"Anna Karenina", eller Lev Nikolaevichs fruktansvärda dröm .... Anna Karenina, operettteatern
Jag måste inleda min recension av musikalen "Anna Karenina" med ett kort förord. Så, en varning: om du är förtjust i den här föreställningen, om du knappt tål kritik, och särskilt om du själv är relaterad till produktionen, stäng den här sidan omedelbart och läs recensioner av andra författare. Utan mitt klottrande kommer du att klara dig bra, och dina nerver blir säkrare.
Jaha, säsongen med musikalpremiärer har börjat. Och jag personligen öppnade den "Anna Karenina". Det är sant att jag oväntat kom till showen redan innan den officiella premiären (tack igen till alla som bidrog) och hade ingen aning om vilken lineup som utlovades till mig. Det blev desto roligare efter att ha köpt programmet och studerat namnen på artisterna som spelade den dagen. Faktum är att om jag personligen valt datumet för resan till operettteatern, under lång tid och eftertänksamt, skulle jag inte ha uppnått ett bättre resultat.
Ett problem: jag var fast besluten på förhand att inget bra skulle komma av idén att överföra Lev Nikolayevich till musikscenen. Åtminstone i det här fallet. För exemplen var för avslöjande och (tja, hur kan man hålla tyst om).
Men jag hoppades ändå på det bästa. Tänk om den exploderar?.. Ack, den växte inte ihop. Redan efter den första scenen formulerade jag min åsikt om Anna Karenina, som inte har förändrats ett dugg sedan dess: det är en bummer.
Nej, nej, lämnade teatern och rökande frenetiskt framför entrén, förgäves försökte återhämta sig, jag hörde förstås med dessa öron andra åskådares mångfaldiga förtjusningar. Men den musikaliska guden är deras domare, dessa kravlösa och allätande snälla människor.
Jag har länge funderat på hur jag ska skriva en recension. För de allomfattande: "Detta är kapets!" - kommer naturligtvis att förmedla det maximala av mina känslor och känslor, men kommer inte att avslöja detaljerna. Skadliga svordomar kommer att bli tråkiga till andra stycket, och epiteten i texten kommer snabbt att börja upprepas. Och så blev jag påmind om ett mästerverksmemo till teaterkritiker. Här är den här:
Ropar "Eureka!" - Jag dansade tarantella och nu börjar jag skriva en recension enligt lämpligt schema ...
8 oktober på Operettteatern ägde rum efterlängtad premiär Musikal Anna Karenina. Fans av genren såg fram emot detta spektakel och njöt av de påstådda detaljerna i handlingen, eftersom Alina Chevik, välkänd för publiken, hade en del i produktionen.
Denna regissör har sin egen unika stil, som kan kännas igen från första stund. I själva verket behöver man bara öppna gardinen och omedelbart vilja utropa: "Ja, det här är Chevik! .."
Regissörens bästa fynd går från föreställning till föreställning. Dessa är signaturmise-en-scenes och otaliga danser, och låter artisterna själva söka efter rollens djup utan regissörstryck från ovan. Regissören kan förstås: varför uppfinna en cykel, om hon för många år sedan famlade efter samma gyllene gruva som låter dig använda samma tekniker till publikens större glädje?
En frätande åskådare kan märka att det är svårt att identifiera vilken föreställning han ser på idag. När allt kommer omkring observerar han sådana danser, dialoger och kostymer i alla Chevik-projekt. Jag kan inte hålla med om denna kommentar. Tänk själv: framför ingången till teatern finns en affisch med namnet på dagens föreställning skrivet på. Hur kan du läsa den och inte förstå exakt vad de visar dig på scenen?
Gjort stort jobb , trots allt var det nödvändigt att inte bara sålla bort de mest framgångsrika produktionslänkarna av Monte Cristo och greve Orlov, utan också att ordna dem i rätt ordning för Anna Karenina.
Separat vill jag notera hur lätt det är att presentera materialet. Som ni vet går olika publik på teatrar, inklusive de som av misstag kommer in i konsttemplet. Och det betyder att regissören inte ska göra produktionen onödigt pretentiös och överbelastad med skiktning av planer.
Musikalen är som bekant en underhållningsgenre. Därför regissören, som tar på sorglig berättelse med ett tragiskt slut faller ett dubbelt ansvar. Publiken måste få slappna av och inte sjunka för djupt ner i förtvivlan. Chevik klarar skickligt en sådan uppgift och lämnar bakom kulisserna alla ögonblick som kan tolkas tvetydigt ... Eller åtminstone bara tolkas på något sätt.
Som ett resultat lyckades Alina skapa en föreställning som utan tvekan kan kallas toppen av hennes skicklighet. De drag och författarknep som finns i tidigare produktioner har nu blivit de viktigaste regiteknikerna. Chevik rusar inte omkring och bedriver ingen kreativ forskning. Genom en erfaren mästares hand sår hon generöst in offentligt testade lösningar i jorden för sin föreställning.
Nyfiken tolkning av pjäsen får lämna "bakom kulisserna" det mesta av Tolstojs roman. Faktum är att två timmar av musikalen är en för snäv ram för att täcka alla intrikata intrigen. Därför observerar vi i Anna Karenina en linjär berättelse som inte distraheras av mindre detaljer. Och det betyder att även de tittare som aldrig har läst romanen kommer att förstå vad som händer på scenen.
Du kanske känner att raden av Levin och Kitty är överflödig, eftersom dessa karaktärer minimalt korsar resten av handlingen. Låt mig utmana denna tes igen. Tänk själv: om Levin förblev utanför handlingen, hur skulle vi kunna njuta av Peisan-scenerna med råg och blå himmel på skärmen?
Både regissören och författaren till librettot, den permanente Julius Kim, känner till musikalens huvudregel: för att publiken inte ska bli uttråkad behövs inte bara inbitna danser utan också ett scenbyte, vilket innebär en allmän bild och projektioner på skärmen, som publiken tar med en smäll (ingen kommer inte att hävda att i vår tid ser denna teknik fortfarande innovativ ut).
Skeptiker kan säga att föreställningen visade sig vara tråkig och ointressant, och dess slut är förutsägbart. De säger att författarna kunde presentera den välkända handlingen på ett sådant sätt att man vill revidera den om och om igen, men Karenina misslyckades. Och återigen ett fel.
Anna Karenina är en berättelse som ger skaparna möjlighet att inte bara berätta en kärlekshistoria, utan också att imponera på publiken med 1800-talets briljans, fördjupa dem i sitt eget lands historia och introducera dem till livet i adel och chic (det är inte för inte som dessa teser upprepas oändligt i pressmeddelanden).
Kanske är musikalen "Anna Karenina" i första hand inte inriktad på allmänhetens sinne och öra, utan mot en annan, inte mindre betydelsefull känsla - syn. Underbara kostymer (när de skapade dem använde de återigen regeln "Ta det bästa från tidigare projekt"), pompösa förvandlande landskap (och här användes den rika erfarenheten från tidigare produktioner), oändliga projektioner - all denna prakt visas på förgrund och spelar första fiol.
När det gäller de poetiska texterna är det omöjligt att inte notera författarens försök att så tydligt som möjligt förmedla deras mening till allmänheten. De flesta fraserna upprepas flera gånger, och därför inser den mest ouppmärksamma tittaren vad karaktärerna pratar om.
Separat beröm - för försöket till ordskapande. Kom ihåg frasen: "Patty knäpper." Vi vet alla vad "snäppt upp" och "på kroken" betyder. Kim å sin sida håller sig inte till mönster och skapar något fräscht och ovant.
Jag förklarar med tillförsikt att, precis som för Chevik, för Kim "Anna Karenina" har blivit kvintessensen av skaparens talang. Här nådde han ett visst absolut, varefter andra författare kommer att tveka att skriva texter till följande projekt. För det här är toppen, toppen, Everest! ..
En liknande bild observeras i den musikaliska komponenten. Kompositören Roman Ignatiev komponerade många underbara musikaler, men till slut kom han till insikten att det är nödvändigt att lita på det bästa i sitt arbete. Därför kommer alla melodier från Karenina att verka behagligt bekanta. vanliga tittare Operett Teater. Här lät tonerna från "Monte Cristo", och här - spottbilden av "greve Orlov".
Alla vet att tittaren som regel knappast accepterar något nytt för sig själv. Han kommer att möta Anna Karenina som om han vore hans egen, eftersom alla delar av föreställningen kommer att verka bekanta för honom.
Erfaren tittaren kommer att märka, att det finns många låtar i musikalen, och ibland bär de ingen semantisk belastning – bara estetisk. Skaparna ger oss maximala möjligheter att fördjupa oss i musik, och en separat fördel är att det är svårt att hitta en melodi som sticker ut från det allmänna utbudet. Om i "Monte Cristo" eller "Count Orlov" de så kallade "musikaliska actionfilmerna" ibland lät, då kommer kontemplationen av "Karenina" inte att få dig att rysa av ljudströmmen.
Vissa kommer att säga att musikaliska melodier är tråkiga. Dessa cavils är helt olämpliga, eftersom publiken kanske också är i salen, som tillbringade en sömnlös natt, och nu har en chans att snooza bekvämt under Kareninas ludande ljud.
För att sammanfatta allt ovan, noterar jag att, naturligtvis, tolkning av "Anna Karenina" är kontroversiell, men har rätt att existera. Till slut kom de flesta av akademitittarna inte i mål, men här är de tillgängliga och musikaliskt fästa vid klassikerna. Ja, du kan inte läsa romanen och inte se en enda film, men känna karaktärernas besvär.
Slutligen presenterades vi för ännu en musikal, designad inte för högbrynade nördar, utan för den stora publiken. Släpp det teaterns prispolitik verkar djärv, man kan redan nu säga att Operettteaterns sal kommer att vara full de dagar Anna Karenina ges.
Jag är säker på att showen kommer att växa från föreställning till föreställning. även om det än idag är tydligt att musikalen är en sann diamant. Detta är inte förvånande, eftersom sådana monster av genren som Chevik och Kim hade en hand i skapandet av Karenina.
Och om någon nytt projekt om du inte gillar det, skyndar jag mig att behaga dig: Pajerna på buffén är utsökt.
Jo, jag hoppas innerligt att jag lyckats förmedla mina tankar om Anna Karenina. Och om jag besöker den här showen igen inom en snar framtid kommer det bara att vara i febrig delirium eller för en massa pengar som överförs till mitt kort.
Men det finns en länk i musikalen som inte bara är bra, utan fantastisk. jag talar om konstnärer. I Ännu en gång projektet med operettteatern samlade all grädde av skådespelarna, vilket tvingade de fattiga, olyckliga begåvade människor finns i captcha. (Ja, men nu ska de lyssna, de kommer att läsa de lovordande recensionerna och naivt tro att Karenina är cool ...)
Jag ska berätta mer: det är just på grund av artisterna som är involverade i föreställningen som många ger Karenina en positiv bedömning. Ett kretin-libretto med saknad handling, idiotiska texter, sekundärt och ointressant - skräp. Skådespelarna är smarta, så jag gillade det.
Och jag tror att inte ens ansträngningarna från chica artister som försöker pressa ut det maximala ur platta, oskrivna karaktärer (förlåt för dem, hon-hon) inte gör Karenina åtminstone värd att visas i centrala Moskva.
Låt oss prata lite om de jag såg.
Prins och prinsessa Shcherbatsky - Vyacheslav Shlyakhtov och Elena Soshnikova. Snåla reklamfilmer, där man bara kan visa upp sig med kostymer. Men även från denna "prakt" kommer Shlyakhtov och Soshnikov ut i all sin glans. Och ja, de lät mig inte sjunga - bara i ensemblen.
Grevinnan Vronskaya - Anna Guchenkova. Hur mycket kan stackars Anna ges åldersroller ... Karaktären, som alla andra, handlar om ingenting, tack vare författaren till librettot och regissören (jag kommer inte att upprepa dessa fraser längre, du kan extrapolera dem till alla andra själv). Men så Guchenkova. Så det är ett nöje för ögon och öron (tack - de låter mig njuta av Annas sång).
Patti - Oksana Lesnichaya. Den enda scenen som består av en enda låt. Och jag skulle skriva att jag inte förstår innebörden av en sådan inkludering, om inte för vad Lesnichaya visade. Det här är vad jag gillade.
Manager är Maxim Zausalin. Personen som gör åsikten: "Detta är en kapets!" - förvandlas till: "Detta är Kapets och Zausalin." Inte bara på grund av Maxims obestridliga talang. Det är bara det att hans karaktär verkar existera i en kvalitativt och ideologiskt annorlunda föreställning. Här är Anna Karenina - banal, tråkig, vanlig, och så finns det steampunkscener med en manager. Denna karaktär är den lokala Der Todd, Kareninas demon. Jag har ingen aning om vad Chevik bettade när hon iscensatte dessa ögonblick. Men även om resten såg ut som chefsbitar så skulle det bli härligt. Chefen är intressant att titta på, och i allmänhet sticker han ut från mängden av andra artister. Det verkar som om människorna har mejslat varandra och arbetar i samma veva för de många projekt som utarbetats tillsammans. Och här är en sådan Zausalin, som existerar på sin egen våg. Generellt sett, om det inte vore för Maxim, hade jag förmodligen slutat med melankoli direkt på teatern.
Prinsessan Betsy - Natalya Sidortsova. Jag kommer aldrig att kunna förlåta produktioner som inte utnyttjar Sidortsovas talang till fullo. Så är det i Karenina - det verkar finnas en karaktär, men vad är poängen? .. Ta bort denna Betsy från musikalen - ingenting kommer att förändras. Den bär ingen semantisk belastning. Natasha är naturligtvis alltid och överallt underbar, men förlåt ... rollen är inte hennes skala.
Stiva Oblonsky - Andrey Alexandrin. Jo, de kom... Jag gillade Alexandrin! Jag ljuger inte, ärligt talat! Låt honom spela läskigt, men det såg ändå sött ut. Och han sjöng bra. Så detta är min nya teateruppfattning.
Konstantin Levin - Vladislav Kiryukhin. Det är också en roll som säkert kan kastas bort (Kitty skulle ha klarat sig utan honom - ja, med tanke på operettteaterns förmåga att isolera hjältar och berättelser). Men det finns ett plus: du kan bara njuta av närvaron på scenen av Kiryukhin, som sjunger mycket. Även om karaktären skulle vara ljusare för honom.
Kitty Shcherbatskaya - Daria Yanvarina. Här är den enda jag inte riktigt gillade. Jag kanske var orolig, jag förstår. Men hon övertygade mig inte som skådespelare (vad var det alls? ..), men röstmässigt tog hon sig upp till andra akten. Fast inte heller en fontän.
Alexey Karenin - Alexander Marakulin. Ska jag skriva något här eller bara återigen konstatera att "det finns inget vackrare än Marakulinaaa"? .. Nej, det är helt oklart varför en sådan man inte passade Anna. Detta handlar dock inte bara om Marakulins talang och karisma, utan återigen om librettots förståelighet.
Alexei Vronsky - Sergei Lee. Helt underbar Vronsky under de givna förhållandena. Hur kunde det vara annorlunda när det kommer till Lee? Ja, gå och förstå vad som hände med Anna i finalen, eftersom Vronsky sjunger så rörande att hon anklagar honom och till slut inte förstår (de visar oss inget sådant på scenen). Men om vi bjuds Sergei Lee i en musikal, då kommer det definitivt att bli toppen.
Anna Karenina - Olga Belyaeva. Den enda Anna som jag först gick med på (och jag kommer inte ens att dölja det). Och jag var så glad. Ack, librettot och här planterade ett gäng grisar. Viktigast är att orsaken till att han kastades under tåget är oklar - men Olga gjorde allt för att rättfärdiga hennes hjältinnas handlingar och tankar. Det var kraftfullt och genomträngande... Och sången... Förut trodde jag att bara Sidortsova klarade av Annas partier. Nu vet jag - också Belyaeva. Kareninas sista låt är något. Här är det värt att notera att det också är väldigt intressant melodiskt, stilmässigt sticker ut från resten av materialet. Och när Olga sjöng den ... Nej, jag förlät inte musikalen för matthet och meningslöshet och ville inte se den igen, men gåshuden rann ut. Så om du plötsligt vill titta på Anna Karenina, välj Belyaevas datum.
Det är väldigt tråkigt att vi är fyllda med sådana skapelser, kallar dem musikaler. Det är dubbelt tråkigt att den här saken kommer att ha sina egna fans - och även i stora mängder. Det är synd att folk som känner till och uppskattar genren kommer på ursäkter för Karenina, letar efter plus och gräver upp imaginära pärlor i en hög med fynd från Chevik.
Vad är jag? Jag är bara glad att den sista post-bow-låten äntligen inte slutar med ordet "kärlek", utan med ordet "lycka". Någon form av evolution...
PS. Och jag kommer inte skriva något om en liveorkester, för dess närvaro är förstås ett stort plus, men jag kommer att ansluta mig till de tittare som tyckte att ett minus fonogram ofta låter ... Jag kanske är döv, det gör jag inte inte argumentera.
Musikal på ryska litterära klassiker Det är alltid lite av en skandal. Moskvatittare är vana vid importerade Broadway-historier, men beslutet att "rösta" en av pelarna inhemsk litteratur uppfattas med försiktighet. Inte överraskande blev musikalen "Anna Karenina" den mest omtalade teaterhändelsen under förra årets höst. En gång kallade Dostojevskij Tolstojs roman "en enorm psykologisk utveckling av den mänskliga själen" - en del teaterkritiker de klagade på att i det musikaliska arrangemanget av Kareninas kärlekshistoria fanns det inte mycket kvar av denna "psykologiska utveckling". Vilken källa som helst kan tas som grund för musikalen, det viktigaste är att komma ihåg att musikalen och denna källa kommer att eftersträvas av olika konstnärliga syften och vara på olika estetiska plan. För masspubliken, att döma av populära recensioner av filmer och shower, är kriteriet om närhet till texten avgörande: de kan inte förlåta mest enastående musik eller tröga karaktärer, men inte en "originalläsning".
Därför, i arbetet med Tolstojs arv, visade det kreativa teamet av musikalen "Anna Karenina" ett nästan religiöst allvar. Som ett resultat av detta verkar massa "ballroom"-scener kvav på grund av överflöd av krinoliner och peruker, stilmässigt är de ganska villkorligt kopplade till avantgardedanser i "gatuscener". Lyckligtvis visas inte Kareninas födelsevåld för tittaren, men två gånger under föreställningen dyker en pojke, Seryozha Karenin, upp på scenen, som bara yttrar ett ord (gissa vilket). Tillverkarna av musikalen, Vladimir Tartakovsky och Alexei Bolonin, säger att det var genom karaktären av Serezha Karenin som de lyckades förmedla till tittaren omfattningen av huvudpersonens handling: "Om en kvinna bestämmer sig för att lämna sitt älskade barn , vad är då styrkan i hennes känslor för Vronsky!” Bysten med färg i aktion kompenseras av den enastående scenografin av Vyacheslav Okunev och ljusdesignern Gleb Filshtinsky.
Foto från presstjänsten En scen från musikalen "Anna Karenina" Nyckelkaraktärer skådespelare kan inte kallas skissartad, även om musikalens "lätta" genre ofta syndar med detta. Det finns inga negativa eller åtminstone helt enkelt motbjudande eller demoniska karaktärer - detta gott tecken. Alexei Karenin väcker lika mycket sympati som Anna Karenina. Bland musikalens hjältar finns en - en viss Steward - som inte är med i Tolstojs roman: ett figurmedium som förekommer i olika bilder varhelst Anna är närvarande. Producenterna beskriver det så här: ”Detta är ledaren för de högre makternas vilja på jorden. Från början var han tänkt som en konduktör som dikterar reglerna för beteende och villkor för passagerare i "livets tåg". Det är han som fastställer "uppförandereglerna" för karaktärerna, sätter förutsättningarna för spelet och sätter tonen för hela föreställningen. Han är Destiny." Stewardens inflytandeområde är mycket större än tågstationen. I den mest dramatiska scenen med hans deltagande kommer karaktären inte att säga ett ord - vid denna tidpunkt kommer Anna att lyssna operadiva Patty, som sjunger: "Behåll mig med vin, uppfrisk mig med frukt." Raden hänvisar förresten till Salomos sång, som liknar sången: "Förstärk mig med vin, uppfrisk mig med äpplen, ty jag är utmattad av kärlek" - sådan " Påskägg” lämnade i texten författaren till librettot Julius Kim.
Foto från presstjänsten En scen från musikalen "Anna Karenina" Forte musikal "Anna Karenina" - medverkande. Rollen som Vronsky gick till Sergei Lee och Dmitry Yermak - den senare tilldelades Guldmasken förra året för rollen som Fantomen på Operan. I annan tid på " gyllene mask” Båda artisterna i delarna av Alexei Karenin nominerades också: Igor Balalaev och Alexander Marakulin. Valeria Lanskaya och Ekaterina Guseva har en fantastisk Anna: återhållsam i början och i finalen - galen och desorienterad. Ekaterina säger att när hon arbetade med rollen ändrade hon sin inställning till hjältinnan, som inte tidigare hade väckt ett känslomässigt svar i henne: "Anna Yulia Kima är kärleken själv! Hon sjönk från någonstans ovanför oss, prasslade, rörde och gick. Det finns ingen plats för henne på vår jord, ingen kan acceptera henne. Och Vronsky misslyckades. Han är en jordisk, vanlig man, en av många. En lavin av alltförtärande kärlek föll över honom, och han överansträngde sig, han hade inget att svara för en sådan allomfattande känsla. Jag slutade döma, blev kär i min Anna, jag tycker oändligt synd om henne. Och jag är glad att jag har möjlighet att gå på scen i den här rollen. Att existera i Roman Ignatievs gripande musik, att älska, att gå under, att återfödas och att älska igen.” Hjältinnan i Guseva framkallar det starkaste känslomässiga svaret: hon kröp ut i tårar. Och det betyder att magin fungerar, och frågan om livskraften för musikalen "Anna Karenina" kan stängas.
REVISION av musikalen "Anna Karenina"
Moskvas operettteater
Libretto av Julius Kim
Kompositör - Roman Ignatiev
Scenisk regissör - Alina Chevik
Koreograf - Irina Korneeva
Scenograf - Vyacheslav Okunev
Makeup- och hårartist - Andrey Drykin
Ljusdesigner - Gleb Filshtinsky
Premiär: 8.10.2016
Visningsdatum: 23.01.2018
Denna högtidliga och högsamhälleliga musikal motsvarade alla förväntningar från muskoviter; i den vackra salen på Moskvas operettteater verkar den vara medveten om att bli en pärla från trion av musikaler Anna Karenina, Monte Cristo och greve Orlov. Detta är en helt rysk musikal, dess skapare lägger den ryska andan i produktionen. stor romantik Leo Tolstov, inramad av librettot och dikter av Yuli Kim och musik av Roman Ignatiev, imponerar med sin uppriktighet och fantastiska melodi. Perfekt och välkoordinerat arbete kasta, kör, dansare och liveorkester. Stämningen i föreställningen är mycket trevlig, det hela börjar en snörik vinterdag med pulka och skridskoåkning, och dansarna åker väldigt professionellt med vändningar och stöd från sina partners. Och, hur många magnifika balscener, fantastiskt rika interiörer och kristallkronor regissörerna gjorde det, monitorerna visar interiören i en duett med kulisser på ett mycket intressant sätt. Hjältarnas kostymer är högtidligt ljusa, broderade med stenar, allt glittrar och gnistrar, men med en mycket delikat smak. Det finns en scen i pjäsen där Anna Karenina (Ekaterina Guseva) i en svart rock trimmad med en silverrävkrage sjunger sången "bizzard", den förälskade hjältinnan och glada glöder från insidan går längs stationen under snöflingor, detta scenen fångar tittaren omedelbart. Och spelet av Ekaterina Guseva är så uppriktigt att du blir ett fan inte bara av hennes talang utan också av musikalen som framförs av henne. Huvudkaraktär Alexei Vronsky (Sergei Lee), en förförisk och stilig man med en charmig röst, spelar mycket bra i pjäsen, kär och redo att göra vad som helst för sin älskade, till och med ta henne ifrån sin man, och sedan en kall och försiktig tjänare vid hovet. Tillsammans gör de en fantastisk duett med huvudkaraktär. Det är värt att notera hela, ja, bara hela skådespelargruppen med magnifika spännande toner av röster och skådespeleri. När jag såg musikalen fram till pausen trodde jag att ingenting skulle förvåna mig längre, så jag blev väldigt imponerad, men den andra delen slog mig helt. I scenen när alla kommer till teatern för att lyssna på Patti börjar gisslan av Anna Karenina och alla pratar om hennes fel liv, hjältinnan själv är hysterisk, när hon plötsligt kommer upp på övervåningen, som om klar stjärna, Patti går in på scenen och sjunger en aria med en operakristallröst. För Anna är detta en utrensningsvåg mot förolämpningar och förtal, hon har redan gjort sitt val, och till och med hennes man Alexei Karenins (Alexander Marakulin) övertalning lämnar ingen chans. Och så dyker ett enormt hjul från loket upp under taket, en skrämmande syn och mycket tragisk. Anna kastar sig under tåget som lämnar scenens mitt och förblinda betraktaren. Rörliga landskap genom hela handlingen är det viktigaste och detta intressant fynd, bara ofta används i musikaler, för att snabbt och helt förändra bilden. Stort tack till orkestern, jag vet inte säkert om det var operettteaterns orkester eller inbjuden, men den var magnifik. Jag skulle vilja notera att denna ryska musikal köptes av stora teatern V Sydkorea och sätt den på vårt mönster. Av musikalerna som presenteras i Moskva är detta den bästa och jag råder alla att kasta sig in i denna atmosfär, även de som inte gillar att gå på teatrar kommer att bli positivt imponerade!
– Musikaler baserade på ryska litterära klassiker har alltid väckt ganska blandade reaktioner. Många tycker att det är en misslyckad idé att sjunga Tolstoj. Hur känner du för det?
"Jag tror att de som anser att detta är en misslyckad plan har fel. Av den enkla anledningen att musikalen är en genre som alla handlingar är bra för. På en gång ungefär kända regissörer- eller - sa: "De kan till och med lägga en kokbok."
I mänsklig sammansättning, och ännu mer - i en sådan klassisk, litterär, finns allt som behövs för en musikal: det finns drama, det finns mänskliga relationer, karaktärer.
Så fort de dyker upp är musikalen redo att förkroppsliga dem.
Grovt sett finns det en genre prosaarbete. Leo Tolstoy såg eller kom på en viss handling och förkroppsligade den i denna genre. En annan poet kom på en handling och förkroppsligade den i genren av en roman på vers - och det blev "". Handlingen i "Karenina", full av psykologi och konflikter, är det mest bördiga alternativet för en musikal. Det finns inga låga genrer: även den mest till synes populära, massproducerade scenen är ändå en konstgenre, och seriösa idéer kan förkroppsligas i den. Dessutom är musikalens genre tillräckligt stor för att klara handlingen i Romeo och Julia, eller dess remake - West Side Story, eller Notre Dame de Paris. Det finns absolut ingen motsägelse här.
Anna Karenina är inte bara en kärlekshistoria, utan också en stark social linje. Vad är fokus för musikalen?
Främst på kärlekshistoria, Visst. Till en början stavades den sociala linjen i detalj i librettot: där talar Levin mer detaljerat och längre - om reformerna, om Ryssland, om bönderna. I musikalen var denna linje inte tillräckligt utvecklad. Men jag ångrar det inte alls. Jag dolde inte de sociala frågorna, jag försökte uttrycka det tillsammans med resten av författarna till musikalen.
Vår Levin talar också om bönderna, om platsen där man ska bo bra man där du kan hitta din mening med livet.
– Karaktärerna i Tolstojs karaktärer avslöjas i långa monologer, inklusive interna. Hur förmedlas hjältarnas karaktär, deras plågor i ditt libretto?
– Efter bästa förmåga och i den mån genrens villkor iakttas. Musikalens genre kräver vanligtvis mindre omfattande monologer än vad prosa har råd med. Men jag lyckades förmedla kvintessensen av känslor och tankar. Desto mer som detta skedde på vers — och vers alltid har sitt eget patos och sin egen mycket användbara korthet, verbala ekonomi, som kräver en speciell känsla. Jag försökte se till att karaktärernas interna monologer förmedlades väl på vers, och (musikalens kompositör. - Gazeta.Ru), enligt min mening, gjorde ett utmärkt jobb med deras musikaliska uttryck.
Det finns en mänsklig anteckning i Karenin, och vi gjorde vårt bästa för att betona denna anteckning.
Den sista scenen i föreställningen är scenen där Karenin och Vronsky sjunger tillsammans en aria om deras misslyckande med att svara på Annas drama. Båda hade inte tillräckligt med själ för detta, och båda ångrade det bittert.
— Tanken att citera sångsången uppstod inte omedelbart. Först bestämde jag mig för att kulmen på hela handlingen skulle äga rum under en skandal på teatern - jag tänkte på detta i förväg, och alla höll med mig. Men rollen som sångerskan Adeline Patti var inte särskilt tydlig för mig. Till en början hade jag inte för avsikt att göra någon mycket viktig poäng av hennes aria. Och först då insåg jag att det viktigaste här är exakt vad hon kommer att sjunga. Först föreställde jag mig att hon sjöng Violettas aria ur Verdis La Traviata – den är väldigt bra och innehållsmässigt nära Annas upplevelser. Men jag lyssnade på aria och insåg: det här räcker inte.
Sedan kom en glad tanke till mig: det kommer att vara en aria av Sulamith, Patti kommer att sjunga: "Åh, min älskade ..." - och så vidare.
Jag tog bokstavligen fyra verser från denna aria, men sångaren upprepar dem två eller tre gånger. När Anna lyssnar på hennes sång förstår hon plötsligt: kärleken är stark som döden. Livet och kärleken till henne är nu likvärdiga begrepp: kärleken försvinner – livet tar också slut. Anna sjunger om Patti: "She berättade allt om mig."
— Hur var arbetet med librettot? Hur byggde du upp interaktion med producenter, som förlitade sig på vems idéer?
– Vi utbytte åsikter: jag erbjöd en lösning på en viss scen, antingen accepterade de den, eller så fortsatte vi att tänka tillsammans. Så historien hände med Stivas och Levins besök hos Anna. Till en början bestämde jag och tonsättaren att det skulle vara bra att skriva en duett mellan Anna och Levin på denna plats. Dessutom skrevs det: mycket bra duett om mötet mellan två extraordinära människor som kände något bekant i varandra. Levin såg något mer hos Anna än hos Kitty, och Anna anade något mer känsligt hos Levin, en snällare själ än Vronskys. Producenterna lyssnade på den här duetten och sa: "Du skrev en kärleksförklaring. Detta förändrar omedelbart allt och gör den vidare handlingen meningslös. Vi skrev inte om librettot – vi tog helt enkelt bort den här delen och gjorde istället en duett mellan Anna och Kitty. Den har också sin egen dramaturgi.
– Intresset för musikaler i Ryssland dök upp för inte så länge sedan. Beror detta på att musikalen i betraktarens sinne är en färgstark show med ljusa kulisser och ljuseffekter, eller är det något annat?
– Först dök utländska musikaler upp i vårt land. Sedan var det de första försöken att skapa sina egna. Ett av försöken att skapa sin egen musikal slutade som vi minns tragiskt: det var Nord-Ost. Därför fick vår publik bekanta sig med musikaler med hjälp av filmer och internet. Alla populära utländska musikaler – West Side Story, Oliver!, Cats – har gett våra tittare en uppfattning om vad en musikal är.
Och när de första musikalerna dök upp på vår teaterscen, publiken ramlade förstås ner.
Vad hon gillar i den här genren, till skillnad från opera eller operett, är en speciell fråga. Musikalen är en väldigt demokratisk genre som klarar vilken handling som helst utan att tappa djup och briljans.
Ändå har musikalen säkerligen en kommersiell komponent. Det är alltid utformat för en stor efterfrågan och följaktligen för en god inkomst. Därför försöker alla regissörer av musikaler att göra spektaklet attraktivt. Allmänheten får ett skådespel, men ett skådespel fyllt med sunt förnuft. Det är så genre och publik växlas: människor blir upplysta, deras smak blir bättre.
- Låten "Belle" från den ryska versionen av musikalen "Notre Dame de Paris" - fast inte din översättning - blev en hit, kom in i populärkultur. Skulle du vilja ha ett sådant öde för några låtar från Anna Karenina?
- Absolut. Jag skulle säga så här: om detta händer blir jag glad. Om detta inte händer kommer jag inte att betrakta det som en nackdel. Jag tror inte att av våra två tidigare musikaler med Roman Ignatiev ("Monte Cristo" och "Count Orlov" - "Gazeta.ru"), några av ariorna gick till folket och sjungs nu villigt av alla.
Jag tror att var och en av dessa musikaler är en hit i sig, en två timmar lång hit.
Om du kommer ihåg det, då omedelbart från början till slut. Samtidigt ser jag inte enskilda hits i dessa musikaler. Och allmänheten ser dem inte, utan går mycket villigt. Så ivrigt att när, efter fyra säsonger av Monte Cristo, den inte mindre framgångsrika Graf Orlov redan var igång, började publiken efterfråga mer – och vi var tvungna att visa Monte Cristo bredvid Graf Orlov.
– Jag vill ställa en fråga till dig som författare litterär tolkning– trots allt, i Anna Karenina gör du faktiskt det. Hur skulle du reagera om någon tolkade dina saker? Och vad skulle Tolstoj säga om han såg din Anna Karenina?
– Jag kan inte förutse Leo Tolstojs eller någon av hans anhängares reaktion. Det är lätt att föreställa sig att många är upprörda över min behandling av hans prosa (eller bättre, vår behandling, alltså alla regissörer och författare till denna föreställning). Det är en smaksak. Jag skäms inte alls för detta arbete, och jag har redan sagt varför. Musikalen är en speciell genre som har råd med mycket. Och om någon på något sätt ska tolka mina skriverier så tar jag det med nyfikenhet. Och om vi föreställer oss att allt detta kommer att göras efter mitt liv, beror allt på hur mycket takt och smak som kommer att finnas i det. Låt dem visa sådan smak och takt som jag visar i förhållande till.
Ikväll gick min fru och jag till operettteatern för att se den här musikalen.
Har länge velat. Ja, ingenting. Och så bestämde de sig, som alltid - improviserade. Inga biljetter i handen. Min fru var orolig – hur ska vi ta oss dit, om det står på nätet att alla biljetter är slutsålda? Jag var lugn. Och min intuition gjorde ingen besviken.
I kassan var endast balkongen på 2:a våningen, sista raden, till salu. 400 ärr. I allmänhet, mitt i ingenstans. Vi behöver inte en sådan hockeylinje - jag bestämde mig och vi gick ut på gatan. Då kom en intelligent farbror-spikel fram till oss och erbjöd biljetter till amfiteatern för 2500 re. Jag visste att de var billigare där, men min fru ville så gärna gå på musikalen att jag tog fram ett rött papper och gav det till min farbror. Senare visade det sig att två damer satt till vänster om mig, som också köpte biljetter från spicul, men för 3 000 rubel. Och till höger om oss landade ett par som i allmänhet lyckades köpa biljetter för 4500 per person. Så vi har inte lidit så mycket materiellt än. Angående grannar.
Men platserna var tyvärr inte ah. 7 rad, den sista amfiteatern. Det finns bara en vägg bakom. Om du vill ta dig till denna musikal är det bättre att få 1:a raden på mezzaninen, därifrån syns det underbart. Jag hade dock en otvivelaktig fördel - jag kunde fotografera vad som hände med en videokamera, för bakom mig fanns inga Cerberus-biljettskötare som omedelbart reagerar på sådana intrång. Och tack vare detta tog jag många bildrutor av musikalen, plus att jag gjorde en video i 10 minuter.
Kort om intrycket. Bästa musikal Jag har inte sett i mitt liv. Vi hade också turen att vi kom till första truppen. Rollen som Anna Karenina spelades av den magnifika Katya Guseva, och rollen som Vronsky - Dmitry Ermak. Han är solist i musikalen "The Phantom of the Opera".
Här är de med i en av musikalens scener.
Scenen för mötet på stationen, Anna lämnar till St. Petersburg.
Levin (Vladislav Kiryukhin) och Kitty Shcherbitskaya (Natalia Bystrova).
Grevinnan Vronskaya (Anna Gurchenkova)
Stiva Oblonsky (Andrey Alexandrin)
Den ojämförliga Katya Guseva (Anna Karenina)
Konstnärernas utgång för att visa respekt.
Stämningen efter föreställningen var på topp! Jag väntar på releasen full version musikal på nätet. De säger att en DVD-skiva tas bort för framtida försäljning.
Och jag rekommenderar alla varmt att gå och se Anna Karenina. Älskade bokstavligen allt där! Musik, röster, skådespeleri, kulisser, kostymer. Och det som verkligen imponerade på mig är att du kan höra varje ord från artisterna. Det blir inte alltid så. Till exempel, i "Count Orlov" dränkte musiken ofta sångarens röst. Denna demonterade jag först senare efter att ha sett videoklippet. Och här - fullständig klarhet.
Betyg - 10 poäng av 10!
Avslutningsvis - min video från fragment av musikalen.
