Jardim de água de Claude Monet na pintura de Giverny. Abra o menu esquerdo de Giverny

Admirávamos as vistas que ele cantava. Com reverência olhou para a Catedral de Rouen. Não podíamos parar em Giverny, onde o mestre viveu 43 anos - exatamente metade de sua vida. A segunda metade - ele nasceu em 1840, morreu em 1926, estabelecendo-se em Giverny em 1883.
Toda a natureza se alegrou conosco naquele dia - depois dos dias nublados e cinzentos da Normandia, o sol inundou generosamente toda a área, como se lembrasse das piadas que pregava ao artista, deixando-o não mais do que 40 minutos para trabalhar em uma das séries de pinturas. As leis da circulação da Terra em torno da estrela mudaram a iluminação em um período tão curto de tempo que Monet teve que passar de uma tela para outra, mudando de cor a cada vez.

Para chegar à casa do maestro, é preciso passar pelo vilarejo de Giverny. Em primeiro lugar, um admirador do talento de Monet se encontra em um vasto jardim. Foi destruído muitos anos após a morte do mestre, quando um museu foi inaugurado em Giverny. Era uma vez apenas um prado aqui, uma pequena área foi preservada dele. Com aqueles famosíssimos palheiros. Esta é a primeira coisa que vimos em Giverny.

Claude Monet "Palheiro em Giverny"

O jardim de Giverny é dividido em pequenas seções, separadas umas das outras por bosquetes ou sebes.

As plantas de cada um dos departamentos são selecionadas tematicamente - estão em harmonia entre si no aroma ou na cor. Há ramos com rosas, em outros só se colhem flores brancas.

Ou apenas azul, ou apenas vermelho. Todas as plantas são agrupadas de acordo com as estações do ano. Eles são alterados dependendo do momento da floração, portanto, com início da primavera antes Final de Outono o jardim está florido e perfumado.

Giverny está literalmente imerso em vegetação. Ao caminhar até a casa-museu de Monet, você involuntariamente sintoniza a onda de união com a natureza, que o grande impressionista expressou com toda a força de seu talento.

Uma fila impressionante no caixa desapareceu em questão de minutos - os grupos organizados têm entrada própria e não havia muitos "selvagens" como nós.

Aproximando-se da casa, primeiro você vê um mar policromado de flores sobre um fundo verde. Quer nadar e banhar-se, inalar, absorver, absorver, atrair a graça da Terra. Você congela de admiração por toda a variedade de flora ser colocada e assentada de maneira estritamente definida. Está sujeito à lógica artística do próprio Claude Monet - sim, é exatamente assim que seu jardim deve ser e nada mais, isso mesmo e é muito lindo!

A princípio, a própria casa do senhor é percebida como parte integrante do jardim, que vive em ciclos naturais.

Quero muito encher, “nadar até ficar azul” no jardim de Monet, mas tenho que ir à casa-museu - domingo de manhã, a menos de 100 km de Paris e em breve pode haver um verdadeiro “ demonstração”. Temos alguns minutos para olhar a casa onde o artista passou tantos anos com sua segunda esposa Alice e filhos - os filhos dele e de Camille, e os filhos de Alice Oshede do primeiro casamento, eles não tiveram filhos juntos, mas havia foi uma união familiar de seus filhos - o filho mais velho do artista, Jean Monnet, casou-se com a filha de Alice Blanche Hoschede.

Museu Casa Claude Monet

Curiosamente, esta casa foi o segundo prédio rosa com persianas verdes em que Monet morou, o primeiro foi em Argenteuil (Argenteuil). Tornou-se outra residência do mestre, onde o jardim era separado da casa pela ferrovia, a mesma ficava em Vetheuil. O primeiro-ministro francês Georges Clemenceau comentou certa vez: “Ele até tem uma ferrovia em seu jardim!”

A princípio, a família simplesmente alugou esta casa adequada em Giverny. Quando Claude (eu realmente quero colocar um nome do meio 🙂) Monet comprou, a casa parecia diferente. A propriedade foi chamada de forma bastante interessante - "a casa da prensa de maçã". Uma máquina de prensar maçãs estava próxima. De acordo com o seu gosto, o senhor ampliou a casa nos dois sentidos, adaptando-se às necessidades grande família e para suas necessidades profissionais. Um pequeno celeiro próximo foi ligado à casa e se tornou o primeiro estúdio do artista. E embora Monet trabalhasse principalmente ao ar livre, ele completou as telas no estúdio e até as guardou. Acima desse estúdio ficava seu quarto. O mestre ocupava totalmente toda a metade esquerda da casa - aqui ele podia trabalhar, relaxar, receber convidados.

Um terraço estreito se estende ao longo de toda a fachada. Agora você pode entrar na casa pela entrada principal, como na época de Monet. Foi usado por todas as famílias, amigos e convidados.

Existem mais duas portas laterais, também com vista para o jardim. Se ele quisesse entrar imediatamente em sua oficina, entrava em casa pela porta da esquerda. A porta da direita foi destinada aos empregados, leva direto para a cozinha.

A fachada da casa de Claude Monet é bem simples, mas a vista engana! Como costuma acontecer, por trás de uma fachada elegante esconde-se um cenário muito medíocre com uma biblioteca abandonada, colchas miseráveis ​​e pinturas que não tocam a alma. Isso não tem nada a ver com a casa de Monet! Aqui, ao contrário, por trás da aparência modesta da casa, revela-se um ambiente incrível, dificilmente se pode imaginar algo mais encantador. Subimos as escadas e sinto-me sem fôlego com a oportunidade de tocar outro mundo - o mundo das cores e a atmosfera convidativa do conforto simples. A sala de jantar, a sala de estar azul levam você para a Inglaterra, ou de repente você sente características puramente francesas, e o verdadeiro Japão reina ao seu redor! Esta só pode ser a casa de um artista! Alice trouxe notas clássicas para o ambiente, mas as cores são mérito de Claude Monet, sua palavra sempre foi a última e decisiva. Às vezes, quando o mestre saía em busca de novas espécies, Alice escrevia para ele que havia mudado alguma coisa em seu quarto e estava muito satisfeita com o resultado. A resposta do marido era sempre bastante fria: "Espere até eu voltar, precisamos ver o que aconteceu."

A visita domiciliar começa com sala de estar azul. Antigamente, era chamado de sala de estar Roxo (Mauve) ou Salão Azul. A cor azul da sala foi escolhida pelo próprio mestre. O impressionista acrescentou sua própria composição às clássicas cores azuis, por isso carrega um charme especial. O mestre escolheu a cor não só na sala de Alice, mas em todos os cômodos da casa.

O interior da sala é projetado no estilo francês do século XVIII. A sala é pequena e foi destinada à dona da casa, Alice. Ela costumava ficar aqui bordando, gostava de sentar com as crianças. Mas às vezes acontecia que numerosos convidados se aglomeravam precisamente no salão azul. Isso acontecia quando Monet trabalhava em seu estúdio ou meditava no quarto, ou pegava os últimos raios do sol poente, trabalhando ao ar livre. Aqui os convidados esperavam pelo anfitrião, conversavam, bebiam chá. Em úmido dias de outono a água para o chá era aquecida em um grande samovar.

Alice costumava descansar aqui com os olhos fechados. Quando Claude Monet saía para fazer esboços, em cartas para sua esposa ele frequentemente mencionava que estava esperando, mal podia esperar até que pudesse finalmente desempacotar suas novas telas e examiná-las com sua esposa. O azul brilhante e saturado das paredes e móveis é surpreendentemente combinado com estampas japonesas. A maioria das gravuras da coleção significativa do mestre está pendurada aqui.

Gravuras japonesas na casa de Monet.

As gravuras tradicionais japonesas são impressões feitas de pranchas de madeira. Seus clichês foram primeiro esculpidos em fatias de madeira de cerejeira ou pereira. Eles se tornaram extremamente populares no Japão devido ao seu preço relativamente baixo e produção em massa. No século 19, a gravura japonesa também foi levada para a Europa.

Hiroshige Asakusa Rice Fiels durante o Festival do Galo

Monet os colecionou apaixonadamente por 50 anos e acumulou 231 gravuras. É geralmente aceito que o mestre comprou a primeira gravura no início da década de 1870 na Holanda. Mas também é sabido que Monet já tinha visto tais desenhos antes. Ele mesmo admitiu isso uma vez, em Le Havre, quando faltava às aulas aulas de escola, então vi gravuras japonesas trazidas do Oriente por navios mercantes seguindo para a Alemanha, Holanda, Inglaterra e América. Foi então que o futuro fundador do impressionismo encontrou as primeiras pinturas de baixa qualidade, vendidas na loja costeira de Le Havre, cidade natal de Monet. Qual das gravuras apareceu primeiro em sua coleção, agora ninguém dirá.

Hokusai “Bom tempo com vento do sul” - uma das 36 vistas do Monte Fuji da coleção Claude Mont

Maestro não apenas colecionou cuidadosamente sua coleção, mas também distribuiu fotos com prazer. Monet comprou constantemente centenas deles e também se separou facilmente de muitos. “Você gosta de estampas japonesas? Escolha alguns para você!” - de vez em quando ouvido na casa de Monet. Os filhos e enteados do mestre generosamente apresentaram gravuras japonesas.

Os temas dos desenhos que recolheu correspondiam aos diversos interesses do artista - natureza, teatro, música, vida rural, botânica, entomologia, cenas do quotidiano. Ele adorava vê-los ao seu redor e ele mesmo admitiu que esses desenhos o inspiram muito.

Gravuras adornam as paredes de todos os cômodos da casa de Monet, também estão na sala de passagem, que servia de despensa.

Da sala de estar azul vamos para despensa. Às vezes é difícil entender a lógica da organização do espaço. Por que, por exemplo, eles entram na despensa pela sala e não pela cozinha? Só que a casa não tem corredor ligando todos os cômodos, qualquer um deles pode ser um walk-through. Por conveniência, foi a despensa que passou a ser o elo entre os outros cômodos.

Mesmo com esse papel, a despensa se tornou uma parte importante do interior. Isso é evidenciado por várias gravuras na parede. Eles retratam navios mercantes com bandeiras tremulando ao vento, carregam mercadorias de Yokohama para a costa leste e vice-versa. Em outra gravura, vemos mulheres de quimonos e crinolinas nas bancas de comerciantes estrangeiros em Yokohama. Gravuras em tons de azul combinam bem aqui com o guarda-roupa - a principal peça de mobiliário.

O armário era trancado com chave, que sempre ficava com a dona da casa. E só ela descobriu as riquezas de países exóticos - baunilha Bourbon, noz-moscada e cravo de Caiena, canela do Ceilão e pimenta vinda das Índias Orientais Holandesas. As especiarias eram bastante raras e muito caras naquela época. Os aromas do café javanês e do chá do Ceilão exalavam do armário em estilo de bambu. chá chinês em final do século XIX séculos ainda não foram bebidos, apareceu na Europa apenas no início do século XX. Toda essa riqueza estava em latas de ferro, caixas, caixões dos melhores mestres parisienses. Eles guardavam aqui chá inglês, azeite de Aix e foie gras de. Há gavetas no armário e fechaduras também estão embutidas em cada uma delas.

A despensa é uma sala fria, não foi especialmente aquecida para que pudessem ser armazenados alimentos, principalmente ovos e chá. Na época de Monet comiam-se muito mais ovos do que agora. Existem duas caixas de armazenamento fixadas na parede, com capacidade para 116 peças. A família Monet não comprava ovos, tinha galinheiro no quintal. Embora nem Alice nem, especialmente, Claude Monet tenham percebido a vida em Giverny como provinciana. De aldeões eles eram separados por um vasto jardim e uma cerca alta. Mas aos poucos eles conheceram várias famílias locais. Porém, muito tempo se passou até que suas galinhas começaram a botar, a vaca começou a dar bastante leite e apareceram bagas nos arbustos de groselha.

Vá para primeiro oficina, e depois - Sala de estar do Monet. Pela janela sul, a luz flui como um rio para a sala do mestre, e a janela saliente voltada para o leste também ajuda na boa iluminação. Mas essa iluminação não é nada adequada, na oficina do artista as janelas devem estar voltadas para o norte! Por causa do primeiro andar, era impossível colocar janelas ao norte nesta sala e, desde o início, Monet sabia que seu estúdio não ficaria aqui por muito tempo, ele escolheria uma sala melhor.

E assim foi, depois sua primeira oficina virou sala de estar. Embora permanecesse uma sala de trabalho, que alternava com conversas familiares e amigáveis, aqui Monet e Alice recebiam inúmeros visitantes, amigos, convidados, marchands, críticos, colecionadores. Aqui estavam dois mesas- ele e Alice. Ambos mantinham correspondência ativa, ambos escreviam muito e todos os dias. Sob a grande janela está uma secretária cubana de mogno. Cadeiras, uma mesa de centro, uma mesa de música, uma estante renascentista cheia de livros, um sofá, dois vasos chineses - tudo aqui está preservado desde a época de Monet. Vasos grandes geralmente cheios de flores da mesma variedade, eram colocados em toda a sala. Os tapetes persas deram um toque de elegância ao ambiente.

As reproduções das pinturas de Monet nas paredes levam o visitante ao tempo do artista, pois o mestre adorava guardar telas que o lembrassem de cada etapa de sua carreira. É verdade que os originais, que antes adornavam as paredes da sala, agora estão expostos em Paris, no Museu Monet Marmottan. Anteriormente, havia obras das quais Monet não podia se separar. Às vezes, já vendia pinturas, comprava de volta, depois vendia de novo e trocava ou comprava de novo.

Mal conseguia pagar as contas quando, por 50 francos, se ofereceu para comprar a tela “Veteuil in the Fog”, escrita em 1879, para Jean-Baptiste Faure. Parecia a Tom que a imagem era muito branca, as cores eram muito escassas e, em geral, era impossível determinar o que ainda estava representado na tela. Um dia, muitos anos depois, Faure veio a Giverny e viu este quadro na parede desta primeira oficina do mestre e mostrou genuíno interesse por ele. Monet respondeu ao convidado que esta pintura não estava mais à venda por preço algum e lembrou a Faure as circunstâncias em que ele já havia visto Vetheuil no Nevoeiro. O envergonhado Faure encontrou vários bons motivos para deixar Giverny o mais rápido possível.

Aqui, como em outras partes da casa, a atmosfera original foi preservada e isso cria uma sensação de presença de um mestre. Ele é realmente invisível aqui. Embora em vez de um mestre vivo, seu busto de Paul Paulin foi instalado no primeiro estúdio. O busto lembra que Monet se tornou uma lenda durante sua vida. É verdade que ele teve que esperar pelo reconhecimento, veio para o artista apenas aos 50 anos.

Claude Monet em sua primeira sala de estar

Como o mestre esperava, logo foi construída uma segunda oficina mais confortável, localizada separadamente na parte oeste do jardim. Para isso, tiveram que derrubar os prédios que ali estavam, e assim que Monet comprou uma casa rosa, demoliu tudo o que era supérfluo sem hesitar e por fim tornou-se dono de uma verdadeira oficina, onde tudo estava arranjado para o trabalho, bastava espaço e uma enorme janela virada a norte! A segunda oficina tornou-se o santuário do mestre, onde ninguém o perturbava durante seu trabalho.

Não sei dizer se esta oficina foi preservada, o livro não fala nada sobre isso e não é mostrado aos turistas.

Quarto K. Monet localizado diretamente acima de sua primeira sala de estúdio. Para chegar ao quarto do artista, você precisa voltar à despensa novamente. De lá, uma escada muito íngreme sobe - este é o único caminho para o banheiro do mestre. Em dias de desespero, dúvida, mau humor e doença, o mestre evitava qualquer companhia, mesmo as mais próximas a ele. Às vezes, ele não saía do quarto por dias, andava de um lado para o outro, não descia para jantar e traziam comida para ele aqui. O silêncio envolvia a casa nesses dias. Mesmo na sala de jantar não havia vozes se o dono não estivesse nela.

No quarto encontraremos uma cama bastante simples onde dormiu o artista e onde descansou num Bose a 5 de Dezembro de 1926. As paredes de seu quarto são brancas, na época de Monet ainda havia uma secretária da época de Luís XIV e duas cômodas. A mobília já tinha uns bons cem anos durante a vida do mestre, foi feita no final do século XVIII.

de cada um três janelas Os quartos oferecem vistas magníficas para o jardim. Dois deles são orientados para o sul e um - para o oeste.

Mas o principal tesouro do quarto de Monet eram as pinturas. A coleção também ocupou as paredes do banheiro e continuou no quarto de Alice. Eram três telas, 12 obras, nove telas, cinco - Berthe Morisot, várias -, três pinturas de Camille Pissarro, tinha Alfred Sisley, uma marinha de Albert Marquet. As coleções foram complementadas pelos pastéis de Morisot, Edouard Manet, Paul Signac e até algumas esculturas de Auguste Rodin.

quarto da Alice localizado próximo ao quarto de Monet. Como era costume nas casas da nobreza da época, marido e mulher dormiam em quartos separados. Eles se conectam pela porta do banheiro.

O quarto muito simples da segunda esposa do artista é decorado com estampas japonesas representando mulheres. Este é um dos poucos cômodos da casa com janelas voltadas para a rua, ou seja, para o norte. No quarto dela, você pode imaginar como a casa realmente é estreita. Da janela de seu quarto, Madame Monet podia observar as crianças brincando do outro lado da propriedade.

No cimo da escada principal existe uma pequena arrecadação para lavandaria. E ao longo dela caímos em sala de jantar. Talvez esta seja a sala mais emocionante da casa de Monet. Quantas celebridades ela viu em sua vida!

Na época de Monet, um convite para jantar significava que os convidados concordavam estrita e incondicionalmente com todas as tradições imutáveis ​​da casa. Isso significa que, se o hóspede não é um gourmet, pelo menos é um conhecedor da alta gastronomia. Ele deve gostar de tudo que é japonês. Os hóspedes são obrigados a conhecer a rígida rotina da casa, onde tudo se vive de acordo com o ritmo de trabalho do proprietário, e a obedecer dignamente às regras e à disciplina, que era próxima do beneditino. A rotina diária era rígida e inabalável. Até mesmo caminhar pela casa e pelo jardim seguia uma rota cuidadosamente elaborada.

Monet ampliou significativamente a sala de jantar em detrimento da antiga cozinha, tornou-se grande e luminosa, suas janelas francesas dão para a varanda. Naquela era vitoriana, os tons interiores escuros e sombrios estavam em voga. O mestre deu pouca atenção à moda e decidiu dar à sala de jantar dois tons de amarelo. Os vibrantes tons de ocre acentuavam o azul das louças de Rouen e Delft do aparador. O piso é forrado com ladrilhos xadrez - o padrão é criado por painéis brancos e vermelhos escuros, essa combinação era muito apreciada na época. O teto, as paredes e os móveis são pintados em dois tons de amarelo. 12 pessoas sentavam-se livremente em uma mesa grande, mas às vezes também era preparada para 16 pessoas.

A sala de jantar, que parecia uma galeria de arte, reunia toda a família, seus amigos e convidados de honra, incluindo convidados do Japão como o Sr. Kuroki Hayashi (Kurokis Hayashi). Sobre a mesa sempre havia uma toalha de mesa de linho amarelo, geralmente colocavam um serviço de faiança japonesa, que se chamava “ Árvore de cereja” ou serviço de porcelana branca com bordas largas amarelas com rebordo azul. Cortinas de organza, também tingidas de amarelo, foram abertas para melhor iluminação. Dois espelhos foram colocados frente a frente. Uma era decorada com um floreiro de faiança azul de Rouen, o outro tinha um floreiro japonês cinza e azul, em forma de leque aberto, com um grande vaso ao fundo.

As paredes da sala de jantar estão repletas de estampas japonesas, que Monet selecionou de acordo com seu senso de cor. Sua coleção incluía obras dos melhores mestres japoneses - Hokusai, Hiroshige, Utamaro.

Por conveniência, ao lado da sala de jantar é cozinha- o último cômodo que pode ser visto na casa. Monet decidiu em azul. Essa cor harmonizou bem com o tom amarelo da sala de jantar. Se a porta da próxima sala fosse aberta, os convidados veriam uma cor azul adequada para o amarelo.

Vista da cozinha da sala de jantar amarela

Essa foi outra violação das regras geralmente aceitas da virada do século, quando apenas o cozinheiro e seus ajudantes reinavam na cozinha e os criados vinham jantar. É curioso que o proprietário nunca tenha entrado na cozinha, visitando-a apenas uma vez quando pensava na decoração desta divisão. Ele decidiu que o azul royal claro combinava bem com o azul rico, que o mestre usava em todo o interior dos quartos. Esse esquema de cores trouxe ainda mais luz para a sala com duas janelas voltadas para a varanda e uma sacada, que, como a maioria das janelas da casa, dava para o jardim.

As paredes da cozinha são revestidas com azulejos azuis de Rouen. Eles pagaram muito dinheiro por isso, porque foi adicionado cobalto para dar cor e o processo de produção era muito caro. Não só as paredes, mas também o piso e o teto da cozinha, assim como a mesa, cadeiras, caixa de gelo, saleiros, armários são pintados em uma cor. Na época, a cor azul foi pensada para promover a higiene e também repelir insetos, principalmente moscas. Os móveis azuis das paredes e armários da cozinha enfatizam o esplendor dos utensílios de cobre, cuja grande coleção está localizada nas paredes.

Não é de surpreender que em uma família de 10 pessoas a comida desempenhasse um papel importante e a cozinha fosse considerada um santuário. Afinal, todos os dias era necessário dar café da manhã, almoço e jantar não só aos membros da família, mas também aos convidados e criados. Aqui tudo estava sujeito ao propósito da sala. Todos os dias, no calor e no frio, um enorme fogão era abastecido na cozinha com carvão ou lenha. Um enorme caldeirão com tampa de cobre está embutido nele e sempre havia água quente na casa.

Todos os dias um camponês batia em uma janelinha com vista para a rua e anunciava que havia entregado o pedido de frutas e verduras recebido no dia anterior. Degraus próximos à janela levavam a um vasto porão onde alimentos perecíveis eram armazenados e gelo era entregue nas proximidades de Vernon.

A cozinha mal deixava o tempo livre dos cozinheiros. Constantemente era necessário cortar, desmoronar, interferir, cortar. E então - para lavar, limpar, polir inúmeras molheiras de cobre, potes, bules até a próxima vez, que nunca demorou.

Como em outros lugares, vários cozinheiros, às vezes dinastias inteiras, serviram na casa de Monet. Por exemplo, Karolina e Melanie deram nomes às receitas que inventaram. E a cozinheira mais famosa de Giverny foi Margaret. Começou a trabalhar em casa ainda menina. Então ela apresentou Monet a seu noivo, Paul. E para que Margaret não saísse de casa, Monet levou Paul para o trabalho. Margarida permaneceu no cargo mesmo após a morte do maestro, até 1939. Nos raros momentos de descontração, Margaret gostava de se sentar numa cadeira baixa sem puxadores e folhear um livro de receitas, de onde se inspirava, tal como o seu mestre nas gravuras japonesas. Às vezes ela apenas olhava para o jardim, onde duas flores de cerejeira desabrochavam em branco e rosa suave. Quando ela deixou Giverny e voltou para sua terra natal, Berry, ela relembrou: “O trabalho em Giverny era muito difícil, mas quando eu trabalhava, sempre havia duas árvores japonesas na minha frente.”

O passeio pela casa termina aqui. Passamos para o Jardim da Normandia ou Clos Normand e depois para o Jardim das Águas.

A fotografia é proibida no museu. Mas notando que na primeira oficina-estúdio do artista todos os visitantes tiram fotos, também tirei algumas fotos.
As demais fotos foram retiradas do site do Claude Monet House Museum.
Baseado no livro de Cdaire Joyes “Claude Monet em Giverny. Um passeio e história da casa e do jardim”, Stipa, Montreuil (Seine-Saint-Denis), 2010

Um lugar pitoresco está localizado a 80 quilômetros ao norte de Paris Giverny (Giverny). Centenas de milhares de turistas de todo o mundo, centenas de milhares de pessoas que não são indiferentes à beleza, peregrinam aqui. Um artista impressionista viveu e trabalhou aqui por quarenta e três anos. Claude Monet.

Em 1883, o artista comprou uma casa nesta aldeia, onde se estabeleceu com toda a sua numerosa família. Monet idolatrava a natureza. Ele gostava de jardinagem, comprava livros e se interessou muito pelas terras perto de sua nova casa.

O artista trocou sementes com outros jardineiros, manteve uma correspondência ativa com viveiros... Para os camponeses locais, os “urbanos” eram uma visão incomum. O artista não evitava nenhum trabalho sujo no jardim, os cariocas o respeitavam muito.

A família Monet passeando no jardim (artista à direita)

Édouard Manet "A Família Monet no Jardim"

Monet em sua casa em Giverny

A princípio, a casa e o terreno ao redor ocupavam não mais que 1 hectare. Mas depois de 10 anos, quando os negócios financeiros de Monet iam bem, ele comprou outro terreno, separado do antigo pela ferrovia. Mais tarde, foi substituído por um leito de estrada para carros, então o território de Monet permaneceu dividido.

Graças ao talento artístico e à diligência, o que antes era apenas uma horta perto de casa tornou-se, graças a Monet, uma verdadeira celebração de cor, luz e beleza. Ele plantou tudo com vários tipos de flores e plantas.

O artista gostava tanto de plantas e flores (o que significa abundância de cores durante a floração!) que, ao obter um volumoso catálogo de sementes de flores, não perdeu muito tempo estudando e encomendou tudo! Rosas, lírios, glicínias, tulipas, margaridas, girassóis, gladíolos, ásteres - tudo isso chamou a atenção da família Monet e de seus convidados.

Já a segunda parte do jardim, atrás da rodovia, causa especial atenção e admiração dos visitantes. Este é o chamado jardim aquático. Você pode chegar lá através de um túnel. Todos que vêm aqui congelam involuntariamente, prendendo a respiração, vendo a obra-prima criada pelo grande artista, reconhecendo os enredos de suas pinturas mundialmente famosas.

Claude Monet "Lírios de água branca"

Claude Monet "Águas"

Claude Monet “Águas. Reflexão verde, lado esquerdo”

Ele drenou o pântano, formou lagoas e canais, direcionando habilmente a água do rio Epte para eles.
As margens do lago foram decoradas com uma variedade de plantas - framboesas, azevinhos, sakura japonesa, anêmonas, peônias e muitas outras. A principal atração do jardim é a ponte japonesa, entrelaçada com glicínias, que simplesmente não pode deixar de reconhecer os amantes da obra do artista. E o mais importante, Monet encomendou sementes de ninfas (nenúfares) do Japão e decorou a superfície da água do lago com elas. Ninfeus de diferentes variedades foram plantados na lagoa, salgueiros-chorões, bambus, lírios, rododendros e rosas foram plantados ao longo das margens.

O jardim de Monet tornou-se sua musa e sua ocupação principal. Claude Monet escreveu sobre os nenúfares:

“Plantei por prazer, sem nem pensar que iria escrevê-los. E de repente, inesperadamente, a revelação do meu fabuloso e maravilhoso lago veio a mim. Peguei a paleta e a partir daí quase nunca mais tive outro modelo.”

A técnica de pintura deste artista é diferente porque não misturou tintas. E ele os colocou lado a lado ou sobrepostos um sobre o outro com pinceladas separadas. A maneira favorita de Monet trabalhar em série permitia que ele não ignorasse as menores nuances de cor, luz - já que cada tonalidade do estado da natureza poderia ser dedicada a uma tela separada. ponte japonesa? - 18 opções. Lagoa com nenúfares brancos? - 13 pinturas. Lírios? - 48 pinturas. E a lista poderia continuar...

Claude Monet "Nenúfares e Ponte Japonesa"

Em 1916, quando já tinha 76 anos, construiu um espaçoso estúdio à direita da casa principal, que se chamava "Estúdio Nenúfar". Aqui o artista realizou sua última ideia grandiosa - criou painéis representando nenúfares, que formavam um panorama circular de cerca de 70 m de circunferência.

Essas pinturas ele doou à França e foram colocadas em um pavilhão especialmente construído, localizado na orla do Jardim das Tulherias, onde se abre para a Place de la Concorde. Se você olhar o pavilhão de cima, parece um oito. Em duas salas ovais conectadas por um lintel, estão penduradas pinturas representando um lago em Giverny: seis ou oito telas. Em essência, esta é uma imagem que transmite mudanças na natureza ao longo do dia que são inacessíveis ao olho comum.

Os críticos de arte dizem que a pintura aqui atingiu tal perfeição que borrou a linha entre o realismo e a arte abstrata. Claude Monet apenas parou o momento, porque tudo passa, mas nada desaparece, e a vida é sempre uma expectativa. próximo dia. Foi um triunfo vitalício da obra de Claude Monet.

Claude Monet “Nenúfares (nuvens)”

Claude Monet "Lagoa com nenúfares e íris"

Claude Monet se inspirou no jardim aquático por 20 anos. Monet escreveu:

“... a revelação do meu fabuloso e maravilhoso lago veio até mim. Peguei a paleta e desde então quase nunca mais tive outro modelo.

Ele primeiro criou pinturas em espécie, elas deram reflexos na superfície da água da lagoa e depois o artista as transferiu para telas. Levantando-se todos os dias às cinco da manhã, ele vinha aqui e pintava em qualquer clima e em qualquer estação. Aqui ele criou mais de cem pinturas. Isso é muito surpreendente para um gênio, mas Claude Monet era uma pessoa muito feliz. Ele alcançou reconhecimento durante sua vida, amou e foi amado, fez o que amava.

“Não sirvo para nada além de pintura e jardinagem.”
Claude Monet

Monet dedicou quase trinta anos de sua longa vida a seus assuntos favoritos. O famoso impressionista morreu em Giverny em 1926 aos 86 anos. Após a morte do artista em 1926, sua filha Blanche passou a cuidar da casa. Mas durante a Segunda Guerra Mundial, caiu em desuso. Mais tarde, em 1966, o filho de Monet entregou a propriedade à Academia belas-Artes, que imediatamente iniciou a restauração da casa e depois do jardim.

Restaurado após um longo período de abandono graças à generosidade de patronos americanos e franceses, o jardim de Claude Monet era amplamente conhecido no início do século. Georges Clemenceau, que conhecia o artista desde a época dos encontros no café parisiense "Gerbois" e era dono de um dos casas de aldeia não muito longe de Giverny, ficou tão impressionado com este evento que até dedicou um pequeno panfleto a ele, no qual escreveu:

“O jardim de Claude Monet pode ser considerado uma de suas obras, na qual o artista realizou milagrosamente a ideia de transformar a natureza de acordo com as leis da light painting. A sua oficina não se limitava às paredes, saía ao ar livre, onde as paletas de cores se espalhavam por todo o lado, treinando o olhar e satisfazendo o apetite insaciável da retina, pronta a perceber o mais ligeiro estremecimento da vida.”

Agora Giverny é visitado por mais de meio milhão de pessoas por ano. Os franceses planejam solicitar a inclusão da Casa-Museu de Claude Monet e do Jardim de Giverny na Lista do Patrimônio Mundial da UNESCO.

instruções ao jardim de Monet:

França, Giverny (80 km ao norte de Paris pela rodovia A13).
O jardim está aberto à visitação todos os dias, exceto segunda-feira, das 9h30 às 18h00 (a venda de ingressos termina meia hora antes do fechamento).

O custo dos bilhetes de entrada:

Adultos: 9 euros
Crianças a partir dos 7 anos e estudantes: 5 euros
Crianças menores de 7 anos: grátis
Deficientes: 4 euros

Estacionamento: grátis

Lembre-se de que, se você quiser ver as pinturas do artista, precisará ir ao Museu Orsay, ao Museu Orangerie e a uma centena de outros museus do mundo, pois não há pinturas do artista aqui.

O jardim de Claude Monet em Giverny pode ser considerado uma verdadeira obra de arte, que você pode admirar sem parar. A pacata vila de Giverny teria permanecido uma calma e pitoresca província, não fosse o artista impressionista que passou de trem e se apaixonou pela beleza local.

Graças a Claude Monet, todos os anos vêm aqui turistas que querem realmente conhecer todos os pontos turísticos da propriedade do grande gênio.

Claude Monet dava grande importância à luz, às suas sombras e ao jogo das sombras e idolatrava verdadeiramente a natureza. Ele comprou uma casa simples de camponês em Giverny em 1883. Sua grande família deveria morar lá - sua esposa Alice, seus filhos do primeiro casamento e seus filhos comuns.

Monet estava tão apaixonado por flores que plantou uma estufa inteira de várias variedades em seu site. Toda a profusão de cores, jogo de luz e sombra, paisagens únicas imersas no verde se refletiam nas pinturas do artista, que pintou com especial amor. Um pouco mais tarde, no terreno atrás da casa, Monet organizou um jardim sobre a água, cuja principal atração eram os nenúfares que florescem o ano todo. O artista gostava especialmente de desenhá-los.

Quase todos os dias, a partir das cinco da manhã, o artista passava um tempo neste jardim, transferindo para as suas telas toda a beleza envolvente. Foi nessa época que as criações de Claude Monet foram muito apreciadas pelos fãs. arte e ele ganhou popularidade. Muitos associados do grande artista vieram admirar o jardim florido, Giverny tornou-se associado a grande nome Monet.

O impressionista viveu uma vida longa e feliz, deixando para trás obras de arte únicas. Hoje, todos podem entrar na propriedade de Monet. Rosas ainda crescem lá e encantam com o aroma divino, nenúfares brancos flutuam na lagoa e o espírito imortal do impressionismo voa no ar.

Pinturas vivas de Claude Monet

Elena Tyapkina

“Vendo Claude Monet em seu jardim, você começa a entender como um grande jardineiro pode se tornar um grande artista”, escreve o poeta simbolista Gustave Kahn após sua viagem a Giverny, uma pitoresca vila perto de Paris.
- Monet "grande jardineiro"? O poeta se enganou: Monet é um grande impressionista que pintou quadros a vida toda!
Mas não, Kahn estava certo: toda a sua vida - 43 anos! Monet criou um jardim.

Ele sempre amou flores e sempre as pintou. E em 1883, tendo se estabelecido em Giverny, tornou-se jardineiro. Absorvido pelo amor pelas plantas, ele cria primeiro uma Normandia e depois um incrível jardim aquático. O jardim não nasce imediatamente - Monet está constantemente tentando, procurando, experimentando. Nas suas viagens, encontra as plantas de que precisa: de Rouen manda mostarda do campo e duas “chagas engraçadas”, e da Noruega promete às crianças trazer “algumas plantas especiais” do país do norte.

Ele coleciona livros sobre horticultura e, acima de tudo, aprecia a tradução da famosa "História Ilustrada da Horticultura" de George Nichols; assina quase todas as revistas sobre flores e jardins; coleciona catálogos de sementes, especialmente interessados ​​em novos produtos.
Nas viagens, o artista volta constantemente a Giverny em seus pensamentos. Ele pergunta à esposa Alice como está o jardim, se preocupa com as plantas, aconselha como cuidar melhor dos bichinhos da estufa. Ainda há flores no jardim? Eu gostaria que os crisântemos fossem preservados lá quando eu voltar. Se houver geadas, corte-as em lindos buquês ”(de uma carta de 1885).

Dia após dia, ano após ano, Monet criou pacientemente seu jardim. O olhar do artista e as mãos do jardineiro o ajudaram a transformar uma propriedade comum com árvores frutíferas em um quadro vivo, no qual a beleza e a variabilidade da natureza são transmitidas por meio de combinações de cores e formas. No jardim de Monet não havia nada supérfluo, acidental, não havia coleta cega - apenas harmonia.

O jardim tornou-se uma continuação de sua oficina. Buscando incansavelmente a perfeição, Monet primeiro criou uma pintura de flores em um jardim e depois a transferiu para a tela. EM últimos anos vida, ele não precisava mais sair de Giverny - ele pintou um jardim. Movendo-se em um pequeno barco pelos “becos” do jardim aquático, o artista pintou, pintou, pintou sem parar ... uma ponte corcunda, um espelho d'água com árvores, glicínias e nenúfares refletidos nela.

Foi assim que surgiu uma série lírica de pinturas sob o nome geral de "Nenúfares". "Demorou muito", escreveu Monet, "até que eu pudesse entender meus nenúfares. Plantei-os por prazer, sem nem pensar que os escreveria. E de repente, inesperadamente, a revelação do meu fabuloso e maravilhoso lago veio a mim. Peguei a paleta e, desde então, quase nunca tive outro modelo, a percepção da natureza viva não nos chega imediatamente.

O maravilhoso jardim de Monet

Mas nada disso poderia ter acontecido: as autoridades não permitiram por muito tempo que o artista fizesse um jardim aquático, temendo que as ninfas, uma flor desconhecida na época, envenenassem a água do rio Epte...

E, infelizmente, não veremos muito: extremamente exigente consigo mesmo, Monet queimou muitos esboços e já terminou as pinturas sem se arrepender. “Saibam que estou absorto em meu trabalho. Paisagens de água e reflexos tornaram-se uma obsessão. Isso está além da minha força senil, mas quero ter tempo para captar o que sinto. Eu os destruo e começo de novo”, escreveu ele ao biógrafo Gustave Geffroy em 1908.

A obra mais significativa do mestre foi uma série de enormes “Painéis decorativos com nenúfares”: “O céu e a linha do horizonte aparecem apenas no reflexo. Nestes painéis está um mundo em constante mudança; o mundo é incompreensível, mas parece nos penetrar. E esse mundo em eterna renovação parecia dissolver-se na superfície de um lago com nenúfares.

Em seus anos de declínio, Monet confessou a Georges Clemenceau: “Se você escrever o mundo ao nosso redor muitas vezes, começará a perceber melhor a realidade, ou o pouco que somos capazes de compreender. Compreendo as imagens do universo para testemunhar o que vejo com meu pincel.

Após a morte do artista, seu jardim ficou esquecido por muito tempo. A criação, que Monet criou durante metade de sua vida com tanto cuidado e tanto amor, gradualmente se tornou selvagem. Felizmente, a Academia Francesa de Belas Artes decidiu restaurar o jardim. A partir de pequenos fragmentos espalhados pelo mundo: esboços, fotografias, formulários de pedidos que Monet fazia em creches, ensaios de jornalistas, eles tentaram novamente criar um quadro completo. A restauração levou três anos e, em 1980, os visitantes retornaram aos caminhos do jardim. Novamente, porque Monet nunca foi recluso e sinceramente se alegrou com qualquer convidado.

O jardim ocupava uma área de cerca de dois hectares e era dividido por uma estrada em duas partes. O próximo à casa - o jardim superior ou florido - foi disposto no local de uma horta. Esta é uma "casa senhorial na Normandia", projetada no estilo tradicional francês. O beco central é decorado com arcos de ferro, nos quais escalam rosas trepadeiras. Rosas envolvem a balaustrada ao redor da casa. O espaço do jardim é dividido em canteiros de flores, onde matas de flores de diferentes alturas criam volume. As linhas retas e rígidas dos becos contrastam com o tapete heterogêneo de flores perfumadas o ano todo. Cada estação tem um esquema de cores especial. Na primavera - uma abundância de narcisos e tulipas, depois rododendros, lilases e glicínias florescem. Mais tarde, o jardim se transforma em um verdadeiro mar de íris, o artista os amou especialmente. O caminho margeado por íris é retratado em pintura famosa Jardim do Artista em Giverny. As íris são substituídas por peônias, daylilies, lírios, papoulas. No auge do verão, florescem campainhas, bocas-de-leão, ipomeias, aquilégias, sálvia e, claro, rosas de todos os tons e formas. E em setembro chega a época das dálias, malvas, ásteres e crisântemos, os caminhos são ocupados pela capuchinha. Este é um verdadeiro reino de flores e cores!

Em 1893, 10 anos após sua chegada a Giverny, Monet comprou um terreno ao lado de sua propriedade do outro lado da ferrovia e o transformou em um lago "com plantas aquáticas para entretenimento e recreação para os olhos, além de um enredo para pintura." Ao planejar o jardim aquático, Monet seguiu o conselho de um jardineiro japonês que visitava Giverny há algum tempo. Os motivos japoneses são claramente sentidos aqui, a influência da filosofia oriental tradicional de contemplação da natureza. Em 1895, Monet constrói a famosa ponte japonesa, que parece ter migrado para o jardim a partir de uma gravura de Hokusai. Árvores de ginkgo chinesas e árvores frutíferas japonesas se destacavam entre a vegetação usual no jardim; uma densa floresta de moitas de bambu se estendia ao longo de vielas estreitas. O lago era repleto de samambaias, azáleas e roseiras exuberantes. A água era aquecida em alguns lugares, e luxuosos nenúfares tropicais floresciam ali. “Aqui e ali, na superfície da água, flores de nenúfares com coração carmesim, brancas nas bordas, avermelhadas como morangos ... e ao longe algumas semelhanças amores-perfeitos aglomerados, como em um canteiro de flores flutuante, e, como mariposas, abrem suas polidas asas azuladas sobre a encosta transparente desse jardim de flores aquáticas; e um jardim de flores celestial também…” — escreveu Marcel Proust.

A pequena vila de Giverny apareceu nos mapas há mais de mil anos, mas é conhecida principalmente como o lugar onde o mundialmente famoso impressionista Claude Monet viveu por 43 anos e onde um grande número de suas pinturas foi criado. Apenas 80 km separam este lugar pitoresco de Paris. Graças à presença de um mestre famoso durante sua vida, a discreta vila tornou-se um refúgio e local de descanso para muitos artistas.

Matisse, Cézanne, Renoir, Pissarro costumavam caminhar pelas ruas de Giverny.

Como chegar lá

O mais romântico é correr para Giverny sozinho. O trem de Paris Saint-Lazare vai para Vernon, onde geralmente há um ônibus esperando para levá-lo aos 6 km restantes até o jardim de Monet. Você pode alugar uma bicicleta por 12 euros no Café du Chemin de Fer, em frente à estação. Este pequeno caminho também pode ser percorrido a pé: atravessamos o rio e depois viramos à direita para a estrada D5. Cuidado: ao chegar em Giverny, vire à esquerda na bifurcação, caso contrário terá que contornar o jardim.

De carro, a viagem de Paris leva cerca de uma hora. Pegue a A13 em direção a Vernon/Giverny até a saída 14.

Os preços na página são para agosto de 2018.

Pesquisar voos para Paris (aeroporto mais próximo de Giverny)

jardim de Claude Monet

Além de ser a casa e a oficina criativa de Monet como artista, a bonita vila é a melhor ilustração de suas excelentes habilidades como paisagista e horticultor. Afinal, foram as extensões de Giverny que se tornaram uma tela em branco na qual o artista experimentou variedades de rosas, jacintos, íris, samambaias rígidas combinadas e peônias exuberantes, realçaram miosótis desbotados com papoulas suculentas. E foram as paisagens deste jardim que formaram a base os melhores trabalhos Monet.

Agora, admiradores da obra de Monet vêm aqui de todo o mundo para ver com seus próprios olhos um lago com nenúfares e uma ponte japonesa de renda lançada sobre um lago. O artista também trabalhou nesta parte do jardim com as próprias mãos, criando meticulosamente para si uma fonte de inspiração para os próximos 20 anos. Aqui ele criou trabalho famoso"Rock of the Aiguille and Porte d'Aval", "Mannport Gate in Etretat", "Rocks in Belle-Ile", "Rocks in Etretat", "Hack in Giverny", "Water Lilies".

Mansão de Monet em Giverny

Após a morte do artista, seu filho Michel doou a propriedade à Academia de Belas Artes. Seus funcionários ainda mantêm cuidadosamente a aparência da casa e do jardim na forma em que o proprietário os deixou, transformando este local na casa-museu do pintor impressionista francês (Musée Claude Monet).

Dentro você não encontrará obras de Monet, mas a casa pintada em cores vivas está repleta de detalhes cotidianos da vida do mestre, e o salão é o famoso estúdio Water Lily, decorado com reproduções das obras de Monet. A melhor época para visitar o jardim é maio e junho, quando rododendros de glicínias começam a florescer ao redor do lago.

Informação prática

Endereço: Giverny, Rue Claude Monet, 65-75. O site oficial da propriedade (disponível em francês, inglês e japonês).

Horário de funcionamento: diariamente de abril a novembro, das 9h30 às 18h.

Entrada: 9,50 EUR (adultos), 5,50 EUR (crianças com mais de 7 anos e estudantes), crianças com menos de 7 anos não pagam.

Hotéis populares em Giverny

Pontos turísticos de Giverny

Caminhar pelos arredores da vila normanda é uma oportunidade de olhar o mundo pelos olhos de Monet, é impossível ficar indiferente às colinas verdejantes, bosques perfumados, casas de pedra cercadas por cercas de madeira bem cortadas, íris corajosas que romper a poeira da estrada, onde quiserem, e não onde a mão do homem comandar. E já quero pegar um lápis, caneta, pincel, câmera e capturar a beleza fascinante de uma simples paisagem rural.

Museu do Impressionismo

Além do ninho da família Monet, Giverny tem outras atrações, como o Museu do Impressionismo, criado para abrigar exposições temporárias e instalações de artistas impressionistas. Acontece que até as obras de Monet são expostas em seus salões. A propósito, recentemente este edifício foi chamado de Museu de Arte Americana e especializado no trabalho de artistas americanos, mas foi decidido ultrapassar os limites geográficos da arte que varreu o mundo inteiro.

O museu está aberto do início de abril ao final de outubro. Aliás, está prevista a venda de ingressos combinados, dando desconto na visita a vários atrativos de Giverny. Endereço: Giverny, rue Claude Monet, 99. Para mais informações sobre horários de funcionamento e descontos nos ingressos, acesse o site do museu (em inglês).

Cafeteria

Você pode fazer uma pausa agradável olhando para a casa número 81 na rua Claude Monet, onde abrigou o antigo hotel e hoje o adorável restaurante Hotel Baudy. Este lugar é uma verdadeira lenda: Cezanne, Renoir, Sisley, Rodin já tomaram café nas mesas deste café e, no final do século XIX, apenas artistas ficavam nos andares superiores, no hotel. O "Hotel para Artistas Americanos" até preservou uma série de pinturas e esboços de mestres agora famosos, com os quais os hóspedes pagaram a hospedagem à anfitriã. Agora você pode saborear a culinária francesa pagando de 25 a 30 euros pelo almoço.

O cofre da família de Monet

Ao lado da igreja de St. Radegunde fica o cemitério da família de Monet. A velha igreja é um templo rural e despretensioso que impressiona pela sua antiguidade e atmosfera especial. Nesta igreja, Monet se casou pela segunda vez e mais tarde foi enterrado no jazigo da família. A rua mais antiga da vila, a rue aux Juifs, na parte medieval de Giverny, tem um encanto especial, evidenciado pelos edifícios antigos e pelas ruínas de um mosteiro medieval.

• Onde ficar: Ponto de partida para viajar pela capital da França, é melhor escolher diretamente

Se você dirigir 80 km ao norte de Paris, poderá chegar ao pitoresco lugar de Giverny. Esta vila é famosa pelo fato de Claude Monet ter vivido e trabalhado aqui por quarenta e três anos. Tendo se estabelecido na aldeia em 1883, o artista ficou tão entusiasmado com a jardinagem que quase nada havia em suas telas, exceto as vistas de seu jardim favorito e do campo de papoulas, localizado na periferia da aldeia.

A princípio, o jardim de Monet consistia apenas no território adjacente à casa (cerca de 1 hectare). Aqui, antes de tudo, o artista cortou um beco sombrio de abetos e ciprestes. Mas sobraram tocos altos, nos quais subiram rosas trepadeiras. Mas logo as trepadeiras cresceram tanto que se fecharam e formaram um túnel florido abobadado que ia do portão até a casa.

Claro, com o tempo, os tocos desabaram e agora as rosas são sustentadas por suportes de metal. Este lugar pode ser visto nas pinturas do Mestre: a perspectiva do beco, onde há flores exuberantes à esquerda, à direita e acima, e no caminho abaixo de suas finas sombras vazadas.

A área em frente à casa, visível das janelas, o artista transformou em uma paleta de flores, misturando e combinando tintas. No jardim de Monet, um tapete heterogêneo e perfumado de flores é dividido em caminhos retos, como tintas em uma caixa.

Monet pintou flores e pintou com flores. ele é verdadeiro Pessoa talentosa foi um excelente artista e um excelente paisagista. Levava muito a sério o interesse pela jardinagem, comprava livros e revistas especiais, correspondia-se com viveiros, trocava sementes com outros floricultores.

Outros artistas costumavam visitar Monet em Giverny. Matisse, Cézanne, Renoir, Pissarro e outros já passaram por aqui. Sabendo da paixão do dono por flores, os amigos lhe trouxeram plantas de presente. Assim, Monet conseguiu, por exemplo, peônias em forma de árvore trazidas do Japão.

A essa altura, Claude Monet está se tornando famoso. A técnica de pintura deste artista é diferente porque não misturou tintas.

E ele os colocou lado a lado ou sobrepostos um sobre o outro com pinceladas separadas. A vida de Claude Monet flui com calma e prazer, sua família e sua amada esposa estão por perto, as pinturas são bem compradas, o artista faz com entusiasmo o que ama.

Em 1993, Monet comprou um terreno pantanoso próximo ao seu, mas localizado do outro lado da ferrovia. Havia um pequeno riacho aqui. Neste local, o artista, com o apoio das autoridades locais, criou uma lagoa, inicialmente pequena e posteriormente ampliada. Ninfeus de diferentes variedades foram plantados na lagoa, salgueiros-chorões, bambus, lírios, rododendros e rosas foram plantados ao longo das margens.

Existem várias pontes sobre a lagoa, que tem uma costa muito sinuosa. A mais famosa e maior delas é a ponte japonesa, entrelaçada com glicínias.

Monet pintou-o especialmente com frequência.

O jardim aquático de Monet é notavelmente diferente da área circundante, pois fica escondido atrás das árvores. Você pode chegar aqui apenas através de um túnel colocado sob a estrada.

Todos que vêm aqui congelam involuntariamente, prendendo a respiração, vendo a obra-prima criada pelo grande artista, reconhecendo os enredos de suas pinturas mundialmente famosas.

Claude Monet se inspirou no jardim aquático por 20 anos. Monet escreveu: “... a revelação do meu fabuloso e maravilhoso lago veio até mim. Peguei a paleta e desde então quase nunca mais tive outro modelo.

Ele primeiro criou pinturas em espécie, elas deram reflexos na superfície da água da lagoa e depois o artista as transferiu para telas. Levantando-se todos os dias às cinco da manhã, ele vinha aqui e pintava em qualquer clima e em qualquer estação.

Aqui ele criou mais de cem pinturas. Nessa época, Monet começou a perder a visão ... Era cada vez mais difícil para ele distinguir e escrever pequenos detalhes. As pinturas do artista estão mudando gradualmente. Detalhes e nuances são substituídos por grandes pinceladas que evidenciam o jogo de luz e sombra.

Mas mesmo em pinturas pintadas dessa maneira, adivinhamos inequivocamente enredos familiares. O custo das pinturas continua subindo... Claude Monet morreu em sua casa em Giverny em 1926.

Sua enteada Blanche cuidava do jardim. Infelizmente, durante a Segunda Guerra Mundial, o jardim caiu em desuso. Em 1966, o filho do artista, Michel Monet, entregou a propriedade à Academia de Belas Artes, que imediatamente iniciou a restauração da casa e depois do jardim. Agora, a propriedade em Giverny é visitada anualmente por meio milhão de pessoas.

Claude Monet viveu uma grande vida feliz. Ele conseguiu fazer o que amava, combinar pintura e jardinagem, viver em abundância. Ele era muito feliz em sua vida pessoal, amava e era amado. Monet ficou famoso durante sua vida, o que é raro para os artistas. E agora em todo o mundo ele continua sendo um dos artistas mais famosos e queridos. E estamos especialmente satisfeitos que esta pessoa notável não apenas grande pintor, mas também o nosso colega e Professor, Mestre em Arte da Paisagem.

Giverny nas telas de Claude Monet

Biografia de Claude Monet (1840-1926)

A educação de Claude Oscar Monet começou na cidade de Le Havre, na Normandia, para onde a família se mudou de Paris em 1845, quando o jovem Claude tinha apenas cinco anos. Em Le Havre, seu pai Claude-Auguste, junto com seu cunhado Jacques Lecadre, abriu uma loja de venda de equipamentos para navios e mantimentos, enquanto a família se estabeleceu no Faubourg Sainte-Adresse à beira-mar.

Tendo aprendido a desenhar por conta própria, Monet, de quatorze anos, ganhou uma experiência considerável desenhando divertidas caricaturas das pessoas mais famosas de Le Havre. Essas primeiras obras, cheias de humor benevolente, feitas a lápis e carvão, logo atraíram a atenção dos habitantes da cidade para Monet. O jovem artista tem uma "clientela", todos querem ter suas caricaturas, e ele as vende por um preço de dez a vinte francos. Nesse período, Monet se dedica ao desenho sob a orientação de um aluno de David Jacques-François Auchard, que leciona no colégio onde estuda, e conhece a obra do pintor paisagista Eugene Boudin, que difere de seus contemporâneos por que ele escreve sobre a natureza. A princípio, Monet, como muitos outros moradores da cidade, criticou o método de Boudin, mas tendo conhecido o artista pessoalmente, juntou-se a ele e também começou a pintar ao ar livre - por isso a natureza o fascinou como pintor para o resto da vida.

A comunicação com Boudin confirma o jovem Monet em sua determinação de se dedicar seriamente à pintura; e para isso o melhor é mudar para a capital francesa, onde se concentram as academias de arte mais importantes.

Monet tinha uma tia compreensiva, e ela convenceu seu pai a permitir que seu filho deixasse a loja da família em Le Havre e passasse um ano experimental, 1859, em Paris. Depois de arrecadar as economias resultantes da venda de caricaturas, Monet foi para Paris, tendo conseguido várias cartas de recomendação de colecionadores e amantes da arte que patrocinavam Boudin e tinham ligações com o artista Constant Troyon na capital.

Em maio de 1859, Monet mudou-se para a capital e estudou por algum tempo na Academia de Suisse e se comunicou com Eugene Delacroix e Gustave Courbet. Ao mesmo tempo, o jovem conheceu Camille Pissarro e, junto com ele, visitou frequentemente Brassrey de Martyr ("A Taverna dos Mártires"), onde os realistas, liderados por Courbet, se reúnem e onde ele também conhece Baudelaire. Monet visita os Salões de Paris, visita o Louvre e escreve longas cartas a Boudin com um relatório detalhado. Nos Salões, tem a oportunidade de conhecer e apreciar a obra de Troyon, representante da escola de pintura de paisagem de Barbizon, da qual também faziam parte Corot, Rousseau e Daubigny. Monet consulta Troyon sobre sua própria pintura, e o artista recomenda que ele entre na oficina de Thomas Couture para aprender a desenhar. Mas Monet era estranho à maneira acadêmica de pintar Couture e, ao contrário do conselho de Troyon, ele continua trabalhando nas oficinas de artistas como Arno Gauthier, Charles Mongineau, Charles Jacques. Nesta fase, Monet também conhece a pintura da natureza de Daubigny, cujo naturalismo pronunciado, por assim dizer, lança uma ponte da escola de Barbizon para o impressionismo.

No outono de 1860, Monet foi convocado para o serviço militar e enviado para servir na Argélia, onde passou dois anos. Ele lembra que esse período de sua vida trouxe consigo a descoberta de novas cores e efeitos de iluminação, que influenciaram decisivamente a formação de sua percepção artística. No final do segundo ano em Argel, ele é enviado de volta à França devido a uma doença. Em Le Havre, Monet reencontra Boudin e encontra artista holandês Johann Jonkind, de quem logo se tornam grandes amigos. No final do verão, quando Monet já está perto da recuperação, seu pai, temendo pelo estado de saúde do filho, decide pagar aquele que o substituirá com serviço militar, e também concorda em ajudar em outras aulas de pintura.

Em novembro de 1862, Monet voltou a Paris, onde, a conselho de um parente, o artista acadêmico Tulmush, trabalhou por algum tempo na oficina de Gleyre, onde conheceu os artistas Renoir, Basil e Sisley, que logo se tornaram seus amigos próximos.

Nesse sentido, a obra de Manet, que expôs seu “Almoço na grama” em 1863 no Salon des Les Misérables, exerceu grande influência sobre ele. A polémica iniciada pela imprensa e pelos adeptos da arte académica em relação a esta imagem, que representa uma jovem nua tendo como pano de fundo uma magnífica floresta na companhia de dois homens que, pelas suas roupas, pertencem claramente à sociedade burguesa moderna, deu comida para discussões animadas entre os jovens artistas: Monet também participou deles. Foi durante esses anos, durante debates acalorados nos cafés de Gerbois, que Manet com suas pinturas se tornou um símbolo da renovação da pintura e o líder espiritual de um grupo de artistas mais tarde conhecido como "impressionistas".

Ao mesmo tempo, Monet e seus camaradas na oficina de Gleyre frequentemente pintavam da natureza na floresta de Fontainebleau, e no verão de 1864 ele viajou para Honfleur na companhia de Boudin, Jonkind e Basil e se estabeleceu com este último em Saint-Simeon. , um lugar favorito para artistas.

Em 1865 expôs pela primeira vez no Salão, e suas duas paisagem marítima têm sucesso modesto. Monet parte para Chailly, onde se instala no Golden Lion Hotel e trabalha em numerosos estudos para Luncheon on the Grass, todos variações da famosa pintura de Manet, exibida no Salon des Les Misérables em 1863. Basile e Camille Donsier, que mais tarde se tornou sua parceira de vida, posam para a foto. Os esboços interessam muito a Courbet, que veio especialmente a Chailly para acompanhar o processo de nascimento desta pintura, feita na natureza.

Gustave Courbet e o cartunista Honore Daumier eram realmente os ídolos dos artistas longe da pintura oficialmente reconhecida. As obras de ambos - basta lembrar a "Oficina do Artista" de Courbet e a "Carruagem de Terceira Classe" de Daumier - chocaram os círculos oficiais com seu realismo, bem como a escolha de temas considerados vulgares e indignos de representação na tela. Ambos estiveram na origem do realismo - uma tendência que envolveu não apenas a fusão com a natureza e a pintura de paisagem ao ar livre, mas também a busca de meios expressivos para a incorporação artística da realidade, onde cada pessoa, independentemente do status social, desempenha um papel papel. É compreensível que Monet admirasse Courbet e estudasse com interesse sua técnica, principalmente o uso de fundos escuros.

Na pintura "Camille in Green" - um retrato do amigo de Monet em altura toda, escrito em 1866 - o artista sem dúvida presta homenagem técnica de pintura Courbet. É esta obra que está exposta no Salão de 1866 e recebe críticas favoráveis ​​da crítica; ele começa a ser falado na imprensa, e os ecos de seu sucesso chegam a Le Havre, permitindo-lhe reconquistar o respeito de sua família. Naquela época, o artista trabalhava em Ville d'Avre, onde pintou ao vivo uma grande tela "Mulheres no Jardim"; para todas as quatro figuras femininas, uma modelo, Camille, posa. Esta pintura, comprada por Basil, foi rejeitada pelo júri do Salão de 1867.

Desta vez foi muito difícil para Monet, que estava com muito pouco dinheiro, constantemente perseguido pelos credores e até tentou o suicídio. O artista tem que se deslocar o tempo todo de um lugar para outro, seja para Le Havre, depois para Sainte-Adresse, depois para Paris, onde pinta paisagens maravilhosas da cidade. Em seguida, ele vai novamente para a Normandia, para Etretat, onde é ajudado pelo comerciante Godibert, que, acreditando nele, compra vários quadros e lhe dá uma casa em 1869 em Saint-Michel de Bougival, uma vila nas margens do rio Sena, a poucos quilômetros a noroeste de Paris.

Auguste Renoir o visita frequentemente em Saint-Michel, e os artistas começam a trabalhar juntos nos mesmos assuntos. Nesta fase, a natureza torna-se o verdadeiro objeto de estudo. Aqui, não muito longe de Paris, entre Chatou e Bougival, às margens de um dos braços do Sena, os artistas encontram o canto mais colorido, o mais adequado para estudar o brilho e os reflexos na água - um pequeno restaurante e um anexo balneário, um local de descanso dominical para parisienses ricos. A atenção do artista é atraída principalmente por efeitos fugazes em uma natureza em constante mudança; essa orientação em si torna-se o credo criativo de Monet, ao qual ele permanece fiel nos anos subsequentes.

De sua atividade criativa conjunta nascem vistas famosas banhos e um restaurante, conhecido como o "Rã". Este quadro, como o Terraço em Sainte-Adresse pintado dois anos antes, testemunha a influência de Monet na pintura. arte oriental, que se espalhou na França na segunda metade do século em conexão com o início da coleção de gráficos japoneses. Na arte japonesa, Monet e seus contemporâneos descobriram novas possibilidades promissoras para reproduzir o mundo circundante em harmonia com o “sentido da atmosfera”.

É com base na pintura de Monet que se pode explorar com mais proveito todas as complexidades da relação entre o impressionismo e a influência japonesa. Fui um ávido fã toda a minha vida arte japonesa. Dizia-se que nas paredes de sua casa em Argenteuil, quando ele morava lá nos anos 70, penduravam leques japoneses; em sua última casa, em Giverny, ainda se conserva um extenso acervo de gravuras japonesas, por ele reunidas ao longo dos anos de seu trabalho; e em 1892, Edmond de Goncourt escreveu em seu diário que frequentemente se encontrava com Monet na Galerie Bint, um centro de comércio de obras orientais.

Nas xilogravuras japonesas, ele descobriu os efeitos compositivos que são obtidos por um escorço nítido e uma borda dramática da composição com uma moldura. Em seus anos de declínio, ele disse ao duque de Trevize: “Nos artistas japoneses, nós, no Ocidente, apreciamos, acima de tudo, a coragem com que enquadram seus temas. Essas pessoas nos ensinaram uma nova composição. Não há dúvidas sobre isso." Suas obras realmente pertencem a um novo tipo de composição. Em 1867 ele pintou The Terrace at Sainte-Adresse, que ele chamou de seu " pintura chinesa com bandeiras. É de fato uma composição impressionante - com um ângulo superior e sem centro. A vasta extensão do mar é pontilhada de veleiros de vários tamanhos - são cerca de trinta; junto com uma faixa de céu dividida em partes nubladas e sem nuvens, metade da composição é ocupada pelo próprio terraço, no qual vemos muitos gladíolos e chagas brilhantes, e a variedade de cores é realçada por duas bandeiras ligeiramente assimétricas em ambos os lados do terraço.

O processo de formação de uma nova linguagem artística também deve ser considerado em conexão com o progresso ciência XIX século e suas últimas conquistas, em particular as pesquisas de cientistas como Eugène Chevreul, no campo da ótica e dos contrastes de cores, que se difundiram na França na segunda metade do século. Com base na observação do fenômeno físico da percepção, os cientistas estabeleceram que a visão é o resultado da interação dos elementos percebidos pelo olho e que a cor de um objeto depende do material de que é feito, da proximidade de outros objetos e a qualidade da luz. Esses princípios, juntamente com as revelações da arte japonesa, tiveram forte influência em Monet, Renoir e todos os artistas que preferem pintar ao ar livre. Vemos traços desses princípios na técnica de pintura impressionista: as cores puras do espectro solar são sobrepostas diretamente na tela, e não misturadas na paleta.

Em junho de 1870, ocorreu o casamento de Monet e Camille Donsier, que contou com a presença de Gustave Courbet. Os jovens mudam-se para a Normandia, para Trouville, onde são apanhados pelo início da guerra franco-prussiana. Monet, sendo republicano, não quer lutar pelo império e, sob esse pretexto, refugia-se na Inglaterra.

Em Londres, conhece Daubigny e Pissarro, com quem trabalha sobre as vistas do Tâmisa e os nevoeiros do Hyde Park. Para efeitos de névoa, foi difícil escolher o momento certo. O inverno de 1870-1871 em Londres é o pior em um século. A presença da névoa é especialmente sentida nas vistas de Monet sobre o Parlamento, inaugurado apenas um ano antes, Green Park, Hyde Park e London Pool. Ele próprio adorava o nevoeiro londrino, que confessou a Rene Gimpel: “Gosto mais de Londres do que do campo inglês. Sim, eu amo Londres. É como uma massa, como um conjunto e, no entanto, tão simples. O meu favorito é o nevoeiro de Londres. Como os artistas ingleses do século XIX pintaram suas casas tijolo por tijolo? Em suas pinturas, eles até retratavam tijolos que nem podiam ver. Eu amo Londres apenas no inverno. No verão, a cidade é boa para seus parques, mas isso não é nada comparado ao inverno e às névoas do inverno: sem a névoa, Londres não seria uma cidade bonita. O nevoeiro dá-lhe uma escala incrível. Sob sua cobertura misteriosa, os aposentos maciços e monótonos tornam-se grandiosos. Posteriormente, ele viria repetidamente a Londres e escreveria mais paisagens londrinas do que qualquer um dos artistas famosos.

Em Londres, Monet e Pissarro trabalharam duro. Anos mais tarde (em 1906) Pissarro escreveu ao crítico inglês Winford Dew-Hirst (então trabalhando em um livro sobre os impressionistas): “Monet e eu gostávamos da paisagem londrina. Monet trabalhava em parques, e eu, morando em Lower Norwood, na época um charmoso subúrbio, trabalhava nos efeitos do nevoeiro, da neve e da primavera. Nós escrevemos da natureza. Também visitamos museus. Claro, ficamos impressionados com as aquarelas e pinturas de Turner e Constable, telas de Old Crome. Admirávamos Gainsborough, Lawrence, Reynolds e outros, mas ficávamos especialmente impressionados com os pintores de paisagens que compartilhavam nossas opiniões sobre o ar livre, a luz e os efeitos fugazes. Entre artistas contemporâneos estávamos interessados ​​em Watts e Rossetti.

Daubigny apresenta Monet ao negociante de arte francês Paul Durand-Ruel. Enquanto morava em Londres, Durand-Ruel abriu uma galeria na Bond Street. Este encontro revelou-se muito importante, pois foi Durand-Ruel quem tratou com confiança e interesse a obra de Monet e de outros artistas do futuro grupo impressionista, ajudando-os a organizar exposições e a vender pinturas. Com exceção da segunda exposição, em 1871, Durand-Ruel representou os impressionistas em todas as exposições da Sociedade de Artistas Franceses. As obras de Pissarro e Monet eram exibidas com frequência, e os preços pedidos por elas indicavam como o próprio Durand-Ruel as valorizava. Em uma exposição em 1872, as vistas de Pissarro de Norwood e Sydenham foram avaliadas em 25 guinéus e, no ano seguinte, a "Casa do Parlamento" de Monet foi vendida por 30 guinéus.

Monet e Pissarro enviaram seus trabalhos para a exposição de verão da Royal Academy, mas, como Pissarro observou com tristeza: "É claro que fomos rejeitados". Deve ter sido graças a Durand-Ruel que suas pinturas foram exibidas na seção francesa da Exposição Internacional de South Kensington em 1871, mas apesar de muitos comentários sobre a exposição na imprensa, elas passaram despercebidas.

Em 1871, Monet fica sabendo da morte de seu pai e parte para a França. No caminho, visita a Holanda, onde, maravilhado com o esplendor da paisagem, para um pouco e pinta vários quadros com moinhos de vento refletidos nas águas serenas dos canais.

Graças a Manet, com quem agora mantém uma forte amizade, encontra em Argenteuil, às margens do Sena, uma casa com jardim onde pode cultivar flores, que acabou se tornando a verdadeira paixão do artista.

Renoir o visitava com frequência: naquela época eles se aproximaram muito, a experiência pictórica conjunta influenciou não apenas o desenvolvimento de seu estilo individual de pintura, mas também a formação do impressionismo em geral. O verão de 1873 acabou sendo luxuoso. Frequentemente pintavam as mesmas paisagens, obtendo incríveis efeitos de luz e cor com pequenas pinceladas pulsantes, como se fossem aplicadas à tela com uma pistola de pintura. Nunca mais o trabalho deles será tão parecido. Em 1913, quando dois de seus trabalhos sobre o mesmo assunto - patos nadando em um lago - foram exibidos na galeria Durand-Ruel, nenhum deles conseguiu identificar sua pintura. No jardim da casa de Monet em Argenteuil, eles pintaram um ao outro enquanto trabalhavam. Renoir retratou seu amigo tendo como pano de fundo uma massa de dálias multicoloridas, cujas cores vivas são realçadas pelo amarelo e cinza das casas ao fundo. As casas também são realçadas pelo brilho das nuvens claras, mal tocadas pela luz amarela do sol da tarde. Este período idílico de sua paixão conjunta pela luz e efeitos de cor Monet transmitiu com brilho especial em uma foto retratando a fachada de sua casa: Camille, parada na porta, e uma pequena figura de Jean na plataforma, com um chapéu de palha e uma argola na mão. Como a pintura de Renoir, ela é pintada com pinceladas leves e trêmulas, mas há uma diferença nítida entre a folhagem detalhada e a interpretação quase superficial de outros detalhes: a figura de Camille e os vasos de flores azuis colocados na frente da casa.

Aquele verão para ambos os artistas foi excepcionalmente frutífero, e para Monet o inverno subsequente não foi menos frutífero. Nunca antes eles foram tomados por uma necessidade tão forte de expressar em termos artísticos o que viram no momento, de transformar a realidade de sua experiência visual em cores vivas e puras.

Naquela época, a situação financeira do artista também melhorou significativamente: a herança paterna e o dote da esposa de Camille proporcionam alguma prosperidade à família de Monet. Como antes, de vez em quando ele continua a viajar para a Normandia.

Em 1872, em Le Havre, Monet escreveu “Impressão. Nascer do sol ”- uma vista do porto de Le Havre, apresentada posteriormente na primeira exposição dos impressionistas. Aqui, o artista, aparentemente, finalmente se libertou da ideia geralmente aceita do objeto da imagem como um determinado volume e se dedicou inteiramente a transmitir o estado momentâneo da atmosfera em tons de azul e rosa-laranja. Na verdade, tudo parece se tornar intangível: o cais de Le Havre e os navios se fundem com manchas no céu e reflexos na água, e as silhuetas de pescadores e barcos em primeiro plano são apenas manchas escuras feitas com várias pinceladas intensas. A rejeição da técnica acadêmica, a pintura ao ar livre e a escolha de temas inusitados foram percebidas com hostilidade pela crítica da época. Louis Leroy, o autor de um artigo furioso que apareceu na revista Sharivari, pela primeira vez, em conexão com esta pintura em particular, usou o termo "impressionismo" como uma definição de uma nova tendência na pintura.

Mas quem são esses "conhecedores escolhidos e conhecedores" que compram as obras dos impressionistas? O primeiro foi o conde italiano Armand Doria (1824-1896), em feições e maneirismos, segundo seu amigo Degas, reminiscentes de Tintoretto. Na exposição, ele comprou a Casa do Enforcado de Cézanne por 300 francos. Ele permaneceu um patrono constante de Renoir: após sua morte, quando a coleção foi vendida, dez pinturas de Renoir estavam nela. "Impressão. Sunrise” foi comprado por Georges de Bellio, um médico homeopata originário da Romênia; Pissarro recorria a ele em busca de conselhos quando seus filhos adoeciam ou pedia-lhe que comprasse um quadro quando precisava. Monet também recorria constantemente a ele em busca de ajuda, em particular, na seguinte carta: “É impossível imaginar como estou infeliz. A qualquer momento podem vir descrever minhas coisas. E isso é exatamente no momento em que tive esperança de melhorar meus negócios. Jogado na rua, sem nenhum meio, estarei disposto a encontrar qualquer trabalho que aparecer em meu caminho. Este será um golpe terrível. Eu não quero nem pensar nisso. Estou fazendo uma última tentativa. Se eu tivesse 500 francos, estaria salvo. Tenho 25 pinturas restantes. Por esse valor, estou pronto para entregá-los a você. Ao pegar essas telas, você as salvará.” De Bellio, além disso, comprou oito pinturas de Renoir, bem como várias pinturas de Sisley, Morisot, Pissarro e Degas.

Monet também teve outro patrono rico - Louis-Joachim Godibert (1812-1878), um empresário de Havre e artista amador que vivia em um castelo recém-construído em Montivilliers. Em 1868, comprou vários quadros do artista de credores e, no mesmo ano e no ano seguinte, pagou a manutenção de Monet. Ele também encomendou vários retratos de membros de sua família. Comprou pinturas de Monet e outro magnata local, Oscar Schmitz. Originário da Suíça, ele dirigia uma grande empresa algodoeira em Le Havre. Mas o mais significativo dos patronos de Monet na primeira metade de sua vida foi Ernest Goschede (1838-1890), com quem mais tarde se revelou intimamente ligado à sua linha de vida. O diretor de uma das grandes lojas de departamentos surgidas em Paris durante o Segundo Império morava em Maugeron, em um imponente casarão renascentista. Lá ele manteve uma coleção de pinturas que incluía seis obras de Manet, treze de Sisley, nove de Pissarro, seis de Degas e pelo menos dezesseis obras de Monet, a quem em 1876 encomendou uma série de pinturas decorativas para sua casa.

Tendo viajado novamente para a Holanda, Monet retorna a Argenteuil. Lá Monet conhece o artista e colecionador Gustave Caillebotte, eles se tornam grandes amigos. Em Argenteuil, Monet, seguindo o exemplo de Daubigny, equipa uma oficina flutuante para escrever diretamente no Sena. Ele ainda é apaixonado por brilho na água e, trabalhando com Renoir, Sisley e Manet, desenvolve e refina uma técnica que lhe permite captar efeitos de iluminação mais rapidamente do que as mudanças de iluminação. Em 24 de abril de 1874, uma exposição da Sociedade Anônima de Artistas de pintores, escultores e gravadores é inaugurada no estúdio do fotógrafo Nadar no Boulevard des Capuchins em Paris; Monet, Degas, Cézanne, Berthe Morisot, Renoir, Pissarro e muitos outros artistas de várias tendências estilísticas estão ali expostos, unidos por um desejo apaixonado de se dissociarem da pintura oficial apresentada nos Salões. A exposição foi criticada na imprensa e o público reagiu negativamente; as obras expostas, em particular as pinturas de um grupo de artistas próximos a Monet, eram demasiado novas e incompreensíveis para os admiradores da pintura académica, que sempre se fazia na oficina e partia do princípio que a arte nada mais é do que o desejo de idealizar, melhorar a realidade em nome dos cânones da cultura clássica.

A segunda exposição do grupo, organizada na oficina de Durand-Ruel em 1876, também não encontrou compreensão crítica. Monet então exibiu dezoito de suas obras, incluindo a pintura "Mulher Japonesa". Emile Zola, que sempre simpatizou com os impressionistas, após esta exposição reconheceu Monet como o líder indiscutível do grupo. Após o fracasso da exposição, foi possível vender pinturas com grande dificuldade, os preços eram extremamente baixos e um período de dificuldades materiais recomeçou para Monet. No verão, voltando para Argenteuil, conheceu o financista e colecionador Ernest Goshede.

No final do outono, Monet retorna a Paris com o desejo de pintar vistas da cidade de inverno através de um véu de neblina e decide fazer da estação Saint-Lazare seu objeto. Com autorização do diretor ferrovias fica na estação e trabalha o dia todo, por isso cria meia dúzia de telas, posteriormente adquiridas pelo comerciante Paul Durand-Ruel.

Enquanto isso, exposições de um grupo de artistas, agora conhecidos como impressionistas, são realizadas com bastante regularidade. A terceira ocorreu em 1877, a quarta - em 1879, mas o público ainda é hostil a essa direção, e a situação financeira de Monet, novamente sitiada pelos credores, parece desesperadora. É por isso que se vê obrigado a mudar-se com a família de Argenteuil para Vetheuil, onde vive com o casal Goshede e pinta várias paisagens magníficas com vista para os arredores.

Em 1879, Camilla, após uma longa doença, morre com apenas trinta e dois anos. “Esta manhã, às dez e meia, depois de um sofrimento insuportável, minha pobre esposa se acalmou. Estou em um estado terrivelmente deprimido, completamente sozinho com meus infelizes filhos. Estou escrevendo para você com um pedido para me fazer mais um favor: você poderia resgatar do Mont des Pitiers (casa de penhores da cidade de Paris) um medalhão, pelo qual estou lhe enviando um depósito de segurança. Essa coisa era querida para minha esposa e, despedindo-me dela, gostaria de colocar este medalhão em seu pescoço ”, escreveu Monet a seu benfeitor, Georges de Bellio.

Em 1879, Monet pinta um belo retrato de sua amada. Um ano depois, Monet envia duas telas ao Salão, mas apenas uma delas é aceita pelo júri. Esta é a última exposição oficial da qual Monet participa.

Em junho do mesmo ano, uma exposição de dezoito pinturas de Monet é inaugurada no hall da revista "Vi Modern" ("Vida Moderna"), de propriedade do editor e colecionador Georges Charpentier. Traz o tão esperado sucesso do artista na imprensa. E a venda das pinturas desta exposição permite que Monet melhore sua situação financeira.

Ele finalmente conseguiu que pudesse fazer o que quisesse sem pensar em vender suas pinturas. Começando com sua exposição pessoal em Georges Petit em 1880, o círculo de seus patronos se expandiu. Sua renda de Durand-Ruel em 1881 foi de 20.000 francos; além disso, ele lucrou com a venda de seu trabalho de forma privada e por meio de outros negociantes.

Vai escrever a Fécamp, na Normandia, onde a natureza, o mar e a atmosfera especial desta terra o atraem. Lá ele trabalha, morando em Dieppe, ou em Pourville, ou em Etretat, e cria uma série de paisagens magníficas.

Enquanto isso, certas mudanças estão ocorrendo no grupo impressionista e uma divisão está se formando. Renoir já em 1878 não participou da quarta exposição dos impressionistas, acreditando que deveria tentar voltar ao caminho oficial, e por isso expor suas obras no Salão. O próprio Monet tenta fazer o mesmo em 1880, e em 1881 não participa da sexta exposição do grupo, mas da sétima, realizada em 1882.

Em 1883, Manet morre, sua morte coincide simbolicamente com a desintegração do grupo. Em 1886, ocorreu oficialmente a oitava e última exposição dos impressionistas, mas Renoir, Monet, Sisley não participaram dela; mas Georges Seurat e Paul Signac se declararam. representantes de uma nova tendência - o chamado pontilhismo. Nesse período, Monet, que se mudou com a família Gauchede para a pequena cidade de Giverny em 1883, viaja para a Itália, para Bordighera, onde admira o esplendor da luz e participa de exposições organizadas em Paris pelo comerciante Georges Petit. Suas viagens à Normandia, a Etretat não param; lá ele conhece Guy de Maupassant. Em 1888, Monet trabalha em Antibes. Graças ao interesse de Theo van Gogh - dono da galeria e irmão do artista - consegue expor em duas galerias parisienses com apoio contido da crítica.

No ano seguinte, Monet finalmente alcança um sucesso real e duradouro: na Petit Gallery, simultaneamente com uma exposição de obras do escultor Auguste Rodin, é organizada uma exposição retrospectiva de Monet, que apresenta cento e quarenta e cinco de suas obras de 1864 a 1889. Monet se torna um pintor famoso e respeitado.

Após a exposição organizada em 1886 por Durand-Ruel em Nova York, os americanos se interessaram pelas criações de Monet. O resultado foi excelente. Em 1887, a receita total de Monet atingiu 44 mil e, em 1891, Durand-Ruel e a empresa "Busso e Valadon" trouxeram para ele cerca de 100 mil francos. No período de 1898 a 1912, sua renda oscilou em torno de 200 mil.

A prosperidade com que tanto sonhou em sua juventude foi finalmente alcançada, e ele fez bom uso dela, criando para si uma cidadela de paz econômica e mental. Nunca antes na história da arte o nome de um artista esteve tão intimamente associado à sua casa. Esta cidadela também tinha parâmetros físicos. Em 1883, ele começou a alugar uma casa em Giverny de um proprietário de terras normando (o próprio proprietário mudou-se para morar na vila de Vernoy), e Monet viveu nesta casa por quarenta e três anos, até sua morte em 1926. Para o mundo da arte, a casa e o jardim de Giverny, naqueles anos e até hoje, têm o mesmo significado que Assis para os seguidores de São Francisco. Constantemente cercado por uma multidão barulhenta de filhos adotivos e pelos cuidados de uma esposa amorosa, mas mal-humorada, Monet mantinha relações com um enorme círculo de amigos: artistas e escritores.

O viajante Monet, ao contrário de outros impressionistas, era um ávido. Ele viajou para a Noruega, onde morava seu filho adotivo Jacques; fez viagens a Veneza, a Antibes, à Holanda, à Suíça, várias vezes a Londres. Na França, ele visitou Petit-Dal, na costa da Normandia, onde seu irmão tinha sua casa; Belle-Ile, Noirmoutier, o vale do Creuse no Maciço Central; finalmente Rouen, onde passou vários dias. De todos esses lugares ele trouxe uma pilha de esboços, que terminou em Giverny. Viajava com bastante frequência para Paris - era bom viajar não muito longe: ou para o teatro ou para a Ópera, onde ouvia com prazer Boris Godunov, e depois admirava o balé russo de Diaghilev, que ele apreciava muito. Ele acompanhou de perto as exposições em andamento, especialmente aquelas em que Van Gon, Seurat, Gauguin participaram, bem como Vuillard e Bonnard, que o procuraram em Giverny. Monet leu muito, especialmente tendo um grande interesse na enorme "História da França" de Michelet, conhecida por ele desde a infância e alimentando sentimento forte patriotismo em muitas de suas obras. Ele leu diligentemente autores modernos: Flaubert, Ibsen, Goncourt, Mallarmé, Tolstoi e Ruskin e manteve uma sólida coleção de livros sobre jardinagem.

Monet trabalhou muito em seu ambiente, transformando uma casa normanda em ruínas em um lugar ideal para se viver. Julie Manet, filha de Berthe Morisot e Eugène Manet, que a visitou em 1893, logo após algumas reformas realizadas por Monet, escreveu em seu encantador diário de impressões: “Desde nossa última viagem a Giverny, a casa mudou visivelmente. Acima da oficina, M. Monet arrumou para si um quarto com grandes janelas e portas, com parquet de pinho resinoso. Muitas pinturas estão penduradas nesta sala, incluindo Isabelle Combing Her Hair, Gabriel at the Basin, Cocotte in a Hat, um pastel retratando maman, um pastel do tio Edward, um nu muito atraente do Sr. Renoir, pinturas de Pissarro, etc.

Mas o jardim parecia ainda mais incrível: não apenas expressava a personalidade de Monet, mas também era um marco em si mesmo. Quase toda a sua vida, Monet viveu em casas com jardim, em Argenteille e em Veteil, e certamente os capturou em suas pinturas. Ele foi encorajado a praticar jardinagem por Caillebotte, que tinha um jardim maravilhoso em Petit-Genville e que se correspondia com ele sobre assuntos especiais. Aqueles eram tempos férteis para os jardineiros. Novas plantas foram importadas para a Europa da América e do Extremo Oriente. Na década de 1880, surgiu uma nova oportunidade para quem não tinha acesso a viveiros encomendar sementes pelo correio: esse novo negócio explodiu. Monet colecionava avidamente catálogos de sementes e "organizava" seus jardins como um quadro pitoresco. Em suas anotações feitas em Argenteuil, por exemplo, é dado um instantâneo da distribuição de cores para sete fileiras de rosas: roxo, branco, vermelho, roxo, amarelo, creme, rosa.

Chegando pela primeira vez a Giverny, viu na casa apenas um jardim comum, típico de um vilarejo francês. Monet imediatamente começou a refazê-lo: antes de tudo, deu-lhe geometria plantando flores específicas de "jardim": marshmallows, dálias, rosas, capuchinhas, gladíolos; ele os plantou em tal ordem que a floração durou quase o ano todo. O jardim cobria cerca de dois acres e parte dele ficava do outro lado da estrada. Perto havia um pequeno lago; Monet o comprou, junto com o terreno ao redor, em 1893. Tendo recebido permissão das autoridades locais, ele o converteu em um jardim aquático, deixando a água do rio Epte nas proximidades passar pelas eclusas. Ao redor da lagoa, plantou flores e arbustos: alguns de origem local - framboesas, peônias, azevinhos, choupos; parte de plantas exóticas - cereja japonesa, anêmonas rosa e brancas. Os dois jardins eram deliberadamente opostos um ao outro. A que estava na casa manteve o visual tradicional francês: com becos entrelaçados com plantas rasteiras; caminhos que correm em ângulos retos entre si, com degraus levando de uma parte do jardim a outra. O jardim que se estendia ao longo da estrada e ao redor do lago era deliberadamente exótico e romântico. Ao planejá-lo, Monet seguiu o conselho de um jardineiro japonês que visitava Giverny há algum tempo: ginkgo chinês, árvores frutíferas japonesas, bambus, uma ponte japonesa, como se tivesse migrado para cá da gravura de Hokusai, destacavam-se entre a modesta vegetação habitual. Os nenúfares flutuavam no lago e o jardim era pontilhado por um labirinto de caminhos sinuosos e que se cruzavam.

“Meu trabalho mais bonito é meu jardim”, disse Monet. E os contemporâneos concordaram com ele. Proust descreveu com muita precisão este jardim: “Este não é um jardim de um velho florista, mas sim um jardim de um colorista, se é que posso chamá-lo assim, um jardim onde a totalidade das flores não é uma criação da natureza, pois são plantadas de tal forma que apenas flores de tonalidades harmoniosas desabrochem ao mesmo tempo, criando um campo infinito de azul ou rosa."

Octave Mirbeau, um escritor e crítico que nunca economizou em epítetos, dá a esta propriedade Descrição completa: “Na primavera, em um cenário de árvores frutíferas floridas, as íris erguem suas pétalas rodopiantes, adornadas com babados brancos, rosa, roxos, amarelos e azuis com listras marrons e manchas roxas. No verão, chagas de vários tons e papoulas da Califórnia cor de açafrão caem em cachos deslumbrantes em ambos os lados do caminho arenoso. Papoilas fabulosas e magicamente incríveis crescem em amplos canteiros de flores, obstruindo íris murchas. Uma incrível combinação de cores, muitos tons pálidos; uma magnífica sinfonia de brancos, rosas, amarelos, lilases, com tiros de tons de carne claros, contra os quais os laranjas explodem, salpicos de chamas de cobre se espalham, manchas vermelhas sangram e brilham, lilases se enfurecem, línguas de fogo negras e roxas escapam.

Monet disse que gastava a maior parte de sua renda no jardim. Mas isso é apenas um exagero modesto. Ele mantinha um jardineiro e cinco trabalhadores, e ele próprio trabalhava constantemente para melhorar e expandir o jardim.

Dirigindo-se à prefeitura para obter permissão para reconstruir o lago, Monet escreveu que isso era necessário "para um banquete para os olhos e motivos para pintar". De fato, Giverny e seus jardins não serviram apenas de motivos para sua pintura; deram-lhe uma espécie de base para a realização do projeto que se tornaria a obra da sua vida, e do qual este jardim acabou por ser o ápice.

Em 1892, Monet finalmente se casa com Alice, por quem está apaixonado há muitos anos. Ao mesmo tempo, Monet escreveu "Hacks" - a primeira grande série de pinturas, onde o artista tenta capturar na tela as nuances da iluminação de palheiros. mudando dependendo da hora do dia e do clima. Ele trabalha simultaneamente em várias telas, movendo-se de uma para outra de acordo com os efeitos de luz emergentes. Esta série foi um grande sucesso e influenciou significativamente muitos artistas da época.

Monet retorna à experiência de Haystacks em uma nova série - Poplars, onde as árvores nas margens do rio Epte também são retratadas em diferentes momentos do dia. Enquanto trabalhava em Poplars, Monet sempre vai ao local com vários cavaletes e os alinha em uma fileira para passar rapidamente de um para outro, dependendo da iluminação. Além disso, desta vez ele quer expressar sua própria visão nas pinturas, e o faz em questão de minutos, competindo em velocidade com a natureza.

Antes de terminar a série, Monet fica sabendo que os choupos vão ser cortados e vendidos. Para concluir o trabalho, ele entra em contato com o comprador e oferece a ele uma restituição em dinheiro pelo adiamento da derrubada. Esta série, exibida na Galerie Durand-Ruel em 1892, também foi um grande sucesso, mas ainda mais entusiástica foi a grande série "Catedral de Rouen", na qual Monet trabalhou de 1892 a 1894. Exibindo consistentemente a mudança na iluminação do amanhecer ao crepúsculo da noite, ele pintou cinquenta vistas da majestosa fachada gótica, dissolvendo-se, desmaterializando-se na luz. Ele escreve cada vez mais rápido, aplicando pinceladas pontilhadas apressadamente na tela.

Em fevereiro de 1895, viajou para a Noruega, para Sandviken, perto de Oslo, onde pintou fiordes, o Monte Kolsaas e vistas da vila em que vive. Este ciclo de paisagens de inverno é estilisticamente reminiscente de obras pintadas por volta de 1870. No ano seguinte, Monet faz uma verdadeira peregrinação aos locais onde pintou nos anos anteriores; e Pourville, Dieppe, Varezhenville novamente retornam às suas telas.

Em 1897, a coleção de Gustave Caillebotte, falecido em 1894, torna-se propriedade de museus nacionais, e muitas obras dos impressionistas finalmente acabam em coleções do estado. No verão, vinte pinturas de Monet são exibidas na segunda Bienal de Veneza.

No outono de 1899, em Giverny, inicia o ciclo dos Nenúfares, no qual trabalhará até sua morte. O início do novo século encontra Monet em Londres; o artista pinta novamente o Parlamento e várias pinturas unidas por um motivo - a névoa. De 1900 a 1904, Monet viajou com frequência para a Grã-Bretanha e em 1904 exibiu trinta e sete vistas do Tâmisa na Galeria Durand-Ruel. No verão volta aos Nenúfares e em fevereiro do ano seguinte participa com cinquenta e cinco obras de uma grande exposição dos impressionistas organizada por Durand-Ruel em Londres.

Em 1908, Monet inicia sua penúltima viagem: viaja com a esposa para Veneza a convite da família Curtis, amigo americano do artista John Singer Sargent, onde mora no Palazzo Barbaro, no Canal Grande. Monet decide ficar mais tempo na cidade para trabalhar, e se instala no Britannia Hotel por dois meses. Ele fica tão fascinado com a atmosfera de Veneza, os efeitos de luz, os reflexos da água e os reflexos dos monumentos nela, que volta lá no ano seguinte. A um arquitecto que, numa entrevista, afirmou que "o Palácio Ducal pode ser definido como um exemplo de impressionista e não de arquitetura gótica”, - Monet respondeu: “O arquiteto que concebeu este palácio foi o primeiro impressionista. Ele o criou flutuando na água, saindo da água, brilhando no ar de Veneza, assim como um pintor impressionista coloca pinceladas brilhantes na tela para transmitir uma sensação de atmosfera. Trabalhando neste quadro, quis pintar exatamente a atmosfera de Veneza. O palácio que apareceu na minha composição foi apenas um pretexto para retratar a atmosfera. Afinal, toda Veneza está imersa nessa atmosfera. Flutua nesta atmosfera. Isso é impressionismo em pedra.” De volta à França, continua trabalhando no ateliê de pinturas do período veneziano, que só será exposto em 1912, um ano após a morte de sua esposa Alice, na Bernheim Jr. Gallery. A exposição foi precedida por um artigo de Octave Mirbeau.

A partir de 1908, a visão do artista começou a se deteriorar; agora dedica toda a sua atenção ao jardim e continua a trabalhar na série Nenúfares, iniciada em 1890. Tendo desviado as águas de um pequeno afluente do rio Epte, a Rue, que corria por suas terras, Monet fez um pequeno lago em Giverny. Na superfície espelhada do reservatório assim obtido, ele cultivou nenúfares e plantou salgueiros e várias plantas exóticas ao redor. Para completar o projeto, foi construída uma ponte de madeira sobre a lagoa, cuja ideia foi inspirada em gravuras orientais. O artista sempre foi fascinado por flores e reflexos na água, mas este projeto sem dúvida afetou a influência cultura japonesa, que se espalhou pela Europa desde meados do século e se interessa muito por Monet e seus contemporâneos. Este maravilhoso canto do jardim é dedicado às últimas grandes obras de Monet, um artista cansado cujos problemas de visão se agravam com o passar dos anos.

Em 1914, seu filho mais velho, Jean, morreu. Monet está se sentindo cada vez mais sozinho. mas continua trabalhando, incentivado por Georges Clemenceau e Octave Mirbeau, que costumam visitar um amigo.

Graças à presença de Monet, Giverny se transforma em uma espécie de colônia de artistas, principalmente americanos, mas o próprio Monet prefere liderar imagem fechada vida, assegurando que não tem “receita” para os jovens, o que significa que não pode ensinar nada a ninguém. Ele passa o tempo todo no jardim - e escreve, escreve. A deterioração progressiva de sua visão não permite mais que ele transmita efeitos de iluminação com a mesma precisão de antes. Às vezes, se a tela parece malsucedida para ele, Monet destrói seu trabalho com raiva. No entanto, ele continua a pintar e, por causa de seus problemas de visão, desenvolve uma nova abordagem para pintar para si mesmo.

Por tantos anos de trabalho em Giverny, cada canto do jardim a qualquer hora do dia ficou gravado em sua mente. E Monet achou que seria interessante escrever uma série de impressões do todo, e não da vida, mas da oficina. Nesse sentido, decidiu construir uma nova grande oficina em sua propriedade. A construção das novas instalações foi concluída em 1916: a oficina tinha 25 metros de comprimento, 15 metros de largura e o teto era de dois terços de vidro. Lá Monet começa a trabalhar. Ele pinta em telas de quatro metros por dois e cria obras incríveis que em um complexo transmitem as impressões do reino que ele criou, repetidamente capturando nevoeiros matinais, crepúsculos, crepúsculos e escuridão noturna na tela.

Em 1918, por ocasião do armistício, decide doar uma nova série ao estado. Seu amigo Georges Clemenceau, então primeiro-ministro, quer fornecer a Monet instalações de prestígio, a saber, o Orangery Pavilion no Jardim das Tulherias. Mas Monet ainda não está satisfeito com seu trabalho e, com a persistência característica de sua atitude para com a pintura, continua trabalhando até 1926, ano de sua morte. Além de uma série de oito painéis doados ao estado, colocados no salão oval do Orangery em 1927, Monet pintou muitas outras obras nesse período, que foram encontradas após a morte do artista em sua oficina em Giverny e agora são no Museu Marmottan em Paris. Alguns deles, não datados, mas indubitavelmente relacionados com o último período da criatividade, de modo a aproximarem-se das correntes estéticas vanguardistas do início do século, em particular o expressionismo.

De fato, Monet leva ao extremo o processo de desmaterialização, que já foi delineado em uma série de catedrais. Não apenas vai além da estilística do impressionismo, mas de certa forma, talvez, antecipe a linguagem artística da pintura não figurativa do período após a Segunda Guerra Mundial.

A biografia é baseada no site www.centre.smr.ru