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Avaliação de pianistas mundiais. Pianistas modernos: uma lista dos melhores pianistas do nosso tempo, obras

KGKP "Escola de Artes de Akimat do Distrito de Shemonaikha"

projeto de pesquisa

Grandes pianistas - artistas

séculos 19, 20, 21

Preparado pela: Tayurskikh Daria Grau 5

Podfatilov Denis Grau 3

Líder da equipe:

professor de escola de arte

Dobzhanskaya Yu.B.

G. Shemonaikha, 2016.

Introdução……………………………………………………………...2

Século XIX………………………………………………………………..3

Século XX……………………………………………………………..13

Século XXI…………………………………………………………….24

Conclusão…………………………………………………..............

... "piano - é o começo e o fim de tudo, não tanto um instrumento musical, mas um modo de vida, e o significado não está na música pela música, mas na música pelo piano."

Herold Schonberg

pianistas– Esse músicos, especializada na execução ao piano de obras musicais.

Grandes pianistas. Como você se torna um grande pianista? É sempre muito trabalho. E tudo começa na infância. Muitos pianistas e compositores começaram a fazer música aos 4 ou até 3 anos de idade.Então, quando uma forma “larga” da palma é formada, o que no futuro ajuda a jogar com maestria.

Dependendo da época do desenvolvimento da música para piano, às vezes eram apresentados requisitos diametralmente opostos para os pianistas. Além disso, a profissão de músico inevitavelmente se cruza com a profissão de compositor. A maioria dos pianistas compõe peças para piano. E apenas raros virtuosos conseguiram se tornar famosos executando exclusivamente as melodias de outras pessoas.
De qualquer forma, como qualquer músico, é importante para o pianista ser sincero e emotivo, para poder se dissolver na música que executa.

A história da música para piano é bastante interessante. Existem várias etapas, cada uma com suas próprias tradições. Freqüentemente, os cânones da época eram estabelecidos por um (raramente por vários) compositores que tocavam o instrumento com maestria (no início era o cravo e depois o piano).

Portanto, destacando três épocas na história do pianismo, eles recebem o nome dos compositores mais famosos - Mozart, Liszt e Rachmaninoff. Na terminologia tradicional dos historiadores, essas foram as eras do classicismo, depois do romantismo e do início do modernismo, respectivamente.

Cada um deles permaneceu por séculos como um grande compositor, mas ao mesmo tempo também determinou as principais tendências do pianismo: classicismo, romantismo e início do modernismo. Ao mesmo tempo, outros grandes pianistas atuaram simultaneamente com cada um deles. Alguns deles também foram grandes compositores. Eram eles: Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Johann Brahms, Frederic Chopin, Charles Valentin Alkan, Robert Schumann e outros.

Se você fizer uma viagem pela história da ciência do piano, poderá aprender muitas coisas interessantes. Por exemplo, que em diferentes épocas, em diferentes épocas, as principais tradições de tocar piano foram determinadas por um ou vários grandes compositores que tocavam cravo fluentemente e mais tarde, com o advento do piano, eram excelentes pianistas.

Muitos pianistas famosos divertiram e encantaram ouvintes e amantes da música ao longo da história. O piano tornou-se um dos instrumentos mais populares desde a sua invenção devido à sua versatilidade e sonoridade agradável. Embora a história tenha preservado vários nomes de grandes pianistas, qualquer revisão dos pianistas-intérpretes mais famosos é muito subjetiva, e os nomes de tais intérpretes são difíceis de encaixar em uma lista.

No entanto, ainda existem pianistas que conseguiram chegar ao topo da fama e reconhecimento mundial.

XIXséculo

Na segunda metade do século XIX, um novo instrumento entra na vida musical - piano. O inventor deste "cravo com piano e forte" foi um mestre de Pádua

Bartolomeo Cristofori.

Aos poucos, o piano, melhorando, assumiu um lugar dominante na prática musical. Um instrumento com ação de martelo possibilitou extrair sons de várias intensidades e aplicar gradualmente crescendoEdiminuendo. Essas qualidades do piano correspondiam ao desejo de expressividade emocional do som, de transferência em seus movimentos e desenvolvimento de imagens, pensamentos e sentimentos que emocionavam as pessoas.

Com o advento do piano e sua introdução na prática performática, surgiram novos representantes.

século 19 apresentou toda uma galáxia de compositores notáveis que expandiram significativamente os limites dos meios técnicos e expressivos do piano. Nas maiores cidades, centros europeus de cultura musical e cênica, as principais escolas de piano, Esse:

Londres(Muzio Clementi, Johann Baptist Cramer, John Field);

Viena(Ludwig van Beethoven, Johann Nepomuk Hummel, Karl Czerny, Ignaz Moscheles, Sigismund Thalberg e outros);

Parisiense, mais tarde conhecido como francês(Friedrich Kalkbrenner, Henri Hertz, Antoine François Marmontel, Louis Diemer e outros);

alemão(Carl Maria Weber, Ludwig Berger, Felix Mendelssohn-Bartholdy, Robert Schumann, Hans Bülow e outros);

russo(Alexander Dubuk, Mikhail Glinka, Anton e Nikolai Rubinstein, etc.).

estilo de desempenho do século 19

A história do desenvolvimento da técnica do piano é a história das culturas e estilos. Entre as habilidades indispensáveis \u200b\u200bde um pianista dos séculos 18 a 19 estava a improvisação, então o pianista ainda não havia se separado do compositor e, se ele executasse a música de outra pessoa, a regra era considerada uma criatividade individual muito livre manipulação do texto musical, havia uma prática de coloração e variações, que hoje é considerada inválida.

O estilo dos mestres do século 19 era repleto de tal obstinação executiva que o consideraríamos cem por cento insípido e inaceitável.

Um papel de destaque no desenvolvimento da música para piano e da cultura pianística pertence a escolas de Londres e Viena.

O fundador da London School foi o famoso virtuoso, compositor e professor

Múzio Clementi (1752 -1832)

Muzio Clementi e seus alunos tocavam o piano inglês, que tinha um som ótimo e exigia uma digitação clara e forte, já que esse instrumento tinha um teclado muito compacto. O piano vienense, projetado pelo mestre Johann Stein e preferido por Mozart, tinha um som mais melodioso, embora não tão forte, e tinha um teclado relativamente leve. Assim, tornando-se diretor e depois co-proprietário de uma das maiores firmas de pianos da Inglaterra, Clementi conseguiu um aperfeiçoamento dos instrumentos ingleses, dando-lhes maior melodiosidade e tornando o teclado mais leve. O ímpeto para isso foi um encontro pessoal entre Clementi e Mozart em 1781 em Viena, onde sua competição original como compositores e pianistas ocorreu na corte do imperador austríaco. Clementi ficou impressionado com a emoção da execução de Mozart e seu "canto de piano".

Muzio Clementi - o autor de inúmeras obras para piano e o maior professor, criou sua própria escola de piano. Foi o autor dos primeiros exercícios técnicos e estudos instrutivos da história do piano, dando uma ideia dos seus princípios metodológicos.

O próprio Clementi e seus alunos (I. Kramer, D. Field - um dos alunos mais talentosos, E. Brekr) - os principais virtuosos do início do século 19 - foram distinguidos pela excelente técnica dos dedos. Clementi, juntamente com seus alunos, criou uma técnica progressiva voltada para o desenvolvimento de novas formas de interpretar o instrumento, utilizando a perspectiva sonora e de relevo do "concerto" completo. Obra pedagógica de M. Clementi "Passo ao Parnaso, ou a Arte de tocar piano, concretizada em 100 exercícios de estilo rigoroso e elegante." Esta obra é uma escola fundamental para o ensino das habilidades pianísticas, 100 exercícios surpreendem pela variedade de conteúdos e pelo volume de execução das tarefas. Muitos representantes da escola londrina foram inovadores ousados no campo do pianismo, usando em suas composições, além de passagens de dedo, notas duplas, oitavas, construções de acordes, ensaios e outras técnicas que conferem brilho e variedade ao som.

A escola Clementi deu origem a certas tradições na pedagogia do piano:

o princípio de muitas horas de exercícios técnicos;

brincar com dedos "isolados" em forma de martelo com a mão estacionária;

gravidade da dinâmica do ritmo e do contraste.

fundadores Escola de Viena havia grandes compositores pianistas: Haydn, Mozart e Beethoven.

Um proeminente representante da pedagogia do piano progressivo era muito famoso.

Karl (Karel) Czerny (1791-1857)

A "Escola Teórica e Prática de Piano" de Czerny tem muito em comum com o "Manual" de Hummel. Falando detalhadamente sobre a técnica de tocar, sobre as formas de seu desenvolvimento e aquisição das habilidades necessárias para um pianista, ele enfatiza na terceira parte de sua obra que tudo isso é apenas “meio para atingir o verdadeiro objetivo da arte, que, sem dúvida, é colocar alma e espírito na performance e, assim, influenciar os sentimentos e pensamentos dos ouvintes.

Deve-se concluir que os métodos de ensino do século XIX foram reduzidos a tarefas puramente técnicas, baseadas no desejo de desenvolver a força e a fluência dos dedos por meio de muitas horas de treinamento. Junto com isso, na primeira metade do século XIX, os intérpretes mais talentosos, em sua maioria alunos de Clementi, Adam, Czerny, Field e outros professores destacados, que alcançaram alto virtuosismo, desenvolveram com ousadia novas técnicas de tocar piano, alcançando o poder de o som do instrumento, brilho e brilho de passagens complexas. De particular importância na textura de suas obras foram as construções de acordes, oitavas, notas duplas, ensaios, técnicas de troca de mão e outros efeitos que requerem a participação de toda a mão.

Paris do século 19 é o centro cultura musical, habilidade virtuosa. O criador da escola parisiense de piano é considerado compositor, pianista, professor

Friedrich Kalkbrenner (1785-1849)

Em sua obra "Método de ensino de piano com auxílio de cabo" (1830), foi fundamentado o uso de aparatos técnicos para o desenvolvimento de diversos tipos de técnica (fina, alongamento muscular, etc.). Recurso escolas desse tipo - uma comunidade de pedagogos autoritários instalações. O treinamento começou com o desenvolvimento do ajuste correto do instrumento e o domínio das fórmulas motoras mais simples, e só muito mais tarde os alunos começaram a aprender as obras musicais.

A ânsia de virtuosismo levava à imposição do ritmo das aulas, ao abuso de exercícios mecânicos, que acarretavam doenças ocupacionais e diminuição do controle auditivo.

Alemanha do século 19 A influência da atividade crítico-literária e pedagógica na estética romântica deste país é significativa.

Robert Schumann (1810-1856)

lugar significativo Nas obras de Robert Schumann, o desenvolvimento das questões da formação de um músico, um verdadeiro artista de um novo tipo, fundamentalmente diferente dos virtuosos da moda, foi ocupado. O compositor considera este um dos meios mais eficazes para elevar a cultura musical.

Os problemas da pedagogia musical são abordados nas obras de R. Schumann "Regras da casa e da vida para músicos", "Suplemento do álbum para jovens", no prefácio dos Estudos sobre os caprichos de Paganini op. Z. O conteúdo de as principais questões musicais e pedagógicas são as seguintes: a interação da educação ética e estética, a aquisição de conhecimentos profundos e versáteis que formam a base de qualquer educação, a formulação dos princípios da arte séria e crítica da direção do salão e paixão por "técnica pela tecnologia" na composição e Artes performáticas; luta contra o diletantismo.

As visões musicais e pedagógicas de Schumann serviram e servem como base para o avançado metodologia moderna. A música para piano do compositor ainda é usada ativamente nos currículos de todos os níveis até hoje.

É impossível não falar sobre um grande compositor e virtuoso pianista polonês

Fryderike Chopin (1810-1849)

Na primeira metade do século XIX, Frederic Chopin tornou-se o primeiro compositor a escrever exclusivamente para piano. Como uma criança talentosa, Chopin escreveu muitas belas e complexas peças para piano que encantaram muitos estudantes e pianistas por muitos anos. Chopin rapidamente conquistou Paris. Ele imediatamente impressionou o público com uma performance peculiar e incomum. Naquela época, Paris estava inundada de músicos de todo o mundo. Os pianistas virtuosos eram os mais populares. O jogo se destacou pela perfeição técnica e brilhantismo, deslumbrando o público. É por isso que a primeira apresentação de concerto de Chopin soou como um contraste tão nítido. Segundo as memórias dos contemporâneos, sua atuação foi surpreendentemente espiritual e poética. A memória do famoso músico húngaro Franz Liszt foi preservada sobre o primeiro concerto de Chopin. O pianista e compositor que também iniciou sua brilhante carreira: “Relembramos sua primeira apresentação no Hall de Pleyel, quando os aplausos, que cresceram com força, não pareciam de forma alguma expressar nosso entusiasmo diante do talento, que, juntamente com felizes inovações no campo de sua arte, abriu uma nova fase no desenvolvimento do sentimento poético. Chopin conquistou Paris, como Mozart e Beethoven conquistaram Viena. Como Liszt, ele foi reconhecido como o melhor pianista do mundo.

Compositor, pianista, maestro, professor húngaro

Franz Liszt (1811-1886)

A mesma idade e amigo de F. Chopin. O professor de piano de Ferenc foi K. Czerny.

Apresentando-se em concertos desde os nove anos de idade, Liszt tornou-se famoso pela primeira vez como um pianista virtuoso.

Em 1823-1835. viveu e deu concertos em Paris, onde também desenvolveu a sua atividade pedagógica e de composição. Aqui o músico conheceu e tornou-se amigo íntimo de G. Berlioz, F. Chopin, J. Sand e outras figuras proeminentes da arte e da literatura.

Em 1835-1839. Liszt viajou pela Suíça e Itália e, durante esse período, aprimorou sua habilidade como pianista.

Em sua obra de composição, Liszt apresentou a ideia de uma síntese de várias artes, principalmente música e poesia. Daí seu princípio básico - programação (a música é composta para um determinado enredo ou imagem). Fruto de uma viagem à Itália e do conhecimento das pinturas mestres italianos tornou-se ciclo de piano"Anos de andanças", bem como uma sonata de fantasia "Depois de ler Dante".

Franz Liszt também deu uma grande contribuição para o desenvolvimento da música para piano de concerto.

Cultura musical da Rússia no século XIX. parece ser uma espécie de "máquina do tempo". Por cem anos, a Rússia percorreu um caminho de três séculos, com o qual o desenvolvimento suave e gradual das escolas nacionais de compositores não pode ser comparado. principais países Europa Ocidental. E só naquela época os compositores russos conseguiram dominar a riqueza acumulada da arte popular no verdadeiro sentido da palavra e reviver o pensamento popular em formas belas e perfeitas. música clássica.

No final do século XVIII - início do século XIX. a pedagogia musical na Rússia está dando seus primeiros passos: uma escola russa de piano está sendo formada. É caracterizada pelo desenvolvimento ativo de métodos de ensino estrangeiros e, ao mesmo tempo, o desejo de professores russos avançados de criar uma escola nacional de piano.

Ao contrário da Europa Ocidental, a Rússia não conhecia uma cultura de cravo altamente desenvolvida, embora o cravo fosse conhecido desde o século XVI. Os ouvintes russos mostraram grande interesse exclusivamente em Música vocal, e os instrumentos de teclado que existiam na Rússia eram usados para acompanhar o canto e a dança. Apenas no final do século XVIII. crescente interesse em aprender a tocar o cravo. A Escola Clavier de Simon Lelein, trechos da "Escola Clavier" de Daniel Gottlieb Türk foram publicados em russo.

No início do século XIX, remonta à publicação do tratado de Vincenzo Manfredini "As regras da harmonia e da melodia para o ensino de toda a música". Junto com isso, várias escolas de piano de músicos estrangeiros foram publicadas em russo na primeira metade do século XIX: Escola de Piano de M. Clementi (1816), Escola Prática Completa de Piano de D. Steibelt (1830), F Günten (1838) e outras .

Entre os proeminentes músicos-professores da primeira metade do século XIX. foram I. Prach, John Field, Adolf Henselt, A. Gercke, Alexander Villuan.

Durante esses anos, escolas de autores russos também se formaram na Rússia, cujos compiladores buscavam aproximar os auxiliares de ensino das tarefas de formação de músicos russos. O repertório da "Escola" de I. Prach (tcheco, nome verdadeiro Jan Bohumir, ano de nascimento desconhecido, falecido em 1818; compositor, que trabalhou por muito tempo em São Petersburgo como professor de música em várias instituições de ensino) incluía , por exemplo, muitas obras de autores russos.

No guia original I. Pracha"Escola Completa de Piano..." (1806) levou em consideração as especificidades da cultura performática russa; questões de educação musical infantil foram levantadas. Prach fez uma contribuição significativa para o desenvolvimento da pedagogia do piano. Concretiza as disposições teóricas com base em orientações metodológicas que determinam vários métodos de execução. (figurações harmônicas, arpejos e acordes, oitavas quebradas, etc.) com exemplos que ilustram uma determinada técnica ou movimento.

Atividade J. Field como músico e professor foi de grande importância para a pedagogia do piano russo. Ele criou uma galáxia de músicos famosos, como M. Glinka, A. Verstovsky, A. Gurilev, A. Gerke e muitos outros. A escola de Field foi, claro, de grande importância. Ele pode ser considerado o fundador da principal escola de piano. Nos anos 20-30. século 19 Em seus estudos, Field procurou subordinar o trabalho técnico a objetivos artísticos: expressividade do fraseado, acabamento filigranado do som de cada nota, divulgação do conteúdo da obra.

A. HenseltEA. Gerke

Eles ensinaram em instituições de ensino geral e no Conservatório de São Petersburgo. Seu método pedagógico refletia a direção progressiva da escola de piano russa, a saber: desenvolvimento de horizontes com base na utilização de um extenso repertório, o desejo de educar a independência do aluno. Eles eram oponentes fervorosos do método de "treinamento", "perfuração".

A. Villuan era um educador progressista. Dele papel histórico reside no fato de ter desvendado o talento musical da criança A. Rubinstein e conseguido dar o rumo certo ao seu desenvolvimento. Os melhores aspectos do método pedagógico de Villuan, manifestados em sua atividades práticas, foram refletidas em sua "Escola" (1863). O método de extração de som que ele encontrou - "cantando" ao piano - tornou-se um dos mais poderosos meios artísticos Jogos de A. Rubinstein. "Escola" abrange uma grande quantidade de conhecimentos relacionados com a formação técnica e educação musical de um pianista. Particularmente valiosas são as opiniões de Villuan sobre a obtenção de um som melodioso de piano profundo, sobre o desenvolvimento do legato, para o qual são usadas técnicas razoáveis \u200b\u200bque não perderam seu significado até hoje.

Na história da arte russa pré-revolucionária e pós-revolucionária, o papel principal pertence a Conservatórios de Petersburgo e Moscou

os maiores centros de cultura musical do país. As atividades de ambos os conservatórios se desenvolveram em contato próximo, o que foi determinado não apenas pela semelhança de suas tarefas, mas também pelo fato de que muitas vezes os alunos do Conservatório de São Petersburgo trabalhavam em Moscou e os moscovitas se tornavam professores do Conservatório de São Petersburgo. Conservatório.

Assim, P. I. Tchaikovsky formou-se no Conservatório de São Petersburgo e tornou-se um dos primeiros professores do Conservatório de Moscou; L. Nikolaev (aluno de V. Safonov no Conservatório de Moscou) - mais tarde um dos principais representantes da escola de piano em Leningrado; Os alunos de Nikolaev, V. Sofronitsky e M. Yudina, trabalharam em Moscou por vários anos.

Fundadores dos Conservatórios de São Petersburgo e Moscou, irmãos

Anton e Nikolai Rubinstein,

Durante os anos de direção dos conservatórios, lançaram as bases fundamentais para a formação de jovens músicos. Seus alunos (A. Siloti, E. Sauer - alunos de Nikolai; G. Cross, S. Poznanskaya, S. Drukker, I. Hoffman - alunos de Anton) se tornaram os primogênitos em uma galáxia de jovens artistas que ganharam reconhecimento de comunidade musical mundial.

Através dos esforços dos irmãos Rubinstein, a pedagogia do piano russo foi adquirida no último terço do século XIX. grande prestígio e reconhecimento internacional. É a eles que a Rússia deve o fato de ter ocupado um dos primeiros lugares no aprendizado do piano.

Pode-se concluir que tanto os professores-músicos avançados da Europa Ocidental quanto os russos do século XIX procuravam maneiras originais e razoáveis de influenciar o aluno. Eles estavam procurando maneiras eficazes de racionalizar o trabalho técnico. Usando de forma criativa as tradições de fazer música de cravo e as idéias que se desenvolveram nos séculos anteriores sobre a essência do processo de formação da técnica de execução do pianista, a metodologia do século XIX. chegou à justificativa de um princípio de execução conveniente - o uso holístico do aparato pianístico. Foi no século XIX que foi criado um banco de dados verdadeiramente grandioso de estudos e exercícios, que até hoje permanece indispensável no ensino de piano.

Análise material musical mostra que é inerente aos seus criadores o desejo de buscar os movimentos naturais do jogo, dedilhando princípios associados às características estruturais da mão humana.

No entanto, deve-se notar que o século XIX. deu à pedagogia e à educação musical um sistema de ideias brilhantes e promissoras e, acima de tudo, o desejo de educar um músico bem-educado por meio do desenvolvimento expedito de sua individualidade criativa.

XXséculo

20 século - o auge da arte do piano. Este período é extraordinariamente rico em pianistas excepcionalmente talentosos e notáveis.

No início do século 20 tornou-se famoso Hoffman E curto, Schnabel E Paderevsky. E naturalmente COM. Rachmaninov, o gênio da Era de Prata, que marcou nova era não apenas na música para piano, mas também na cultura mundial em geral.

A segunda metade do século 20 é a era de pianistas famosos como Svyatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff.A lista continua…

estilo de desempenho do século 20

***

Este é o desejo de uma compreensão profunda do texto musical e da transmissão exata da intenção do compositor, entendendo o estilo e a natureza da música como base para uma interpretação realista das imagens artísticas embutidas na obra.

***

Final do século 19 - início do século 20 - um período extremamente agitado na história da cultura artística mundial. O confronto entre a cultura democrática das massas, que entravam cada vez mais ativamente na luta por seus direitos sociais, e a cultura de elite da burguesia tornou-se extremamente agravado.

Principais artistas desta época reconheceu as características da crise na evolução nova música: "Vivemos em uma época em que o fundamento da existência humana está sendo abalado", argumentou I.F. Stravinsky, homem moderno perde o sentido de valor e de estabilidade.... Sendo o próprio espírito doente, a música do nosso tempo, e sobretudo o que cria, o que considera verdadeiro, traz consigo sinais de insuficiência patológica. Confissões semelhantes puderam ser ouvidas mais de uma vez da boca de outros grandes músicos.

Mas, apesar do impacto da crise da época, a música atingiu novas alturas brilhantes. A pedagogia do piano foi enriquecida por muitos trabalhos interessantes. A atenção dos autores das obras publicadas voltou-se para as questões do domínio artístico dos alunos.

Excelentes professores de piano G. Neuhaus, G. Hoffman, I. Kogan métodos desenvolvidos para o aprendizado bem-sucedido do aluno.

Heinrich Gustavovich Neuhaus (1888-1964) - pianista, professor, escritor de música. Fundador da maior escola de piano soviética. Tudo o que ele escreve está imbuído de um amor apaixonado pela arte, música para piano e performance.

De maior interesse para nós é o livro chamado "On the Art of Piano Playing".

O livro foi escrito por linguagem figurativa, está cheio de julgamentos sobre muitos compositores, intérpretes e professores. Ele apresenta novos problemas e questões que dizem respeito a todos os pianistas. São muitas as páginas que têm o carácter de uma autobiografia musical, dedicadas a memórias do seu próprio percurso criativo. No entanto, nesta improvisação, as visões do autor sobre a arte do piano e as tarefas do professor emergem claramente. Em suas obras, Neuhaus escreve sobre imagem artística, ritmo, som, trabalho de técnica, dedilhado e pedalização, sobre as tarefas de professor e aluno e sobre a atividade de concerto de um músico.

Com grande persuasão, mostra que a chamada metodologia do "livro didático", que dá principalmente uma receita - "regras duras", mesmo que sejam verdadeiras e comprovadas, será sempre apenas uma metodologia inicial, simplificada, em constante desenvolvimento , esclarecimento diante da vida real, adição, ou, como ele mesmo diz, "numa transformação dialética". Ele se opõe de forma contundente e temperamental ao “método de coaching” e à “sugação sem fim das mesmas obras” no trabalho pedagógico, contra a falsa posição de que “a direção pode fazer tudo com os alunos”. Ele busca resolver dialeticamente não apenas problemas gerais de performance musical, mas também questões técnicas mais restritas.

Definindo o papel do professor, Neuhaus acredita que o professor deve se esforçar para ser não tanto um professor de piano, mas um professor de música.

Neuhaus prestou atenção especial em seu trabalho pedagógico à relação entre "musical" e "técnico". Assim, buscou principalmente superar a incerteza técnica, a rigidez dos movimentos do aluno na esfera de influência no psiquismo do aluno, nos caminhos da própria música. Ele agiu da mesma forma ao recomendar aos alunos métodos de trabalho em "lugares difíceis". Na sua opinião, tudo o que é "difícil", "complexo", "desconhecido" deve, se possível, ser reduzido a algo mais "fácil", "simples", "familiar"; ao mesmo tempo, aconselhou vivamente a não abandonar o método de aumentar a dificuldade, pois com a ajuda deste método o jogador adquire aquelas competências, aquela experiência, que lhe permitirá resolver totalmente o problema.

Por fim, Neuhaus tentou de todas as formas aproximar o aluno da música, revelar-lhe o conteúdo da obra que estava sendo mostrada, e não apenas inspirá-lo de forma poética vívida, mas também dar-lhe uma análise detalhada da forma e estrutura da obra - melodia, harmonia, ritmo, polifonia, textura - em uma palavra, revelar ao aluno os padrões da música e as formas de sua execução.

Falando de ritmo como um dos elementos mais importantes que compõem o processo de execução, Neuhaus enfatiza a grande importância do “sentido do todo”, a capacidade de “pensamento longo”, sem a qual o pianista não pode executar satisfatoriamente nenhuma obra importante em termos de forma .

O autor considera a subestimação de som (escuta insuficiente do som) e sua superestimação, ou seja, "saborear sua beleza sensual". Colocando esta questão desta forma, Neuhaus define o conceito de beleza do som de uma nova maneira - não de forma abstrata, sem contato com estilo e conteúdo, mas derivando-o de uma compreensão do estilo e da natureza da música que está sendo executada.

Ao mesmo tempo, ele enfatiza que uma obra musical e "confiança musical" não resolvem o problema de dominar a técnica do piano. O treinamento físico também é necessário, até um jogo lento e forte. “Nesse trabalho”, acrescenta, “as seguintes regras devem ser observadas: certifique-se de que o braço, todo o braço, da mão à articulação do ombro, esteja totalmente livre, não “congele” em nenhum lugar, não esteja preso, não “endurece”, não perde o seu potencial (!) flexibilidade, mantendo a calma total e utilizando apenas os movimentos estritamente “necessários”.

Determinando sua perspectiva dedilhado, Neuhaus escreve que o melhor dedilhado é aquele que permite transmitir com mais precisão o significado dessa música. Dedilhado associado ao espírito, caráter e estilo musical do autor, ele chama de mais belo e esteticamente justificado.

De maneira semelhante, Neuhaus define o problema pedalar. Ele diz com razão que as regras gerais sobre como pisar no pedal estão para a pedalação artística assim como alguma seção da sintaxe está para a linguagem do poeta. Em essência, não existe pedal correto, na opinião dele. O pedal artístico é inseparável da imagem sonora. Esses pensamentos são apoiados no livro por uma série de exemplos interessantes, dos quais fica claro a importância que o autor atribuiu a vários métodos de pedalar.

Podemos apenas dizer que Neuhaus considerava a técnica do pianista como algo organicamente conectado com a compreensão da música e das aspirações artísticas. Esta, de fato, é a base da escola de atuação soviética em geral e, em particular, da escola Neuhaus, que educou artistas notáveis como S. Richter, E. Gilels, J. Zak e muitos outros pianistas notáveis.

Uma contribuição peculiar para a escola de piano soviética são os artigos e livros

Grigory Mikhailovich Kogan (1901-1979)

No livro "At the gates of mastery" o autor fala sobre os pré-requisitos psicológicos para o sucesso do trabalho pianístico. Nesta obra, identifica “três elos principais”: uma visão clara do objetivo, focando-se neste objetivo e uma vontade persistente de o atingir. Ele observa com razão que essa conclusão não é nova e se aplica não apenas a pianistas, mas a qualquer campo da arte e da atividade laboral humana.

No prefácio do livro, ele fala sobre a importância do psiquismo do pianista, sobre o papel do correto ajustamento psicológico em seu trabalho, condição necessária para o sucesso das aulas. Este tema é de grande interesse não só para os performers, mas também para os professores, de quem muito depende na formação do psiquismo do aluno e seu ajustamento psicológico.

Falando sobre objetivo, vontade, atenção, concentração, autocontrole, imaginação e outros elementos que determinam o sucesso no trabalho de um pianista, Kogan acrescenta a eles a necessidade de um desejo apaixonado de expressar as imagens musicais concebidas e amadas em um ideal forma. Ele dá atenção especial à questão da "calma criativa" e empolgação do intérprete antes da apresentação e durante a apresentação no show.

Considerando as várias etapas do trabalho de um pianista em uma peça, Kogan caracteriza detalhadamente as três etapas desse processo: 1) visualização e pré-visualização, 2) aprendizado em partes, 3) "montagem" da obra como etapa final.

Kogan se deteve em detalhes em questões de fraseado, digitação, reagrupamento técnico e representação mental de dificuldades. Quase tudo o que ele analisou é baseado nos princípios pianísticos de Busoni.

O livro também contém uma análise de alguns aspectos das artes cênicas, que em literatura metodológica recebeu relativamente pouca atenção. Estes incluem, por exemplo, a questão do subtexto verbal de vários episódios em obras de piano, que pode servir como um "guia de entonação auxiliar" que torna mais fácil "encontrar a distribuição natural da respiração, uma "pronúncia" convincente de entonações individuais".

Tendo estudado a herança pedagógica de Kogan, podemos concluir que as obras de Kogan caracterizam amplamente os fundamentos orientações metodológicas moderna escola pianística soviética nas artes cênicas para piano.

Um dos maiores pianistas do início do nosso século, é a glória das artes performativas do século XX

Joseph Hoffmann (1876-1957)

O destino do artista itinerante - fenômeno que preserva de forma civilizada as tradições dos músicos itinerantes - por muito tempo se tornou o destino de Hoffmann. Hoffmann também estava envolvido em atividades pedagógicas, mas não era tão brilhante quanto atuar.

Hoffmann atribuiu grande importância ao período de estudo. A necessidade de um Professor, a exigência de confiar nele, a sua importância para a formação de um intérprete - são os motivos que aparecem repetidamente nas páginas dos livros de Hoffmann. O próprio Hoffmann teve sorte com seus professores - eles eram o famoso pianista e compositor Moritz Moszkowski (autor de brilhantes estudos virtuosos e peças de salão) e o famoso Anton Rubinstein, cujo encontro se tornou um dos principais eventos da vida criativa de Hoffmann.

Outro acontecimento importante na vida de Hoffmann, que influenciou radicalmente seu destino criativo, modo de pensar, modo de vida, foi a mudança para a América (e posteriormente - a adoção da cidadania americana). Conseqüentemente - uma visão sóbria e prática da vida, uma abordagem profissional para qualquer problema, inclusive criativo; essa praticidade puramente americana é perceptível tanto em livros quanto em artigos.

Em seu livro Piano Playing Answers to Questions About Piano Playing, de 1914, é importante que Hoffmann tenha delineado os princípios gerais que contribuem para uma boa execução do piano. Ele destaca a vantagem das aulas pela manhã. Ele aconselha a não estudar por mais de uma hora, no máximo duas horas seguidas. Tudo deve depender da condição física. Ele também aconselha mudar o tempo e a sequência das obras estudadas. A atenção do pianista está voltada para as discussões sobre a "tecnologia" de tocar piano, das quais ele entendeu brilhantemente. Hoffman considera importante o trabalho sem instrumento (também com e sem notas).

Particularmente importantes são os pensamentos de Hoffmann sobre a "técnica mental" - a necessidade de começar a análise de uma peça com uma análise de forma e textura; além disso, no processo de análise, cada passagem "deve ser perfeitamente preparada mentalmente antes de ser testada no piano".

Hoffmann, é muito moderno em muitas características de estilo. Está perto de nós com sua praticidade - tudo é essencial, nada supérfluo.

Gênio da Era de Prata, grande pianista, compositor, maestro

Sergei Rachmaninov (1873-1943)

Começou a estudar música sistematicamente aos cinco anos de idade idade. Em 1882, Sergei entrou no St. Petersburg conservatório. Em 1885 mudou-se para Moscou e tornou-se aluno do Conservatório de Moscou, onde estudou primeiro com o famoso pianista-professor N. S. Zverev (cujo aluno também foi o compositor e pianista russo Alexander Nikolaevich Skryabin), e desde 1888 - com o pianista e maestro Alexander Ilyich Siloti (piano); compositor, pianista e maestro Anton Stepanovich Arensky (composição, instrumentação, harmonia); compositor, pianista e figura musical e pública Sergei Ivanovich Taneyev (contraponto da escrita estrita).

Rachmaninoff é um dos maiores músicos da virada dos séculos XIX e XX. Sua arte se distingue pela veracidade da vida, orientação democrática, sinceridade e integridade emocional da expressão artística. Rachmaninoff seguiu as melhores tradições da música clássica, especialmente a russa. Ele era um cantor cheio de alma da natureza russa.

Em suas composições coexistem impulsos apaixonados de protesto irreconciliável e contemplação silenciosa, alerta trêmulo e determinação obstinada, tragédia sombria e hinos entusiásticos. A música de Rachmaninov, possuindo uma riqueza melódica inesgotável e sub-voz-polifônica, absorveu fontes de canções folclóricas russas e algumas características do canto Znamenny. Uma das bases originais estilo musical Rachmaninov - uma combinação orgânica de amplitude e liberdade de respiração melódica com energia rítmica. O tema da pátria, central para criatividade madura Rachmaninov. O nome de Rachmaninov como pianista está no mesmo nível dos nomes de F. Liszt e A. G. Rubinstein. Técnica fenomenal, profundidade melodiosa de tom, ritmo flexível e imperioso obedeciam completamente à execução de Rachmaninov.

A fama do pianista Rachmaninoff era grande o suficiente e logo se tornou verdadeiramente lendária. Suas interpretações de sua própria música e obras de compositores românticos - Fryderyk Chopin, Robert Schumann e Franz Liszt tiveram um sucesso particular. A atividade de concerto de Rachmaninoff como um mijão virtuoso errante em cidades e países continuou sem interrupção por quase 25 anos.

Na América, onde, por coincidência, mudou-se para morar, alcançou um sucesso estonteante que já acompanhou um intérprete estrangeiro aqui. Os ouvintes foram atraídos não apenas pelas habilidades de alto desempenho de Rachmaninoff, mas também pela maneira de tocar e ascetismo externo, atrás dos quais se escondia a natureza brilhante do brilhante músico. “Uma pessoa capaz de expressar seus sentimentos dessa maneira e com tanta força deve antes de tudo aprender a dominá-los perfeitamente, a ser seu mestre ...” - foi escrito em uma das críticas.

As gravações de gramofone da execução de Rachmaninov dão uma ideia de sua técnica fenomenal, senso de forma e atitude excepcionalmente responsável em relação aos detalhes. O pianismo de Rachmaninov influenciou mestres notáveis da execução do piano como Vladimir Vladimirovich Sofronitsky, Vladimir Samoilovich Horowitz, Svyatoslav Teofilovich Richter e Emil Grigorievich Gilels.

Pianista americano - virtuoso de origem ucraniana-judaica, um dos maiores pianistas do século XX

Vladimir Samoilovich Horowitz

(1903-1989)

Nascido na Rússia desde 1928 nos EUA. Representante do estilo romântico de performance (obras de F. Liszt, incluindo em suas próprias transcrições, Fryderyk Chopin, compositores russos, etc.).

Vladimir Horowitz estudou com V. Pukhalsky, S. V. Tarnovsky e F. M. Blumenfeld no Kiev Musical College, transformado em setembro de 1913 no Conservatório de Kiev. Após a formatura em 1920, V. Horowitz não recebeu diploma, pois não possuía certificado de formatura do ginásio. Ele realizou seu primeiro concerto solo em Kharkov em 1920 (mas o primeiro concerto público documentado ocorreu em dezembro de 1921 em Kiev). Em seguida, deu concertos em várias cidades da Rússia junto com o jovem Odessan - o violinista Natan Milshtein, pelo qual era mais pago com pão do que com dinheiro, devido à difícil situação econômica do país.

Desde 1922, Horowitz, dando concertos nas cidades da Rússia, Ucrânia, Geórgia, Armênia, vem acumulando um repertório gigantesco em termos de volume. Assim, por exemplo, em três meses (novembro de 1924 - janeiro de 1925), ele executou mais de 150 peças na famosa "série de Leningrado", composta por 20 concertos. Apesar de seu sucesso inicial como pianista, Horowitz afirmou que queria ser compositor, mas escolheu a carreira de pianista para ajudar uma família que havia perdido toda a sua riqueza durante a Revolução de 1917. O sucesso dos "filhos da Revolução" (como Lunacharsky os chamou em um de seus artigos) foi esmagador. Clubes de admiradores desses jovens músicos surgiram em várias cidades.

Em setembro de 1925, Vladimir Horowitz teve a oportunidade de partir para a Alemanha (oficialmente ele estava saindo para estudar). Antes de partir, ele aprendeu e tocou o 1º concerto de P. I. Tchaikovsky em Leningrado. Graças a este trabalho, ele se tornou famoso na Europa. Este concerto desempenhou um papel "fatal" na vida do pianista: todas as vezes, triunfando nos países da Europa e da América, Horowitz executou precisamente o 1º concerto de P. I. Tchaikovsky. Seguindo o pianista, Milstein também partiu para a Alemanha em dezembro de 1925. Na Europa, os dois músicos rapidamente ganharam fama como virtuosos brilhantes. Horowitz foi escolhido pelas autoridades soviéticas para representar a Ucrânia no Concurso Internacional Chopin inaugural em 1927, mas o pianista decidiu ficar no Ocidente e, portanto, não participou da competição. Até 1940, ele viajou com shows por quase todos os países da Europa e em todos os lugares teve um sucesso estrondoso. Em Paris, quando V. Horowitz tocava, os gendarmes foram chamados para acalmar o público, que quebrou cadeiras em êxtase. Em 1928, Vladimir Horowitz se apresentou brilhantemente no Carnegie Hall em Nova York e viajou para muitas cidades americanas com sucesso retumbante.

Pianista russo de origem alemã

Svyatoslav Teofilovich Richter

(1915 – 1997)

Passou a infância e a juventude em Odessa, onde estudou com o pai, pianista e organista educado em Viena, e trabalhou como acompanhante na casa de ópera. Deu seu primeiro concerto em 1934. Aos 22 anos, formalmente autodidata, ingressou no Conservatório de Moscou, onde estudou com Heinrich Neuhaus. Em 1940, ele fez sua primeira aparição pública em Moscou, interpretando a 6ª Sonata de Prokofiev; posteriormente tornou-se o primeiro intérprete de suas 7ª e 9ª sonatas (a última é dedicada a Richter). Em 1945, ele ganhou a competição All-Union de músicos performáticos.

Desde os primeiros passos no campo profissional, ele foi percebido como um virtuoso e um músico de escala excepcional.

Por várias gerações de músicos e amantes da música soviéticos e russos, Richter não foi apenas um excelente pianista, mas também o portador da mais alta autoridade artística e moral, a personificação do moderno músico-educador universal. O vasto repertório de Richter, que se expandiu até os últimos anos de sua vida ativa, incluiu músicas de diferentes épocas, desde o Cravo Bem Temperado de Bach e as suítes de Handel até o Concerto de Gershwin, as Variações de Webern e os Movimentos de Stravinsky.

Em todas as áreas do repertório, Richter provou ser um artista único, combinando a objetividade absoluta na abordagem do texto musical (aderência cuidadosa às instruções do autor, controle confiante sobre os detalhes, evitação de exageros retóricos) com um tom dramático incomum e concentração espiritual de interpretação.

O elevado senso de responsabilidade de Richter em relação à arte e a capacidade de se entregar foram manifestados em seu compromisso especial com a performance do conjunto. No início da carreira de Richter, seus principais parceiros de conjunto foram o pianista Anatoly Vedernikov, aluno de Neuhaus, a cantora Nina Dorliak (soprano, esposa de Richter), a violinista Galina Barinova, o violoncelista Daniil Shafran, Mstislav Rostropovich (sua perfeita, colaboração verdadeiramente clássica - todas elas sonatas para violoncelo de Beethoven). Em 1966, a comunidade de Richter e David Oistrakh começou; em 1969 eles estrearam a Sonata para Violino de Shostakovich. Richter era um parceiro frequente do Quarteto. Borodin e colaborou voluntariamente com músicos geração mais nova, incluindo com Oleg Kagan, Elizaveta Leonskaya, Natalia Gutman, Yuri Bashmet, Zoltan Kochis, os pianistas Vasily Lobanov e Andrey Gavrilov. A arte de Richter como solista e músico de conjunto é imortalizada em um grande número de gravações de estúdio e ao vivo.

Pianista soviético, Artista do Povo da URSS

Emil Grigorievich Gilels (1916-1985)

Emil começou a tocar piano aos cinco anos e meio, seu primeiro professor foi Yakov Tkach. Tendo alcançado rapidamente um sucesso significativo, Gilels fez sua primeira aparição pública em maio de 1929, interpretando obras de Liszt, Chopin, Scarlatti e outros compositores. Em 1930, Gilels ingressou no Instituto de Música de Odessa (agora Conservatório de Odessa).

E no ano seguinte ele ganhou o Concurso de Piano Ucraniano, e um ano depois ele conheceu Arthur Rubinstein, que falou com aprovação de sua performance.

A fama chegou ao músico após sua vitória em 1933 no Primeiro Concurso de Músicos Performáticos da União, que foi seguido por inúmeros concertos em toda a URSS. Depois de se formar no Conservatório de Odessa em 1935, Gilels ingressou na escola de pós-graduação do Conservatório de Moscou na classe de Heinrich Neuhaus.

Na segunda metade da década de 1930, o pianista alcançou grandes sucessos internacionais: conquistou o segundo lugar no concurso internacional de Viena (1936), perdendo apenas para Jacob Flier, e dois anos depois se vingou dele, vencendo o Concurso Isaías em Bruxelas, onde Flier manteve-se no terceiro lugar. Voltando a Moscou, Gilels começou a lecionar no conservatório como assistente de Neuhaus.

Durante os anos de guerra, Gilels participou do trabalho de patrocínio militar, no outono de 1943 deu concertos na sitiada Leningrado, após o fim da guerra voltou às atividades ativas de concerto e ensino. Ele costumava se apresentar com sua irmã mais nova, a violinista Elizaveta Gilels, bem como com Yakov Zak. Em 1950 formou um trio de piano com Leonid Kogan (violino) e Mstislav Rostropovich (violoncelo), e em 1945 deu concertos no exterior pela primeira vez (tornando-se um dos primeiros músicos soviéticos autorizados a fazê-lo), excursionou em Itália, Suíça, França e países escandinavos. Em 1954, ele foi o primeiro músico soviético a se apresentar no salão Pleyel em Paris. Em 1955, o pianista tornou-se o primeiro músico soviético a dar concertos nos Estados Unidos, onde executou o Primeiro Concerto para Piano de Tchaikovsky e o Terceiro Concerto de Rachmaninoff com a Orquestra de Filadélfia regida por Eugene Ormandy, e logo deu um recital no Carnegie Hall, que foi um enorme sucesso. Nas décadas de 1960 e 1970, Gilels foi um dos músicos soviéticos mais procurados do mundo, passando cerca de nove meses por ano em shows e turnês no exterior.

Resumindo, gostaria de observar que os princípios metodológicos e os livros dos representantes mais proeminentes do pianismo soviético mostram que as opiniões desses músicos, apesar de toda a individualidade de sua abordagem à execução e pedagogia do piano, tinham muito em comum. Este é o desejo de uma compreensão profunda do texto musical e da transferência exata da intenção do compositor e da compreensão do estilo e da natureza da música como base para uma interpretação realista das imagens artísticas incorporadas na obra.

Típica a esse respeito é uma das declarações G. G. Neuhaus: “Todos nós falamos sobre a mesma coisa, mas com palavras diferentes.” Isso é comum e determina os princípios da escola pianística soviética, que criou pianistas maravilhosos e professores notáveis.

XXIséculo

O que foi e o que se tornou o piano Artes performáticas ao longo do século XX?

O que há de novo em início do século XXI século?

Como é costume tocar piano agora, na segunda década do século XXI?

estilo de desempenho do século 21

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No início do século 21, duas áreas principais da performance musical continuam a existir - o virtuosismo transcendental e o significado da interpretação. No final do século XX, essas áreas tornaram-se cada vez mais concentradas, separando-se umas das outras. No entanto, surgiu um novo fenômeno, quando os pianistas podiam servir simultaneamente a uma e a outra corrente das artes cênicas.

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As tradições de performance são influenciadas por competição total, Neste caso, o excepcional nível competitivo de execução de obras musicais torna-se um padrão cada vez mais familiar que deve ser seguido, inclusive no palco do concerto.

Os ideais de gravação de som e o nível competitivo de execução, influenciando as tradições de concerto, exigiram um aumento significativo na qualidade de execução do piano. Cada obra do programa, e não apenas os bis, deve soar ao nível de uma obra-prima da arte performática. O que foi possível em estúdio devido à engenharia de som e edição computadorizada de várias opções de performance, deve acontecer no palco neste minuto, aqui e agora.

Competições e festivais internacionais contribuem para a globalização da arte do piano.

Na maioria das vezes, aprendemos seus nomes após a competição P.I. Tchaikovsky. Esta competição trouxe fama para pianistas como: Van Cliburn, Vladimir Ashkenazy, Vladimir Krainev, Mikhail Pletnev, Boris Berezovsky, Nikolai Lugansky, Egeny Kissin, Denis Matsuev, Zhania Aubakirova...

Pianista americano que conquistou corações russos

Primeiro vencedor do Concurso Internacional Tchaikovsky (1958)

Van Cliburn (1934-2013)

O pianista americano Van Cliburn (também conhecido como Harvey Levan Clyburn) é talvez o músico estrangeiro mais querido de nosso país. Foi o público russo quem primeiro apreciou as habilidades performáticas de Van Cliburn, foi depois de uma visita à Rússia que ele se tornou um músico mundialmente famoso.

Recebeu suas primeiras aulas de piano aos três anos em sua mãe. Quando Cliburn tinha seis anos, a família mudou-se para o Texas, onde ele ganhou uma competição aos treze anos, e logo fez sua estreia no Carnegie Hall.

Em 1951 ingressou na Juilliard School, na classe de Rosina Levina, e nos anos seguintes recebeu diversos prêmios em prestigiadas competições americanas e internacionais.

O nome de Cliburn ganhou fama mundial após uma vitória sensacional no primeiro Concurso Internacional Tchaikovsky em Moscou em 1958. A jovem pianista conquistou a simpatia dos jurados e do público. Isso foi ainda mais surpreendente porque a ação ocorreu no auge da Guerra Fria. Ao retornar à sua terra natal, Cliburn teve uma recepção magnífica e entusiástica. O músico estava imbuído de amor e respeito pela URSS e, após a competição, repetidamente fazia shows.

Van Cliburn fez turnês em seu país natal e no exterior. Ele falou com a realeza e chefes de estado, com todos os presidentes dos Estados Unidos. Ele se tornou o primeiro intérprete de música clássica - o dono de um álbum de platina. Mais de um milhão de cópias de sua performance do Primeiro Concerto para Piano de Tchaikovsky foram vendidas.

O Van Cliburn Piano Competition é realizado em Fort Worth, Texas desde 1962.

pianista russo, professor de música, figura pública

Vladimir Vsevolodovich Krainev

(1944-2011)

O talento musical de Vladimir Krainev se manifestou na escola secundária especializada em música em Kharkov, na qual ingressou aos 5 anos de idade. Dois anos depois, aconteceu sua primeira apresentação no grande palco - junto com a orquestra, ele executou o concerto de Haydn e o primeiro concerto de Beethoven.

Com o apoio dos professores de Kharkov, Krainev ingressou na Central de Moscou Escola de música no conservatório Tchaikovsky na classe de Anaida Sumbatyan. Em 1962 ingressou no Conservatório. Tchaikovsky na classe de Heinrich Neuhaus e, após sua morte, estudou com seu filho Stanislav Neuhaus, com quem também completou estudos de pós-graduação em 1969.

O reconhecimento mundial chegou a Vladimir Krainev no início dos anos 1960, quando conquistou os principais prêmios nas principais competições internacionais em Leeds (Grã-Bretanha, 1963) e Lisboa (Portugal, 1964). Após uma apresentação em Leeds, a jovem pianista recebeu um convite para uma turnê pelos Estados Unidos. Em 1970, obteve uma brilhante vitória no IV Concurso Internacional com o nome de P.I. Tchaikovsky em Moscou.

Desde 1966, Vladimir Krainev é solista da Filarmônica Estatal de Moscou. Desde 1987 - professor do Conservatório de Moscou. Desde 1992 - professor da Escola Superior de Música e Teatro de Hannover (Alemanha).

Vladimir Krainev viajou extensivamente pela Europa e Estados Unidos, apresentando-se com maestros notáveis como Gennady Rozhdestvensky, Carlo Maria Giulini, Kurt Masur, Yuri Temirkanov, Vladimir Spivakov, Dmitry Kitaenko e Saulius Sondeckis.

Krainev foi o organizador do festival "Vladimir Krainev Invites" na Ucrânia e do Concurso Internacional para Jovens Pianistas em Kharkov (desde 1992), que leva seu nome.

Em 1994, o pianista criou a Fundação Internacional de Caridade para Jovens Pianistas. A Fundação prestou assistência e apoio a futuros músicos profissionais, criou condições para sua criatividade na Rússia e no exterior, organizou turnês e concertos para jovens músicos e apoiou instituições educacionais de cultura e arte.

Famoso maestro e pianista, Artista do Povo da RSFSR, fundador e líder de 1990 a 1999 e de 2003 até o presente da Orquestra Nacional Russa. Vencedor da medalha de ouro no Concurso Internacional Tchaikovsky em 1978 e do Grammy Award em 2004.

Mikhail Vasilyevich Pletnev nasceu em1957

Pletnev passou a infância em Saratov e Kazan, a partir dos 7 anos começou a frequentar uma escola de música no Conservatório de Kazan na aula de piano. A partir dos 13 anos estudou na Escola Central de Música do Conservatório Tchaikovsky de Moscou. Em 1973, Pletnev, de 16 anos, ganhou o Grande Prêmio no Concurso Internacional da Juventude em Paris e no ano seguinte ingressou no Conservatório de Moscou, estudando com os professores Yakov Flier e Lev Vlasenko.

Em 1977, Pletnev ganhou o primeiro prêmio no All-Union Piano Competition em Leningrado, e em 1978 ele ganhou uma medalha de ouro e primeiro prêmio no Moscow International Tchaikovsky Competition. Em 1979, Pletnev formou-se no conservatório e, em 1981 - estudos de pós-graduação, após os quais se tornou assistente de Vlasenko, mais tarde começou a lecionar em sua própria classe de piano.

Tornando-se solista do State Concert em 1981, Pletnev ganhou fama como pianista virtuoso, a imprensa notou suas interpretações da obra de Tchaikovsky, mas também suas apresentações de Bach, Beethoven, Rachmaninoff e outros compositores. Pletnev colaborou com maestros famosos como Vladimir Ashkenazy, Alexander Vedernikov, Mstislav Rostropovich, Valery Gergiev, Rudolf Barshai e as orquestras sinfônicas mais famosas do mundo, incluindo a London Symphony e a Los Angeles Philharmonic.

Em 1980, Pletnev estreou como maestro e, dez anos depois, em 1990, criou a independente Orquestra Sinfônica Nacional da Rússia (mais tarde renomeada como Orquestra Sinfônica Nacional da Rússia, RNO) às custas de doações estrangeiras e até 1999 foi sua instituição artística diretor, maestro chefe e fundo presidente. Em 2008, Pletnev tornou-se maestro convidado da Orquestra Sinfônica da Suíça Italiana (Orchestra della Svizzera italiana). Em 2006, Pletnev criou o Fundo de Apoio cultura nacional. De 2006 a 2010, Pletnev foi membro do Conselho do Presidente da Federação Russa para Cultura e Arte, e de 2007 a 2009 foi membro da Comissão da Federação Russa para a UNESCO.

Pianista cazaque, professor, professor e reitor do Kurmangazy Kazakh National Conservatory,

Artista do Povo do Cazaquistão, vencedor de concursos internacionais, professor

Zhaniya Yakhiyaevna Aubakirova nasceu em 1957

Graduado pelo Conservatório Estadual de Alma-Ata. Kurmangazy, Conservatório Estadual de Moscou. P. I. Tchaikovsky e estudos de pós-graduação (com o professor L. N. Vlasenko).

Desde 1979 - spalla do Estado teatro acadêmicoópera e balé Abai e um estagiário assistente no Conservatório Estadual de Moscou em homenagem a A. P. I. Tchaikovsky. 1981 - professor sênior, professor associado, chefe do departamento especial de piano do Conservatório Estadual de Alma-Ata. Kurmangazy. Desde 1983 ela é solista da Filarmônica do Estado do Cazaquistão. Jaambula. Desde 1993 - Professor do Conservatório Estadual de Almaty em homenagem. Kurmangazy. 1994 - foi fundada a "Escola do Autor de Zhania Aubakirova", trabalhando com métodos e tecnologias educacionais modernas. Desde 1997 - reitor do Conservatório Nacional do Cazaquistão com o nome de Kurmangazy. Sob sua liderança, o conservatório tornou-se a principal universidade de música do país e o centro cultural e educacional da república e, em 2001, recebeu o status de Nacional.

1998 - Por iniciativa de Zhania Aubakirova, foi organizada a agência de música Classics, que realizou com grande sucesso as Seasons do Cazaquistão na França, organizou shows em mais de 18 países, gravou mais de 30 CDs, mais de 20 filmes musicais sobre artistas do Cazaquistão. 2009 - em novembro, a Orquestra Sinfônica de Estudantes do Conservatório Nacional do Cazaquistão leva o nome. Kurmangazy fez uma turnê de cinco principais cidades EUA: Los Angeles, São Francisco, Washington DC, Boston e Nova York. Jovens músicos, juntamente com seu reitor, Artista do Povo da República do Cazaquistão Zhania Aubakirova, se apresentaram nos salões mais famosos do mundo - o Kennedy Center e o Carnegie Hall.

Concertos solo e apresentações de Zhania Aubakirova com orquestras famosas, promovendo clássicos da música mundial e obras de compositores cazaques, são realizados regularmente no Cazaquistão, as maiores salas de concerto da França, Inglaterra, Alemanha, Japão, Rússia, Polônia, Itália, EUA, Israel, Grécia, Hungria. grandes salões Conservatório Tchaikovsky de Moscou e Filarmônica de São Petersburgo, Casa da Música de Moscou.

Excelente pianista contemporâneo

Boris Berezovskynascido em 1969

Ele entra no Conservatório de Moscou na classe do notável pianista Eiso Virsaladze. Depois de algum tempo, Berezovsky fica “apertado” na aula de Eliso Virsaladze, onde só se toca o repertório tradicional, então começa a ter aulas particulares com Alexander Sats. Sats abre novos horizontes da música clássica russa para Boris Berezovsky. Com ele, Berezovsky começa a tocar Medtner, muito Rachmaninoff e muitos outros. Mas Boris Berezovsky nunca conseguiu terminar seus estudos no Conservatório de Moscou, ele foi expulso por participar do Concurso Tchaikovsky durante os exames finais. Mas esta circunstância não o impediu de se tornar o intérprete mais virtuoso e procurado do nosso tempo.

Por mais de uma década, Boris Berezovsky se apresentou com as orquestras mais famosas do mundo: a BBC Orchestra, as Orquestras Filarmônicas de Londres e Nova York, a Nova Orquestra Filarmônica Japonesa, as Orquestras Sinfônicas de Birmingham e Filadélfia. Berezovsky participa constantemente de vários festivais de música de câmara, e seu concertos solo pode ser ouvido em Berlim e Nova York, Amsterdã e Londres. Fluente em inglês e francês.

O pianista tem uma discografia bastante extensa. As últimas gravações de seus shows receberam as maiores avaliações da crítica. Os prêmios da Associação Alemã de Gravação prêmio alto sonatas de Rachmaninoff, interpretadas por Boris Berezovsky. Uma gravação das obras de Ravel entrou nas paradas clássicas Le Monde de la Musique, Diapason, BBC Music Magazine, Independent.

Boris Berezovsky é um vencedor da medalha de ouro no 9º Concurso Internacional Tchaikovsky, ele é chamado de "novo Richter", o som de Berezovsky, com um pianíssimo transparente e um rico espectro de tons dinâmicos, é reconhecido como o mais perfeito entre os pianistas de sua geração . Hoje, cada vez com mais frequência, você pode ouvir Boris Berezovsky nos principais palcos de concertos da Rússia.

Um dos artistas inspirados e inteligentes, russo pianista , professor, solista Filarmônica Estatal de Moscou , Artista do Povo da Rússia

NikolaºLvó HIVpradoś nsky nasceu em1972

Sua forma de tocar conseguiu absorver tudo de melhor que a escola central de música e o conservatório de Moscou podiam oferecer.

Este intérprete inspirado, possuidor de uma técnica de execução brilhante, possui agora um dom raro para a abordagem criativa do material, um dos poucos, ele é capaz de trazer ao mundo uma centelha de Deus nas obras de Beethoven, para revelar o raro "som infernal " de Mozart, para tocar qualquer material digno para que o espectador cansado redescobrisse milhares de vezes melodias tocadas em uma encarnação completamente diferente.

Agora na Rússia existem muitos profissionais que podem mostrar uma classe alta. No entanto, em nada inferior a colegas eminentes, Lugansky continua sendo um fenômeno único na música russa.

Você pode tocar os clássicos de diferentes maneiras: cada escola - francesa, alemã, italiana - oferece sua própria solução para as altas tarefas de um som único.

Mas qualquer pianista verdadeiramente virtuoso "cria seus próprios clássicos", o que é uma prova de genialidade. No início de sua carreira musical, Nikolai Lugansky foi chamado de "pianista de Richter", então eles também foram comparados com Alfred Cortot.

Nikolai Lugansky continua sendo um fenômeno único na música russa.

Famoso pianista russo, músico clássico

Evgeny Igryevich Kissin nasceu em 1971

Aos 6 anos ingressou na Escola de Música Gnessin. A primeira e única professora é Anna Pavlovna Kantor.

Inicialmente, como uma criança prodígio, ele se apresentou sob o nome de Zhenya Kissin. Aos 10 anos, apresentou-se pela primeira vez com uma orquestra, interpretando o 20º concerto de Mozart. Um ano depois, deu o seu primeiro concerto a solo. Em 1984 (aos 12 anos) executou os Concertos para Piano 1 e 2 de Chopin no Grande Salão do Conservatório de Moscou.

Em 1985, Evgeny Kissin foi para o exterior com shows pela primeira vez, em 1987 estreou na Europa Ocidental no Festival de Berlim. Em 1988 apresentou-se com Herbert von Karajan no Concerto de Ano Novo da Orquestra Filarmónica de Berlim, interpretando o 1º Concerto de Tchaikovsky.

Em setembro de 1990, Kissin fez sua estreia nos Estados Unidos, onde executou os concertos 1 e 2 de Chopin com o New York Orquestra Filarmônica dirigido por Zubin Mehta. Uma semana depois, o músico dá um concerto solo no Carnegie Hall. Em fevereiro de 1992, Kissin participou da cerimônia do Grammy Awards em Nova York, transmitida pela televisão para uma audiência de, segundo estimativas, um bilhão e seiscentos milhões de telespectadores. Em agosto de 1997, ele deu um recital no festival Proms no Albert Hall de Londres, a primeira noite de piano em mais de 100 anos de história do festival.

Kissin realiza uma intensa atividade de concertos na Europa, América e Ásia, reunindo constantemente casas cheias; já se apresentou com as principais orquestras do mundo sob maestros como Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazy, Daniel Barenboim, Valery Gergiev, Carlo Maria Giulini, Colin Davis, James Levine, Lorin Maazel, Ricardo Muti, Seiji Ozawa, Mstislav Rostropovich, Evgeny Svetlanov, Yuri Temirkanov , Georg Solti e Maris Jansons; Os parceiros de música de câmara de Kissin incluem Martha Argerich, Yuri Bashmet, Natalia Gutman, Thomas Quasthoff, Gidon Kremer, Alexander Knyazev, James Levine, Misha Maisky, Isaac Stern e outros.

Yevgeny Kissin também dá leituras de poesia em iídiche e russo. Um CD com gravações de obras de poesia moderna em iídiche interpretadas por E. Kisin "Af di keyboard fun yidisher poet" (Sobre as teclas da poesia judaica) foi lançado em 2010. De acordo com o próprio Kissin, ele teve uma forte identidade judaica desde a infância e postou materiais pró-Israel em seu site pessoal.

Pianista russo, figura pública, Artista do Povo da Rússia

Denis Leonidovich Matsuev nasceu em 1975

Denis Matsuev passou sua infância em sua terra natal, Irkutsk. nasceu em família criativa, um menino com primeiros anos estava fazendo música. Primeiro ele foi para a cidade escola de educação geral O nº 11 recebeu o nome de V. V. Mayakovsky e, ao mesmo tempo, começou a frequentar a escola de arte local. Aos dezesseis anos, Denis Matsuev entrou no Irkutsk Musical College. No entanto, ele rapidamente percebeu que seu talento precisava de um corte mais completo. No conselho de família, decidiu-se mudar para a capital. Os pais entenderam que seu filho talentoso poderia ter uma biografia criativa de muito sucesso. Denis Matsuev mudou-se para Moscou em 1990.

Em 1991, ele se tornou um laureado da International Public Charitable Foundation chamada "New Names". Graças a esta circunstância, já na juventude visitou mais de quarenta países do mundo com concertos. As pessoas mais importantes vieram ouvir seu jogo virtuoso: a rainha inglesa, o papa e outros. Em 1993, Denis Matsuev conseguiu entrar no Conservatório Estadual de Moscou. Ao mesmo tempo, ele se apresentou nos programas do fundo público New Names, que foram mantidos sob a supervisão do patrono de Denis, Svyatoslav Belz. Em 1995, o artista foi aceito como solista na Filarmônica do Estado de Moscou. Isso permitiu a Denis Leonidovich expandir o escopo de sua atividade de concerto.

Juntamente com a vitória no Décimo Primeiro Concurso Internacional em homenagem a Pyotr Ilyich Tchaikovsky, o músico chegou ao fama mundial. Este evento fatídico embelezou sua biografia em 1998. Denis Matsuev tornou-se um dos pianistas mais populares do mundo. Suas apresentações virtuosas causaram grande ressonância no mundo. O artista passou a ser convidado para os eventos de maior prestígio. Por exemplo, ele se apresentou no encerramento das Olimpíadas de Sochi.

Desde 2004, Denis Matsuev apresenta sua assinatura pessoal todos os anos. Nele, junto com o músico, atuam as melhores orquestras sinfônicas da Rússia e do exterior.

Ele faz muito pelo seu país. No esforço de incutir nas pessoas o amor pela música, o artista organiza todos os tipos de festivais e concursos. Além disso, ele se esforça para mantê-los em diferentes regiões da Rússia, para que todos os habitantes do país possam tocar a arte erudita, ouvir a brilhante execução das melhores obras musicais.

Em conclusão, resumimos as principais direções e tendências no desenvolvimento da arte do piano do século XXI. Nas áreas virtuosas e significativas da arte do piano, são encontrados os seguintes fatores que acompanham o desenvolvimento: foco na qualidade e estética da gravação de som, aumento na expressividade da conjugação de tons, expansão de oportunidades no campo da agógica e timbre do som , uma desaceleração nos tempos e uma diminuição no nível dinâmico médio de desempenho e polifonização da textura. Esses fatores contribuem para o crescimento da profundidade e renovação moderna do lado do conteúdo da performance. Junto com isso, o repertório de concertos para piano está sendo atualizado devido à descoberta de novas obras de grande valor artístico que antes não eram apreciadas.

No entanto, é a generalização e o significado da entonação que são as principais tendências no desenvolvimento da arte do piano do século XXI.

Esta lista de pianistas executantes mostra que o piano oferece uma inspiração quase ilimitada. Por três séculos, os músicos de piano encantaram os ouvintes e os inspiraram em suas próprias façanhas no mundo da música.

Seja qual for a época a que pertence o músico, não só o seu talento o engrandeceu, mas também a sua completa dissolução na música!!!

PSTendo estudado a literatura sobre o assunto, chegamos à conclusão de que o desenvolvimento das escolas de piano, desde o momento de sua formação até nossos dias, deveu-se à versatilidade espiritual da personalidade do mestre, e as buscas pedagógicas serviram como base criativa e, na verdade, um incentivo à criatividade. Os músicos do Iluminismo Progressivo apoiavam tudo o que consideravam valioso na arte; elevados ideais cívicos, propósito missionário de criatividade.

O pensamento dos grandes músicos e professores performáticos sempre foi direcionado para o desenvolvimento de princípios de ensino que correspondam às ideias sobre as tarefas da performance. Isso determinou em grande parte o conteúdo dos trabalhos científicos dedicados a tocar o instrumento.

Os antigos tratados da era do clavierismo falavam sobre a composição musical, a técnica de improvisação e arranjo de composições musicais, sentar-se ao instrumento, dedilhado e as regras do jogo. Tudo isso se explica pelo fato de que na era pré-piano o compositor era o intérprete, apresentando aos ouvintes suas próprias obras e seu domínio da improvisação. A profissão de intérprete-intérprete (mas não de compositor de música) naqueles anos ainda não havia sido apontada como uma forma especial da atividade criativa do músico. Só no século XIX, com o reinado de um novo instrumento nos palcos de concertos - o piano - e uma paixão pelo virtuosismo do jogo, houve uma paulatina diferenciação de músicos, compositores, intérpretes e professores que ensinam a tocar este instrumento.

O conteúdo também mudou muito. trabalhos científicos na arte musical. Em vários estudos, livros didáticos e trabalhos sobre métodos de ensino, todas as questões relacionadas à criatividade musical, performance e pedagogia deixaram de ser consideradas. O tema de cada trabalho era apenas uma área separada da musicologia. Os autores de livros sobre arte para piano estavam interessados principalmente nas questões de domínio da técnica do piano, e a maioria das obras e manuais metódicos era dedicada a esses tópicos. Assim, por muitos anos, os trabalhos teóricos sobre execução pianística foram reduzidos aos problemas de estabelecer técnicas racionais de execução que possibilitassem a obtenção de uma técnica virtuosa. Só no final do século XIX e no século XX é que músicos destacados se voltaram para as questões artísticas das artes do espectáculo, que determinaram as tarefas de interpretação, compreendendo o estilo e o conteúdo das obras musicais. Essas tarefas também estavam relacionadas com questões sobre a técnica de tocar piano. O objetivo mais importante do professor era educar um músico cuja arte performática não é uma demonstração de habilidade técnica, mas a capacidade de transmitir o significado mais íntimo de uma obra de arte em formas vivas e figurativas de expressão.

Reconhecer o único melhor pianista moderno do mundo é uma tarefa impossível. Para cada crítico e ouvinte, vários mestres serão ídolos. E esta é a força da humanidade: o mundo contém um número considerável de pianistas dignos e talentosos.

Agrerich Marta Archerich

O pianista nasceu na cidade argentina de Buenos Aires em 1941. Começou a tocar o instrumento aos três anos de idade, e aos oito fez sua estreia pública, onde executou um concerto do próprio Mozart.

A futura estrela virtuosa estudou com professores como Friedrich Gould, Arturo Ashkenazy e Stefan Michelangeli - um dos pianistas clássicos mais destacados do século XX.

Desde 1957, Argerich começou a participar de atividades competitivas e conquistou o primeiro grandes vitórias: 1º lugar no Concurso de Piano de Genebra e no Concurso Internacional Busoni.

No entanto, o verdadeiro sucesso impressionante chegou a Marta no momento em que, aos 24 anos, ela conseguiu vencer o concurso internacional Chopin na cidade de Varsóvia.

Em 2005, ela ganhou o maior prêmio Grammy por sua performance de obras de câmara dos compositores Prokofiev e Ravel, e em 2006 por sua performance da obra de Beethoven com a orquestra.

Também em 2005, o pianista recebeu o Prêmio Imperial Japonês.

Seu jogo ardente e incríveis dados técnicos, com os quais ela executa com maestria as obras dos compositores russos Rachmaninov e Prokofiev, não podem deixar ninguém indiferente.

Um dos pianistas contemporâneos mais famosos da Rússia é o músico Evgeniy Igorevich Kisin.

Ele nasceu em 10 de outubro de 1971 em Moscou, aos seis anos ingressou na Escola de Música Gnessin. Kantor Anna Pavlovna se tornou sua primeira e única professora vitalícia.

Desde 1985, Kissin começou a demonstrar seu talento no exterior. Em 1987 ele faz sua estreia na Europa Ocidental.

Após 3 anos, conquista os Estados Unidos, onde executa o 1º e 2º concertos de Chopin com a Orquestra Filarmônica de Nova York, e uma semana depois se apresenta em formato solo.

Outro dos mais destacados pianistas virtuosos russos contemporâneos é o famoso Denis Matsuev.

Denis nasceu na cidade de Irkutsk em 1975 em uma família de músicos. Os pais desde tenra idade ensinaram a criança à arte. A primeira professora do menino foi sua avó Vera Rammul.

Em 1993, Matsuev ingressou no Conservatório Estadual de Moscou e, dois anos depois, tornou-se o principal solista da Filarmônica Estadual de Moscou.

Ele ganhou fama mundial depois de vencer o Concurso Internacional Tchaikovsky em 1998, quando tinha apenas 23 anos.

Ele prefere combinar sua abordagem inovadora para tocar com as tradições da escola de piano russa.

Desde 2004, realiza uma série de concertos denominada "Solista Denis Matsuev", convidando orquestras de renome nacionais e estrangeiras a colaborar com ele.

Christian Zimmerman

Christian Zimmerman (nascido em 1956) é um célebre pianista contemporâneo de origem polonesa. Além de instrumentista, é também maestro.

Suas primeiras aulas de música foram ministradas por seu pai, um pianista amador. Em seguida, Christian continuou seus estudos com o professor Andrzej Jasinski em formato particular e depois mudou-se para o Conservatório de Katowice.

Começou a dar os seus primeiros concertos aos 6 anos e em 1975 venceu o Concurso de Piano Chopin, tornando-se assim o mais jovem vencedor da história. No ano seguinte, ele aprimorou suas habilidades de piano com o famoso pianista polonês Artur Rubinstein.

Christian Zimmermann é considerado um genial intérprete da obra de Chopin. Sua discografia inclui gravações de todos os concertos para piano de Ravel, Beethoven, Brahms e, claro, seu principal ídolo - Chopin, além de gravações sonoras de composições de Liszt, Strauss e Respiha.

Desde 1996 leciona na Basel Academy of Music. Recebeu os prêmios da Academia Kiji e Leonie Sonning.

Em 1999 criou a Orquestra do Festival Polaco.

Wang Yujia é um representante chinês da arte do piano. Ela ganhou fama graças ao seu jogo virtuoso e incrivelmente rápido, pelo qual recebeu o pseudônimo - "Flying Fingers".

A cidade natal da pianista moderna chinesa é a cidade de Pequim, onde ela passou a infância em uma família de músicos. Aos 6 anos iniciou seus testes no teclado, e um ano depois ingressou no Conservatório Central da capital. Aos 11 anos, ela se matriculou para estudar no Canadá e, após 3 anos, finalmente se mudou para um país estrangeiro para continuar seus estudos.

Em 1998, ela recebeu o prêmio do Concurso Internacional para Jovens Pianistas na cidade de Ettlingen e, em 2001, além do prêmio acima descrito, o júri concedeu a Van um prêmio para pianistas menores de 20 anos no valor de 500.000 ienes. (300.000 em rublos).

A pianista também interpreta com sucesso compositores russos: tem o Segundo e Terceiro Concertos de Rachmaninoff, além do Segundo Concerto de Prokofiev.

Fazil Say é um pianista e compositor contemporâneo turco nascido em 1970. Ele estudou no Conservatório de Ancara e depois nas cidades da Alemanha - Berlim e Düsseldorf.

Vale destacar, além das atividades pianísticas, suas qualidades de compositor: em 1987, a composição do pianista "Black Hymns" foi executada em homenagem aos 750 anos da cidade.

Em 2006, teve lugar em Viena a estreia do seu balé "Patara", escrito a partir do tema de Mozart, mas já uma sonata para piano.

Dois compositores ocupam um lugar importante no repertório para piano de Say: os titãs musicais Bach e Mozart. Nos concertos, alterna composições clássicas com as suas.

Em 2000, fez uma experiência inusitada, arriscando-se a gravar o balé "A Sagração da Primavera" para dois pianos, executando as duas partes com a própria mão.

Em 2013, ele foi processado criminalmente por declarações em uma rede social relacionadas ao tema do Islã. O tribunal de Istambul concluiu que as palavras do músico eram dirigidas contra a fé muçulmana e sentenciou Fazil Say a 10 anos de liberdade condicional.

No mesmo ano, o compositor entrou com um pedido de novo julgamento, cujo veredicto foi novamente confirmado em setembro.

Outro

Simplesmente não é possível falar sobre todos os pianistas modernos em um artigo. Portanto, listaremos aqueles cujos nomes são significativos hoje no mundo da música clássica:

Daniel Barenboim de Israel;
Yundi Li da China;
Da Russia;
Murray Perahia dos Estados Unidos da América;
Mitsuko Uchida do Japão;
da Rússia e muitos outros mestres.

Todo amante da música clássica pode citar seu favorito.

Alfred Brendel não era uma criança prodígio e seus pais nada tinham a ver com música. Sua carreira começou sem muito barulho e se desenvolveu lentamente. Talvez este seja o segredo de sua longevidade? No início deste ano, Brendel completou 77 anos, mas sua agenda de shows às vezes inclui de 8 a 10 apresentações por mês.

A apresentação solo de Alfred Brendel no Concert Hall do Mariinsky Theatre foi anunciada para 30 de junho. O site oficial do pianista deste concerto não foi encontrado. Mas há uma data para o próximo show em Moscou, que acontecerá no dia 14 de novembro. No entanto, Gergiev se distingue por sua capacidade de resolver problemas insolúveis.

Mozart, Liszt e Rachmaninov - clássicos da arte do piano

A história da música para piano é bastante interessante. Existem várias etapas, cada uma com suas próprias tradições. Freqüentemente, os cânones da época eram definidos por um (raramente vários) que tocava o instrumento com maestria (no início era o cravo e depois o piano).

Pianistas notáveis dos séculos XVIII e XIX

Em cada um destes períodos trabalharam também outros pianistas, muitos dos quais foram simultaneamente compositores de obras musicais e deixaram uma marca indelével na história da música para piano. Estes são dois dos três "clássicos vienenses" Schubert e Beethoven, os alemães Brahms e Schumann, o polonês Chopin e o francês Charles Valentin Alkan.

Johannes Brahms

Durante este período, os pianistas eram principalmente obrigados a improvisar. A profissão de pianista estava intimamente ligada à composição. E mesmo ao executar obras de outras pessoas, sua própria interpretação, uma interpretação livre, foi considerada correta. Hoje, tal desempenho seria considerado de mau gosto, errado e até inepto.

Pianistas notáveis do século 20 e 21

O século 20 é o auge da arte do piano. Este período é extraordinariamente rico em pianistas excepcionalmente talentosos e notáveis.

No início do século 20, Hoffmann e Cortot, Schnabel e Paderewski tornaram-se famosos. E, claro, Rachmaninov, o gênio da Era de Prata, que marcou uma nova era não só na música para piano, mas também na cultura mundial em geral.

A segunda metade do século 20 é a era de pianistas famosos como Svyatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff…

Svyatoslav Richter

Continue sua criatividade musical no início do século 21, como excelentes pianistas como o americano Van Cliburn, que se tornou o primeiro laureado do Concurso Internacional Tchaikovsky em 1958. Vale destacar o músico que venceu o mesmo concurso no ano seguinte - o pianista pop mais popular Vladimir Ashkenazy.

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