E. Ionesco - representante do "teatro do absurdo" francês

Quando a Segunda Guerra Mundial acabou, pessoas de todo o mundo começaram a se perguntar como o fascismo poderia ter surgido no meio da Europa civilizada. Acima de tudo, a humanidade estava preocupada com a questão de quão inteligentes, educados e pessoas boas permitiu o extermínio de milhões de concidadãos apenas pelo fato de serem de origem diferente.

Uma das primeiras tentativas de explicar movimentos semelhantes foi feita por Eugène Ionesco. "Rhinos" (em outra tradução "Rhinoceros") é uma peça em que descreve o mecanismo de surgimento de um fenômeno estranho na sociedade, que está gradualmente se tornando a norma.

Biografia de Eugene Ionesco

O dramaturgo nasceu na Romênia em 1909, pois seu pai era de lá e sua mãe era francesa. Desde a infância, o menino falava várias línguas, inclusive o francês. Com o início da Primeira Guerra Mundial, as relações entre os pais do menino se deterioraram e eles se separaram. A mãe pegou os filhos e partiu para sua terra natal, na França.

Quando Eugene Ionesco cresceu, tentou morar com o pai na Romênia. Aqui ele entrou na Universidade de Bucareste, planejando ensinar francês. Mas em 1938 ele voltou para a terra natal de sua mãe e ficou em Paris para sempre.

Ionesco escreveu seus primeiros poemas e, ao longo dos anos de sua vida na Romênia, começou a esquecer o francês, de modo que, ao retornar à França, teve que reaprender sua segunda língua nativa.

Tornando-se um dramaturgo

Mesmo enquanto estudava em Bucareste, Eugene viu o surgimento da popularidade dos movimentos pró-fascistas. No entanto, para o próprio dramaturgo, esse entusiasmo alheio parecia selvagem, e mais tarde essa experiência se tornou o tema de Rhinos e suas outras obras.

Voltando a Paris, Ionescu escreve uma dissertação sobre Charles Baudelaire e também está ativamente empenhado em escrever suas próprias obras. Ionesco era mais famoso por suas peças, mas também escreveu contos e ensaios.

Como dramaturgo, Eugene estreou-se em 1950 com a peça The Bald Singer, que escreveu sob a influência de um manual de auto-aprendizagem inglês. Foi essa obra que se tornou um exemplo clássico do "teatro do absurdo" - a direção literária que Ionesco aderiu em sua obra.

Eugene Ionesco morreu em março de 1994. O mais popular entre herança criativa As peças de Ionesco, Rinoceronte, O Cantor Careca, Cadeiras, O Assassino Desinteressado, Macbeth, Passagem Aérea e outras.

As origens da peça "Rhino" ("Rhinoceros")

Após o sucesso de sua primeira peça, o dramaturgo aprimorou ativamente sua capacidade de escrever no gênero do absurdo e do paradoxo. Rejeitando o realismo das produções teatrais, ele acreditava que era preciso voltar às origens, quando todas as peças estavam cheias de símbolos ocultos e meias-sinalizações. No final dos anos cinquenta, quando a Europa se recuperava lentamente da guerra, muitos começaram a pensar nas razões do surgimento do fascismo, temendo a repetição de tal tragédia. Sendo um oponente de qualquer sistema totalitário desde a época em que estudava na Romênia, Eugene Ionesco estava mais familiarizado com esse tópico do que qualquer outra pessoa. "Rhinoceros" ("Rhinoceros") - esse era o nome de seu novo jogo, publicado em 1959. No mesmo ano, foi encenada no Dusseldorf Theatre.

Eugene Ionesco "Rhinos": um resumo

A peça é composta por três atos. No primeiro, perto do café da praça, dois camaradas, Jean e Beranger, sentam-se. Jean repreende o amigo, que aparentemente bebeu muito ontem e ainda não teve tempo de se recuperar. De repente, um rinoceronte passa correndo por eles. Todos ao redor estão assustados e discutindo esse evento fora do comum, expressando sua indignação. Apenas Berenger fica indiferente a tudo, até que a charmosa Daisy entra no café, por quem o homem está apaixonado. Nesse ínterim, Jean lê para ele uma moral sobre o modo de vida correto e, no final, Béranger concorda em dedicar a noite ao desenvolvimento cultural.

De repente, ouve-se um estrondo e descobre-se que o rinoceronte acabou de esmagar o gato do dono. Todo mundo está discutindo sobre quantos rinocerontes existiam e como eles se pareciam. Berenger declara inesperadamente que nada pode ser visto na poeira que o rinoceronte em fuga levantou. Jean se ofende com ele, o insulta e vai embora. Um homem frustrado pede uma bebida e decide abandonar o programa cultural planejado.

O segundo ato da peça de Ionesco "O Rinoceronte" se passa a serviço de Beranger no escritório.

Aqui todos estão discutindo ativamente os rinocerontes e o aumento inexplicável de seu número. Eles discutem, brigam, expressam opiniões diferentes, até perceberem que sua colega Beth nunca apareceu para trabalhar.

Logo sua esposa chega e conta a eles com horror sobre a perda de seu marido, e atrás dela um rinoceronte gigante vem correndo. De repente, Madame o reconhece como seu marido, e a fera atende seu chamado. Sentada nas costas dele, ela vai para casa.

Daisy chama os bombeiros para ajudar os funcionários do escritório no andar de baixo, pois a rinoceronte Beth quebrou a escada. Acontece que já existe um grande número de rinocerontes na cidade e seu número está crescendo.

Um dos trabalhadores de Dudar sugere que Berenger tome um drinque juntos, mas ele se recusa, pois decide ir até Jean e fazer as pazes com ele.

Chegando ao apartamento de um amigo, Berenger percebe que ele não está bem. Aos poucos, quase diante dos olhos do herói, seu amigo se transforma em rinoceronte. Um homem assustado chama seu vizinho pedindo ajuda, mas ele já virou uma fera. Olhando pela janela, Berenger vê que muitos rinocerontes já estão destruindo bancos na rua. Apavorado, ele corre para sua casa.

O terceiro ato da peça O Rinoceronte, de Eugene Ionesco, se passa no apartamento de Béranger.

Ele se sente mal e seu colega Dudar vai até ele. Durante a conversa, Beranger sempre parece estar se transformando em um rinoceronte. Isso o assusta terrivelmente. Porém, o visitante tranquiliza o homem, dizendo que isso é normal, pois os rinocerontes são criaturas bastante fofas, embora um tanto grosseiras. Acontece que muitos moradores respeitados da cidade, em particular o Logic, há muito se tornaram rinocerontes e se sentem bem. Béranger fica horrorizado que um cidadão tão nobre e sensato escolha tal caminho.

Enquanto isso, Daisy vem correndo para o apartamento. Ela informa aos homens que seu chefe também se tornou um rinoceronte, para acompanhar esse fenômeno que agora está na moda. Béranger pensa que os rinocerontes podem de alguma forma ser isolados dos humanos para impedir o crescimento populacional, mas os convidados o convencem de que os parentes dos rinocerontes serão contra, assim como os ativistas dos direitos dos animais.

Dudar claramente simpatiza com Daisy, no entanto, ele tem ciúmes dela por Beranger, então ele deixa seus interlocutores e se transforma em um rinoceronte voluntariamente.

Daisy e Beranger, que ficam sozinhas, ficam assustadas, pois o rugido dos animais se ouve de todos os lugares, até pelo rádio. Logo a menina muda de ideia, decidindo que os rinocerontes são dignos de respeito e, tendo recebido um tapa na cara do indignado Beranger, vai para o rebanho.

O homem fica sozinho, ele pondera se precisa ser um rinoceronte. Com isso, ele procura uma arma, preparando-se para se defender até o fim.

O protagonista da peça é Beranger

Toda a ação que ocorre na peça de Ionesco "O Rinoceronte" gira em torno de Beranger.

Contra o pano de fundo de outros residentes respeitáveis ​​​​da cidade, ele parece um pária. Desarrumado, pouco pontual, muitas vezes falando fora do lugar, outros, até mesmo Melhor amigo Jean. Ao fazer isso, ele não causa nenhum dano a ninguém, exceto talvez a si mesmo.

No entanto, à medida que a ação se desenvolve, verifica-se que a principal falha de Beranger é apenas que ele não se esforça para cumprir as normas ou moda geralmente aceitas. Então, quando todos no café estão ocupados observando rinocerontes, um homem pensa em sua namorada. Além disso, ele não tenta mentir para entrar no time e acidentalmente expõe outras mentiras.

Ao contrário dos habitantes racionais da cidade, Berenger vive de sentimentos. Ele está apaixonado por Daisy e por causa dela não percebe os problemas que o cercam. Além disso, um homem que claramente parece um alcoólatra valoriza muito mais a amizade do que Jean, que está correto em todos os aspectos. Afinal, para fazer as pazes com ele, Berenger se recusa até a sair para beber.

Outra diferença é o sentimento de inferioridade. Quando tudo ainda está calmo na cidade, o herói parece desfavorável contra o pano de fundo das pessoas ao seu redor. E quando todos os habitantes, por vários motivos, se tornam animais, recusando-se a se tornar um rinoceronte, Beranger novamente se sente diferente de todos os outros.

Eugene Ionesco "Rhinos": análise

Se hoje o estilo da peça e as ideias nela expressas parecem comuns, então na época de seu surgimento nos anos sessenta era algo novo, se destacando.

Isso foi facilitado pelo fato de esta peça incluir todas as características do teatro do absurdo, que foram distinguidas nessa direção por Eugene Ionesco ("Rhinos"). Os críticos receberam a peça positivamente, em particular, consideraram esta obra antifascista. No entanto, o próprio autor reagiu negativamente a tal interpretação de sua obra, argumentando que suas ideias eram muito mais amplas, mas todos são livres para interpretá-las a seu próprio critério.

Em sua obra, o escritor protestou ativamente contra quaisquer ideias totalitárias que transformam as pessoas em uma massa cinzenta submissa, destruindo a individualidade.

Nesta peça, características do teatro do absurdo como a negação do realismo são claramente traçadas - todos os eventos parecem fantásticos e sem sentido. Espectadores e leitores entendem o que aconteceu, mas por que as pessoas de repente começaram a se transformar em rinocerontes (punição por pecados, truques de OVNIs ou qualquer outra coisa), ninguém sabe.

O pensamento racional e pragmático, que Ionesco considerava a causa de todos os problemas, também é criticado na peça. O único personagem irracional de Beranger permanece imune a uma estranha doença que transforma as pessoas em rinocerontes.

Curiosamente, em sua peça, Eugene Ionesco descreveu todas as etapas da tecnologia de legalização de qualquer fenômeno estranho à sociedade, que foi formulado e chamado de janela de Overton apenas nos anos noventa do século XX. Segundo ela, qualquer ideia, mesmo a mais selvagem, por exemplo, canibalismo, pode ser aceita pela sociedade como norma, tendo passado por seis estágios: impensável, radical, aceitável, razoável, padrão e normal.

Fase do destino da peça

Após sua magnífica atuação em teatro parisiense"Odeon" em 1960, o drama "Rhinos" foi encenado em vários países do mundo. A peça foi inicialmente percebida como antifascista, então na estreia alguns dos personagens estavam vestidos com uniformes militares alemães. Mas com o passar dos anos, sua percepção mudou e novos diretores usaram outras técnicas para transmitir sua visão.

Rhinoceros já foi encenado na maioria dos palcos mais famosos do mundo, e os maiores atores do teatro e do cinema tiveram a honra de atuar nesta peça. Pela primeira vez, o papel de Beranger foi interpretado pelo ator francês Jean-Louis Barrot. Mais tarde, esse personagem foi interpretado por artistas famosos como Viktor Avilov, Laurence Olivier, Benedict Cumberbatch e outros.

O destino dos rinocerontes na URSS

Tendo se tornado uma reconhecida obra antifascista, após a estreia, Rhinos apareceu na URSS apenas cinco anos depois. A peça foi publicada na Literatura Estrangeira. Mas logo foi banido, pois as ideias expressas em Rhinos criticavam o comunismo e o socialismo. No entanto, isso não impediu a propagação da peça. Seu texto foi copiado, reimpresso e passado de mão em mão. E a proibição acrescentou popularidade sem precedentes a este trabalho.

Em 1982, a peça foi encenada por um dos teatros amadores de Moscou. No entanto, quase imediatamente após a estreia, a apresentação foi encerrada e eles não foram autorizados a encená-la até a Perestroika. No entanto, depois que Gorbachev chegou ao poder, os Rhinos começaram sua marcha vitoriosa pelas melhores fases da URSS e depois da Rússia.

Citações de Rinocerontes

Um dos elementos integrantes do teatro do absurdo Ionesco considerou um jogo de palavras. "Rhinoceros" (citações abaixo) continha muitos paradoxos verbais. Por exemplo, pensando em Lógica sobre um gato.

Ou um pequeno diálogo sobre crianças:

- Eu não quero ter filhos. Que chato.
Como você vai salvar o mundo então?
"Por que você precisa salvá-lo?"

Também profundos são os pensamentos dos heróis sobre a verdade: "Às vezes você faz o mal por acidente, sem querer, ou inadvertidamente o encoraja."

Mais de cinquenta anos após sua estreia, a peça "Rhinos" de Ionesco ainda não perde sua relevância e é encenada em diversos teatros do mundo.

Esse pensamento é confirmado por seu famoso drama Rhinos. Parece que o absurdo óbvio desaparece nele, e elementos artísticos não convencionais e realistas penetram no texto. "Rhinoceros" não é uma "anti-peça" à maneira de "The Holomozoa Singer" com seu "interior inglês" totalmente exagerado, personagens fantoches e situações de enredo absurdas. Se "Golomoza o cantor", que Ionesco chamou de "neabsurdnish" e "neebezladnishoy" de suas peças, privou as leis de ação dramática, composição, personagens, então o drama "Rhinos" tem o costume estrutura dramática. O próprio autor enfatizou que é "tradicional e clássico em design. Segui as leis básicas do teatro aqui: uma ideia simples, o mesmo desenvolvimento simples de ação e um desenlace puro".

A área de uma cidade provincial francesa. Dois amigos estão sentados conversando em uma cafeteria: Berenger e Jean. Jean se irrita com o comportamento, hábitos e modo de vida do amigo, sua falta de pontualidade, sua paixão pelo álcool. Berenger justifica-se: está entediado nesta cidade, não foi criado para o trabalho diário de oito horas, cansa-se e bebe, "para cair no esquecimento" e não sentir o "medo da existência". Jean o tempo todo, com a ajuda de uma didática nua, quer colocar seu amigo sem talento no caminho certo, exorta-o a "armar-se" com tolerância, cultura, inteligência, "tornar-se o dono da situação", cumprir conscienciosamente " dever oficial". Em resposta aos argumentos de Jean Beranger, ele apenas boceja: ao contrário de seu segundo dogmático e cumpridor da lei, é difícil para ele usar "um chapéu limpo, uma gravata desamassada, sapatos engraxados" todos os dias ...

Mas de repente a conversa sobre a paz provincial é interrompida. Um rinoceronte aparece na cidade. Depois a segunda, a terceira... Uma epidemia inusitada começa: os habitantes da cidade começam a se transformar - e de forma totalmente voluntária e consciente, mesmo aqueles que inicialmente resistiram - em animais de pele grossa. No rinoceronte, os colegas de Beranger se voltam: Sr. Bef e Sr. Papillon, Bothard e Dudar. Seu amigo Jean e seu amado Desi também se juntam ao rebanho.

Apenas um Beranger, que, nas palavras de E. Ionesco, "se opôs à história", admite com horror: "Eles enlouqueceram. O mundo está doente. Estão todos doentes." Ele é um dos moradores "sóbrios" da cidade, que se transformou em uma manada de rinocerontes, entende que é preciso "confiar neles de forma consciente e ingênua". E no final do drama, Beranger - um único homem entre os animais - dirige-se a todas as cabeças de rinoceronte: "Não vou com vocês. Não os entendo! Vou continuar sendo quem sou. Sou um homem. Um homem." E embora esteja sujeito a uma fraqueza momentânea (“OB! Como eu gostaria de ser como eles! É uma pena que não tenho chifre!”), Beranger conseguiu cair em si para o mesmo dever e proferir seu último palavras da peça: "Contra todos eu vou lutar! Eu sou o último homem e serei ela até o fim! Não vou desistir!"

Mas como essa parábola pode ser interpretada? Qual o significado da massificação oncológica na obra e a resistência do protagonista? O que a metáfora de Ionesco esconde em si?

O dramaturgo explicou que Ponto de partida"Na criação de" Rhinos "estava a história do escritor Denis de Rougemont sobre a manifestação dos nazistas em Nuremberg em 1938. A multidão esperava a chegada de Hitler, ele caiu em uma espécie de histeria, e Rougemont foi o primeiro surpreso com tais sinais de psicose em massa. "Quando Hitler, - diz Ionesco , - revelou-se muito próximo e ao seu redor todos caíram total e completamente em transe, ele sentiu que uma sensação de frenesi estava crescendo nele, que o general a loucura "eletrifica-se". Ele estava pronto para ser submetido a esses feitiços, quando todo o seu ser se rebelou e resistiu à loucura coletiva ... "

Ionesco confessou que “Rhinoceros” é “uma peça antifascista”, que “buscou mesmo descrever o processo de pacificação do país”, e “no início o nazismo foi entendido por “doença do rinoceronte”. Pelo menos foi o fascismo, em particular a sua origem na Roménia nos anos 30, que levou o dramaturgo a criar a peça. E alguns diretores, como o destacado diretor francês Jean-Louis Barrault, interpretaram Rhinos como um drama antifascista. E a famosa escritora Elsa Triolet defendeu a possibilidade de uma interpretação exclusivamente antifascista da peça.

Mas o significado da parábola dramática (a saber, é isso que é a peça de Jones) é sempre mais amplo do que um fenômeno particular, "Rhinoceros" não fornece uma única interpretação. O crítico francês Paul Surer observou apropriadamente: "Rhinoceros" não é uma crítica, como alguns entenderam, de um certo regime - um regime nazista totalitário - em um determinado país, em um determinado período histórico; este é um estudo do processo geral de qualquer recrutamento coletivo, traçado desde o momento de seu início até sua conclusão. "Sim, o próprio Ionesco alertou contra uma interpretação exclusivamente antifascista de seu drama: Rhinos é sem dúvida uma obra antinazista, mas acima de tudo é um jogo contra a histeria coletiva e as epidemias, que se escondem sob o disfarce da mente e das ideias, mas não se tornam doenças coletivas menos graves que justificam ideologias diferentes. O dramaturgo observou que sua peça é "uma descrição bastante objetiva do crescimento do fanatismo, do nascimento do totalitarismo ... A peça deve traçar e identificar as etapas desse fenômeno".

Beranger é o protagonista de "Rhinoceros", um herói que, segundo o autor, se dedica à "busca do sentido da vida, da busca do principal da nossa realidade", um herói que sofre com "sua alienação" e de "suas deficiências". É importante que, apesar de sua óbvia simpatia por Beranger, Ionesco não o concebeu como a imagem de uma pessoa ideal, um lutador, uma personalidade titânica capaz de enfrentar sozinho uma sociedade enferma de rinite. O dramaturgo observou que pode ser chamado de positivo se "reconhecer que uma pessoa tem o direito de se retirar em sua solidão", e ao mesmo tempo, Beranger é uma imagem negativa, "se considerarmos que uma pessoa não tem o direito de ser submetido à sua solidão... para dizer uma coisa - Berenger odeia o regime totalitário."

O absurdo deliberado do que está acontecendo, a falta de sentido dos diálogos nos primeiros dramas de Ionesco são substituídos em Rhinos por uma ação em desenvolvimento consistente, um único núcleo de enredo. Pela inter-relação das observações de Ionesco, até certo ponto, "trai" a forma estática do antidrama, introduz a ação dinâmica; personagens fantoches sem rosto têm nomes: Jean Dudar, Berenger. Mas, no entanto, os personagens dos rinocerontes continuam sendo máscaras, incorporando vários modelos comportamento social, que juntos constituem, do ponto de vista de Ionesco, um modelo universal de humanidade.

A cena é uma pequena cidade provinciana. O nível de interesses dos seus habitantes ilustra bem o pensamento estereotipado, a rotina da existência, o culto ao “bom senso” e ao bem-estar pessoal. Entre os “guardiões” das verdades comuns, destaca-se a figura de Beranger, vivendo na contramão do “senso comum”. Ele trata com desdém o que seus concidadãos reverenciam como um indicador do "preço" de uma pessoa: limpeza enfatizada, pedantismo, incrível semelhança de pensamentos. Seus ditos significativos sobre até mesmo as coisas mais comuns soam como uma repetição monótona de verdades comuns endurecidas de uma vez por todas. Beranger, ao contrário de seus concidadãos, não busca ter sucesso, fazer carreira. Ele tem nojo da praticidade, do hábito de obedecer sem pensar.

Do ponto de vista do "senso comum", Berenger é um perdedor. Ele é pobre porque negligencia os padrões de comportamento geralmente aceitos. Jean é exatamente o oposto de Berenger. Do alto de seu próprio bem-estar, ele ensina seu amigo. O pathos de sua "lição" está nas verdades comuns, "desgastadas" pelo uso muito frequente, nas palavras de Beranger.

A invasão da doença do "rinoceronte" é percebida pelos citadinos como outra necessidade que deve ser obedecida, sob pena de serem suspeitos de insegurança. Todos se esforçam para estar entre os primeiros a “ficar com tesão” para testemunhar sua educação. Os funcionários foram os primeiros a mudar de pele - uma categoria social para quem a capacidade de obedecer sem pensar é a maior virtude. As regras do “jogo” permitem apenas duas escolhas: quem “errou” a tempo prospera, quem não teve tempo ou não quis está fadado à miséria. Beranger pertence à categoria deste último; ele resiste ativamente à epidemia, condenando-se ao isolamento e ao exílio. Berenger diz: “A solidão pesa sobre mim. A sociedade também." O herói de Ionesco se liberta das amarras do casamento

onets em sua oposição à explosão geral de sentimentos leais.

“Rinoceronte” é um símbolo amplo que pode ser lido de múltiplas maneiras: é também o perigo de qualquer recrutamento coletivo que ameace a liberdade; é também o elemento do conformismo, o terreno fértil para todas as formas de totalitarismo; é também uma metáfora para a praga fascista. Ionesco foi enfaticamente distante de qualquer interpretação, dando total liberdade aos leitores/espectadores e principalmente aos diretores. O famoso diretor francês Jean-Louis Barrault em um dos primeiros produções parisienses 1969 deu à peça um caráter antifascista pronunciado. No rugido dos rinocerontes ouvido nos bastidores, a música “Lili Marlene”, popular durante os anos da Wehrmacht, e o barulho das botas foram claramente ouvidos.

Foi só depois da atuação de Barro que Ionesco, que permaneceu calado, finalmente se pronunciou: “Rhinoceros é sem dúvida uma obra antinazista, mas acima de tudo, esta peça é contra a histeria coletiva e as epidemias que justificam ideologias diferentes”.

A dramaturgia de E. Ionesco, parodiando os aspectos paradoxais e absurdos da existência humana, “ensina ao homem a liberdade de escolha”, compreendendo a sua própria vida e o seu lugar no mundo. “Nós, eu, começamos a mostrar o mundo e a vida em sua paradoxalidade real, real e não suavizada e não açucarada. O teatro é projetado para ensinar a uma pessoa a liberdade de escolha, ela não entende nem sua própria vida nem a si mesma. Daqui, desta vida tão humana, nasceu o nosso teatro.

Samuel Beckett (1906-1989)

A obra de S. Beckett como dramaturgo começa apenas na década de 50. Naquela época, atrás dele havia um trabalho árduo ao ponto da obsessão, publicado em 1938 o romance "Murphy", um brilhante ensaio sobre M. Proust (1931) e D. Joyce (1929). Na trilogia de romances - "Molloy" (1951), "Malon Dies" (1951), "Nameless" (1953) - são traçadas as principais linhas de desenvolvimento da dramaturgia de Beckett.

Até 1939, antes de sua mudança final para Paris, o irlandês Beckett escreveu em inglês. Durante o primeiro período da sua estada em Paris, de 1929 a 1933, foi secretário pessoal de D. Joyce, que teve uma influência significativa no desenvolvimento criativo do escritor. Depois de 1939, Beckett escreve em dois idiomas - inglês e francês. O bilinguismo determinou a originalidade do estilo de Becket: uma virada especial da palavra, elipticidade, jogo demonstrativo de consoantes e vogais foram usados ​​​​pelo escritor como meio de inovação linguística. Beckett procurou, em suas palavras, "embotar a linguagem": "Fica mais fácil para mim escrever sem estilo."

A dramaturgia, que trouxe fama mundial ao escritor, atraiu-o com a oportunidade de mostrar com clareza a natureza paradoxal da existência humana. O empobrecimento do vocabulário, silêncios e pausas são usados ​​por Beckett em seus dramas para expor a contradição entre a “coisa chamada” e a essência. Não admira que ele acreditasse que "a arte não é necessariamente expressão".

A evidência concreta substitui a palavra como meio de comunicação. Na peça “Not Me” (1972), em um palco vazio sob os holofotes, há apenas uma boca, vomitando febrilmente uma torrente de palavras incoerentes: “aqui ... neste mundo ... um bebezinho ... prematuro... no maldito... o quê?... uma menina?... nesse... buraco maldito chamado... chamado... deixa pra lá... pais sabe-se lá quem... nada digno de atenção até os sessenta, quando o quê?... setenta?... Senhor Deus!... alguns passos... então pare... olhe para o espaço... pare e olhe de novo... nadou onde ela os olhos olham... como de repente... aos poucos tudo se apagou... toda aquela luz da manhã de abril... e ela se viu em... o quê?... quem?... não!... ela ! (pausa e movimento) ... estava no escuro. Palavras e pausas aqui são calculadas matematicamente, borrando a diferença entre uma cena ao vivo e uma gravada, entre fala, ruído e silêncio. As palavras de Beckett existem para brincar, criando sua própria realidade. A atitude lúdica em relação à realidade está inextricavelmente ligada à ironia, que mina a inequívoca dos julgamentos e avaliações.

Na peça “Happy Days” (1961), tudo é irônico, a começar pelo título. Os heróis da peça - Winnie e Willy - estão gradualmente mergulhando na cova; ao mesmo tempo, Winnie não se cansa de repetir: “Ah, que dia feliz!”, Percebendo o calor escaldante do sol do meio-dia como uma espécie de graça - “Verdadeiramente, as misericórdias são grandes para mim”. As palavras "dias felizes", correndo como um refrão ao longo da peça, são uma paráfrase de uma expressão inglesa comum. Essas palavras do drama não refletem nem os sentimentos de felicidade e alegria, nem a beleza do momento vivido. Mas Winnie não sabe "o que fazer até encontrar as palavras". Evitando pausas indesejadas, ela preenche o vazio com elas.

Os personagens de Beckett são capazes de ridicularizar a natureza tragicômica de sua situação: Winnie e Willy estão acima do solo, queimados pelos impiedosos raios do sol; Nell e Nugg (Endgame, 1957) - sobre a dor. Nell diz ao marido: “Não há nada mais engraçado do que a dor. E a princípio rimos disso, rimos com vontade ... mas não muda. Como é isso boa piada que ouvimos com muita frequência. Ainda achamos que ele é espirituoso, mas não rimos mais."

Nas peças de Beckett não há limites claros entre o riso e as lágrimas. Em Endgame, Hamm diz: "Você chora e chora para não rir." O riso de Beckett é uma máscara trágica atrás da qual se esconde toda a complexidade da vida, que não é passível de avaliações inequívocas.

A ficção de Beckett se desenvolve apenas em direção a um vazio total cada vez maior, no qual os personagens, o enredo, a linguagem se transformam em nada. A impotência para influenciar o curso dos acontecimentos é fixada em suas peças pela completa imobilidade, estática. Este paradoxo é incorporado na imagem visual. O mundo de Beckett é habitado por criaturas aleijadas incapazes de se mover por conta própria. Em "Endgame" a ação é fechada por quatro paredes da sala, os personagens são aleijados e velhos: Hamm é acorrentado a uma cadeira de rodas, seus pais são jogados em latas de lixo. Em The Game (1963), os personagens sem nome - Zh2, M e Zh1 - são colocados em vasilhas que simbolizam "urnas caixão". Em "Kachi-Kach" (1981), a imagem do "movimento estacionário" é recriada

é dado por uma cadeira de balanço, que, sem parar um minuto, não se mexe.

mundo da arte Beckett é um mundo de eterna repetição, no qual o começo coincide com o fim. Dia após dia, a expectativa de Vladimir e Estragon se renova (“Esperando Godot”). Em Happy Days, cada novo dia é semelhante ao anterior. Winnie é lentamente engolida pela terra, mas teimosamente imersa na mesquinha vaidade dos hábitos cotidianos: “...tudo aqui é tão estranho. Nunca nenhuma mudança."

Beckett tenta "dar voz" à dor geral da desesperança. Em Endgame, Hamm diz a Clov: “Hoje à noite eu olhei dentro do meu peito. Houve um grande bobo."

"Esperando Godot" - o mais peça famosa Beckett, que estava destinado a grande fama e pelo qual foi premiado em 1969. premio Nobel. Com todo o rigor na avaliação do seu próprio trabalho, Beckett admitiu em entrevista: “Escrevi todas as minhas coisas em muito pouco tempo, entre 1946 e 1950. Então nada que valesse a pena, na minha opinião, se foi.” Por "estar" significava uma trilogia de romance e um drama sobre Godot.

Curso de palestras

Fitzgerald foi um dos primeiros na literatura americana a abordar o tema do colapso do "sonho americano".

O crítico literário americano M. Cowley descreveu com muita precisão a técnica inerente de Fitzgerald "visão dupla" Como recurso este artista da palavra. “Ele desenvolveu uma visão dupla. Ele não se cansou de admirar o ouropel dourado da vida de Princeton, Riviera, North Shore de Long Island e dos estúdios de Hollywood, envolveu seus heróis em uma névoa de adoração, mas ele mesmo dissipou essa névoa. Sobre a perda de ilusões e a colisão com a realidade que se transforma em tragédia e é contada em romances, contos, em seu ensaio “Crash” (1936), onde discorreu sobre o fato de que em primeiros anos dele vida adulta Eu vi "como coisas incríveis, improváveis, às vezes impensáveis, se tornam realidade". O caminho da colisão com a realidade, o caminho da catástrofe espiritual, a perda de ideias idealistas, o desperdício de talento são os heróis dos romances"O Grande Gatsby"(1925), Tender is the Night (1934), romance inacabado "O Último Magnata". Mas já no primeiro romance "Este Lado do Paraíso"(1920) o tema da "perda" foi ouvido, abraçando idealistas românticos quando confrontados com a dura prosa da realidade.

A morte do talento é contada no romance"A noite é tenra" . Enquanto trabalhava na obra, o autor enfatizou: "... o colapso será determinado não pela covardia, mas por fatores verdadeiramente trágicos, contradições internas do idealista e compromissos que as circunstâncias impõem ao herói." Na tendência cada vez maior dos artistas de satisfazer as necessidades do mercado, de dar arte às necessidades dos negócios, Fitzgerald viu uma das manifestações da "tragédia americana".

O romance de Fitzgerald é o mais famoso e reconhecido. "O Grande Gatsby". O herói da obra, que enriqueceu com o comércio ilegal de álcool, está pronto para dar tudo de si e de toda a sua fortuna à sua amada Daisy. O sonho de amor e felicidade vive em sua alma. Ele está obcecado com esse sonho. Gatsby invade o mundo da riqueza e do luxo, ao qual pertence Daisy, que não esperou que Gatsby voltasse da guerra e se casou com Tom Buchanan. Dinheiro não faz Gatsby feliz. O dinheiro paralisa Daisy, priva-a de qualquer ideia sobre amor verdadeiro, decência e moralidade. Ela e o marido são os responsáveis ​​pela morte de Gatsby. Viver em um mundo de luxo os roubou de culpa e responsabilidade. A grande ternura, amor, altruísmo de Gatsby não eram compreendidos por Daisy, ela não conseguia apreciá-los, assim como todos que viviam em seu mundo. Em O Grande Gatsby pensamento artístico Fitzgerald recebeu a expressão mais completa. M. Cowley declarou: “Fitzgerald sentiu sua conexão de sangue com o tempo tão profundamente quanto qualquer outro

Literatura estrangeira. século 20

escritor de sua época. Ele tentou com todas as suas forças preservar o espírito da época, a singularidade de cada um de seus anos: palavras, danças, canções populares, nomes de ídolos do futebol, vestidos da moda e sentimentos da moda. Desde o início, ele sentiu que tudo o que era típico de sua geração estava se acumulando nele: ele podia olhar para dentro de si e prever com o que as mentes de seus contemporâneos logo estariam ocupadas. Ele sempre foi grato à Era do Jazz pelo que, em suas próprias palavras, falando de si mesmo na terceira pessoa, "esta era o criou, o lisonjeou e o enriqueceu simplesmente porque ele disse às pessoas que pensa e sente da mesma maneira , como eles."

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2000, pp. 356–373.

3. Literatura estrangeira. Século XX: livro didático. para garanhão. ped. universidades / N.P. Michalskaya [e outros]; abaixo do total ed. N.P. Michalskaya. - M.: Abetarda,

2003. - S. 214-252.

Curso de palestras

Palestra nº 14

teatro do absurdo

1. "Teatro do Absurdo". Características gerais.

2. Peculiaridades técnica narrativa S. Beckett.

3. Características da técnica narrativa de E. Ionesco.

1. "Teatro do Absurdo". características gerais

"Teatro do Absurdo" é o nome geral da dramaturgia do período pós-vanguarda dos anos 1950-1970. Esta explosão peculiar foi preparada gradualmente, era inevitável, embora tivesse em cada país europeu, além dos pré-requisitos gerais e próprios, nacionais. General é o espírito de serenidade, complacência pequeno-burguesa e conformismo que reinou na Europa e nos Estados Unidos após a Segunda Guerra Mundial, quando o palco era dominado pela vida cotidiana, pela terra, que se tornou uma espécie de rigidez e silêncio do teatro durante a “década assustada”.

Era óbvio que o teatro estava no limiar de um novo período de sua existência, que eram necessários métodos e técnicas de representação do mundo e do homem que atendessem às novas realidades da vida. O teatro pós-vanguardista é o mais ruidoso e escandaloso, desafiando a arte oficial com sua técnica artística chocante, varrendo por completo as velhas tradições e performances. O teatro, que assumiu a missão de falar do homem como tal, homem universal, mas considerando-o como uma espécie de grão de areia na existência cósmica. Os criadores deste teatro partiram da ideia de alienação e solidão sem fim no mundo.

Pela primeira vez, o teatro do absurdo se declarou na França ao encenar uma peça E. Ionesco "O Cantor Careca"(1951). Ninguém então imaginou que uma nova tendência estava surgindo no drama moderno. Em um ano

Literatura estrangeira. século 20

O próprio termo "teatro do absurdo", que uniu escritores de várias gerações, foi aceito tanto pelo espectador quanto pelo leitor. No entanto, os próprios dramaturgos o rejeitaram resolutamente. E. Ionesco disse: “Seria mais correto chamar a direção a que pertenço de teatro paradoxal, mais precisamente, mesmo de “teatro paradoxal”.

A obra dos dramaturgos do teatro do absurdo era na maioria das vezes, segundo T. Proskurnikova, “uma resposta pessimista aos fatos da realidade do pós-guerra e um reflexo de suas contradições que influenciaram consciência pública segunda metade do nosso século. Isso se manifestou principalmente em uma sensação de confusão, ou melhor, de perda, que tomou conta da intelectualidade européia.

A princípio, tudo o que os dramaturgos falavam em suas peças parecia um absurdo apresentado em imagens, uma espécie de “bobagens juntas”. Ionesco em uma de suas entrevistas afirma: “A vida não é paradoxal, não é absurda do ponto de vista do senso comum médio? O mundo, a vida é extremamente inconsistente, contraditória, inexplicável pelo mesmo senso comum... Uma pessoa na maioria das vezes não entende, não consegue explicar com consciência, mesmo com um senso de toda a natureza das circunstâncias da realidade em que ele vive. E, portanto, ele não entende sua própria vida, ele mesmo.

A morte nas peças é um símbolo da perdição de uma pessoa, até personifica o absurdo. Portanto, o mundo em que vivem os heróis do teatro do absurdo é o reino da morte. É intransponível por qualquer esforço humano, e qualquer resistência heróica perde seu sentido.

A impressionante ilogicidade do que está acontecendo, a inconsistência deliberada e a falta de motivação externa ou interna para as ações e comportamentos dos personagens nas obras de Beckett e Ionesco criaram a impressão de que os atores estavam envolvidos na performance, que nunca haviam tocado juntos antes e partiram para derrubar uns aos outros a todo custo, mas ao mesmo tempo e confundir o espectador. Espectadores desanimados cumprimentavam essas apresentações às vezes com vaias e assobios. Mas logo a imprensa parisiense começou a falar sobre o nascimento de um novo teatro, projetado para se tornar a "descoberta do século".

O apogeu do teatro do absurdo já passou, e os problemas colocados por S. Beckett e E. Ionesco, sua técnica dramática, permanecem relevantes até hoje. O interesse pelo teatro do absurdo não apenas não diminuiu, mas, ao contrário, está crescendo constantemente, inclusive na Rússia, como evidenciado pelas produções da peça de S. Beckett "Esperando Godot" no Teatro Bolshoi de São Petersburgo (temporada 2000). Qual a razão do sucesso do teatro do absurdo, que durante muito tempo foi proibido em nosso país? Não é paradoxal que o teatro interesse,

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quem convidou o público a conhecer uma criatura que só externamente se assemelha a uma pessoa, uma criatura lamentável e humilhada, ou, ao contrário, satisfeita com suas limitações e ignorância?

Na obra dos dramaturgos do teatro do absurdo, sente-se o aprofundamento da percepção trágica da vida e do mundo como um todo.

As figuras deste teatro - S. Beckett, E. Ionesco, J. Genet, G. Pinter - escrevem, via de regra, sobre o trágico destino de uma pessoa, sobre a vida e a morte, mas vestem suas tragédias na forma de um farsa, bufonaria.

2. Características da técnica narrativa de S. Beckett

É nesse gênero que a peça de S. Beckett (1909–1989) foi escrita "Esperando por Godot"(1953). Após a apresentação da peça, o nome de seu autor tornou-se mundialmente famoso. Esta peça é a melhor personificação das ideias do teatro do absurdo.

A base do trabalho estabelecem a trágica experiência pessoal e pública do escritor, que sobreviveu aos horrores da ocupação fascista da França.

Localização na peça- uma estrada secundária abandonada com uma árvore seca solitária. A estrada incorpora o símbolo do movimento, mas não há movimento, assim como a ação do enredo. A estática da trama pretende demonstrar o fato da ilogicidade da vida.

Duas figuras solitárias e indefesas, duas criaturas perdidas em um mundo estranho e hostil, Vladimir e Estragão, estão esperando pelo Sr. Godot, um encontro com o qual deve resolver todos os seus problemas. Os heróis não sabem quem ele é e se pode ajudá-los. Eles nunca o viram e estão prontos para levar qualquer transeunte para Godot. Mas esperam-no teimosamente, preenchendo o infinito e o tédio da espera com falas de nada, com ações sem sentido. Estão sem-teto e famintos: dividem o nabo ao meio e muito devagar, saboreando-o, comem-no. O medo e o desespero da perspectiva de continuar a arrastar uma existência insuportavelmente miserável mais de uma vez os leva a pensamentos suicidas, mas a única corda se rompeu e eles não têm outra. Todas as manhãs eles vêm ao local de encontro combinado e todas as noites saem de mãos vazias. Este é o enredo da peça, composta por dois atos.

Externamente, o segundo ato parece repetir o primeiro, mas isso é apenas na aparência. Embora nada tenha acontecido, mas ao mesmo tempo muita coisa mudou. “A desesperança se intensificou. Passou um dia ou um ano, não sei. Os heróis envelheceram e finalmente perderam o ânimo. Estão todos no mesmo lugar, embaixo da árvore. Vladimir ainda está esperando por Godot, ou melhor, tentando convencer seu amigo (e a si mesmo) disso. Estragon perdeu toda a fé."

Os heróis de Becket só podem esperar, nada mais. Isso é paralisia completa. Mas essa expectativa está se tornando cada vez mais sem sentido,

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pois o falso mensageiro (menino) adia constantemente o encontro com Godot para "amanhã", não aproximando o infeliz um passo do objetivo final.

Beckett sustenta a ideia de que não há nada no mundo do qual uma pessoa possa ter certeza.. Vladimir e Estragon não sabem se realmente estão no local indicado, não sabem que dia da semana e ano são. A incapacidade de entender e compreender vida circundante fica evidente pelo menos no segundo ato, quando os heróis, chegando no dia seguinte, não reconhecem o local onde esperaram Godot no dia anterior. Estragon não reconhece seus sapatos e Vladimir não consegue provar nada a ele. Não apenas os personagens, mas junto com eles os espectadores involuntariamente começam a duvidar, embora o lugar da espera ainda seja o mesmo. Nada na peça pode ser dito com certeza, tudo é instável e indefinido. Um menino corre para Vladimir e Estragon duas vezes com uma ordem de Godot, mas na segunda vez o menino diz a eles que nunca esteve aqui antes e vê os heróis pela primeira vez.

Na peça, surge repetidamente uma conversa de que os sapatos de Estragon estão apertados, embora estejam gastos e cheios de buracos. Ele constantemente os coloca e os tira novamente com grande dificuldade. O autor, por assim dizer, nos diz: você também, toda a sua vida, não pode se livrar dos grilhões que o privam do movimento. Episódios com sapatos introduzem na peça os elementos de um começo cômico e ridículo, são as chamadas "imagens de base" (Koreneva M.), emprestadas por Beckett da tradição da "cultura de base", em particular o salão musical e palhaço de circo. Mas, ao mesmo tempo, Beckett traduz a técnica da farsa para um plano metafísico, e os sapatos tornam-se um símbolo do pesadelo do ser.

Os truques de palhaçada estão espalhados por toda a obra: aqui, por exemplo, está a cena em que o faminto Estragão mordisca avidamente os ossos de galinha que o rico Pozzo, Lucky, o criado de Pozzo, joga para ele, observando com saudade como seu jantar é destruído. Essas técnicas estão presentes nos diálogos e nas falas dos personagens: quando colocam o chapéu em Lucky, ele solta um fluxo verbal totalmente incoerente, eles tiram o chapéu - o fluxo imediatamente secou. Os diálogos dos personagens são muitas vezes ilógicos e partem do princípio de que cada locutor fala do seu, sem ouvir o outro; às vezes, os próprios Vladimir e Estragon se sentem como se estivessem em uma apresentação de circo:

Vl.: Noite maravilhosa. Estr.: Inesquecível. Vl.: E ainda não acabou. Ester: Aparentemente não.

Vl.: Está apenas começando. Ester: É terrível.

Vl.: Estamos definitivamente no show. Estr.: No circo.

Vl.: Na sala de música.

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Estr.: No circo.

O malabarismo incessante de palavras e frases preenche o vazio de um estado de expectativa insuportável; tal jogo de palavras é o único fio que separa os heróis da inexistência. Isso é tudo que eles podem fazer. Diante de nós está uma completa paralisia do pensamento.

Baixo e alto, trágico e cômico estão presentes na peça em uma unidade inseparável e determinam natureza do gênero funciona.

Quem é Godot? Deus (Deus?) Morte (Tod?) Existem muitas interpretações, mas uma coisa é clara: Godot é uma figura simbólica, ela é completamente desprovida de calor humano e esperança, ela é etérea. O que espera Godot? talvez sozinho vida humana que se tornou neste mundo nada mais do que a expectativa da morte? Quer Godot venha ou não, nada mudará, a vida continuará sendo um inferno.

O mundo na tragédia de Beckett é um mundo onde "Deus está morto" e "os céus estão desertos" e, portanto, as expectativas são fúteis.

Vladimir e Estragon são viajantes eternos, "toda a raça humana", e a estrada pela qual eles vagam é a estrada da existência humana, cujos pontos são condicionais e acidentais. Como já foi dito, não há movimento propriamente dito na peça, há apenas movimento no tempo: no intervalo entre o primeiro e o segundo ato, folhas desabrocham nas árvores. Mas esse fato não contém nada de concreto - apenas uma indicação do fluxo do tempo, que não tem começo nem fim, assim como não há na peça, onde o final é totalmente adequado e intercambiável com o começo. O tempo aqui é apenas “para envelhecer”, ou não, à maneira de Faulkner: “a vida não é um movimento, mas uma repetição monótona dos mesmos movimentos. Daí o fim da peça:

VL: Então vamos lá.

Ester: Vamos.

Observação: Eles não se movem.

Os criadores da dramaturgia do absurdo elegeram o grotesco como principal meio de revelação do mundo e do homem, técnica que se tornou dominante não só na dramaturgia, mas também na prosa da segunda metade do século XX, como atestam os declaração do dramaturgo e escritor de prosa suíço F. Dürrenmatt: “Nosso mundo chegou ao grotesco, assim como à bomba atômica, assim como as imagens apocalípticas de Hieronymus Bosch são grotescas. O grotesco é apenas uma expressão sensual, um paradoxo sensual, uma forma para algo sem forma, a face de um mundo desprovido de face.

Em 1969, o trabalho de S. Beckett recebeu o Prêmio Nobel.

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3. Características da técnica narrativa de E. Ionesco

Ionesco Eugene (1912-1994) - um dos criadores do "anti-drama" e

para a França, até os 11 anos morou no vilarejo francês de La Chapelle Antenez, então em Paris. Mais tarde, ele disse que as impressões infantis da vida na aldeia foram amplamente refletidas em seu trabalho como memórias de um paraíso perdido. Aos 13 anos voltou para a Romênia, para Bucareste, onde viveu até os 26 anos. Em 1938 ele voltou para Paris, onde viveu o resto de sua vida.

Assim, na obra de Ionesco, o sistema de pensamento filosófico e visões estéticas o teatro do absurdo encontrou sua expressão mais completa. A tarefa do teatro, segundo Ionesco, é dar uma expressão grotesca ao absurdo vida moderna e homem moderno. O dramaturgo considera a credibilidade a inimiga mortal do teatro. Ele se propõe a criar uma espécie de nova realidade, equilibrando-se no limiar do real e do irreal, e considera a linguagem o principal meio para atingir esse objetivo. A linguagem nunca pode expressar o pensamento.

A linguagem nas peças de Ionesco não só não cumpre a função de comunicação, comunicação entre as pessoas, mas, pelo contrário, agrava a sua desunião e solidão. Diante de nós está apenas a aparência de um diálogo composto por clichês de jornal, frases de um tutorial lingua estrangeira, ou mesmo fragmentos de palavras e frases acidentalmente presas no subconsciente. Os personagens de Ionesco são inarticulados não apenas na fala, mas também no próprio pensamento. Seus personagens têm pouca semelhança pessoas comuns, estes são robôs com um mecanismo danificado.

Ionesco explicou seu vício pelo gênero da comédia pelo fato de ser a comédia que expressa mais plenamente o absurdo e a desesperança do ser. Esta é a primeira peça dele. "Cantora careca" (1951), embora não haja indícios de nenhum cantor nele. O motivo de escrevê-lo foi o conhecimento de Ionesco do manual de autoinstrução em língua inglesa, cujas frases ridículas e banais serviram de base para o texto da peça.

Tem um subtítulo - "anti-play". Não há nada do drama tradicional na obra. O casal Marten vem visitar os Smiths, e ao longo da ação há uma troca de comentários sem sentido. Não há eventos ou desenvolvimento na peça. Apenas a linguagem muda: ao final da obra, ela se transforma em sílabas e sons inarticulados.

O automatismo da linguagem é o tema principal da peça The Careca Singer. Expõe a conformidade filisteu do homem moderno,

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vivendo ideias prontas e slogans, seu dogmatismo, tacanha, agressividade - características que mais tarde o transformam em rinoceronte.

Na tragédia "Cadeiras" (1952) é mostrado destino trágico dois velhos, pobres e solitários, vivendo à beira do mundo real e ilusório. O velho psicopata se imaginava uma espécie de messias. Ele convidou convidados para contar a eles sobre isso, mas eles nunca vieram. Em seguida, os velhos encenam uma cena de recepção em que o irreal, personagens fictícios são mais reais do que pessoas reais. No final, o velho faz um discurso preparado, e novamente temos um fluxo verbal absurdo - o truque favorito de Ionesco:

Velha: Você chamou os vigias? Bispos? Químicos? Kochegarov? Violinistas? Delegados? Cadeiras? Policiais? Kuptsov? Portfólios? Cromossomos?

Velho: Sim, sim, e funcionários dos correios, estalajadeiros e artistas...

Velha: E os banqueiros? Velho: Convidado.

Velha: E os trabalhadores? Funcionários? Militaristas? Revolucionários? Reacionários? Psiquiatras e psicólogos?

E, novamente, o diálogo é construído como uma espécie de montagem de palavras, frases, onde o significado não desempenha um papel. Os idosos cometem suicídio, confiando no orador para dizer a verdade por eles, mas o orador acaba sendo surdo e mudo.

A peça “Rhinos” (1959) é uma alegoria universal da sociedade humana, onde a transformação de pessoas em animais é apresentada como consequência natural de fundamentos sociais e morais (à semelhança do que acontece no conto “Transformação” de F. Kafka).

Em comparação com obras anteriores, esta peça é enriquecida com novos motivos. Tendo retido alguns dos elementos de sua antiga poética, Ionesco retrata um mundo afligido por uma doença espiritual - "rinite", e pela primeira vez apresenta um herói capaz de resistir ativamente a esse processo.

O cenário de ação da peça é uma pequena cidade do interior, cujos habitantes são acometidos por uma doença terrível: eles se transformam em rinocerontes. O protagonista de Beranger se depara com uma "dispersão" geral, com a rejeição voluntária de pessoas de forma humana. Ao contrário de suas afirmações anteriores de que a obra não deveria se basear na realidade real, o dramaturgo cria em Rhinos uma sátira ao regime totalitário. Ele desenha a universalidade da doença que se apoderou das pessoas. A única pessoa, que manteve sua aparência humana, permanece Berenger.

Os primeiros leitores e espectadores viram na peça principalmente uma obra antifascista, e a própria doença foi comparada com a doença nazista.

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praga (e novamente uma analogia - com a "Praga" de A. Camus). Posteriormente, o próprio autor explicou a ideia de sua peça da seguinte forma: “Rhinos” é sem dúvida uma obra antinazista, mas antes de tudo é uma peça contra a histeria coletiva e as epidemias, escondendo-se sob o disfarce da razão e das ideias, mas não se tornando menos graves as doenças coletivas que justificam diversas ideologias”.

O herói de Beranger é um perdedor e um idealista, um homem "que não é deste mundo". Despreza tudo o que os seus concidadãos honram e que consideram um indicador do "preço" de uma pessoa: pedantismo, rigor, uma carreira de sucesso, um modo único de pensar, viver, gostos e desejos padronizados. Ionesco novamente traz ao espectador um fluxo de verdades comuns e frases vazias, mas desta vez as pessoas estão tentando esconder suas limitações e vazio por trás delas.

Beranger tem um antípoda na peça. Este é Jean, auto-satisfeito, profundamente convencido de sua infalibilidade e correção. Ele ensina a mente do herói e se oferece para segui-lo. Na frente de Beranger, ele se transforma em um rinoceronte, ele tinha os pré-requisitos para se tornar uma fera antes, agora eles se tornaram realidade. No momento da transformação de Jean, ocorre uma conversa entre ele e Berenger, que revela a essência misantrópica desse respeitável habitante (“Não deixe que eles me atrapalhem”, exclama, “ou vou esmagá-los!”). Ele pede a destruição da civilização humana e, em seu lugar, introduz as leis do rebanho de rinocerontes.

Jean quase mata Béranger. Tom tem que se esconder em sua casa. Ao seu redor estão rinocerontes ou pessoas prontas para se transformar neles. Ex-amigos o herói também se junta às fileiras dos rinocerontes. O último e mais esmagador golpe para ele é desferido por sua amada Desi.

A padronização e a ausência de rosto tornaram possível a transformação rápida e indolor das pessoas ao seu redor em animais.. O pensamento de rebanho, modo de vida e comportamento prepararam a transição do rebanho humano para o rebanho animal.

Ionesco presta muita atenção à representação da tragédia pessoal do herói, que perde não só amigos, mas também a namorada. A cena da despedida de Beranger para Desi é escrita pelo autor com muito lirismo. Transmite a sensação de um herói incapaz de se apegar à criatura mais preciosa. Ele está desesperado, deixado completamente sozinho, desesperado com a impossibilidade de se tornar como todo mundo. O monólogo interior de Beranger deixa uma impressão deprimente do trágico paradoxo de um mundo em que uma pessoa sonha em desistir de si mesma para não ficar sozinha. Por fora, ele continua sendo um homem, mas por dentro é pisoteado por um poderoso rebanho de rinocerontes.

Assunto : E. Ionesco. A peça "Rhinos" como um drama do absurdo. "Onosporose" - um fenômeno despersonalização em massa sociedade.

Alvo : aprofundar e ampliar o conhecimento dos alunos sobre a diversidade da literatura mundial do século XX; conhecer a vida e obra do dramaturgo francês E. Ionesco; continuar a formar e aprofundar o conceito de “teatro do absurdo” a exemplo da peça “Rhinos”; desmascarar significado simbólico o enredo do drama, para ajudar os alunos a ver sua relevância e modernidade; cultivar o desejo de preservar a individualidade, o respeito à pessoa como valor supremo.

Equipamento : apresentação, projetor, Dicionário, textos da peça, um retrato do escritor, cartões para trabalho em dupla, um fragmento do filme "Rhinoceros: Feito para durar", folhas de feedback.

tipo de lição : lição de estudo

Resultados educacionais planejados:

Assunto:

No nível básico - deve conhecer a definição de “teatro do absurdo”, o conteúdo da peça “Rhinos”; ser capaz de analisar e comentar os episódios com a expressão da sua própria avaliação.

A nível produtivo – deve ser capaz de usar os conhecimentos adquiridos para formular os problemas levantados pelo autor no drama, para argumentar e provar de forma convincente a sua própria opinião.

Pessoal: devem encontrar a conexão de uma obra literária com a história e suas próprias experiência de vida julgar adequadamente as razões de seu sucesso/fracasso no trabalho da aula, mostrar uma atitude positiva em relação aprendendo atividades, para expressar suas próprias opiniões sobre o tema da aula e o conteúdo da peça.

metasujeito:

cognitivo - Educação geral : deve formular perguntas e respostas sobre o tema em estudo; ouça com atenção, construa declarações de fala;

quebra-cabeças : mostrar pensamento independente, capacidade de analisar, generalizar, tirar conclusões sobre os problemas do drama;

regulamentar - deveperceber e compreender corretamente a tarefa educativa, planejar suas ações de acordo com ela, exercer controle mútuo, avaliar adequadamente suas atividades e as atividades dos colegas na aula;

comunicativo – deve ser capaz de interagir construtivamente no trabalho em dupla, aprender a ouvir e entender o outro, perceber adequadamente elogios e comentários.

Estou impressionado com o sucesso desta peça. As pessoas entendem da maneira certa? Reconhecem nele o monstruoso fenômeno da massificação...? E o mais importante, todos eles são indivíduos com uma alma, um e único?

E. Ionesco

Durante as aulas.

1. Momento de organização

Cumprimentar, criar um clima emocional positivo (preencher folhas de autoavaliação e feedback)

2. Mergulhe no assunto

Antes de passarmos ao tema de nossa lição, sugiro assistir a alguns quadros do filme sobre um dos animais mais bonitos que vivem na Terra. Eles têm uma aparência muito bonita, um tom de pele agradável, vozes suaves.

Visualização de um fragmento do filme "Rhinoceros: feito para durar."

3. Motivação para atividades de aprendizagem

É este o animal que você imaginou? (...) Mas os heróis da obra que vamos considerar hoje pensaram exatamente isso.

Não é por acaso que começamos nosso trabalho com um fragmento de um filme sobre rinocerontes. Este filme nos ajudará a ver a direção de todo o nosso trabalho. Então, por que rinocerontes? (Porque é assim que se chama a peça: "Rhinoceros")

Qual é a atitude dos heróis da peça em relação aos rinocerontes? (eles admiram, chamam de lindos, eles próprios querem virar rinocerontes).

Esse desejo não é absurdo do ponto de vista de uma pessoa que pensa? O que Ionesco diz sobre sua peça? (trabalho com epígrafe)

pergunta do problema

Se eu morasse nesta cidade, eu seria um rinoceronte? (entrada de caderno)

4. Formulação do tema da aula

Vamos formular a primeira parte do nosso tópico:E. Ionesco. A peça "Rhinos" como um drama do absurdo.

Leia a segunda parte do nosso tópico. O que é a despersonalização em massa da sociedade, como esse processo é chamado na peça? ("Onorosporation") Como soará a segunda parte do nosso tema?"Onosozhivanie" - um fenômeno de despersonalização em massa da sociedade.

4. Definição de metas

Vamos cada um definir os objetivos da lição para si e anotá-los na folha de feedback (aprender, aprender, entender, lembrar ). Em sua entrada, use as palavras "teatro do absurdo", "despersonalização maciça", "farar".

(objetivos de escrita e leitura)

5. Trabalhe no tópico da lição

Quem é Eugênio Ionesco? Vamos ouvir nossos "biógrafos".

( desempenho do aluno )

Eugene Ionesco é um dramaturgo francês de origem romena, escritor, pensador, clássico da vanguarda teatral. Nasceu em 1909 na Romênia. Alguns anos depois, seus pais se mudaram para a França, primeiro para a vila de La Chapelle-Anthenaise e depois para Paris. Em 1922, Ionesco voltou para a Romênia, onde começou a escrever seus primeiros poemas em romeno e francês. Entrando na universidade em Bucareste, ele estuda Francês e literatura, e a partir de 1929 passou a lecionar. No mesmo ano mudou-se para Paris. Em 1938 defendeu sua tese de doutorado na Sorbonne. Em 1970 tornou-se membro da Academia Francesa de Ciências. Na França, Ionesco viveu até o fim de seus dias, criando muitas peças, obras em prosa e memórias biográficas. Os mais famosos são seu romance The Lonely One, as peças The Careca Singer, The Lesson e, claro, The Rhinos.

Eugene Ionesco entrou na literatura mundial como teórico e praticante do "teatro do absurdo". Que obras passaram a ser assim chamadas, que signos têm as peças do "teatro do absurdo"? Vamos ouvir nossos críticos literários.

( desempenho do aluno )

O termo teatro do absurdo foi cunhado por Martin Esslin em 1962. Assim começaram a ser chamadas peças com enredo ilógico e sem sentido, apresentando ao espectador uma combinação do incompatível, promovendo a assistemática, a negação dos ideais estéticos, destruindo os cânones teatrais. O teatro do absurdo desafiado tradições culturais, ordem política e social. Os acontecimentos das peças do absurdo estão longe da realidade, os personagens e a realidade circundante manifestam o incrível e o inimaginável. É difícil determinar o local e a hora, a ordem e a lógica da ação podem não ser observadas. Os autores criam imagens ridículas, assustadoras, impressionantes e às vezes divertidas com sua incongruência. O teatro do absurdo é uma irracionalidade que desafia a explicação e a lógica.

Usando o texto deste discurso, escreva a definição do teatro do absurdo em uma frase(Trabalho em dupla)

É possível chamar o drama "Rhinoceros" de drama do absurdo? Argumente sua opinião (enredo fantástico, transformando pessoas em rinocerontes, razões incompreensíveis e inexplicáveis ​​para a ação)

O drama de Ionesco é um dos jogadas mais interessantes literatura mundial contemporânea. Escrito em 1959, refletia as mais complexas Problemas sociais tempo: o fenômeno da despersonalização em massa, o choque da personalidade e da individualidade com a ideologia do coletivismo, que mata essa individualidade. Do que se trata esta peça?

(A peça consiste em três atos. Uma pequena história sobre o conteúdo de cada ato)

Características dos personagens principais - Berenger e Jean (aparência, idade, ocupação, traços de caráter). Quem causa uma impressão favorável e quem perde em comparação? Qual dos amigos vira rinoceronte, como isso acontece? Que traços de caráter se manifestam em Jean? (Trabalhar com texto, leitura expressiva diálogos (d.1 cena em um café, d.2 transformação de Jean))

Trabalhem em pares. Preenchimento da tabela. Argumentação de texto.

Cada um transformado em rinoceronte tinha suas próprias razões para ser "rinoceronte". Vamos defini-los (distribuição)

Por que só Beranger conseguiu resistir à epidemia de "rinoplastia"? (conclusão: ele valorizou sua individualidade e natureza humana)

Qual é o clímax da peça? (O final dela) Por que Ionesco deixa o final em aberto: não vemos Beranger lutar, não sabemos se ele sairá vitorioso? (é importante mostrar não a luta contra a ideologia, mas as “ferramentas” de influenciar cada pessoa para despersonalizá-la: despertar o interesse, a propaganda, o desejo de ser igual a todos, o medo da solidão e da dessemelhança, a mudança moral e social valores,gradual mudar).

A história de sua escrita nos ajudará a entender completamente a profundidade dessa peça. Vamos ouvir o discurso dos nossos "historiadores".

(desempenho dos alunos)

E. Ionesco observou que o ímpeto para escrever a peça foram as impressões escritor francês Denis de Rougemont. Ele estava em uma manifestação nazista liderada por Hitler em Nuremberg em 1936. Essa multidão, segundo o escritor, foi aos poucos capturada por algum tipo de histeria. De longe, as pessoas na multidão gritavam o nome de Hitler como loucas. Conforme ele se aproximava, crescia uma onda dessa histeria, que cativava cada vez mais gente.

Além disso, houve um episódio da vida do próprio autor. Ele testemunhou a histeria em massa no estádio da cidade durante o discurso de Hitler e quase sofreu ele mesmo. O que ele viu fez o dramaturgo pensar. Afinal, nem todas essas pessoas eram nazistas, muitas foram simplesmente influenciadas pela multidão. Segundo o próprio Ionesco, como testemunha do nascimento do fascismo na Romênia na década de 1930, ele realmente procurou descrever esse processo.

Em que episódio da peça Ionesco refletiu suas impressões sobre o que viu? Argumente sua opinião (monólogo final de Beranger). O que é "nariz"? Por que Rhinos pode ser chamado de peça antinazista?

6. Resumo da lição

Reflexão

Vamos repetir as etapas da lição e lembrar o que e por que fizemos.

(conhecemos a biografia de E. Ionesco, encontramos indícios do drama do absurdo na peça, estudamos o texto, descobrimos os motivos do "rinoceronte")

Voltemos ao nosso problema problemático. O que ele ajudou você a descobrir?

Como você avaliaria o seu trabalho? E qual dos seus colegas você poderia elogiar? Volte às suas folhas de autoavaliação e diga-me se conseguiu atingir os objetivos que definiu no início da aula?

Trabalho de casa

1) Escreva em seus cadernos um mini-raciocínio sobre se o drama "Rhinoceros" pode ser considerado moderno.

2) Eugene Ionesco disse: "O teatro do absurdo viverá para sempre." Você concorda com a previsão dele? Escreva um pequeno texto sobre isso.

Instituição de ensino orçamentária municipal

escola secundaria de batalna

E. Ionesco. A peça "Rinocerontes"

como um drama do absurdo. "Onosporose" - um fenômeno

despersonalização em massa

sociedades

Lição de literatura aberta na 11ª série

Professor:Chernaya Evgenia Viktorovna

Ano letivo 2014 – 2015

tabela analítica