As principais correntes e direções da nova era da estética. História da Estética: Estética dos Tempos Modernos

Enviar seu bom trabalho na base de conhecimento é simples. Use o formulário abaixo

Alunos, alunos de pós-graduação, jovens cientistas que usam a base de conhecimento em seus estudos e trabalhos ficarão muito gratos a você.

postado em http://allbest.ru

arte de beleza estética

Introdução

1. A estética como ciência filosófica

2. Idéias estéticas dos povos do Antigo Oriente

3. Pensamento estético antigo

4. Estética da Idade Média

5. Ensinamentos estéticos do Renascimento

6. A estética do novo tempo

7. Idéias estéticas da filosofia clássica alemã

8. Conceitos não clássicos da estética da Europa Ocidental

Introdução

A possibilidade de contato do destino humano com a beleza é uma das oportunidades mais incríveis que podem revelar a verdadeira alegria de se comunicar com o mundo, a grandeza da existência. No entanto, essa chance fornecida por ser muitas vezes permanece não reclamada, perdida. E a vida se torna cinza comum, monótona, pouco atraente. Por que isso está acontecendo?

O comportamento dos seres naturais é predeterminado pela estrutura de seu organismo. Assim, todo animal nasce já dotado de um conjunto de instintos que garantem a adaptabilidade ao meio. O comportamento dos animais é codificado, eles têm o "significado" de suas próprias vidas.

Uma pessoa não tem essa certeza comportamental inata devido ao fato de que cada indivíduo contém a possibilidade de desenvolvimento ilimitado (tanto positivo quanto negativo). Isso explica a variedade inesgotável de tipos de comportamento individual, a imprevisibilidade de cada indivíduo. Como observou Montaigne, há menos semelhanças entre dois representantes da raça humana do que entre dois animais.

Em outras palavras, quando um indivíduo nasce, ele imediatamente se encontra em uma situação incerta para si mesmo. Apesar das inclinações mais ricas, seus genes não dizem como se comportar, pelo que lutar, o que evitar, o que amar neste mundo, o que odiar, como distinguir a verdadeira beleza da falsa, etc. Os genes silenciam sobre o mais importante, adaptando-se a qualquer comportamento. Como uma pessoa administrará suas habilidades? A luz da beleza brilhará em sua mente? Ele será capaz de resistir à pressão do feio, da base?

Foi a força de atração do belo e, ao mesmo tempo, o desejo de uma pessoa de superar a influência destrutiva da base, que se tornou um dos motivos mais importantes para o surgimento de uma ciência especial da beleza.

Para compreender a crescente relevância das questões estéticas, é preciso atentar para linha inteira características do desenvolvimento tecnogênico. A sociedade moderna se depara com a tendência mais perigosa de toda a história da humanidade: a contradição entre o caráter global da decolagem científica e tecnológica e as limitações da consciência humana, que podem levar a uma catástrofe geral.

No início do século 20, uma colossal experiência espiritual, científica e técnica havia sido acumulada. As ideias de humanismo, bondade, justiça e beleza foram amplamente reconhecidas. Todas as formas de mal foram expostas e todo um universo espiritual se formou, cultivando a beleza.

Mas a comunidade mundial não se tornou mais sábia, mais harmoniosa e mais humana. Vice-versa. A civilização do século 20 acabou envolvida nos crimes mais massivos, replicando tipos básicos de existência. Numerosas convulsões sociais feias, manifestações extremas de crueldade sem sentido ao longo do século 20 destruíram a fé no homem, uma imagem otimista da personalidade. Afinal, foi nesse período que milhões de pessoas foram destruídas. Pilares aparentemente inabaláveis ​​​​de valores culturais seculares foram apagados da face da terra.

Uma das tendências mais visíveis do século passado está ligada à exacerbação da visão de mundo trágica. Mesmo em países economicamente estáveis, o número de suicídios está aumentando constantemente, milhões de pessoas sofrem várias formas depressão. A experiência da harmonia pessoal torna-se um estado frágil, instável e bastante raro, ao qual é cada vez mais difícil romper no fluxo do caos humano universal.

Reflexões sobre a aleatoriedade, a incerteza, a natureza caótica da existência humana, o crescimento do ceticismo em relação à busca de diretrizes semânticas confiáveis ​​e a descoberta da verdadeira beleza tornam-se o motivo dominante da cultura.

Por que o movimento do homem no tempo e no espaço é tão trágico? É possível superar os crescentes sintomas perturbadores da vida humana? E, mais importante, em que caminhos se encontra a harmonia sustentável?

A doença mental mais comum é cair fora do mundo da beleza. O fato é que muitas vezes a pessoa busca a felicidade dominando o espaço externo, buscando riqueza, poder, fama, prazeres fisiológicos. E neste caminho ele pode atingir certas alturas. Porém, não conseguem superar a ansiedade persistente, a ansiedade, porque a fé no poder ilimitado do dinheiro, o poder é muito grande e, como resultado, o contato profundo com a base sagrada do ser - a beleza é perdida.

E, nesse sentido, a estética como ciência sobre a beleza, sobre a riqueza inesgotável e o caráter paradoxal de suas manifestações na cultura mundial pode se tornar o fator mais importante na humanização do indivíduo. E assim, a principal tarefa da estética é revelar a fenomenalidade abrangente do belo, fundamentar as formas de harmonizar uma pessoa para enraizá-la no mundo da beleza e da criatividade inescapáveis. Como F.M. Dostoiévski, "a estética é a descoberta de belos momentos na alma humana pela mesma pessoa para o autoaperfeiçoamento".

1. Ea estética como ciência filosófica

A estética é um sistema de conhecimento sobre as propriedades e leis de desenvolvimento mais gerais dos fenômenos belos e feios, sublimes e básicos, trágicos e cômicos da realidade e as características de seu reflexo na mente humana. A estética é uma ciência filosófica, que está ligada à solução da questão principal da filosofia. Na estética, surge como uma questão sobre a relação da consciência estética com a realidade.

O assunto da estética

Foi formado no processo de desenvolvimento secular do pensamento estético, com base na generalização da prática da atitude estética das pessoas em relação aos produtos de sua atividade, às obras de arte, à natureza, ao próprio homem. Muitas das questões que a estética explora hoje ocupam a humanidade há muito tempo; eles foram colocados diante de si mesmos pelos antigos gregos, e antes dos gregos, os pensadores do Egito, Babilônia, Índia e China pensaram sobre eles.

No entanto, o nome da ciência - estética - foi introduzido em circulação apenas em meados do século XVIII pelo filósofo alemão Baumgarten. Antes dele, as questões de estética eram consideradas no âmbito dos conceitos filosóficos gerais como sua parte orgânica. E apenas esse iluminista alemão destacou a estética no quadro da filosofia como uma disciplina independente que ocupa um lugar ao lado de outras disciplinas filosóficas - lógica, ética, epistemologia e assim por diante. Baumgarten derivou o termo "estética" de uma antiga palavra grega que significa "relativo ao sensível". Assim, sua estética é a ciência da percepção sensorial. O assunto da estética e, portanto, o conteúdo desse conceito, tem mudado constantemente desde então. Hoje, os assuntos desta ciência são: em primeiro lugar, a natureza da estética, ou seja, o mais Características gerais, lados inerentes a vários objetos estéticos da realidade; em segundo lugar, a natureza do reflexo desses fenômenos na mente humana, nas necessidades estéticas, percepções, ideias, ideais, pontos de vista e teorias; em terceiro lugar, a natureza da atividade estética das pessoas como um processo de criação de valores estéticos.

A essência e a especificidade da atitude estética para com o mundo

A relação estética é a conexão espiritual do sujeito com o objeto, baseada em um desejo desinteressado por este e acompanhada por um sentimento de profundo prazer espiritual em se comunicar com ele.

Os objetos estéticos surgem no processo da prática sócio-histórica: inicialmente espontaneamente, e depois de acordo com os sentimentos estéticos emergentes, necessidades, ideias, em geral, a consciência estética das pessoas. Guiada por ela, a pessoa forma a "substância" da natureza de acordo com as leis da atividade estética. Como resultado, os objetos que ele criou, por exemplo, ferramentas, aparecem como uma unidade dos aspectos naturais e sociais, uma unidade que, sendo um valor estético, é capaz de satisfazer não apenas as necessidades materiais, utilitárias, mas também as espirituais. de pessoas.

Ao mesmo tempo, o mesmo objeto em um aspecto pode se tornar esteticamente valioso, por exemplo, belo, e em outro - esteticamente anti-valor. Por exemplo, uma pessoa como objeto de atitude estética pode ter uma bela voz e uma aparência feia. Além disso, o mesmo objeto estético pode ser valioso e antivaloroso no mesmo aspecto, mas em momentos diferentes. O fato de um objeto estético ter um significado estético relativo também é evidenciado pela natureza polar das principais categorias estéticas (belo e feio, sublime e vil, trágico e cômico).

Campo problema e base metodológica da estética

Uma das abordagens modernas para considerar o assunto da estética como uma ciência é que o campo problemático da estética não é uma esfera especial de fenômenos, mas o mundo inteiro visto de um certo ângulo, todos os fenômenos tomados à luz da tarefa que este a ciência resolve. As principais questões desta ciência são a natureza da estética e sua diversidade na realidade e na arte, os princípios da atitude estética do homem para com o mundo, a essência e as leis da arte. A estética como ciência expressa o sistema de visões estéticas da sociedade, que deixam sua marca em toda a face da atividade material e espiritual das pessoas.

Em primeiro lugar, trata-se da posição de que os fenômenos estéticos devem ser considerados em sua qualidade final, de forma holística. Afinal, é em uma qualidade final holística que se manifesta a unidade do condicionamento objetivo e subjetivo dos fenômenos estéticos.

A implementação deste princípio metodológico começa com a descoberta das raízes genéticas dos fenômenos estéticos. O ponto de vista genético é o princípio metodológico original da estética. Explica como os fenômenos estéticos (por exemplo, a arte) são determinados pela realidade, bem como pela originalidade da personalidade do autor. O ponto de vista genético é o principal princípio metodológico da estética, graças ao qual a natureza sujeito-objeto dos fenômenos estéticos é levada em consideração.

Estrutura da teoria estética

A relação estética de uma pessoa com a realidade é muito diversa e versátil, mas se manifesta mais claramente na arte. A arte também é objeto das chamadas ciências da história da arte (crítica literária, musicologia, história e teoria das artes plásticas, estudos teatrais, etc.). A história da arte consiste em várias ciências (história e teoria certos tipos artes). O complexo de teorias de tipos individuais de arte e conhecimento teórico relacionado à arte, alguns estetas chamam de teoria geral da arte e a distinguem da estética propriamente dita.

Os ramos da ciência da história da arte desempenham a função de disciplinas científicas auxiliares em relação à estética. No entanto, as disciplinas auxiliares da estética não param por aí. As mesmas disciplinas científicas auxiliares em relação a ela são, por exemplo, a sociologia da arte, a psicologia da arte, epistemologia, semântica e assim por diante. A estética usa as descobertas de muitas disciplinas científicas, sem ser idêntica a elas. Portanto, devido ao seu caráter generalizante, a estética é chamada de ciência filosófica.

A relação específica entre estética e arte se manifesta claramente na crítica de arte. A estética é a base teórica da crítica; ajuda-a a compreender corretamente os problemas da criatividade e a apresentar aspectos coerentes com o significado da arte para a pessoa e para a sociedade. Com base em suas conclusões e princípios, com base em padrões estabelecidos, a estética dá à crítica a oportunidade de criar critérios de avaliação, avaliar a criatividade em termos de requisitos atuais relacionados ao desenvolvimento de aspectos sociais e de valor.

2. Idéias estéticas dos povos do Antigo Oriente

Tradicionalismo das antigas culturas orientais

A transição do sistema comunal primitivo para a formação escravista levou à formação de uma série de poderosas civilizações do Oriente com alto nível de cultura material e espiritual.

As especificidades do desenvolvimento das antigas culturas orientais incluem uma característica como uma profunda tradicionalismo. Certas idéias e idéias antigas às vezes viveram nas culturas do Oriente por muitos séculos e até milênios. Por muito tempo da existência das antigas culturas do Oriente, o desenvolvimento envolveu nuances individuais de certas idéias, e sua base permaneceu inalterada.

Antigo Egito

Os egípcios alcançaram grande sucesso no campo da astronomia, matemática, engenharia e ciências da construção, medicina, história, geografia. A invenção precoce da escrita contribuiu para o surgimento de exemplos originais de literatura egípcia antiga altamente artística. O desenvolvimento da arte e seu lugar de honra na cultura egípcia criaram a base para o surgimento dos primeiros julgamentos estéticos registrados em fontes escritas. Estes últimos testemunham que os antigos egípcios tinham um senso de beleza altamente desenvolvido, beleza (nefer). Palavra "nefer" entrou no título oficial dos faraós.

O Egito Antigo é considerado o berço da religião da luz e da estética da luz. A luz do sol divinizada era reverenciada como o bem maior e a beleza suprema entre os antigos egípcios. A luz e a beleza foram identificadas na cultura egípcia desde os tempos antigos. A essência da beleza divina foi muitas vezes reduzida ao esplendor.

Outro aspecto da beleza, inerente a quase todas as antigas culturas orientais, é a alta valorização estética dos metais preciosos. Ouro, prata, eletr, lápis-lazúli no entendimento dos egípcios eram os mais belos materiais. Com base nas idéias dos antigos egípcios sobre a beleza e o belo, a cor foi formada. cânone egípcios. Incluía cores simples: branco, vermelho, verde. Mas os egípcios apreciavam especialmente as cores de ouro e lápis-lazúli. "Ouro" costumava ser sinônimo de "bonito".

O pensamento artístico dos egípcios desde os tempos antigos, como resultado de uma longa prática, desenvolveu um sistema desenvolvido de cânones: o cânone de proporções, o cânone de cores, o cânone iconográfico. Aqui o cânone se tornou o princípio estético mais importante que determina a atividade criativa do artista. O cânone desempenhou um papel importante na obra dos antigos mestres egípcios e direcionou sua energia criativa. O efeito artístico na arte canônica foi alcançado devido à ligeira variação de formas dentro do esquema canônico.

Os egípcios valorizavam a matemática e aplicavam suas leis a quase todas as áreas de sua atividade. Para as artes plásticas, eles desenvolveram um sistema de proporção harmônica de imagens. O módulo deste sistema era uma expressão numérica "Seção Dourada"-- o número 1.618... Como as proporções eram de natureza universal, espalhando-se por muitas áreas da ciência, filosofia e arte, e eram percebidas pelos próprios egípcios como um reflexo da estrutura harmoniosa do universo, elas eram consideradas sagradas .

China antiga

O pensamento estético chinês foi claramente identificado pela primeira vez entre os filósofos dos séculos 6 a 3 aC. e. Conceitos e termos estéticos, bem como as principais disposições da teoria estética, foram desenvolvidos em China antiga com base na compreensão filosófica das leis da natureza e da sociedade.

Entre tantas escolas e direções, um lugar especial coube a taoísmo E confucionismo . Esses dois ensinamentos desempenharam um papel de liderança nos tempos antigos e tiveram uma influência decisiva em todo o desenvolvimento posterior. cultura chinesa. Tanto o taoísmo quanto o confucionismo estavam preocupados com a busca de um ideal social, mas a direção de sua busca era completamente diferente. A parte central do taoísmo era a doutrina do mundo. Tudo o mais - a doutrina da sociedade e do estado, a teoria do conhecimento, a teoria da arte (em sua forma antiga) - procedeu da doutrina do mundo. No centro da filosofia confucionista estava uma pessoa em suas relações públicas, uma pessoa como base de calma e ordem inabaláveis, um membro ideal da sociedade. Em outras palavras, no confucionismo, estamos sempre lidando com um ideal ético e estético, enquanto para o taoísmo não há nada mais belo do que o cosmos e a natureza, e a sociedade e o homem são tão belos quanto podem ser como a beleza do mundo objetivo. . As visões estéticas de Confúcio e seus seguidores desenvolveram-se de acordo com sua teoria sócio-política. O próprio termo "bonito" (Poderia) em Confúcio, é sinônimo de “bom”, ou simplesmente significa beleza exterior. Em geral, o ideal estético de Confúcio é uma unidade sintética do belo, do bom e do útil.

3. Pensamento estético antigo

A estética antiga é um pensamento estético que se desenvolveu na Grécia e Roma antigas do século VI aC ao século VI dC. Tendo como fonte as ideias mitológicas, a estética antiga nasce, floresce e decai no quadro da formação escravista, sendo uma das expressões mais marcantes da cultura da época.

Na história da estética antiga, distinguem-se os seguintes períodos: 1) primeiros clássicos ou estética cosmológica (séculos VI-V aC); 2) clássicos médios ou estética antropológica (século V aC); 3) clássicos altos (maduros) ou estética eidológica (séculos V-IV aC); 4) helenismo primitivo (séculos IV-I aC); 5) helenismo tardio (séculos I-VI dC).

Cosmologismo como base da estética antiga

Para idéias estéticas, bem como para toda a visão de mundo da antiguidade, um cosmologismo enfatizado é característico. O cosmos, do ponto de vista dos antigos, embora limitado espacialmente, mas distinguido pela harmonia, proporção e regularidade do movimento nele, agia como a personificação da beleza. A arte no período inicial do pensamento antigo ainda não estava separada do artesanato e não agia como um objeto estético de ponta a ponta. Para os gregos antigos, a arte era uma atividade produtiva e técnica. Daí a unidade indissolúvel da atitude prática e puramente estética em relação aos objetos e fenômenos. Não é à toa que a própria palavra que os gregos expressam o conceito de arte, “techne”, tem a mesma raiz de “tikto” - “eu dou à luz”, de modo que “arte” está em grego “geração” ou material criação por uma coisa de si mesma, mas coisas novas.

estética pré-clássica

Em sua forma mais pura e direta, a estética antiga, incorporada na mitologia, formou-se no estágio da formação comunal primitiva. O final do II e os primeiros séculos do I milênio aC. e. foram na Grécia um período de criatividade épica. Épico grego, que é registrado em poemas Homero A Ilíada e a Odisséia atuam apenas como a fonte da qual a estética antiga começou.

Para Homero, a beleza era uma divindade e os principais artistas eram os deuses. Os deuses não eram apenas os princípios cósmicos subjacentes ao cosmo como uma obra de arte, mas também o eram para a criatividade humana. Apolo e as Musas inspiraram cantores, e na obra do cantor homérico papel de liderança não era o próprio cantor que tocava, mas os deuses, sobretudo Apolo e as Musas.

A beleza foi concebida por Homer na forma da matéria mais fina, transparente e luminosa, na forma de algum tipo de fluxo vivo e fluido. A beleza atuou como uma espécie de brilho leve e arejado, que pode envolver, vestir objetos. Dotação, envolvimento com beleza é externo. Mas havia também um dom interior. É sobretudo a inspiração dos cantores homéricos e do próprio Homero.

Ensinamentos estéticos especiais da antiguidade

Havia várias dessas doutrinas, sobre os problemas dos quais muitos autores antigos tentaram se expressar.

Kalokagatiya ("Kalos" - belo, "agatos" - bom, moralmente perfeito) - um dos conceitos da estética antiga, denotando a harmonia do externo e do interno, condição para a beleza do indivíduo. O termo "kalokagatia" foi interpretado de forma diferente em diferentes períodos do desenvolvimento sócio-histórico da sociedade antiga, dependendo dos tipos de pensamento. Os pitagóricos o entendiam como o comportamento externo de uma pessoa, determinado por qualidades internas. O antigo entendimento aristocrático de “kalokagatia” é inerente a Heródoto, que o considerou em conexão com as tradições sacerdotais, Platão, que o associou a proezas militares, qualidades “naturais” ou a características genéricas. Com o desenvolvimento da antiga economia individual, o termo “kalokagatia” passou a ser usado para denotar proprietários práticos e diligentes, e na esfera da vida política foi aplicado (como substantivo) a democratas moderados. No final do século V aC. e. com o advento do sofisma, o termo "kalokagatiya" começou a ser usado para caracterizar o aprendizado e a educação. Platão e Aristóteles entenderam kalokagatiya filosoficamente - como a harmonia do interno e externo, e por interno eles entenderam a sabedoria, cuja implementação na vida levou uma pessoa a kalokagatiya. Com o desenvolvimento do individualismo e do psicologismo na era do helenismo, a kalokagatiya passou a ser interpretada não como uma qualidade natural, mas como resultado de exercícios e treinamentos morais, que levaram ao seu entendimento moralista.

Catarse (purificação) - termo que servia para designar um dos momentos essenciais do impacto estético da arte sobre uma pessoa. Os pitagóricos desenvolveram a teoria de limpar a alma das paixões nocivas, expondo-a a uma música especialmente selecionada. Platão não associava a catarse às artes, entendendo-a como a purificação da alma das aspirações sensuais, de tudo o que é corporal, obscurecendo e distorcendo a beleza das ideias. Na verdade, a compreensão estética da catarse foi dada por Aristóteles, que escreveu que sob a influência da música e dos cantos, a psique dos ouvintes é excitada, fortes afetos (pena, medo, entusiasmo) surgem nela, como resultado do qual o os ouvintes “recebem uma espécie de purificação e alívio associados ao prazer…” . Ele também apontou para o efeito catártico da tragédia, definindo-a como um tipo especial de "imitação por meio da ação, não da história, que, por meio da compaixão e do medo, purifica tais afetos".

mimese (imitação, reprodução) - na estética antiga, o princípio básico da atividade criativa do artista. Partindo do fato de que todas as artes são baseadas na mimese, os pensadores da antiguidade interpretaram a própria essência desse conceito de maneiras diferentes. Os pitagóricos acreditavam que a música imita a "harmonia das esferas celestes", Demócrito estava convencido de que a arte em seu sentido mais amplo (como uma atividade criativa humana produtiva) vem da imitação do homem pelos animais (tecelagem - da imitação de uma aranha, casa -construção - uma andorinha, canto - pássaros, etc.). Platão acreditava que a imitação é a base de toda criatividade. A verdadeira teoria estética da mimese pertence a Aristóteles. Inclui tanto uma reflexão adequada da realidade (a representação das coisas como “elas eram e são”), quanto a atividade da imaginação criativa (sua representação como “elas são faladas e pensadas”) e a idealização da realidade (suas representação como tal, “o que deveriam ser). A finalidade da mimese na arte, segundo Aristóteles, é a aquisição de conhecimento e a excitação de um sentimento de prazer pela reprodução, contemplação e cognição de um objeto.

4. Estética da Idade Média

Princípios básicos

A estética medieval é um termo usado em dois sentidos, amplo e restrito. No sentido amplo da palavra, a estética medieval é a estética de todas as regiões medievais, incluindo a estética da Europa Ocidental, a estética bizantina, a estética russa antiga e outras. Em sentido estrito, a estética medieval é a estética da Europa Ocidental nos séculos V-XIV. Neste último, distinguem-se dois períodos cronológicos principais - medieval precoce (séculos V-X) e medieval tardio (séculos XI-XIV), bem como duas áreas principais - filosófica e teológica e história da arte. O primeiro período da estética medieval é caracterizado por uma postura protetora em relação ao patrimônio antigo. No final do período medieval, surgiram tratados estéticos especiais como parte de grandes códigos filosóficos e religiosos (as chamadas "somas"), o interesse teórico em problemas estéticos, o que é especialmente característico dos pensadores dos séculos XII - XIII.

O grande período cronológico da Idade Média no Ocidente se correlaciona com a formação socioeconômica do feudalismo. A estrutura hierárquica da sociedade se reflete na cosmovisão medieval na forma da ideia da chamada hierarquia celestial, que encontra sua conclusão em Deus. Por sua vez, a natureza acaba por ser uma manifestação visível do princípio supra-sensível (Deus). Idéias sobre hierarquia são simbólicas. Fenômenos visíveis e sensuais separados são percebidos apenas como símbolos do "Deus invisível e inexprimível". O mundo foi pensado como um sistema hierarquia de personagens.

estética bizantina

Em 324-330, o imperador Constantino fundou a nova capital do Império Romano no local de uma pequena cidade antiga de Bizâncio - Constantinopla. Um pouco mais tarde, o Império Romano se dividiu em duas partes - ocidental e oriental. Constantinopla tornou-se a capital deste último. Desde aquela época, costuma-se considerar a história da cultura bizantina, que existiu no âmbito de um único estado até 1453.

estética bizantina, tendo absorvido e retrabalhado à sua maneira muitos ideias estéticas antiguidade, colocou e tentou resolver uma série de problemas novos e significativos para a história da estética. Entre eles, deve-se apontar o desenvolvimento de categorias como imagem, símbolo, cânone, novas modificações do belo, o surgimento de uma série de questões relacionadas à análise específica da arte, em particular a análise da percepção da arte e a interpretação de obras de arte, bem como a mudança de ênfase para o lado psicológico das categorias estéticas. Os problemas significativos dessa estética incluem colocar a questão do papel da arte no sistema filosófico e religioso geral de compreensão do mundo, seu papel epistemológico e alguns outros problemas.

"Beleza absoluta" é o objetivo das aspirações espirituais dos bizantinos. Um dos caminhos para esse objetivo que eles viram no “belo” mundo material, pois nele e por ele se conhece o "culpado" de tudo. No entanto, a atitude dos bizantinos em relação à "beleza terrena" é ambivalente e nem sempre definitiva.

Por um lado, os pensadores bizantinos tinham uma atitude negativa em relação à beleza sensual, como o agente causador de pensamentos pecaminosos e luxúria carnal. Por outro lado, eles valorizavam muito o belo no mundo material e na arte, porque em sua compreensão funcionava como uma “exibição” e uma manifestação da beleza divina absoluta no nível do ser empírico.

Os pensadores bizantinos também conheciam a categoria polar do belo - o feio e tentaram defini-lo. Falta de beleza, ordem, mistura desproporcional de objetos diferentes - todos esses são indicadores do feio, "porque feiúra é inferioridade, falta de forma e violação da ordem".

Para os pensadores bizantinos, "belo" (na natureza e na arte) não tinha valor objetivo. Apenas a divina "beleza absoluta" a possuía. O belo era significativo para eles a cada vez apenas em seu contato direto com um sujeito específico da percepção. Em primeiro lugar na imagem estava sua função psicológica - organizar de uma certa maneira Estado interno pessoa. "Belo" era apenas um meio de formar uma ilusão mental de compreender o super-belo, "beleza absoluta".

Junto com beleza e beleza, a estética bizantina apresenta outra categoria estética, às vezes coincidindo com elas, mas geralmente com um significado independente - a luz. Assumindo uma estreita relação entre Deus e a luz, os bizantinos a enunciam na relação "luz - beleza".

início da idade média

A estética medieval da Europa Ocidental foi muito influenciada pelo pensador cristão Aurélio Agostinho . Agostinho identificou a beleza com a forma, a ausência de forma com a feiúra. Ele acreditava que absolutamente feio não existe, mas existem objetos que, em comparação com outros mais perfeitamente organizados e simétricos, carecem de forma. O feio é apenas uma imperfeição relativa, o mais baixo grau de beleza.

Agostinho ensinava que uma parte que é bela como parte do todo, arrancando-se dele, perde sua beleza, ao contrário, o feio torna-se belo em si mesmo, entrando no belo todo. Aqueles que consideravam o mundo imperfeito, Agostinho comparou a pessoas que olham para um cubo de mosaico, em vez de contemplar toda a composição e apreciar a beleza das pedras conectadas em um único todo. Apenas uma alma pura pode compreender a beleza do universo. Essa beleza é um reflexo da "beleza divina". Deus é a beleza suprema, o arquétipo da beleza material e espiritual. A ordem que reina no universo é criada por Deus. Essa ordem se manifesta em medida, unidade e harmonia, pois Deus "dispôs tudo por medida, número e peso".

Por quase um milênio, as obras de Agostinho foram um dos principais condutores do antigo platonismo e neoplatonismo na estética medieval da Europa Ocidental, lançaram as bases da estética religiosa medieval, compreenderam as formas de usar a arte a serviço da igreja.

final da idade média

As chamadas “Somas” tornam-se um exemplo de filosofar escolástico no século XIII, onde a apresentação é feita na seguinte ordem: enunciado do problema, apresentação de várias opiniões, solução do autor, provas lógicas, refutação de objeções possíveis e válidas. De acordo com este princípio, a “Soma da Teologia” também é construída. Tomás de Aquino , algumas partes das quais são dedicadas à estética.

Aquino definiu beleza como aquilo que dá prazer por sua aparência. A beleza requer três condições:

1) integridade ou perfeição,

2) devida proporção ou consonância

3) clareza, devido à qual os objetos que possuem uma cor brilhante são chamados de belos. A clareza existe na própria natureza da beleza. Ao mesmo tempo, “clareza” não significa tanto brilho físico quanto clareza de percepção e, portanto, se aproxima da clareza da mente.

Beleza e bem não se distinguem realmente, pois Deus, a seu ver, é beleza absoluta e bem absoluto, mas apenas em conceito. Uma bênção é algo que satisfaz um desejo ou necessidade. Portanto, está ligado ao conceito de meta, pois o desejo é uma espécie de movimento em direção a um objeto.

A beleza exige algo mais. É um bem tão bom, cuja própria percepção dá satisfação. Ou, em outras palavras, o desejo encontra satisfação na própria contemplação ou compreensão de uma coisa bela. O prazer estético está intimamente relacionado com a cognição. É por isso que, em primeiro lugar, aquelas sensações mais cognitivas, nomeadamente visuais e auditivas, estão relacionadas com a percepção estética. A visão e a audição estão intimamente ligadas à mente e, portanto, são capazes de perceber a beleza.

“Luz” era uma categoria importante de toda a estética medieval. O simbolismo da luz foi desenvolvido ativamente. A "Metafísica da Luz" foi a base sobre a qual repousava a doutrina da beleza na Idade Média. Claritas nos tratados medievais significa luz, radiância, clareza e está incluída em quase todas as definições de beleza. Beleza para Agostinho é o esplendor da verdade. Para Tomás de Aquino, a luz do belo significa "o esplendor da forma de uma coisa, seja uma obra de arte ou natureza... ordem."

A atenção dos pensadores medievais ao mundo interior do homem se manifesta de maneira especialmente clara e plena no desenvolvimento dos problemas da estética musical. Ao mesmo tempo, é importante que os próprios problemas da estética musical sejam uma espécie de modelo “removido” de conceitos universais de significado filosófico geral.

Os pensadores medievais trataram muito da percepção do belo e da arte, expressando uma série de juízos interessantes para a história da estética.

5. Ensinamentos estéticos do Renascimento

A natureza transitória da época, sua orientação humanista e inovações ideológicas

No Renascimento, destacam-se: Proto-Renascimento (ducento e trecento, séculos XII-13 - séculos XIII-XIV), Pré-Renascimento (quattrocento, séculos XIV-XV), Alto Renascimento (cinquecento, séculos XV-XVI).

A estética do Renascimento está associada à grandiosa revolução que está ocorrendo em todas as áreas da vida pública: na economia, na ideologia, na cultura, na ciência e na filosofia. Nessa época, o florescimento da cultura urbana, as grandes descobertas geográficas, que expandiram imensamente os horizontes do homem, a transição do artesanato para a manufatura.

O desenvolvimento das forças produtivas, a desintegração das relações feudais de classe que travavam a produção, conduzem à libertação do indivíduo, criam as condições para o seu desenvolvimento livre e universal.

Condições favoráveis ​​para o desenvolvimento integral e universal do indivíduo são criadas não apenas devido à desintegração do modo de produção feudal, mas também devido ao desenvolvimento insuficiente do capitalismo, que ainda estava no início de sua formação. Este caráter dual e transitório da cultura do Renascimento em relação aos modos de produção feudal e capitalista deve ser levado em conta ao se considerar as ideias estéticas desta época. O Renascimento não é um estado, mas um processo e, além disso, um processo de natureza transitória. Tudo isso se reflete na natureza da cosmovisão.

No Renascimento, há um processo de ruptura radical com o sistema medieval de visão de mundo e a formação de uma nova ideologia humanística. Em sentido amplo, o humanismo é um sistema de visão que muda historicamente e que reconhece o valor da pessoa como pessoa, seu direito à liberdade, à felicidade, ao desenvolvimento e à manifestação de suas habilidades, considerando o bem da pessoa como critério de avaliação social instituições, e os princípios de igualdade, justiça, humanidade como uma norma desejada de relações entre as pessoas. Em sentido estrito, é um movimento cultural do Renascimento. Todas as formas de humanismo italiano referem-se não tanto à história da estética renascentista quanto à atmosfera sócio-política da estética.

Princípios básicos da estética renascentista

Em primeiro lugar, a novidade desta época é a promoção da primazia da beleza e, além disso, da beleza sensual. Deus criou o mundo, mas como é belo este mundo, quanta beleza há na vida humana e no corpo humano, na expressão viva do rosto humano e na harmonia do corpo humano!

A princípio, o artista, por assim dizer, também faz a obra de Deus e de acordo com a vontade do próprio Deus. Mas, além do fato de que o artista deve ser obediente e humilde, ele deve ser educado e educado, ele deve entender muito em todas as ciências, inclusive na filosofia. O primeiro professor do artista deveria ser a matemática, voltada para a medição cuidadosa do corpo humano nu. Se a antiguidade dividiu a figura humana em seis ou sete partes, Alberti, para obter precisão na pintura e na escultura, dividiu-a em 600 e Dürer posteriormente em 1800 partes.

O pintor de ícones medievais tinha pouco interesse nas proporções reais do corpo humano, pois para ele era apenas um portador do espírito. Para ele, a harmonia do corpo consistia em um contorno ascético, em um reflexo planar do mundo supercorpóreo sobre ele. Mas para o revivalista Giorgione, “Vênus” é um corpo nu feminino completo, que, embora seja uma criação de Deus, de alguma forma você já se esquece de Deus, olhando para ele. Em primeiro plano aqui está o conhecimento da anatomia real. Portanto, o artista renascentista não é apenas um especialista em todas as ciências, mas principalmente em matemática e anatomia.

A teoria renascentista, como a antiga, prega a imitação da natureza. No entanto, em primeiro plano aqui não está tanto a natureza quanto o artista. Em sua obra, o artista quer revelar a beleza que está nos recônditos da própria natureza. Portanto, o artista acredita que a arte é ainda mais elevada que a natureza. Os teóricos da estética renascentista, por exemplo, fazem uma comparação: um artista deve criar do jeito que Deus criou o mundo, e ainda mais perfeito que isso. Agora eles não apenas dizem sobre o artista que ele deve ser um especialista em todas as ciências, mas também destacam sua obra, na qual tentam até encontrar um critério de beleza.

O pensamento estético do Renascimento confiou pela primeira vez na visão humana como tal, sem cosmologia antiga e sem teologia medieval. No Renascimento, uma pessoa pela primeira vez começou a pensar que a imagem real e subjetivamente visível do mundo é sua imagem real, que isso não é ficção, não é uma ilusão, não é um erro de visão e não é empirismo especulativo, mas o que vemos com nossos próprios olhos - isso é o que realmente é.

E, acima de tudo, vemos realmente como, à medida que o objeto que vemos se afasta de nós, ele assume formas completamente diferentes e, em particular, diminui de tamanho. Duas linhas que parecem completamente paralelas perto de nós, à medida que se afastam de nós, aproximam-se cada vez mais e, no horizonte, ou seja, a uma distância suficientemente grande de nós, simplesmente se aproximam até se fundirem completamente em um ponto único. Do ponto de vista do senso comum, parece que isso é absurdo. Se as linhas são paralelas aqui, elas são paralelas em todos os lugares. Mas aqui está uma confiança tão grande da estética renascentista na realidade dessa fusão de linhas paralelas a uma distância suficientemente distante de nós que toda uma ciência surgiu mais tarde desse tipo de sensações humanas reais - a geometria da perspectiva.

estética básica ensinamentos filosóficos e teoria da arte

No humanismo primitivo, sentiu-se especialmente fortemente a influência do epicurismo, que serviu como uma forma de polêmica contra o ascetismo medieval e um meio de reabilitar a beleza corporal sensual, que os pensadores medievais questionavam.

O Renascimento interpretou a filosofia epicurista à sua maneira, o que pode ser visto na obra do escritor Valla e seu tratado Sobre o Prazer. O sermão do prazer de Valla tem um significado contemplativo e autossuficiente. Em seu tratado, Valla ensina apenas sobre tal prazer ou prazer, que não é sobrecarregado por nada, não ameaça nada de mal, que é desinteressado e despreocupado, que é profundamente humano e ao mesmo tempo divino.

O neoplatonismo renascentista representa um tipo completamente novo de neoplatonismo, que se opôs à escolástica medieval e ao aristotelismo "escolástico". As primeiras etapas do desenvolvimento da estética neoplatônica foram associadas ao nome de Nicolau de Cusa.

Kuzansky desenvolve seu conceito de belo no tratado Sobre a beleza. Com ele, a beleza não aparece simplesmente como uma sombra ou uma marca tênue do protótipo divino, como era característico da estética da Idade Média. Em cada forma do real, do sensual, transparece uma infinita beleza única, adequada a todas as suas manifestações particulares. Kuzansky rejeita qualquer ideia de níveis hierárquicos de beleza, de beleza superior e inferior, absoluta e relativa, sensual e divina. Todos os tipos e formas de beleza são absolutamente iguais. A beleza em Kuzansky é uma propriedade universal do ser. Kuzansky estetiza todo ser, qualquer, incluindo a realidade prosaica e cotidiana. Em tudo que tem forma, há beleza. Portanto, o feio não está contido no próprio ser, ele surge apenas de quem percebe esse ser. "Desgraça - de quem aceita ...", - afirma o pensador. Portanto, o ser não contém a feiúra. No mundo só existe beleza como propriedade universal da natureza e do ser em geral.

Segundo período principal no desenvolvimento do pensamento estético do neoplatonismo renascentista foi a Academia Platônica de Florença, dirigida por Ficino . Todo amor, segundo Ficino, é um desejo. A beleza nada mais é do que "desejo de beleza" ou "desejo de desfrutar da beleza". Há beleza divina, beleza espiritual e beleza corporal. A beleza divina é uma espécie de raio que penetra na mente angélica ou cósmica, depois na alma cósmica ou na alma do mundo inteiro, depois no reino sublunar ou terrestre da natureza e, finalmente, no reino sem forma e sem vida da matéria.

Na estética de Ficino, a categoria do feio recebe uma nova interpretação. Se Nicolau de Cusa não tem lugar para a feiúra no próprio mundo, então na estética dos neoplatônicos a feiúra já é independente. valor estético. Está ligada à resistência da matéria, que se opõe à atividade espiritualizadora do ideal, da beleza divina. De acordo com isso, o conceito de criatividade artística também está mudando. O artista não deve apenas esconder as deficiências da natureza, mas também corrigi-las, como se estivesse recriando a natureza.

Uma enorme contribuição para o desenvolvimento do pensamento estético do Renascimento foi feita por um artista, arquiteto, cientista, teórico da arte e filósofo italiano. Alberti . No centro da estética de Alberti está a doutrina da beleza. A beleza, em sua opinião, está na harmonia. Existem três elementos que compõem a beleza, especificamente a beleza de uma estrutura arquitetônica. Estes são número, restrição e posicionamento. Mas a beleza não é uma simples soma aritmética deles. Sem harmonia, a harmonia superior das partes se desfaz.

É característico como Alberti interpreta o conceito de "feio". A beleza é uma obra de arte absoluta para ele. O feio age apenas como um certo tipo de erro. Daí a exigência de que a arte não corrija, mas esconda objetos feios e feios.

grande artista italiano da Vinci em sua vida, trabalho científico e artístico, ele incorporou o ideal humanístico de uma “personalidade amplamente desenvolvida”. A gama de seus interesses práticos e teóricos era verdadeiramente universal. Incluía pintura, escultura, arquitetura, pirotecnia, engenharia militar e civil, matemática e ciências, medicina e música.

Assim como Alberti, ele vê na pintura não apenas "a transferência das criações visíveis da natureza", mas também "ficção espirituosa". Ao mesmo tempo, ele lança um olhar fundamentalmente diferente sobre o propósito e a essência das artes plásticas, principalmente da pintura. A questão principal de sua teoria, cuja resolução predeterminou todas as demais premissas teóricas de Leonardo, era a definição da essência da pintura como forma de conhecer o mundo. "A pintura é uma ciência e filha legítima da natureza" e "deve ser colocada acima de qualquer outra atividade, pois contém todas as formas, existentes e não existentes na natureza".

A pintura é apresentada por Leonardo como aquele método universal de conhecer a realidade, que abrange todos os objetos do mundo real, além disso, a arte da pintura cria imagens visíveis compreensíveis e acessíveis ao entendimento de todos sem exceção. Neste caso, é a personalidade do artista, enriquecida com profundo conhecimento das leis do universo, que será o espelho no qual o mundo real se reflete, refratando pelo prisma da individualidade criativa.

A estética pessoal-material do Renascimento, expressa com muita clareza na obra de Leonardo, atinge suas formas mais intensas em Michelangelo . Revelando o fracasso do programa de renascimento estético que colocava o indivíduo no centro de todo o mundo, as figuras do Alto Renascimento jeitos diferentes expressam essa perda do suporte principal em seu trabalho. Se em Leonardo as figuras por ele retratadas estão prontas para se dissolver em seu ambiente, se estão, por assim dizer, envoltas em algum tipo de névoa de luz, então Michelangelo é caracterizado por uma característica completamente oposta. Cada figura em suas composições é algo fechado em si mesma, então as figuras às vezes são tão não relacionadas entre si que a integridade da composição é destruída.

Levado até o fim de sua vida por uma onda cada vez maior de religiosidade exaltada, Michelangelo chega à negação de tudo o que ele cultuava em sua juventude e, acima de tudo, à negação de um corpo nu em flor, expressando poder sobre-humano e energia. Ele deixa de servir aos ídolos da Renascença. Em sua mente, eles são derrotados, assim como o principal ídolo do Renascimento acaba sendo derrotado - a fé no poder criativo ilimitado do homem, por meio da arte, tornando-se igual a Deus. Todo o caminho da vida que ele passou a partir de agora parece para Michelangelo uma completa ilusão.

A crise dos ideais estéticos do Renascimento e os princípios estéticos do maneirismo

Um dos sinais muito claros do declínio crescente do Renascimento é a tendência artística e teórico-estética que se chama Maneirismo. A palavra "maneira" significava originalmente um estilo especial, ou seja, diferente do comum, então - um estilo condicional, ou seja, diferente do natural. Uma característica comum das artes plásticas do maneirismo era o desejo de se libertar do ideal da arte do renascimento maduro.

Essa tendência se manifestou no fato de que tanto as ideias estéticas quanto a prática artística do Quattrocento italiano foram questionadas. O tema da arte desse período opunha-se à imagem de uma realidade mudada, transformada. Temas incomuns e surpreendentes, natureza morta, objetos inorgânicos foram valorizados. O culto das regras e os princípios da proporção foram questionados.

As mudanças na prática artística trouxeram modificações e mudanças na ênfase das teorias estéticas. Em primeiro lugar, isso diz respeito às tarefas da arte e sua classificação. A questão principal passa a ser o problema da arte, não o problema da beleza. "artificialidade" torna-se o mais alto ideal estético. Se a estética do Alto Renascimento buscava regras precisas e cientificamente verificadas, com a ajuda das quais o artista pudesse alcançar uma verdadeira transferência da natureza, então os teóricos do maneirismo se opõem ao significado incondicional de quaisquer regras, especialmente as matemáticas. O problema da relação entre a natureza e o gênio artístico é interpretado de maneira diferente na estética do maneirismo. Para os artistas do século XV, esse problema foi resolvido em favor da natureza. O artista cria suas obras seguindo a natureza, escolhendo e extraindo beleza de toda a variedade de fenômenos. A estética do maneirismo dá preferência incondicional ao gênio do artista. O artista não deve apenas imitar a natureza, mas também corrigi-la, esforçar-se para superá-la.

A estética do Maneirismo, desenvolvendo algumas ideias da estética renascentista, negando outras e substituindo-as por novas, refletia a situação alarmante e contraditória do seu tempo. Clareza harmônica e equilíbrio do renascimento maduro, ela contrastou a dinâmica, a tensão e a sofisticação do pensamento artístico e, consequentemente, seu reflexo nas teorias estéticas, abrindo caminho para uma das principais tendências artísticas do século XVII - o barroco.

6 . Estética dos novos tempos

Fundamentos racionalistas da cultura. É impossível traçar uma fronteira perfeitamente precisa entre as culturas dos séculos XVI e XVII. Já no século XVI, novas ideias sobre o mundo começaram a tomar forma nos ensinamentos dos filósofos naturais italianos. Mas a verdadeira virada na ciência do universo ocorre na virada dos séculos XVI e XVII, quando Giordano Bruno, Galileu Galilei e Kepler, desenvolvendo a teoria heliocêntrica de Copérnico, chegam à conclusão sobre a pluralidade dos mundos, sobre o infinito do universo, no qual a terra não é o centro, mas uma pequena partícula quando a invenção do telescópio e do microscópio revelou ao homem a existência do infinitamente distante e do infinitamente pequeno.

No século XVII, mudou a compreensão do homem, seu lugar no mundo, a relação entre o indivíduo e a sociedade. A personalidade do homem renascentista é caracterizada por absoluta unidade e integridade, é desprovida de complexidade e desenvolvimento. A personalidade - do Renascimento - afirma-se de acordo com a natureza, que é uma força boa. A energia de uma pessoa, assim como a fortuna, determinam sua trajetória de vida. No entanto, esse humanismo "idílico" já não era adequado para a nova era, quando o homem deixou de se reconhecer como o centro do universo, quando sentiu a complexidade e as contradições da vida, quando teve que travar uma luta feroz contra feudais católicos reação.

A personalidade do século XVII não tem valor intrínseco, como a personalidade do Renascimento, depende sempre do ambiente, da natureza e da massa de pessoas, a quem quer se mostrar, impressioná-la e convencê-la. Essa tendência, por um lado, de impressionar a imaginação das massas e, de outro, de convencê-las, é uma das principais características da arte do século XVII.

A arte do século XVII, como a arte do Renascimento, caracteriza-se pelo culto do herói. Mas este é um herói que se caracteriza não por ações, mas por sentimentos, experiências. Isso é evidenciado não apenas pela arte, mas também pela filosofia do século XVII. Descartes cria a doutrina das paixões, enquanto Spinoza considera os desejos humanos “como se fossem linhas, planos e corpos”.

Esta nova percepção do mundo e do homem pode assumir um duplo sentido no século XVII, dependendo da forma como é utilizada. Neste mundo complexo, contraditório e multifacetado da natureza e da psique humana, seu lado caótico, irracional, dinâmico e emocional, sua natureza ilusória, suas qualidades sensuais podem ser enfatizadas. Este caminho levou ao estilo barroco.

Mas a ênfase também poderia ser colocada em ideias claras e distintas que enxergam através da verdade e da ordem neste caos, no pensamento lutando com seus conflitos, na razão superando as paixões. Este caminho levou ao classicismo.

O barroco e o classicismo, tendo recebido seu desenho clássico na Itália e na França, respectivamente, se espalharam em um grau ou outro por todos os países europeus e foram as tendências dominantes na cultura artística do século XVII.

Princípios estéticos do barroco

O estilo barroco tem origem em Itália, num país fragmentado em pequenos estados, num país que conheceu a contra-reforma e uma forte reacção feudal, onde cidadãos abastados se transformaram numa aristocracia fundiária, num país onde floresceu a teoria e a prática do Maneirismo, e onde, ao mesmo tempo, em todo o seu esplendor, foram preservadas as mais ricas tradições da cultura artística do Renascimento. Do Maneirismo, o Barroco tirou sua subjetividade, do Renascimento - seu fascínio pela realidade, mas ambos em uma nova refração estilística. E embora os resquícios do maneirismo continuem afetando a primeira e até a segunda década do século XVII, em essência, a superação do maneirismo na Itália pode ser considerada concluída em 1600.

Um dos problemas característicos da estética barroca é o problema da persuasão, que tem origem na retórica. A retórica não distingue a verdade da plausibilidade; como meios de persuasão, eles parecem ser equivalentes - e daí o subjetivismo ilusório, fantástico, da arte barroca, combinado com a classificação da técnica "artística" de produzir um efeito que cria uma impressão subjetiva e enganosa de plausibilidade.

...

Documentos Similares

História dos ensinamentos estéticos. A estética como a doutrina da beleza e a arte, a ciência da beleza. O desenvolvimento dos ensinamentos estéticos nos períodos da Antiguidade, Idade Média, Renascimento, Nova Era. Tendências artísticas europeias dos séculos XIX-XX.

apresentação, adicionada em 27/11/2014


Traços característicos da estética do Renascimento. Características e principais etapas da cerimônia do chá, que surgiram sob a influência da estética e filosofia do Zen Budismo. Um estudo do simbolismo da cerimônia de casamento no Renascimento e da polonaise como dança cerimonial.

resumo, adicionado em 05/03/2010


A ética como ciência, seu objeto, tarefas e características. História das doutrinas éticas. As principais direções da ética. As principais categorias da ética e seus problemas. A estética como ciência, disciplina, tarefas e finalidade. A história do desenvolvimento da estética. Categorias estéticas básicas.

livro, adicionado em 27/02/2009


Objeto e sujeito da estética, lugar no sistema das ciências. O desenvolvimento do pensamento estético. Atitude estética perante a realidade. Formação da estética como ciência. O desenvolvimento de ideias de acordo com a filosofia. A objetividade da estética. Valor e avaliação de valor.

resumo, adicionado em 30/06/2008


A estética do Renascimento está associada a uma revolução que está ocorrendo em todas as áreas da vida pública. A estética do início do Renascimento como a estética do humanismo inicial, o alto Renascimento - neoplatonismo, o final - filosofia natural. D. Bruno, T. Campanella.

resumo, adicionado em 30/12/2008


Estética feminina refinada como parte da harmonia que abraça a vida na Itália durante o Renascimento. Ideais de beleza de nobres damas italianas; o surgimento de perfumes "para manter a beleza". Um tratado de Catherine Sforza sobre as regras e técnicas de aplicação de maquiagem.

resumo, adicionado em 05/06/2012


Estética - a filosofia da atividade estética e artística. sistema estético. O significado da teoria para o artista. Fundamentos da estética. Tipos de categorias estéticas. Consistência na estética moderna. Projeto. Arte. O valor da estética.

resumo, adicionado em 11/06/2008


Na história da estética, seu objeto e tarefas mudaram. Inicialmente, a estética fazia parte da filosofia e da cosmogonia e servia para criar uma imagem holística do mundo. A estética moderna resume a experiência artística do mundo. Etapas históricas no desenvolvimento da estética russa.

resumo, adicionado em 21/05/2008


Aspectos históricos da formação da estética da realidade ou da estética da vida, entre os representantes dos quais estão grandes pensadores russos do século XIX como Belinsky, Chernyshevsky, Dobrolyubov e Pisarev. Estética filosófica de Solovyov.

resumo, adicionado em 18/11/2010


Características da cultura antiga, análise das especificidades da estética grega antiga. Princípios da estética antiga: mimesis, kalokagathia, catarse. O conceito de harmonia e a especificidade do antigo cânone estético grego. O desejo de idealização da arte grega.

O horário mais recente também inclui o dia da era artística: vanguarda e realismo. originalidade dessas épocas reside no fato de que elas não se desenvolvem sequencialmente, mas historicamente em paralelo.

grupos de arte de vanguarda n uy ( pré-modernismo, modernismo, neomodernismo, pós-modernismo) desenvolver em paralelo com o grupo realista (realismo crítico do século XIX, realismo socialista, prosa rural, neorrealismo, realismo mágico, realismo psicológico, realismo intelectual). Neste desenvolvimento paralelo de épocas parece aceleração geral do movimento da história.

Uma das principais disposições do conceito artístico de tendências de vanguarda: caos, desordem "Lei vida moderna sociedade humana. A arte se torna caosologia, estudando as leis da desordem mundial.

Todas as tendências vanguardistas restringem o consciente e aumentam o inconsciente começando tanto no processo criativo quanto no processo de recepção. Essas áreas prestam muita atenção à arte de massa e aos problemas da formação da consciência do indivíduo.

Características que unem os movimentos artísticos de vanguarda: um novo olhar sobre a posição e propósito do homem no universo, a rejeição de regras e normas previamente estabelecidas, de tradições e

destreza, experimentos no campo da forma e do estilo, busca de novos meios artísticos e truques.

pré-modernismo - o primeiro (inicial) período de desenvolvimento artístico da era de vanguarda; um conjunto de tendências artísticas da cultura da segunda metade do século XIX, abrindo todo um palco (o palco das ilusões perdidas) do desenvolvimento artístico mais recente.

O naturalismo é uma direção artística, cuja invariante da concepção artística era a afirmação de um homem carnal no mundo material-material; uma pessoa, mesmo tomada apenas como um indivíduo biológico altamente organizado, merece atenção em todas as manifestações; apesar de todas as suas imperfeições, o mundo é estável e todos os detalhes sobre ele são de interesse geral. No conceito artístico de naturalismo, desejos e possibilidades, ideais e realidade se equilibram, sente-se uma certa complacência da sociedade, sua satisfação com sua posição e falta de vontade de mudar qualquer coisa no mundo.

O naturalismo afirma que todo o mundo visível faz parte da natureza e pode ser explicado por suas leis, e não por causas sobrenaturais ou paranormais. O naturalismo nasceu da absolutização do realismo e sob a influência das teorias biológicas darwinianas, dos métodos científicos de estudo da sociedade e das ideias deterministas de Taine e outros positivistas.

Impressionismo - direção artística (segunda metade do século XIX - início do século XX), cuja invariante do conceito artístico era a afirmação de uma personalidade refinada, liricamente responsiva e impressionável, admiradora da beleza do mundo. O impressionismo abriu um novo tipo de percepção da realidade. Ao contrário do realismo, que é focado na transmissão do típico, o impressionismo é focado no especial, no individual e em sua visão subjetiva do artista.

O impressionismo é o domínio da cor, claro-escuro, a capacidade de transmitir a diversidade, a vida multicolorida, a alegria de ser, de capturar momentos fugazes de iluminação e o estado geral do mundo em mudança ao redor, de transmitir o ar livre - o jogo de luz e sombras em torno de uma pessoa e coisas, o ambiente de ar, iluminação natural, dando uma aparência estética ao objeto que está sendo retratado.

O impressionismo se manifestou na pintura (C. Monet, O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, V. Van Gogh, P. Gauguin, A. Matisse, Utrillo, K. Korovin) e na música (C. Debussy e M Ravel, A. Scriabin) e na literatura (parcialmente G. Maupassant, K. Hamsun, G. Kellermann, Hofmannsthal, A. Schnitzler, O. Wilde, A. Simone).

Ecletismo- uma direção artística (que se manifestou principalmente na arquitetura), que envolve, ao criar obras, qualquer combinação de quaisquer formas do passado, quaisquer tradições nacionais, decoratividade franca, intercambiabilidade e equivalência de elementos em uma obra, violação da hierarquia no sistema artístico e enfraquecendo o sistema e a integridade.

O ecletismo é caracterizado por: 1) superabundância de decorações; 2) igual importância de vários elementos, todas as formas de estilo; 3) perda de distinção entre um edifício maciço e único em um conjunto urbano ou uma obra de literatura e outras obras processo literário; 4) falta de unidade: a fachada se separa do corpo do edifício, o detalhe - do todo, o estilo da fachada - do estilo do interior, os estilos dos vários espaços do interior - uns dos outros ; 5) composição simétrico-axial opcional (afastamento da regra de um número ímpar de janelas na fachada), uniformidade da fachada; 6) o princípio do "non-finito" (incompletude da obra, abertura da composição); 7) fortalecimento

pensamento associativo do autor (artista, escritor la, arquiteto) e visualizador; 8) libertação da antiga tradição e confiança nas culturas de diferentes épocas e diferentes povos; desejo pelo exótico; 9) multiestilo; 10) personalidade desregulada (ao contrário do classicismo), subjetivismo, livre manifestação de elementos pessoais; 11) democratismo: a tendência de criar um tipo de habitação urbana universal e não classista.

Funcionalmente, o ecletismo na literatura, arquitetura e outras artes visa servir ao "terceiro estado". O edifício-chave do barroco é uma igreja ou um palácio, o edifício-chave do classicismo é um edifício do estado, o edifício-chave do ecletismo é um prédio de apartamentos (“para todos”). O decorativismo eclético é um fator de mercado que surgiu com o objetivo de atrair uma clientela ampla para um prédio onde os apartamentos são alugados. Casa lucrativa - um tipo de habitação em massa.

Modernismo- uma era artística que reúne movimentos artísticos cujo conceito artístico reflete a aceleração da história e o fortalecimento de sua pressão sobre a pessoa (simbolismo, raionismo, fauvismo, primitivismo, cubismo, acmeísmo, futurismo); o período da personificação mais completa da vanguarda. Durante o período do modernismo, o desenvolvimento e a mudança das tendências artísticas ocorreram rapidamente.

Os movimentos artísticos modernistas são construídos pela desconstrução da estrutura tipológica obra clássica- alguns de seus elementos tornam-se objetos de experimentos artísticos. EM arte clássica esses elementos são equilibrados. O modernismo perturbou esse equilíbrio ao fortalecer alguns elementos e enfraquecer outros.

Simbolismo- a direção artística da era do modernismo, que afirma o conceito artístico: o sonho do poeta é cavalheirismo e uma bela dama. Sonhos de

cavalheirismo, adoração de uma bela dama preenchem a poesia simbolismo.

simbolismo surgiu na França. Seus mestres foram Baudelaire, Mallarmé, Verlaine e Rimbaud.

Acmeism é uma direção artística da literatura russa do início do século 20, que surgiu em " idade de prata”, que existia principalmente na poesia e afirmava: o poeta- um feiticeiro e orgulhoso governante do mundo, desvendando seus mistérios e superando seu caos.

Ao acmeísmo pertenciam: N. Gumilyov, O. Mandelstam, A. Akhmatova, S. Gorodetsky, M. Lozinsky, M. Zenkevich, V. Narbug, G. Ivanov, G. Adamovich e outros Futurismo- a direção artística da era do modernismo, afirmando uma personalidade agressivamente militante no caos urbano organizado do mundo.

Definindo artístico fator de futurismo - dinâmica. Os futuristas implementaram o princípio da experimentação ilimitada e alcançaram soluções inovadoras na literatura, pintura, música e teatro.

primitivismo- uma direção artística que simplifica o homem e o mundo, buscando ver o mundo pelos olhos das crianças, com alegria e simplicidade, fora do "adulto» dificuldades. Este desejo dá origem a fortes e lados fracos primitivismo.

O primitivismo é uma nostalgia atávica do passado, ansiando por um modo de vida pré-civilizado.

O primitivismo procura captar os principais contornos mundo complexo procurando nele cores e linhas alegres e compreensíveis. O primitivismo é uma contraposição à realidade: o mundo torna-se mais complexo e o artista simplifica-o. No entanto, o artista então simplifica o mundo para lidar com sua complexidade.

Cubismo - uma variedade geometrizada de primitivismo que simplifica a realidade, percebendo-a com olhos infantis ou "selvagens".

o antigo caráter de primitivização: a visão do mundo através das formas de figuras geometricamente regulares.

O cubismo na pintura e na escultura foi desenvolvido pelos artistas italianos D. Severini, U. Boccione, K. Kappa; Alemão - E.L. Kirchner, G. Richter; Americano - J. Pollock, I. Rey, M. Weber, mexicano Diego Rivera, argentino E. Pettoruti, etc.

No cubismo, as construções arquitetônicas são sentidas; as massas são mecanicamente acopladas umas às outras e cada massa mantém sua independência. O cubismo abriu uma direção fundamentalmente nova na arte figurativa. As obras condicionais do cubismo (Braque, Gris, Picasso, Léger) mantêm sua conexão com o modelo. Os retratos correspondem aos originais e são reconhecíveis (um crítico americano em um café parisiense reconheceu um homem que ele conhecia apenas por um retrato de Picasso, composto de figuras geométricas).

Os cubistas não retratam a realidade, mas criam uma “realidade diferente” e transmitem não a aparência de um objeto, mas seu design, arquitetura, estrutura, essência. Eles não reproduzem um "fato narrativo", mas incorporam visualmente seus conhecimentos sobre o assunto retratado.

abstracionismo- direção artística da arte do século XX, cujo conceito artístico afirma a necessidade do indivíduo de escapar da realidade banal e ilusória.

As obras de arte abstrata são separadas das formas da própria vida e incorporam as impressões subjetivas de cores e fantasias do artista.

Existem duas correntes no abstracionismo. primeira corrente lírico-emocional, abstracionismo psicológico - uma sinfonia de cores, harmonização de combinações de cores disformes. Essa tendência nasceu da diversidade impressionista de impressões sobre o mundo, incorporada nas telas de Henri Matisse.

O criador da primeira obra do abstracionismo psicológico foi V. Kandinsky, que pintou a pintura "Montanha".

A segunda corrente o abstracionismo geométrico (lógico, intelectual) ("neoplasticismo") é o cubismo não figurativo. No nascimento desta corrente Papel essencial interpretado por P. Cézanne e os cubistas, que criaram um novo tipo de espaço artístico combinando várias formas geométricas, planos coloridos, linhas retas e quebradas.

suprematismo(o autor do termo e o fenômeno artístico correspondente Kazimir Malevich) - para o abstracionismo, aguçando e aprofundando suas feições. Malevich abriu a tendência do “Suprematismo” em 1913 com a pintura “Quadrado Negro”. Mais tarde, Malevich formulou seus princípios estéticos: a arte é duradoura devido ao seu valor atemporal; pura sensibilidade plástica - "a dignidade das obras de arte". A estética e a poética do suprematismo afirmam fórmulas e composições pictóricas universais (suprematistas) - construções ideais de elementos geometricamente regulares.

O raionismo é uma das tendências quase abstracionistas que afirmavam a dificuldade e a alegria da existência humana e a incerteza do mundo, em que todos os objetos iluminados por diferentes fontes de luz acabam sendo dissecados pelos raios dessa luz e perdem sua clara figuratividade .

O luquismo se originou em 1908 - 1910 gg. na obra dos artistas russos Mikhail Larionov e sua esposa Natalia Goncharova.

Durante neomodernismo, todos os movimentos artísticos de vanguarda vêm de tal compreensão da realidade: uma pessoa não consegue suportar a pressão do mundo e se torna um neo-humano. Nesse período, o desenvolvimento

Existem movimentos artísticos de vanguarda que afirmam conceitos artísticos pessimistas e tristes do mundo e da personalidade. Entre eles Dadaísmo, construtivismo, surrealismo, existencialismo, neo-abstracionismo, etc.

O dadaísmo é um movimento artístico que afirma um conceito artístico; mundo- loucura sem sentido, revisando a razão e a fé.

Os princípios do Dadaísmo eram; romper com as tradições da cultura mundial, incluindo as tradições da língua; fuga da cultura e da realidade, a ideia do mundo como um caos de loucura, no qual é lançada uma pessoa indefesa; pessimismo, descrença, negação de valores, sentimento de perda geral e insignificância do ser, destruição de ideais e propósito de vida. O dadaísmo é uma expressão da crise dos valores clássicos da cultura, da busca de uma nova linguagem e de novos valores.

O surrealismo é um movimento artístico que se concentra em uma pessoa confusa em um mundo misterioso e incognoscível. O conceito de personalidade no surrealismo poderia ser resumido na fórmula do agnosticismo: “Eu sou um homem, mas os limites da minha personalidade e do mundo se confundiram. Não sei onde meu "eu" começa e onde termina, onde está o mundo e o que é?

O surrealismo como direção artística foi desenvolvido por: Paul Eluard, Robert Desnos, Max Ernst, Roger Vitran, Antonin Artaud, Rene Char, Salvador Dali, Raymond Quenot, Jacques Prevert.

O surrealismo surgiu do dadaísmo, originalmente como direção literária, que mais tarde encontrou a sua expressão na pintura, mas também no cinema, no teatro e, em parte, na música.

Para o surrealismo, o homem e o mundo, o espaço e o tempo são fluidos e relativos. Eles perdem seus limites. Proclama-se o relativismo estético: tudo flui, tudo é

parece estar misturado, borrado; Nada é certo. O surrealismo afirma a relatividade do mundo e dele valores. Não há fronteiras entre felicidade e infelicidade, indivíduo e sociedade. caos do mundo causa o caos do pensamento artístico- este é o princípio da estética do surrealismo.

O conceito artístico do surrealismo afirma o mistério e a incognoscibilidade do mundo, em que o tempo e a história desaparecem, e a pessoa vive no subconsciente e fica impotente diante das dificuldades.

expressionismo- uma direção artística que afirma: alienada, a pessoa vive em um mundo hostil. Como o herói da época, o expressionismo apresentou uma personalidade inquieta, dominada pelas emoções, [incapaz de trazer harmonia a um mundo dilacerado pelas paixões. -

O expressionismo como direção artística surgiu a partir de relações com diversas áreas da atividade científica: com a psicanálise de Freud, a fenomenologia de Husserl, a epistemologia neokantiana, a filosofia do Círculo de Viena e a psicologia da Gestalt.

O expressionismo se manifestou em diferentes tipos de arte: M. Chagall, O. Kokotka, E. Munch - na pintura; A. Rimbaud, A. Yu. Strindberg, R. M. Rilke, E. Toller, F. Kafka - na literatura; I. Stravinsky, B. Bartok, A. Schoenberg - na música.

Expressionismo com base na cultura do século XX. revive o romantismo. expressionismo medo inerente do mundo e contradição entre dinamismo externo e a ideia da essência imutável do mundo (descrença na possibilidade de sua melhoria). De acordo com artístico conceitos do expressionismo, as forças essenciais da personalidade são alienadas em oposição homem e instituições públicas hostis: tudo é inútil. Ek expressionismo é uma expressão da dor de um artista humanista,

causado a ele pela imperfeição do mundo. Conceito expressionista de personalidade: Humano- um ser emocional, “natural”, alheio ao mundo urbano industrial e racional em que é forçado a viver.

Construtivismo- direção artística (década de 20 do século XX), cuja invariante conceitual é a ideia- a existência do homem ocorre em um ambiente de forças industriais alienadas dele; e o herói do tempo- racionalista da sociedade industrial.

Os princípios neopositivistas do cubismo, tendo nascido na pintura, estenderam-se de forma transformada à literatura e outras artes e consolidaram-se numa nova direção, convergindo com as ideias do tecnicismo - o construtivismo. Esta última considerava os produtos da indústria como independentes, alienados do indivíduo e contrários aos seus valores. O construtivismo apareceu na madrugada revolução científica e tecnológica e idealizou as ideias do tecnicismo; ele valorizava as máquinas e seus produtos acima do indivíduo. Mesmo nas obras mais talentosas e humanísticas do construtivismo, os fatores alienantes do progresso tecnológico são dados como certos. O construtivismo está cheio de pathos de progresso industrial, conveniência econômica; é tecnocrático.

A estética do construtivismo desenvolveu-se entre os extremos (às vezes caindo em um deles) - o utilitarismo, exigindo a destruição da estética, e o esteticismo. Nas artes visuais e na arquitetura, os princípios criativos do construtivismo são os mais próximos possíveis da engenharia e incluem: cálculo matemático, laconicismo dos meios artísticos, esquematismo da composição, logicização.

Na literatura, o construtivismo como direção artística se desenvolveu (1923 - 1930) na obra do grupo

LCC (Centro Literário Construtivista): I.L. Selvinsky, B. N. Agapov, V. M. Inber, H. A. Aduev, E.Kh. Bagritsky, B.I. Gabrielovich, K.L. Zelinsky (teórico do grupo) e outros. O construtivismo também influenciou o teatro (o trabalho de direção de Vsevolod Meyerhold, que desenvolveu os princípios da biomecânica, engenharia teatral e introduziu elementos de um espetáculo de circo na ação do palco. As ideias do construtivismo abrangeram vários tipos da arte, mas teve a maior influência na arquitetura Isso afetou especialmente o trabalho de Le Corbusier, I. Leonidov, VA Shchuko e VG Gelfreich.

Existencialismo- o conceito da existência humana, seu lugar e papel neste mundo, relacionamento com Deus. A essência do existencialismo- a primazia da existência sobre a essência (o próprio homem forma sua existência e, escolhendo o que fazer e o que não fazer, traz a essência à existência). O existencialismo afirma uma personalidade egoísta e auto-valorizada no mundo do absurdo. Para o existencialismo, o indivíduo está acima da história.

Em seu conceito artístico, o existencialismo (J.P. Sartre, A. Camus) afirma que os próprios fundamentos da existência humana são absurdos, até porque o homem é mortal; a história vai de mal a pior e de volta ao mal novamente. Não há movimento ascendente, há apenas esquilo roda história em que a vida da humanidade gira sem sentido.

A solidão fundamental, afirmada pelo conceito artístico do existencialismo, tem a consequência lógica oposta: a vida não é absurda onde a pessoa continua a si mesma na humanidade. Mas se uma pessoa é solitária, se ela é o único valor no mundo, então ela é socialmente desvalorizada, ela não tem futuro, e então a morte é absoluta. Ele risca uma pessoa e a vida se torna sem sentido.

Neo-abstracionismo(abstracionismo de segunda onda) - auto-expressão espontânea-impulsiva; uma rejeição fundamental da figuratividade, da representação da realidade, em nome da pura expressividade; fluxo de consciência capturado em cores.

O neo-abstracionismo foi criado por uma nova geração de abstracionistas: J. Paul Lak, De Kuhn e Yig, A. Manisirer e outros, que dominaram a técnica surreal e os princípios do "automatismo mental". Paul Lak enfatiza no ato criativo não a obra, mas o próprio processo de sua criação. Este processo torna-se um fim em si mesmo e aqui se formam as origens da “pintura-ação”.

Os princípios do neo-abstracionismo foram substanciados por M. Brion, G. Reid, Sh.-P. Brew, M. Raton. O teórico italiano D. Severini instou a esquecer a realidade, pois ela não afeta a expressão plástica. Outro teórico, M. Zefor, considera que o mérito da pintura abstrata é que ela não carrega nada do ambiente normal da vida humana. A fotografia retirou a figuratividade da pintura, deixando a esta apenas possibilidades expressivas de revelar o mundo subjetivo do artista.

O elo fraco na teoria do abstracionismo e do neoabstracionismo é a ausência de critérios de valor claros para distinguir a criatividade da especulação, a seriedade da piada, o talento da mediocridade, a habilidade da malandragem.

Soluções artísticas de abstracionismo e neo-abstracionismo (harmonização de cor e forma, criação de "equilíbrio" de planos de tamanhos diferentes devido à intensidade de sua cor) são usadas na arquitetura, design, artes decorativas, teatro, cinema e televisão.

pós-modernismo como uma era artística carrega um paradigma artístico que afirma que uma pessoa não pode suportar a pressão do mundo e se torna um pós-humano. Todas as direções artísticas deste

período permeados por esse paradigma, manifestando-o e refratando-o por meio de suas concepções invariantes de mundo e personalidade: pop art, sonopucmuka, aleatoriedade, pontilhismo musical, hiper-realismo, happenings, etc.

Arte pop- nova arte figurativa. A pop art contrapôs a rejeição abstracionista da realidade com o mundo bruto das coisas materiais, às quais é atribuído um estatuto artístico e estético.

Os teóricos da arte pop argumentam que, em um determinado contexto, cada objeto perde seu significado original e se torna uma obra de arte. Portanto, a tarefa do artista é entendida não como a criação de um objeto artístico, mas como dar qualidades artísticas a um objeto comum, organizando um determinado contexto para sua percepção. A estetização do mundo material torna-se o princípio da pop art. Os artistas se empenham em alcançar cativação, visibilidade e inteligibilidade de suas criações, utilizando para isso a poética dos rótulos e da publicidade. Pop art é uma composição de objetos do cotidiano, às vezes combinados com um modelo ou escultura.

Carros amassados, fotos desbotadas, pedaços de jornais e pôsteres colados em caixas, um frango recheado sob uma jarra de vidro, um sapato esfarrapado pintado com tinta a óleo branca, motores elétricos, pneus velhos ou fogões a gás - essas são as exposições de arte da pop art.

Entre os artistas da pop art podem ser identificados: E. Warhol, D, Chamberlain, J. Dine e outros.

A pop art como direção de arte tem várias variedades (tendências): op art (artística efeitos óticos organizados, combinações geometrizadas de linhas e pontos), env-apm(composições, organização artística do ambiente que envolve o espectador), e-mail(objetos se movendo com a ajuda de motores elétricos

e construções, essa tendência da pop art se destacou como uma direção artística independente - cinetismo).

A pop art apresentou o conceito de identidade do consumidor da sociedade de "consumo de massa". A personalidade ideal da pop art é um consumidor humano, para quem as naturezas-mortas estetizadas de composições de mercadorias deveriam substituir a cultura espiritual. Palavras substituídas por mercadorias, literatura substituída por coisas, beleza substituída por utilidade, ganância por material, consumo de mercadorias, substituindo necessidades espirituais, são características da pop art. Essa direção é fundamentalmente voltada para uma pessoa de massa, não criativa, privada de pensamento independente e emprestando "seus" pensamentos da publicidade e da mídia de massa, uma pessoa manipulada pela televisão e outras mídias. Essa personalidade é programada pela pop art para cumprir os papéis dados de comprador e consumidor, demolindo obedientemente a influência alienante da civilização moderna. Personalidade Pop Art - Zumbi da Cultura de Massa.

O hiper-realismo é um movimento artístico cuja concepção artística é invariante: um sistema de vida despersonalizado em um mundo cruel e rude.

Hiperrealismo - cria obras pitorescas sobrenaturais que transmitem os menores detalhes do objeto representado. As tramas do hiper-realismo são deliberadamente banais, as imagens são enfaticamente "objetivas". Esta direção faz com que os artistas retornem às formas e meios usuais da arte plástica, em particular à tela de pintura, rejeitada pela pop art. O hiper-realismo faz da natureza morta, feita pelo homem, uma "segunda" natureza do ambiente urbano, os principais temas de suas pinturas: postos de gasolina, carros, vitrines, prédios residenciais, cabines telefônicas, que são apresentados como alienados dos humanos.

O hiper-realismo mostra as consequências da urbanização excessiva, a destruição da ecologia do meio ambiente, prova que a metrópole cria um ambiente desumano. O tema principal do hiper-realismo é a vida mecanizada impessoal da cidade moderna.

Base teórica hiper-realismo - as ideias filosóficas da escola de Frankfurt, que afirma a necessidade de se afastar de formas ideologizadas de pensamento figurativo.

obras de arte fotorrealismo são baseados em uma fotografia altamente ampliada e são frequentemente identificados com hiper-realismo. Porém, tanto em termos da tecnologia de criação de uma imagem quanto, mais importante, em termos da invariante da concepção artística do mundo e da personalidade, essas são direções artísticas, embora próximas, mas diferentes. Os hiperrrealistas imitam fotos com meios pictóricos na tela, os fotorrealistas imitam pinturas processando (com tintas, colagens) fotografias.

O fotorrealismo afirma a prioridade do documentário e da concepção artística: uma pessoa comum e confiável em um mundo comum e confiável.

O objetivo do fotorrealismo é a imagem da vida cotidiana moderna. Ruas, transeuntes, vitrines, carros, semáforos, casas, utensílios domésticos são reproduzidos nas obras do fotorrealismo de forma autêntica, objetiva e super similar.

As principais características do fotorrealismo: 1) figuratividade, contrapondo-se às tradições do abstracionismo; 2) atração pela trama; 3) o desejo de evitar "clichês realistas" e documentários; 4) confiança nas realizações artísticas da tecnologia fotográfica.

Sonorística- direção na música: o jogo de timbres, expressando o "eu" do autor. Para seus representantes, não é o tom que importa, mas sim o timbre. Eles estão procurando por novos musical cores, sonoridade nada convencional: tocam na bengala, na

serra, pauzinhos nas cordas do piano, tapa no convés, no controle remoto, o som é produzido limpando o bocal com um lenço.

Na música sonora pura, a melodia, a harmonia e o ritmo não desempenham um papel especial, apenas o som do timbre é importante. A necessidade de fixá-lo deu vida a formas gráficas especiais de registro do timbre na forma de linhas finas, arrojadas, onduladas e em forma de cone. Às vezes, também é indicada a faixa em que o artista precisa tocar.

O fundador da música sonora foi o compositor polonês K. Penderecki, e sua iniciativa foi continuada por K. Serocki, S. Bussotti e outros.

pontilhismo musical- direção à vista * cuja característica é a ruptura do tecido musical, sua dispersão em registros, a complexidade do ritmo e das fórmulas de compasso, a abundância de pausas.

O pontilhismo musical se recusa a criar uma linguagem inteligível realidade artística(de uma realidade que poderia ser compreendida a partir da tradição musical e artística mundial e a partir de códigos semióticos musicais tradicionais). O pontilhismo orienta o indivíduo para a emigração para o mundo de sua alma e afirma a fragmentação do mundo circundante.

Aleatorica- direção artística da literatura e da música, com base na noção filosófica de que o acaso reina na vida, e afirmando o conceito artístico: o homem- jogador no mundo de situações aleatórias.

Representantes da aleatoriedade: K. Stockhausen, P. Boulez, S. Bussotti, J. Cage, A. Pusser, K. Serotsky e outros. O acaso invade a literatura ou obras musicais mecanicamente: jogando fichas (dados), jogando xadrez, embaralhando páginas ou fragmentos variados, bem como usando

improvisação: o texto musical é escrito em “sinais-símbolos” e depois interpretado livremente.

acontecendo- este é um dos tipos de cultura artística moderna no Ocidente. A. Keprou foi o autor das primeiras produções do acontecimento "Pátio", "Criações". As performances happenings envolvem ações misteriosas, às vezes ilógicas, dos performers e são caracterizadas por uma abundância de adereços feitos de coisas que estavam em uso e até retiradas de um aterro sanitário. Os participantes do happening vestem trajes brilhantes e exageradamente ridículos, enfatizando a inanimabilidade dos performers, sua semelhança com caixas ou baldes. Algumas performances consistem, por exemplo, na liberação dolorosa de debaixo de uma lona. Ao mesmo tempo, o comportamento individual dos atores é improvisado. Às vezes, os atores se voltam para o público com um pedido de ajuda. Essa inclusão do espectador na ação corresponde ao espírito do happening.

A concepção de mundo e de personalidade que o acontecimento propõe pode ser assim formulada: o mundo- uma cadeia de eventos aleatórios, uma pessoa deve sentir subjetivamente total liberdade, mas na verdade obedecer a uma única ação, ser manipulada.

Happening usa light painting: a luz muda continuamente de cor e força, é direcionada diretamente ao ator ou brilha através de telas feitas de diferentes materiais. Freqüentemente, é acompanhado por efeitos sonoros (vozes humanas, música, tilintar, crepitar, ranger). O som às vezes é muito forte, inesperado, projetado para um efeito de choque. A apresentação inclui transparências e fotogramas de filme. Laura também usa substâncias aromáticas. O performer recebe uma tarefa do diretor, mas a duração das ações dos participantes não é determinada. Todos podem sair do jogo quando quiserem.

O happening está organizado em diferentes lugares: em estacionamentos, em pátios cercados por arranha-céus, no subsolo. muralhas, sótãos. O espaço do happening, segundo os princípios desta ação, não deve limitar a imaginação do artista e do espectador.

O teórico do happening M. Kerby refere esse tipo de espetáculo ao campo do teatro, embora observe que o happening difere do teatro pela ausência da estrutura tradicional da performance: enredo, personagens e conflito. Outros pesquisadores associam a natureza do happening à pintura e à escultura, e não ao teatro.

Com suas origens, o happening remonta às buscas artísticas do início do século XX, às tentativas de alguns pintores e escultores de deslocar o foco de uma pintura ou escultura para o próprio processo de sua criação. origens na “pintura de ação”: no “esguicho de gotas” de J. Pollock, nos traços "cortantes" de De Kooning, nas performances pictóricas fantasiadas de J. Mathieu.

arte autodestrutiva- este é um dos estranhos fenômenos do pós-modernismo. Pinturas pintadas com tinta desbotando na frente do público. O livro "Nothing", publicado nos EUA em 1975 e reimpresso na Inglaterra. Tem 192 páginas, e nenhuma delas tem uma única linha. O autor afirma que expressou o pensamento: Não tenho nada para lhe dizer. Todos esses são exemplos de arte autodestrutiva. Também tem sua expressão na música: a execução de uma peça em um piano em ruínas ou em um violino decadente, e assim por diante.

conceitualismo- é uma direção de arte arte ocidental, que, em sua concepção artística, afirma uma pessoa desvinculada do sentido direto (imediato) da cultura e que está cercada pelos produtos estetizados da atividade intelectual.

As obras do conceitualismo são imprevisivelmente diferentes em sua textura e aparência: fotos, fotocópias de textos, telegramas, reproduções, gráficos, colunas de números, diagramas. O conceitualismo não usa o produto intelectual da atividade humana para o fim a que se destina: o destinatário não deve ler e interpretar o significado do texto, mas percebê-lo como um produto puramente estético, interessante em sua aparência.

Representantes do conceitualismo; Artistas americanos T. Atkinson, D. Bainbridge, M. Baldwin, X. Harrell, Joseph Kossuth, Lawrence Weiner, Robert Berry, Douglas Huebler e outros.

O realismo crítico do século XIX,- direção artística” que propõe o conceito: o mundo e o homem são imperfeitos; saída- não resistência ao mal pela violência e auto-aperfeiçoamento.

M realismo socialista- uma direção artística que afirma um conceito artístico: uma pessoa é socialmente ativa e é incluída na criação da história por meios violentos"

realismo camponês- uma direção artística que afirma que o camponês é o principal portador da moralidade e o suporte da vida nacional.

Realismo camponês (prosa de aldeia) - a direção literária da prosa russa (anos 60 - 80); tema central - vila moderna, o personagem principal é um camponês - o único verdadeiro representante do povo e portador de ideais.

neorrealismo- a direção artística do realismo do século XX, que se manifestou no cinema italiano do pós-guerra e em parte na literatura. Características: o neorrealismo mostrou grande interesse por um homem do povo, pela vida pessoas comuns: atenção aguda aos detalhes, observação e fixação de elementos que entraram na vida após a Segunda Guerra Mundial. Produ-

Os ensinamentos do Neorrealismo afirmam as ideias de humanismo, a importância dos valores da vida simples, bondade e justiça nas relações humanas, a igualdade das pessoas e sua dignidade, independentemente de seu status de propriedade.

realismo mágico- a direção artística do realismo, que afirma o conceito: uma pessoa vive em uma realidade que combina modernidade e história, o sobrenatural e o natural, o paranormal e o ordinário.

Peculiaridade realismo mágico- episódios fantásticos se desenvolvem de acordo com as leis da lógica cotidiana como uma realidade cotidiana.

realismo psicológico- movimento artístico do século XX, propondo o conceito: o indivíduo é responsável; o mundo espiritual deve ser preenchido por uma cultura que promova a fraternidade das pessoas e supere seu egocentrismo e solidão.

realismo intelectual- Essa é a direção artística do realismo, em cujas obras se desenrola um drama de ideias e os personagens nos rostos “encenam” os pensamentos do autor, expressam vários aspectos de sua concepção artística. O realismo intelectual pressupõe uma mentalidade conceitual e filosófica do artista. Se o realismo psicológico busca transmitir a plasticidade do movimento dos pensamentos, revela a dialética da alma humana, a interação do mundo e da consciência, então o realismo intelectual busca resolver problemas reais de forma artística e convincente, para analisar o estado do mundo.

Informações semelhantes.

Plano

Introdução

Questão 1. Estética da Nova Era e estética moderna

Pergunta 2. As especificidades do protestantismo, como uma das direções do cristianismo

Conclusão

Lista de fontes usadas

Introdução

O objeto de estudo em trabalho de controleé objeto de estudos éticos, estéticos e religiosos.

O objeto de estudo são os aspectos individuais da disciplina.

A relevância do estudo se dá, antes de tudo, pelo fato de que cada religião é uma cosmovisão e um pensamento social, revestido de forma de culto. Especialmente interessantes para a pesquisa são os casos em que a religião não permanece inalterada, mas é complementada pela vida e suas mudanças. Ao mesmo tempo, cada período do desenvolvimento humano, de acordo com suas visões morais, éticas e filosóficas, forma sua própria ética e estética do comportamento humano e da atividade na sociedade. Os processos de desenvolvimento religioso muitas vezes estão diretamente relacionados padrões éticos sociedade e corporificações estéticas. Às vezes, a ética e a estética estão em desacordo com o culto religioso, antecipando e introduzindo novas ideias filosóficas.

O objetivo do trabalho com base no estudo metodológico e literatura educacional caracterizar o objeto de estudo no trabalho de controle.

Para atingir este objetivo, planeja-se resolver as seguintes tarefas principais:

Considere as características da estética da Nova Era e da estética moderna;

Descrever o processo de surgimento do protestantismo e os princípios desta religião, apresentar as principais características do culto desta fé;

Resuma os resultados da pesquisa no trabalho.

Questão 1. Estética da Nova Era e estética moderna

A base ideológica da Nova Era era o humanismo e depois a filosofia natural.

Humanismo- de lat. humano - reconhecimento do valor da pessoa como pessoa, seu direito ao livre desenvolvimento e manifestação de suas habilidades. Aprovação do bem do homem como critério de avaliação das relações sociais. EM sentido filosófico- o livre-pensamento secular, opondo-se à escolástica e à dominação espiritual da igreja. Nesta época, ocorreu uma espécie de deificação do homem - o "microcosmo", um ser igual a Deus que cria e se cria. Essas visualizações são antropocentrismo. Este é um termo filosófico que se enraizou na segunda metade do século XIX para se referir a ensinamentos idealistas que veem no homem o objetivo central e mais elevado do universo. Mas suas bases foram lançadas no Renascimento.

Panteísmo- do grego. theos, que significa deus. Estes são ensinamentos religiosos e filosóficos que identificam Deus e o mundo inteiro. As tendências panteístas manifestaram-se no misticismo herético da Idade Média. O panteísmo é característico da filosofia natural do Renascimento e do sistema materialista de Spinoza, que identificou o conceito de "deus" e "natureza".

Tal atitude em relação a uma pessoa marcou o surgimento de novas formas de autoconsciência e individualismo renascentista. A ênfase foi colocada nas questões éticas, na doutrina do livre arbítrio do indivíduo, voltado para o bem e para o bem comum. Houve uma espécie de reabilitação do homem e de sua mente. Rejeitou a atitude teológica medieval para com o homem como um vaso pecaminoso, condenado ao sofrimento na vida. Alegria e prazer foram declarados o propósito da existência terrena. A possibilidade de existência harmoniosa do homem e do mundo circundante foi proclamada. Os humanistas contribuíram para o desenvolvimento do ideal de uma personalidade perfeita e amplamente desenvolvida, cujas virtudes eram determinadas não pela nobreza de nascimento, mas por ações, inteligência, talentos e serviços prestados à sociedade. No Humanismo, desde o início, foram concluídas as tendências natural-filosóficas, que receberam um desenvolvimento especial no século XVI. o problema principal, que ocupou os filósofos naturais - a proporção de Deus e da natureza. Pensando nisso, buscavam superar o dualismo do pensamento medieval, compreendiam o mundo como uma ligação orgânica entre matéria e espírito. Reconhecendo a materialidade e a infinitude do mundo, dotaram a matéria da capacidade de se reproduzir e, ao mesmo tempo, a vida, criando doutrina do espaço vital. Assim, nos sistemas filosóficos do Renascimento, formou-se uma imagem panteísta do mundo. A ideia da animação universal do universo punha em causa a existência do sobrenatural, do outro mundo, já que tudo o que era milagroso era declarado natural, natural, potencialmente cognoscível: assim que foi descoberto e explicado, como deixou de ser milagroso. Tais julgamentos eram contrários ao dogma da igreja. A escolástica medieval, baseada no conhecimento e nas autoridades livrescas, foi oposta pelo humanismo e pela filosofia natural ao racionalismo, um método experimental de conhecer o mundo, baseado na percepção sensorial e na experiência. Ao mesmo tempo, a animação do cosmos levou à ideia de uma misteriosa conexão entre o homem e a natureza, o reconhecimento das ciências ocultas. A ciência era entendida como magia natural, a astronomia estava entrelaçada com a astrologia e assim por diante. Em geral, a compreensão da natureza como um mestre interno, agindo de forma independente, vivendo de acordo com suas próprias leis, significou uma ruptura com as ideias medievais estabelecidas sobre o deus criador e levou ao surgimento de uma nova religião natural. Essa convulsão ideológica foi baseada na ascensão das forças produtivas, produção material, ciência e tecnologia. Tudo isso levou ao desenvolvimento progressivo da Europa.

A característica distintiva mais importante da visão de mundo renascentista é seu foco na arte. Se o foco da antiguidade era a vida cósmica natural, na Idade Média era Deus e a ideia de salvação a ele associada, então no Renascimento o foco é o homem. Portanto, o pensamento filosófico desse período pode ser caracterizado como antropocêntrico.

No Renascimento, o indivíduo adquire uma independência muito maior, ele representa cada vez mais não esta ou aquela união, mas a si mesmo. A partir daqui cresce uma nova autoconsciência de uma pessoa e sua nova posição social: orgulho e autoafirmação, consciência da própria força e talento tornam-se as qualidades distintivas de uma pessoa.

Versatilidade é o ideal do homem renascentista. A teoria da arquitetura, pintura e escultura, matemática, mecânica, cartografia, filosofia, ética, estética, pedagogia - este é o círculo de estudos, por exemplo, do artista e humanista florentino Alberti.

Recorramos ao raciocínio de um dos humanistas do século XV, Giovanni Pico (1463-1494), na sua famosa Oração sobre a Dignidade do Homem. Tendo criado o homem e "colocado-o no centro do mundo", Deus, segundo este filósofo, dirigiu-se a ele com estas palavras: "Não te damos, ó Adão, nem um determinado lugar, nem a tua própria imagem, nem um obrigação especial, de modo que tanto o local como Você tinham um dever de livre e espontânea vontade, de acordo com sua vontade e sua decisão.

Pico tem a ideia de um homem a quem Deus deu livre arbítrio e que deve decidir ele mesmo seu destino, determinar seu lugar no mundo. O homem aqui não é apenas um ser natural, mas o criador de si mesmo.

No Renascimento, qualquer atividade - seja a atividade de um artista, escultor, arquiteto ou engenheiro, navegador ou poeta - é percebida de maneira diferente da antiguidade e da Idade Média. Entre os gregos antigos, a contemplação era colocada acima da atividade (em grego, contemplação é teoria). Na Idade Média, o trabalho era visto como uma espécie de expiação dos pecados. No entanto, a forma mais elevada de atividade é reconhecida aqui como aquela que leva à salvação da alma e, em muitos aspectos, é semelhante à contemplação: é a oração, um ritual litúrgico. E somente no Renascimento, a atividade criativa adquire uma espécie de caráter sagrado. Com sua ajuda, uma pessoa não apenas satisfaz suas necessidades terrestres particulares; ele cria novo Mundo, cria beleza, cria a coisa mais elevada do mundo, ele mesmo. E não é por acaso que foi no Renascimento que pela primeira vez se esbateu a linha que antes existia entre a ciência, a actividade prático-técnica e a fantasia artística. O engenheiro e artista agora não é apenas um "artesão", "técnico", agora é um criador. A partir de agora, o artista imita não apenas as criações de Deus, mas a própria criatividade divina. No mundo da ciência, encontramos tal abordagem em Kepler, Galileu, Navanieri.

Uma pessoa busca se libertar de sua raiz transcendental, buscando um ponto de apoio não apenas no cosmos, do qual ela, por assim dizer, cresceu durante esse tempo, mas em si mesma, em uma nova luz - um corpo através do qual a partir de agora ele vê a corporeidade de uma maneira diferente em geral. Por mais paradoxal que possa parecer, foi precisamente a doutrina medieval da ressurreição do homem na carne que conduziu àquela "reabilitação" do homem com toda a sua corporalidade material, tão característica do Renascimento.

O culto à beleza característico do Renascimento está associado ao antropocentrismo, e não é por acaso que a pintura, retratada principalmente como bela rosto humano E corpo humano tornou-se a forma dominante de arte nesta época. Os grandes artistas - Botticelli, Leonardo da Vinci, Rafael, a visão de mundo do Renascimento recebe sua mais alta expressão.

No Renascimento, como nunca antes, o valor do indivíduo aumentou. Nem na Antiguidade nem na Idade Média havia um interesse tão ardente pelo ser humano em toda a sua diversidade de manifestações. Acima de tudo, nesta época, coloca-se a originalidade e a singularidade de cada indivíduo.

Rico desenvolvimento da personalidade em séculos XV-XVI muitas vezes acompanhada por extremos de individualismo: o valor inerente da individualidade significa a absolutização da abordagem estética do homem.

Pergunta 2. As especificidades do protestantismo, como uma das direções do cristianismo

O protestantismo é uma das três principais direções do cristianismo, junto com o catolicismo e a ortodoxia, que é uma coleção de numerosas igrejas e seitas independentes relacionadas originalmente à Reforma, um amplo movimento anticatólico do século XVI. na Europa. O movimento começou na Alemanha em 1517, quando M. Luther publicou suas "95 teses", e terminou na segunda metade do século XVI. reconhecimento oficial do protestantismo. Durante a Idade Média, muitas tentativas foram feitas para reformar a Igreja Católica. No entanto, o termo "reforma" apareceu pela primeira vez no século XVI; foi introduzido pelos reformadores para expressar a ideia da necessidade da igreja retornar às suas origens bíblicas. Por sua vez, a Igreja Católica Romana via a Reforma como uma rebelião, uma revolução. O conceito de "protestante" surgiu como um nome comum para todos os partidários da Reforma.

O desenvolvimento da ciência estética nos países da Europa Ocidental e nos EUA na primeira metade do nosso século expressou esse período contraditório em muitos de seus conceitos e teorias, principalmente de natureza não realista, para muitos dos quais o termo "modernismo" foi estabelecido.

O modernismo (do moderno francês - o mais recente, moderno) é um símbolo geral das tendências artísticas do século XX, caracterizadas pela rejeição dos métodos tradicionais de representação artística do mundo.

modernismo como sistema de arte foi preparada por dois processos de seu desenvolvimento: a decadência (ou seja, a fuga, a rejeição da vida real, o culto da beleza como único valor, a rejeição dos problemas sociais) e a vanguarda (cujos manifestos apelavam ao rompimento com o legado da passado e criando algo novo, ao contrário das atitudes artísticas tradicionais).

Todas as principais tendências e correntes do modernismo - cubismo, expressionismo, futurismo, construtivismo, imaginismo, surrealismo, abstracionismo, pop art, hiper-realismo, etc., rejeitaram ou transformaram completamente todo o sistema de meios e técnicas artísticas. Especificamente, em Vários tipos na arte, isso se expressou: na mudança das imagens espaciais e na rejeição dos padrões artísticos e figurativos nas artes visuais; na revisão da organização melódica, rítmica e harmônica na música; na emergência de um “fluxo de consciência”, um monólogo interno, montagem associativa na literatura, etc. As ideias do voluntarismo irracionalista de A. Schopenhauer e F. Nietzsche, a doutrina da intuição de A. Bergson e N. Lossky, psicanálise 3 exerceu grande influência sobre a prática do modernismo: Freud e C. G. Jung, o existencialismo de M. Heidegger, J.-P. Sartre e A. Camus, a teoria da filosofia social da Escola de Frankfurt T. Adorno e G. Marcuse.

O clima emocional geral das obras dos artistas modernistas pode ser expresso na seguinte frase: o caos da vida moderna, sua desintegração contribui para a desordem e a solidão de uma pessoa, seus conflitos são insolúveis e sem esperança e as circunstâncias em que ela é colocados são intransponíveis.

Após a Segunda Guerra Mundial, a maioria das tendências modernistas na arte perdeu suas antigas posições de vanguarda. Na Europa e na América do pós-guerra, as culturas de “massa” e “elite” começam a se manifestar ativamente, com várias tendências estéticas e tendências correspondentes a elas, e também se declaram escolas estéticas caráter não marxista. Em geral, o estágio pós-guerra no desenvolvimento da estética estrangeira pode ser definido como pós-moderno.

O pós-modernismo é um conceito que denota um novo, o último até hoje, superestágio na cadeia de tendências da cultura que mudam naturalmente ao longo da história. O pós-modernismo como paradigma da cultura moderna é uma direção geral de desenvolvimento cultura europeia formada na década de 70. século 20

A emergência de tendências pós-modernas na cultura está associada à consciência das limitações do progresso social e ao medo da sociedade de que seus resultados ameacem a destruição do próprio tempo e espaço da cultura. O pós-modernismo, por assim dizer, deveria estabelecer os limites da intervenção humana no desenvolvimento da natureza, da sociedade e da cultura. Portanto, o pós-modernismo é caracterizado pela busca de uma linguagem artística universal, a convergência e fusão de vários movimentos artísticos, além disso, o “anarquismo” dos estilos, sua infinita variedade, ecletismo, colagem, o reino da montagem subjetiva.

As características do pós-modernismo são:

A orientação da cultura pós-moderna e a "massa" e a "elite" da sociedade;

Influência significativa da arte em esferas não artísticas da atividade humana (na política, religião, ciência da computação, etc.);

Pluralismo de estilo;

Ampla citação em suas criações de obras de arte de épocas anteriores;

ironia sobre tradições artísticas culturas passadas;

Usando a técnica do jogo ao criar obras de arte.

Na criação artística pós-moderna, há uma reorientação consciente da criatividade para a compilação e citação. Para o pós-modernismo, a criatividade não é igual à criação. Se o sistema "artista - obra de arte" funciona em culturas pré-pós-modernas, então no pós-modernismo a ênfase é deslocada para a relação "obra de arte - espectador", o que indica uma mudança fundamental na autoconsciência do artista. Ele deixa de ser um “criador”, pois o sentido da obra nasce diretamente no ato de sua percepção. Uma obra de arte pós-moderna deve ser vista, exibida, não pode existir sem um espectador. Podemos dizer que no pós-modernismo há uma transição de uma “obra de arte” para uma “construção artística”.

O pós-modernismo como teoria recebeu justificativa significativa nas obras de J. Baudrillard "The System of Things" (1969), J. F. Lyotard "Postmodern Knowledge" (1979) e "Dispute" (1984), P. Sloterdijk "Magic Tree" (1985 ) e outros

Nesta seção, serão analisadas apenas as tendências estéticas e escolas de orientação não-marxista mais importantes, bem como os principais problemas da ciência estética do século XX.