Cultura japonesa. Arte Japonesa - História - Introdução - Interessante Japão — LiveJournal

A pintura japonesa é uma das mais belas do mundo.

A pintura japonesa é um dos tipos de criatividade mais antigos e surpreendentes. Como qualquer outro, possui uma longa história própria, que pode ser dividida em vários períodos de acordo com as técnicas e características. Comum a todos os períodos é a natureza, que ocupava o lugar principal nas pinturas. Em segundo lugar em popularidade nas artes plásticas do Japão estão as cenas domésticas da vida.

Yamato

Yamato(Séculos VI-VII) - o primeiro período da arte japonesa, que lançou as bases para a escrita. O ímpeto para o desenvolvimento da arte foi dado pelas conquistas da China nos campos da religião e da escrita. O Japão correu para subir ao seu nível, fazendo mudanças em sua estrutura e construindo tudo à semelhança da China. Para o desenvolvimento da pintura, um grande número de obras de mestres chineses foi trazido para o Japão, o que inspirou os japoneses, que ousadamente correram para criar pinturas semelhantes.

Pintura na tumba de Takamatsuzuka

Este período consiste em dois períodos filhos:

• Kofun- o período da arte japonesa, ocupando a primeira metade de Yamato. O nome do período é traduzido como "o período dos túmulos". Naquela época, de fato, os montes recebiam um grande papel, criando-os em todos os lugares.
• Asuka- a segunda parte da era Yamato. O período recebeu o nome do centro político do país que estava ativo naqueles anos. Está associado à chegada do budismo ao Japão e, no futuro, ao desenvolvimento ativo de todas as áreas culturais.

Nara

O budismo, que veio da China, estava se espalhando ativamente no Japão, o que contribuiu para o surgimento de temas religiosos na arte. Artistas japoneses, levados por esse tema, pintaram as paredes dos templos, que foram criadas por personalidades influentes. Até hoje, o templo Horyu-ji preservou pinturas murais daquela época.

Azuchi-Momoyama

Este período é exatamente o oposto de seu antecessor. A melancolia e a monocromia desaparecem das obras, sendo substituídas por cores vivas e pelo uso de ouro e prata nas pinturas.

Cipreste. Tela. Kano Eitoku.

Meiji

No século XIX, começou a divisão da pintura japonesa em estilos tradicionais e europeus, que competiam vigorosamente entre si. Durante este período, tremendas mudanças políticas eclodiram no Japão. A influência da Europa naqueles anos afetou quase todos os cantos do planeta, introduzindo características próprias em cada estado. O estilo de arte europeu foi ativamente apoiado pelas autoridades, rejeitando as antigas tradições. Mas logo a empolgação em torno da pintura ocidental diminuiu rapidamente e o interesse pela arte tradicional voltou acentuadamente.

Desenvolvimento da pintura japonesa atualizado: 15 de setembro de 2017 por: namorados

Desde os tempos antigos, a arte japonesa tem sido caracterizada pela criatividade ativa. Apesar da dependência da China, onde constantemente surgiam novas tendências artísticas e estéticas, os artistas japoneses sempre introduziam novidades e mudavam a arte de seus professores, dando-lhe um ar japonês.

A história do Japão como tal começa a tomar formas definidas apenas no final do século V. Relativamente poucos itens que datam de séculos anteriores (o período arcaico) foram encontrados, embora alguns achados feitos durante as escavações ou durante as obras falem de notável talento artístico.

período arcaico.

As obras mais antigas da arte japonesa são potes de barro do tipo Jomon (impressão de cordão). O nome vem da decoração da superfície com impressões em espiral de uma corda enrolada nas varas que o mestre usou para fazer o vaso. Talvez, a princípio, os mestres tenham descoberto acidentalmente estampas de vime, mas depois começaram a usá-las conscientemente. Às vezes, cachos de argila semelhantes a cordões ficavam presos na superfície, criando um efeito decorativo mais complexo, quase um relevo. A primeira escultura japonesa originou-se na cultura Jomon. Dogu (lit. "imagem de barro") de uma pessoa ou animal provavelmente tinha algum tipo de significado religioso. Imagens de pessoas, principalmente mulheres, são muito semelhantes às deusas de barro de outras culturas primitivas.

A análise de radiocarbono mostra que algumas descobertas da cultura Jomon podem datar de 6 a 5 mil aC, mas uma data tão antiga geralmente não é aceita. É claro que esses pratos foram feitos por muito tempo e, embora as datas exatas ainda não possam ser estabelecidas, três períodos são distinguidos. Os exemplares mais antigos têm base pontiaguda e quase sem ornamentos, salvo vestígios de ferramenta de oleiro. Os vasos do período intermediário são mais ricamente ornamentados, às vezes com elementos moldados que criam a impressão de volume. As formas dos vasos do terceiro período são muito diversas, mas a decoração se achata novamente e se torna mais contida.

Aproximadamente no século II. BC. A cerâmica Jōmon deu lugar à cerâmica Yayoi, caracterizada pela elegância da forma, simplicidade do design e alta qualidade técnica. O caco do vaso tornou-se mais fino, o ornamento menos caprichoso. Este tipo prevaleceu até ao séc. DE ANÚNCIOS

Do ponto de vista artístico, talvez os melhores trabalhos do período inicial são os khaniva, cilindros de argila que datam dos séculos III a V. DE ANÚNCIOS Os monumentos característicos desta época são enormes colinas ou túmulos, estruturas funerárias de imperadores e nobres poderosos. Frequentemente muito tamanho grande, eles são evidências do poder e riqueza da família imperial e cortesãos. A construção de tal estrutura para o imperador Nintoku-tenno (c. 395-427 DC) levou 40 anos. A característica mais notável desses carrinhos de mão eram os cilindros de argila que os cercavam como uma cerca, khaniva. Normalmente, esses cilindros eram bastante simples, mas às vezes eram decorados com figuras humanas, menos frequentemente com figuras de cavalos, casas ou galos. Seu propósito era duplo: impedir a erosão de enormes massas de terra e fornecer ao falecido tudo o que ele precisava na vida terrena. Naturalmente, os cilindros foram feitos imediatamente em grandes quantidades. A variedade de temas, expressões faciais e gestos das figuras que os decoram é, em grande parte, resultado da improvisação do mestre. Embora sejam obras de artesãos e não de pintores e escultores, são de grande importância como forma de arte japonesa adequada. Edifícios, cavalos envoltos em cobertores, damas e guerreiros cerimoniosos apresentam uma imagem interessante da vida militar do início do Japão feudal. É possível que os protótipos desses cilindros tenham surgido na China, onde vários objetos foram colocados diretamente em sepulturas, mas a execução e o uso do haniwa pertencem à tradição local.

O período arcaico é muitas vezes visto como uma época desprovida de obras de alto nível artístico, uma época de domínio de coisas que têm valor principalmente arqueológico e etnológico. No entanto, deve-se lembrar que as obras deste cultura primitiva geralmente tinham grande vitalidade, pois suas formas sobreviveram e continuaram a existir como características nacionais específicas da arte japonesa em períodos posteriores.

período de Asuka

(552-710 dC). Introdução do Budismo em meados do séc. VI. fez mudanças significativas no modo de vida e pensamento dos japoneses e tornou-se o ímpeto para o desenvolvimento da arte deste e dos períodos subsequentes. A chegada do budismo da China através da Coréia é tradicionalmente datada de 552 DC, mas provavelmente era conhecida antes. Nos primeiros anos, o budismo enfrentou oposição política, oposição à religião nacional xintoísta, mas depois de apenas algumas décadas, a nova fé recebeu aprovação oficial e foi finalmente estabelecida. Nos primeiros anos de sua penetração no Japão, o budismo era uma religião relativamente simples, com um pequeno número de divindades que precisavam de imagens, mas depois de cerca de cem anos ganhou força e o panteão cresceu enormemente.
Nesse período, foram fundados templos, que serviam não apenas para promover a fé, mas eram centros de arte e educação. O mosteiro-templo de Horyu-ji é um dos mais importantes para o estudo da arte budista primitiva. Entre outros tesouros, encontra-se uma estátua da grande tríade Syaka-Nerai (623 DC). Esta obra de Tori Busshi, o primeiro grande escultor japonês que conhecemos, é uma imagem estilizada de bronze, semelhante a grupos semelhantes nos grandes templos rupestres da China. A frontalidade estrita é observada na pose do Shaki sentado (transcrição japonesa da palavra "shakyamuni", o Buda histórico) e duas figuras de pé ao lado dele. As formas da figura humana estão escondidas por pesadas dobras simétricas de roupas esquematicamente representadas, e em rostos alongados e lisos pode-se sentir uma auto-absorção e contemplação sonhadora. A escultura deste primeiro período budista é baseada no estilo e nos protótipos do continente há cinquenta anos; segue fielmente a tradição chinesa que chegou ao Japão através da Coréia.

Algumas das esculturas mais importantes da época eram feitas de bronze, mas também se usava madeira. As duas esculturas de madeira mais famosas são estátuas da deusa Kannon: Yumedono Kannon e Kudara Kannon, ambas em Horyuji. Eles são um objeto de adoração mais atraente do que a tríade Shaki, com seus sorrisos arcaicos e expressões sonhadoras. Embora a disposição das dobras das vestes nas figuras de Kannon também seja esquemática e simétrica, elas são mais leves e cheias de movimento. Figuras altas e esguias enfatizam a espiritualidade dos rostos, sua bondade abstrata, distantes de todas as preocupações mundanas, mas sensíveis aos apelos dos aflitos. O escultor prestou alguma atenção aos contornos da figura de Kudara Kannon, escondidos pelas dobras da roupa, e em contraste com a silhueta recortada de Yumedono, o movimento tanto da figura como do tecido é dirigido em profundidade. No perfil de Kudar, Kannon tem uma graciosa forma de S.

O único exemplo sobrevivente de pintura que dá uma ideia do estilo do início do século VII é Tamamushi Zushi, o “santuário alado”. Este santuário em miniatura leva o nome das asas iridescentes do besouro colocadas em uma estrutura de metal perfurado; posteriormente foi decorado com composições religiosas e figuras de personagens individuais, feitas com laca colorida. Como a escultura desse período, algumas das imagens mostram grande liberdade de design.

período Nara

(710-784). Em 710 a capital foi transferida para Nara, nova cidade, construído no modelo da capital chinesa Chang'an. Havia ruas largas, grandes palácios, numerosos templos budistas. Não apenas o budismo em todos os seus aspectos, mas toda a cultura e vida politica percebido como modelo. Nenhum outro país, talvez, tenha sentido tanto a insuficiência de sua própria cultura e não tenha sido tão suscetível a influências externas. Estudiosos e peregrinos se moviam livremente entre o Japão e o continente, e a administração e a vida palaciana seguiam o modelo da China durante a Dinastia Tang. Porém, é preciso lembrar que, apesar de imitarem os modelos da China Tang, principalmente na arte, percebendo sua influência e estilo, os japoneses quase sempre adaptaram as formas estrangeiras às suas.

Na escultura, a frontalidade estrita e a simetria do período anterior de Asuka deram lugar a formas mais livres. O desenvolvimento de ideias sobre os deuses, o aumento da habilidade técnica e a liberdade de propriedade do material permitiram aos artistas criar imagens icônicas mais próximas e acessíveis. A fundação de novas seitas budistas expandiu o panteão para incluir até mesmo os santos e fundadores do budismo. Além da escultura em bronze, conhece-se um grande número de obras em madeira, barro e laca. A pedra era rara e quase nunca usada para escultura. A laca seca era especialmente popular, talvez porque, apesar da complexidade do processo de preparação da composição, as obras feitas com ela pareciam mais espetaculares do que a madeira e eram mais resistentes do que os produtos de argila mais fáceis de fabricar. As figuras de laca eram formadas sobre uma base de madeira ou argila, que depois era removida, ou sobre ferragens de madeira ou arame; eles eram leves e fortes. Embora essa técnica ditasse alguma rigidez nas poses, permitia-se uma grande liberdade na representação dos rostos, o que contribuiu em parte para o desenvolvimento do que pode ser chamado de escultura de retrato propriamente dita. A imagem do rosto da divindade foi executada de acordo com as prescrições estritas dos cânones budistas, mas a popularidade e até mesmo a deificação de alguns dos fundadores e pregadores da fé proporcionaram excelentes oportunidades para transmitir a semelhança do retrato. Tal semelhança pode ser rastreada na escultura de laca seca do patriarca chinês Genjin, reverenciada no Japão, localizada no templo Toshodaiji. Genjin era cego quando chegou ao Japão em 753, e seus olhos sem visão e estado iluminado de contemplação interior são lindamente representados por um escultor desconhecido. Essa tendência realista foi mais claramente expressa na escultura de madeira do pregador Kui, criada pelo escultor Kosho nos séculos XIII-XIV. O pregador está vestido como um mendigo errante com um bastão, um gongo e uma marreta, e pequenas figuras do Buda saem de sua boca entreaberta. Não satisfeito com a imagem do monge cantor, o escultor tentou expressar o significado mais íntimo de suas palavras.
As imagens do Buda do período Nara também se distinguem pelo grande realismo. Criados para um número cada vez maior de templos, eles não são tão imperturbavelmente frios e reservados quanto seus predecessores, têm uma beleza e nobreza mais graciosas e se voltam para as pessoas que os adoram com mais favor.

Muito poucas pinturas deste período sobreviveram. O desenho multicolorido no papel retrata as vidas passadas e presentes do Buda. Este é um dos poucos exemplos antigos de emakimono, ou pintura em pergaminho. Os pergaminhos foram desenrolados lentamente da direita para a esquerda, e o espectador só podia apreciar a parte da imagem que estava entre as mãos desenrolando o pergaminho. As ilustrações estavam diretamente acima do texto, em contraste com os pergaminhos posteriores, onde uma seção de texto alternava com uma imagem explicativa. Nestes exemplos sobreviventes mais antigos de pintura em rolo, figuras contornadas são colocadas contra o fundo de uma paisagem pouco delineada, e o personagem central, neste caso Syaka, aparece em vários episódios.

Early Heian

(784-897). Em 784 a capital foi temporariamente transferida para Nagaoka, em parte para evitar o domínio do clero budista de Nara. Em 794 ela se mudou para Heian (agora Kyoto) por um período mais longo. Final dos séculos VIII e IX foi um período em que o Japão assimilou com sucesso, adaptando às suas próprias características, muitas inovações estrangeiras. A religião budista também viveu um momento de mudança, com o surgimento de novas seitas do budismo esotérico, com seu ritual e etiqueta desenvolvidos. Destas, as mais influentes foram as seitas Tendai e Shingon, que se originaram na Índia, chegaram à China e de lá foram trazidas para o Japão por dois estudiosos que retornaram à sua terra natal após um longo aprendizado. A seita Shingon ("Palavras Verdadeiras") era especialmente apreciada na corte e rapidamente ocupou uma posição dominante. Seus principais mosteiros estavam localizados no Monte Koya perto de Kyoto; como outros importantes centros budistas, eles se tornaram o repositório de enormes coleções de monumentos artísticos.

Escultura séc. IX. era principalmente madeira. As imagens das divindades se distinguiam pela severidade e grandeza inacessível, o que era enfatizado pela solenidade de sua aparência e solidez. As cortinas foram habilmente cortadas de acordo com os padrões padrão, os lenços estavam em ondas. A figura de Shaki em pé no templo de Muroji é um exemplo desse estilo. Para esta e outras imagens semelhantes do século IX. caracterizado por entalhes rígidos com dobras claras e profundas e outros detalhes.

O aumento do número de deuses criou grandes dificuldades para os artistas. Em mandalas complexas, semelhantes a mapas (um desenho geométrico com significado mágico), as divindades foram organizadas hierarquicamente em torno de um Buda colocado centralmente, que ele próprio era apenas uma manifestação do absoluto. Nessa época, surgiu uma nova forma de representar as figuras das divindades guardiãs cercadas por chamas, de aparência terrível, mas de natureza benéfica. Essas divindades foram dispostas de forma assimétrica e representadas em poses em movimento, com traços faciais formidáveis, protegendo ferozmente a fé de possíveis perigos.

Heian médio e tardio, ou período Fujiwara

(898-1185). A transferência da capital para Heian, que pretendia fugir às difíceis exigências do clero, também provocou mudanças no sistema político. A nobreza era a força dominante, e a família Fujiwara tornou-se seus representantes mais característicos. Período 10-12 séculos. frequentemente associado a este nome. Começou um período de poder especial, quando os verdadeiros imperadores foram "fortemente aconselhados" a deixar de lado os assuntos do estado em prol de atividades mais agradáveis ​​​​da poesia e da pintura. Até atingir a idade adulta, o imperador era liderado por um regente estrito - geralmente da família Fujiwara. Foi uma época de luxo e realizações notáveis ​​na literatura, caligrafia e arte; tudo parecia lânguido e emocional, que raramente atingia a profundidade, mas no geral era encantador. Sofisticação elegante e escapismo se refletiam na arte dessa época. Mesmo os adeptos do budismo estavam procurando maneiras mais fáceis, e a adoração do Buda celestial, Amida, tornou-se especialmente popular. As noções de compaixão e graça salvadora do Buda Amida foram profundamente refletidas na pintura e escultura desse período. A solidez e contenção das estátuas do séc. em 10-11 séculos. deu lugar à felicidade e ao encanto. As divindades são retratadas como sonhadoras, pensativamente calmas, a escultura torna-se menos profunda, a superfície torna-se mais colorida, com uma textura ricamente desenvolvida. Os monumentos mais importantes deste período pertencem ao escultor Jocho.
As obras dos artistas também adquiriram traços mais suaves, lembrando desenhos em tecido, e até mesmo as terríveis divindades - os defensores da fé tornaram-se menos intimidantes. Os sutras (textos budistas) foram escritos em ouro e prata em papel azul-escuro, a fina caligrafia do texto muitas vezes precedida por uma pequena ilustração. Maioria destinos populares O budismo e suas divindades associadas refletem as preferências da aristocracia e o afastamento gradual dos duros ideais do budismo primitivo.

A atmosfera dessa época e suas obras estão parcialmente relacionadas ao término das relações formais com a China em 894. O budismo na China naquela época era perseguido e a corte corrupta de Tang estava em declínio. A existência isolada na ilha que se seguiu a essa desconexão levou os japoneses a se voltarem para sua própria cultura e desenvolverem um estilo japonês novo e mais puro. De fato, pintura secular dos séculos X-XII. era quase inteiramente japonês - tanto na técnica quanto na composição e enredos. Uma característica distintiva desses pergaminhos japoneses, chamados yamato-e, era a predominância de enredos engi (origem, história). Enquanto os pergaminhos chineses geralmente retratavam uma vasta natureza incrível, panoramas de montanhas, riachos, rochas e árvores, e as pessoas pareciam relativamente insignificantes, nos pergaminhos narrativos dos japoneses no desenho e no texto, a pessoa era o principal. A paisagem desempenhava apenas o papel de pano de fundo da história contada, subordinada ao principal pessoa atuante ou pessoas. Muitos pergaminhos eram crônicas pintadas da vida de famosos pregadores budistas ou figuras históricas, suas viagens e campanhas militares. Outros contaram sobre episódios românticos da vida da nobreza e cortesãos.

O estilo aparentemente idiossincrático dos primeiros pergaminhos veio de simples esboços a tinta nas páginas dos cadernos budistas. São desenhos habilidosos que caricaturam o comportamento humano através de imagens de animais: um macaco em trajes monásticos venerando um sapo inflado, competições entre lebres, macacos e sapos. Esses e outros pergaminhos Heian tardios forneceram a base para os pergaminhos narrativos mais complexos do estilo desenvolvido dos séculos XIII e XIV.

Período Kamakura

(1185-1392). Final do século 12 trouxe sérias mudanças na vida política e religiosa do Japão e, claro, em sua arte. A elegância e o esteticismo da corte de Kyoto foram substituídos ou, na tradição do governo "especial", "receberam um acréscimo" na forma de um novo, severo e corajoso governo - o xogunato Kamakura. Embora Kyoto nominalmente continuasse sendo a capital, o shogun Minamoto no Yoritomo (1147-1199) estabeleceu seu quartel-general na cidade de Kamakura e em apenas 25 anos estabeleceu um rígido sistema de ditadura militar e feudalismo. O budismo, que se tornou tão complexo e ritualizado que era incompreensível para os leigos comuns, também passou por uma grande mudança que não prometia o patrocínio das artes. A seita Yodo ("Terra Pura"), uma forma de adoração ao Buda Amida, sob a liderança de Honen Shonin (1133-1212) reformou a hierarquia dos budas e divindades e deu esperança de salvação a todos que simplesmente acreditavam em Amida. Essa doutrina de um paraíso facilmente alcançável foi posteriormente simplificada por outro monge, Shinran (1173-1262), o fundador da seita Shin, que reconheceu que a indulgência de Amida é tão grande que não há necessidade de realizar atos religiosos, basta apenas repetir o feitiço "Namu Amida Butsu" (a primeira palavra significa "submeter"; as duas segundas são "Buda Amida"). Uma maneira tão simples de salvar uma alma era extremamente atraente e agora milhões a usam. Uma geração depois, o pregador militante Nichiren (1222-1282), que dá nome à seita, abandonou essa forma simplificada de religião. Seus seguidores reverenciavam o Sutra de Lótus, que não prometia salvação instantânea e incondicional. Seus sermões freqüentemente abordavam tópicos políticos, e suas crenças e propostas de reformas da igreja e do estado atraíam a nova classe guerreira em Kamakura. Finalmente, a filosofia do Zen, que surgiu já no século VIII, começou a desempenhar um papel cada vez maior no pensamento budista daquele período. O Zen enfatizou a importância da meditação e o desprezo por quaisquer imagens que possam atrapalhar o homem em sua busca para se conectar com Deus.

Assim, foi uma época em que o pensamento religioso limitava o número de pinturas e esculturas antes necessárias para o culto. No entanto, algumas das melhores obras de arte japonesa foram criadas durante o período Kamakura. O estímulo foi o inerente amor japonês pela arte, mas a chave do quebra-cabeça é a atitude do povo em relação a novos credos, e não dogmas como tal. De fato, as próprias obras sugerem o motivo de sua criação, pois muitas dessas esculturas e pinturas cheias de vida e energia são retratos. Embora a filosofia zen possa ter considerado objetos comuns de culto religioso como uma barreira à iluminação, a tradição de reverenciar os professores era bastante aceitável. O retrato em si não poderia ser objeto de adoração. Essa atitude em relação ao retrato não era exclusiva do zen-budismo: muitos ministros da seita da Terra Pura eram reverenciados quase como divindades budistas. Graças ao retrato, até uma nova forma arquitetônica apareceu - o mieido, ou capela do retrato. O rápido desenvolvimento do realismo estava inteiramente no espírito da época.
Apesar do fato de que os retratos pitorescos de padres, obviamente, eram realmente imagens pessoas especificas, muitas vezes eram retrabalhos de pinturas representando os fundadores chineses do budismo. Eles foram pintados pregando, bocas abertas, mãos gesticulando; às vezes, monges mendicantes eram retratados fazendo uma jornada difícil para a glória da fé.

Uma das tramas mais populares era raigo (chegada desejada), que retratava o Buda Amida com seus companheiros, descendo em uma nuvem para salvar a alma de um crente em seu leito de morte e transferi-la para o paraíso. As cores dessas imagens eram muitas vezes realçadas por ouro aplicado, e linhas onduladas, capas esvoaçantes, nuvens rodopiantes davam uma sensação de movimento à descida do Buda.

Unkei, que trabalhou na segunda metade do século XII e início do século XIII, foi o autor de uma inovação que tornou mais fácil esculpir a madeira, que continuou sendo o material preferido dos escultores durante o período Kamakura. Anteriormente, o mestre era limitado pelo tamanho e formato do baralho ou tronco do qual a figura era cortada. As armas e os elementos do vestuário foram sobrepostos separadamente, mas a peça acabada muitas vezes se assemelhava à forma cilíndrica original. Na nova técnica, dezenas de pequenas peças eram cuidadosamente encaixadas umas nas outras, formando uma pirâmide oca, da qual os aprendizes podiam recortar a figura. O escultor tinha à sua disposição um material mais maleável e a capacidade de criar formas mais complexas. Guardas de templos musculosos e divindades em capas e túnicas esvoaçantes pareciam mais vivos também porque cristal ou vidro começaram a ser inseridos em suas órbitas oculares; as estátuas começaram a ser decoradas com bronze dourado. Eles se tornaram mais leves e menos propensos a rachar quando a madeira secou. A mencionada estátua de madeira de Kuya Shonin, obra do filho de Unkei, Kosho, demonstra a maior conquista do realismo da era Kamakura na escultura de retratos. De fato, a escultura da época atingiu seu apogeu em seu desenvolvimento e, posteriormente, não ocupou mais um lugar de destaque na arte.

A pintura secular também refletia o espírito da época. Os pergaminhos narrativos do final do período Heian, em cores contidas e linhas graciosas, contavam as aventuras românticas do príncipe Genji ou os entretenimentos das damas reclusas da corte. Agora, com cores vivas e pinceladas enérgicas, os artistas da era Kamakura retrataram as batalhas de clãs em guerra, palácios engolfados pelas chamas e pessoas assustadas fugindo das tropas de ataque. Mesmo quando uma história religiosa se desenrolava no pergaminho, a imagem não era tanto um ícone quanto uma evidência histórica das viagens de pessoas sagradas e dos milagres que realizavam. No desenho desses lotes, pode-se encontrar um crescente amor pela natureza e admiração pelas paisagens nativas.

Muromachi, ou Período Ashikaga

(1392-1568). Em 1392, após mais de 50 anos de conflito, o terceiro xogum da família Ashikaga, Yoshimitsu (1358-1408), reunificou o país. A sede do governo tornou-se novamente a capital nominal de Kyoto, onde os shoguns Ashikaga construíram seus palácios no bairro de Muromachi. (Este período às vezes é chamado de Muromachi, às vezes Ashikaga.) O tempo de guerra não poupou muitos templos - repositórios de arte japonesa, que foram queimados junto com os tesouros que ali estavam. O país foi severamente devastado, e mesmo a paz trouxe pouco alívio, pois os clãs em guerra, em seu sucesso, distribuíram favores ao seu capricho. Parece que a situação era extremamente desfavorável para o desenvolvimento da arte, mas na realidade os shoguns Ashikaga a patrocinaram, especialmente nos séculos XV e XVI, quando a pintura floresceu.

A arte mais significativa dessa época foram os desenhos poéticos monocromáticos a tinta, incentivados pelo budismo zen e influenciados pelos desenhos chineses das dinastias Song e Yuan. Durante a Dinastia Ming (1368-1644), os contactos com a China foram renovados e Yoshimitsu, colecionador e mecenas da arte, incentivou a recolha e o estudo da pintura chinesa. Tornou-se modelo e ponto de partida para talentosos artistas que pintavam paisagens, pássaros, flores, imagens de sacerdotes e sábios com pinceladas leves e fluídas. A pintura japonesa dessa época é caracterizada pela economia de linhas; o artista parece extrair a quintessência do enredo retratado, permitindo que o olhar do espectador o preencha com detalhes. As transições de cinza e tinta preta brilhante nessas pinturas estão muito próximas da filosofia do Zen, que, é claro, inspirou seus autores. Embora esse credo tenha alcançado considerável influência mesmo sob o poder militar de Kamakura, ele continuou a se espalhar rapidamente nos séculos XV e XVI, quando surgiram numerosos mosteiros zen. Pregando principalmente a ideia de "auto-salvação", não associava a salvação ao Buda, mas sim se apoiava na severa autodisciplina do homem para alcançar uma repentina "iluminação" intuitiva que o une ao absoluto. O uso econômico, mas ousado, da tinta e a composição assimétrica, em que as partes não pintadas do papel desempenhavam um papel significativo na representação de paisagens idealizadas, sábios e cientistas, estavam de acordo com essa filosofia.

Um dos expoentes mais famosos do sumi-e, um estilo de pintura monocromática com tinta, foi Sesshu (1420-1506), um sacerdote zen cuja longa e prolífica vida lhe garantiu contínua veneração. No final da vida, passou a usar o estilo haboku (tinta rápida), que, ao contrário do estilo maduro, que exigia traços claros e econômicos, trouxe a tradição da pintura monocromática quase à abstração.
A atividade da família de artistas Kano e o desenvolvimento de seu estilo ocorrem no mesmo período. Em termos de escolha de temas e uso de tinta, aproximou-se do chinês, mas manteve-se japonês em termos de meios expressivos. Kano, com o apoio do xogunato, tornou-se a escola "oficial" ou estilo artístico de pintura e floresceu até o século XIX.

A tradição ingênua do yamato-e continuou viva nas obras da escola Tosa, a segunda direção importante da pintura japonesa. Na verdade, nesta época, ambas as escolas, Kano e Tosa, estavam intimamente relacionadas, estavam unidas pelo interesse pela vida moderna. Motonobu Kano (1476-1559), um dos artistas de destaque deste período, não só casou sua filha com o famoso artista Tosa, como também pintou à sua maneira.

Nos séculos 15-16. havia apenas algumas obras de escultura dignas de nota. Deve-se notar, porém, que o desenvolvimento do noo drama, com sua variedade de humores e emoções, abriu um novo campo de atividade para os escultores - eles esculpiram máscaras para atores. No drama japonês clássico representado por e para a aristocracia, os atores (um ou mais) usavam máscaras. Eles transmitiam uma gama de sentimentos, desde medo, ansiedade e confusão até alegria contida. Algumas das máscaras eram esculpidas de forma tão esplêndida que o menor movimento de cabeça do ator causava mudanças sutis na expressão. Exemplos notáveis ​​dessas máscaras foram guardados por anos pelas famílias para cujos membros foram feitas.

período Momoyama

(1568-1615). Em 1593, o grande ditador militar Hideyoshi construiu seu castelo em Momoyama, "Peach Hill", e por este nome costuma-se designar o período de 47 anos desde a queda do xogunato Ashikaga até o estabelecimento do Tokugawa, ou período Edo. , em 1615. Era a época do domínio de uma classe militar completamente nova, cuja grande riqueza contribuiu para o florescimento das artes. Castelos impressionantes com grandes salas de audiência e longos corredores entraram em moda no final do século XVI. e exigiam ornamentos apropriados à sua grandeza. Era uma época de pessoas severas e corajosas, e os novos patronos, ao contrário da antiga aristocracia, não estavam particularmente interessados ​​em atividades intelectuais ou nas sutilezas do artesanato. Felizmente, a nova geração de artistas fez jus aos seus patronos. Durante este período, telas maravilhosas e painéis móveis apareceram nas cores carmesim brilhante, esmeralda, verde, roxo e azul. Essas cores exuberantes e formas decorativas, muitas vezes sobre um fundo dourado ou prateado, foram muito populares por cem anos, e seus criadores foram corretamente chamados de "grandes decoradores". Graças ao sutil gosto japonês, o estilo pomposo não degenerou em vulgaridade e, mesmo quando a contenção e o eufemismo deram lugar ao luxo e aos excessos decorativos, os japoneses conseguiram manter a elegância.

Eitoku Kano (1543-1590), um dos primeiros grandes artistas desse período, trabalhou no estilo de Kano e Tosa, ampliando o conceito de desenho do primeiro e combinando-o com a riqueza de cores do segundo. Embora apenas algumas obras das quais Eitoku possa ser identificado com segurança como autor tenham sobrevivido, ele é considerado um dos fundadores do estilo Momoyama, e a maioria dos artistas desse período foram seus alunos ou foram influenciados por ele.

Período Edo ou Tokugawa

(1615-1867). O longo período de paz que chegou ao Japão recém-unificado é chamado de tempo Tokugawa, em homenagem ao nome do governante, ou Edo (a moderna Tóquio), já que em 1603 esta cidade se tornou o novo centro do poder. Dois famosos generais do breve período Momoyama, Oda Nobunaga (1534-1582) e Toyotomi Hideyoshi (1536-1598), através da ação militar e da diplomacia, finalmente conseguiram reconciliar clãs poderosos e clero militante. Com a morte de Hideyoshi em 1598, o poder passou para Ieyasu Tokugawa (1542-1616), que completou as medidas iniciadas conjuntamente. A batalha decisiva de Sekigahara em 1600 fortaleceu a posição de Ieyasu, a queda do Castelo de Oska em 1615 foi acompanhada pelo colapso final da casa Hideyoshi e o estabelecimento do governo indiviso do xogunato Tokugawa.

O domínio pacífico dos Tokugawa durou 15 gerações e terminou apenas no século XIX. Foi basicamente um período de política de "portas fechadas". Por decreto de 1640, os estrangeiros foram proibidos de entrar no Japão e os japoneses não podiam viajar para o exterior. A única ligação comercial e cultural era com os holandeses e chineses através do porto de Nagasaki. À semelhança de outros períodos de isolamento, assiste-se ao recrudescimento dos sentimentos nacionais e à sua emergência em finais do século XVII. a chamada escola de pintura e gravura de gênero.
A capital de rápido crescimento de Edo tornou-se o centro não apenas da vida política e comercial do império da ilha, mas também do centro de artes e ofícios. A exigência de que os daimyo, os senhores feudais provinciais, estivessem na capital durante uma certa parte de cada ano criou a necessidade de novos edifícios, incluindo palácios e, portanto, de artistas para decorá-los. Uma classe simultaneamente emergente de comerciantes ricos, mas não aristocráticos, forneceu patrocínio novo e muitas vezes não profissional aos artistas.

A arte do início do período Edo continua parcialmente e desenvolve o estilo Momoyama, intensificando suas tendências ao luxo e esplendor. A riqueza de imagens bizarras e policromias herdadas do período anterior continua a se desenvolver. Este estilo decorativo atingiu o seu apogeu no último quartel do século XVII. no chamado. a era Genroku do período Tokugawa (1688-1703). Na arte decorativa japonesa, não há paralelos em extravagância e riqueza de cores e motivos decorativos em pintura, tecidos, laca, em ninharias artísticas - atributos de um estilo de vida luxuoso.

Como estamos falando de um período relativamente tardio da história, não é de surpreender que os nomes de muitos artistas e suas obras tenham sido preservados; aqui é possível citar apenas alguns dos mais proeminentes. Entre os representantes da escola decorativa que viveram e trabalharam durante os períodos Momoyama e Edo estão Honnami Koetsu (1558-1637) e Nonomura Sotatsu (falecido em 1643). Seu trabalho demonstra um notável senso de padrão, composição e cor. Koetsu, um talentoso ceramista e artista de laca, era conhecido pela beleza de sua caligrafia. Juntamente com Sotatsu, eles criaram poemas de pergaminho que estavam na moda na época. Nessa combinação de literatura, caligrafia e pintura, as imagens não eram meras ilustrações: criavam ou sugeriam um clima adequado à percepção do texto. Ogata Korin (1658-1716) foi um dos herdeiros do estilo decorativo e, juntamente com o seu irmão mais novo Ogata Kenzan (1663-1743), aperfeiçoou a sua técnica. Kenzan, mais conhecido como ceramista do que como artista, queimou vasos com desenhos de seu famoso irmão mais velho. O renascimento desta escola no início do século XIX. do poeta e pintor Sakai Hoitsu (1761-1828) foi a última onda do estilo decorativo. Os belos pergaminhos e telas de Horitsu combinaram o senso de desenho de Korin com o interesse naturalista de Maruyama pela natureza, resultando na riqueza de cores e motivos decorativos do período anterior, temperados pelo esplendor e delicadeza da pincelada.

Juntamente com o estilo decorativo policromado, o desenho a tinta tradicional da escola Kano continuou a ser popular. Em 1622, Kanō Tanyu (1602-1674) foi nomeado pintor da corte do shogun e chamado para Edo. Com sua nomeação para esta posição e o estabelecimento da escola Edo de pintura Kano em Kobikito, um período de meio século de liderança artística desta tradição começou, o que restaurou a proeminência da família Kano e tornou as obras do período Edo as mais importantes. significativo na pintura de Kano. Apesar da popularidade das telas pintadas com ouro e cores brilhantes, criadas por "grandes decoradores" e rivais, Tangyu, graças à força de seu talento e posição oficial, conseguiu popularizar a pintura da renascida escola Kano entre a nobreza. Tanyu acrescentou poder e simplicidade às características tradicionais da escola Kano, com base em uma linha quebrada rígida e um arranjo bem pensado de elementos de composição em uma grande superfície livre.

Uma nova tendência, em que a principal característica era o interesse pela natureza, começou a prevalecer no final do século XVIII. Maruyama Okyo (1733-1795), chefe da nova escola, foi camponês, depois tornou-se clérigo e finalmente artista. As duas primeiras aulas não lhe trouxeram felicidade nem sucesso, mas como artista alcançou grandes alturas e é considerado o fundador da escola realista Maruyama. Ele estudou com o mestre da escola Kano, Ishida Yutei (falecido em 1785); com base em gravuras holandesas importadas, ele compreendeu a técnica ocidental de representação em perspectiva e, às vezes, simplesmente copiou essas gravuras. Ele também estudou estilos chineses das dinastias Song e Yuan, incluindo o estilo sutil e realista de Chen Xuan (1235-1290) e Shen Nanping; o último viveu em Nagasaki no início do século XVIII. Okyo fez muitos trabalhos sobre a natureza, e suas observações científicas formaram a base para a percepção da natureza, na qual se baseou a escola Maruyama.

Além do interesse pelo naturalismo no século XVIII. influência renovada da tradição artística chinesa. Representantes dessa tendência gravitaram em torno da escola de pintura dos pintores-cientistas Ming (1368-1644) e Qing (1644-1912), embora sua compreensão do atual estado da arte na China fosse provavelmente limitada. A arte desta escola japonesa chamava-se bujinga (a arte das pessoas educadas). Um dos mestres mais influentes do estilo bujinga foi Ikeno Taiga (1723-1776), artista famoso e calígrafo. Seu estilo maduro é caracterizado por linhas de contorno grossas preenchidas com leves pinceladas emplumadas em tons claros e nanquim; ele também pintou com pinceladas largas e livres de tinta preta, retratando troncos de bambu curvados ao vento e à chuva. Com linhas curtas e curvas, conseguiu um efeito que lembra gravuras na imagem de montanhas enevoadas sobre um lago cercado por floresta.
século 17 gerou outra notável direção de arte do período Edo. Este é o chamado ukiyo-e (imagens do mundo em mudança) - cenas de gênero criadas por e para as pessoas comuns. Os primeiros ukiyo-e se originaram na antiga capital de Kyoto e eram principalmente pitorescos. Mas o centro de sua produção logo se mudou para Edo, e a atenção dos mestres se concentrou nas xilogravuras. A estreita associação da xilogravura com o ukiyo-e levou ao equívoco de que a xilogravura foi a descoberta desse período; na verdade, ela se originou no século 11. Essas primeiras imagens eram de natureza votiva, representando os fundadores do budismo e divindades, e durante o período Kamakura, alguns pergaminhos narrativos foram reproduzidos a partir de blocos esculpidos. No entanto, a arte da gravura tornou-se especialmente popular no período de meados do século XVII ao século XIX.

Os temas das gravuras ukiyo-e eram as belas cortesãs dos bairros gays, atores favoritos e cenas de dramas. Cedo, assim chamado. gravuras primitivas eram feitas em preto, com fortes linhas onduladas rítmicas, e se distinguiam por desenhos simples. Às vezes, eram pintados à mão em uma cor vermelho-alaranjada chamada tan-e (pinturas vermelhas brilhantes), com manchas amarelas e verdes. Alguns dos artistas "primitivos" usavam pintura à mão chamada urushu-e (pintura de laca), na qual as áreas escuras eram realçadas e tornadas mais brilhantes pela adição de cola. Uma das primeiras impressões policromadas, que apareceu em 1741 ou 1742, foi chamada de benizuri-e (impressão carmesim) e geralmente usava três cores - vermelho rosa, verde e, às vezes, amarelo. Gravações verdadeiramente multicoloridas, usando toda a paleta e chamadas nishiki-e (imagens de brocado), apareceram em 1765.

Além de criar gravuras individuais, muitos dos gravadores ilustravam livros e ganhavam dinheiro fazendo ilustrações eróticas em livros e pergaminhos. Deve-se ter em mente que a gravura ukiyo-e consistia em três tipos de atividade: era o trabalho de um desenhista, cujo nome trazia a impressão, um escultor e um impressor.

Hishikawa Moronobu (c. 1625-1694) é considerado o fundador da tradição de criação de estampas ukiyo-e. Outros artistas "primitivos" dessa tendência são Kiyomasu (1694-1716) e o grupo Kaigetsudo (uma estranha comunidade de artistas cuja existência permanece obscura), bem como Okumura Masanobu (1686-1764).

Os artistas de transição que criaram gravuras benizuri-e foram Ishikawa Toyonobu (1711-1785), Torii Kiyohiro (ativo c. 1751-1760) e Torii Kiyomitsu (1735-1785).

As obras de Suzuki Harunobu (1725-1770) abrem a era da gravura policromada. Preenchidas com cores suaves, quase neutras, povoadas por damas graciosas e amantes galantes, as estampas Harunobu foram um grande sucesso. Na mesma época, Katsukawa Shunsho (1726-1792), Torii Kienaga (1752-1815) e Kitagawa Utamaro (1753-1806) trabalharam com ele. Cada um deles contribuiu para o desenvolvimento desse gênero; mestres trouxeram gravuras retratando belezas graciosas e Atores famososà perfeição. Em poucos meses, em 1794-1795, o misterioso Tosusai Saraku criou retratos incrivelmente fortes e francamente cruéis dos atores daquela época.

Nas primeiras décadas do século XIX este gênero atingiu a maturidade e começou a declinar. Katsushika Hokusai (1760-1849) e Ando Hiroshige (1797-1858) são os maiores mestres da época, cuja obra liga o declínio da arte da gravura no século XIX. e seu novo renascimento no início do século XX. Ambos eram principalmente pintores de paisagens, fixando os eventos da vida moderna em suas gravuras. O brilhante domínio da técnica de escultores e impressores permitiu transmitir na gravura linhas caprichosas e os mais leves tons do sol poente ou do nevoeiro que surge ao amanhecer.

A Restauração Meiji e o Período Moderno.

Muitas vezes acontece que a arte antiga de um ou outro povo é pobre em nomes, datas e obras sobreviventes, então qualquer julgamento só pode ser feito com muita cautela e convenção. No entanto, não é menos difícil julgar a arte contemporânea, pois somos privados de uma perspectiva histórica para avaliar corretamente a escala de qualquer movimento ou artista e sua obra. O estudo da arte japonesa não foge à regra, e o máximo que se pode fazer é apresentar um panorama da arte contemporânea e tirar algumas conclusões preliminares provisórias.

Na segunda metade do século XIX Os portos japoneses foram reabertos ao comércio, grandes mudanças ocorreram no cenário político. Em 1868, o xogunato foi abolido e o reinado do imperador Meiji foi restaurado. A capital oficial e a residência do imperador foram transferidas para Edo, e a própria cidade ficou conhecida como Tóquio (capital oriental).

Como já aconteceu no passado, o fim do isolamento nacional despertou grande interesse pelas conquistas de outras nações. Nessa época, os japoneses deram um grande salto em ciência e tecnologia. Artisticamente, o início da era Meiji (1868-1912) demonstra a aceitação de tudo o que é ocidental, incluindo a tecnologia. No entanto, esse zelo não durou muito, e foi seguido por um período de assimilação, o surgimento de novas formas, combinando um retorno às próprias tradições e novas tendências ocidentais.

Entre os artistas, Kano Hogai (1828-1888), Shimomura Kanzan (1873-1916), Takeuchi Seiho (1864-1924) e Tomioka Tessai (1836-1942) ganharam fama. Os três primeiros aderiram ao estilo e temas tradicionais japoneses, embora procurassem mostrar originalidade no humor e na técnica. Seihō, por exemplo, trabalhou na atmosfera calma e conservadora de Kyoto. Dele trabalhos iniciais criado na maneira naturalista de Maruyama, mas depois ele viajou extensivamente na China e foi profundamente influenciado pela pintura a tinta chinesa. Suas viagens a museus e importantes centros de arte A Europa também deixou uma marca em seu trabalho. De todos os artistas proeminentes da época, apenas Tomioka Tessai chegou perto de desenvolver um novo estilo. Em seus trabalhos enérgicos e cheios de força, linhas ásperas, retorcidas, irregulares e manchas de tinta preta são combinadas com manchas de cor finamente escritas. Nos anos posteriores, alguns jovens pintores a óleo tiveram sucesso onde seus avós haviam falhado. As primeiras tentativas de trabalhar com esse material incomum lembravam as telas parisienses e não se distinguiam por nenhum valor especial ou características especificamente japonesas. No entanto, obras de apelo excepcional estão sendo criadas, nas quais um distinto senso japonês de cor e equilíbrio brilha através de temas abstratos. Outros artistas, trabalhando com tintas mais naturais e tradicionais e, às vezes, usando a caligrafia como ponto de partida, criam peças abstratas enérgicas em pretos brilhantes com tons de cinza.

Como no período Edo, nos séculos XIX e XX. a escultura não era popular. Mas nesta área, os representantes geração moderna, treinado na América e na Europa, experimentou com grande sucesso. As pequenas esculturas de bronze, de forma abstrata e nomes estranhos, mostram o senso japonês de linha e cor, que se manifesta no uso de uma pátina verde suave ou marrom quente; a escultura em madeira atesta o amor dos japoneses pela textura do material.

Sosaku hanga, a "impressão criativa" japonesa, apareceu apenas na primeira década do século 20, mas como uma direção de arte especial eclipsou todas as outras áreas da arte moderna. Esta gravura moderna não é, estritamente falando, uma sucessora da antiga xilogravura ukiyo-e; eles diferem em estilo, enredos e métodos de criação. Artistas, muitos dos quais fortemente influenciados pela pintura ocidental, perceberam a importância de suas próprias pinturas. patrimônio artístico e encontraram na madeira o material adequado para expressar seus ideais criativos. Os mestres de Hanga não apenas pintam, mas também esculpem imagens em blocos de madeira e as imprimem. Embora a marcenaria esteja em seu auge nesta forma de arte, todas as técnicas modernas de impressão ocidental são usadas. Experimentar folhas, fios e "objetos encontrados" em alguns casos permite criar efeitos únicos de textura de superfície. A princípio, os mestres dessa tendência foram obrigados a buscar reconhecimento: afinal, mesmo as melhores realizações da escola ukiyo-e foram associadas por artistas intelectuais a uma multidão analfabeta e considerada arte plebeia. Artistas como Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi e Maekawa Senpan fizeram muito para restaurar o respeito pela gravura e estabelecê-la como um ramo digno das artes plásticas. Eles atraíram muitos jovens artistas para seu grupo e os gravadores agora chegam às centenas. Entre os mestres desta geração que alcançaram reconhecimento no Japão e no Ocidente estão Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen e Saito Kiyoshi. Estes são mestres cuja inovação e inegável talento lhes permitiram ocupar uma posição digna entre os principais artistas do Japão. Muitos de seus colegas e outros artistas de hanga mais jovens também produziram gravuras notáveis; o fato de não citarmos seus nomes aqui não significa uma avaliação negativa de seu trabalho.

ARTES E ARTES APLICADAS, ARQUITECTURA E JARDINS

As seções anteriores trataram principalmente de pintura e escultura, que na maioria dos países são consideradas os principais tipos de arte. Artes visuais. Talvez seja injusto incluir no final do artigo as artes decorativas e o artesanato popular, a arte dos jardins e a arquitetura - formas que foram parte importante e integrante da arte japonesa. No entanto, talvez, com exceção da arquitetura, eles requeiram consideração especial além de periodização geral Arte japonesa e com mudanças de estilo.

Cerâmica e porcelana.

As artes e ofícios mais importantes no Japão são a cerâmica e a porcelana. A arte cerâmica cai naturalmente em duas categorias. A fina porcelana policromada Imari, Nabeshima e Kakiemon recebeu o nome dos locais de produção, e sua rica pintura em uma superfície creme ou branco-azulada foi destinada à nobreza e aos círculos da corte. O processo de fabricação da verdadeira porcelana tornou-se conhecido no Japão no final do século XVI ou início do século XVII; pratos e tigelas com esmalte liso, com padrão assimétrico ou brocado, são valorizados tanto em casa quanto no Ocidente.

Em contraste com a porcelana em cerâmica bruta feita de argila ou massa de pedra de baixa qualidade, típica de Shino, Oribe e Bizen, a atenção está voltada para o material, aparentemente descuidado, mas arranjo cuidadoso dos elementos decorativos. Influenciados pelos conceitos do Zen Budismo, tais vasilhas eram muito populares no meio intelectual e eram amplamente utilizados, principalmente nas cerimônias do chá. Em muitas xícaras, bules e caddies, atributos da arte da cerimônia do chá, a própria essência do Zen Budismo estava incorporada: autodisciplina rígida e simplicidade estrita. Durante o apogeu da arte decorativa japonesa, os talentosos artistas Korin e Kenzan estavam empenhados na decoração de produtos cerâmicos. Deve-se lembrar que a fama de Kenzan está mais associada ao seu talento como ceramista, e não como pintor. Alguns dos tipos e técnicas mais simples para fazer vasos vêm de tradições artesanais populares. Oficinas modernas, continuando as antigas tradições, produzem belos produtos que encantam com sua elegante simplicidade.

Produtos de laca.

Já nos séculos 7-8. verniz era conhecido no Japão. Desta época, conservam-se as tampas dos caixões, decoradas com imagens de pessoas e motivos geométricos, aplicados com finas linhas douradas. Já falamos da importância da técnica da laca seca para a escultura nos séculos VIII e IX; ao mesmo tempo e posteriormente, foram feitos objetos decorativos como caixas de correio ou caixas de incenso. Durante o período Edo, esses produtos eram produzidos em grande quantidade e com a mais magnífica decoração. Caixas luxuosamente decoradas para café da manhã, para bolos, para incenso e remédios, chamadas inro, refletiam a riqueza e o amor ao luxo inerentes a essa época. A superfície dos objetos era decorada com padrões de pó de ouro e prata, pedaços de folha de ouro, sozinhos ou combinados com incrustações de conchas, madrepérola, uma liga de estanho e chumbo, etc.; estes padrões contrastavam com a superfície lacada a vermelho, preto ou castanho. Às vezes, artistas como Korin e Koetsu faziam desenhos de laca, mas é improvável que eles participassem pessoalmente dessas obras.

Espadas.

Os japoneses, como já foi dito, foram um povo de guerreiros por um período considerável de sua história; armas e armaduras eram consideradas itens essenciais para grande parte da população. A espada era o orgulho de um homem; tanto a própria lâmina quanto todas as outras partes da espada, especialmente o cabo (tsuba), foram decoradas em várias técnicas. Os tsuba feitos de ferro ou bronze eram decorados com incrustações de ouro e prata, esculpidos ou enfeitados com ambos. Representavam paisagens ou figuras de pessoas, flores ou brasões de família (mon). Tudo isso complementava o trabalho dos fabricantes de espadas.

Tecidos.

Sedas e outros tecidos ricamente estampados, preferidos pela corte e pelo clero em tempos de opulência e abundância, bem como tecidos lisos com um desenho quase primitivo característico da arte popular, também são expressões do talento nacional japonês. Tendo atingido seu auge durante a rica era do Genroku, a arte dos têxteis floresceu novamente no Japão moderno. Combina ideias e fibras artificiais do Ocidente com cores tradicionais e motivos decorativos.

Jardins.

Nas últimas décadas, o interesse pelos jardins e arquitetura japoneses aumentou devido à maior exposição do público ocidental a essas formas de arte. Os jardins no Japão têm um lugar especial; eles são a expressão e o símbolo de altas verdades religiosas e filosóficas, e esses tons obscuros e simbólicos, combinados com a aparente beleza dos jardins, despertam o interesse do mundo ocidental. Não se pode dizer que as ideias religiosas ou filosóficas foram razão principal criando jardins, mas ao planejar e criar um jardim, o planejador considerou tais elementos, cuja contemplação levaria o espectador a refletir sobre várias verdades filosóficas. Aqui, o aspecto contemplativo do zen budismo é incorporado em um grupo de pedras incomuns, ondas de areia e cascalho, combinadas com relva ou plantas dispostas de forma que o riacho atrás delas desapareça e reapareça, o que encoraja o observador a completar independentemente o estabelecido durante as ideias de jardim de construção. A preferência por alusões vagas a explicações inteligíveis é característica da filosofia zen. Árvores anãs de bonsai e pequenos jardins em vasos, agora populares no Ocidente, tornaram-se uma continuação dessas idéias.

Arquitetura.

Principal monumentos arquitetônicos O Japão é templos, complexos monásticos, castelos feudais e palácios. Desde os tempos antigos até hoje, a madeira tem sido o principal material de construção e, em grande parte, determina as características do design. Os edifícios religiosos mais antigos são santuários da religião nacional japonesa do xintoísmo; a julgar pelos textos e desenhos, eram edifícios relativamente simples com telhado de colmo, como as habitações antigas. Os edifícios do templo erguidos após a disseminação do budismo e associados a ele foram baseados em protótipos chineses em estilo e layout. A arquitetura do templo budista mudou ao longo do tempo, e a decoração e disposição dos edifícios variaram em diferentes seitas. Os edifícios japoneses são caracterizados por grandes salões com telhados altos e um complexo sistema de consoles, e sua decoração reflete o gosto de seu tempo. A arquitetura simples e majestosa do complexo Horyu-ji, construído perto de Nara no início do século VII, é tão característico do período Asuka quanto a beleza e elegância das proporções do Hoodo, o "Phoenix Hall" de Uji refletido no Lago Lotus , é do período Heian. As estruturas mais elaboradas do período Edo receberam enfeites adicionais na forma de portas deslizantes ricamente pintadas e telas feitas pelos mesmos "grandes decoradores" que decoravam o interior de castelos com fosso e palácios feudais.

A arquitetura e os jardins do Japão estão tão intimamente relacionados que podem ser considerados partes um do outro. Isso é especialmente verdadeiro para edifícios e casas de jardim para a cerimônia do chá. Sua abertura, simplicidade e conexão cuidadosamente trabalhada com a paisagem e a perspectiva têm uma grande influência sobre Arquitetura moderna Oeste.

IMPACTO DA ARTE JAPONESA NO OCIDENTE

Em apenas um século, a arte do Japão tornou-se conhecida no Ocidente e teve um impacto significativo. Também houve contatos anteriores (por exemplo, os holandeses negociavam com o Japão pelo porto de Nagasaki), mas os objetos que chegaram à Europa no século XVII eram principalmente obras de arte aplicada - porcelana e laca. Eles foram avidamente coletados como curiosidades e copiados de várias maneiras, mas essas exportações decorativas não refletiam a essência e a qualidade da arte japonesa e até deram aos japoneses uma ideia nada lisonjeira do gosto ocidental.

Pela primeira vez, a pintura ocidental experimentou a influência direta da arte japonesa na Europa em 1862 durante a grande Exposição Internacional de Londres. Apresentadas na Exposição de Paris cinco anos depois, as xilogravuras japonesas despertaram um interesse renovado. Várias coleções particulares de gravuras surgiram imediatamente. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh e outros tomaram as impressões coloridas japonesas como uma revelação; uma influência leve, mas sempre reconhecível, da gravura japonesa sobre os impressionistas é frequentemente notada. As americanas Whistler e Mary Cassatt foram atraídas pela contenção da linha e pelas cores vivas das gravuras e pinturas ukiyo-e.

A abertura do Japão para estrangeiros em 1868 criou um fascínio por todas as coisas ocidentais e fez com que os japoneses se afastassem de sua rica cultura e herança artística. Nessa época, muitas belas pinturas e esculturas foram vendidas e acabaram em museus ocidentais e coleções particulares. Exposições desses itens introduziram o Ocidente no Japão e estimularam o interesse em viajar para o Extremo Oriente. Sem dúvida, a ocupação do Japão pelas tropas americanas no final da Segunda Guerra Mundial abriu mais oportunidades do que antes para o conhecimento e estudo mais profundo dos templos japoneses e seus tesouros. Esse interesse se refletiu na frequência dos museus americanos. O interesse pelo Oriente em geral foi causado pela organização de exposições de arte japonesa selecionadas de coleções públicas e privadas japonesas e trazidas para a América e Europa.

Pesquisa científica décadas recentes fez muito para refutar a opinião de que a arte japonesa é apenas um reflexo da arte chinesa, e numerosas publicações japonesas sobre língua Inglesa apresentou o Ocidente aos ideais do Oriente.

A cena da arte japonesa moderna parece estar completamente globalizada. Artistas viajam entre Tóquio e Nova York, quase todos receberam educação européia ou americana, falam sobre seu trabalho em inglês de arte internacional. No entanto, esta imagem está longe de ser completa.

As formas e tendências nacionais acabam sendo um dos produtos mais procurados que o Japão pode oferecer ao mercado mundial de ideias e obras artísticas.

operação de avião. Como o superflat combina a cultura geek americana e a pintura tradicional japonesa

Takashi Murakami. "Tang Tan Bo"

Se no mundo ocidental para quase todos (exceto talvez para os mais ardentes teóricos pós-modernos) a fronteira entre cultura erudita e cultura de massa ainda permanece relevante, embora problemática, então no Japão esses mundos são totalmente misturados.

Um exemplo disso é Takashi Murakami, que combina com sucesso exposições nas melhores galerias do mundo e produção em streaming.

Gravação da turnê da exposição Murakami "Haverá chuva suave"

No entanto, a relação de Murakami com a cultura popular - e para o Japão esta é principalmente a cultura dos fãs de mangá e anime (otaku) - é mais complicada. O filósofo Hiroki Azuma critica a compreensão do otaku como um autêntico fenômeno japonês. Os Otaku se consideram diretamente ligados às tradições do período Edo dos séculos XVII a XIX - a era do isolacionismo e a rejeição da modernização. Azuma argumenta que o movimento otaku - baseado em mangá, animação, histórias em quadrinhos, jogos de computador - só poderia ter surgido no contexto da ocupação americana do pós-guerra como resultado da importação da cultura americana. A arte de Murakami e seus seguidores reinventa o otaku com técnicas de pop art e desmascara o mito nacionalista da autenticidade da tradição. Representa uma "reamericanização da cultura americana japonesa".

Do ponto de vista artístico, o superplano é o mais próximo da pintura japonesa ukiyo-e. A obra mais famosa dessa tradição é a gravura A Grande Onda de Kanagawa, de Katsushika Hokusai (1823–1831).

Para o modernismo ocidental, a descoberta da pintura japonesa foi um avanço. Possibilitou ver o quadro como plano e busca não superar essa peculiaridade dele, mas trabalhar com ele.

Katsushiki Hokusai. "A Grande Onda de Kanagawa"

Pioneiros do desempenho. O que a arte japonesa da década de 1950 significa hoje

Documentação do processo criativo de Akira Kanayama e Kazuo Shiraga

A Superflat tomou forma apenas nos anos 2000. Mas as ações artísticas significativas para a arte mundial começaram no Japão muito antes - e até antes do que no Ocidente.

A virada performativa na arte ocorreu na virada dos anos 60 e 70 do século passado. No Japão, o desempenho apareceu nos anos cinquenta.

Pela primeira vez, o Grupo Gutai mudou seu foco da criação de objetos autossuficientes para o processo de sua produção. Daqui - um passo para o abandono do objeto de arte em favor de um evento efêmero.

Embora artistas individuais de Gutai (e foram 59 deles em vinte anos) existissem ativamente no contexto internacional, entendendo como sua atividade coletiva de arte japonesa do pós-guerra em geral começou no Ocidente recentemente. O boom veio em 2013 com várias exposições em pequenas galerias em Nova York e Los Angeles, Tóquio 1955-1970: The New Avant-Garde no MoMA, e a enorme retrospectiva histórica Gutai: Splendid Playground no Museu Guggenheim. A importação de Moscou da arte japonesa parece ser uma continuação quase tardia dessa tendência.

Sadamasa Motonaga. Trabalho (Água) no Museu Guggenheim

É impressionante como essas exposições retrospectivas parecem modernas. Por exemplo, o objeto central da exposição no Museu Guggenheim é a reconstrução de Obra (Água) de Sadamasa Motonaga, na qual os níveis da rotunda do museu são conectados por tubos de polietileno com água colorida. Eles lembram pinceladas que foram arrancadas da tela e servem como exemplo do foco central de Gutai na "concretude" (como o nome da banda traduz do japonês), a materialidade dos objetos com os quais o artista trabalha.

Muitos membros do Gutai receberam uma educação relacionada com a pintura nihonga clássica, muitos estão ligados biograficamente ao contexto religioso do Zen Budismo, à sua característica caligrafia japonesa. Todos eles encontraram uma abordagem nova, processual ou participativa para tradições antigas. Kazuo Shiraga gravou em vídeo como desenha seus monocromos anti-Rauschenberg com os pés e até criou pinturas em público.

Minoru Yoshida transformou flores de estampas japonesas em objetos psicodélicos - um exemplo disso é a Flor Bissexual, uma das primeiras esculturas cinéticas (em movimento) do mundo.

Os curadores da exposição no Museu Guggenheim falam sobre o significado político dessas obras:

"Os Gutai demonstraram a importância da ação individual livre, da demolição das expectativas do público e até da estupidez como formas de combater a passividade social e a conformidade que, ao longo de décadas, permitiram que um governo militarista ganhasse uma massa crítica de influência, invadisse a China e depois entrar na Segunda Guerra Mundial."

Bom e sábio. Por que os artistas deixaram o Japão para a América na década de 1960

Gutai foi a exceção à regra no Japão do pós-guerra. Grupos de vanguarda permaneceram marginais, o mundo da arte era estritamente hierárquico. A principal forma de reconhecimento foi a participação em concursos realizados por associações reconhecidas de artistas clássicos. Portanto, muitos preferiram ir para o Ocidente e se integrar ao sistema artístico de língua inglesa.

Foi especialmente difícil para as mulheres. Mesmo no Gutai progressista, a parcela de presença deles não chegava nem a um quinto. O que dizer das instituições tradicionais, cujo acesso era necessário Educação especial. Na década de 60, as meninas já adquiriam o direito, porém, aprendendo arte (se não fosse a decorativa, que fazia parte do ofício ryosai kenbo- uma boa esposa e uma mãe sábia) era uma ocupação socialmente desaprovada.

Yoko Ono. pedaço cortado

A história da emigração de cinco poderosas artistas japonesas de Tóquio para os Estados Unidos foi o tema do estudo de Midori Yoshimoto "Into Performance: Japanese Women Artists in New York". Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi e Shigeko Kubota no início de suas carreiras decidiram partir para Nova York e lá trabalharam, inclusive na modernização das tradições da arte japonesa. Apenas Yoko Ono cresceu nos Estados Unidos - mas ela também se recusou deliberadamente a retornar ao Japão, tendo ficado desiludida com a hierarquia artística de Tóquio durante sua curta estada em 1962-1964.

Ono se tornou a mais famosa das cinco, não apenas como esposa de John Lennon, mas também como autora de performances protofeministas dedicadas à objetificação do corpo feminino. Existem paralelos óbvios entre Cut Piece It, em que o público poderia cortar pedaços da roupa do artista, e "Rhythm 0" da "avó da performance" Marina Abramović.

Em pernas curtas. Como passar no treinamento de atuação do autor Tadashi Suzuki

No caso de Ono e Gutai, os métodos e temas de seus trabalhos, separados dos autores, ganharam relevância internacional. Existem outras formas de exportação - quando as obras do artista são percebidas com interesse no cenário internacional, mas o empréstimo do método atual não ocorre devido à sua especificidade. O caso mais marcante é o sistema de treinamento de atuação de Tadashi Suzuki.

O Teatro Suzuki é amado até na Rússia - e isso não é surpreendente. Última vez esteve conosco em 2016 com a performance de As Troianas baseada nos textos de Eurípides, e nos anos 2000 veio várias vezes com produções de Shakespeare e Chekhov. Suzuki transferiu a ação das peças para o contexto japonês atual e ofereceu interpretações não óbvias dos textos: descobriu o anti-semitismo em Ivanov e comparou-o com a atitude desdenhosa dos japoneses em relação aos chineses, transferiu a ação do Rei Lear para um hospício japonês.

Suzuki construiu seu sistema em oposição à escola de teatro russa. EM final do século XIX No século XX, durante o chamado período Meiji, o Japão imperial em modernização experimentou o surgimento de movimentos de oposição. O resultado foi uma ocidentalização em larga escala de uma cultura anteriormente extremamente fechada. Entre as formas importadas estava o sistema Stanislavsky, que ainda permanece no Japão (e na Rússia) um dos principais métodos de direção.

exercícios de suzuki

Nos anos 60, quando Suzuki iniciou sua carreira, se espalhava cada vez mais a tese de que, por causa de suas características corporais, os atores japoneses não conseguiam se acostumar com os papéis dos textos ocidentais que preenchiam o repertório da época. O jovem diretor conseguiu oferecer a alternativa mais convincente.

O sistema de exercícios de Suzuki, chamado de gramática das pernas, inclui dezenas de maneiras de sentar e ainda mais de ficar de pé e andar.

Seus atores costumam atuar descalços e parecem, ao abaixar o centro de gravidade, o mais amarrados possível ao solo, pesados. Suzuki ensina a eles e aos artistas estrangeiros sua técnica na aldeia de Toga, em antigas casas japonesas repletas de equipamentos modernos. Sua trupe dá apenas cerca de 70 apresentações por ano, e o resto do tempo ele vive, quase sem sair da aldeia e sem tempo para assuntos pessoais - apenas trabalho.

O Toga Center surgiu na década de 1970 e foi projetado a pedido do diretor pelo mundialmente famoso arquiteto Arata Isozaka. O sistema de Suzuki pode parecer patriarcal e conservador, mas ele mesmo fala sobre Toga em termos modernos de descentralização. Ainda em meados dos anos 2000, Suzuki entendeu a importância de exportar arte da capital para as regiões e organizar pontos de produção locais. Segundo o diretor, o mapa teatral do Japão em muitos aspectos se assemelha ao russo - a arte se concentra em Tóquio e em vários centros menores. O teatro russo também se beneficiaria de uma companhia que faz turnês regularmente em cidades pequenas e tem sede longe da capital.

SCOT Company Center em Toga

Caminhos de flores. Que recurso o teatro moderno descobriu nos sistemas noh e kabuki

O método Suzuki nasce de duas antigas tradições japonesas - mas também do kabuki. Não é só que esses tipos de teatro são frequentemente caracterizados como a arte de caminhar, mas também em detalhes mais óbvios. Suzuki costuma seguir a regra sobre o desempenho de todos os papéis pelos homens, usa soluções espaciais características, por exemplo, hanamichi ("o caminho das flores") da amostra kabuki - uma plataforma que se estende do palco até as profundezas do auditório. Ele também explora símbolos bastante reconhecíveis como flores e pergaminhos.

claro que em mundo global não há dúvida sobre o privilégio dos japoneses de usar suas formas nacionais.

O teatro de um dos diretores mais importantes de nosso tempo, o americano Robert Wilson, foi construído com empréstimos de mas.

Ele não apenas usa máscaras e maquiagens que lembram o público de massa do Japão, mas também empresta as formas de agir baseadas na desaceleração máxima do movimento e na expressividade autossuficiente do gesto. Combinando formas tradicionais e ritualísticas com partituras leves ultramodernas e música minimalista (uma das obras mais famosas de Wilson é uma produção da ópera Einstein on the Beach, de Philip Glass), Wilson produz essencialmente a síntese de origens e relevância que grande parte da arte moderna busca. .

Roberto Wilson. "Einstein na Praia"

Do noh e do kabuki, surgiu um dos pilares da dança moderna - butoh, traduzido literalmente - a dança das trevas. Inventado em 1959 pelos coreógrafos Kazuo Ono e Tatsumi Hijikata, que também se baseavam em um baixo centro de gravidade e concentração nos pés, o butoh trazia reflexões de experiências traumáticas de guerra para a dimensão corporal.

“Eles mostraram o corpo doente, em colapso, até monstruoso, monstruoso.<…>Os movimentos são lentos ou deliberadamente agudos, explosivos. Para isso, é utilizada uma técnica especial, quando o movimento é realizado como se não envolvesse os músculos principais, devido às alavancas ósseas do esqueleto”, a historiadora da dança Irina Sirotkina inscreve o butoh na história da libertação do corpo, conecta com o afastamento da normatividade do balé. Ela compara o butoh com as práticas de dançarinos e coreógrafos do início do século 20 - Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, fala da influência na dança "pós-moderna" posterior.

Um fragmento da dança de Katsura Kana, o sucessor moderno da tradição butoh

Hoje, o butoh em sua forma original não é mais uma prática de vanguarda, mas uma reconstrução histórica.

No entanto, o dicionário de movimento desenvolvido por Ohno, Hijikata e seus seguidores continua sendo um recurso valioso para coreógrafos contemporâneos. No ocidente, é usado por Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky e até no videoclipe de “Belong To The World” do The Weekend. No Japão, o sucessor da tradição butoh é, por exemplo, Saburo Teshigawara, que chegará à Rússia em outubro. Embora ele mesmo negue paralelos com a dança das trevas, os críticos encontram sinais bastante reconhecíveis: um corpo aparentemente sem ossos, fragilidade, passos silenciosos. É verdade que eles já estão inseridos no contexto da coreografia pós-moderna - com seu ritmo acelerado, corridas, trabalho com noise music pós-industrial.

Saburo Teshigawara. metamorfose

Localmente global. Como a arte japonesa contemporânea é semelhante à arte ocidental?

As obras de Teshigawara e de muitos dos seus colegas enquadram-se organicamente nos programas dos melhores festivais ocidentais de dança contemporânea. Se você folhear as descrições das apresentações e apresentações que foram exibidas no Festival / Tóquio - a maior mostra anual do teatro japonês, será difícil notar diferenças fundamentais em relação às tendências europeias.

Um dos temas centrais é a especificidade do local - artistas japoneses exploram os espaços de Tóquio, variando de aglomerados de capitalismo na forma de arranha-céus a áreas marginais de concentração otaku.

Outro tema é o estudo do desentendimento intergeracional, o teatro como lugar de encontro vivo e comunicação organizada de pessoas de diferentes idades. Projetos a ela dedicados por Toshika Okada e Akira Tanayama foram trazidos a Viena por vários anos consecutivos para um dos principais festivais europeus de artes cênicas. Não havia nada de novo na transferência de materiais documentais e histórias pessoais para o palco no final dos anos 2000, mas o curador do Festival de Viena apresentou esses projetos ao público como uma oportunidade de contato ao vivo, ponto a ponto, com outro cultura.

Outra linha principal é trabalhar com a experiência traumática. Para os japoneses, está associado não ao Gulag ou ao Holocausto, mas ao bombardeio de Hiroshima e Nagasaki. O teatro se refere a ele constantemente, mas a afirmação mais poderosa sobre as explosões atômicas como o momento da gênese de toda a cultura japonesa moderna ainda pertence a Takashi Murakami.

à exposição “Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture”

“Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture” é o título de seu projeto com curadoria exibido em Nova York em 2005. "Little Boy" - "bebê" em russo - o nome de uma das bombas lançadas no Japão em 1945. Colecionando centenas de quadrinhos de mangá dos principais ilustradores, brinquedos vintage distintos, mercadorias inspiradas em animes famosos de Godzilla a Hello Kitty, Murakami levou a concentração de fofura - kawaii - ao limite no espaço do museu. Ao mesmo tempo, lançou uma seleção de animações, nas quais fotos de explosões, terra nua e cidades destruídas se tornaram as imagens centrais.

Essa oposição foi a primeira grande afirmação sobre a infantilização da cultura japonesa como forma de lidar com o transtorno de estresse pós-traumático.

Agora esta conclusão já parece óbvia. Um estudo acadêmico de kawaii por Inuhiko Yomota é construído sobre ele.

Existem também gatilhos traumáticos posteriores. Dos mais importantes - os eventos de 11 de março de 2011, o terremoto e o tsunami que levaram a um grande acidente na usina nuclear de Fukushima. No Festival/Tóquio-2018, todo um programa de seis apresentações foi dedicado à compreensão das consequências de um desastre natural e tecnológico; eles também se tornaram o tema de uma das obras apresentadas em Solyanka. Este exemplo mostra claramente que o arsenal de métodos críticos usados ​​pela arte ocidental e japonesa não é fundamentalmente diferente. Haruyuki Ishii cria uma instalação de três aparelhos de televisão que percorrem imagens editadas e repetidas em alta velocidade de programas de televisão sobre o terremoto.

“A obra é composta por 111 vídeos que o artista assistia todos os dias nos noticiários até o momento em que tudo o que via não era mais percebido como ficção”, explicam os curadores. New Japan é um exemplo revelador de como a arte não resiste à interpretação baseada em mitos nacionais, mas ao mesmo tempo um olhar crítico revela que a mesma interpretação pode ser relevante para a arte de qualquer origem. Os curadores falam da contemplação como base da tradição japonesa, valendo-se de citações de Lao Tzu. Ao mesmo tempo, como se deixasse de lado que quase toda a arte contemporânea está voltada para o “efeito observador” (como é chamada a exposição) - seja na forma de criar novos contextos para a percepção de fenômenos familiares, seja na criação de a questão da possibilidade de percepção adequada como tal.

Comunidades imaginadas - outro trabalho do videoartista Haruyuki Ishii

Jogo

No entanto, não se deve pensar que o Japão dos anos 2010 é uma concentração de progressismo.

Os hábitos do bom e velho tradicionalismo e o amor pelo exotismo orientalista ainda não sobreviveram. "The Theatre of Virgins" é o título de um artigo bastante admirável sobre o teatro japonês "Takarazuka" na revista conservadora russa "PTJ". Takarazuka surgiu no final do século 19 como um projeto empresarial para atrair turistas para uma cidade remota de mesmo nome, que acidentalmente se tornou o terminal de uma ferrovia privada. No teatro só tocam meninas solteiras, que, segundo o dono da ferrovia, deveriam atrair espectadores do sexo masculino para a cidade. Hoje, Takarazuka funciona como uma indústria, com seu próprio canal de TV, uma densa programação de shows e até um parque de diversões local. Mas apenas meninas solteiras ainda têm o direito de estar na trupe - esperemos que pelo menos não verifiquem a virgindade.

No entanto, Takarazuka empalidece em comparação com o clube Toji Deluxe em Kyoto, que os japoneses também chamam de teatro. Eles mostram absolutamente selvagem, a julgar por descrição Colunista nova-iorquino Ian Buruma, show de strip-tease: várias garotas nuas no palco transformam a demonstração dos órgãos genitais em um ritual público.

Como muitos práticas artísticas, este espetáculo é baseado em lendas antigas (com a ajuda de uma vela e uma lupa, os homens da plateia podiam se revezar explorando os “segredos da deusa mãe Amaterasu”), e o próprio autor foi lembrado da tradição noh .

Deixaremos a busca por análogos ocidentais de Takarazuki e Toji para o leitor - não é difícil encontrá-los. Notamos apenas que uma parte significativa da arte moderna está voltada justamente para o combate a tais práticas de opressão - tanto ocidentais quanto japonesas, que vão do superflat à dança butoh.

O Japão é um estado muito interessante, conhecido por uma grande variedade de tradições e costumes. A posição geográfica da Terra do Sol Nascente tornou-a um tanto isolada de outros estados, graças à qual se desenvolveu sem levar em conta os países europeus. A cultura do Japão é extremamente rica e diversificada. Tradições japonesas peculiares foram formadas sob a influência de tradições eventos importantes. Gradualmente, o Japão se transformou em um estado poderoso e coeso com traços característicos e uma certa mentalidade da população.

Principais aspectos da cultura japonesa

A cultura do país se manifesta em muitas esferas da sociedade. No Japão, seus aspectos são;

O processo de beber chá para os japoneses não é uma simples satisfação das necessidades fisiológicas do corpo, mas um verdadeiro culto. A cerimônia do chá no Japão é acompanhada de atributos especiais e contém muitas tradições. Tal atitude reverente, ao que parece, para o processo cotidiano teve seu desenvolvimento a partir da meditação dos monges budistas. Foram eles que trouxeram tanto significado ao processo de beber chá.

Para os europeus, o conceito de "quimono" caracteriza as roupas nacionais do Japão. No entanto, na própria Terra do Sol Nascente, existem dois significados dessa palavra - nos sentidos estreito e amplo. A palavra "quimono" no Japão refere-se não apenas ao traje nacional, mas também a todas as roupas em geral. Sob o quimono, via de regra, usa-se um manto especial e sete cintos. Um quimono usado no verão é chamado de yukata. Dependendo da idade da mulher, o modelo do traje também pode variar.

No Japão, dois movimentos religiosos são pregados com sucesso ao mesmo tempo - xintoísmo e budismo. O xintoísmo apareceu no Japão antigo, é baseado na adoração de várias criaturas. O budismo, por sua vez, é dividido em diversas variedades. No Japão, existem muitas escolas que promovem uma ou outra tendência do budismo.

Os jardins de pedra são de particular importância na cultura do Japão. Eles não são apenas uma criação arquitetônica que atrai a atenção dos turistas, mas também um lugar crescimento espiritual. Aqui, os japoneses encontram iluminação na contemplação de estruturas de pedra localizadas em uma ordem especial. Os jardins de pedras possuem um plano específico, que só uma pessoa iluminada pode desvendar.

Tango no sekku é uma celebração em homenagem aos meninos. É dedicado não apenas a todos os pequenos representantes masculinos, mas também à masculinidade e à força de todo o povo japonês. Costuma-se comemorar o feriado na primavera, quando a natureza desperta e agrada com sua beleza. No dia do tango no sekku, os meninos são cuidados pelos pais. O pai deve contar ao filho sobre todos os guerreiros japoneses e suas façanhas. E sua mãe põe a mesa para ele com comida deliciosa.

A flor da cerejeira é considerada o mais belo fenômeno natural. Muitos turistas vêm aqui apenas para apreciar a contemplação de uma planta com flor. Na primavera, uma grande multidão de pessoas pode ser observada nos parques do Japão. Muitas famílias fazem piqueniques e observam a beleza da cerejeira japonesa.

Os arcos podem ser atribuídos às tradições peculiares do país. Eles representam as regras de boas maneiras. Não é costume os japoneses se despedirem, ao contrário, eles se curvam quantas vezes o interlocutor fez.

Os samurais representam uma certa classe da sociedade que se desenvolveu sob a influência de tradições e costumes. Tem uma ligação direta com a cultura do país. Samurais são guerreiros que realizam um determinado serviço, que pode ser militar, segurança ou doméstico. Em qualquer um desses casos, os samurais personificam a coragem, a masculinidade e a nobreza do povo japonês.

O processo de formação da cultura do Japão antigo

A cultura do Japão antigo começou a se desenvolver com o nascimento da língua e da escrita japonesas. A terra do sol nascente emprestou a base para isso da China. A escrita japonesa também contém hieróglifos, que um cidadão estrangeiro não será capaz de entender. Com o tempo, novas palavras, sons e frases começaram a ser adicionadas ao idioma japonês. Então ele se transformou completamente, no entanto características comuns com a China ainda são rastreáveis.

A religiosidade do país também tem origem na antiguidade. O xintoísmo foi uma consequência do desenvolvimento de várias mitologias. Sobre este momento este ensinamento promove o culto de líderes e pessoas mortas. O budismo, por outro lado, tem raízes tão profundas que variam muito as opiniões de cientistas e historiadores sobre o surgimento desse tipo de religião.

arte japonesa

Quase todos os tipos de arte praticados no Japão carregam uma ideia principal - calma e relaxamento. É justamente a harmonia de uma pessoa consigo mesma que contém a arte, independentemente da forma como a informação é apresentada. Muitas formas de arte conhecidas em todo o mundo começaram seu desenvolvimento no Japão. Entre eles, pode-se distinguir o origami - a capacidade de dobrar várias formas de papel.

Outro parte popular A arte japonesa tornou-se ikebana. Esta é uma habilidade para formar buquês de flores usando uma tecnologia especial. Daqui surgiu uma atividade igualmente popular, que se chama bonsai. Esta é a criação de uma variedade de composições de árvores anãs. Em Omiya, não muito longe de Tóquio, existe todo um parque de bonsai. Cada árvore anã aqui apresentada é única e bonita à sua maneira.

As pinturas do Japão merecerão um significado especial, pois cada pintura carrega um significado oculto. Como regra, são usadas cores vivas, transições contrastantes e linhas claras. O Japão também possui a arte da caligrafia. Esta é a habilidade de escrever hieróglifos esteticamente bonitos. A arte aplicada também é difundida no Japão. Há um museu inteiro em Tóquio dedicado a este ofício. Aqui você pode ver produtos feitos de papel, vidro ou metal. E esta não é uma lista completa de materiais utilizados para esse fim.

O estilo japonês de design de interiores também merece atenção especial. Inclui funcionalidade e simplicidade, juntamente com originalidade de execução. Além disso, o design de interiores carrega uma filosofia religiosa, como qualquer outra forma de arte japonesa.

arquitetura japonesa

As estruturas arquitetônicas no Japão, de uma forma ou de outra, estão associadas à religião. Os edifícios do templo no início, na maioria das vezes, eram desprovidos de flores. Isso se deveu ao uso de madeira sem pintura na construção. Mais tarde, eles começaram a usar tons de vermelho e azul.

O principal material para edifícios arquitetônicos no Japão é considerado madeira. Isso se deve ao fato de que o estoque este recurso grande o suficiente no país. Além do fato de a árvore conduzir bem o calor e absorver a umidade, também é prática durante os terremotos, que ocorrem com bastante frequência no Japão. Se uma casa de pedra é muito difícil de recriar após a destruição, uma de madeira é muito mais fácil.

A principal característica da arquitetura do Japão é a presença de formas geométricas uniformes. Na maioria das vezes, são triângulos e retângulos. É quase impossível encontrar suavidade e redondeza de linhas em qualquer estrutura. O princípio básico, com base no qual os japoneses equipam suas casas, é a existência inseparável do interior e do exterior da casa. Isso se aplica aos jardins japoneses. Eles devem ser decorados exatamente no mesmo estilo da própria casa. Caso contrário, é considerado mau gosto e completo mau gosto. Os japoneses dão atenção especial aos seus jardins.

música japonesa

Em termos de desenvolvimento musical, o Japão olhou para outros países, usando qualquer instrumentos musicais. Mas depois ela os modernizou sob a influência dos gostos e tradições locais. A primeira influência na formação da música clássica no Japão foi o folclore Dengaku local, misturado com influências estrangeiras e dando origem à música que é familiar ao Japão atualmente.

O lado religioso da questão também contribuiu para a origem musical. Graças ao cristianismo, o órgão começou a se espalhar. E o budismo promoveu tocar flauta.

Atualmente, a música clássica ganhou popularidade no Japão. Muitos membros desta célula de criatividade viajam para fora do Japão. Estes incluem Goto Midori, Ozawa Seiji e Uchida Mitsuko. Há relativamente pouco tempo, salas projetadas para uma audição confortável de música clássica foram abertas no Japão. Estes incluem Kiyo Hall, Osaka Symphony Hall, Orchard, etc.

Tradições domésticas do Japão

Os japoneses são um povo educado, respeitando suas tradições e costumes. O respeito por si mesmo e pelos outros no Japão é considerado a norma. Desde a infância, as crianças aprendem as normas de boas maneiras, explicam a elas os valores básicos do povo japonês e as esclarecem de todas as maneiras possíveis. E tudo em benefício da sociedade. Qualquer turista que vem de outro país para a Terra do Sol Nascente fica surpreso com a simpatia, simpatia e educação dos japoneses.

Ao contrário dos países europeus, o Japão há muito proíbe fumar em locais públicos. Isso também se aplica à propriedade privada. Fumar perto de outras pessoas só é permitido se elas tiverem dado o seu consentimento.

Entre outras coisas, os japoneses observam rigorosamente todas as regras de higiene que a sociedade lhes impõe. Por exemplo, em qualquer sala, incluindo edifícios religiosos, existem tapetes de palha especiais. Você não pode andar sobre eles com sapatos, eles são considerados não apenas uma decoração de interiores, mas também um verdadeiro sacrilégio. Além disso, os japoneses decidiram se proteger de possíveis bactérias que trazem do banheiro nos pés. Em qualquer local público e em apartamentos existem chinelos especiais para o banheiro, que não permitem a transferência de germes nocivos para outros cômodos.

Comer para os japoneses não é considerado um processo da vida, mas um verdadeiro culto. Antes de comer, os japoneses sempre enxugam as mãos com uma toalha especial embebida em água, chamada oshibori. A configuração da mesa não ocorre aleatoriamente, mas de acordo com um esquema especial. Mesmo cada dispositivo tem seu próprio lugar. Os japoneses os dividem em masculino e feminino, e isso é muito importante para eles. As colheres no Japão são usadas apenas para comer a sopa de ozônio, que é preparada para o Ano Novo, os japoneses preferem beber outros primeiros pratos exclusivamente em tigelas especiais. Além disso, estalar os lábios durante uma refeição não é considerado falta de educação. Acredita-se que assim o sabor do prato seja melhor revelado.

A relevância da boa forma no Japão é comprovada pela presença das seguintes regras:

• É necessário discutir o local e a hora da reunião com antecedência. Chegar atrasado no Japão é considerado atrevido e além dos limites da decência.
• Você não pode interromper o interlocutor, é preciso esperar pacientemente que a pessoa fale, para depois começar a expressar sua opinião.
• Se você ligar para o número errado, você precisa se desculpar.
• Se alguém veio em seu auxílio, você definitivamente precisa agradecê-lo.
• Alguns convidados dos japoneses podem ser considerados honorários. Para eles, até alocam um lugar especial à mesa, que, via de regra, é o mais extremo desde a entrada da sala.
• Ao dar um presente para os japoneses, deve-se pedir desculpas por ser humilde, apesar do que é. Essas são as regras, você não deve quebrá-las.
• Sentados à mesa de jantar, os homens podem cruzar as pernas, enquanto as mulheres são estritamente proibidas de fazer isso. As pernas devem ser dobradas e apontadas em uma direção.

Além disso, as tradições na vida do Japão incluem a veneração de pessoas mais velhas. Não importa qual seja a profissão, o salário, a aparência ou os traços de caráter de uma pessoa, se ela for mais velha, deve ser tratada com respeito. A velhice no Japão inspira respeito e orgulho. Isso significa que a pessoa percorreu um longo caminho e agora merece honras.

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Olá, queridos leitores buscadores do conhecimento e da verdade!

Hoje convidamos você a tocar a beleza e falar sobre a arte do Japão Antigo. No artigo a seguir, faremos uma breve revisão das etapas da história que influenciaram a formação da arte japonesa e, a seguir, abordaremos cada um de seus componentes com mais detalhes. Você aprenderá sobre as características não apenas dos tipos tradicionais, como arquitetura, pintura, mas também sobre a arte do combate, miniaturas, teatro, parques e muito mais.

Portanto, o artigo promete ser interessante e, o mais importante, informativo!

Períodos históricos

A Terra do Sol Nascente tem uma cultura única, materializada em edifícios e templos originais tradicionais, pinturas, esculturas, decorações, jardins, obras literárias. Nos últimos séculos, áreas não triviais como xilogravuras, poesia, origami, bonsai, ikebana e até mangá e anime estão ganhando popularidade. Todos eles tomaram forma por muito tempo, enraizados na antiguidade.

Muito pouco se sabia sobre essa época até o início do século passado, porque o Japão era um país bastante fechado para o resto do mundo. No entanto, numerosos estudos foram realizados desde então, cujas escavações arqueológicas são surpreendentes. Eles mostram que já no segundo milênio aC havia uma sociedade cultural japonesa e tribos primitivas viviam nas ilhas há 15-12 mil anos.

A cultura japonesa começou a tomar forma por volta do 4º milênio aC, mas atingiu seu auge na Idade Média - no período do século 6 ao século 18.

A história japonesa antiga começa em tempos pré-históricos e termina com o estágio Heian nos séculos 8 a 9, embora muitos pesquisadores também incluam períodos posteriores. A esse respeito, distinguem-se três grandes etapas, que, por sua vez, se dividem em períodos menores, ou jidai. Cada um deles é caracterizado pelo surgimento de novos produtos, estruturas, estilos.

1. Sistema comunal primitivo

A sociedade primitiva no Japão existiu na era neolítica, quando surgiram as primeiras ferramentas de pedra, bem como durante o período Jomon e Yayoi. Acredita-se que o Jōmon durou do 10º milênio ao século 4 aC. Então começaram a aparecer as primeiras cerâmicas, que tinham o mesmo nome de toda a época - jomon.

Vaso de barro Jōmon

Esses vasos eram de forma assimétrica e tinham ornamentos tradicionais na forma de uma corda torcida. Acredita-se que eles foram usados ​​​​em vários rituais e rituais. Ao mesmo tempo, surgiram vários tipos de joias - brincos, pulseiras e colares de barro, dentes de animais, conchas, pedras, cristais.

Brincos e pulseiras de barro do período Jomon

No século III aC, começou a era Yayoi, que durou seis séculos. Então locais aprenderam a cultivar arroz, começaram a agricultura, continuaram a dominar a arte da cerâmica e também começaram a derreter metais, entre os quais o mais importante era o ferro, fizeram armas de cobre e sinos de bronze.

Sino de bronze Dotaku, fim da era Yayoi

• A formação do estado O estado japonês começou a tomar forma entre os séculos IV e VIII. Este período é conhecido como os períodos Kofun e Yamato. Então toda uma rede de túmulos apareceu no país, e o próprio Japão começou a se aproximar do Império Celestial, inevitavelmente adotando a religião - e com ela - arquitetura, escultura. O edifício mais importante da época é Horyu-ji, representado por um pagode em cinco níveis. Esculturas especiais feitas de argila, chamadas “khaniva”, começaram a ser instaladas perto dos montes.

Horyuji, Japão

• Estabelecimento de leis Esta fase recai sobre os períodos de Nara (século VIII) e Heian (final do século VIII-XII). Nesse momento, os japoneses se aproximam ainda mais de seus vizinhos - os chineses e coreanos, junto com o conceito budista, também emprestam conceitos confucionistas e taoístas, adotam técnicas de processamento de metais, métodos de construção e design de edifícios, novas tendências em pintura. especialmente mudando - santuários xintoístas simples estão sendo substituídos por estupas budistas em camadas semelhantes às indianas. Nas habitações das pessoas comuns, em vez de terra nua, surgiram pranchas de madeira no chão e telhados de cipreste no topo.

Representação do período Nara no Japão

Se falamos de uma época posterior, podemos distinguir vários outros períodos e suas principais características culturais:

• Karakum (século XII-XIV) - o surgimento do samurai e das artes marciais;
• Sengoku e Jidai (séculos XV-XVI) - a época da expansão europeia para o mundo do Oriente, durante a qual o cristianismo e as tendências culturais ocidentais penetraram até na Terra do Sol Nascente;
• Edo (séculos XVII-XIX) - o poder da famosa família Tokugawa, caracterizado pelo isolamento do Japão e pelo desenvolvimento da identidade cultural.

Tudo o que aconteceu depois já é Novo tempo e modernidade, e agora, sem dúvida, mesmo no Japão relativamente fechado, há um certo globalização cultural- a experiência dos mestres ocidentais é adotada e, no Ocidente, por sua vez, os motivos japoneses estão na moda. No entanto, a arte do Japão sempre teve um sabor especial, teve características que lhe são únicas.

Simplicidade, proporcionalidade com o homem, concisão, materiais naturais, unidade com a natureza - é assim que você pode caracterizar as obras-primas japonesas, antigas e modernas.

Pintura

O Japão, como você sabe, ficou distante por muito tempo, suas fronteiras foram fechadas para outros países. Quando, com o advento do século VII, os japoneses começaram a se comunicar cada vez mais com seus vizinhos, a estabelecer laços com o mundo continental, descobriram as tintas, o pergaminho, a tinta e, com eles, as artes plásticas.

A princípio, era extremamente simples e conciso: imagens simples eram feitas em papel preto ou branco, geralmente uma das três cores - amarelo, verde ou vermelho. No entanto, gradualmente a habilidade dos pintores locais cresceu, e em grande parte devido à disseminação dos ensinamentos do Buda, à medida que mais e mais quadros foram criados a partir da vida do Mestre e seus alunos.

Imagens com temas budistas no Japão antigo

No século IX, o Japão já havia formado seu próprio ramo de pintura, independente dos chineses. Ao mesmo tempo, o papel do budismo começou a enfraquecer, e os motivos religiosos foram substituídos pelos chamados seculares, ou seja, seculares, especialmente populares durante o reinado da família Tokugawa.

Shoguns da dinastia Tokugawa

Kaiga, como os japoneses chamavam a pintura, assumiu formas e estilos completamente diferentes, e a natureza ocupou um lugar importante nela. Desde então, a pintura se manifestou em novas formas:

• Yamato-e é a principal escola de pintores. Surgiu nos séculos 9 a 10 e foi apoiado pela Academia de Artes sob o imperador. As obras eram pergaminhos enrolados, que representavam tramas literárias juntamente com uma caligrafia habilidosa. Havia dois tipos principais de pergaminhos: emakimono - muitos metros de comprimento, dobrados horizontalmente e frequentemente vistos na mesa, e kakimono - dobrados verticalmente e pendurados na parede. Normalmente, a seda ou o papel eram pintados com cores vivas no estilo yamato-e, mas posteriormente pratos de cerâmica, roupas nacionais, ventiladores, paredes e telas foram cada vez mais usados ​​como telas. Foi dada especial atenção à transmissão do estado de espírito.
• Sumi-e - como um estilo independente foi formado por volta do século XIV. Suas características são o uso das cores aquarela e preto e branco.
• Retratos - tornaram-se populares nos séculos XIII-XIV.
• Paisagem - alcançou popularidade nos séculos XIV-XV, em grande parte devido à disseminação do zen-budismo por todo o país, que se baseia na ideia de contemplação e união com a natureza.
• Ukiyo-e é uma pintura brilhante característica nas placas. Surgiu no século XVII e continha imagens da natureza, famosas gueixas japonesas ou artistas do teatro Kabuki. Um século depois, essa tendência se tornou tão popular que até conquistou o coração dos europeus - eles começaram a aplicar esse estilo em suas próprias obras.

Estampa Ukiyo-e tradicional

direção arquitetônica

Inicialmente, a arquitetura japonesa foi reduzida à construção de antigas casas tradicionais - haniwa. Eles foram criados antes do século IV, e sua aparência só pode ser julgada pelos modelos e desenhos em miniatura de argila sobreviventes, uma vez que não sobreviveram até hoje.

Aqui passou a vida e a vida das pessoas comuns. Eram abrigos originais, cobertos por cima com um dossel de palha. Era sustentado por armações de madeira especiais.

Mais tarde, apareceu o takayuka - um análogo dos celeiros. Eles também consistiam em vigas de suporte especiais, o que permitia salvar a colheita de desastres naturais e pragas.

Na mesma época, nos séculos I-III, os templos da antiga religião xintoísta começaram a aparecer em homenagem às divindades que patrocinavam as forças da natureza. Na maioria das vezes, eram construídos com cipreste não tratado e sem pintura e tinham uma forma retangular lacônica.

O telhado de palha ou pinho era empena e as próprias estruturas eram construídas sobre pilares cercados por pavilhões. Outra característica dos santuários xintoístas é o portão em forma de U na frente da entrada.

No xintoísmo, existe uma lei de renovação: a cada vinte anos, o templo era destruído e quase exatamente o mesmo, mas novo, era construído no mesmo local.

O templo mais famoso é chamado Ise. Foi construído pela primeira vez no início do 1º milénio e, segundo a tradição, foi constantemente reconstruído. Ise consiste em dois complexos semelhantes localizados ligeiramente separados um do outro: o primeiro é dedicado aos poderes do sol, o segundo é dedicado à divindade da fertilidade.

Desde o século VI, os ensinamentos budistas vindos da China e da Coréia começaram a se espalhar na Terra do Sol Nascente e, com eles, os princípios de construção de templos budistas. A princípio, eles representavam cópias chinesas, mas depois um estilo especial e verdadeiramente japonês começou a ser traçado na arquitetura do templo.

As estruturas foram construídas de forma assimétrica, como se se fundissem com a natureza. Concisão e clareza das formas, moldura de madeira, aliada a fundação de pedra, pagodes em vários níveis, cores não muito vivas - é isso que distingue os santuários da época.

Muitos deles sobreviveram até hoje. Monumentos da arquitetura incluem Horyu-ji do início do século VII com seu famoso Templo Dourado e 40 outros edifícios, Todai-ji de meados do século VIII na cidade de Nara, que ainda é considerada a maior estrutura de madeira do planeta. Ao mesmo tempo, a arquitetura budista está intimamente ligada à escultura e à pintura, que retratam divindades e motivos da vida do Mestre.

Templo Todai-ji

Na virada dos séculos 12 para 13, o feudalismo começou no estado e, portanto, o estilo Shinden, que se distingue pelo esplendor, tornou-se popular. Foi substituído pelo estilo sein, à frente do qual está a simplicidade e alguma intimidade: em vez das paredes existem biombos quase sem peso, no chão estão tapetes e tatami.

Ao mesmo tempo, começaram a aparecer palácios-templos de senhores feudais locais. Obras-primas desse tipo de estrutura são o famoso Kinkaku-ji do século XIV, ou Pavilhão Dourado, bem como o Ginkaku-ji do século XV, também conhecido como Templo de Prata.

Templo Ginkakuji (Pavilhão Dourado)

Juntamente com os palácios-templos dos séculos XIV-XV, a arte da jardinagem paisagística começou a surgir. De muitas maneiras, seu surgimento se deve à penetração dos ensinamentos contemplativos do Zen no Japão. Os jardins começaram a aparecer ao redor dos templos e grandes habitações, onde os componentes principais não eram apenas plantas, flores, mas também pedras, água, bem como montes de areia e seixos, simbolizando o elemento água.

A cidade única de Kyoto é famosa em todo o mundo.

Outro tipo de jardim é um jardim de chá, chamado “tyaniva”. Envolve a casa de chá, onde é realizada uma cerimónia especial e descontraída, e um caminho especial percorre todo o jardim até à casa. Tendo surgido na Idade Média, o puxar é encontrado em todos os lugares hoje.

direção escultural

A escultura no Japão antigo é principalmente associada a tradições religiosas e rituais. Também em séculos III-V as pessoas aprenderam a fazer pequenas figuras chamadas dogu.

Dogu retratou pessoas, animais e, como foram encontrados em montes, podemos concluir que foram colocados na sepultura junto com os mortos - esses eram seus servos que poderiam ser úteis no outro mundo. Dogu eram figuras de barro, bronze, madeira e laca. Mais tarde, estátuas maiores de divindades também foram criadas perto de montes e santuários xintoístas.

estatueta dogu

A chegada do budismo ao país, claro, afetou a escultura local. Numerosos monumentos a Buda começaram a aparecer nos séculos 6 a 7. Seguindo os mestres chineses e coreanos, os escultores locais começaram sua jornada.

Por volta do século IX, a direção escultórica começou a se desenvolver ainda mais, mas a aparência dos budas mudou e eles passaram a ter vários, até mil, rostos e mãos. Na maioria das vezes, eram feitos de espécies de madeira fortes, verniz, bronze, argila.

Muitos belos monumentos sobreviveram até hoje. Por exemplo, no templo de Haryu-ji, uma majestosa figura de Buda está sentada em uma flor de lótus, e em Todai-ji há todo um conjunto de divindades encabeçadas por um Buda de 16 metros, criado pelos escultores Kaikei e Unkei .

Outros tipos

A arte japonesa é multifacetada e você pode falar sobre ela por horas. Vamos falar sobre vários outros tipos de arte que se originaram na antiguidade.

• Caligrafia

Chama-se sedo, que significa "a estrada das notificações". A caligrafia no Japão apareceu graças aos belos hieróglifos que foram emprestados dos chineses. Em muitas escolas modernas, é considerada uma disciplina obrigatória.

• haicai ou haicai

Haiku é uma poesia lírica japonesa especial que apareceu no século XIV. O poeta é chamado de "haijin".

• Origami

Este nome pode ser traduzido como "papel que foi dobrado". Vindo do Império do Meio, o origami foi originalmente usado em rituais e era uma ocupação da nobreza, mas recentemente se espalhou pelo mundo.

Arte antiga origami no japão

• ikebana

A palavra na tradução significa "flores vivas". Como o origami, foi originalmente usado em rituais.

• miniaturas

Os dois tipos mais comuns de miniaturas são bonsai e netsuke. Bonsai são cópias de árvores reais em uma forma bastante reduzida. Netsuke são pequenas estatuetas como talismãs que apareceram nos séculos XVIII-XIX.

• Artes marciais

Eles estão principalmente associados ao samurai - uma espécie de cavalaria, ninja - assassinos-mercenários, bushido - guerreiros.

• arte teatral

O teatro mais famoso, orgulho de todos os japoneses, é o clássico teatro Kabuki. Você pode ler mais sobre a arte teatral no Japão.

Teatro Kabuki no Japão

Conclusão

Como podemos ver no artigo, o Japão é todo um tesouro de obras-primas da arte, não apenas em escala nacional, mas também em escala global. Desde os tempos antigos, que começam muito antes de nossa era, os japoneses começaram a criar e criar coisas bonitas ao redor: pinturas, edifícios, estátuas, poemas, parques, miniaturas - e esta não é a lista completa.

Curiosamente, os recursos incorporados em cultura japonesa da antiguidade, pode ser rastreada nas criações de nosso tempo - isso é simplicidade, concisão, naturalidade, desejo de harmonia com a natureza.

Muito obrigado pela atenção, queridos leitores! Esperamos que hoje você tenha aprendido muito sobre um país tão misterioso e distante como o Japão. Junte-se a nós - deixe comentários, compartilhe links de artigos com amigos - ficaremos muito felizes em explorar mundo misterioso Oriente com você!

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