estava cinza em cima, azul no meio e rosa embaixo. Pintura de Monet finalizada. Germinie pediu-me que subisse de novo à colina para admirar a paisagem. Isso fala de sua alma linda e aberta.

O baile na periferia da cidade, para onde Germinie vai com sua amiga Adele, também é descrito em cores impressionistas - golas brancas tremulam intercaladas com saias brilhantes, tudo isso gira e brilha, transformando-se em uma linda tela colorida.

31. O problema do herói positivo na obra de Balzac.

32. Sátira e grotesco nos papéis póstumos de Dickens do Pickwick Club.

33. A psicologia histórica no romance "Educação dos Sentidos" de Flaubert.

34. Letras de Charles Leconte de Lisle.

Lecomte de Lisle (1818-1894)

Em sua juventude, Lisle ardia de entusiasmo republicano. Editou a revista "Variety", onde promoveu livros sobre Fourierismo. Acabei em um dos centros revolucionários de Paris. O melhor tradutor da Odisséia de Homero na França.

1845-50: um período decisivo na formação da visão de mundo e criatividade de Lily. (fascínio pelo socialismo utópico, incompreensão da causa da comuna).

Temas de poesia: confrontos violentos de povos, religiões, civilizações; convulsões em que velhos mundos perecem e novos mundos nascem. Ele estava profundamente enojado com a barbárie da civilização burguesa e sua religião. Sempre se distinguiu pela grandiosidade das imagens. Seus poemas são pensativos, sonoros, claros, corretos, medidos. Ele acreditava que a humanidade era degradante, que a história humana logo chegaria ao fim. Portanto, ele entrou no mundo dos animais (o pintor de animais mais famoso da poesia). Isso significava que ele estava se afastando da realidade para outro mundo. O único poema de hoje: "Deixe você morrer, banhando-se em dinheiro."

Ele publicou 4 grandes coleções: "Poemas Antigos" (1852), "Poemas Bárbaros" (1862), "Poemas Trágicos" (1884) e "Últimos Poemas" (1895).

"Antiguidade":

Hellas para o poeta é uma utopia social do futuro. Este é um país de harmonia social. Os helenos não são reprimidos nem pelo estado nem pela igreja. Seu trabalho gratuito é combinado com uma alta cultura estética.

Poema "Falange": a verdadeira beleza é uma ideia que une o ideal e a vida, o céu e a terra transformada. Devemos seguir em frente e buscar o reino universal da harmonia e da beleza.

Ideias: revolução, exposição da Igreja Católica.

A atmosfera opressiva do II Império influenciou a coleção - ele mudou as conclusões utópicas para outras mais limitadas. A principal atitude antiburguesa do livro foi velada. O livro foi percebido pelos contemporâneos como um "manifesto de arte pura".

"Bárbaro":

A coleção é típica da literatura acusatória francesa de meados do século XIX. !A denúncia da barbárie de sua época: Lil executa a barbárie das guerras, ganância - ganância implacável por ouro, separando o amor. Ele executa o catolicismo - "a besta de púrpura".

Ele retrata uma natureza tropical violenta, o poder de animais predadores:

"Jaguar": a imagem da floresta tropical noturna leva à descrição de um predador imóvel à espreita. O touro, vagando pela orla, congela de medo. Descrição de uma luta feroz entre uma onça e um touro. Jaguar é o vencedor.

"Caim": poema rebelde. Ele foi acordado de seu sono eterno pelas ameaças e maldições dos monstros. Gloomy Cain profere um monólogo - uma acusação a Deus e uma previsão da inevitável vitória do povo sobre Deus.

"Trágico" e "Último":

Um toque de retórica e formalismo.

Poder poético - em versos anti-religiosos ( "A Besta em Roxo")

"Oferta Queimada": recriou com vivacidade e raiva a imagem do massacre na igreja de um humanista morrendo na fogueira no meio da praça.

"Argumentos do Santo Padre": a história de como o papa com desprezo arrogante rejeitou e expulsou Cristo, o “filho do carpinteiro”, que apareceu a ele (“A Lenda do Grande Inquisidor de Os Irmãos Karamazov”).

"Poemas trágicos" bom e trágico porque o poeta, que havia perdido a visão clara da luta, sentiu-se forçado a se reconciliar com uma ordem odiada, mas na verdade lhe parecia invencível.

A base da tragédia é uma reconciliação forçada com a odiada ordem burguesa.

35. Dramaturgia do conflito no romance "Padre Goriot" de Balzac.

O principal conflito do romance está na história do padre Goriot e suas filhas. Papa Goriot Um dos pilares da Comédia Humana. Ele é padeiro, ex-fabricante de massas. Ele carregou sua vida apenas amor por suas filhas: é por isso que ele gastou todo o dinheiro com elas, e elas usaram. Então ele faliu. Este é o oposto de Félix Grande. Ele exige deles apenas amor por ele, por isso está pronto para dar tudo a eles. No final da vida, deduz uma fórmula: o dinheiro dá tudo, até as filhas.

EM "Padre Goriot" há um personagem secundário - Rastignac. Aqui ele ainda acredita na bondade, tem orgulho de sua pureza. Minha vida é "clara como um lírio". Ele é de origem nobre aristocrática, vem a Paris para fazer carreira e ingressar na faculdade de direito. Ele mora na pensão de Madame Vaquet com o que resta de seu dinheiro. Ele tem acesso ao salão da viscondessa de Beauseant. Socialmente, ele é pobre. A experiência de vida de Rastignac é composta pela colisão de dois mundos (o condenado Vautrin e a viscondessa). Rastignac considera Vautrin e seus pontos de vista superiores a uma sociedade aristocrática, onde os crimes são pequenos. “Ninguém precisa de honestidade”, diz Vautrin. "Quanto mais frio você contar, mais longe você chegará." Sua posição intermediária é típica da época. Com o último dinheiro, ele organiza um funeral para o pobre Goriot.

Logo ele percebe que sua posição é ruim, não levará a nada, que ele deve desistir da honestidade, cuspir no orgulho e ir para a mesquinhez.

A unidade do "Pai Goriot": o romance é conectado por um cronotopo. Todas as três tramas (o pai da filha Goriot, Rastignac, Vautrin) estão ligadas ao internato da mãe Vake. Rastignac é um teste decisivo mergulhado no álcali da sociedade e das relações monetárias.

Papa Goriot tem duas filhas (Delfina e Anastasi). Durante a monarquia de julho, os aristocratas se casam de bom grado com moças da burguesia (casam-se bem). Mas o padre Goriot fica rapidamente desapontado, ele é expulso dessas duas casas, ele se encontra na casa de hóspedes Vaquet nos arredores de Paris. Aos poucos, as filhas sacam dele toda a fortuna (deram todo o dote aos maridos e pedem mais), ele se muda para uma pensão dos quartos mais caros aos piores.
A trama com Rastignac: Mefistófeles Vautrin o ensina e mostra uma maneira possível de enriquecer: Quiz, uma jovem, filha de um banqueiro todo-poderoso, mora em uma pensão. Mas o banqueiro tem um filho a quem quer dar toda a sua fortuna. Vautrin oferece a Rastignac uma combinação: case-se com Victorine, depois desafie o filho do banqueiro para um duelo e mate-o. A filha receberá todo o dinheiro. Mas Rastignac torna-se amante de outra condessa rica (Delphine de Nucingen).

Goriot tem um senso exagerado de paternidade. Ele corrompeu suas filhas com permissividade. Dramaturgia: o enredo é construído com muitas falas: primeiro há uma ampla exposição (pensão), depois os acontecimentos ganham ritmo acelerado, a colisão se transforma em conflito, o conflito expõe contradições irreconciliáveis, que leva à catástrofe.

Exposto e capturado pela polícia, Vautrin, que, com a ajuda de um matador de aluguel, planejou o assassinato de Quiz Typher; Anastasi Resto é roubado e abandonado pelo pirata da alta sociedade Maxime de Tray; Goriot morre, a pensão esvazia. Este é o drama do romance.

36. Uma nova fase do realismo (anos 50, 60) e o problema do herói literário.

Esses anos enriqueceram o romance realista da Europa Ocidental com um psicologismo fundamentalmente novo.

O realismo nesses anos chega ao seu apogeu - à perfeição.

Era necessário aprovar a pessoa real e desmascarar o herói romântico.

Anos 50, 60 - o desenvolvimento da filosofia do positivismo (essa filosofia exigia que os escritores confiassem no conhecimento da ciência moderna). Assim, o conceito de personalidade extraordinária (romântica) foi desmascarado.

A "Educação dos Sentidos" de Flaubert é um desmascaramento de todo o conceito romântico. Tradução francesa: "EducationSentimentale" - educação sensual.

Tanto Balzac quanto Dickens e Stendhal, ao descrever a moral, prestaram muita atenção à descrição do pano de fundo. Um quadro amplo de boas maneiras. Dickens retratou principalmente o herói, enquanto Stendhal e Balzac descreveram as paixões (paixões violentas).

Criatividade Flaubert - um ponto de viragem. Seu psicologismo deu raízes a toda a literatura subsequente. Flaubert torna o problema artístico da ambigüidade de natureza convencional. Não podemos responder à questão de quem é Emma Bovary - uma mulher rebelde decente ou uma adúltera comum. Pela primeira vez na literatura, apareceu um herói não heróico (Bovary).

A estética do Thackeray maduro é a base do realismo maduro, a descrição de um personagem não heróico. Tanto os iluminadores ingleses sublimes quanto os básicos procuram na vida das pessoas comuns. O objeto da sátira de Thackeray é o chamado romance criminal (picaresco). Método de heroização de personagens. Não existem vilões puros no mundo, assim como não existem guloseimas puras. Thackeray descreve a profunda dignidade humana da vida cotidiana.

Não há clímax (são inerentes ao romance). Agora existem sombras coloridas. "Vaidade".

HOMEM SIMPLES NO REALISMO.

O romantismo sempre exagerou uma pessoa, mas o realismo não aceitou, negou esses exageros. O realismo nega a apoteose do herói. Ele aspira à imagem de uma pessoa adaptada. A perda das paixões profundas não é a perda da integridade da imagem, esta confirmação da integridade da personalidade humana.

Um romance psicológico é uma combinação de surpresa e regularidade.

Nos anos 50 e 60 - psicologismo INDUTIVO do romance realista (Flaubert, Thackeray).

Principais características:

Comportamento imprevisto do protagonista

Instalação no autodesenvolvimento do caráter, multiplicidade de motivações.

Recusa da didática, de impor sua opinião ao leitor. Não da moralidade!

Substituindo a descrição de agradecimentos por uma descrição de ações, fatos.

Uma tempestade de paixões - em conversas simples

A descrição da paisagem substitui o monólogo interno do herói.

A fala característica do personagem vai mudando – longe de sempre dizer o que se pensa. SUBTEXTO (expressão indireta de pensamento) é introduzido.

As cenas mais trágicas são expressas nas frases mais simples.

O interesse pelo mundo interior é o apogeu. A personalidade se desenvolve.

37. A imagem de David Sechar em Ilusões Perdidas de Balzac.

O pathos da criatividade de Balzac é sua glorificação do trabalho criativo, a atividade criativa do homem. Observando a sociedade burguesa, Balzac teve que admitir que a criatividade é impossível nesta sociedade: quem quer criar não pode fazê-lo. Predadores ativos, apenas ativos, tubarões, como Nucingen, Rastignac, Grande. Outra, verdadeira, a criatividade nas sociedades burguesas é impossível. Esses são os argumentos mais poderosos de Balzac contra o mundo burguês.

Usando o exemplo de vários heróis, Balzac mostra a que resultados trágicos costuma levar o desejo de uma pessoa de se dedicar à atividade criativa. Um dos heróis desta série é D. Sechard no romance “W. E.". A terceira parte do romance, dedicada a D, chama-se "O Sofrimento de um Inventor". D. Inventado novo caminho papeleira, que deve fazer uma revolução na produção, reduzindo significativamente seu custo. D. Ele se dedica ao seu trabalho com entusiasmo, mas imediatamente muitas pessoas se levantam contra ele. Os irmãos Cuente, donos de uma gráfica na mesma cidade, fazem de tudo para impedir David de trabalhar. Uma pessoa ativa e enérgica, um cientista que fez uma descoberta séria, Sechar o recusa, ele é forçado a vender sua invenção. Sua energia efervescente não encontra uso para si mesma; ele se instala em sua propriedade e se torna um rentista provinciano. Uma pessoa que busca a criatividade está fadada à inatividade - é o que Balzac afirma neste exemplo.

A natureza poética de D. se manifestou em sua indiferença ao dinheiro, aos assuntos prosaicos da gráfica que lhe pertencia, em seu amor apaixonado por Eva.

38. O papel da ideologia iluminista na formação da estética realista.

A Era do Iluminismo influenciou muito a formação do romance realista inglês (e do realismo francês tardio).

Didática e categorias morais da era vitoriana

Orientação acusatória satírica (tradições da pintura satírica moral e descritiva).

Luta ideológica aguda (e na Era do Iluminismo foi) - socialistas cristãos e feudais.

Os realistas aceitaram a tendência antifeudal e socialmente crítica do realismo iluminista, sua habilidade psicológica sutil (Laurence Stern).

Dos iluministas, os realistas adotaram a fé no poder cognitivo da mente humana. Os realistas aproximam-se dos iluministas pela afirmação da missão educativa e cívica da arte.
A representação da realidade nas formas da própria realidade é o princípio dos realistas iluministas.

Stendhal, retratando seus heróis, vem em grande parte dos Iluministas, que argumentaram que a arte é de natureza social, serve a objetivos públicos.

no panfleto Racine e Shakespeare(1825) ele diz que tentou adequar seus personagens aos filhos da revolução, pessoas que buscam mais o pensamento do que a beleza das palavras.

O herói ocupava um lugar especial na visão estética de Stendhal, o lugar principal era ocupado pela questão do homem. Como os iluministas, Stendhal afirma a ideia de que uma pessoa deve desenvolver harmoniosamente todas as habilidades que lhe são inerentes; mas, desenvolvendo-se como pessoa, deve direcionar suas forças e habilidades para o bem da pátria, o estado.

Capacidade para ótimo sentimento, ao heroísmo - esta é a qualidade que determina uma personalidade completa. Neste Stendhal segue a ideia de Diderot (Iluminador).

A principal disputa no tratado entre Racine e Shakespeare é se as duas unidades de lugar e tempo podem ser observadas para fazer o coração tremer. Uma disputa entre um acadêmico e um romântico (espectador, senão pedante, não se importa com as limitações de lugar, tempo, ação). As duas condições do cômico são clareza e surpresa (o cômico é como a música - sua beleza é efêmera).

Capítulo 3: O que é romantismo? O romantismo é a arte de dar ao povo as obras literárias que, no estado atual de seus costumes e crenças, podem lhe dar o maior prazer.

Os personagens românticos de Stendhal - Fabrizio Del Dongo, Julien Sorel e Gina - são heróicos, apaixonados, mas em um sentido mundano. Eles estão próximos das pessoas comuns, vivem nas mesmas condições.

39. A oposição entre sonhos românticos e realidade em Madame Bovary de Flaubert.

Flaubert escreveu Madame Bovary de 1851 a 1856.

Emma foi criada em um mosteiro, onde geralmente eram criadas meninas de condição mediana naquela época. Ela é viciada em ler romances. Eram romances românticos com personagens ideais. Depois de ler essa literatura, Emma se imaginou a heroína de um desses romances. Ela imaginou sua vida feliz com uma pessoa maravilhosa, representante de algum mundo maravilhoso. Um de seus sonhos se tornou realidade: já casada, foi ao baile do Marquês Vaubiesar no castelo. Pelo resto de sua vida, ela deixou uma impressão vívida, da qual sempre se lembrava com prazer. (Ela conheceu o marido por acaso: o médico Charles Bovary veio tratar de Papa Rouault, pai de Emma).

A vida real de Emma está longe de seus sonhos.

Já no primeiro dia após o casamento, ela vê que tudo o que sonhou não acontece - ela tem uma vida miserável pela frente. Mesmo assim, a princípio ela continuou a sonhar que Charles a amava, que era sensível e gentil, que algo deveria mudar. Mas o marido era chato e desinteressante, não se interessava por teatro, não despertava paixão na esposa. Lentamente, ele começou a irritar Emma. Ela adorava mudar a situação (quando foi para a cama pela quarta vez em um novo local (mosteiro, Toast, Vaubiesart, Yonville), pensou que uma nova era estava começando em sua vida. Quando chegaram a Yonville (Casa, Leray, Leon - notário assistente - amante de Emma), ela se sentia melhor, procurava algo novo, mas com a mesma rapidez tudo se transformou em uma rotina chata. Leon foi a Paris para continuar seus estudos e Emma novamente caiu em desespero. Sua única prazer era comprar tecidos de Leray. Seus amantes em geral (Leon, Rodolphe, 34 anos, proprietário de terras) eram vulgares e enganadores, nenhum deles tem nada a ver com os heróis românticos de seus livros. Rodolphe buscava seu próprio benefício, mas não não encontra, ele é medíocre. Seu diálogo com Madame Bovary é característico durante uma exposição agrícola - o diálogo é misturado através de uma frase com gritos satiricamente descritos do apresentador da exposição sobre estrume (misturando alto e baixo) Emma quer sair com Rodolphe, mas no final não quer assumir o fardo (ela e a criança - Berta ).

A última gota de paciência de Emma com o marido desaparece quando ele decide operar o noivo doente (no pé), provando que é um excelente médico, mas então o noivo desenvolve gangrena e morre. Emma percebe que Charles não serve para nada.

Em Rouen, Emma se encontra com Leon (ela vai com o marido ao teatro após uma doença - 43 dias) - alguns dias deliciosos com ele.

A vontade de fugir dessa prosa chata da vida faz com que ela seja cada vez mais viciante. Emma contrai uma grande dívida com o agiota Leray. Toda a vida agora repousa sobre o engano. Ela engana seu marido, ela é enganada por seus amantes. Ela começa a mentir mesmo quando não há necessidade dela. Cada vez mais confuso, afundando no fundo. Ela comete suicídio (envenenada por arsênico). Não é por acaso que Flaubert descreve sua morte como longa e dolorosa. A imagem da morte de Emma é percebida como uma amarga ironia da autora sobre sua heroína: ela leu tanto em romances sobre a morte poética de heroínas, sua morte foi tão nojenta.

Emma acreditava que o sonho de um belo amor poderia se tornar realidade, poderia se tornar realidade, mas a vida a decepcionou profundamente. Esta é a tragédia dela.

O romance de Flaubert torna-se assim uma polêmica oculta contra o romantismo.

O MAIS IMPORTANTE: a crise de um sonho romântico: a insignificância dos sonhos da heroína (seu sonho é vulgar: sobre parquês brilhantes, salões espelhados, lindos vestidos). A tragédia do romance é que Flaubert não encontra realmente nada que resista ao sonho que expôs. Ele mostra como esse sonho nas condições modernas é ridículo, insustentável e vazio.

40. A teoria da "cristalização" de Stendhal.

A teoria da cristalização aparece no tratado de Stendhal Sobre o amor (1822). Este livro fala sobre o mais frágil e esquivo de seus sentimentos humanos. Análise extremamente clara de experiências emocionais. Ele fala aqui do nascimento de idéias psicológicas e pré-requisitos para a cristalização da atração de dois amantes, dependendo dos costumes predominantes, instituições civis: inclinação amorosa (Fabrizio para Gina), amor carnal (o amor de Julien Sorel por Madame de Renal ), amor por vaidade (o amor de Julien por Matilda - ele entendeu que para ele isso era apenas um sentimento fingido, Matilda viu muito heroísmo nisso - uma nobre garota ama o filho do carpinteiro), amor-paixão (de Madame de Renal para Julien e de Gina para Fabrizio).

Mesmo assim, Stendhal percebe que o conhecimento do amor sem história é impotente: a paixão desenfreada dos italianos não é como a cortesia refinada dos franceses. Em diferentes círculos da sociedade, muitas vezes existe um abismo.

Essa descoberta o ajudará mais tarde ao escrever dois de seus romances: o amor de um aristocrata (La Mole) e de uma provinciana (Renal), o amor de um nativo do fundo (Julien) e um dândi secular.

A cristalização é o desenvolvimento do amor a partir da atração, dependendo dos costumes predominantes ao redor (a cristalização é quando cristais de várias formas nascem de vapores sob a influência de condições externas).

41. Especificidades de gênero do romance "Little Dorrit" de Dickens.

42. O problema do típico em Balzac.

Balzac (1799-1850)

A maneira de ver o mundo de Balzac é uma transformação completa do mundo da realidade. Do imaginário nasce um tipo de pessoa absolutamente real.

Um tipo não é o retrato de uma pessoa real. Tipo e individualidade são usados no mesmo contexto por Balzac, embora sejam em si dois termos opostos. O tipo é entendido como um determinado fenômeno social, paixão ou propriedade moral, materializado em uma determinada imagem específica.

A individualidade é uma propriedade geral dotada de especificidades.

A imaginação e o pensamento são dois componentes da formação dos personagens principais dos romances de Balzac. Às vezes, os personagens de fundo de alguns romances se tornam os personagens principais de outros (o Barão de Nucingen é o personagem de fundo em Père Goriot e o personagem principal em A casa do banqueiro, Rastignac é o personagem de fundo em A casa de Nucingen ??? e o personagem principal em Père Goriot).

O conceito de tipo é um geral, inicialmente associado a um particular, singular, individual, que generaliza. Sem ela, o geral é sem sentido e irreal.

Para Balzac, o conceito de tipo é um conceito inacabado. Ele mesmo disse no "Prefácio à Comédia Humana": "Aqueles que pensam encontrar em mim a intenção de considerar o homem como uma criatura acabada estão muito enganados." Assim, com toda a inclinação de Balzac para identificar no personagem uma tipicidade estável, o escritor afirma inicialmente a mobilidade, a variabilidade como a essência do tipo, e não sua completa estática.

Típico em Balzac é a atitude em relação às coisas. Todos os heróis da "Comédia Humana" são materiais - para eles, o objetivo principal é o dinheiro e a posse das coisas, o poder. Claro que em cada romance separado seu tipo específico, mas em princípio há algo unificador neles - essa paixão violenta por acumular.

Todos os personagens de The Human Comedy são típicos, semelhantes entre si. O único que se destaca é o herói de "Lost Illusions" Lucien Chardon, que combinou tanto o típico dos heróis da "Comédia" quanto os extremos de caráter, o que levou à criação de um herói individualista.

Gobsek (o tipo de avarento) deu origem ao tipo de Felix Grande e Papa Goriot.

“Um tipo é um personagem que generaliza em si os traços característicos de todos aqueles que são mais ou menos semelhantes a ele. Esta é uma amostra do gênero." O típico no conceito de Balzac não se opõe de forma alguma ao excepcional. Além disso, quase todos os personagens principais de "Ch.K." - heróis são excepcionais, personalidades.

O típico e o individual nas personagens estão dialeticamente interligados, refletindo o processo criativo comum do artista – generalização e concretização.

43. A democracia de Dickens em Bleak House.

44. O gênero do romance histórico na obra de Mérimée (Crônica)

Termina o primeiro período atividade literária Merimee seu romance histórico "Crônica do reinado de Carlos IX » (1829) - uma espécie de resultado das buscas ideológicas e artísticas do escritor nestes anos. Este é o primeiro trabalho narrativo de Mérimée.

“Na história, só gosto de anedotas”, afirma Mérimée no prefácio. E, portanto, até certo ponto, o enredo deste romance é um pouco anedótico. É baseado na vida personagens fictícios, pessoas privadas e não históricas, que se confunde com eventos históricos, principalmente com a luta de católicos e huguenotes (seguidores do protestantismo). E, claro, o acontecimento central de todo o romance é a Noite de São Bartolomeu, em torno da tragédia da qual se desenvolve a ação.

Nas epígrafes da Crônica, Mérimée usa citações de Gargântua e Pantagruel de François Rabelais, contemporâneo de Carlos IX.

Prosper Merimee no início de sua carreira, como já foi dito, aderiu ao movimento romântico. A influência da estética romântica continuou a afetar as obras do escritor por muito tempo: ela é sentida em toda a sua herança criativa. Mas gradualmente a atividade literária de Merimee assumiu um caráter realista cada vez mais pronunciado. Encontramos uma clara personificação dessa tendência na Crônica do Reinado de Carlos IX.

Compreendendo os eventos do passado distante, Merimee não os ajustou ao presente, mas buscou neles a chave para as leis da época que o interessavam e, assim, para a descoberta de generalizações históricas mais amplas.

A influência de Walter Scott na obra de Merimee é grande. No romance "Crônica ..." isso é claramente visível. Primeiro, certamente é a atenção ao quadro geral da vida de tempos passados. Em segundo lugar, é o historicismo dos acontecimentos e uma descrição detalhada dos trajes, ninharias, utensílios domésticos correspondentes à época descrita (a descrição de Dietrich Garnstein - uma camisola de couro húngaro e uma cicatriz). Em terceiro lugar, como Scott, Merimee retrata pessoas do passado sem falsa glorificação, em seu comportamento diário, em sua conexão viva com a vida e a situação histórica de seu tempo. Mas Merimee vai além de Scott. Ao contrário de seu "professor", ele apresenta seus personagens não com a ajuda de características detalhadas, mas sim condicionais, como Walter Scott fazia em sua época, mas em ação, em movimento, em ações. Além disso, ao contrário de Scott, Merimee não usa a entrada de referência histórica. É mais um romance de costumes, e seus personagens estão incluídos na história. Scott também tinha personagens reais, e Merimee coloca personagens fictícios e reais no mesmo nível.

"Crônica" completa a primeira etapa da atividade literária de Merimee.

Durante os anos da Restauração, Merimee gostava de retratar grandes cataclismos sociais, reproduzindo amplas telas sociais, desenvolvendo tramas históricas e grandes gêneros monumentais atraíram sua atenção.

45. A fórmula do couro Shagreen como chave para o destino do indivíduo na Comédia Humana de Balzac.

Shagreen Skin (1831) - segundo Balzac, deveria moldar o século atual, nossa vida, nosso egoísmo.

As fórmulas filosóficas são reveladas no romance a partir do exemplo do destino do protagonista Raphael de Valentin. Diante dele está o dilema do século: "querer" e "poder". Inicialmente - caminho espinhoso um cientista-trabalhador, então - a rejeição disso em nome do brilho e dos prazeres de uma vida na alta sociedade. Colapso, perda de fundos. Ele é rejeitado pela mulher que ama. Ele está à beira do suicídio.

Neste momento: um antiquário (misterioso) - entrega-lhe um talismã todo-poderoso - couro shagreen, para o dono do qual "poder" e "desejar" estão ligados. No entanto, a retribuição para tudo é instantânea desejos realizados- esta é a vida de Raphael, diminuindo junto com o pedaço de couro shagreen que encolhe imparável. Só existe uma maneira de sair desse círculo mágico - suprimir os desejos em si mesmo.

Daí os dois sistemas de vida:

Uma vida cheia de aspirações e paixões que matam uma pessoa com seus excessos

Uma vida ascética, cuja única satisfação reside na onisciência passiva e onipotência potencial.

No raciocínio do velho antiquário - o segundo tipo. O pedido de desculpas do primeiro é o monólogo apaixonado da cortesã Akilina (na cena da orgia de Victorina Tayfer).

Na obra, Balzac revela a força e a fraqueza de ambos os princípios incorporados na vida de Rafael (no início ele quase se arruinou em uma torrente de paixões, depois morre lentamente desprovido de quaisquer desejos e emoções - uma existência vegetal). A razão pela qual ele poderia fazer tudo, mas não fez nada - o egoísmo do herói. Tendo recebido milhões, ele foi instantaneamente transformado, e seu egoísmo é o culpado.

46. A Poesia de Théophile Gauthier.

Teófilo Gautier (1811-1872)

A primeira coleção de poesia - "Poemas" - 1830 (no auge da Revolução de Julho).

A fama veio a ele apenas em 1836 como escritor de prosa (o romance "Mademoiselle de Maupin")

Esmaltes e Cameos, sua mais famosa coleção de poemas, apareceu em sua primeira edição em 1852.

A chave para a natureza do talento literário e poético de Gauthier é “menos meditação, conversa fiada, julgamentos sintéticos. Tudo que você precisa é uma coisa, uma coisa e novamente uma coisa.

Ele recebeu um senso absoluto do mundo material (observação fenomenal e memória visual). Ele também tinha um instinto inato de objetividade, que lhe permitia dissolver-se nos objetos retratados. As expressões foram precisas desde o início.

Características da poesia de Gauthier:

As descrições são visíveis, convexas, convincentes

Precisão de Redação

Temas: interiores em miniatura, pequenas paisagens (tipo flamengo), planícies, colinas, riachos.

O modelo para sua poesia é a arte

O objetivo de Gauthier é criar uma imagem sensual com palavras, para dar uma imagem visual dos objetos.

Senso de cor inconfundível

O princípio da poética de Gauthier NÃO é a descrição de um objeto natural em sua existência primária, mas a descrição de uma imagem artificial, de natureza secundária, criada por um gravador, pintor, escultor, uma imagem já acabada (como se descrevesse pinturas ).

Os poemas de Gauthier são geneticamente derivados do gênero helenístico EKPHRASY(discurso descritivo, mostrando claramente o que explica aos olhos). A natureza só é acessível ao poeta quando se transforma em obra de arte, em coisa artística.

Ele também usa EPATAGE, mas não tanto quanto Baudelaire e Lecomte de Lisle. Chocar é uma forma de expressar desprezo pelo puro-sangue, pelo mundo cinza.

Poemas:

"Fellachka"(aquarela da princesa M): aqui Gauthier não recria a aparência real de uma camponesa egípcia, mas apenas sua imagem pitoresca, feita em aquarela.

"Poema de uma Mulher" projetado para glorificar os encantos da famosa beleza parisiense Ms. Sabatier. Mas a verdadeira aparência dessa mulher não é revelada ao leitor por um segundo, mas aparece na forma de uma escultura de Cleomenes na forma de uma sultana oriental estilizada. (O objeto real em Gauthier não é revelado, mas também não é escondido).

A poética parte do princípio das referências culturais, das reminiscências, das associações. "Esmaltes e camafeus" estão cheios de alusões mitológicas, referências diretas a obras e pinturas.

Um tema muito importante em Gauthier é o tema do "Eldorado" (utopia). " Natureza, ciumenta da arte": motivo da festa carnavalesca destruindo divisórias públicas.

A arte para Gauthier não resiste à vida, mas a reabastece. Age como um sobrenatural. Sensibilidade e insegurança são fontes constantes de sua criatividade.

47. A ideia geral da Comédia Humana de Balzac.

Talvez a influência do espírito científico da época em Balzac não tenha sido tão pronunciada em nada como em sua tentativa de combinar seus romances em um todo. Ele coletou todos os romances publicados, acrescentou vários novos a eles, introduziu neles heróis comuns, conectou indivíduos com família, amizade e outros laços e, assim, criou, mas não completou o grandioso épico, que chamou de "O Comédia Humana", e que deveria servir como material científico e artístico para o estudo da psicologia da sociedade moderna.

No prefácio de A Comédia Humana, ele próprio traça um paralelo entre as leis de desenvolvimento do mundo animal e a sociedade humana. Ele mesmo conta que a ideia de criar essa imensa obra nasceu de uma comparação do homem com o mundo animal. Diferentes tipos de animais representam apenas uma modificação de um tipo geral, surgindo dependendo das condições ambientais; então, dependendo das condições de educação, ambiente etc. - as mesmas modificações de uma pessoa como um burro, uma vaca, etc. - espécies de um tipo animal geral.

Ele percebeu que a Sociedade é como a Natureza: a sociedade cria a partir do homem, de acordo com o ambiente onde ele atua, tantas espécies diferentes quantas existem no mundo animal. Mas há muitas diferenças: condição pública marcada por acidentes que a natureza nunca permite. Os animais não têm lutas internas - eles apenas perseguem uns aos outros. As pessoas têm uma luta mais difícil, elas têm uma mente.

O significado do meu trabalho é dar aos fatos da vida das pessoas, fatos cotidianos, eventos da vida pessoal, tanta importância quanto os historiadores deram importância à vida social dos povos.

Cada uma das minhas partes (cenas provincianas, privadas, parisienses, políticas, militares e rurais) tem seu próprio colorido.

Para fins de sistematização científica, Balzac dividiu todo esse grande número de romances em séries. Além dos romances, Balzac escreveu várias obras dramáticas; mas a maioria de seus dramas e comédias não tiveram sucesso no palco.

Começando a criar uma tela gigante, Balzac declara a objetividade como seu princípio inicial - "a sociedade francesa deveria ter sido o próprio historiador, eu só tinha que ser seu secretário". Partes do épico são esboços (como um cientista que estuda cuidadosamente um organismo vivo).

Mais de 2.000 personagens na Comédia Humana de Balzac.

48. Imagens bíblicas nas flores do mal de Baudelaire.

49. Características do romantismo na poética de Balzac.

Balzac está envolvido no mundo artístico que descreve. Ele mostrou um interesse ardente pelos destinos deste mundo e constantemente "sentiu o pulso de sua época".

Ele tem uma personalidade brilhante no romance, em qualquer.

Combinando uma base realista com elementos românticos - "Gobsek". A personalidade é forte, excepcional. Gobsek é autocontraditório: um filósofo e um avarento, uma criatura vil e uma criatura sublime.

O passado de Gobsek é vago (características românticas - mistério, obscuridade). Talvez ele fosse um corsário. A origem de sua imensa riqueza não é clara. Sua vida é cheia de mistérios. A mente é excepcional em filosofia. Ele ensina Derville, diz muitas coisas inteligentes.

50. A Grande Revolução Francesa no romance dos irmãos Goncourt Germinie Lacerte.

51. A imagem de Lucien de Rubempre e a composição do romance "Ilusões Perdidas" de Balzac.

Lucien Chardon é o protagonista de todas as três partes do romance. Ele é de origem aristocrática; sua mãe foi salva por seu pai do cadafalso. Ela é de Rubempré. Seu pai é um farmacêutico Chardon, e sua mãe, após sua morte, tornou-se parteira. Lucien estava condenado a vegetar em uma imprensa miserável, como David, mas escrevia poesia talentosa, era dotado de beleza extraordinária e ambição incansável. A imagem de Lucien se distingue por uma clara dualidade interna. Junto com a verdadeira nobreza e sentimentos profundos, ele revela uma habilidade perigosa, sob a influência de circunstâncias adversas, de mudar rápida e naturalmente seus pontos de vista e decisões. Ele vai para Paris com Madame de Bargeton, que, uma vez em Paris, tem vergonha dele porque ele parece pobre. E ela o abandona.

Em Paris, há uma imagem da vida metropolitana. Ele conhece os costumes parisienses nos bastidores dos teatros, na biblioteca pública, nas redações dos jornais, adapta-se a eles e, de fato, adapta-se muito rapidamente às novas condições. Mas assim como Rastignac, ele passa por uma série de provações nas quais sua natureza contraditória é revelada. Essa atmosfera de folia em Paris (ouropel, venal Paris) prepara a virada que está se formando em Lucien, revela nele o egoísmo.

Lucien era bonito e poeta. Ele foi notado em sua cidade pela rainha local = Madame de Bargeton, que deu uma clara preferência a um jovem talentoso. Seu amante constantemente lhe dizia que ele era um gênio. Ela disse a ele que somente em Paris eles poderiam apreciar seu talento. É lá que todas as portas se abrirão para ele. Afundou em sua alma. Mas quando ele chegou a Paris, sua amante o abandonou porque ele parecia um pobre provinciano comparado aos dândis da sociedade. Ele foi abandonado e deixado sozinho, mas todas as portas se fecharam diante dele. A ilusão que ele tinha em sua cidade provinciana (sobre fama, dinheiro, etc.) desapareceu.

O tema central das ilusões perdidas e o problema do "gênio fracassado" estão ligados a ele. A ausência de princípios morais firmes, transformando-se em imoralismo, = o motivo do colapso de Lucien como poeta. O escritor fracassado Etienne Lousteau o apresenta ao mundo do jornalismo parisiense sem princípios e animado, cultivando a profissão de "assassino de ideias e reputações". A saída para o jornalismo é o início do colapso espiritual de Lucien. A competição é material.

Composição: o romance é construído sobre uma composição linear: três partes: a primeira, “Dois Poetas”, que fala sobre a juventude de Lucien, a juventude de seu amigo David Sechard, as altas aspirações dos jovens; depois - o capítulo "Celebridade provincial em Paris", sobre as aventuras de Lucien em Paris; e O sofrimento de um inventor, sobre a tragédia de David Sechard e seu pai.

52. A influência do romantismo na formação da estética realista.

A importância do romantismo como precursor da arte realista na França é muito grande.

Foram os românticos os primeiros críticos da sociedade burguesa. Foram eles que abriram novo tipo um herói que entra em confronto com a sociedade. Eles descobriram a análise psicológica, a inesgotável profundidade e complexidade da personalidade individual. Com isso, eles abriram o caminho para os realistas (no conhecimento de novas alturas do mundo interior do homem).

Stendhal usa isso e conecta a psicologia do indivíduo com seu ser social, e apresenta o mundo interior de uma pessoa em dinâmica, evolução, devido ao impacto ativo na personalidade do ambiente.

O princípio do historicismo (no romantismo era o princípio mais importante da estética) - os realistas o herdam.

Este princípio envolve considerar a vida da humanidade como um processo contínuo.

Entre os românticos, o princípio do historicismo tinha uma base idealista. Adquire um conteúdo fundamentalmente diferente dos realistas - uma leitura materialista da história (o principal motor da história é a luta de classes, a força que decide o resultado dessa luta é o povo). Foi isso que estimulou seu interesse pelas estruturas econômicas da sociedade e por Psicologia Social as grandes massas.

Os românticos retratam a vida de épocas passadas, realistas - a realidade burguesa moderna.

Realismo da fase I: Balzac, Stendhal: também tem características de romantismo (o artista está envolvido no mundo artístico que descreve).

Realismo do estágio II: Flaubert: a ruptura final com a tradição romântica. Indivíduos brilhantes estão sendo substituídos por pessoas comuns. Os artistas declaram seu total distanciamento da realidade que não aceitam.

53. A evolução da imagem de Rastignac nas obras de Balzac.

A imagem de Rastignac em "Ch.K." - a imagem de um jovem que conquista seu bem-estar pessoal. Seu caminho é o caminho da ascensão mais consistente e constante. A perda de ilusões, se ocorrer, é relativamente indolor.

EM "Padre Goriot" Rastignac ainda acredita na bondade e se orgulha de sua pureza. Minha vida é "clara como um lírio". Ele é de origem nobre aristocrática, vem a Paris para fazer carreira e ingressar na faculdade de direito. Ele mora na pensão de Madame Vaquet com o que resta de seu dinheiro. Ele tem acesso ao salão da viscondessa de Beauseant. Socialmente, ele é pobre. A experiência de vida de Rastignac é composta pela colisão de dois mundos (o condenado Vautrin e a viscondessa). Rastignac considera Vautrin e seus pontos de vista superiores a uma sociedade aristocrática, onde os crimes são pequenos. “Ninguém precisa de honestidade”, diz Vautrin. "Quanto mais frio você contar, mais longe você chegará." Sua posição intermediária é típica da época. Com o último dinheiro, ele organiza um funeral para o pobre Goriot.

Logo ele percebe que sua posição é ruim, não levará a nada, que ele deve desistir da honestidade, cuspir no orgulho e ir para a mesquinhez.

EM "couro shagreen"- uma nova etapa na evolução do Rastignac. Aqui ele já é um estrategista experiente que há muito se despede de todo tipo de ilusões. Este é um cínico absoluto que aprendeu a mentir e ser hipócrita. Ele é um montador clássico. Para prosperar, ele ensina Raphael, é preciso seguir em frente e comprometer todos os princípios morais.

Rastignac é um representante desse exército de jovens que não seguiu o caminho do crime aberto, mas o caminho da adaptação realizada por meio de um crime legal. A política financeira é um roubo. Ele está tentando se adaptar ao trono burguês.

54. Imagens da absurda realidade social nos romances de Dickens "Bleak House" e "Little Dorrit".

55. Imagens de financistas nos romances de Balzac e Flaubert.

56. O realismo de Dickens em Dombey and Son.

57. Realismo inglês. Características gerais.

O realismo em geral é um fenômeno vinculado a certas condições históricas.

A característica mais importante é a emancipação do indivíduo, o individualismo e o interesse pela pessoa humana.

O precursor do realismo inglês foi Shakespeare (ele tinha o historicismo em primeiro lugar - tanto o passado quanto o futuro determinavam o destino futuro dos personagens). O realismo renascentista foi caracterizado pela nacionalidade, traços nacionais, ampla formação e psicologismo.

O realismo é um personagem típico em circunstâncias típicas com uma certa fidelidade ao detalhe (Engels).

A principal característica do realismo é a análise social.

Foi o século XIX que levantou o problema da individualidade. Este foi o principal pré-requisito para o surgimento do realismo.

É formado por duas correntes: filistinismo (classicismo baseado na imitação da natureza - uma abordagem racionalista) e romantismo. O realismo emprestou a objetividade do classicismo.

Charles Dickens formou a base da escola realista na Inglaterra. Moralizar o pathos é parte integrante de seu trabalho. Ele combinou em seu trabalho características românticas e realistas. Aqui está a amplitude do panorama social da Inglaterra, a subjetividade de sua prosa e a ausência de meios-tons (apenas bons e maus). Ele tenta despertar a simpatia do leitor - e isso é um traço sentimental. Conexão com os poetas do lago - os pequenos são os heróis de seus romances. É Dickens quem introduz o tema da cidade capitalista (terrível). Ele é crítico da civilização.

O segundo maior realista do século XIX - Thackeray. A estética do Thackeray maduro é a base do realismo maduro, a descrição de um personagem não heróico. Tanto os iluminadores ingleses sublimes quanto os básicos procuram na vida das pessoas comuns. O objeto da sátira de Thackeray é o chamado romance criminal (picaresco). Método de heroização de personagens. Não existem vilões puros no mundo, assim como não existem guloseimas puras. Thackeray descreve a profunda dignidade humana da vida cotidiana.

Não há clímax (são inerentes ao romance). Agora existem sombras coloridas. "Vaidade".

O psicologismo dominante de Thackeray: na vida real estamos lidando com pessoas comuns, e elas são mais complicadas do que apenas anjos ou apenas vilões. Thackeray se opõe a reduzir uma pessoa ao seu papel social (uma pessoa não pode ser julgada por esse critério). Thackeray enfrenta o herói perfeito! (subtítulo: "um romance sem herói"). Ele cria um herói ideal e o coloca em um quadro real (Dobbin). Mas, retratando um verdadeiro herói, Thackeray não retratou o povo, mas apenas a classe média (cidade e província), porque ele próprio veio dessas camadas.

Então, anos 40 na Inglaterra: Public Rise. As ideias do século e o estado do movimento social, os princípios morais (relações econômicas) foram refletidos no romance. No centro está um homem. Alto nível de digitação. atitude crítica perante a realidade.

50-60: O tempo das ilusões perdidas que substituíram as altas expectativas. A recuperação econômica do país, a expansão da expansão colonial. A natureza da vida espiritual de uma pessoa é determinada pelas ideias do positivismo. A transferência das leis da vida selvagem para a sociedade - a divisão das funções da personalidade na esfera social. Confiança nas tradições de um romance sentimental cotidiano com um desenvolvimento predominante do comum. O nível de tipificação é mais baixo, o psicologismo é mais alto.

58. Panteísmo e positivismo em Flaubert e Baudelaire.

A teoria da arte pura é a negação de qualquer utilidade da arte. A glorificação do princípio da "arte pela arte". A arte tem um objetivo - o serviço da beleza.

A arte agora é uma forma de sair do mundo, a arte pura não interfere nas relações sociais.

Trindade da verdade, bondade, beleza – teoria da arte pura.

A teoria da arte pura surge como uma forma de fuga da realidade odiada. Os teóricos da arte pura também tendem ao ultrajante (a se expressar, a chocar).

surge panteísmo- muitas crenças, muitos heróis, opiniões, pensamentos. A história e as ciências naturais tornam-se as musas da era moderna. O panteísmo de Flaubert é uma cascata moderna: ele explicava a languidez do espírito pelo estado da sociedade. “Só valemos alguma coisa por causa do nosso sofrimento.” Emma Bovary é um símbolo da época, um símbolo da modernidade vulgar.

Em Baudelaire, o panteísmo se expressa em uma variedade de temas ligados em um único sistema. Ele combina o bem e o mal, dizendo que um não pode existir sem o outro. Alto e baixo tornam-se assim duas partículas inseparáveis de um todo. Quando canta um hino à beleza, não se esquece de mencionar o quão terrível é essa beleza. Quando canta sobre o amor, fala de sua baixeza (judia corrupta, paixão inebriante). “Satanás ou Deus, isso importa?”, diz ele. No poema "Albatroz", essa ideia soa muito brilhante: um pássaro tão forte no céu, voando alto acima de todos e tão indefeso no chão. Na verdade, é ele mesmo, um poeta que não tem lugar neste mundo mortal.

Positivismo- a direção da filosofia burguesa, partindo do fato de que todo conhecimento verdadeiro é o resultado cumulativo de especial. Ciências. A ciência, segundo o positivismo, não precisa de nenhuma filosofia acima dela.

Flaubert - ciência - ciência natural, medicina (a morte de Bovary, a doença do filho de Madame Arnoux e a morte do menino, filho de Frederic), Baudelaire - o verdadeiro conhecimento da beleza pura. Sinônimo de teoria da arte pura.

No início do século XVIII. A Itália era um conglomerado de vários estados feudais e semifeudais, que, com exceção do Piemonte e dos Estados papais, estavam sob influência estrangeira (França, Espanha, Áustria). A desunião política, o movimento das rotas comerciais do Mediterrâneo para o Oceano Atlântico, bem como as constantes guerras travadas na Itália, levaram a um aprofundamento do declínio político e econômico. O movimento da Contra-Reforma, liderado pela Roma papal, impediu o desenvolvimento de ideias avançadas.

Tal situação histórica não contribuiu para a criação de obras literárias significativas que descrevessem conflitos de grande ressonância social, paixões poderosas e revelassem imagens vivas. Literatura italiana do século XVIII baseou-se em grande parte nas tradições do Renascimento e do Barroco do século XVII.

A figura mais marcante do barroco foi Giambattista Marino (1569-1625), que influenciou a poesia italiana no século XVII. Ele ampliou o escopo temático da poesia, trouxe novas cores à descrição do mundo sensorial humano, elevou a técnica poética a um novo nível. Poetas dos séculos XV-XVI. escrevia de maneira monótona e convencional, enquanto Marino criava imagens sofisticadas, encontrava metáforas espirituosas e eficazes: “Ondas douradas são fios de seda... // Um leve barco de marfim // Um sulco flutuou ao longo deles, deslizando, - e um sulco // Estabelecido perfeitamente exatamente atrás” (“The Lady Combing Her Hair”, traduzido por V . Solonovich). A abundância de seguidores que escreveram poesia no espírito de Marino contribuiu para o surgimento do termo marinismo.

O segundo poeta famoso do século XVII. - Gabriele Chiabrera (1552-1638), imitando os clássicos gregos, escreveu poesias de excepcional melodia e musicalidade. Barroco combinado com classicismo em seu trabalho.

Alessandro Tassoni (1565-1635) introduziu um notável fluxo satírico na poesia italiana, criando um poema irônico-cômico "O Balde Roubado" (1622).

A tragédia classicista, que surgiu já no século XVI, não teve o devido desenvolvimento devido às condições históricas. A ópera (especialmente "ópera-série" ou "ópera séria"), cujos enredos foram extraídos da história e da mitologia antigas, tornou-se seu análogo original. Tragicomédias, tragédias de "manto e espada" no estilo espanhol, comédia "del arte" (comédia de "máscaras"), que tinha raízes profundas na arte popular - farsa, palhaço carnavalesco, também foram encenadas no palco italiano. Floresceu nos séculos XVII e XVIII. e saiu de cena no final do Iluminismo com a reforma de Goldoni.

A comédia "del arte" foi baseada na improvisação. Os papéis do roteiro eram apenas delineados, os próprios atores criavam monólogos, diálogos, trocavam comentários individuais. Os personagens da comédia eram "máscaras" típicas: servos - uma Brigella alegre, insolente e intrigante, arlequim desajeitado, servos quebrados e de língua afiada Servetta, Colombina, Smeraldina; os objetos do ridículo eram geralmente o ganancioso tolo Pantalone, o falador estúpido Doutor, o nobre capitão, o covarde e a fanfarra. Mas a comédia "del arte" não conseguia refletir os problemas atuais de seu tempo, pois, presa ao quadro tradicional, desenvolveu um leque restrito de temas.

Para refletir os complexos problemas da modernidade, elevar o nível ideológico e artístico da literatura, na Itália do século XVIII. havia a necessidade de uma reforma teatral. Esta tarefa foi concluída Carlos Goldoni (1707-1793), que inicialmente escreveu libretos de ópera, tragicomédias, interlúdios, comédias, traçando o caminho das transformações cênicas. em sua comédia "Homem secular, ou Momolo - a alma da sociedade"(1738) um papel já foi escrito inteiramente, e o próprio Momolo substituiu a "máscara" de Pantalone. O restante dos papéis ainda dependia da improvisação dos atores. texto de comedia "Mulher o que você precisa"(1743) já havia sido escrito na íntegra. Goldoni fez sua reforma devagar e com cuidado, acostumando gradativamente os atores aos papéis escritos (por exemplo, uma de suas melhores comédias "Servo de Dois Mestres", 1745, a princípio tinha roteiro e instruções para os atores, mas em 1753 o autor o refaz em comédia literária).

Goldoni retrabalhou com criatividade as técnicas artísticas da commedia dell'arte, usando com maestria mal-entendidos engraçados, confusão alegre, peculiaridades, reprodução cômica dos costumes locais, todo tipo de travessuras e piadas. Ele resolveu o problema educacional, tentando ensinar - entreter, divertir - educar.

Os tipos de comédia "del arte" gradualmente se transformaram: Brigella de uma criada intrigante se transformou em estalajadeiro profissional; Harlequin se torna um servo alegre e espirituoso; Pantalone não é um avarento estúpido, mas um empresário ativo e honesto que ensina aristocratas. Nas "comédias folclóricas" Goldoni aparecem cozinheiros, artesãos, pescadores, pequenos comerciantes que falam suculentas na língua nativa ("Amante", 1755; "Encruzilhada", 1756; "Escaramuças de Kyodzhin", 1761). Os personagens principais de suas comédias têm personagens positivos, personagens negativos se arrependem de más ações e gradualmente corrigem seus vícios (por exemplo, em "Estalajadeiro", 1753, Cavalier Ripafratta é um misógino, mas ao longo da comédia continua sua reeducação). Goldoni interpreta o tema do amor de uma nova maneira. Amado Mirandolina ("Estalajadeiro") - pessoas de diferentes status sociais, o que determina as características de sua psicologia: o marquês, o conde, o cavaleiro e o servo Fabrice. A heroína escolhe este último, pois o vão desejo de se tornar uma nobre é estranho para ela. Notado na comédia e no desejo geral de enriquecimento, que era um sinal característico dos tempos.

O reflexo das novas relações burguesas, características das comédias de Goldoni, o aparecimento nelas de imagens de gente comum, o interesse do autor pelo destino do "pequeno" homem, causaram forte rejeição em círculos literários Itália. O adversário de Goldoni era Pietro Chiari (1711 -1785), um prolífico romancista e dramaturgo, que também atuou no gênero comédia dell'arte.

Mas o inimigo literário mais ferrenho de Goldoni era Carlos Gozzi (1720-1806). Negando a tendência esclarecedora inerente às peças de Goldoni, Gozzi cria um novo gênero teatral de contos de fadas - "fiabs". Adorava a comédia "del arte", os contos folclóricos, reconhecendo como modelo apenas a literatura italiana dos séculos XIV - XVI. e rejeitando as realizações de escritores contemporâneos italianos e estrangeiros. Rejeitando a característica edificante e moralizadora do Iluminismo, Gozzi acreditava que a autenticidade e a veracidade das peças de Goldoni eram desastrosas para a literatura. Em sua opinião, a comédia deve ser baseada no início de um jogo.

De 1760 a 1765 Gozzi escreve dez "fiabs" que despertaram a atitude entusiástica do público (por exemplo, "Princesa Turandot", 1762). Gozzi acreditava que seria capaz de reviver a comédia "dell'arte" com a ajuda de produções exóticas, coloridas e inventivas, introduzindo elementos do milagroso e alegre na trama. O primeiro de seus contos de fadas "Amor por Três Laranjas"(1761) foi um roteiro com notas detalhadas sobre o enredo e a atuação. Parodiando as artimanhas de Goldoni, Gozzi fala da melancolia do príncipe Tartaglia, das tentativas de fazê-lo rir, da busca por três laranjas. A ação da peça não era apenas fabulosa, mas continha elementos reais do cotidiano e bufões. Nas fiabs de Gozzi, o caráter inusitado dos personagens e o rápido desenvolvimento da ação se devem às fabulosas e mágicas reviravoltas no desenvolvimento da trama, que contribuíram para uma compreensão otimista do mundo. A transformação do rei em cervo ( "O Rei Cervo", 1762) foi associado à resolução do problema do poder, bem como problemas psicológicos; vestir um rei como um mendigo ("Mendigos Felizes", 1764) o ajuda a aprender a verdade real sobre os ministros traiçoeiros e maus.

Gozzi continuou a reforma da comédia italiana. Ele também escreve papéis para atores, permitindo apenas uma pequena quantidade de improvisação. Mas Gozzi entendeu que suas “fiabs”, por sua natureza tradicional, não poderiam dar corpo aos problemas atuais. vida moderna. Começou a escrever peças no modelo da comédia espanhola "manto e espada", desenhando enredos das obras de Tirso de Molina, Calderon e outros dramaturgos espanhóis do século XVII. Mas também aqui ele usa as "máscaras" características da commedia dell'arte.

Como a Era do Iluminismo precisava de uma dramaturgia ideologicamente rica, escritores e cientistas voltaram-se para a teoria. Eles escreveram tratados estéticos nos quais criticaram a ópera e a comédia "del arte", afirmaram os princípios do classicismo (D. V. Gravina "Fundamentos da Poética", 1708; P. Y. Martello "Sobre a tragédia do antigo e do novo", 1715). gravina traduz as tragédias de Corneille e Racine, Martello ele próprio escreve tragédias em um verso especial "Marteliano" (com rimas de catorze sílabas em pares), que mais tarde foi usado por outros escritores em sua prática artística. Goldoni e Chiari se dirigiram a ele mais de uma vez, enquanto Gozzi usou esse verso para fins paródicos. Os mais significativos autores de tragédias da primeira metade do século XVIII. eram P. Metastasio ("Dido Abandonado", 1724; "Alexandre na Índia", 1729; e etc.) E S. Maffei ("Meropa", 1713). O criador da tragédia clássica nacional associada à ideologia do Iluminismo foi Vittorio Alfieri (1749-1803), que acreditava que as pessoas

"devem frequentar o teatro para aprender coragem, generosidade, liberdade, ódio à violência, amor à pátria, compreensão de seus direitos, franqueza e abnegação."

Alfieri estava ciente dos interesses limitados de seus concidadãos, de sua pobreza moral e escrevia em nome do futuro. Suas tragédias apaixonadas não impressionaram o público italiano por muito tempo, seu protesto contra a tirania foi percebido por eles como uma rebelião pessoal. Porém, após as guerras napoleônicas, devido ao enfraquecimento da influência feudal católica e à possibilidade de unificar a Itália, as tragédias de Alfieri passaram a ajudar a incutir coragem nos italianos e a despertar neles o sentimento cívico. Não é à toa que Alfieri foi reconhecido como o pai espiritual do Risorgimento (Renascimento).

O tema principal das tragédias de Alfieri é o tema da liberdade política, a luta contra a tirania. No centro, via de regra, está uma pessoa dotada de caráter corajoso e altruísta, realizando uma ação política. na tragédia "Bruto II"(1787) Brutus mata Júlio César após sua recusa em conceder liberdade aos romanos. O ato do herói e suas ideias estão subordinados a objetivos elevados. Alfieri intensifica o conflito interno ao se referir à lenda segundo a qual Brutus era considerado filho de César. O próprio César na tragédia é um notável comandante e político, mas, de acordo com Brutus, Cássio e outros conspiradores, ele se torna perigoso para Roma, porque o despotismo é inerente a ele. O tema de proteger a república da autocracia de um tirano é revelado em "Virgínia" (1777), "A Conspiração Pazzi"(1779). O escritor dirige-se repetidamente aos seus concidadãos, procurando despertar neles o orgulho e a capacidade de resistência, chama-os de escravos, mas escravos capazes de se revoltarem. Desejando incutir coragem e fortaleza pessoal, o dramaturgo constrói conflitos morais de tal forma que a honra, o orgulho e a fortaleza vencem na luta espiritual ( Mirra, 1786; "Saulo", 1781; "Orest", 1781). Com sua obra, tratados estéticos e políticos ( "Sobre a Tirania", 1777; "Sobre o Estado e a Literatura", 1778) Alfieri argumentou que falar abertamente sobre o alto significa realizá-lo parcialmente.

Desenvolvimento significativo no século XVIII. poesia alcançada na Itália. Seguindo a tradição nacional, os poetas recorriam frequentemente à improvisação (poemas eram compostos sobre qualquer tema dado pelo público). O gênero principal da poesia dessa época era uma ode aos enredos religiosos e heróicos, amorosos e cômicos no espírito de Horácio, Píndaro, Anacreon ou Petrarca. O poeta mais importante foi Giuseppe Parini (1729-1799), autor de um grande número de poemas líricos e hedonistas. Ele ridiculariza venenosamente nobres ociosos, suas maneiras e passatempos. sua ode "Pobreza"(1765) foi inspirado no livro do filósofo-educador Beccaria "Sobre Crimes e Castigos" (1764). Seguindo Beccaria, Parini prova que o crime é gerado pela pobreza, e não haverá crime em uma sociedade organizada de forma razoável e justa.

literatura do seculo 18 preparou o movimento de libertação na Itália no século XIX.

As principais características do romantismo como método e como movimento literário

A palavra "romantismo" é usada tanto para denotar a visão de mundo, a mentalidade de uma pessoa que se elevou acima do comum, acima da vida cotidiana, quanto para nomear o método literário e a tendência literária, limitada a um determinado tempo (1ª metade do século XIX século) e a cosmovisão romântica.

As características do método romântico podem ser encontradas em diferentes períodos do desenvolvimento da literatura. O romantismo como tendência literária começa a tomar forma no final do século XIX na Alemanha. Ali a teoria e a estética do romantismo tomam forma.

O termo "romantismo" está associado à palavra - romance. Um romance (desde o século 12) na França é uma história sobre amor e aventuras militares, sobre aventuras incríveis que aconteceram com personalidades excepcionais. Todos os romances foram escritos na língua românica (francesa), e não em latim, que era característico dos textos religiosos e do romance antigo. Ao contrário da saga, o romance não contou sobre eventos reais. O romance é produto da imaginação do autor. No entanto, em 1800 existe uma união de 2 conceitos - romântico e lírico (Friedrich Schlegel), ou seja. a palavra "romântico" manteve a semântica "externamente incomum" e a lírica - "transmitir emoções". A poesia romântica, do ponto de vista de Schlegel, é uma poesia universal progressiva.

O romantismo combina alta espiritualidade, profundidade filosófica, riqueza emocional, um enredo complexo, um interesse especial pela natureza e, acima de tudo, uma convicção nas possibilidades inesgotáveis do homem.

Origens Sociais do Romantismo

Friedrich Schlegel acreditava que o romantismo nasceu da Revolução Francesa de 1789, a filosofia de Fichte e "Wilhelm Meister" de Goethe. A Revolução Francesa é a origem social do Romantismo. A Revolução Francesa é a origem social do Romantismo. A Revolução Francesa, por um lado, deu origem à esperança na eficácia da mudança do mundo, a fé na possibilidade de libertação, por outro lado, deu origem à incerteza, um sentimento trágico de solidão sem esperança, impotência em uma situação real mundo cruel e, portanto, levou a utopias filosóficas, à reconstrução de um passado idealizado, a uma reprodução irônica da realidade.

Depois da revolução, veio a decepção, então a visão de mundo romântica é sempre pessimista. A revolução deu origem a gênios e titãs, surgiu uma ideia de pessoa, perto do Renascimento, quando o indivíduo e o universo se igualaram em suas capacidades.

Assim, tendências opostas levaram a uma quebra de consciência, à desintegração da existência em 2 componentes, surgiu uma dualidade romântica - esta é uma característica categórica do movimento romântico.

Conclusão: 1 fonte - origens sociais - a Revolução Francesa.

Origens filosóficas

1.) Friedrich Schlegel citou a filosofia de Fichte como fonte. No entanto, em cada país havia diferentes origens filosóficas do romantismo, mas muitas vezes todas remontavam à filosofia alemã. Esta é a filosofia de Kant, que divide o mundo, por assim dizer, em 2 metades: "coisa em si" e "coisa para nós", e "coisa em si" leva àquelas áreas que estão fora da compreensão racionalista do mundo, apontando para algo místico e misterioso. Isso é inerente a Novalis, Ludwig Tieck (na Alemanha), Coleridge (na Inglaterra), George Sand (na França), Edgar Poe (na América). Deve ser lembrado que na literatura, ao se referir a ideias filosóficas muitas vezes há alguma transformação e simplificação.

Os pensamentos de Fichte sobre as possibilidades criativas do "eu" humano são frequentemente identificados com as possibilidades criativas de um determinado escritor e poeta. Os românticos acreditavam na possibilidade de recriar o mundo através da arte, sonhavam com uma idade de ouro que se tornaria realidade graças ao criativo e ao “eu” do artista.

3.) Descasque

As ideias de Schelling, o criador da Filosofia Transcendental (traduzido do latim “passar, ir além”), que via o mundo em sua dualidade, afirmavam a espiritualidade universal. As ideias de Schelling tiveram impacto não apenas nos alemães, por exemplo, Coleridge fez uma viagem especial à Alemanha para se familiarizar com a filosofia de Schelling. Os franceses conheceram a arte e a filosofia alemãs por meio de On Germany, de Germain de Stael; o transcendentalismo surgiu na América sob a influência de Schelling.

estética do romantismo

1. Dois mundos.

O mundo dual é mais frequentemente chamado de característica categórica do romantismo, embora tenha aparecido antes. Alguns estudiosos dizem que dois mundos ainda podem ser encontrados em Diderot, Lessing (século XVIII) e até mesmo no romance Dom Quixote de Cervantes.

O mundo dual do romantismo, especialmente manifestado na versão alemã, vem da ideia de dualidade de Schelling - a divisão do universo nas esferas espiritual e física e, ao mesmo tempo, o reconhecimento da unidade desses 2 opostos. No nível estético, mundos duais são formados na reprodução e visão de mundo, e são realizados em particular pela adição do enredo.

Dvoemirie (apenas no romantismo, por exemplo, o filme "St. George's Day".

2. O personagem principal do romance é sempre uma personalidade excepcional titânica, e não é por acaso que o romantismo é comparável ao renascimento. O titanismo romântico do herói pode se manifestar de várias formas, por exemplo, o herói pode ser dotado de paixões especiais, força extraordinária e também tem um amor indestrutível pela liberdade ("Prometeu"), observação incompreensível (Poe), amor altruísta ( “Quasímodo” de Hugo).

As principais técnicas para criar um personagem são o grotesco e o contraste.

3. O culto do sentimento.

Até o sentimentalismo do século 18 chamava a atenção para a perspectiva emocional de uma pessoa. A arte romântica começa a analisar os sentimentos (o poder do sentimento é a análise), e o sentimentalismo os afirma.

Um lugar especial entre os sentimentos é ocupado pelo sentimento de amor. Só o amoroso é avistado. Um herói romântico é testado pelo amor, o amor muda uma pessoa. Amor verdadeiro sempre associado ao sofrimento, se o amor é abrangente, então o sofrimento é mais forte.

4. Interesse pela natureza.

A descrição da natureza não é apenas decorativa. Os românticos eram panteístas (Deus é a natureza); não aceitam o cristianismo tradicional, eles viam na natureza a personificação do princípio divino. Para eles, uma pessoa é interessante quando está ligada ao princípio natural (não um jardim, mas uma floresta; não uma cidade, mas uma aldeia). Paisagem romântica - paisagem de ruínas, paisagem de elementos ou paisagem exótica.

5. Sensação de historicismo.

Na Alemanha, nas obras dos irmãos Schlegel, surge uma abordagem histórica do estudo da literatura. Os escritores estão começando a se interessar pela história verdadeira, e não mitificada, como entre os classicistas. No entanto, voltar-se para o passado muitas vezes levou à idealização da Idade Média, que era vista como um análogo do estado ideal da Atlântida. O interesse pelo passado estava associado à rejeição do presente e à busca de um ideal.

6. O romantismo é inerente à subjetividade, daí o interesse pelo processo de criação, pela imaginação, o gênero do conto de fadas literário abriu espaço para a subjetividade.

romantismo inglês.

Abrange o período do final do século XVIII até a década de 1830.

O primeiro dos românticos foi W. Blake. A primeira metade do Romantismo está associada aos nomes dos poetas das "Escolas do Lago" ou "Lakeists": Wordsworth, Coleridge, Southey. Em um esforço para fugir da cidade que não aceitavam, eles se estabeleceram perto do lago Kezik.

O segundo período do romantismo inglês começa com a entrada na literatura de Byron e Shelley.

O romantismo inglês, como todas as suas formas nacionais, tem ideias tipológicas e identidade nacional comuns. É claro que os autores ingleses mostraram um interesse especial pela Revolução Francesa, mas uma noção da crise da época causada pelos resultados da Revolução Francesa e pela crise econômica estimulou o interesse pelos ensinamentos dos socialistas - em particular Owen. A agitação popular (o desempenho dos luditas e os julgamentos contra eles) deu origem a poesia poética e motivos tirânicos na poesia. O romantismo na Inglaterra tinha uma tradição representada pelo sentimentalismo e pelo pré-romantismo. A imagem de Satã, muito popular no romantismo inglês, também tem tradição própria no Paraíso Perdido de Milton (século XVII).

Fundamentos filosóficos O romantismo inglês remonta ao sensacionalismo de Hobbes e Locke e às ideias dos filósofos alemães, em particular Kant e Schelling. A atenção dos românticos ingleses também foi atraída pelo panteísmo de Spinoza e do místico Boehme. O romantismo inglês combina o empirismo com um conceito idealista da realidade, refletido em uma atenção especial à representação do mundo objetivo (edifícios, roupas, costumes).

O romantismo inglês se distingue por sua racionalidade (a poesia de Byron e Shelley). Ao mesmo tempo, o romantismo inglês não é estranho ao misticismo. Um papel importante no desenvolvimento das visões dos românticos ingleses foi desempenhado pelo tratado de Burke "On the Sublime and the Beautiful", onde o terrível ensaio de De Quincey "Murder as a Fine Art" também caiu na categoria do sublime. Este ensaio abriu caminho para a literatura para heróis criminosos, que muitas vezes (como em Byron) são moralmente muito superiores à chamada sociedade decente. As obras de De Quincey e Burke afirmaram a presença no mundo de 2 forças opostas eternas: o bem e o mal, a invencibilidade do mal e a presença da dualidade nele, porque o mal é sempre dotado de uma mente hipertrofiada. Satan (de Blake a Byron) entrou no número de personagens do romantismo inglês sob vários nomes e personificou a mente. O culto da razão é uma das características categóricas do romantismo inglês.

A natureza global dos problemas emergentes deu origem ao mito da criatividade e do simbolismo. As imagens e enredos do romance inglês foram retirados da Bíblia, que era um livro de referência até mesmo para ateus como Byron.

O poema "Caim" de Byron é baseado em um repensar da história bíblica.

Freqüentemente, os românticos ingleses se voltavam para a mitologia antiga e a repensavam (por exemplo, o poema de Shelley "Prometheus Unbound"). Românticos ingleses poderiam repensar famosos tramas literárias, por exemplo, no poema "Malfred" de Byron, o enredo de "Faust" de Goethe é retrabalhado.

O romantismo inglês é, antes de tudo, poesia, e poesia lírica, na qual a personalidade do poeta se expressa com clareza, é muito difícil distinguir o mundo do herói lírico do mundo do próprio autor.

O tema da poesia, para além de transmitir experiências individuais, associa-se à imagem do mar ou de um navio. A Inglaterra é uma potência marítima. O romantismo inglês recebeu reflexão teórica em seus manifestos literários: Preface to Wordsworth's "lyrical ballads", Shelley's "Defense of Poetry" e " biografia literária» Coleridge. Uma nova palavra foi dita românticos ingleses no campo do romance. Walter Scott é considerado o criador do romance histórico romântico.

George Noel Gordan Byron

O primeiro período da obra de Byron é 1807-1809: a época da criação da coleção Hours of Leisure e da sátira English Bards and Scottish Reviewers. O poeta nesta época está se preparando para atividades na Câmara dos Lordes, então traços de uma atitude um tanto descuidada em relação à poesia são visíveis nesta coleção. A coleção "Horas de Lazer" causou fortes críticas.

Um poema particularmente significativo desse período é o poema "Quero ser uma criança livre". Todos os principais temas da obra de Byron foram encontrados nesta coleção:

Oposição à sociedade

Decepção na amizade (perda de amigos verdadeiros),

O amor é a base da existência

solidão trágica

Proximidade com a vida selvagem

E às vezes o desejo de morrer.

Em sua sátira "Bardos ingleses e revisores escoceses", Byron fala muito negativamente sobre o trabalho dos poetas das "escolas do lago".

O segundo período da obra de Byron: 1809-1816, inclui "Journey Abroad" (1809-1811), "Obrigatório para jovens de famílias aristocráticas e vida na Inglaterra". Durante as suas viagens visitou Portugal, Espanha, Albânia e Grécia. Em 1812, aparecem 2 canções "Childe Harold's Pilgrimage". As 2 últimas partes deste poema foram criadas após uma longa pausa, e todo o poema é uma espécie de diário de viagem do poeta. A tradução tradicional do título deste poema não é totalmente precisa, na versão em inglês, a tradução de peregrinação, errância e caminho da vida é permitida, enquanto na tradução russa apenas a primeira palavra foi tirada. A peregrinação é feita a lugares sagrados, e Byron não tem isso, a menos que consideremos possível que o poeta seja irônico sobre seu herói. Em Byron, tanto seu herói quanto o próprio poeta fazem uma jornada, então seria mais correto traduzir o poema "Childe Harold's Wandering".

No início do poema, as características épicas inerentes a esse gênero foram preservadas (originalmente o poema era um gênero épico):

Byron nos apresenta pela primeira vez a família de Harold e o início de sua vida. Harold tem 19 anos, o elemento épico ou evento logo dá lugar ao lírico, transmitindo os pensamentos e o humor do próprio autor. Assim, em Byron, o poema se torna um gênero lírico-épico, enquanto os planos lírico e épico não se cruzam de forma alguma. No decorrer do desenvolvimento do poema, o épico vai ficando em segundo plano e geralmente desaparece no final. Nas últimas 4 músicas, Byron não se refere ao nome do personagem-título Harold e se torna abertamente o próprio personagem principal da obra e transforma todo o poema em uma história sobre suas próprias experiências.

O poema foi concebido no espírito da literatura da época, como uma história sobre os acontecimentos do passado, por isso a palavra Childe foi preservada no título, que na Idade Média era um título jovem nobre ainda não foi cavaleiro. No entanto, a ideia do poema logo mudou e o herói do poema tornou-se contemporâneo de Byron. Nesse poema, surgiu um novo herói, que mais tarde seria chamado de "Byron".

Lista de propriedades de um jovem de 19 anos:

1. Entretenimento ocioso

2. Devassidão

3. Falta de honra e vergonha

4. Breves casos de amor

5. Horda de companheiros de bebida

Estamos falando de um personagem que rompe bruscamente com as normas da moralidade. Harold envergonhou sua antiga família, mas Byron fez algumas alterações na imagem com a frase "A saciedade falou nele". A saciedade é um conceito romântico. O herói romântico não percorre um longo caminho evolutivo, ele vê, como Harold fez, vendo seu entorno na verdadeira luz. Essa percepção leva Harold a um novo nível - o nível de uma pessoa que é capaz de olhar para o mundo e para si mesma como se estivesse de fora. O herói de Byron viola as normas estabelecidas pela tradição, sempre tem mais liberdade do que aqueles que as seguem. O herói de Byron é quase sempre um criminoso, no sentido de que ultrapassa os limites estabelecidos. O preço de novos conhecimentos é sempre a solidão, e é com esse sentimento que o herói se recupera de suas andanças.

Na 1ª canção Portugal surge perante o leitor, na 2ª canção Albânia e Grécia, na 3ª canção a Suíça e o campo de Waterloo, na mesma canção surge o tema de Napoleão, que se resolve de forma ambígua, a 4ª canção fala sobre a Itália . As canções 3 e 4, em maior medida do que as duas primeiras, são o diário lírico do autor. Byron descreve em detalhes os costumes, costumes. A paisagem romântica é a paisagem das ruínas, dos elementos e da paisagem exótica.

No mesmo estágio, Byron escreveu os chamados "poemas orientais": "Gyaur", "Corsair", "Lara", etc. Eles foram chamados de "orientais" porque as ações acontecem no leste da Inglaterra nas ilhas exóticas do Mar Mediterrâneo perto da Turquia. Todos esses poemas têm um enredo tenso e desenvolvido, transmitem a intensidade das paixões. Paixão, vingança, liberdade são os temas principais dos poemas. Os heróis de todos os poemas são maximalistas, não reconhecem meias medidas, meios volumes, compromissos. Se a vitória é inatingível, eles escolhem a morte. Tanto o passado dos heróis quanto seu futuro são misteriosos. Composicionalmente, os poemas orientais estão associados a tradições baladas, que transmitia apenas os momentos mais intensos do desenvolvimento da trama, não reconhecendo a sequência na apresentação dos acontecimentos. Um exemplo de violação da cronologia dos eventos pode ser encontrado em "Gyaur".

"Gyaur"

O poema é construído como uma soma de diferentes sequências não relacionadas de eventos que ocorrem em momentos diferentes. Gyaur na tradução "não-crente". Fragmentos separados são conectados apenas no final. Quando, uma vez no mosteiro, Gyaur conta que amava Leila, preparou-se para fugir com ela do harém, mas a trama foi revelada, ela foi jogada de um penhasco no mar e ele se vingou de seu marido, por cujas ordens o amada mulher morreu, matando-o. Após sua morte, a vida do narrador perdeu o sentido.

"Corsário"

Em Corsair, os eventos se desenrolam sequencialmente, mas o autor mantém segredos relacionados ao passado dos personagens e não dá um final inequívoco. O personagem principal é Conrad-Corsair, ou seja, um pirata, um ladrão do mar que infringiu a lei. Não sabemos nada sobre ele, por que se tornou pirata, mas é claro que ele é educado. A tragédia de Conrad é que ele reconhece apenas sua própria vontade, apenas sua ideia de mundo e, tendo se oposto à tirania e à opinião pública e às leis e regras estabelecidas por Deus, ele próprio se torna um tirano. Byron faz seu herói pensar em seu direito de vingar a todos pelo mal de alguns. Durante uma luta com Selim, ele é capturado, onde aguarda a execução. Privado de liberdade, ele sente remorso. Assim, pela primeira vez, Byron faz seu herói duvidar da exatidão de seus julgamentos. O segundo erro ocorre quando ele, libertado pela esposa do sultão que se apaixonou por ele, volta e vê um navio pirata correndo em seu socorro. Ele nunca imaginou o que poderia causar amor no coração dessas pessoas.

Em 1815, o poema mais trágico e lírico, "Perdoe", dirigido à esposa após o divórcio, remonta. Após o divórcio, em meio a uma campanha de difamação contra ele, em 1816 Byron deixou a Inglaterra para sempre.

"Manfredo"

1816 é o período mais difícil da vida do poeta. Ele passa parte deste ano na Suíça e depois se instala na Itália. Neste momento, ele escreve seu poema "Manfred". O próprio Byron chama seu poema de "poema dramático", mas pelo tipo de imagem do mundo, Manfred aborda o mistério e drama filosófico, onde o princípio predominante da transmissão do pensamento é o simbolismo. Todos os personagens deste poema são ideias personificadas. Manfred foi escrito sob a influência do Fausto de Goethe, que o próprio Goethe admitiu. No entanto, o próprio Byron, se foi inspirado por Fausto, muito se afastou dele.

Seu herói também é um feiticeiro, mas o objetivo do herói não é ganhar um belo momento. Manfred procura libertar-se do sofrimento a que a sua memória e a sua consciência o condenam. Ele é a causa da morte de sua amada Astarte, cuja sombra ele quer chamar do mundo dos mortos para pedir perdão.

O tema principal da obra é o sofrimento de uma pessoa imensamente solitária que tudo conheceu desde a consciência da sua culpa indesculpável, desde a incapacidade de encontrar o esquecimento. Toda a ação acontece no topo dos Alpes em um antigo castelo gótico cheio de segredos. Mesmo antes de sua morte, não tendo recebido o perdão de Astarte, Manfred não se arrepende. "Manfred" é o último poema de Byron sobre uma pessoa poderosa e solitária que se considera no direito de resistir ao universo com o poder de sua mente e vontade.

Esta é a última obra em que o egoísmo e o individualismo humanos cometem um crime.

O período italiano (1816-1824) foi marcado pelo surgimento de uma visão irônica do mundo e pela busca de uma alternativa moral, uma alternativa individualista.

De particular importância é o romance em verso "Don Juan" e o mistério "Cain".

O mistério é baseado no texto bíblico. Byron manteve a base da trama: o sacrifício de Caim não é aceito por Deus, ele, abrigando o mal, matou seu irmão, agradando a Deus.

A Bíblia apresenta Caim como o 1º invejoso e assassino que se rebelou contra Deus.

A Bíblia não dá uma psicologia das motivações. Byron quebra esse enredo, vendo nele o conflito da obediência impensada e o orgulho do pensamento humano. Pela primeira vez, Byron se opõe a um tirano (Deus), não um individualista, mas um altruísta. Caim não apenas se opõe à tirania de Deus, mas se esforça para desvendar o mistério da morte, a fim de salvar todas as pessoas dela.

O individualismo é representado aqui por Lúcifer - um anjo que se rebelou contra a tirania do poder supremo, derrotado, mas não submetido ao tirano. Lúcifer representa um número de indivíduos, o último dos quais foi Manfred.

A partir da cena 1 do ato 1, Byron cria um tenso duelo de ideias, diferentes ideias sobre o mundo e sobre a força que rege este mundo. Após a oração de Adão e Eva, e Abel, em que louvaram a Deus, há um diálogo entre Adão e Caim, que não participou da doxologia geral. Caim é assombrado pela questão de saber se Deus é onisciente, onipotente ou bom. Para testar, ele sacrifica flores e frutas. Deus não aceita a oferta incruenta de Caim, mas aceita o sacrifício sangrento de Abel quando ele mata um cordeiro em nome de Deus.

Caim queria destruir o altar de Deus, mas Abel se levantou em defesa, tendo perdido o poder sobre si mesmo, num acesso de indignação pela cegueira das pessoas, mata seu irmão, o primeiro a trazer a morte da qual queria salvar a todos .

Tendo matado Abel, amaldiçoado antes de tudo por sua mãe, ele é expulso de casa, desconhecido o espera e sua família.

pelo mais punimento severoé seu arrependimento e condenação à dúvida eterna em si mesmo e em seus entes queridos, que podem repetir seu crime. O deus tirano é invencível, o segredo da vida e da morte não é conhecido, o crime está cometido.

O conflito entre o homem e o poder superior permaneceu sem solução, embora uma nova tendência esteja surgindo: aquele que se rebelou contra o poder superior não falou apenas por si mesmo. Caim só pode esperar se tornar uma pessoa espiritualmente livre, mas Caim, quebrado por um crime cometido, será capaz de se libertar espiritualmente.

romantismo francês.

O romantismo francês nasceu dos eventos da Revolução Francesa de 1789 e sobreviveu a mais 2 revoluções.

Fase 1 da Revolução Francesa: 1800-1810

Estágio 2: 1820-1830

No entanto, o caminho criativo de românticos como J. Sant e V. Hugo ultrapassou esses limites e, em pintura francesa O romantismo sobreviveu até 1860.

Curiosamente, em um país que passou por incríveis convulsões e revoluções, na 1ª fase do romantismo surgem obras em que praticamente não há foco na trama.

Obviamente, o cansaço da nação pelas catástrofes da realidade afetou. A atenção dos escritores é atraída para a área dos sentimentos, aliás, não são apenas emoções, mas sua manifestação mais elevada é a paixão.

No estágio 1 para romantismo francês Shakespeare se torna um ídolo. Germain de Smal em 1790 escreve um tratado "Sobre a influência das paixões na felicidade de indivíduos e nações".

Rene Cheteaubriand em seu livro "Os Gênios dos Cristãos" seção "Sobre a imprecisão das paixões".

O 1º lugar é ocupado pela paixão do amor. O amor em nenhum lugar é apresentado como feliz, é combinado com a imagem do sofrimento, completa solidão mental e espiritual.

Com o romance René, de Chateaubriand, surge uma série de supostos heróis-enlutados, que passarão pela literatura tanto da Inglaterra quanto da Rússia, recebendo o nome de pessoas supérfluas.

O tema da solidão, o desperdício sem sentido de energia se tornará o principal no romance de Senancourt e Musset.

O tema da religião como forma de reconciliação com a realidade surge nas obras de Chateaubriand. Não foi pequeno o papel desempenhado pelo conhecimento dos franceses com as ideias dos românticos alemães. De grande interesse não é apenas a Alemanha, mas também a América e o Oriente. Muitas vezes, os heróis dos românticos franceses eram pessoas associadas à arte.

No romance Carinna de Germaine de Stael, a música era a principal paixão da heroína. A emergência de outro tema está ligada à obra de Germaine de Stael: o tema da emancipação feminina. Não é por acaso que a escritora chama seus romances de nomes femininos ("Karinna", "Dolphin").

Na 2ª fase do romantismo francês, desenvolvem-se as tendências anteriormente delineadas, mas modificam-se o tema e os métodos da sua concretização.

Nesta fase, ocorre o desenvolvimento do drama. O melodrama inerente à maioria dos dramas românticos atinge seu grau mais alto, as paixões perdem sua motivação, o desenvolvimento da trama está sujeito ao acaso. Tudo isso nasceu das especificidades da etapa histórica anterior da revolução, quando a vida humana perdia seu preço, quando a morte esperava a todos a qualquer momento.

Romance histórico e drama aparecem na literatura.

Victor Hugo "Notre Dame", "Os Miseráveis", "93", "O Homem que Ri".

Os autores do drama histórico são Hugo e Musset, mas a atenção principal no romance histórico e no drama histórico sempre foi atraída para o significado moral do que está acontecendo. A vida interior espiritual de uma pessoa acabou sendo mais importante do que a história do estado.

Os gêneros históricos na França estão se desenvolvendo sob a influência de W. Scott. mas ao contrário dele, um homem que nunca fez de figuras históricas o título de seus romances, os autores franceses introduzem figuras históricas entre os personagens principais. Os franceses voltaram sua atenção para o tema do povo e seu papel na história. Muitos problemas não resolvidos na vida da sociedade que surgiram antes mesmo da revolução dão origem na literatura ao interesse pelos ensinamentos dos socialistas - Pierre Meru, Saint Simon.

V. Hugo, J. Sant referem-se repetidamente às suas ideias em seus romances não apenas sobre o passado, mas também sobre o presente. Aqui a poética romântica é enriquecida com a poética realista.

desde 1830 romance francês inclinado para a análise. Aparece a chamada literatura violenta (V. Hugo escreve o conto “O Último Dia dos Condenados à Morte”). A especificidade dessa literatura está na descrição de situações extremas da vida cotidiana. O tema da guilhotina, revolução, terror, pena de morte é o principal dessas obras.

Victor Hugo

O mais importante escritor do romantismo europeu. Ele era um romântico de acordo com o tipo de percepção do mundo e o lugar do poeta nele. Hugo inicia sua atividade criativa como poeta.

1 coleção: "Odes" (1822)

2 coleção "Odes e baladas" (1829)

Os próprios títulos das primeiras coleções atestam as conexões do poeta iniciante com o classicismo. No estágio 1, Hugo tende a retratar o conflito entre o amor e o lar, seu estilo é muito patético.

Os materiais da 3ª coleção (“Oriental”) são os exóticos e pitorescos do Oriente, muito populares na França.

"Cromwell" - o primeiro drama de V. Hugo. A escolha do tema deve-se ao carácter inusitado deste político inglês. Era o prefácio do drama que mais importava, não o drama em si. As ideias do prefácio são importantes para todo o movimento romântico, estão associadas ao fim do historicismo, ao problema do grotesco, ao princípio de refletir a realidade, às especificidades do drama como uma espécie de exceção. O historicismo romântico e a dialética romântica fundamentam as ideias de Hugo sobre o desenvolvimento da sociedade e sua cultura. A periodização de Hugo como um todo está sujeita não tanto a mudanças nas relações sociais quanto ao desenvolvimento da consciência.

3 eras segundo Hugo:

1) Primitivo

2) Antigo

No estágio 1, em sua opinião, não é tanto a consciência que desperta, mas a emoção, e a poesia surge com ela. Uma pessoa só consegue expressar seu deleite e compõe um hino e uma ode, então surge a Bíblia. Deus ainda é um mistério aqui, e a religião não tem dogmas.

Na fase da antiguidade, a religião assume uma certa forma, o movimento dos povos e o surgimento dos estados dá origem a uma epopeia, cujo auge é a obra de Homero. Nessa fase, até a tragédia é ética, pois o ator reconta do palco o conteúdo da epopéia.

Uma nova época começa quando o paganismo grosseiro e superficial é substituído por uma religião espírita que mostra ao homem sua natureza dual: o corpo é mortal, o espírito é eterno. A ideia de dualidade, surgida com o advento do cristianismo, perpassará todo o sistema de visão de Hugo, tanto no campo da ética quanto no da estética.

Assim, destacando culturas, Hugo fixa a consciência, que se manifesta na forma de crenças e na arte. O conceito da dualidade do mundo cria um novo tipo de drama excepcional, dominado pela luta de duas tendências - conflitos. A ideia de dualidade está subjacente a todas as construções estéticas de Hugo. Drama combina tragédia e comédia. O auge do drama é a obra de Shakespeare.

Hugo dedica especial atenção ao problema do grotesco. Hugo tem um contraste no tratado do grotesco. Ele não combina o grotesco com o feio, mas o contrasta com o sublime.

Segundo Hugo, o grotesco (mesmo antigo) transmite não apenas o feio, mas envolve a imagem com uma "névoa de grandeza ou divindade". Segundo Hugo, o grotesco está próximo do sublime, incluindo toda a diversidade do mundo. Até mesmo o protagonista do drama "Cromwell" acaba sendo uma figura grotesca, pois características incompatíveis se combinam em seu personagem e isso cria um caráter romântico excepcional. Os heróis de Hugo (Quasimodo, Jean Voljean, de Pien) são o grotesco em seu sentido romântico.

Hugo prestou muita atenção ao problema das 3 unidades, acreditando que apenas a unidade de ação tem o direito de existir, pois contém a lei básica do drama.

"Ernani"

"Ernani" - 1 das obras significativas de Hugo.

Em "Ernani" o tempo da ação vai muito além de um dia, o local da ação muda constantemente, mas ele adere apaixonadamente à unidade da ação: o conflito do amor e da honra une todos os personagens e é o motor da intriga. O amor pela jovem dona de Sol quebra Hernani, o rei Carlos, o duque de Silva, e dá origem não só à rivalidade amorosa, mas também à honra. A honra de Ernani (ele, privado dos direitos do rei, o príncipe de Aragão) exige que ele se vingue do rei Carlos e se submeta a de Silva, que salvou sua vida. De Silva não trai o rival, odiando-o, pois a honra da família exige que seja dado asilo aos perseguidos. O rei Carlos, tendo se tornado imperador, acredita que deve perdoar seus inimigos. Dona de Sol teve que defender sua honra com uma adaga.

A questão da honra está constantemente presente em todas as cenas, até mesmo no final, no dia do casamento, de Silva exige de Hernani que cumpra a dívida de honra e dê a vida. O drama é a morte de Ernani e Doña Sol. Ainda assim, de Silva também entende a vitória do amor, ele também comete suicídio.

Assim, a força das paixões determina o comportamento de cada um dos personagens. Mas se na tragédia do classicismo o rei atua como portador da mais alta justiça, então em Hugo é o ladrão Ernani.

"Catedral de Notre Dame"

Problemas morais e intensidade dramática da ação são a base do romance histórico Catedral de Notre Dame. Este é o primeiro romance significativo de Hugo. Os eventos são atribuídos a 1482. Quase todos os personagens são fictícios. O rei Luís XI não influencia o desenvolvimento dos acontecimentos.No prefácio, ele escreve que a ideia de criar um romance surgiu de uma misteriosa inscrição na parede da catedral. Era a palavra grega para rock. Hugo viu 3 formas de manifestação do destino: o destino da lei, o destino do dogma e o destino da natureza. Hugo escreve sobre o destino do dogma neste romance. Ele escreverá sobre o destino da lei no romance Les Misérables, e o destino da natureza será refletido em Toilers of the Sea.

Existem 3 personagens principais em Notre Dame de Paris: Claude Frolo, Quasimodo sineiro, Esmeralda, uma dançarina de rua. Cada um deles é vítima do destino - dogma religioso ou superstição, que distorce a natureza humana e faz com que a beleza seja vista apenas pecaminosa.

Claude Frolo é uma pessoa educada, formou-se em 4 faculdades da Sorbonne. Ele encontrou Quasimodo perto do templo. Frolo vê uma pessoa infeliz em uma criança feia. Ele não tem superstições medievais (isto é, as superstições de seu tempo). No entanto, sua ocupação com a teologia o condenou à desgraça e o ensinou a ver apenas o vício nas mulheres e as forças diabólicas na arte. O amor por uma dançarina de rua se manifesta como ódio. Por causa dele, Esmeralda morreu na forca. O poder da paixão inextinguível o queima. Exteriormente repugnante Quasimodo, que a multidão supersticiosa considera um produto do diabo, está acostumado a odiar aqueles que o temem e zombam dele.

Esmiralda, que cresceu entre os ciganos, acostumou-se com seus costumes, carece de profundidade espiritual. A recepção do contraste, o grotesco fundamenta a criação de um sistema de imagens.

Ela ama um soldado insignificante em um belo uniforme, mas não consegue apreciar o amor sacrificial do feio Quasimodo por si mesma.

Não são apenas os personagens grotescos, mas a própria catedral é grotesca. Catedral realiza composição ideológica, uma função cronológica. A catedral também é uma filosofia, reflete a história do povo. Todas as ações acontecem dentro ou perto da catedral. Tudo está conectado com a catedral.

"Os Miseráveis", "Trabalhadores do Mar", "O Homem que Ri", "93"

Obras significativas incluem seus romances, criados em 1860-70. "Les Miserables", "Toilers of the Sea", "The Man Who Laughs", "93".

"Les Misérables" é uma grande tela épica que abrange 10 anos, incluindo cenas de diferentes esferas da vida, os eventos permeiam em diferentes lugares em uma cidade provinciana perto do campo de Waterloo.

O romance se concentra na história do protagonista Jean Voljean. Começa com o fato de que ele roubou um pãozinho da fome e recebeu 19 anos de trabalhos forçados por isso. Se ele se tornou um homem quebrado espiritualmente em trabalhos forçados, ele a deixou odiando tudo e todos, percebendo que o castigo é muitas vezes maior que a culpa.

O conflito entre o bem e o mal é central neste romance.

Depois de se encontrar com o bispo Miriel, o ex-presidiário renasceu e passou a servir apenas o bem. Obcecado pela ideia de igualdade e prosperidade universal, sob o nome de Sr. Madeleine, cria numa das cidades uma espécie de utopia social, onde não deveria haver pobres e a moral deveria triunfar em tudo. Mas ele tem que admitir que a absolutização até mesmo da ideia mais elevada pode levar ao sofrimento. Assim perece a mãe de Caseta, Fantine, porque ela, mãe de um filho ilegítimo, uma pessoa que tropeçou, não tem lugar na fábrica do prefeito, onde a imoralidade é severamente punida. Ela sai para a rua novamente e morre lá. Decidiu tornar-se pai de Caseta, pois falhou em criar felicidade para todos.

O principal significado do romance é o confronto entre Jean Voljean e Jover (policial) - o dogma da lei. Jover começou a trabalhar em trabalhos forçados e depois como policial. Ele sempre e em tudo segue a letra da lei. Ao perseguir Volzhan como um ex-presidiário que voltou a cometer um crime (nome de outra pessoa), ele viola a justiça, pois o ex-presidiário mudou há muito tempo. No entanto, não cabe na cabeça de um policial a ideia de que um criminoso pode ser moralmente superior tanto a ele quanto à lei.

Depois que Jean Voljean solta Jover na barricada e salva os marios feridos (amante de Caseta), ele mesmo é entregue nas mãos da polícia, ocorre uma fratura na alma de Jover.

Hugo escreve que Jover foi um escravo da justiça durante toda a sua vida. Cumprindo a lei, Jover não discute se está certo ou não. Jover comete suicídio e liberta Jean Voljean.

O final do romance não afirma inequivocamente o triunfo e a existência da justiça divina. A justiça divina existe apenas no ideal. Jover morre salvando Jean Voljean, mas isso não deixa Jean Voljean feliz. Tendo criado a felicidade de Caseta e Marios, é abandonado por eles. É somente antes de sua morte que eles ficam sabendo de todos os assuntos dessa pessoa. Jean Voljean e Jover são figuras grotescas construídas com base no princípio do contraste. Aquele que é considerado um criminoso perigoso acaba por ser homem nobre. Qualquer um que vive toda a sua vida de acordo com a lei é um criminoso. Ambos os personagens estão passando por um colapso moral.

"O homem que ri"

O autor resolve os problemas que o preocupavam da forma mais generalizada, o que se reflete nos nomes que dá aos personagens. O homem leva o nome de Ursus - um urso, mas o lobo - Homo (homem). Os eventos do romance confirmam a validade desses nomes.

O desejo romântico pelo exótico se manifesta tanto na descrição dos costumes da Inglaterra dos séculos passados, quanto na história das ações dos chamados comprachicos, que desfiguravam as crianças na Idade Média para que divertissem o público em uma cabine.

"93" (1874)

Última novela. Dedicado aos trágicos acontecimentos da Revolução Francesa. Na tradução russa, a palavra “ano” apareceu no título, mas para os franceses, o número 93 fala por si.

No romance, o desejo do autor de simplificar os personagens e expressar seus pensamentos com a ajuda de símbolos é preservado e surge.

Os eventos acontecem durante o terror jacobino na Vendée, onde as tropas republicanas lutam contra os monarquistas. O chefe das tropas é um jovem talentoso Gowen, amado pelos soldados.

Os monarquistas têm o Marquês de Lantenac - inteligente, justo e imensamente cruel. A complexidade da situação é que Gauvin é sobrinho-neto de Lantenac por origem. Govin foi criado pelo republicano Cimourdain, ele vê nele um filho espiritual.

Cimourdain é enviado para ficar de olho em Gauvin e, se ele violar seu dever cívico, deve executá-lo. No final, Lantenac, tendo coberto todo o distrito de sangue, faz uma boa ação - salva os filhos de outras pessoas da morte em um incêndio e por isso é capturado por Gauvin. Gauwen não consegue executar o homem que foi capturado, salvando as crianças e dando a ele a oportunidade de escapar.

Para isso, Cimourdain deve executar seu pupilo, mas não consegue sobreviver à morte da pessoa mais próxima a ele e se mata.

A situação parece insolúvel, pois o social se confunde com o pessoal.

O romance é dominado por 2 símbolos: a guilhotina e a mãe. Todos os eventos acontecem tendo como pano de fundo uma guilhotina e uma mãe que procura os filhos levados por Lantenac. A mãe e a guilhotina se encontram no final. Cimourdain e Gauvin são vítimas da guilhotina e morrem em nome da justiça. O suicídio de Cimourdain é semelhante à morte de Jover: ambos não conseguiram superar as ideias da casa, excluindo a humanidade.

romantismo alemão

palco Jena

O romantismo alemão passou por várias etapas em seu desenvolvimento:

1) Jena (datado condicionalmente de 1797-1804)

2) Heydeilgberg (em 1804)

Irmãos Friedrich e August Wilhelm Schlegegli, Novalis, Ludwig Tieck, Friedrich Wilhelm Schilling, Friedrich Schleielmarcher, Herderlin. Os principais documentos programáticos do romantismo de Jena foram "Fragmentos Críticos" de F. Schlegel, "Fragmentos" de Schlegel e Novalis.

Os românticos se interessam pela essência do espírito e da matéria, pela conexão entre o geral e o particular, sua dialética, a possibilidade de conhecer o mundo e se aproximar do ideal. Eles queriam entender o lugar da natureza, religião, Deus, moralidade no sistema do universo, bem como o papel da lógica, imaginação no sistema de conhecimento. E afirmar a conexão como consequência da filosofia, ciência e arte.

A forma mais elevada de conhecimento (Shilling) é a filosofia e a arte.

Observando as possibilidades ilimitadas da criatividade artística, Schilling foi o primeiro a ver a unidade do consciente e do inconsciente no processo de criatividade. Ele afirmou que toda obra de arte permite um número infinito de interpretações. Assim, a filosofia revela uma propriedade importante da arte - sua ambigüidade. Schilling disse que a arte traz a pessoa de volta à natureza e à identidade original.

Uma nova qualidade do romantismo é a atenção à história, o historicismo do pensamento. No entanto, o romantismo histórico é específico.

Os ieneses frequentemente falavam de 3 estágios no desenvolvimento da sociedade:

1) a idade de ouro existiu quando o homem não estava isolado da natureza, devido ao subdesenvolvimento da consciência.

2) com o desenvolvimento da consciência, a pessoa se separa da natureza, tenta subjugá-la e ela se torna hostil a ela.

3) uma nova idade de ouro é possível (no futuro), quando desenvolvimento espiritual a pessoa conhecerá a beleza e a grandeza da natureza, ela se tornará sua amiga, a harmonia surgirá, mas em novas condições, ou seja, naturalmente a pessoa não descerá à natureza, mas se elevará a ela em seu alto desenvolvimento. A capacidade de amar eleva a pessoa e a aproxima da natureza. De particular importância no romantismo alemão é a música, o herói muitas vezes se torna músico ou os românticos criam gravações sonoras.

Fase 2: Fase de Heidelberg

A primeira década do século XIX traz mudanças no romantismo alemão: Novalis e Wackenroder morrem, Herderlin cai na loucura, a filosofia dos irmãos Schlegel e Schelling mudam. O Blue Flower da Novalis continuará sendo um sonho, mas a atitude em relação ao próprio sonho mudou. O lugar dos filósofos românticos de Jena é ocupado pelos filósofos de Heidelberg, que passaram a colecionar e publicar arte popular. Recorrer ao folclore nesta fase não era uma fuga da realidade, mas uma ferramenta para despertar a autoconsciência das pessoas.

Convencionalmente, o ano de 1804 é considerado o início da atividade do círculo de Heidelberg, embora os escritores desse período tenham se declarado anteriormente.

Se os românticos de Jena direcionam seu sonho para o belo e universal, então os heidelbergers desde o início sentem as indistinguíveis contradições do mundo.

A tragédia é intensificada pelas guerras e destruição que as campanhas napoleônicas trouxeram para a Alemanha. Não é por acaso que na arte desse período aparecem traços barrocos: morte, sangue, morte de uma família, destruição de bons sentimentos, personagens quebrados, antinaturalidade nas relações humanas. À frente do movimento estavam Achim von Arnim e Clemens Brentano. Heinrich von Kleist e Joseph von Eichendorff juntaram-se ao mesmo grupo. Um lugar especial é ocupado pelos irmãos Grimm (Jacob e Wilhelm). Hoffmann não é membro de nenhuma associação, ele completa o desenvolvimento do romantismo na Alemanha. Sua obra reflete a crise do romantismo alemão.

Em um novo estágio, uma nova filosofia está tomando forma de Arthur Schopenhauer, que em sua obra central “O Mundo como Vontade e Representação” afirma que uma pessoa existe em um mundo impiedoso, inconsciente e criado aleatoriamente.

O sentimento de amor é substituído pela simpatia em Schopenhauer, já que o amor é uma miragem que a natureza cria para promover a reprodução da espécie.

A morte, que para Novalis era a transição para uma nova vida, para uma nova perfeição, perde seu poder vivificante nas obras de Schopenhauer e é o fim da dolorosa saudade da morte. Segundo Schopenhauer, o próprio mundo existe apenas porque uma pessoa é capaz de representá-lo. "O mundo é minha ideia." Como todos os românticos, Schopenhauer valorizava muito a música, que, em sua opinião, conta a uma pessoa sobre a essência do mundo.

Schopenhauer desenvolveu a doutrina do gênio, mas se o Jensen viu no gênio a personificação do mais alto princípio criativo - harmonia, então Schopenhauer argumentou que a patologia é a base do gênio.

A filosofia de Schopenhauer se reflete na obra de Arnim, Kleist e Hoffmann.

EM romantismo tardio realidade real e pessoas reais aparecem. Os heróis são professores, alunos, comerciantes com suas preocupações cotidianas em um ambiente material comum. É vizinho de feiticeiros, propriedades fantásticas.

Assim, o aparecimento do estilo Biedermeier pertence a esta época. A essência desse estilo está na representação de pessoas comuns em um ambiente comum.

Depois de 1806, os Heidelbergers começam a interpretar as imagens dos românticos de Jena de uma nova maneira.

A arte era percebida pelos românticos como uma síntese dos princípios espirituais e materiais. O próprio artista cria mitologia. O artista tem o direito de organizar o caos inicial, que é percebido nesta fase do romantismo como frutífero (Schilling).

As características da criação de mitos são inerentes a Novalis e aos Heidelbergers. Schelling afirma a ideia de síntese e desenvolve a teoria da ironia romântica. Os românticos diziam que é impossível conhecer o mundo apenas com a ajuda da mente.

Schilling depois de Fichte nomeia as principais ferramentas do conhecimento: intelecto, intuição e contemplação produtiva (a ideia de transcendentalidade está cruzando a fronteira: intuição e contemplação criam a possibilidade de estar perto da verdade). Os heróis dos românticos sempre contemplam sua vida não por meio de eventos externos, mas por meio de uma intensa vida espiritual.

Só se pode contemplar o mundo com uma ingenuidade infantil. Não é por acaso que a percepção das crianças sobre os românticos é semelhante à poética. A contemplação se opõe ao conhecimento lógico científico. A contemplação está ligada à percepção emocional dos impulsos vindos da natureza, do "eu" interior do indivíduo.

A contemplação é dividida em atos separados.

Schlegel: Sensações únicas, cada uma isolada em si mesma, cada uma não conectada com a outra.

É assim que surgem as premissas filosóficas de um novo gênero, o fragmento.

A ideia de percepção fragmentária se tornará o princípio fundamental da cosmovisão romântica e da estética romântica. Não é por acaso que as obras filosóficas e estéticas de Novalis e Schlegel são chamadas de "fragmentos". Os Yenets constroem suas obras de arte como uma cadeia de fragmentos. Os conceitos de contemplação e insight são baseados nas ideias de filósofos (Schleielmacher e Schelling).

Eles não são limitados pelas leis estritas da lógica, são baseados nas conexões livres de coisas e fenômenos, podem combinar eventos incompatíveis na realidade, assim como no imaginário.

A imaginação política liberta a arte de normas, proibições e velhas formalidades. Daí a liberdade de criação, a síntese de gêneros e artes, proibida pelo classicismo.

Ernst Hoffmann

A personalidade é universal. Ele se via como músico e era um talentoso compositor, intérprete e maestro. Foi professor de música. Ganhou fama mundial como escritor, estudou direito e trabalhou como advogado por algum tempo, tinha talento de artista plástico, pintor e decorador. Contemporâneos notaram nele as incríveis habilidades do contador de histórias.

O primeiro conto (o conto de fadas "Cavalier Glitch") é dedicado à personalidade do compositor que é especialmente reverenciado por ele. Este conto está incluído na coleção "Fantasia à maneira de Callot". Callot é um artista gráfico francês, autor de pinturas fantásticas bizarras. A fantasia ousada de Callo atraiu Hoffmann porque suas obras combinavam o estranho e o familiar.

"Fantasia à maneira de Callo" inclui contos - contos de fadas e 2 "Kreislerianos", que não são apenas fragmentos da vida do segundo "eu" do autor - o compositor Kreisler - mas também artigos sobre música e músicos.

O conto de fadas "Cavalier Gluck" (1809) é uma espécie de reprodução do "reino ilusório da alma" do autor e ao mesmo tempo transmite a unidade do mundo bifurcado de forma fantástica: o personagem principal, que se autodenomina o o compositor Gluck se opõe fortemente ao mundo real, no qual a arte mais elevada - a música - se transforma em algo como uma sobremesa necessária após um bom jantar.

O verdadeiro Gluck morreu em 1787, mas Hoffmann reproduz seu encontro com ele, ouve sua performance ao piano de suas obras, conversa com ele sobre a música do passado e do presente. O leitor ainda tem dúvidas se foi realmente um Glitch, ou se tudo o que foi retratado é apenas fruto da imaginação do narrador. O princípio da dupla explicação de fenômenos incríveis se tornará um dos traços mais característicos da poética de Hoffmann.

Hoffmann, seguindo Novalis e ao mesmo tempo discutindo com ele, cria seu próprio símbolo - um girassol, que deve revelar a essência do músico e da música. Mas o girassol é uma planta criada para consumo humano. Novalis tem uma flor azul - uma abstração filosófica.

O girassol está sempre voltado para o sol; o Gluck de Hoffmann se volta para o sol quando cria seu melhor trabalho. Traduzido do alemão, girassol significa "flor ensolarada". O tema do sol como princípio criativo se opõe ao tema da noite, do crepúsculo, que para Novalis eram a base da criatividade. Hoffmann adora cores vivas, luz do dia, a noite é repleta de perigos, destruição para ele, não é por acaso que Hoffman chamará a coleção que fala sobre a vitória das forças das trevas de “Histórias noturnas”.

O conto de fadas "O Pote de Ouro" (1814) é uma das obras-primas do escritor, representando tanto sua visão de mundo quanto os princípios estéticos mais importantes. Falando em Hoffmann, é preciso observar que todos os seus heróis se dividem em músicos (entusiastas) e não músicos (apenas pessoas gentis).

Os personagens representam duas visões de mundo e podem ser divididos em dois grupos. O estudante Anselmo, que vive no mundo da imaginação, deve ser atribuído a músicos entusiastas. Ele ouve e vê o que os outros não ouvem ou veem. Na árvore mais velha, ele ouve vozes femininas e vê cobras verdes com incríveis olhos azuis. Hoffmann não o arranca da realidade, mas ela é hostil a ele: ele mancha um fraque novo ou o rasga, o sanduíche de Anselmo cai no chão com o lado manchado, ele pisa com o pé em uma cesta de maçãs e tortas, causando a ira e repreensão do comerciante.

1) o nível do nome, quando o personagem principal ganha um vaso noturno de presente;

2) o conto é dividido não em capítulos, mas em vegilia (“vigília noturna”, “insônia”). Em 1805, foi publicado o romance Night Vigils, o nome do autor ainda é desconhecido, mas é mais provável que essa paródia das ideias e imagens dos românticos de Jena tenha sido criada por Schelling. O autor chama assim a atenção para o facto de escrever os seus contos à noite (o período mais frutífero para os ieneses). Os acontecimentos mais incríveis acontecem na obra, seus heróis, ao contrário dos românticos da primeira fase, de forma alguma vão transformar o mundo com a força de seu Espírito - seus pensamentos estão voltados para seus interesses pessoais. A própria palavra "vegilia" pode ser entendida de acordo com o princípio Hoffmanniano e como um momento de insônia noturna, quando a pessoa não é totalmente responsável por suas ações e pensamentos.

Entre as obras-primas está "Pequeno Tsakhes, apelidado de Zinnober" (1819), em que o grotesco é a base da composição e construção da imagem do protagonista. A base do conflito e da imagem do protagonista reside no confronto entre essência e aparência, e o externo - a aparência é mais forte que a essência.

O pequeno Tsakhes, filho de uma pobre camponesa, nasceu extremamente feio: é comparado a uma maçã amarrada em um garfo. Ele não consegue nem falar articuladamente. A fada Rosabelverde, com pena dele e de sua mãe, dotou a aberração de 3 cabelos de fogo, graças aos quais passaram a atribuir-lhe as maravilhosas propriedades de quem está ao seu lado.

O autor aumenta a impressão acumulando absurdos: Tsakhes recebeu o posto de ministro e a ordem do tigre de manchas verdes em 25 botões de diamante. Tsakhes morre no final, afogando-se no "luxuoso penico de prata", que o príncipe lhe deu em sinal de misericórdia especial.

A ironia do autor neste conto torna-se mais amarga do que antes. A felicidade do aluno Balthasar na final acaba sendo possível não mais na Atlântida, onde Anselmo compreende as vozes de todas as flores, árvores, pássaros e um riacho, mas na propriedade mágica de Prospero Alpanus: lá o sol sempre brilhará durante a lavagem, a comida não queima, e a bela Candida não perde o bom humor se não retirar o colar mágico. Balthazar não percebe que sua amada é um burguês comum.

O mundo do objeto, antes hostil ao herói-músico, começa a servi-lo, embora isso contradiga a essência de tal personagem. Além disso: o próprio portador do brilhante começo está enganado - a fada Rosabelverde. Pensando em beneficiar o infeliz "enteado da natureza", ela o dota de um dom mágico, assumindo que poderá despertar as propriedades interiores de sua alma. Porém, contra a vontade dela, ele se torna portador de uma má inclinação, causando muito sofrimento àqueles que realmente possuem elevadas qualidades espirituais.

Os dois mundos são apresentados de maneira especialmente vívida: o estudante Balthazar, seus amigos Fabian e Pulcher estão em um pólo, no outro, no centro do qual está Tsakhes, o príncipe que introduz a iluminação a conselho de seu antigo criado, o "cientista" Mosh Terpin, que chegou à conclusão de que a escuridão surge da ausência de luz, está pronto para vender sua filha Candida como esposa para Tsakhes, se ele receber a Ordem do Tigre Manchado de Verde. A própria bela Candida não deixa de ter inclinações filisteus.

O grotesco ainda é a base da criação do personagem. Hoffmann possui 2 romances: "Os Elixires de Satanás" e "As Visões Mundanas do Gato Murr".

O último romance não foi concluído. Inclui muitas das ideias e formas anteriores inerentes a Hoffmann, elas são realizadas em uma forma específica de composição e em uma nova interpretação do mundo dual. Hoffmann continua a tendência de convergência entre contos de fadas e realidade, já delineada nos contos de fadas. A realidade neste romance está se esforçando cada vez mais para adquirir formas adequadas a ela e, portanto, por um lado, há uma espécie de deslocamento da fantasia e, por outro lado, ao mesmo tempo, o mundo real é estratificado em vários de camadas. A realidade se transforma em paródia, onde a hipérbole não é menos expressiva que a ficção de conto de fadas.

Uma das camadas do romance descreve a relação entre Julia e o compositor Johann Kreisler, mas Hoffmann mostra que a história principal é a história do gato Murr. A biografia do gato, suas reflexões recebem um papel separado e independente.

Murriana se transforma em um espelho distorcido que reflete o mundo das pessoas. Há uma dupla curvatura que transmite a realidade, uma realidade feia.

Ao mesmo tempo, o texto criado pelo gato é o principal, e a biografia de Kreisler (seu dono) é impressa como que por acaso: o gato a usa para passar sua descrição para eles.

O autor confirma a primazia deste texto pelo fato de a história do compositor aparecer apenas em papel velho. Os capítulos escritos por um gato são interrompidos no meio de uma frase, que termina apenas no fragmento seguinte. "Folhas inúteis" são fragmentos que não estão conectados por uma apresentação consistente de eventos.

O princípio romântico geral da fragmentação, que exclui a ambigüidade e a completude, fundamenta a obra.

A especificidade da composição reside no fato de que às vezes o que o gato escreveu é parcialmente repetido em uma interpretação diferente em “folhas de lixo”: as memórias do gato de sua aparição na casa do maestro Abraham são apresentadas em tons sintético-potéticos. O próprio Abraham fala sobre como teve pena de um gato meio morto e depois o esqueceu no bolso.

Rua duplicada. pathos inerente a um gato que se considera uma pessoa excepcional. Cat Murr é concebido pelo autor como uma paródia de um filisteu que se imagina uma pessoa criativa. O gato se autodenomina um cidadão do mundo, fala sobre os princípios da educação. Ele reflete sobre os escritos de Plutarco, Shakespeare, Goethe, Halderon O próprio gato é autor do tratado político “Sobre as ratoeiras e sua influência no pensamento e capacidade de um gato”, bem como autor do romance sentimental “Pensamento e Sentido ou Gato e Cão” e da tragédia “O Rato Rei Kavdallor”.

O gato fala sobre o estado lírico de sua alma, sobre o amor, que

romantismo americano

Características específicas que surgiram em conexão com a peculiaridade do desenvolvimento do país. Apenas a história do estado começa em 1776 - ano da adoção da declaração de independência. O conceito de "americano" inclui os franceses, holandeses, ingleses, espanhóis e indianos.

Os americanos são descendentes de aventureiros. Logo se formou um tipo de povo nacional, que se distinguia por uma profunda fé nas possibilidades excepcionais de si mesmo e de seu estado. O amor pelo país às vezes se transforma em arrogância nacional. A assimilação ocorreu muito rapidamente. A América atraiu aqueles europeus que perderam tudo em sua pátria, possuíam uma energia gigantesca que queriam realizar no que lhes pareciam terras desertas e idealistas que buscavam organizar um novo estado onde todos fossem livres.

Basicamente, todos eles estavam unidos pelo fato de serem praticantes que não tinham tempo para se dedicar à arte e à literatura, mas eram todos enérgicos. Não é por acaso que a literatura americana mais tarde ficou conhecida como literatura sobre energia. Na melhor das hipóteses, liam jornais nos quais se interessavam por reportagens curtas, ensaios, panfletos "sobre o assunto do dia". O panfleto tem sido o gênero mais amado por 300 anos.

F. Cooper disse sobre a América que a impressão surgiu primeiro nela e depois os escritores. Figura pública John Adams: "A arte não é a nossa primeira necessidade - nosso país precisa de artesanato." O país tinha seus próprios filósofos - políticos que sonhavam em criar um estado ideal: George Washington e Thomas Jefferson. Este último foi o autor da "Declaração da Independência" e participou da redação da constituição de 1787. Então houve o que mais tarde foi chamado de "sonho americano", que nunca foi realizado.

O país é predominantemente de língua inglesa, a América do Norte no campo da cultura e da literatura gravita em torno da Inglaterra. Sem literatura própria, os romances de Richardson, Swift e Fleeding foram publicados na América até o final do século XVIII. A atitude em relação à literatura da Europa era dupla:

1) a necessidade de defender a independência nacional;

2) a necessidade de aproveitar ao máximo a experiência da literatura mais desenvolvida do Velho Mundo.

O final do século XVIII é o nascimento de sua própria literatura americana e deve ser atribuída ao pré-romântico. Charles Brown é o primeiro escritor profissional.

A literatura dos EUA ainda tem estados se desenvolvendo diferentemente, a literatura do Sul é muito diferente da literatura do Norte. O que chamamos de romance americano (e este é o nascimento da literatura nacional americana) desenvolveu-se principalmente nos estados centrais (Nova York e Pensilvânia). Não foi até o segundo estágio que o movimento romântico se tornou forte na Nova Inglaterra e Boston se tornou a capital da nova literatura nacional. Existem 3 períodos no desenvolvimento do romantismo americano:

1) 1820-183 - o aparecimento da prosa de Fenimore Cooper e John Irving.

2) con. 1830-1840 (maduro) - Longfellow.

3) 1850 - o início da Guerra Civil.

Todos os itens acima são escritores, mas sobreviveram a uma crise severa.

Numa fase inicial, a atitude dos escritores face à sua obra revela-se algo condescendente, pois num estado em que o sucesso é primariamente valorizado, a literatura é considerada um entretenimento ocioso. Isso explica a qualidade às vezes baixa das obras (F. Cooper).

No Estágio 2, Longfellow e Edgar Allan Poe aparecem com seu interesse pela psicologia profunda. O novo tempo dá origem a novos conflitos: a pasta do capital torna-se mais cínica, os ideais democráticos e a realidade são cada vez mais divergentes. Os românticos do 2º estágio têm a ideia de que a mudança da própria pessoa está amadurecendo. A ideia de Emerson de "On Self-Education" tornou-se mais relevante.

Nesta fase, surge a crítica profissional (artigos de E.A. Poe).

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