Uma descrição do cisne da princesa vrubel. Descrição da obra de arte «A Princesa Cisne

Vrubel Mikhail Alexandrovich é um dos famosos artistas russos dos séculos XIX e XX.
Em suas telas ele dá vida aos russos contos folclóricos, épicos, lendas.
Tendo visitado uma vez a ópera privada de S. Mamontov, Mikhail Vrubel foi inspirado a escrever a pintura “A Princesa Cisne”.
É dedicado ao personagem da ópera N.A.
Rimsky-Korsakov baseado no conhecido conto de fadas de A.S.
Pushkin "O Conto do Czar Sultão".

O tecido é simplesmente incrível.
Na foto, o autor retratou o momento em que a princesa se transforma em cisne.
Muito garota linda, virou-se para nós e misteriosamente olha por trás.
Em sua cabeça está querida, adornada pedras preciosas coroa.
Um longo véu cai dele no chão, brilhando com joias ao longo da borda.
Sob o véu, você pode ver uma trança escura e grossa.
No rosto você pode ler tristeza e solidão.
Os olhos são muito expressivos e você pode ver adeus neles.
Ela deve novamente se tornar um pássaro solitário e nadar tristemente nas ondas.
Não podemos ver suas roupas, pois todo o seu corpo já está coberto de penas, restando apenas o rosto e as mãos.
Grandes asas se estendem dos dois lados da garota, como se quisessem escondê-la de nossos olhos o mais rápido possível.

Ao longe da foto pode-se ver o castelo do czar Sultan.
Esta é a única mancha marrom na foto.
Todas as outras cores são branco e azul.
O céu ao fundo está escuro, escuro e dá para ver como o mar está bravo, como as ondas batem na costa e espumam de raiva.
Ninguém quer se separar de tal beleza.
E só o fato de a Princesa Cisne ser muito brilhante contra todo o fundo escuro nos diz que ela voltará para nós na forma de uma beldade.

Mikhail Vrubel, com sua reprodução da Princesa Cisne, quer nos mostrar como nossas mulheres são lindas e, apesar de serem frágeis e indefesas, sem seu apoio e apoio, nenhum rei teria tanto poder.

O amor apaixonado pela natureza ajuda o artista a transmitir sua beleza. Os cachos exuberantes dos "Lilacs" de Vrubel (1900, State Tretyakov Gallery), brilhando com fogo roxo, vivem, respiram e são perfumados em esplendor noite estrelada. Um dos contemporâneos de Vrubel escreveu: "A natureza o cegou ... porque ele perscrutou muito de perto os segredos dela."

Juntamente com temas épicos Vrubel trabalhou na imagem do Demônio ao longo dos anos 90. Em uma das cartas ao pai, a ideia do artista sobre o Demônio é expressa: " O demônio não é tanto um espírito maligno, mas um espírito sofredor e triste, com tudo isso um espírito dominador e majestoso". A primeira tentativa de resolver este tópico remonta a 1885, mas a obra foi destruída por Vrubel.

Na pintura "Seated Demon" (1890, State Tretyakov Gallery), um jovem titã é retratado nos raios do pôr do sol no topo de uma rocha. Poderoso corpo bonito como se não coubesse na moldura, suas mãos estão torcidas, seu rosto é comoventemente belo, em seus olhos há uma tristeza desumana. O "Demônio" de Vrubel é uma combinação de contradições: beleza, grandeza, força e ao mesmo tempo rigidez, desamparo, melancolia; ele está cercado por um mundo frio, fabulosamente belo, mas petrificado. Há contrastes na coloração da imagem. A cor lilás fria "luta" com o dourado-alaranjado quente. Rochas, flores, a figura são pintadas de maneira especial, à maneira de Vrubel: o artista, por assim dizer, corta a forma em facetas separadas e parece que o mundo é tecido com blocos de joias. Há um sentimento de originalidade.

pensamento imagens fantásticas, Vrubel está intimamente associado com vida circundante, seu Demônio é profundamente moderno, reflete não apenas a personalidade sentimentos da alma artista, mas a própria época com seus contrastes e contradições. Como escreveu A. Bloco : "O demônio de Vrubel é um símbolo do nosso tempo, nem noite nem dia, nem escuridão nem luz".

Em 1891, para a edição de aniversário de suas obras Lermontov sob a direção de Konchalovsky, Vrubel completou as ilustrações, das trinta e meia pertenciam ao "Demônio". Essas ilustrações, em essência, representam obras independentes, significativas na história da Rússia gráficos de livros, e testemunham a profunda compreensão de Vrubel da poesia de Lermontov. Especialmente digna de nota é a aquarela "Cabeça do Demônio". Ela é verdadeiramente monumental. Contra o fundo de picos pedregosos cobertos de neve - uma cabeça com um chapéu de cachos pretos. Rosto pálido, ressecado, como se queimado por fogo interno, lábios, olhos ardentes com olhar penetrante, com expressão de tormento insuportável. Neste olhar - a sede de "conhecimento e liberdade", o espírito rebelde da dúvida.

Alguns anos depois, Vrubel escreveu The Flying Demon (1899, Museu Russo). A imagem é permeada por uma premonição de morte, desgraça. A cor da imagem é sombria.

E, finalmente, os anos 1901-1902 incluem Última foto- "Demônio derrotado", Vrubel trabalhou duro e dolorosamente nisso. A. Benois lembra que a foto já estava na exposição World of Art, e Vrubel ainda continuou a reescrever o rosto do Demônio, mudando de cor.

O corpo quebrado e deformado do Demônio com asas quebradas está estendido no desfiladeiro, os olhos queimando de raiva. O mundo mergulha no crepúsculo, o último raio brilha na coroa do Demônio, no topo das montanhas. O espírito rebelde é derrubado, mas não quebrantado.

Os contemporâneos viram nesta imagem um começo de protesto, uma bela pessoa insubmissa. Palavras vêm à mente A. Bloco : "Que impotência instantânea! O tempo é uma leve fumaça! Vamos abrir nossas asas de novo! Vamos voar de novo! .." e disse um pouco depois Chaliapin : "E ele escreveu seus Demônios! Forte, assustador, assustador e irresistível ... Meu Demônio é de Vrubel."

Terminando o Demônio derrotado, Mikhail Alexandrovich Vrubel adoeceu gravemente e foi internado em um hospital. Com pausas curtas, a doença dura até 1904, depois ocorre uma breve recuperação.

Em 1904 ele vai para Petersburgo. começa último período criatividade.

Em 1904, Vrubel escreveu "Serafins de seis asas", de acordo com o plano associado ao poema "Profeta" de Pushkin. Um anjo poderoso em uma plumagem iridescente cintilante até certo ponto continua o tema do Demônio, mas esta imagem é notável por sua integridade e harmonia.

Nos últimos anos de sua vida, Vrubel criou uma das imagens mais delicadas e frágeis - "Retrato de N. I. Zabela tendo como pano de fundo bétulas" (1904, Museu Russo). Auto-retratos interessantes pertencem ao mesmo período. Desde 1905, o artista está internado constantemente, mas continua trabalhando, mostrando-se um brilhante desenhista. Ele pinta cenas da vida hospitalar, retratos de médicos, paisagens. Desenhos feitos de maneira diferente se distinguem pela observação precisa, grande emoção. Dr. Usoltsev, que tratou Vrubel, escreve: " Ele era um artista criativo com todo o seu ser, até os recessos mais profundos de sua personalidade psíquica. Ele sempre criou, pode-se dizer, continuamente, e a criatividade era para ele tão "fácil e necessária quanto respirar. Enquanto uma pessoa está viva, ela respira tudo, enquanto Vrubel respirava - ele criou tudo".

Alguns anos antes de sua morte, Vrubel começou a trabalhar em um retrato V. Bryusova (1906, Museu Russo). Algum tempo depois, Bryusov escreveu que durante toda a sua vida tentou ser como este retrato. Vrubel não teve tempo de concluir esta obra, em 1906 o artista ficou cego. Ele sofre tragicamente um golpe terrível, em uma difícil situação hospitalar ele sonha com o azul do céu sobre os campos escuros, com as cores madrepérolas da primavera. A música era o único consolo. Vrubel morreu em 1º de abril de 1910.

Ao criar imagens trágicas, o artista incorporou neles um começo nobre e brilhante. A luta entre a luz e a escuridão é o conteúdo da maioria das obras de Vrubel. A. Blok disse poeticamente sobre o túmulo do artista: " Vrubel veio até nós como um mensageiro de que o ouro é intercalado na noite roxa noite clara. Ele nos deixou seus Demônios como conjuradores contra o mal roxo, contra a noite. Antes que Vrubel e sua laia se revelem à humanidade uma vez por século, só posso tremer"

Materiais do artigo de Fedorova N.A. do livro: Dmitrienko A.F., Kuznetsova E.V., Petrova O.F., Fedorova N.A. 50 biografias curtas mestres da arte russa. Leningrado, 1971

Monografia sobre Vrubel. Obras-primas despercebidas

garota no fundo tapete persa, 1886

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Uma viagem a Veneza foi realizada para pintar imagens iconostáticas encomendadas - Cristo, a Mãe de Deus e os santos - Cirilo e Atanásio. Prakhov decidiu que seria melhor para Vrubel trabalhar neles não em Kiev, mas em Veneza, uma cidade-museu, onde a Catedral de St. Marque com seus famosos mosaicos, os mosaicos do século XII em Torcello e pinturas de renomados coloristas venezianos.
Vrubel passou cerca de seis meses em Veneza. A partir daí escreveu à irmã: “Folheio a minha Veneza (na qual me sento o tempo todo, porque a encomenda está em pesadas tábuas de zinco com as quais não dá para rolar) como um livro especial útil, e não como ficção poética . O que encontro nele é interessante apenas para a minha paleta.” Acima de tudo, sua paleta não era luminares Alta Renascença- Ticiano, Veronese, - e os seus predecessores, os mestres do Quattrocento (séc. XV), mais ligados à tradição medieval - Carpaccio, Cima da Conegliano e, sobretudo, Giovanni Bellini. A influência do Quattrocento veneziano refletiu-se nos ícones monumentais executados por Vrubel com figuras em altura toda. O primeiro biógrafo de Vrubel A.P. Ivanov escreveu sobre eles: “A música plástica desses ícones é construída nos modos majestosos e claros de G. Bellini e Carpaccio, e nas profundezas dela, como dominante no ponto do órgão, o colorido a magia dos sons dos mosaicos de San Marco.”
Veneza deu muito a Vrubel e se tornou marco No dele desenvolvimento criativo: se o encontro com a arte bizantina enriqueceu sua compreensão da forma e elevou sua expressão, então pintura veneziana despertou o dom da cor. No entanto, ele esperou ansiosamente pelo retorno. O que aconteceu com ele foi o que muitas vezes acontece com pessoas que se encontram fora de sua terra natal por muito tempo: só então sentem todo o poder de sua atração. Uma carta do artista de Veneza a seu camarada na Academia, V.E. Savinsky, foi preservada, onde ele, com óbvia tensão de pensamento, tenta apresentar novas e importantes conclusões para ele, às quais chegou na Itália. Ele diz que aqui, ou seja, na Itália, você pode estudar e criar - apenas em solo nativo; que criar é sentir, e sentir é “esquecer que você é um artista e se alegrar por ser, antes de tudo, uma pessoa”. "... Quanta beleza temos em Rus'!" - tal exclamação irrompe de Vrubel pela primeira vez. Anteriormente, ele parecia bastante indiferente ao "solo nativo": era algo dado como certo, despercebido, os planos foram retirados de fontes mundiais: antiguidade, Hamlet, Fausto ... E só agora, no exterior, seu humor surge e pensamentos que mais tarde levaram a uma interpretação poética dos contos de fadas russos e da natureza russa.

Havia outra razão pela qual Vrubel queria voltar a Kiev o mais rápido possível. Ele estava apaixonado pela esposa de Prakhov, Emilia Lvovna, sobre a qual várias vezes, sem citar um nome, ele insinuou misteriosamente em cartas à irmã: esse era seu "caso espiritual" secreto.
Antes mesmo de partir para o exterior, pintou várias vezes E. L. Prakhova - o rosto dela serviu-lhe de protótipo para o rosto da Mãe de Deus. A semelhança do retrato também é preservada no próprio ícone, mas é silenciada ali; mais claramente - em dois esboços a lápis da cabeça da Mãe de Deus. Um rosto incrível parece desses desenhos: antes feio do que bonito, o rosto infinitamente tocante do andarilho - as sobrancelhas até as sobrancelhas, uma boca inchada, por assim dizer, olhos redondos e brilhantes, como se estivesse contemplando algo desconhecido para os outros.
Das quatro imagens iconostáticas da Mãe de Deus, o artista conseguiu especialmente. Esta é uma de suas obras-primas indiscutíveis. Está escrito sobre fundo dourado, vestido em tons de vermelho escuro profundo e aveludado, a almofada do trono é bordada com pérolas, e ao pé delicadas rosas brancas. A Mãe de Deus segura o bebê de joelhos, mas não se inclina para ele, mas senta-se ereta e olha para a frente com um triste olhar profético. Nas feições e na expressão do rosto brilha alguma semelhança com o tipo de camponesa russa, como aquelas pacientes rostos femininos que são encontrados nas pinturas de Surikov.
Pela primeira vez sentiu amor pela pátria, o primeiro amor sublime por uma mulher espiritualizou esta imagem, aproximou-a do coração humano.
Voltando de Veneza, Vrubel correu. Era como se não conseguisse encontrar um lugar para si - ou tomou a decisão de deixar Kiev (e de fato partiu para Odessa por vários meses), depois voltou novamente; ele foi atraído pelo bêbado "copo da vida", ele gostava violentamente de algum dançarino visitante, bebia muito, vivia inquieto, febril e, além disso, estava em extrema pobreza, pois não havia dinheiro, enquanto as relações com Prakhov se tornaram mais frio e distante.
O pai do artista estava alarmado: o filho já tem trinta anos, formação universitária, Educação Artistica, "o abismo do talento", mas enquanto isso sem nome, sem posição segura - sem estaca, sem quintal. Em convites insistentes para vir morar em casa (a família morava então em Kharkov) não responde nada. No outono de 1886, o próprio A.M. Vrubel veio a Kiev para visitar seu filho, e seus temores foram confirmados: “Misha é saudável (segundo ele), mas parece magro e pálido. Da estação, fui direto até ele e fiquei triste com seu quarto e móveis. Imagine, nem uma única mesa, nem uma única cadeira. Todos os móveis são dois banquinhos simples e uma cama. Nenhum cobertor quente, sem casaco quente, sem vestido, exceto o dele (sobrecasaca engordurada e calça surrada), não vi. Talvez em uma hipoteca ... Dói, amargamente às lágrimas ... Eu estava vendo tudo isso. Há tantas esperanças brilhantes!”

Nenhuma evidência direta Estado de espirito artista naquela época - ele não gostava de ser franco - mas é bastante óbvio que ele não passava apenas por uma crise monetária. Ele suportou a pobreza descuidadamente, a falta de fama também: ele sabia que mais cedo ou mais tarde ela viria, e se ela não viesse, e daí? Amor que parou - isso era sério. Mas não só isso. Ele foi visitado por uma profunda turbulência, que compartilhou com sua época, embora as causas imediatas possam ter sido íntimas e pessoais. Vrubel experimentou cedo o que duas décadas depois Blok chamou de "um influxo de mundos roxos", a escuridão roxa superando a luz dourada. Uma rebelião ateísta surgiu nele. Durante dois anos, Vrubel trabalhou para a igreja, num clima de religiosidade, tão pouco de acordo com os que o rodeavam, como a secular senhora Emilia Prakhova estava tão pouco de acordo com o ideal da Mãe de Deus. E pela primeira vez, a imagem sombria do Deus-lutador - o Demônio - começou a tentar Vrubel e capturar sua imaginação.
Ele estava trabalhando em The Demon quando seu pai chegou inesperadamente. O pai descreveu a pintura inacabada na mesma carta, dizendo que o Demônio lhe parecia "uma velha má, sensual e repulsiva". Nenhum vestígio do "Demônio" de Kiev chegou até nós - o artista o destruiu, todos os agora conhecidos "Demônios" foram feitos muito mais tarde. Mas a ideia e o início pertencem ao período de Kiev.
Ao mesmo tempo, Vrubel trabalhou em outras coisas, encomendadas pelo filantropo de Kiev I.N. Tereshchenko. Eles descobrem um desejo pelo oriente - florido, mágico, picante. Para Tereshchenko, Vrubel se comprometeu a pintar um quadro " conto de fadas oriental”, mas fez apenas um esboço em aquarela e rasgou quando E.L. Prakhova se recusou a aceitá-lo como presente. Em seguida, porém, colou a folha rasgada, que até hoje é o orgulho do Museu de Arte Russa de Kiev. Esta grande aquarela é incrível. À primeira vista, é difícil perceber o que está representado: o olho é cegado por um mosaico iridescente de partículas preciosas, iluminado por flashes de luz fosfórica azulada, como se realmente entrássemos na caverna, os tesouros das Mil e Uma Noites . Mas agora o olho se acostuma e começa a distinguir o interior da tenda do príncipe persa, os tapetes que a cobrem, o próprio príncipe e suas odaliscas. As figuras são cheias de sentimento e poesia: o príncipe, levantando-se no sofá, com um olhar pensativo e pesado, olha para a bela garota que está à sua frente com os olhos baixos.

continuação .....

Monografia sobre Vrubel. Kyiv. Encontro com a antiguidade

garota no fundo tapete persa, 1886

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O artista L. Kovalsky, na época aluno da escola de desenho de Kiev, contou mais tarde como conheceu Vrubel logo após sua chegada a Kiev. Kovalsky começou a escrever um esboço em uma colina alta com vista para o Dnieper e prados distantes. "Silêncio da noite, ausência completa ninguém menos as andorinhas, que circulavam e chilreavam no ar. Em calma contemplação, descrevi, da melhor maneira possível, minha paisagem de 30 vers, mas passos tranquilos, e então um olhar fixo me fez virar. O espetáculo era mais do que extraordinário: tendo como pano de fundo as colinas primitivas de Kirillovsky, atrás de mim estava um loiro, quase branco, loiro, jovem, com uma cabeça muito característica, um pequeno bigode, também quase branco. Baixa estatura, muito bem proporcionado, vestido ... era isso que naquela época mais me impressionava ... tudo de terno de veludo preto, meias, shorts e botas. Ninguém se vestia assim em Kiev, e isso me causou uma boa impressão. Em geral, era um jovem veneziano de uma pintura de Tintoretto ou Ticiano, mas aprendi isso muitos anos depois, quando estava em Veneza. Agora, tendo como pano de fundo as colinas de Kirillov e a cúpula colossal do céu azul de Kiev, a aparência dessa figura contrastante, de cabelos loiros, vestida de veludo preto, era mais do que um anacronismo incompreensível.
... O estranho se aproximou, olhou atentamente e em tom sério, como se fosse uma coisa de importância desconhecida, disse: “Onde está seu primeiro plano? São esses fardos de feno? Ora, eles estão a vários quilômetros de distância! Você não pode escrever assim, você está fazendo bobagem - você precisa começar a estudar a natureza de uma folha, de detalhes, e não, como você, pegar todo tipo de coisa e colocá-la em uma peça insignificante - isso é algum tipo de enciclopédia, não pintura. Não fique com raiva, eu disse isso porque vejo seu erro." Olhou um pouco mais e desapareceu; Nem me virei para olhar, fiquei magoado com as palavras ofensivas, que me pareceram muito na fala dele, mas ainda assim me interessou que ele falasse com tanta sinceridade e seriedade sobre o meu trabalho, que eu encarava como uma coisa não digno de atenção - fui ensinado a fazer isso na escola, lá ninguém olhava seriamente para o próprio trabalho ou para o trabalho de outras pessoas.

Emocionado, Kovalsky não deu continuidade ao estudo e foi à Igreja de São Cirilo ver seus companheiros que trabalhavam na restauração de afrescos. No palco do coral, ele notou um estranho que acabara de conhecer; os camaradas disseram que este era o artista Vrubel e mostraram a “Descida do Espírito Santo” que ele havia iniciado, assim como dois anjos: “Vrubel disse que aqui ele chegou mais perto de Bizâncio”.
Assim, Vrubel em Kiev teve que supervisionar a restauração dos afrescos bizantinos do século XII na Igreja de São Cirilo, além disso, escrever várias novas figuras e composições em suas paredes para substituir as perdidas, e também pintar imagens para a iconostase. A gestão geral da obra pertencia a Prakhov.
A.V. Prakhov, em contato próximo com quem (e com sua família) Vrubel passou cinco anos em Kiev, era conhecido no meio artístico. Historiador da arte, arqueólogo, professor da Universidade de São Petersburgo, na década de 70 falou ativamente como crítico de arte na revista Abelha. Em artigos sob o pseudônimo de "Profan", Prakhov, com grande brilhantismo e temperamento literário, promoveu a arte dos Andarilhos. Um de seus artigos mais interessantes, dedicado à Sexta Exposição Itinerante de 1878 (na verdade, duas exposições - "Stoker" de Yaroshenko e "Protodeacon" de Repin) não foi aprovado pela censura. O artigo foi preservado em provas e, posteriormente, ainda hoje, sua autoria foi erroneamente atribuída a I.N. Kramskoy. Então Prakhov retirou-se completamente da atividade crítica, deixou de se dedicar à arte contemporânea (um sintoma característico dos anos 80!) E voltou ao estudo das antiguidades. No entanto, ele não perdeu o contato com os artistas, e sua casa em Kiev estava quase tão aberta para eles quanto as casas de Polenov e Mamontov em Moscou. Enérgico, ativo, ainda com menos de quarenta anos, Prakhov mexeu vida artística Kiev, realizando o estudo e restauração monumentos únicos Rus de Kiev. Ele também supervisionou a decoração interior do novo templo - Vladimir, fundado na década de 1860. Naquela época, os artistas russos tinham ideias bastante grosseiras sobre o estilo bizantino, bem como sobre a técnica de restauração. Os afrescos de Kirillov estavam em más condições, e um artel de alunos da escola de desenho de Kiev, liderado pelo artista N.I. Murashko (Vrubel mais tarde se tornou amigo íntimo dele), trabalhou em sua “reforma”. Com suas mãozinhas hábeis, os afrescos foram pintados de cima ao longo dos contornos preservados (segundo os “condes”); agora tal método seria considerado bárbaro. Foi preservada a informação de que Vrubel se opôs a ele, oferecendo-se para simplesmente limpar os afrescos e deixá-los intactos, mas eles não concordaram com isso: o templo estava ativo e as figuras meio apagadas dos santos poderiam confundir os paroquianos. Era necessário acabá-los, mantendo, se possível, o estilo do século XII. Como foi ser salvo? Não apenas os alunos de Murashko, mas também o próprio Vrubel encontraram a arte bizantina pela primeira vez em Kiev. Durante vários meses mergulhou de cabeça no estudo das antiguidades, utilizando, além dos originais da Igreja de São Cirilo e da Catedral de São. Sophia, livros, tabelas de cores e fotografias da rica biblioteca de Prakhov. Ele tratou a restauração de afrescos antigos de fragmentos sobreviventes com muito cuidado; como N.A. Prakhov (filho de A.V. Prakhov) relembrou, “ele não inventou nada de si mesmo, mas estudou a configuração das figuras e as dobras das roupas com base em materiais preservados em outros lugares”.
Agora, não em meados do século 19, mas no século 20, os afrescos de Kirillov foram restaurados de acordo com todas as regras Ciência moderna, embora a maioria deles tenha sido irremediavelmente perdida, e apenas algumas peças da pintura antiga tenham sido preservadas intactas. Mas agora a Igreja de São Cirilo também entrou para a história como um monumento retratado pelo gênio de Vrubel. Vrubel pintou várias figuras de anjos nas paredes, a cabeça de Cristo, a cabeça de Moisés e, por fim, duas composições independentes - uma enorme “Descida do Espírito Santo” nos coros e “Lamentações” no alpendre. Ao trabalhar neles, o artista não copiava mais amostras antigas. Ele tinha o direito interior de não seguir a letra do estilo antigo - ele penetrou em seu espírito.

A expressão nobre e contida de mosaicos e afrescos antigos esclareceu as buscas do próprio Vrubel. A expressão foi característica de seu talento desde o início, mas em seus primeiros trabalhos ele se desviou para o exagero e para os clichês românticos. Assim, no desenho "Encontro de Anna Karenina com o filho", feito no início dos anos 80, Anna, com ardor exagerado, quase estrangula uma criança nos braços. Nos desenhos de "Mozart e Salieri" (1884), Salieri parece um vilão melodramático. E só depois de ingressar no monumental Bizantino e arte russa antiga A expressão de Vrubel torna-se majestosa - a pressão psicológica desaparece, uma expressão caracteristicamente Vrubel de tensão espiritual aparece no olhar concentrado de olhos enormes ( olhos grandes- também característica da pintura bizantina), com poses como que entorpecidas, com gesto mesquinho, em clima de silêncio profundo. Isso já está na "Descida do Espírito Santo", escrita na abóbada da Igreja de São Cirilo. Segundo a tradição evangélica, o espírito santo apareceu aos apóstolos na forma de uma pomba, as chamas dela emanadas "pousaram sobre cada um deles". Depois disso, os apóstolos adquiriram o dom de falar em todas as línguas e pregar os ensinamentos de Cristo a todas as nações. Como outros contos do evangelho, o enredo da "Descida" tinha seu próprio esquema iconográfico na arte da igreja, fixado por uma tradição secular. Vrubel seguiu o esquema de perto, aparentemente usando miniaturas dos antigos evangelhos. Mas na interpretação de figuras e rostos, mostrou-se um artista moderno, um psicólogo. Seus apóstolos tinham protótipos vivos. Costumava-se pensar que o artista fazia esboços preparatórios de doentes mentais (a Igreja de São Cirilo ficava no território de um hospital psiquiátrico), mas isso não é verdade: filho de A.V. Prakhov N.A. , padres, arqueólogos, entre eles o próprio Adrian Viktorovich Prakhov.
continuação ....

Mikhail Vrubel. Galeria de fotos. Pintura

A grandiosidade e a grandeza verdadeiramente titânica de Vrubel se manifestaram na incrível polifonia da criatividade, no universalismo da habilidade e na originalidade do pensamento. Ele foi um dos mais artistas brilhantes final do século XIX- início do século XX. Em sua vida e trabalho combinados habilidade mais alta e individualismo brilhante, profundo conhecimento da natureza e da fantasia, o conhecimento mais profundo das tradições da arte mundial e o dom inato do experimentador. Com seu trabalho, ele refutou as dúvidas dos céticos da "esquerda" e da "direita" sobre a necessidade de uma escola e de um experimento consciente na arte. O amor pela arte pertenceu completamente a Vrubel desde seus anos acadêmicos. Na Academia, trabalhava doze horas por dia. As primeiras obras completamente independentes de Vrubel pertencem a 1884-1885. Assim, o período da atividade criativa de Vrubel é relativamente curto - pouco mais de vinte anos. Vrubel por muito tempo parecia ter vindo do nada. Parecia difícil determinar a origem de seu estilo, sua maneira individual. Na superfície, esse estilo individual é facilmente reconhecível: é uma maneira de interpretar as formas visíveis na forma de um mosaico de traços, uma ornamentação cubizada de uma forma tridimensional. Posteriormente, após a morte de Vrubel, os críticos russos gostavam de dizer que foi Vrubel o precursor do cubismo.

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Demônio derrotado. 1901	Demônio sentado, 1890. Esboço	Demônio derrotado. 1902	Demônio Voador. 1899
Senhora de roxo. Retrato do artista N.I. Zabela-Vrubel. 1904	Flores vermelhas e folhas de begônias em uma cesta. 1886-1887	Pavão. início dos anos 1900	Dança do Oriente. 1887
Demônio derrotado. 1902. Esboço em aquarela	Retrato de K.D. Artsybushev. 1897	Serafim de seis asas. 1905	Noite na Itália. 1891
Bogatyr. 1898	Hamlet e Ofélia. 1884	Donzela de neve. década de 1890	Rosa Mosqueta. 1884
Jogos de náiades e tritões	Despedida do rei do mar com a princesa Volkhova. 1899	Catânia. Sicília. 1894	Porto Fino. Itália. 1894

Provavelmente, o "Demônio" não foi a causa da doença de Vrubel, mas se tornou um catalisador, um acelerador: a coincidência do fim do quadro com o início da doença dificilmente é acidental. A última onda frenética de energia, o último superesforço - e então exaustão, colapso. Imagine um artista no limite de suas forças, teimosamente permanecendo cara a cara com o "espírito do mal", criado por ele, mas já separado dele, vivendo uma vida separada dele; imaginemos como todas as manhãs ele briga com ele com um pincel, tentando subjugá-lo à sua vontade - não é este o material para uma lenda trágica! Aquela versão de "Demon Defeated", na qual se interrompeu um duelo desesperado e se esgotou o espírito do artista, não pertence - é preciso admitir - às alturas da obra de Vrubel. É terrivelmente eficaz, é claro, e foi ainda mais eficaz até que suas cores desbotassem, murchassem, mas S. Yaremich observou com razão que aqui "a maior restrição artística está perto da violação". O demônio é lançado em um desfiladeiro entre as rochas. Os braços outrora poderosos tornaram-se chicotes, pateticamente quebrados, o corpo foi deformado, as asas foram espalhadas. Ao redor da escuridão lilás caída e jatos azuis espirrado. Eles a inundam, um pouco mais - e a fecham completamente, deixando uma extensão azul, um corpo d'água pré-temporal no qual as montanhas se refletem. Selvagem e lamentável é o rosto do caído com uma boca dolorosamente contorcida, embora um brilho rosa ainda queime em sua coroa. Ouro, azul sombrio, azul leitoso, roxo esfumaçado e rosa - todas as cores favoritas de Vrubel - formam um espetáculo encantador aqui. A tela recém-pintada não parecia como agora: a coroa brilhava, os picos das montanhas brilhavam rosa, as penas das asas quebradas, como pavões, brilhavam e tremeluziam. Como sempre, Vrubel não se preocupou com a segurança das tintas - ele adicionou pó de bronze às tintas para fazê-las brilhar, mas com o tempo esse pó começou a agir de forma destrutiva, a imagem escureceu irreconhecível. Mas desde o início, seu esquema de cores era abertamente decorativo - faltava profundidade e saturação de cores, uma variedade de transições e tons, que estão em as melhores coisas Vrubel. "Demon Defeated" cativa não tanto com sua pintura, mas com a personificação visível da tragédia do artista: sentimos - "aqui um homem incendiado".

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Serafins de seis asas (Azrael). 1904

Antes de conhecer o eminente Cantor de ópera Nadezhda Zabelaya no Vrubel houve casos, mas nenhum deles levou ao casamento. Hope tornou-se sua musa, esposa e anjo da guarda, protegendo-o até últimos dias vida. Ela o inspirou a criar muitas obras, incluindo a mais misteriosa - "The Swan Princess", e tentou fazer o impossível - salvá-lo da loucura.

Eles se conheceram na Ópera Privada Russa de Savva Mamontov, no ensaio da peça. Quando ouviu Zabela cantar pela primeira vez, aproximou-se dela nos bastidores, beijou-lhe as mãos e repetiu: “Que voz linda!”. Foi amor à primeira vista, ele ofereceu-lhe a mão e o coração dois dias depois de se conhecerem. “Outras cantoras cantam como pássaros, mas Nádia canta como pessoa”, disse a artista. “A voz é uniforme, leve, suave e cheia de cores. E quanto amor havia nesse canto! A alma do conto de fadas se fundiu com a alma do homem. E que aspecto! Um milagre, um milagre, um milagre!” - o compositor M. Gnesin falou sobre Zabela. No verão de 1896, Zabela e Vrubel se casaram em Genebra.

Nadezhda Zabela era a intérprete favorita de N. Rimsky-Korsakov: especialmente para ela, ele escreveu o papel de Marfa na ópera " noiva real”, ela desempenhou os papéis principais nas óperas “Sadko”, “O Conto do Czar Saltan”, “Demon” e “Eugene Onegin”. Vrubel a acompanhou em todos os ensaios e apresentações, estimulou as nuances da interpretação das imagens, criou esboços figurinos teatrais. “A única coisa pela qual ele vivia era a música”, escreveu o artista S. Sudeikin. “Nadezhda Ivanovna permaneceu um símbolo, um expoente ideal de beleza para ele.”

O artista costumava pintar retratos de sua esposa, ela o inspirou a criar pintura famosa"The Swan Princess", embora não haja semelhança de retrato neste caso. N. Rimsky-Korsakov escreveu uma ópera baseada no enredo de "O Conto do Czar Saltan" de A. Pushkin, festa principal em que Nadezhda Zabela se apresentou. Inspirado por sua performance, Vrubel escreveu uma de suas obras mais enigmáticas. Os olhos enormes da Princesa Cisne estão cheios de tristeza, ansiedade e, por assim dizer, uma premonição de problemas.

A aparição no palco de Zabela neste papel foi a mesma da foto: “Sua Princesa Cisne, também capturada por Vrubel na tela, é uma visão criada pela fantasia popular. Espiritualize esses sons cristalinos com um sentimento brilhante e ternura de menina primaveril - e você, talvez, ouça e veja aquela Princesa Cisne, que Zabela era e que posteriormente esta Princesa não era nenhuma das performers ”, escreveu após a apresentação.

Em 1901, nasceu seu filho Savva, mas a felicidade foi ofuscada pela presença de um defeito congênito nele - lábio leporino. Por causa disso, o artista iniciou uma depressão profunda e prolongada, que se tornou o ímpeto para o desenvolvimento de doenças mentais. Seus sintomas já haviam aparecido antes, mas a doença da criança os agravou. Aos 3 anos, o bebê morreu de pneumonia, o que acabou prejudicando a saúde mental de Vrubel.

Desde então, Vrubel passou muito tempo em clínicas psiquiátricas, mas sua esposa não perdeu as esperanças e tentou de todas as maneiras aliviar seu estado. Sabendo como seu canto o afeta, ela trouxe um acompanhante ao hospital e cantou para o marido. Ela tentou não trair sua ansiedade e apoiou o artista até os últimos dias. É por isso que Nadezhda Zabela foi chamada de anjo da guarda de Vrubel. A mulher mostrava uma resistência extraordinária, embora tivesse que suportar muito: a morte de um filho, a doença de sua mãe, a morte de seu pai, a loucura e a morte de seu marido. Ela sobreviveu a Vrubel por apenas três anos e faleceu aos 45 anos.

Inspirado de uma forma de palco sua esposa, que tocou na ópera de Rimsky-Korsakov, The Tale of Tsar Saltan linda princesa cisne, Vrubel decidiu dedicar-se não só ao cenário para esta encenação conto de fadas com o mesmo nome Pushkin, mas também o retrato de uma feiticeira na época de sua reencarnação.

O personagem retratado na tela não tem a menor semelhança com diva da ópera que, com a ajuda de raros dados vocais, conseguiu transmitir a imagem misteriosa e incrivelmente feminina da princesa. Pelo contrário, é uma imagem mística e fabulosa que surgiu na mente de Vrubel e habilmente incorporada graças à incrível capacidade de trabalhar com cores.

A princesa mágica da tela de um talentoso pintor russo é misteriosa, misteriosa e friamente bela. Seu rosto magro e real com grandes olhos escuros é translúcido com uma tristeza incompreensível. Um nariz fino e gracioso, lábios estreitos, uma mão fina e graciosa e uma pele aristocrática pálida enfatizam a fragilidade e feminilidade da menina.

Um enorme kokoshnik dourado com enormes pedras brilhantes coroa a frágil cabeça de uma princesa de conto de fadas, e um tecido branco leve com uma larga borda prateada cobre seus longos cabelos. cabelo escuro, trançado em uma trança apertada.

As dobras do vestido da feiticeira têm a mesma cor e estrutura de suas enormes asas de cisne branco como a neve, e é impossível adivinhar onde está localizada essa transição das penas de um belo pássaro para a bainha de um manto real.

A Princesa Cisne é retratada à beira-mar tendo como pano de fundo o céu do pôr do sol e uma cidade distante em uma rocha íngreme durante o crepúsculo sombrio da noite descendo sobre o mar. Os tons frios da imagem e seus sutis tons perolados azulados dão origem a uma sensação de visão ilusória e indescritível da transformação de um cisne orgulhoso e gracioso em uma linda garota.

A pose da feiticeira é natural e irrestrita - ela se afasta em direção à cidade e apenas olha brevemente para o espectador.

O símbolo do cisne para muitos artistas personificou a inspiração criativa, que eleva a alma e a imaginação, e também leva ao conhecimento do outro mundo - forças demoníacas das trevas. Involuntariamente, a Princesa Cisne é uma criatura de natureza dupla, personificando dois elementos ao mesmo tempo.

O primeiro é o poder frio-escuro, aquoso e demoníaco, e o segundo é arejado, celestial e inspirador. O encanto desse personagem é dado não apenas pela beleza feminina e pelos sutis traços demoníacos.

Vrubel decidiu retratá-la no momento de uma maravilhosa metamorfose de formas, derretendo-se à luz fria de um pôr do sol marinho. Esta foto é sobre o segredo da manifestação da mais alta beleza que nasce em nosso mundo cotidiano.