Japon Sanatı - Tarih - Giriş - Eğlenceli Japonya — LiveJournal. Japon sanatının ana eserlerinin büyüklüğünün sırrı Japon sanatı

Japon kültürünün en büyük fenomenlerinden biri olan çay töreninin (chanoyu) oluşumu, ülke için çok zor, sıkıntılı bir zamanda, feodal klanlar arasındaki yıkıcı kanlı savaşların ve kan davalarının insanların hayatını çekilmez hale getirdiği bir zamanda gerçekleşti. Çay seremonisi, Zen Budizminin estetik ve felsefesinin etkisi altında ortaya çıkmış ve umutsuzluk havasına Güzelliğe tapınma ile karşı koymaya çalışmıştır.

O günlerde, siyasi ve ticari tartışmalar için bir araya gelen askeri sınıfın yöneticileri ve zengin tüccarlar, sık sık çay ikram etme fırsatı buldular. Hayatın dert ve tasalarından sıyrılmış, sakin bir çay salonunda boş boş oturmak, mangalda kaynayan suyun sesini dinlemek rafine bir zevk sayılırdı. Büyük öğretmen Sen-no-Rikyu çay içmeyi bir sanat haline getirdi. Kısmen var olan yukarıda bahsedilen sosyal arka plan nedeniyle çay seremonisi sanatını geliştirmeyi başardı.

Sen no Rikyu tarafından inşa edilen çay salonu ilk bakışta çok basit ve hatta çok küçük görünüyordu. Ama en ince ayrıntısına kadar ince okunabilirlikle en dikkatli şekilde planlandı. Kar beyazı yarı saydam Japon kağıdıyla kaplı sürgülü kapılarla süslenmişti. Tavan bambu veya sazla kaplandı ve duvarların açık dokusu çok değerliydi. Destekler çoğunlukla doğal kabuklarını koruyan ahşaptı. Çay salonunun tasarımında bir inziva yeri etkisi yaratmak için tüm gereksiz süslemeler ve aşırı süslemeler atılmıştır.

Günümüzde çay seremonisi en belirgin olanıdır. benzersiz sanat. Birkaç yüzyıl boyunca Japonların ruhani ve sosyal yaşamında önemli bir rol oynamıştır. Zamanla çay töreni ritüeli kanonlaştırıldı, eylem ve davranış sırası verildi. Basit ahşap kapılara çoktan girmiş olan konuklar, özel bir dünyaya daldılar, dünyevi her şeyi arkalarında bıraktılar ve yalnızca eylem yasalarına uyarak sessiz bir konsantrasyon içinde.

Klasik chanoyu, çay ustasının (çayı demleyen ve döken kişi) ve törendeki diğer katılımcıların katıldığı, katı bir şekilde planlanmış bir ritüeldir. Esasen, bir çay ustası bir çay eylemi gerçekleştiren bir rahiptir, geri kalanı ona katılanlardır. Hem otururkenki duruş hem de yüz ifadesi ve konuşma tarzına kadar her hareket dahil olmak üzere herkesin kendine özgü davranış tarzı vardır.

Çay içerken hikmetli konuşmalar yapılır, şiirler okunur, sanat eserleri değerlendirilir. Çiçek demetleri ve içeceğin hazırlanması için özel gereçler, her durum için özel bir özenle seçilir.

Atmosferin kendisi, şaşırtıcı derecede basit ve mütevazı olan uygun havayı yaratır: bakır bir çaydanlık, fincanlar, bambu karıştırıcı, çay saklama kutusu vb. Japonlar parlak parlak nesneleri sevmezler, donukluktan etkilenirler. D. Tanizaki bunun hakkında şöyle yazıyor: “Avrupalılar gümüş, çelik veya nikelden yapılmış sofra takımları kullanıyorlar, göz kamaştırıcı bir parlaklık elde etmek için cilalıyorlar ama biz böyle bir parlaklığa dayanamıyoruz. Gümüş eşyalar da kullanırız... ama onları asla parlak hale getirmeyiz. Aksine, nesnelerin yüzeyinden bu parlaklık çıktığında, bir reçete dokunuşu elde ettiğinde, zamanla karardığında seviniriz ... İnsan eti, yağ isi, hava ve yağmur kabarması izleri taşıyan şeyleri severiz. Çay seremonisi için tüm öğeler zamanın damgasını taşır, ancak hepsi tertemizdir. Alacakaranlık, sessizlik, en basit çaydanlık, çay dökmek için bir tahta kaşık, kaba bir seramik bardak - tüm bunlar mevcut olanları büyülüyor.

Bir çay evinin içindeki en önemli unsur bir niş - tokonomadır. Genellikle resimli veya kaligrafik yazıtlı bir parşömen ve bir buket çiçek, tütsülü bir buhurdan içerir. Girişin karşısında yer alan Tokonoma, misafirlerin hemen ilgisini çekiyor. Tokonama parşömeni büyük bir özenle seçilir ve törenlerde vazgeçilmez bir tartışma konusudur. Zen Budist tarzında ve o kadar arkaik hat sanatıyla yazılmıştır ki, yazılanların anlamını çok az kişi anlayabilir ve anlayabilir, örneğin: "Bambu yeşildir ve çiçekler kırmızıdır", "Şeyler şeylerdir ve bu güzeldir." !" veya "Su sudur." Mevcut olanlar, bu sözlerin anlamı, görünüşte basit, ama aynı zamanda felsefi olarak çok derin bir şekilde açıklanır. Bu düşünceler bazen haiku'nun şiirsel biçiminde ifade edilir, bazen de "wabi" ilkesine uygun olarak, kural olarak eski ustanın resmine yansır.

Japonya'da çay töreninin pek çok biçimi vardır, ancak yalnızca birkaçı kesin olarak yerleştirilmiştir: gece çayı, gün doğumu çayı, sabah çayı, ikindi çayı, akşam çayı, özel çay.

Gece çayı ay ile başlar. Konuklar on bir buçukta gelir ve sabah dörtte ayrılırlar. Genellikle misafirlerin önünde hazırlanan toz çay demlenir: yapraklar damarlardan arındırılır ve bir havanda toz haline getirilir. Bu çay çok güçlüdür, aç karnına içilmez. Bu nedenle, konuklara ilk başta biraz farklı yiyecekler ikram edilir. Çay, gün doğarken sabah üç veya dört gibi içilir. Misafirler saat altıya kadar aynı saatte kalırlar. Sabah çayı sıcak havalarda yapılır, misafirler sabah altıda toplanır. Öğleden sonra çayı genellikle sadece saat 1 civarında keklerle servis edilir. Akşam çayı 18:00 civarında başlar. Herhangi bir özel durumda özel bir çay partisi (rinjitya-noyu) düzenlenir: arkadaşlarla buluşma, tatiller, değişen mevsimler vb.

Japonlara göre çay seremonisi sadeliği, doğallığı, temizliği gündeme getirir. Bu doğru elbette ama çay seremonisinden daha fazlası var. İnsanları köklü bir ritüelle tanıştırarak, onları katı düzene ve sosyal kuralların koşulsuz yerine getirilmesine alıştırır. Çay seremonisi milli duyguların yeşermesi için en önemli temellerden biridir.

Japonya, adalarda bulunan muhteşem bir doğu ülkesidir. Japonya'nın bir başka adı da Yükselen Güneş Ülkesi'dir. Ilıman ve nemli iklim, dağ sıraları volkanlar ve deniz suları, genç Japonların büyüdüğü muhteşem manzaralar yaratır ve bu da şüphesiz bu küçük devletin sanatı üzerinde bir iz bırakır. Burada küçük yaşlardan itibaren insanlar güzelliğe alışıyor ve taze çiçekler, süs bitkileri ve göllü küçük bahçeler evlerinin bir özelliği. Herkes kendileri için bir parça vahşi yaşam düzenlemeye çalışıyor. Tüm doğu milletleri gibi, Japonlar da medeniyetlerinin yüzyıllar boyunca var olduğu yüzyıllar boyunca onurlandırılan ve saygı duyulan doğa ile bir bağ kurdular.

Hava nemlendirme: WINIX WSC-500 hava yıkayıcı, ince su parçacıkları üretir. Winix WSC-500 lavabonun çalışma modları: "WINIX WSC-500" hava lavabosunun uygun bir otomatik çalışma modu vardır. Aynı zamanda, odadaki en uygun ve konforlu nem korunur - %50-60 ve plazma hava temizleme ve iyonizasyon modu ("Plasma Wave™") varsayılan olarak etkindir.

Japon mimarisi

Uzun zamandır Japonya kapalı bir ülke olarak kabul edildi, temaslar sadece Çin ve Kore ile yapıldı. Bu nedenle gelişimleri kendi özel yolunda gerçekleşti. Daha sonra, adaların topraklarına çeşitli yenilikler girmeye başladığında, Japonlar bunları hızla kendilerine uyarladılar ve kendi yöntemleriyle yeniden yaptılar. Japon mimari tarzı, kendinizi sürekli şiddetli yağmurlardan korumanıza izin veren masif kavisli çatılara sahip evler. Gerçek sanat eseri, imparatorluk sarayları bahçeler ve köşkler ile.

Japonya'da bulunan ibadet yerlerinden, tarihin daha sonraki bir döneminde, Budizm'in anakaradan ülkeye girip ilan edildiği zaman ortaya çıkan, bugüne kadar ayakta kalan ahşap Şinto tapınakları, Budist pagodaları ve Budist tapınağı kompleksleri ayırt edilebilir. Devlet dini. Bildiğiniz gibi ahşap binalar dayanıklı ve savunmasız değildir, ancak Japonya'da binaları orijinal hallerinde yeniden yaratmak gelenekseldir, bu nedenle yangınlardan sonra bile bir zamanlar inşa edildikleri biçimde yeniden inşa edilirler.

Japonya heykeli

Budizm, Japon sanatının gelişimi üzerinde güçlü bir etkiye sahipti. Pek çok eser Buda'nın imajını temsil ediyor, bu nedenle tapınaklarda Buda'nın çok sayıda heykeli ve heykeli yaratıldı. Metal, ahşap ve taştan yapılmışlardı. Sadece bir süre sonra, seküler portre heykelleri yapmaya başlayan ustalar ortaya çıktı, ancak zamanla bunlara olan ihtiyaç ortadan kalktı, bu nedenle, binaları süslemek için giderek daha fazla derin oymalı heykel kabartmaları kullanılmaya başlandı.

Minyatür netsuke heykeli, Japonya'da ulusal sanat formu olarak kabul edilir. Başlangıçta, bu tür figürler, kemere takılan bir anahtarlık rolü oynadı. Her heykelciğin, o sırada kıyafetlerin cepleri olmadığı için üzerine gerekli eşyaların asıldığı bir ip için bir deliği vardı. Netsuke figürinleri dünyevi karakterleri, tanrıları, iblisleri veya çesitli malzemelerözel giymek gizli anlam, örneğin, aile mutluluğu için bir dilek. Netsuke ahşap, fildişi, seramik veya metalden yapılmıştır.

Japon sanatları ve el sanatları

Kenarları keskin silahların imalatı Japonya'da sanat mertebesine yükseltildi ve samuray kılıcının imalatı mükemmelliğe getirildi. Kılıçlar, hançerler, kılıç çerçeveleri, savaş mühimmatı unsurları, bir sınıfa ait olduğunu belirten bir tür erkek takısı görevi gördü, bu yüzden yapıldılar. yetenekli zanaatkarlar, değerli taşlar ve oymalarla süslenmiştir. Ayrıca Japonya'nın halk el sanatları arasında seramik, lake eşya, dokuma ve gravür işçiliği imalatı yer almaktadır. Japon çömlekçiler geleneksel çömlekleri çeşitli desenler ve sırlarla boyarlar.

Japonya boyama

İlk başta Japon resmine, kaligrafi sanatıyla yakından iç içe geçmiş tek renkli bir tablo türü hakim oldu. Her ikisi de aynı prensiplere göre yaratılmıştır. Boya, mürekkep ve kağıt yapma sanatı anakaradan Japonya'ya geldi. Sonuç olarak, başladı yeni tur resim sanatının gelişimi. O zamanlar, Japon resim türlerinden biri, Buda'nın hayatından sahneleri tasvir eden uzun yatay emakinomo parşömenleriydi. Japonya'da manzara resmi çok daha sonra gelişmeye başladı, ardından sahnelerde uzmanlaşmış sanatçılar ortaya çıktı. dünyevi hayat, portreler ve askeri sahneler yazmak.

Japonya'da genellikle paravanlar, shojiler, evlerin duvarları ve giysiler üzerine çizim yapılırdı. Japonlar için ekran sadece evin işlevsel bir unsuru değil, aynı zamanda odanın genel havasını belirleyen tefekkür için bir sanat eseridir. Ulusal kimono kıyafetleri de özel bir oryantal lezzet taşıyan Japon sanatının nesnelerine aittir. Parlak renkler kullanılarak altın varak üzerine dekoratif paneller de Japon resim eserlerine atfedilebilir. Japonlar, sözde gravür olan ukiyo-e'yi yaratmada büyük beceri kazandılar. Bu tür resimlerin konusu, sıradan vatandaşların, sanatçıların ve geyşaların yaşamlarından ve ayrıca Japonya'da resim sanatının gelişmesinin sonucu olan muhteşem manzaralardan bölümlerdi.

Geleneksel olarak Uzak Doğu olarak adlandırılan geniş bölge, Çin, Japonya, Kore, Moğolistan ve Tibet'i içerir - bir dizi benzerliği olan, ancak aynı zamanda önemli kültür farklılıkları olan ülkeler.

Uzak Doğu'nun tüm ülkeleri, Çin ve Hindistan'ın eski uygarlıklarından etkilendi; burada, M.Ö. kendi yasalarına göre yaşayan organizma. Doğa, tüm ortaçağ döneminin felsefi ve sanatsal arayışlarının merkezinde yer aldı ve onun yasaları, insanların yaşamını ve ilişkilerini belirleyen evrensel kabul edildi. Doğanın çeşitli tezahürleriyle karşılaştırıldı iç dünya kişi. Bu, alegorik şiir dilini tanımlayan görsel sanatlarda sembolik yöntemin gelişimini etkiledi. Çin, Japonya ve Kore'de doğaya karşı böyle bir tutumun etkisi altında sanat türleri ve türleri oluştu, çevredeki manzara ile yakından ilgili mimari topluluklar inşa edildi, bahçe sanatı ve nihayet, manzara resminin doğuşu yaşandı. Eski Hint uygarlığının etkisi altında Budizm yayılmaya başladı ve Hinduizm de Moğolistan ve Tibet'te yayılmaya başladı. Bu dinsel sistemler Uzak Doğu ülkelerine yeni fikirler getirmekle kalmamış, sanatın gelişimine de doğrudan etki etmiştir. Budizm sayesinde, bölgenin tüm ülkelerinde daha önce bilinmeyen yeni bir heykel ve resim sanatı dili ortaya çıktı, karakteristik özelliği mimari ve güzel sanatların etkileşimi olan topluluklar yaratıldı.

Heykel ve resimdeki Budist tanrılarının imajının özellikleri, evren, ahlaki yasalar ve insanın kaderi hakkındaki fikirleri ifade eden özel bir sembolik dil olarak yüzyıllar boyunca gelişti. Böylece birçok halkın kültürel deneyimi ve manevi gelenekleri pekiştirildi ve korundu. Budist sanatının imgeleri, iyiyle kötü, merhamet, sevgi ve umut arasındaki yüzleşme fikirlerini somutlaştırdı. Tüm bu nitelikler, Uzak Doğu sanat kültürünün seçkin eserlerinin özgünlüğünü ve evrensel önemini belirledi.

Japonya adalarda bulunur Pasifik Okyanusu Asya kıtasının doğu kıyısı boyunca kuzeyden güneye doğru uzanır. Japon adaları, sık sık deprem ve tayfunlara eğilimli bir bölgede yer almaktadır. Adaların sakinleri, sürekli tetikte olmaya, mütevazı bir yaşamdan memnun olmaya, doğal afetlerden sonra evlerini ve evlerini hızla restore etmeye alışkındır. İnsanların refahını sürekli tehdit eden doğal unsurlara rağmen Japon kültürü, dış dünyayla uyum arzusunu, doğanın güzelliğini irili ufaklı görebilme yeteneğini yansıtır.

Japon mitolojisinde ilahi eşler İzanagi ve İzanami dünyadaki her şeyin atası olarak kabul edilirdi. Onlardan bir büyük tanrı üçlüsü geldi: Amaterasu - Güneş tanrıçası, Tsukiyomi - Ay tanrıçası ve Susanoo - fırtına ve rüzgar tanrısı. Eski Japonların fikirlerine göre, tanrılar görünür bir görünüme sahip değillerdi, ancak doğanın kendisinde somutlaşmışlardı - sadece Güneş ve Ay'da değil, aynı zamanda dağlarda ve kayalarda, nehirlerde ve şelalelerde, ağaçlarda ve çimenlerde. ruhlar-kami olarak saygı görüyorlardı (Japonca'dan tercüme edilen slovaklar, ilahi rüzgar anlamına gelir). Doğanın bu şekilde tanrılaştırılması, Orta Çağ'ın tamamı boyunca devam etti ve Japon ulusal dini haline gelen tanrıların yolu olan Şinto olarak adlandırıldı; Avrupalılar buna Şinto derler. Japon kültürünün kökenleri antik çağlara dayanmaktadır. En eski sanat eserleri MÖ 4....2. binyıla kadar uzanmaktadır. Japon sanatı için en uzun ve en verimli dönem, Orta Çağ dönemiydi (6...19. yüzyıl).

17.-18. yüzyıllarda geliştirilen geleneksel bir Japon evinin tasarımı. Üç hareketli ve bir sabit duvarlı ahşap bir çerçevedir. Duvarlar bir destek işlevi görmezler, bu nedenle ayrılabilirler ve hatta kaldırılabilirler, aynı zamanda bir pencere görevi görürler. Sıcak mevsimde duvarlar, ışığın içeri girmesine izin veren yarı saydam kağıtla yapıştırılan kafes bir yapıydı ve soğuk ve yağmurlu mevsimlerde bunlar kaplandı veya ahşap panellerle değiştirildi. Japon ikliminde yüksek nem ile evin aşağıdan havalandırılması gerekir. Bu nedenle zemin seviyesinden 60 cm yukarı kaldırılmıştır Destek direklerini çürümeye karşı korumak için taş temeller üzerine oturtulmuştur.

Hafif ahşap çerçeve, ülkede sık sık meydana gelen depremler sırasında itmenin yıkıcı gücünü azaltan gerekli esnekliğe sahipti. Kiremit veya saz çatı, evin kağıt duvarlarını yağmurdan ve kavurucu yaz güneşinden koruyan, ancak kışın, ilkbaharın başlarında ve sonbaharın sonlarında düşük güneş ışığını engellemeyen geniş kanopilere sahipti. Çatının gölgesinin altında bir veranda vardı.

Oturma odalarının zemini hasırlarla kaplıydı - üzerinde durmadıkları, çoğunlukla oturdukları tatami hasırları. Bu nedenle, evin tüm oranları oturan bir kişiye odaklandı. Evde kalıcı mobilya olmadığı için yerde, gün boyunca dolaplara kaldırılan özel kalın şiltelerde uyudular. Alçak masalarda hasırların üzerine oturarak yemek yerler, çeşitli faaliyetlere de hizmet ederlerdi. Kağıt veya ipekle kaplı kayar iç bölmeler bölebilir iç mekanlar ihtiyaçlara bağlı olarak daha çeşitli kullanılmasını mümkün kıldı, ancak sakinlerinin her birinin evin içinde tamamen emekli olması imkansızdı, bu da Japon ailesinde aile içi ilişkileri etkiledi ve daha genel anlamda, Japonların ulusal karakterinin özellikleri üzerine. Evin önemli bir detayı, taşınmaz duvarın yakınında bulunan bir niş - tokonama, burada bir resim asılabilir veya bir çiçek kompozisyonu - ikebana durabilir. Evin manevi merkeziydi. Nişin dekorasyonunda ev sakinlerinin bireysel nitelikleri, zevkleri ve sanatsal eğilimleri ortaya konmuştur.

Geleneksel Japon evinin devamı bir bahçeydi. Bir çit rolünü oynadı ve aynı zamanda evi çevre ile ilişkilendirdi. Evin dış duvarları birbirinden ayrıldığında evin iç mekanı ile bahçe arasındaki sınır ortadan kalktı ve doğaya yakınlık hissi, onunla doğrudan iletişim oluştu. Bu, ulusal tutumun önemli bir özelliğiydi. Bununla birlikte, Japon şehirleri büyüdü, bahçenin boyutu küçüldü, genellikle yerini, konut ile doğal dünya arasında aynı temas rolüne hizmet eden küçük bir sembolik çiçek ve bitki kompozisyonu aldı. japon mitolojisi evi ikebana netsuke

Vazolarda çiçek düzenleme sanatı - ikebbna (çiçeklerin yaşamı) - 6. yüzyılda Budizm ile Japonya'ya yayılan bir tanrının sunağına çiçek yerleştirme geleneğine kadar uzanır. Çoğu zaman, o zamanın tarzındaki kompozisyon - rikka (dikilen çiçekler) - bir çam veya selvi dalından ve antik bronz kaplara yerleştirilmiş nilüferler, güller, nergislerden oluşuyordu.

geliştirme ile seküler kültür 10....12. yüzyıllarda, aristokrat sınıfın temsilcilerinin saraylarına ve konutlarına çiçek aranjmanları yerleştirildi. İmparatorluk sarayında, buket düzenlemede özel yarışmalar popüler hale geldi. 15. yüzyılın ikinci yarısında, kurucusu usta Ikenobo Sen'ei olan ikebana sanatında yeni bir yön ortaya çıktı. Ikenobo okulunun eserleri, özel güzellikleri ve incelikleriyle ayırt edildi, ev sunaklarına yerleştirildi ve hediye olarak sunuldu. 16. yüzyılda çay seremonilerinin yaygınlaşmasıyla birlikte çay köşkündeki tokonoma nişini süslemek için özel bir ikebana türü oluşturulmuştur. Çay kültünün tüm nesnelerine sunulan sadelik, uyum, ölçülü renk düzeni gerekliliği, çiçek tasarımına kadar uzanıyordu - tyabana (çay seremonisi için ikebana). Ünlü çay ustası Senno Rikyu, yeni, daha özgür bir stil - nageire (dikkatsizce yerleştirilmiş çiçekler) yarattı, ancak bu stildeki görüntülerin özel karmaşıklığı ve güzelliği görünen düzensizlikte yatıyordu. Nageire türlerinden biri, bitkilerin bir tekne şeklinde asılı bir kaba yerleştirildiği sözde tsuribana idi. Bu tür besteler, “hayatın açık denizine açılmayı” simgelediği için göreve gelen veya okuldan mezun olan bir kişiye sunulurdu. 17....19. yüzyıllarda ikebana sanatı yaygınlaştı ve kızların buket yapma sanatında zorunlu eğitimi için bir gelenek ortaya çıktı. Bununla birlikte, ikebana'nın popülaritesi nedeniyle, kompozisyonlar basitleştirildi ve stilistikka'nın katı kuralları, bir başkasının öne çıktığı nageire lehine terk edilmek zorunda kaldı. yeni bir stil seika veya shoka (yaşayan çiçekler). 19. yüzyılın sonunda usta Ohara Usin, ana yeniliği çiçeklerin geniş kaplara yerleştirilmesi olan moribana stilini yarattı.

İkebana'nın bileşiminde, kural olarak, üç ilkeyi ifade eden üç zorunlu unsur vardır: Cennet, Dünya ve İnsan. Çiçek, dal ve çimen olarak somutlaştırılabilirler. Bunların birbirleriyle ve ek unsurlarla olan ilişkileri, farklı üslup ve içerikte eserler ortaya çıkarır. Sanatçının görevi sadece güzel bir kompozisyon yaratmak değil, aynı zamanda bir kişinin hayatı ve dünyadaki yeri hakkındaki kendi düşüncelerini de en eksiksiz şekilde iletmektir. Seçkin ikebana ustalarının eserleri, umut ve hüznü, manevi uyumu ve hüznü ifade edebilir.

İkebana geleneğine göre, mevsim zorunlu olarak yeniden üretilir ve bitkilerin kombinasyonu, Japonya'da iyi bilinen sembolik iyi dilekleri oluşturur: çam ve gül - uzun ömür; şakayık ve bambu - refah ve barış; krizantem ve orkide - neşe; manolya - manevi saflık vb.

Minyatür heykel - netsuke, 18-19 yüzyıllarda sanat ve zanaat türlerinden biri olarak yaygınlaştı. Görünüşü, ulusal Japon kostümü olan kimononun cepleri olmamasından ve gerekli olan her şeyden kaynaklanmaktadır. küçük eşyalar(tüp, kese, ilaç kutusu) bir karşı ağırlık anahtarlık kullanılarak kemere takılır. Bu nedenle Netsuke'nin mutlaka bir dantel için istenen nesnenin tutturulduğu bir deliği vardır. Daha önceleri çubuk ve düğme şeklinde anahtarlıklar kullanılıyordu ancak 18. yüzyılın sonlarından itibaren tanınmış ustalar şimdiden netsuke'nin yaratılması üzerinde çalışmış ve eserlere imzalarını atmışlardır.

Netsuke, kentli sınıfın, kitlesel ve demokratik sanatıdır. Netsuke olay örgüsüne göre, kasaba halkının manevi ihtiyaçları, günlük çıkarları, adetleri ve gelenekleri yargılanabilir. Genellikle minyatür heykellerde tasvir edilen ruhlara ve şeytanlara inanıyorlardı. Zenginlik tanrısı Daikoku ve mutluluk tanrısı Fukuroku'nun en popüler olduğu "yedi mutluluk tanrısı" figürlerini sevdiler. Netsuke'nin sabit çizimleri şunlardı: içinde birçok tohum bulunan patlıcan patlıcan - büyük bir erkek yavru için bir dilek, iki ördek - aile mutluluğunun bir sembolü. Çok sayıda netsuke günlük konulara ayrılmıştır ve Gündelik Yaşamşehirler. Bunlar gezgin aktörler ve sihirbazlar, sokak satıcıları, çeşitli faaliyetlerde bulunan kadınlar, gezgin keşişler, güreşçiler, hatta Japonlar açısından egzotik kıyafetleriyle Hollandalılar, geniş kenarlı şapkalar, kombinezonlar ve pantolonlar. Tematik çeşitlilikle ayırt edilen netsuke, bir anahtarlık olarak orijinal işlevini korudu ve bu amaç, zanaatkarlara kırılgan çıkıntılı ayrıntılar olmadan, yuvarlak, dokunuşu hoş olan kompakt bir şekil dikte etti. Malzeme seçimi de bununla bağlantılı: çok ağır değil, dayanıklı, tek parçadan oluşuyor. En yaygın malzemeler farklı türde ahşap, fildişi, seramik, cila ve metaldi.

Japon resmi yalnızca içerik olarak değil, aynı zamanda biçim olarak da çok çeşitlidir: bunlar duvar resimleri, ekran resimleri, ipek ve kağıt üzerine yapılmış dikey ve yatay parşömenler, albüm sayfaları ve hayranlardır.

HAKKINDA eski resim yalnızca yazılı belgelerdeki referanslarla değerlendirilebilir. Hayatta kalan en eski olağanüstü eserler, Heian dönemine (794-1185) kadar uzanıyor. Bunlar, yazar Murasaki Shikibu'nun yazdığı ünlü "Prens Genji'nin Hikayesi"nin illüstrasyonlarıdır. Çizimler birkaç yatay kaydırmada yapıldı ve metinle desteklendi. Sanatçı Fujiwara Takayoshi'nin (12. yüzyılın ilk yarısı) fırçasına atfedilirler.

Aristokrat sınıfın oldukça dar bir çemberi tarafından yaratılan o dönemin kültürünün karakteristik bir özelliği, güzellik kültü, maddi ve manevi yaşamın tüm tezahürlerinde, bazen anlaşılması zor ve anlaşılmaz olan içsel çekiciliğini bulma arzusuydu. Daha sonra yamato-e (kelimenin tam anlamıyla Japon resmi) olarak adlandırılan o zamanın resmi, bir eylemi değil, bir ruh halini aktarıyordu. Askeri sınıfın sert ve cesur temsilcileri iktidara gelince Heian döneminin kültürü gerilemeye başladı. Parşömenlerdeki resimde anlatı ilkesi oluşturuldu: bunlar dramatik bölümlerle dolu mucizeler hakkındaki efsaneler, Budist inancının vaizlerinin biyografileri, savaşçıların savaş sahneleri. 14-15 yüzyıllarda Zen mezhebinin öğretilerinin etkisi altında, doğaya özel ilgisi ile manzara resmi gelişmeye başladı (başlangıçta Çin modellerinin etkisi altında).

Japon sanatçılar, bir buçuk yüzyıl boyunca Çin sanat sisteminde ustalaştı ve tek renkli manzara resmini bir miras haline getirdi. ulusal sanat. En yüksek çiçeklenme, olağanüstü bir isimle ilişkilendirilir. Toyo ustaları Oda (1420...1506), daha çok Sesshu takma adıyla tanınır. Siyah mürekkebin yalnızca en ince tonlarını kullanarak yaptığı manzaralarda, doğal dünyanın tüm çok renkli doğasını ve sayısız halini yansıtmayı başardı: neme doymuş bir atmosfer. erken bahar, görünmez ama hissedilen rüzgar ve soğuk sonbahar yağmuru, kışın hareketsiz sessizliği.

16. yüzyıl, üç buçuk yüzyıl süren sözde geç Orta Çağ dönemini açar. Bu dönemde, ülke yöneticilerinin ve büyük feodal beylerin saraylarını süsleyen duvar resimleri yaygınlaştı. Resimde yeni akımın kurucularından biri, 16. yüzyılın ikinci yarısında yaşamış olan ünlü usta Kano Eitoku'dur. 18-19 yüzyıllarda gelişen ahşap oymacılığı (ksilografi), Orta Çağ'ın bir başka güzel sanatı haline geldi. Tür resmi gibi oymaya da ukiyo-e (gündelik dünyanın resimleri) adı verildi. Bir gravür oluştururken, çizimi oluşturan ve üzerine adını yazan sanatçıya ek olarak bitmiş levha, bir oymacı ve bir yazıcı içeriyordu. İlk başta gravür tek sesliydi, sanatçının kendisi veya alıcı tarafından elle boyandı. Sonra iki renkli baskı icat edildi ve 1765'te sanatçı Suzuki Harunobu (1725-1770) ilk olarak çok renkli baskıyı kullandı. Bunu yapmak için oymacı, özel olarak hazırlanmış uzunlamasına kesilmiş bir tahtaya (armut, kiraz veya Japon şimşir ağacından) desenli bir aydınger kağıdı yerleştirdi ve gravürün renk şemasına bağlı olarak gerekli sayıda baskılı tahtayı kesti. Bazen 30'dan fazla vardı. Bundan sonra yazıcı, doğru tonları seçerek özel kağıda baskı yaptı. Becerisi, farklı ahşap tahtalardan elde edilen her rengin konturlarının tam olarak eşleşmesini sağlamaktı. Tüm gravürler iki gruba ayrıldı: Japon klasik Kabuki tiyatrosunun aktörlerini çeşitli rollerde tasvir eden tiyatro ve onların hayatlarından güzelliklerin ve sahnelerin tasvirine adanmış günlük yazı. Tiyatro gravürünün en ünlü ustası, oyuncuların yüzlerini yakın çekimde tasvir eden, oynadıkları rolün özelliklerini, oyunun karakteri olarak reenkarne olan kişinin karakteristik özelliklerini vurgulayan Toshyushay Syaraku idi: öfke, korku, zulüm, aldatma.

Suzuki Harunobu ve Kitagawa Utamaro gibi seçkin sanatçılar günlük hayattaki gravür işlerinde ünlendiler. Utamaro yaratıcısıydı kadın görselleri ulusal güzellik idealini somutlaştırmak. Kadın kahramanları bir an için donmuş gibi görünüyor ve şimdi pürüzsüz, zarif hareketlerine devam edecekler. Ancak bu duraklama, başın eğilmesinin, el hareketinin, figürün siluetinin yaşadıkları duyguları aktardığı en anlamlı andır.

en çok ünlü usta gravürler oldu parlak sanatçı Katsushika Hokusai (1776-1849). Hokusai'nin çalışmaları, Japonya'nın asırlık resim kültürüne dayanmaktadır. Hokusai 30.000'den fazla çizim yaptı ve yaklaşık 500 kitap resimledi. Zaten yetmiş yaşında olan Hokusai, en önemli eserlerden birini yarattı - onu dünya sanatının en seçkin sanatçılarıyla aynı seviyeye getirmesini sağlayan bir dizi "Fuji'nin 36 Görünümü". Japonya'nın ulusal sembolü olan Fuji Dağı'nı farklı yerlerden gösteren Hokusai, ilk kez vatan imajını ve birlik içindeki halk imajını ortaya koyuyor. Sanatçı, bir kişinin basit duygularından, günlük aktivitelerinden, unsurları ve güzelliği ile çevreleyen doğa ile biten, tezahürlerinin tüm çeşitliliğinde hayatı tek bir süreç olarak gördü. Halkının asırlık sanat deneyimini özümseyen Hokusai'nin eseri, son zirvedir. sanatsal kültür ortaçağ Japonya'sı, olağanüstü sonucu.

Merhaba, sevgili okuyucular bilgi ve gerçeği arayanlar!

Japon sanatçılar, nesiller boyu ustalar tarafından bilenmiş benzersiz tarzlarıyla ayırt edilirler. Bugün eski çağlardan günümüze Japon resminin en parlak temsilcilerinden ve resimlerinden bahsedeceğiz.

Pekala, Yükselen Güneş Ülkesi sanatına dalalım.

sanatın doğuşu

Japonya'daki eski resim sanatı, öncelikle yazının özellikleriyle ilişkilendirilir ve bu nedenle kaligrafinin temellerine dayanır. İlk örnekler, kazılarda bulunan bronz çan parçaları, tabaklar ve ev eşyalarıdır. Çoğu boyandı doğal boyalar ve araştırmalar, ürünlerin MÖ 300'den önce yapıldığına inanmak için sebep veriyor.

Japonya'ya gelişiyle sanatın gelişiminde yeni bir aşama başladı. Emakimono'da - özel kağıt parşömenler - Budist panteonunun tanrılarının görüntüleri, Öğretmenin ve takipçilerinin hayatından sahneler uygulandı.

Resimde dini temaların baskınlığı, ortaçağ Japonya'sında, yani 10. yüzyıldan 15. yüzyıla kadar izlenebilir. O dönemin sanatçılarının isimleri ne yazık ki bugüne kadar korunmadı.

15-18 yüzyıllar arasında, gelişmiş bir bireysel stile sahip sanatçıların ortaya çıkmasıyla karakterize edilen yeni bir zaman başlar. Güzel sanatların daha da gelişmesi için vektörü işaretlediler.

Geçmişin parlak temsilcileri

Gergin Shubun (15. yüzyılın başları)

Olağanüstü bir usta olmak için Xubong, Çinli Sung sanatçılarının yazma tekniklerini ve eserlerini inceledi. Daha sonra Japonya'da resmin kurucularından biri ve sumi-e'nin yaratıcısı oldu.

Sumi-e, tek renk anlamına gelen mürekkep çizimine dayalı bir sanat tarzıdır.

Shubun, yeni tarzın sanat çevrelerinde kök salması için çok şey yaptı, sanatı gelecek dahil diğer yeteneklere öğretti. ünlü ressamlar Sesshu gibi.

Shubun'un en popüler tablosunun adı "Bambu Korusunda Okumak".

Tense Shubun'dan "Bamboo Grove'da Okumak"

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Kendi adını taşıyan okulun yaratıcısı oldu - Hasegawa. İlk başta Kano okulunun kanunlarını takip etmeye çalıştı, ancak yavaş yavaş eserlerinde bireysel "el yazısı" izlenmeye başlandı. Tohaku, Sesshu'nun grafikleri tarafından yönlendirildi.

Çalışmanın temeli, karmaşık olmayan isimlerle basit, özlü ama gerçekçi manzaralardı:

• "Çamlar";
• "Akçaağaç";
• Çamlar ve çiçekli bitkiler.

Çamlar, Hasegawa Tohaku

Ogata Korin (1658-1716) ve Ogata Kenzan (1663-1743) kardeşler

Kardeşler, 18. yüzyılın mükemmel zanaatkarlarıydı. En büyüğü Ogata Korin kendini tamamen resme adadı ve rimpa türünü kurdu. İzlenimci türü tercih ederek basmakalıp görüntülerden kaçındı.

Ogata Korin genel olarak doğayı ve özel olarak parlak soyutlamalar şeklinde çiçekleri resmetti. Fırçaları tabloya aittir:

• "Erik çiçeği kırmızı ve beyaz";
• "Matsushima Dalgaları";
• "Krizantemler".

Matsushima Dalgaları, Korin Ogata

Küçük erkek kardeş Ogata Kenzan'ın birçok takma adı vardı. En azından resimle uğraşıyordu ama daha çok harika bir seramikçi olarak ünlendi.

Ogata Kenzan birçok çanak çömlek tekniğinde ustalaştı. Standart olmayan bir yaklaşımla ayırt edildi, örneğin kare şeklinde plakalar yarattı.

Kendi resmi ihtişamla ayırt edilmedi - bu aynı zamanda onun özelliğiydi. Parşömen veya şiirden alıntılar gibi ürünlere kaligrafi koymayı severdi. Bazen erkek kardeşleriyle birlikte çalıştılar.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Ukiyo-e tarzında çalıştı - bir tür gravür, yani gravür resim. Her zaman yaratıcılık için yaklaşık 30 isim değiştirdi. En ünlü eser, anavatanı dışında ün kazandığı Kanagawa'daki Büyük Dalga'dır.

Hokusai Katsushika'dan "Kanagawa Açıklarındaki Büyük Dalga"

Özellikle zor olan Hokusai, 60 yıl sonra çalışmaya başladı ve bu da iyi sonuçlar getirdi. Van Gogh, Monet, Renoir onun çalışmalarına aşinaydı ve bir dereceye kadar Avrupalı ​​​​ustaların çalışmalarını etkiledi.

Ando Hiroşige (1791-1858)

Biri en büyük sanatçılar 19. yüzyıl. Edo'da doğdu, yaşadı, çalıştı, Hokusai'nin çalışmalarına devam etti, çalışmalarından ilham aldı. Eserlerin sayısı kadar doğayı tasvir ediş şekli de çarpıcıdır.

Edo, Tokyo'nun eski adıdır.

İşte bir resim döngüsüyle temsil edilen çalışmaları hakkında bazı figürler:

• 5,5 bin - tüm gravürlerin sayısı;
• “Edo'nun 100 Görüntülenmesi;
• "Fuji'nin 36 Görünümü";
• "69 Kisokaido İstasyonu";
• "53 Tokaido İstasyonu".

Ando Hiroshige'nin tablosu

İlginç bir şekilde, seçkin Van Gogh gravürlerinin birkaç kopyasını yazdı.

modernite

takashi murakami

Ressam, heykeltıraş, moda tasarımcısı, 20. yüzyılın sonunda bir isim kazandı. Çalışmalarında klasik unsurlarla moda trendlerine bağlı kalıyor, anime ve manga çizgi filmlerinden ilham alıyor.

Takashi Murakami'nin tablosu

Takashi Murakami'nin eserleri bir alt kültür olarak sınıflandırılır, ancak aynı zamanda inanılmaz derecede popülerdir. Örneğin, 2008'de bir eseri müzayedede 15 milyon dolardan fazla satın alındı. Bir zamanlar modern yaratıcı, moda evleri "Marc Jacobs" ve "Louis Vuitton" ile birlikte çalıştı.

Tycho Asima

Önceki bir sanatçının ortağı olarak çağdaş gerçeküstü tablolar yaratıyor. Şehirlerin, mega şehirlerin sokaklarının ve yaratıkların görünüşlerini sanki başka bir evrenden - hayaletler, kötü ruhlar, uzaylı kızlar - tasvir ediyorlar. Resimlerin arka planında genellikle bozulmamış, hatta bazen ürkütücü doğayı görebilirsiniz.

Resimleri büyük boyutlara ulaşır ve nadiren kağıt ortamla sınırlıdır. Deri, plastik malzemelere aktarılırlar.

2006 yılında İngiliz başkentindeki bir sergi kapsamında bir kadın, gece gündüz köy ve şehrin doğasının güzelliğini yansıtan yaklaşık 20 kemerli yapı yarattı. Bunlardan biri metro istasyonunu süsledi.

Hey Arakawa

Genç adam, kelimenin klasik anlamıyla sadece bir sanatçı olarak adlandırılamaz - 21. yüzyıl sanatında çok popüler olan enstalasyonlar yaratır. Sergilerinin temaları gerçekten Japon ve dostane ilişkilere olduğu kadar tüm ekibin çalışmalarına da değiniyor.

Ei Arakawa sık sık çeşitli bienallere katılıyor, örneğin Venedik'te, anavatanındaki Modern Sanatlar Müzesi'nde sergileniyor ve haklı olarak çeşitli ödüller alıyor.

Ikenaga Yasunari

Modern ressam Ikenaga Yasunari, birbiriyle uyumsuz görünen iki şeyi birleştirmeyi başardı: portre biçimindeki günümüz kızlarının hayatı ve antik çağlardan gelen Japonya'nın geleneksel teknikleri. Ressam, çalışmalarında özel fırçalar, doğal pigmentli boyalar, mürekkep ve karakalem kullanır. Her zamanki keten - keten kumaş yerine.

Ikenaga Yasunari tablosu

Tasvir edilen dönemi ve kadın kahramanların görünüşünü zıtlaştıran bu teknik, bize geçmişten döndükleri izlenimini veriyor.

Son zamanlarda İnternet camiasında popüler hale gelen bir timsahın hayatının karmaşıklıklarını anlatan bir dizi resim de Japon karikatürist Keigo tarafından yaratıldı.

Çözüm

Japon resmi MÖ 3. yüzyılda ortaya çıktı ve o zamandan beri çok değişti. İlk imgeler seramiğe uygulandı, ardından sanatta Budist motifler hakim olmaya başladı, ancak yazarların isimleri günümüze ulaşamadı.

Yeni Çağ çağında, fırça ustaları giderek daha fazla bireysellik kazandılar, farklı yönler, okullar yarattılar. Günümüzün görsel sanatları geleneksel resim ile sınırlı değildir - enstalasyonlar, karikatürler, sanat heykelleri, özel yapılar kullanılmaktadır.

İlginiz için çok teşekkür ederim sevgili okuyucular! Umarız makalemizi ve yaşam ve işle ilgili hikayelerimizi faydalı bulmuşsunuzdur. en parlak temsilciler sanat onları daha iyi tanımayı mümkün kıldı.

Antik çağlardan günümüze tüm sanatçıları bir makalede anlatmak elbette zor. Bu nedenle, Japon resim bilgisine doğru atılan ilk adım bu olsun.

Ve bize katılın - bloğa abone olun - Budizm'i ve Doğu kültürünü birlikte inceleyeceğiz!

Antik çağlardan beri, Japon sanatı aktif olarak karakterize edilmiştir. yaratıcılık. Sürekli olarak yeni sanatsal ve estetik eğilimlerin ortaya çıktığı Çin'e bağımlı olmasına rağmen, Japon sanatçılar her zaman yeni özellikler getirdiler ve öğretmenlerinin sanatını değiştirerek ona Japon görünümü verdiler.

Japonya'nın tarihi, ancak 5. yüzyılın sonunda kesin biçimler almaya başlar. Kazılar veya inşaat çalışmaları sırasında elde edilen bazı buluntular olağanüstü sanatsal yetenekten söz etse de, önceki yüzyıllara (arkaik dönem) ait nispeten az sayıda parça bulunmuştur.

arkaik dönem.

Japon sanatının en eski eserleri, Jomon tipi (kordon baskısı) kil çömleklerdir. Adını, ustanın kabı yapmak için kullandığı çubukların etrafına sarılmış bir kordonun spiral baskılarıyla yüzeyin bezemesinden almıştır. Belki de ustalar ilk başta yanlışlıkla hasır işi baskıları keşfettiler ama sonra bunları bilinçli olarak kullanmaya başladılar. Bazen kordon benzeri kil bukleler yüzeye yapıştırılarak daha karmaşık bir dekoratif etki, neredeyse bir kabartma yaratıldı. İlk Japon heykeli Jomon kültüründen kaynaklanmıştır. Bir insan veya hayvanın doğusu ("kil sureti") muhtemelen bir tür dini öneme sahipti. Çoğunluğu kadın olan insanların görüntüleri, diğer ilkel kültürlerin kil tanrıçalarına çok benziyor.

Radyokarbon analizi, Jomon kültüründen bazı buluntuların MÖ 6-5 bin yıl öncesine kadar uzanabileceğini gösteriyor, ancak bu kadar erken bir tarihleme genel olarak kabul edilmiyor. Elbette bu tür yemekler uzun süredir yapılıyor ve kesin tarihler henüz belirlenemese de üç dönem ayırt ediliyor. En eski örnekler sivri bir kaideye sahiptir ve bir çömlekçi aletinin izleri dışında neredeyse hiç süslenmemiştir. Orta döneme ait kaplar, bazen hacim izlenimi yaratan kalıplanmış öğelerle daha zengin bir şekilde süslenmiştir. Üçüncü dönem kaplarının formları çok çeşitlidir ancak dekor tekrar düzleşir ve daha ölçülü hale gelir.

Yaklaşık 2. yüzyılda. M.Ö. Jōmon seramiği, formunun zarafeti, tasarımın basitliği ve yüksek teknik kalitesiyle karakterize edilen Yayoi seramiklerine yol verdi. Geminin parçası inceldi, süsleme daha az tuhaf hale geldi. Bu tip 3. yüzyıla kadar hüküm sürdü. AD

Sanatsal açıdan, erken dönemin belki de en iyi eserleri, 3.-5. yüzyıllardan kalma kil silindirler olan khaniwa'dır. AD Bu dönemin karakteristik anıtları, devasa tepeler veya mezar höyükleri, imparatorların mezar yapıları ve güçlü soylulardır. Genellikle çok büyüktürler, imparatorluk ailesinin ve saray mensuplarının gücünün ve zenginliğinin kanıtıdırlar. İmparator Nintoku-tenno (yaklaşık MS 395-427) için böyle bir yapının inşası 40 yıl sürdü. Bu höyüklerin en dikkat çekici özelliği, etrafını bir çit, khaniva gibi saran kil silindirlerdi. Genellikle bu silindirler oldukça basitti, ancak bazen insan figürleriyle, daha az sıklıkla at, ev veya horoz figürleriyle süslenmişlerdi. Amaçları iki yönlüydü: büyük toprak kütlelerinin erozyonunu önlemek ve ölen kişiye dünyevi yaşamda kullandığı gerekli her şeyi sağlamak. Doğal olarak, silindirler hemen büyük miktarlarda yapıldı. Temaların çeşitliliği, onları süsleyen figürlerin yüz ifadeleri ve jestleri, büyük ölçüde ustanın doğaçlamasının sonucudur. Bunlar sanatçı ve heykeltıraşlardan çok zanaatkarların eserleri olmasına rağmen, gerçek bir Japon olarak büyük önem taşıyorlar. Sanat formu. Binalar, battaniyelere sarılmış atlar, asil hanımlar ve savaşçılar temsil eder. ilginç resim erken feodal Japonya'nın askeri hayatı. Bu silindirlerin prototiplerinin, çeşitli nesnelerin doğrudan mezarlara yerleştirildiği Çin'de ortaya çıkması mümkündür, ancak haniwa'nın icrası ve kullanımı yerel geleneğe aittir.

Arkaik dönem genellikle yüksek sanatsal düzeydeki eserlerin olmadığı, esas olarak arkeolojik ve etnolojik değeri olan şeylerin egemen olduğu bir dönem olarak görülür. Bununla birlikte, bu erken kültürün eserlerinin bir bütün olarak büyük bir canlılığa sahip olduğu unutulmamalıdır, çünkü biçimleri hayatta kaldı ve spesifik olarak varlığını sürdürdü. ulusal özellikler Daha sonraki dönemlerde Japon sanatı.

Asuka dönemi

(MS 552-710). Budizm'in 6. yüzyılın ortalarında tanıtılması. Japonların yaşam ve düşünce biçimlerinde önemli değişiklikler yapmış ve bu ve sonraki dönem sanatının gelişmesine itici güç olmuştur. Budizm'in Çin'den Kore üzerinden gelişi geleneksel olarak MS 552'ye tarihlenir, ancak muhtemelen daha önce biliniyordu. İlk yıllarda Budizm siyasi muhalefetle, ulusal din olan Şinto'ya karşı muhalefetle karşı karşıya kaldı, ancak yalnızca birkaç on yıl sonra, yeni inanç resmi onay aldı ve sonunda kuruldu. Japonya'ya girişinin ilk yıllarında Budizm, imgelere ihtiyaç duyan az sayıda tanrıya sahip nispeten basit bir dindi, ancak yaklaşık yüz yıl sonra güç kazandı ve panteon muazzam bir şekilde büyüdü.
Bu dönemde, yalnızca inancı yayma amaçlarına hizmet etmeyen, aynı zamanda sanat ve eğitim merkezleri olan tapınaklar kuruldu. Horyu-ji'deki manastır-tapınak, erken dönem Budist sanatının incelenmesi için en önemlilerinden biridir. Diğer hazinelerin yanı sıra, büyük üçlü Syaka-Nerai'nin (MS 623) bir heykeli var. Bildiğimiz ilk büyük Japon heykeltıraş Tori Busshi'nin bu eseri, Çin'in büyük mağara tapınaklarındaki benzer gruplara benzeyen, stilize edilmiş bronz bir resimdir. Oturan Shaki'nin ("shakyamuni" kelimesinin Japonca transkripsiyonu, tarihi Buda) ve onun yanlarında duran iki figürün pozunda katı bir cephelilik gözlemlenir. Formlar insan figürüşematik olarak işlenmiş kıyafetlerin ağır simetrik kıvrımları tarafından gizlenmiş ve pürüzsüz uzun yüzlerde kişi rüya gibi bir kendi kendine odaklanma ve tefekkür hissedebilir. Bu ilk Budist döneminin heykeli, elli yıl önce anakaradan gelen stil ve prototiplere dayanmaktadır; Kore üzerinden Japonya'ya gelen Çin geleneğini sadakatle takip eder.

Bu zamanın en önemli heykellerinden bazıları bronzdan yapılmıştır ancak ahşap da kullanılmıştır. En ünlü iki ahşap heykel, tanrıça Kannon'un heykelleridir: Her ikisi de Horyuji'de bulunan Yumedono Kannon ve Kudara Kannon. Arkaik gülümsemeleri ve hülyalı ifadeleriyle Şeki üçlüsünden daha çekici bir tapınma nesnesidirler. Kannon figürlerinde cüppelerin kıvrımlarının dizilişi de şematik ve simetrik olsa da daha hafif ve hareketlidir. Yüksek ince rakamlar yüzlerin maneviyatını, soyut nezaketlerini, tüm dünyevi kaygılardan uzak, ancak ıstırabın zevklerine duyarlı olduklarını vurgulayın. Heykeltıraş, Kudara Kannon figürünün giysi kıvrımlarıyla gizlenen ana hatlarına biraz dikkat etti ve Yumedono'nun pürüzlü siluetinin aksine hem figürün hem de kumaşın hareketi derinlemesine yönlendirildi. Kudar'ın profilinde Kannon zarif bir S şekline sahip.

7. yüzyılın başlarındaki üslup hakkında fikir veren tek resim örneği, "kanatlı tapınak" olan Tamamushi Zushi'dir. Bu minyatür kutsal alan, adını delikli metal bir çerçeveye yerleştirilmiş yanardöner böcek kanatlarından alır; daha sonra renkli lake ile yapılmış dini kompozisyonlar ve bireysel karakterlerin figürleri ile dekore edilmiştir. Bu dönemin heykelleri gibi, bazı görseller de büyük bir tasarım özgürlüğü sergiliyor.

nara dönemi

(710-784). 710'da başkent, Çin'in başkenti Chang'an'dan sonra modellenen yeni bir şehir olan Nara'ya taşındı. Geniş caddeler, büyük saraylar, çok sayıda Budist tapınağı vardı. Sadece tüm yönleriyle Budizm değil, Çin'in tüm kültürel ve politik yaşamı bir rol model olarak görüldü. Belki de hiçbir ülke kendi kültürünün yetersizliğini bu kadar hissetmemiş ve dış etkilere bu kadar açık olmamıştır. Akademisyenler ve hacılar Japonya ile anakara arasında serbestçe hareket ettiler ve Tang Hanedanlığı döneminde yönetim ve saray hayatı Çin'den sonra modellendi. Ancak unutulmamalı ki Japonlar, özellikle sanatta Tang Çini'nin modellerini taklit etseler de, onun etkisini ve üslubunu algılasalar da, hemen hemen her zaman yabancı biçimleri kendi tarzlarına uyarlamışlardır.

Heykelde, önceki Asuka döneminin katı cephesi ve simetrisi yerini daha özgür formlara bıraktı. Tanrılar hakkında fikirlerin geliştirilmesi, artan teknik beceri ve malzemeye sahip olma özgürlüğü, sanatçıların daha yakın ve daha erişilebilir ikonik görüntüler yaratmasına olanak sağladı. Yeni Budist mezheplerinin kurulması, panteonu Budizm'in azizlerini ve kurucularını bile kapsayacak şekilde genişletti. Bronz heykelin yanı sıra ahşap, kil ve ciladan yapılmış çok sayıda eser bilinmektedir. Taş nadirdi ve neredeyse hiç heykel için kullanılmadı. Kuru cila özellikle popülerdi, belki de bileşimi hazırlama sürecinin karmaşıklığına rağmen, ondan yapılan eserler ahşaptan daha muhteşem görünüyordu ve üretimi daha kolay olan kil ürünlerden daha güçlüydü. Lake figürler, daha sonra çıkarılan ahşap veya kil bir taban üzerinde veya ahşap veya tel bağlantı parçaları üzerinde oluşturuldu; hafif ve güçlüydüler. Bu teknik, pozlarda bir miktar katılık gerektirse de, yüzlerin tasvirinde büyük ölçüde özgürlüğe izin verildi, bu da tam anlamıyla portre heykeli olarak adlandırılabilecek şeyin gelişimine kısmen katkıda bulundu. Tanrının yüzünün görüntüsü, Budist kanonlarının katı reçetelerine uygun olarak yapıldı, ancak inancın bazı kurucularının ve vaizlerinin popülaritesi ve hatta tanrılaştırılması, portre benzerliğini iletmek için mükemmel fırsatlar sağladı. Böyle bir benzerlik, Japonya'da saygı duyulan Çin patriği Genjin'in Toshodaiji tapınağında bulunan kuru cila heykelinde izlenebilir. Genjin, 753'te Japonya'ya vardığında kördü ve görmeyen gözleri ve aydınlanmış iç tefekkür hali, bilinmeyen bir heykeltıraş tarafından güzel bir şekilde işleniyor. Bu gerçekçi eğilim, en açık şekilde, 13.-14. yüzyıllarda heykeltıraş Kosho tarafından yaratılan vaiz Kui'nin ahşap heykelinde ifade edildi. Vaiz, bir asa, bir gong ve bir tokmakla gezgin bir dilenci gibi giyinmiş ve yarı açık ağzından Buda'nın küçük figürleri çıkıyor. Şarkı söyleyen keşişin imajından memnun olmayan heykeltıraş, sözlerinin en derin anlamını ifade etmeye çalıştı.
Nara dönemi Buda'nın görüntüleri de büyük gerçekçilikle ayırt edilir. Sayıları her geçen gün artan tapınaklar için yaratılmışlar, öncekiler kadar soğuk ve çekingen değiller, daha zarif bir güzellikleri ve asaletleri var ve kendilerine tapanlara daha çok iltifat ediyorlar.

Bu döneme ait çok az tablo günümüze ulaşmıştır. Kağıt üzerindeki çok renkli çizim, Buda'nın geçmiş ve şimdiki yaşamlarını tasvir ediyor. Bu, emakimono veya parşömen resminin birkaç eski örneğinden biridir. Parşömenler yavaşça sağdan sola açıldı ve izleyici, resmin yalnızca parşömeni açan eller arasındaki kısmının tadını çıkarabildi. Resimler, metnin bir bölümünün açıklayıcı bir resimle dönüşümlü olarak yer aldığı sonraki parşömenlerin aksine, doğrudan metnin üzerindeydi. Parşömen resminin hayatta kalan bu en eski örneklerinde, ana hatları çizilen figürler, zar zor ana hatları çizilen bir manzaranın arka planına ve ana karaktere, bu durum Syaka çeşitli bölümlerde görünür.

Erken Heian

(784-897). 784'te başkent, kısmen Nara'nın Budist din adamlarının egemenliğinden kaçınmak için geçici olarak Nagaoka'ya taşındı. 794'te daha uzun bir süre için Heian'a (şimdiki Kyoto) taşındı. Geç 8. ve 9. yüzyıllar Japonya'nın birçok yabancı yeniliği kendi özelliklerine uyarlayarak başarıyla özümsediği bir dönemdi. Budist dini de, gelişmiş ritüel ve görgü kuralları ile yeni ezoterik Budizm mezheplerinin ortaya çıktığı bir değişim dönemi yaşadı. Bunlardan en etkili olanı, Hindistan'da ortaya çıkan Tendai ve Shingon mezhepleriydi, Çin'e ulaştı ve oradan uzun bir çıraklıktan sonra anavatanlarına dönen iki bilim adamı tarafından Japonya'ya getirildi. Shingon ("Doğru Sözler") mezhebi özellikle sarayda sevildi ve hızla hakim bir konuma geldi. Ana manastırları Kyoto yakınlarındaki Koya Dağı'nda bulunuyordu; diğer önemli Budist merkezler gibi bir depo haline geldiler büyük koleksiyonlar sanat anıtları.

Heykel 9. yy. çoğunlukla ahşaptı. Tanrıların görüntüleri, görünüşlerinin ve kütlelerinin ciddiyeti ile vurgulanan ciddiyet ve erişilemez ihtişamla ayırt edildi. Perdeler standart desenlere göre ustaca kesildi, eşarplar dalgalar halinde uzanıyordu. Muroji'deki tapınaktan ayakta duran Shaki figürü bu tarzın bir örneğidir. 9. yüzyılın bu ve benzeri görüntüleri için. daha derin, net kıvrımlar ve diğer ayrıntılarla sert oyma ile karakterize edilir.

Tanrıların sayısının artması sanatçılar için büyük zorluklar yaratmıştır. Karmaşık, harita benzeri mandalalarda (büyülü anlamı olan geometrik bir tasarım), tanrılar, kendisi de mutlakın yalnızca bir tezahürü olan, merkezi olarak yerleştirilmiş bir Buda'nın etrafında hiyerarşik olarak düzenlenmişti. Bu sırada, koruyucu tanrıların figürlerini alevlerle çevrili, görünüşte korkunç, ancak doğası gereği yararlı tasvir etmenin yeni bir yolu ortaya çıktı. Bu tanrılar asimetrik olarak düzenlenmiş ve hareketli pozlarda, korkunç yüz hatlarında, inancı olası tehlikelerden şiddetle koruyan tasvir edilmiştir.

Orta ve Geç Heian veya Fujiwara dönemi

(898-1185). Din adamlarının zorlu taleplerinden kurtulmayı amaçlayan başkentin Heian'a devredilmesi, politik sistem. Soylular baskın güçtü ve Fujiwara ailesi onun en karakteristik temsilcileri haline geldi. Dönem 10-12 yüzyıllar. genellikle bu adla ilişkilendirilir. Gerçek imparatorlara, daha keyifli şiir ve resim arayışları uğruna devlet işlerini bir kenara bırakmalarının "şiddetle tavsiye edildiği" bir özel güç dönemi başladı. Yetişkinliğe ulaşana kadar imparator, genellikle Fujiwara ailesinden katı bir naip tarafından yönetildi. Edebiyat, kaligrafi ve sanatta lüks ve olağanüstü başarılar çağıydı; her şey durgun ve duygusal geliyordu, bu nadiren derinliğe ulaştı, ama genel olarak büyüleyiciydi. Zarif incelik ve gerçeklerden kaçış bu zamanın sanatına yansıdı. Budizm'in taraftarları bile daha kolay yollar arıyorlardı ve göksel Buda Amida'ya tapınma özellikle popüler hale geldi. Buda Amida'nın şefkat ve kurtarıcı zarafet kavramları bu dönemin resim ve heykellerine derinden yansımıştır. 9. yüzyıl heykellerinin masifliği ve kısıtlılığı. 10-11 yüzyıllarda. yerini mutluluk ve çekiciliğe bıraktı. Tanrılar rüya gibi, düşünceli sakin olarak tasvir edilir, oymalar daha az derinleşir, yüzey daha renkli hale gelir ve zengin bir şekilde gelişmiş bir dokuya sahiptir. Bu dönemin en önemli anıtları heykeltıraş Jocho'ya aittir.
Sanatçıların eserleri ayrıca kumaş üzerindeki çizimleri ve hatta korkunç tanrıları anımsatan daha yumuşak özellikler kazandı - inancın savunucuları daha az korkutucu hale geldi. Sutralar (Budist metinler) koyu mavi tonlu kağıda altın ve gümüşle yazılırdı, metnin ince kaligrafisinden önce genellikle küçük bir resim gelirdi. En popüler yerler Budizm ve onlarla ilişkili tanrılar, aristokrasinin tercihlerini ve erken Budizm'in sert ideallerinden kademeli olarak ayrılmayı yansıtır.

Bu zamanın atmosferi ve eserleri kısmen 894'te Çin ile resmi ilişkilerin sona ermesiyle bağlantılı. O zamanlar Çin'de Budizm zulüm gördü ve yozlaşmış Tang mahkemesi bir düşüş halindeydi. Bu kopukluğu izleyen tenha ada varlığı, Japonları kendi kültürlerine dönmeye ve yeni, daha saf bir Japon tarzı geliştirmeye sevk etti. Gerçekten de, 10-12. Yüzyılların laik resmi. hem teknik hem de kompozisyon ve olay örgüsü bakımından neredeyse tamamen Japoncaydı. Yamato-e adı verilen bu Japon parşömenlerinin ayırt edici bir özelliği, engi olay örgülerinin (köken, tarih) baskınlığıydı. Çin parşömenleri çoğunlukla engin şaşırtıcı doğayı, dağların, akarsuların, kayaların ve ağaçların panoramalarını ve insanları tasvir ederken, çizim ve metinde Japonların anlatı parşömenlerinde nispeten önemsiz görünüyordu, kişi ana şeydi. Manzara, ana karaktere veya kişilere bağlı olarak, anlatılan hikaye için yalnızca bir arka plan rolü oynadı. Parşömenlerin çoğu, ünlü Budist vaizlerin ya da tarihi figürler, seyahatleri ve askeri kampanyaları. Diğerleri, soyluların ve saray mensuplarının hayatından romantik olaylardan bahsetti.

İlk parşömenlerin görünüşte kendine özgü stili, Budist defterlerinin sayfalarındaki basit mürekkep eskizlerinden geliyordu. Bunlar, hayvan resimleri aracılığıyla insan davranışını karikatürize eden ustaca çizimlerdir: manastır giysili bir maymun, şişirilmiş bir kurbağaya tapınma, tavşan, maymun ve kurbağa yarışmaları. Bunlar ve diğer geç Heian parşömenleri, 13. ve 14. yüzyılların gelişmiş stilinin daha karmaşık anlatı parşömenlerinin temelini oluşturdu.

Kamakura dönemi

(1185-1392). 12. yüzyılın sonları Japonya'nın siyasi ve dini yaşamına ve tabii ki sanatına ciddi değişiklikler getirdi. Kyoto mahkemesinin zarafeti ve estetiği değiştirildi veya "özel" kural geleneğinde, yeni, sert ve cesur bir kural olan Kamakura şogunluğu şeklinde "eklendi". Kyoto nominal olarak başkent olarak kalmasına rağmen, şogun Minamoto no Yoritomo (1147-1199) karargahını Kamakura şehrinde kurdu ve sadece 25 yıl içinde katı bir askeri diktatörlük ve feodalizm sistemi kurdu. Sıradan halk tarafından anlaşılamayacak kadar karmaşık ve ritüelleşmiş olan Budizm, sanatın himayesini vaat etmeyen büyük bir değişim geçirdi. Honen Shonin'in (1133-1212) liderliğindeki Buddha Amida'ya bir tapınma biçimi olan Yodo ("Saf Toprak") mezhebi, budalar ve tanrılar hiyerarşisini yeniden düzenledi ve Amida'ya inanan herkese kurtuluş umudu verdi. Bu kolayca ulaşılabilen bir cennet doktrini daha sonra, Amida'nın hoşgörüsünün o kadar büyük olduğunu ve dini eylemlerde bulunmaya gerek olmadığını, bunun yeterli olduğunu kabul eden Shin mezhebinin kurucusu Shinran (1173-1262) adlı başka bir keşiş tarafından daha sonra basitleştirildi. "Namu Amida Butsu" büyüsünü tekrarlamak için (ilk kelime "gönder" anlamına gelir; ikinci ikisi "Buddha Amida"dır). Bir ruhu kurtarmanın bu kadar basit bir yolu son derece çekiciydi ve şimdi milyonlar bunu kullanıyor. Bir nesil sonra, tarikata adını veren militan vaiz Nichiren (1222-1282), bu basitleştirilmiş din biçimini terk etti. Takipçileri, anında ve koşulsuz kurtuluş vaat etmeyen Lotus Sutra'ya saygı duyuyorlardı. Vaazları genellikle siyasi konulara değiniyordu ve inançları ile kilise ve devlet reformları önerdiği Kamakura'daki yeni savaşçı sınıfına hitap ediyordu. Son olarak, 8. yüzyılda ortaya çıkan Zen felsefesi, o dönemin Budist düşüncesinde giderek daha büyük bir rol oynamaya başladı. Zen, meditasyonun önemini vurguladı ve insanı Tanrı ile bağlantı kurma arayışında engelleyebilecek her türlü imgeyi hor gördü.

Dolayısıyla, dini düşüncenin daha önce ibadet için gerekli olan resim ve heykel sayısını sınırlandırdığı bir dönemdi. Bununla birlikte, Kamakura döneminde, bazı en iyi eserler Japon sanatı. Teşvik, Japonların doğasında var olan sanat sevgisiydi, ancak bulmacanın anahtarı, bu tür dogmalarda değil, insanların yeni inançlara karşı tutumundadır. Gerçekten de eserlerin kendileri yaratılış nedenini gösteriyor çünkü bu heykellerin ve hayat ve enerji dolu resimlerin çoğu portre. Zen felsefesi, dini tapınmanın sıradan nesnelerini aydınlanmanın önünde bir engel olarak görmüş olsa da, öğretmenlere hürmet etme geleneği oldukça kabul edilebilirdi. Portrenin kendisi bir tapınma nesnesi olamazdı. Portreye yönelik bu tutum, Zen Budizmine özgü değildi: Saf Toprak mezhebinin birçok bakanı, neredeyse Budist tanrıları gibi saygı görüyordu. Portre sayesinde yeni bir mimari form bile ortaya çıktı - mieido veya portre şapeli. Gerçekçiliğin hızlı gelişimi tamamen zamanın ruhuna uygundu.
Rahiplerin resmedilmeye değer portreleri, belli ki belirli kişilerin resimleri olsa da, genellikle Budizm'in Çinli kurucularını betimleyen resimlerin yeniden işlenmiş haliydi. Vaaz verirken boyanmışlardı, ağızları açık, elleri hareket ediyordu; bazen dilenci keşişler, inancın ihtişamı için zorlu bir yolculuk yaparken tasvir edildi.

En popüler olay örgülerinden biri, ölüm döşeğindeki bir müminin ruhunu kurtarmak ve onu cennete nakletmek için bir bulutun üzerine inen Buda Amida'yı arkadaşlarıyla birlikte tasvir eden raigo (istenen varış) idi. Bu tür görüntülerin renkleri genellikle uygulanan altınla zenginleştirildi ve dalgalı çizgiler, dalgalanan pelerinler, dönen bulutlar Buda'nın inişine bir hareket hissi verdi.

12. yüzyılın ikinci yarısında ve 13. yüzyılın başlarında çalışan Unkei, Kamakura döneminde heykeltıraşların en sevdiği malzeme olarak kalan ahşabı yontmayı kolaylaştıran bir yeniliğin yazarıydı. Önceden, usta, figürün kesildiği güverte veya kütüğün boyutu ve şekli ile sınırlıydı. Kollar ve giyim elemanları ayrı ayrı üst üste bindirildi, ancak bitmiş parça genellikle orijinal silindirik şekle benziyordu. Yeni teknikte, düzinelerce küçük parça dikkatlice birbirine oturtularak içi boş bir piramit oluşturuldu ve çıraklar daha sonra figürü kabaca kesebiliyorlardı. Heykeltraşın emrinde daha yumuşak bir malzeme ve daha karmaşık formlar yaratma yeteneği vardı. Kaslı tapınak muhafızları ve dalgalanan pelerinler ve cüppeler içindeki tanrılar, göz yuvalarına kristal veya cam yerleştirilmeye başlandığı için daha canlı görünüyordu; heykeller yaldızlı bronzla süslenmeye başlandı. Ahşap kurudukça daha hafif hale geldiler ve çatlama olasılıkları azaldı. Unkei'nin oğlu Kosho'nun eseri olan Kuya Shonin'in bahsedilen ahşap heykeli, portre heykelinde Kamakura döneminin gerçekçiliğinin en yüksek başarısını göstermektedir. Gerçekten de, o dönemde heykel, gelişiminde doruk noktasına ulaştı ve daha sonra artık sanatta bu kadar önemli bir yer işgal etmedi.

Laik resim aynı zamanda zamanın ruhunu da yansıtıyordu. Geç Heian döneminin ölçülü renkler ve zarif çizgilerle anlatı parşömenleri, Prens Genji'nin romantik maceralarını veya sarayın münzevi hanımlarının eğlencelerini anlatıyordu. Şimdi, parlak renkler ve enerjik vuruşlarla, Kamakura döneminin sanatçıları, savaşan klanların savaşlarını, alevler içinde kalan sarayları ve saldıran birliklerden kaçan korkmuş insanları tasvir ettiler. Parşömende dini bir hikaye ortaya çıktığında bile, görüntü bir ikondan çok kutsal insanların seyahatlerinin ve gerçekleştirdikleri mucizelerin tarihsel bir kanıtıydı. Bu arsaların tasarımında, doğaya karşı artan bir sevgi ve yerel manzaralara olan hayranlık bulunabilir.

Muromachi veya Ashikaga dönemi

(1392-1568). 1392'de, 50 yılı aşkın çekişmeden sonra Aşıkağa ailesinin üçüncü şogun'u Yoshimitsu (1358-1408) ülkeyi yeniden birleştirdi. Hükümet koltuğu, Ashikaga şogunlarının Muromachi mahallesinde saraylarını inşa ettiği Kyoto'nun sözde başkenti oldu. (Bu döneme bazen Muromachi, bazen Ashikaga denir.) savaş zamanı birçok tapınağı - orada bulunan hazinelerle birlikte yakılan Japon sanatının depolarını - esirgemedi. Ülke ciddi bir şekilde harap olmuştu ve savaşan klanlar başarılarında kaprislerine göre iyilikler dağıttığı için barış bile çok az rahatlama getirdi. Durumun sanatın gelişimi için son derece elverişsiz olduğu görülüyor, ancak gerçekte Ashikaga şogunları, özellikle resmin geliştiği 15. ve 16. yüzyıllarda, ona patronluk tasladılar.

Bu dönemin en önemli sanatı, Zen Budizmi tarafından teşvik edilen ve Song ve Yuan hanedanlarının Çin tasarımlarından etkilenen tek renkli şiirsel mürekkep çizimleriydi. Ming Hanedanlığı döneminde (1368-1644), Çin ile temaslar yenilendi ve bir koleksiyoncu ve sanat koruyucusu olan Yoshimitsu, koleksiyonculuğu ve çalışmayı teşvik etti. Çin resmi. Hafif ve akıcı fırça darbeleriyle manzaralar, kuşlar, çiçekler, rahip ve bilge resimleri çizen yetenekli sanatçılar için bir model ve başlangıç ​​noktası oldu. Bu zamanın Japon resmi, çizgi ekonomisi ile karakterize edilir; sanatçı, izleyicinin bakışının onu ayrıntılarla doldurmasına izin vererek, tasvir edilen olay örgüsünün özünü çıkarıyor gibi görünüyor. Bu resimlerdeki gri ve parlak siyah mürekkebin geçişleri, yazarlarına ilham veren Zen felsefesine çok yakındır. Bu inanç, Kamakura'nın askeri gücü altında bile hatırı sayılır bir etkiye ulaşmış olsa da, çok sayıda Zen manastırının ortaya çıktığı 15. ve 16. yüzyıllarda hızla yayılmaya devam etti. Esas olarak "kendini kurtarma" fikrini vaaz ederek, kurtuluşu Buda ile ilişkilendirmedi, bunun yerine, onu mutlakla birleştiren ani bir sezgisel "aydınlanma" elde etmek için insanın şiddetli öz disiplinine güvendi. Mürekkebin tutumlu ama cesur kullanımı ve kağıdın boyanmamış bölümlerinin idealize edilmiş manzaraları, bilgeleri ve bilim adamlarını tasvir etmede önemli bir rol oynadığı asimetrik kompozisyon, bu felsefeyle uyumluydu.

Tek renkli mürekkeple resim yapma tarzı olan sumi-e'nin en ünlü savunucularından biri, uzun ve verimli yaşamı kendisine sürekli saygı gösterilmesini sağlayan bir Zen rahibi olan Sesshu'ydu (1420-1506). Hayatının sonunda, net, ekonomik vuruşlar gerektiren olgun tarzın aksine, monokrom resim geleneğini neredeyse soyutlamaya götüren haboku (hızlı mürekkep) stilini kullanmaya başladı.
Kano sanatçı ailesinin faaliyeti ve üsluplarının gelişimi aynı döneme denk gelir. Konu seçimi ve mürekkep kullanımı açısından Çince'ye yakındı, ancak ifade araçları açısından Japonca kaldı. Kano, şogunluğun desteğiyle "resmi" okul oldu ya da sanatsal tarz resim ve 19. yüzyılda bile gelişti.

Naif yamato-e geleneği, Japon resminin ikinci önemli yönü olan Tosa okulunun eserlerinde yaşamaya devam etti. Aslında, o zamanlar, Kano ve Tosa olmak üzere her iki okul da yakından bağlantılıydı. modern hayat. Motonobu Kano (1476-1559), biri seçkin sanatçılar Bu dönemde kızını ünlü ressam Tosa ile evlendirmekle kalmamış, onun tarzında resim de yapmıştır.

15-16 yüzyıllarda. sadece birkaç kayda değer heykel eseri vardı. Bununla birlikte, çeşitli ruh halleri ve duygularıyla noo dramasının gelişiminin heykeltıraşlar için yeni bir faaliyet alanı açtığına dikkat edilmelidir - oyuncular için maskeler oydular. Aristokrasi tarafından ve aristokrasi için oynanan klasik Japon dramasında, oyuncular (bir veya daha fazla) maske takardı. Korku, endişe ve kafa karışıklığından ölçülü neşeye kadar bir dizi duygu aktardılar. Bazı maskeler o kadar mükemmel bir şekilde oyulmuştu ki, oyuncunun başını en ufak bir çevirmesi, ifadesinde ince değişikliklere neden oldu. Bu maskelerin dikkat çekici örnekleri, üyeleri için yapıldıkları aileler tarafından yıllarca saklandı.

Momoyama dönemi

(1568-1615). 1593'te büyük askeri diktatör Hideyoshi, kalesini Momoyama, "Şeftali Tepesi" üzerine inşa etti ve Ashikaga şogunluğunun düşüşünden Tokugawa veya Edo döneminin kuruluşuna kadar geçen 47 yıllık dönemi bu adla belirtmek adettendir. , 1615'te. Bu, büyük serveti sanatın gelişmesine katkıda bulunan tamamen yeni bir askeri sınıfın hakimiyet dönemiydi. Büyük seyirci salonları ve uzun koridorları olan etkileyici kaleler, 16. yüzyılın sonunda moda oldu. ve büyüklüklerine uygun süs eşyaları talep ettiler. Sert ve cesur insanların zamanıydı ve yeni patronlar, eski aristokrasinin aksine, entelektüel uğraşlarla veya zanaatkarlığın incelikleriyle pek ilgilenmiyorlardı. Neyse ki, yeni nesil sanatçılar patronlarına göre yaşadılar. Bu dönemde harika ekranlar ve parlak kırmızı, zümrüt, yeşil, mor ve mavi çiçekler. Genellikle altın veya gümüş zemin üzerine yapılan bu tür coşkulu renkler ve dekoratif formlar, yüz yıl boyunca çok popülerdi ve yaratıcılarına haklı olarak "büyük dekoratörler" deniyordu. İnce Japon zevki sayesinde, gösterişli tarz bayağılığa dönüşmedi ve kısıtlama ve yetersizlik yerini lüks ve dekoratif aşırılıklara bıraktığında bile Japonlar zarafeti korumayı başardı.

Bu dönemin ilk büyük sanatçılarından biri olan Eitoku Kano (1543-1590), Kano ve Tosa tarzında çalışarak birincisinin çizim anlayışını genişletip ikincisinin renk zenginliğiyle birleştirdi. Eitoku'nun güvenli bir şekilde yazarı olarak tanımlanabileceği yalnızca birkaç eser hayatta kalsa da, Momoyama stilinin kurucularından biri olarak kabul edilir ve bu dönemin sanatçılarının çoğu onun öğrencisiydi veya ondan etkilenmişti.

Edo veya Tokugawa dönemi

(1615-1867). Yeni birleşmiş Japonya'ya gelen uzun barış dönemine ya hükümdarın adından sonra Tokugawa zamanı ya da Edo (modern Tokyo) denir, çünkü 1603'te bu şehir yeni güç merkezi haline geldi. Kısa Momoyama döneminin iki ünlü generali Oda Nobunaga (1534-1582) ve Toyotomi Hideyoshi (1536-1598), askeri harekât ve diplomasi yoluyla, sonunda güçlü klanlar ile militan din adamlarını uzlaştırmayı başardılar. Hideyoshi'nin 1598'de ölümüyle iktidar, ortaklaşa başlatılan önlemleri tamamlayan Ieyasu Tokugawa'ya (1542-1616) geçti. 1600'deki belirleyici Sekigahara savaşı, Ieyasu'nun konumunu güçlendirdi, 1615'te Oska Kalesi'nin düşüşüne, Hideyoshi evinin nihai çöküşü ve Tokugawa şogunluğunun bölünmemiş yönetiminin kurulması eşlik etti.

Tokugawa'nın barışçıl yönetimi 15 nesil sürdü ve ancak 19. yüzyılda sona erdi. Temelde bir "kapalı kapılar" politikası dönemiydi. 1640 tarihli bir kararname ile yabancıların Japonya'ya girişi yasaklandı ve Japonlar yurt dışına seyahat edemiyordu. Tek ticari ve kültürel bağlantı, Nagazaki limanı üzerinden Hollandalılar ve Çinlilerle oldu. Diğer tecrit dönemlerinde olduğu gibi 17. yüzyılın sonlarında milli duygularda bir yükseliş ve ortaya çıkış olmuştur. sözde tür resim ve gravür okulu.
Hızla büyüyen başkent Edo, ada imparatorluğunun sadece siyasi ve ticari hayatının değil, aynı zamanda sanat ve zanaatın da merkezi haline geldi. Eyalet feodal beyleri olan daimyo'nun her yılın belirli bir döneminde başkentte bulunması gerekliliği, saray binaları da dahil olmak üzere yeni yapılara ve dolayısıyla bunları dekore edecek sanatçılara ihtiyaç doğurmuştur. Eşzamanlı olarak ortaya çıkan zengin ancak aristokrat olmayan bir tüccar sınıfı, sanatçılara yeni ve genellikle profesyonel olmayan bir himaye sağladı.

Erken Edo döneminin sanatı, Momoyama tarzını kısmen devam ettirir ve geliştirir, lüks ve ihtişama yönelik eğilimlerini yoğunlaştırır. Önceki dönemden miras kalan tuhaf görüntüler ve çok renkli zenginlik gelişmeye devam ediyor. Bu dekoratif tarz, 17. yüzyılın son çeyreğinde zirveye ulaşmıştır. sözde. Tokugawa döneminin (1688-1703) Genroku dönemi. Japon dekoratif sanatında, lüks bir yaşam tarzının nitelikleri olan resim, kumaş, cila, sanatsal önemsiz şeylerdeki renk ve dekoratif motiflerin savurganlığı ve zenginliği ile hiçbir paralelliği yoktur.

nispeten bahsettiğimiz için geç dönem tarih, birçok sanatçının adının ve eserlerinin korunmuş olması şaşırtıcı değil; burada en öne çıkanlardan sadece birkaçını adlandırmak mümkündür. Momoyama ve Edo dönemlerinde yaşayan ve çalışan dekoratif okulun temsilcileri arasında Honnami Koetsu (1558-1637) ve Nonomura Sotatsu (ö. 1643) bulunmaktadır. Çalışmaları, dikkate değer bir desen, kompozisyon ve renk duygusu sergiliyor. Yetenekli bir seramikçi ve cila sanatçısı olan Koetsu, kaligrafisinin güzelliği ile biliniyordu. Sotatsu ile birlikte o zamanlar moda olan parşömen şiirler yarattılar. Edebiyat, kaligrafi ve resmin bu birleşiminde, imgeler sadece illüstrasyon değildi: metnin algılanmasına uygun bir ruh hali yarattılar ya da önerdiler. Ogata Korin (1658-1716), dekoratif stilin mirasçılarından biriydi ve küçük kardeşi Ogata Kenzan (1663-1743) ile birlikte tekniğini mükemmelleştirdi. Bir sanatçıdan çok bir seramikçi olarak tanınan Kenzan, ünlü ağabeyinin tasarımlarının yazılı olduğu kapları pişirirdi. 19. yüzyılın başlarında bu okulun yeniden canlanması. şair ve ressam Sakai Hoitsu (1761-1828) tarafından yazılan dekoratif stilin son dalgası oldu. Horitsu'nun güzel parşömenleri ve ekranları, Korin'in çizim anlayışını Maruyama natüralizminin doğaya olan ilgisini birleştirerek, önceki dönemin renk zenginliği ve dekoratif motiflerini fırça darbelerinin ihtişamı ve inceliğiyle yumuşattı.

Çok renkli dekoratif tarzın yanı sıra, geleneksel Kano okulu mürekkep çizimi popüler olmaya devam etti. 1622'de Kanō Tanyu (1602-1674) saray ressamı olarak shogun'a atandı ve Edo'ya çağrıldı. Onun bu göreve atanması ve Kobikito'da Kano resim Edo okulunun kurulmasıyla birlikte, bu geleneğin yarım asırlık sanatsal önderliği başlamış, Kano ailesinin önemini yeniden kazanmış ve Edo döneminin eserlerini en önemli hale getirmiştir. Kano resminde önemlidir. Tangyu, "büyük dekoratörler" ve rakipleri tarafından yaratılan altın ve parlak renklerle boyanmış ekranların popülaritesine rağmen, yeteneğinin gücü ve resmi konumu sayesinde, canlanan Kano okulunun resmini soylular arasında popülerleştirmeyi başardı. Tanyu, sert bir kırık çizgiye ve kompozisyon öğelerinin geniş bir serbest yüzey üzerinde iyi düşünülmüş bir düzenlemesine dayanan Kano okulunun geleneksel özelliklerine güç ve basitlik kattı.

olduğu yeni bir yön ana özellik doğaya ilgi vardı, 18. yüzyılın sonlarında bu ilgi hakim olmaya başladı. Maruyama Okyo (1733-1795), baş yeni okul, bir köylüydü, sonra din adamı ve sonunda bir sanatçı oldu. İlk iki ders ona mutluluk ya da başarı getirmedi, ancak bir sanatçı olarak büyük zirvelere ulaştı ve Maruyama gerçekçi okulunun kurucusu olarak kabul edildi. Kano okulunun ustası Ishida Yutei (ö. 1785) ile çalıştı; ithal Hollanda gravürlerine dayanarak, Batı'nın perspektif temsil tekniğini kavradı ve bazen bu gravürleri basitçe kopyaladı. Chen Xuan (1235-1290) ve Shen Nanping'in incelikli ve gerçekçi stili de dahil olmak üzere Song ve Yuan hanedanlarından Çin stilleri üzerinde çalıştı; ikincisi 18. yüzyılın başında Nagasaki'de yaşadı. Okyo, doğadan birçok eser vermiş ve bilimsel gözlemleri, Maruyama okulunun dayandığı doğa algısının temelini oluşturmuştur.

18. yüzyılda natüralizme olan ilginin yanı sıra. Çin sanat geleneğinin yenilenen etkisi. Bu akımın temsilcileri, Çin'deki sanatın mevcut durumuna ilişkin anlayışları muhtemelen sınırlı olsa da, Ming (1368-1644) ve Qing (1644-1912) ressam-bilim adamlarının resim okuluna yöneldiler. Bu Japon okulunun sanatına bujinga (eğitimli insanların sanatı) adı verildi. Bujinga stilinin en etkili ustalarından biri, ünlü bir ressam ve hattat olan Ikeno Taiga'dır (1723-1776). Olgun tarzı, açık tonlarda ve mürekkeple hafif tüylü vuruşlarla dolu kalın kontur çizgileriyle karakterize edilir; ayrıca rüzgarda ve yağmurda eğilmiş bambu gövdelerini tasvir eden geniş, serbest siyah mürekkep darbeleriyle boyadı. Kısa, kıvrımlı çizgilerle, ormanla çevrili bir gölün üzerindeki puslu dağların görüntüsündeki gravürleri anımsatan bir etki elde etti.
17. yüzyıl Edo döneminin bir başka dikkate değer sanat yönetmenliğini ortaya çıkardı. Bu sözde ukiyo-e (değişen dünyanın resimleri) - sıradan insanlar tarafından ve onlar için yaratılan tür sahneleri. Erken ukiyo-e, eski başkent Kyoto'da ortaya çıktı ve çoğunlukla pitoreskti. Ancak üretimlerinin merkezi kısa süre sonra Edo'ya taşındı ve ustaların dikkati gravürlere odaklandı. Gravür baskının ukiyo-e ile yakın ilişkisi, gravür baskının bu dönemin keşfi olduğu yanılgısına yol açtı; aslında, 11. yüzyılda ortaya çıktı. Bu tür ilk görüntüler, Budizm'in kurucularını ve tanrıları betimleyen doğası gereği adak niteliğindeydi ve Kamakura döneminde, bazı anlatı parşömenleri oyulmuş bloklardan yeniden üretildi. Ancak gravür sanatı özellikle 17. yüzyılın ortalarından 19. yüzyıla kadar olan dönemde popüler oldu.

Ukiyo-e gravürlerinin konuları, gey mahallelerinin güzel fahişeleri, en sevilen aktörler ve dramalardan sahnelerdi. Erken, sözde. ilkel gravürler, güçlü ritmik dalgalı çizgilerle siyah olarak yapıldı ve ayırt edildi basit desen. Bazen hardal sarısı ve yeşil işaretlerle tan-e (parlak kırmızı resimler) adı verilen turuncu-kırmızı renkte elle boyanmışlardı. "İlkel" sanatçılardan bazıları, urushu-e (cila boyama) adı verilen, karanlık alanların yapıştırıcı eklenerek zenginleştirildiği ve daha parlak hale getirildiği el resmini kullandılar. 1741 veya 1742'de ortaya çıkan erken bir çok renkli baskıya benizuri-e (kızıl baskı) adı verildi ve genellikle üç renk kullanıldı - gül kırmızısı, yeşil ve bazen sarı. Tüm paleti kullanan ve nishiki-e (brokar resimler) adı verilen gerçekten çok renkli gravürler 1765'te ortaya çıktı.

Bireysel baskılar yaratmanın yanı sıra, oymacıların çoğu kitapları resimledi ve kitaplarda ve parşömenlerde erotik resimler yaparak para kazandı. Ukiyo-e oymacılığının üç tür faaliyetten oluştuğu akılda tutulmalıdır: matbaanın adını taşıyan bir ressamın, bir oymacının ve bir matbaanın işiydi.

Hishikawa Moronobu (c. 1625-1694), ukiyo-e baskıları yaratma geleneğinin kurucusu olarak kabul edilir. Bu akımın diğer "ilkel" sanatçıları, Kiyomasu (1694-1716) ve Kaigetsudo grubu (varlığı belirsizliğini koruyan garip bir sanatçı topluluğu) ve Okumura Masanobu'dur (1686-1764).

Benizuri-e baskılar üreten geçiş sanatçıları Ishikawa Toyonobu (1711-1785), Torii Kiyohiro (aktif yaklaşık 1751-1760) ve Torii Kiyomitsu (1735-1785) idi.

Suzuki Harunobu'nun (1725-1770) çalışmaları çok renkli gravür çağını açar. Yumuşak, neredeyse nötr renklerle dolu, zarif hanımlar ve yiğit aşıkların yaşadığı Harunobu'nun baskıları büyük bir başarıydı. Aynı sıralarda Katsukawa Shunsho (1726-1792), Torii Kienaga (1752-1815) ve Kitagawa Utamaro (1753-1806) onunla çalıştı. Her biri bu türün gelişimine katkıda bulundu; ustalar zarif güzellikleri tasvir eden gravürler getirdiler ve ünlü aktörler Mükemmelliğe. 1794-1795'te birkaç ay içinde, gizemli Tosusai Saraku, o günlerin aktörlerinin şaşırtıcı derecede güçlü ve açıkçası acımasız portrelerini yarattı.

19. yüzyılın ilk on yıllarında bu tür olgunluğa ulaştı ve düşüşe geçti. Katsushika Hokusai (1760-1849) ve Ando Hiroshige (1797-1858), çalışmaları 19. yüzyılda gravür sanatının düşüşünü birbirine bağlayan dönemin en büyük ustalarıdır. ve 20. yüzyılın başındaki yeni canlanması. Her ikisi de modern hayatın olaylarını gravürlerinde sabitleyen manzara ressamlarıydı. Oymacıların ve matbaacıların tekniğindeki parlak ustalık, gravürde tuhaf çizgileri ve batan güneşin veya şafakta yükselen sisin en ufak gölgelerini aktarmayı mümkün kıldı.

Meiji Restorasyonu ve Modern Dönem.

Çoğu zaman, şu veya bu halkın eski sanatının isimler, tarihler ve hayatta kalan eserler açısından zayıf olduğu görülür, bu nedenle herhangi bir yargılama ancak büyük bir dikkatle ve gelenekle yapılabilir. Bununla birlikte, herhangi bir hareketin veya sanatçının ve onun eserinin ölçeğini doğru bir şekilde değerlendirmek için tarihsel bir perspektiften mahrum olduğumuz için, çağdaş sanatı yargılamak daha az zor değil. Japon sanatının incelenmesi bir istisna değildir ve yapılabilecek en fazla şey, çağdaş sanatın bir panoramasını sunmak ve bazı geçici ön sonuçlar çıkarmaktır.

19. yüzyılın ikinci yarısında Japon limanları yeniden ticarete açıldı, siyasi sahnede büyük değişiklikler oldu. 1868'de şogunluk kaldırıldı ve İmparator Meiji'nin saltanatı yeniden sağlandı. İmparatorun resmi başkenti ve ikametgahı Edo'ya taşındı ve şehrin kendisi Tokyo (doğu başkenti) olarak tanındı.

Geçmişte olduğu gibi, ulusal izolasyonun sona ermesi, diğer ulusların başarılarına büyük ilgi yarattı. Bu sırada Japonlar bilim ve teknolojide büyük bir sıçrama yaptı. Sanatsal olarak, Meiji döneminin (1868-1912) başlangıcı, teknoloji de dahil olmak üzere Batılı olan her şeyin kabul edildiğini gösterir. Ancak bu gayret uzun sürmedi ve bunu bir asimilasyon dönemi, yeni biçimlerin ortaya çıkışı, kendi geleneklerine dönüşü ve yeni Batılı eğilimleri birleştiren bir dönem izledi.

Sanatçılar arasında Kano Hogai (1828-1888), Shimomura Kanzan (1873-1916), Takeuchi Seiho (1864-1924) ve Tomioka Tessai (1836-1942) ün kazandı. İlk üçü, ruh hali ve teknikte özgünlük göstermeye çalışsalar da, geleneksel Japon tarzına ve konularına bağlı kaldılar. Örneğin Seihō, Kyoto'nun sakin ve muhafazakar atmosferinde çalıştı. İlk çalışmaları Maruyama'nın natüralist tarzında yapıldı, ancak daha sonra Çin'de yoğun bir şekilde seyahat etti ve Çin mürekkep resminden derinden etkilendi. Avrupa'nın önde gelen müzelerine ve sanat merkezlerine yaptığı geziler de eserlerinde iz bırakmıştır. Bu zamanın tüm seçkin sanatçıları arasında yalnızca bir Tomioka Tessai yeni bir tarz geliştirmeye yaklaştı. Enerjik ve güçlü eserlerinde kaba, kıvrımlı, çentikli çizgiler ve siyah mürekkep lekeleri, incelikle yazılmış renk yamalarıyla birleşiyor. Daha sonraki yıllarda, bazı genç yağlı boya ressamları, büyükbabalarının başaramadığı yerde başarılı oldular. Bu olağandışı malzemeyle çalışmaya yönelik ilk girişimler, Paris tuvallerini andırıyordu ve ne özel bir değer ne de özgüllük ile ayırt edilmiyordu. Japon özellikleri. Bununla birlikte, ayırt edici bir Japon renk ve denge duygusunun soyut temalarla parıldadığı olağanüstü çekici eserler yaratılıyor. Daha doğal ve geleneksel mürekkeple çalışan ve bazen kaligrafiyi başlangıç ​​noktası olarak kullanan diğer sanatçılar, parlak siyahlar ve gri tonlarda enerjik soyut parçalar yaratıyor.

Edo döneminde olduğu gibi, 19. ve 20. yüzyıllarda. heykel popüler değildi. Ancak bu alanda bile Amerika ve Avrupa'da eğitim görmüş modern neslin temsilcileri çok başarılı deneyler yaptılar. küçük bronz heykeller, biçim olarak soyut ve garip bir şekilde adlandırılmış, yumuşak yeşil veya sıcak kahverengi patine kullanımında kendini gösteren Japon çizgi ve renk duygusunu sergiliyor; ahşap oymacılığı, Japonların malzemenin dokusuna olan sevgisine tanıklık ediyor.

Japon "yaratıcı baskısı" Sosaku hanga, 20. yüzyılın ilk on yılında ortaya çıktı, ancak özel bir sanat yönü olarak modern sanatın diğer tüm alanlarını gölgede bıraktı. Bu modern baskı, tam anlamıyla eski ukiyo-e gravürün halefi değildir; tarz, olay örgüsü ve yaratma yöntemleri bakımından farklılık gösterirler. Birçoğu Batı resminden büyük ölçüde etkilenen sanatçılar, kendi sanatsal miraslarının önemini anladılar ve yaratıcı ideallerini ifade etmek için ahşapta doğru malzemeyi buldular. Hanga ustaları sadece resim yapmakla kalmaz, aynı zamanda tahta bloklara resimler de oyar ve bunları kendileri basar. Bu sanat formunda ahşap işçiliği en yüksek seviyede olmasına rağmen, tüm modern Batı baskıresim teknikleri kullanılmaktadır. Bazı durumlarda yapraklar, sicim ve "bulunan nesneler" ile denemeler yapmak, benzersiz yüzey dokusu efektleri oluşturmanıza olanak tanır. İlk başta, bu akımın ustaları tanınmaya zorlandılar: Sonuçta, ukiyo-e okulunun en iyi başarıları bile entelektüel sanatçılar tarafından okuma yazma bilmeyen bir kalabalıkla ilişkilendirildi ve pleb sanatı olarak kabul edildi. Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi ve Maekawa Senpan gibi sanatçılar, baskıresme saygıyı yeniden tesis etmek ve bu yönü değerli bir dal olarak yerleştirmek için çok şey yaptılar. güzel Sanatlar. Birçok genç sanatçıyı gruplarına çektiler ve şimdi yüzlerce oymacı var. Japonya'da ve Batı'da tanınan bu kuşağın ustaları arasında Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen ve Saito Kiyoshi bulunmaktadır. Bunlar, yenilikçilikleri ve yadsınamaz yetenekleri, Japonya'nın önde gelen sanatçıları arasında değerli bir konuma sahip olmalarını sağlayan ustalardır. Akranlarının çoğu ve diğer genç hanga sanatçıları da dikkate değer gravürler ürettiler; burada isimlerini zikretmemiz, eserlerinin değerlendirilmesinin düşük olduğu anlamına gelmez.

SANATLAR VE UYGULAMALI SANATLAR, MİMARLIK VE BAHÇELER

Önceki bölümlerde, çoğu ülkede güzel sanatların ana türleri olarak kabul edilen resim ve heykel hakkındaydı. Belki de makalenin sonuna Japon sanatının önemli ve ayrılmaz bir parçası olan dekoratif sanatlar ve halk el sanatları, bahçe sanatı ve mimarlık biçimlerini dahil etmek haksızlık olur. Bununla birlikte, belki de, mimarlık dışında, özel bir değerlendirmeye ihtiyaç duyarlar. genel dönemlendirme Japon sanatı ve stil değişiklikleriyle.

Seramik ve porselen.

Japonya'daki en önemli sanat ve el sanatları seramik ve porselendir. Seramik sanatı doğal olarak iki kategoriye ayrılır. İnce çok renkli Imari, Nabeshima ve Kakiemon porselenleri, adını üretim yerlerinden almıştır ve krem ​​veya mavimsi beyaz bir yüzey üzerindeki zengin tablosu, soylular ve saray çevreleri için tasarlanmıştır. Gerçek porselen yapma süreci Japonya'da 16. yüzyılın sonlarında veya 17. yüzyılın başlarında bilinmeye başlandı; asimetrik veya brokar benzeri bir desene sahip pürüzsüz sırlı tabaklar ve kaseler hem evde hem de Batı'da değerlidir.

Shino, Oribe ve Bizen için tipik olan kilden veya düşük kaliteli taş kütlesinden yapılmış kaba çanak çömlekteki porselenin aksine, dikkat, görünüşte dikkatsiz ama dekoratif unsurların düşünceli düzenlemesi olan malzemeye odaklanmıştır. Zen Budizmi'nin kavramlarından etkilenen bu tür kaplar, entelektüel çevrelerde çok popülerdi ve özellikle çay törenlerinde yaygın olarak kullanılıyordu. Çay seremonisi sanatının nitelikleri olan pek çok fincan, çaydanlık ve kutuda Zen Budizminin özü somutlaştırılmıştı: katı öz disiplin ve katı sadelik. Japon dekoratif sanatlarının altın çağında yetenekli sanatçılar Korin ve Kenzan, seramik ürünlerin dekorasyonu ile uğraşıyorlardı. Unutulmamalıdır ki Kenzan'ın ünü bir ressam olarak değil, daha çok bir seramikçi olarak yeteneğiyle ilişkilidir. Kap yapmak için daha basit tip ve tekniklerden bazıları halk zanaatı geleneklerinden gelmektedir. Eski gelenekleri sürdüren modern atölyeler, zarif sadeliği ile keyif veren güzel ürünler üretiyor.

Lake ürünler.

Zaten 7-8 yüzyıllarda. vernik Japonya'da biliniyordu. Bu zamandan beri insan resimleri ve geometrik motiflerle süslenmiş, ince altın çizgilerle uygulanan tabut kapakları korunmuştur. 8. ve 9. yüzyıllarda kuru cila tekniğinin heykel için öneminden daha önce bahsetmiştik; aynı zamanda ve sonrasında mektup kutusu veya tütsü kutusu gibi dekoratif objeler yapılmıştır. Edo döneminde bu ürünler bol miktarda ve en görkemli süslemelerle yapılmıştır. Kahvaltı, kek, tütsü ve ilaç için inro adı verilen lüks bir şekilde dekore edilmiş kutular, bu zamanın doğasında var olan zenginliği ve lüks sevgisini yansıtıyordu. Nesnelerin yüzeyi, altın ve gümüş tozu desenleri, tek başına veya kabuk kakmalarla birlikte altın varak parçaları, sedef, kalay ve kurşun alaşımı vb. ile süslenmiştir; bu desenler lake kırmızı, siyah veya kahverengi yüzeyle tezat oluşturuyordu. Bazen Korin ve Koetsu gibi sanatçılar lak tasarımları yapmışlardır ancak bu çalışmalara bizzat katılmaları pek olası değildir.

Kılıçlar.

Japonlar, daha önce de söylendiği gibi, tarihlerinin önemli bir döneminde savaşçı bir halk olmuştur; silahlar ve zırh, nüfusun büyük bir kısmı için temel öğeler olarak görülüyordu. Kılıç, bir adamın gururuydu; hem bıçağın kendisi hem de kılıcın diğer tüm kısımları, özellikle sapı (tsuba) çeşitli tekniklerle süslenmiştir. Demir veya bronzdan yapılmış tsuba, altın ve gümüş kakmalarla süslenmiş, oyulmuş veya her ikisiyle de süslenmiştir. Manzaraları veya insan figürlerini, çiçekleri veya aile armalarını (mon) tasvir ettiler. Bütün bunlar kılıç yapımcılarının çalışmalarını tamamladı.

kumaşlar.

Zenginlik ve bolluk zamanlarında saray ve din adamları tarafından tercih edilen zengin desenli ipekler ve diğer kumaşların yanı sıra halk sanatının neredeyse ilkel tasarım özelliğine sahip düz kumaşlar da ulusal Japon yeteneğinin ifadeleridir. Zengin Genroku döneminde zirveye ulaşan tekstil sanatı, modern Japonya'da yeniden gelişti. Batı'dan fikirleri ve yapay elyafları geleneksel renkler ve dekoratif motiflerle birleştirir.

bahçeler

Son yıllarda, Batı halkının bu sanat formlarına daha fazla maruz kalması nedeniyle Japon bahçelerine ve mimarisine olan ilgi arttı. Japonya'da bahçelerin özel bir yeri vardır; yüksek dini ve felsefi hakikatlerin ifadesi ve simgesidirler ve bu belirsiz, sembolik imalar, bahçelerin görünen güzelliği ile birleşerek Batı dünyasının ilgisini çekmektedir. Dini ya da felsefi fikirlerin birbirine bağlı olduğu söylenemez. Asıl sebep bahçeler yaratmak, ancak bir bahçe planlarken ve yaratırken, planlamacı, tefekkürü izleyiciyi çeşitli felsefi gerçekler üzerinde düşünmeye sevk edecek bu tür unsurları dikkate aldı. Burada, Zen Budizm'in tefekkür yönü, bir grup olağandışı taş, tırmıklanmış kum ve çakıl dalgaları, çim ile birleştirilmiş veya arkalarındaki akıntı kaybolacak ve yeniden görünecek şekilde düzenlenmiş bitkilerde somutlaştırılmıştır ve bunların tümü, izleyiciyi bağımsız olarak tamamlamaya teşvik eder. inşaat bahçe fikirleri sırasında ortaya konan. Anlaşılır açıklamalar yerine muğlak ipuçlarının tercih edilmesi Zen felsefesinin karakteristiğidir. Artık Batı'da popüler olan cüce bonsai ağaçları ve küçük saksı bahçeleri bu fikirlerin devamı haline geldi.

Mimari.

Ana mimari anıtlar Japonya tapınaklar, manastır kompleksleri, feodal kaleler ve saraylardır. Antik çağlardan günümüze ahşap, ana yapı malzemesi olmuştur ve büyük ölçüde tasarım özelliklerini belirlemektedir. En eski dini binalar, ulusal Japon dini Şinto'nun türbeleridir; Metinlere ve çizimlere bakılırsa, eski konutlar gibi sazdan çatılı nispeten basit binalardı. Budizm'in yayılmasından sonra inşa edilen ve onunla ilişkilendirilen tapınak binaları, stil ve düzen açısından Çin prototiplerine dayanıyordu. Budist tapınağı mimarisi zamanla değişmiş, binaların dekoru ve düzeni farklı mezheplerde değişiklik göstermiştir. Japon binaları, yüksek çatılı büyük salonlar ve karmaşık bir konsol sistemi ile karakterize edilir ve dekorları, zamanlarının zevkini yansıtır. 7. yüzyılın başlarında Nara yakınlarında inşa edilen Horyu-ji kompleksinin sade ve görkemli mimarisi, Uji'nin Lotus Gölü'ne yansıyan "Phoenix Salonu" Hoodo'nun oranlarının güzelliği ve zarafeti kadar Asuka döneminin karakteristiğidir. , Heian dönemine aittir. Edo döneminin daha ayrıntılı yapıları, hendekli şatoların ve feodal sarayların içini süsleyen aynı "büyük dekoratörler" tarafından yapılan zengin boyalı sürgülü kapılar ve paravanlar şeklinde ek süslemeler aldı.

Japonya'nın mimarisi ve bahçeleri o kadar yakından ilişkilidir ki, birbirlerinin parçaları olarak kabul edilebilirler. Bu özellikle çay töreni için binalar ve bahçeli evler için geçerlidir. Açıklıkları, sadelikleri ve özenle hazırlanmış peyzaj ve perspektif bağlantıları, üzerinde büyük bir etkiye sahiptir. Modern mimari Batı.

JAPON SANATININ BATI'DAKİ ETKİSİ

Sadece bir yüzyıl içinde, Japon sanatı Batı'da tanındı ve üzerinde önemli bir etkisi oldu. Daha önce de temaslar vardı (örneğin, Hollandalılar Nagasaki limanı üzerinden Japonya ile ticaret yaptı), ancak 17. yüzyılda Avrupa'ya ulaşan nesneler esas olarak uygulamalı sanat eserleriydi - porselen ve lake eşya. Merak olarak hevesle toplandılar ve çeşitli şekillerde kopyalandılar, ancak bu dekoratif ihracat, Japon sanatının özünü ve kalitesini yansıtmadı ve hatta Japonlara Batı zevki hakkında kötü bir fikir verdi.

Batı resmi, Avrupa'da ilk kez 1862'de Japon sanatının doğrudan etkisini yaşadı. Uluslararası Sergi Londrada. Beş yıl sonra Paris Fuarı'nda tanıtılan Japon tahta baskıları yeniden ilgi uyandırdı. Birkaç özel gravür koleksiyonu hemen ortaya çıktı. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh ve diğerleri, Japon renkli baskılarını bir vahiy olarak aldılar; Japon baskı sanatının Empresyonistler üzerinde hafif ama her zaman fark edilebilir bir etkisi sıklıkla not edilir. Amerikalı Whistler ve Mary Cassatt, ukiyo-e baskılarının ve tablolarının çizgi kısıtlaması ve parlak renklerinden etkilenmişlerdi.

1868'de Japonya'nın yabancılara açılması, Batılı olan her şeye karşı bir hayranlık uyandırdı ve Japonları kendi zengin kültür ve sanatsal mirasından uzaklaştırdı. Bu dönemde birçok güzel tablo ve heykel satıldı ve Batı müzelerinde ve özel koleksiyonlarda yer aldı. Bu öğelerin sergilenmesi, Batı'yı Japonya'ya tanıttı ve Uzak Doğu'ya seyahat etme konusunda ilgi uyandırdı. Kuşkusuz, II. Dünya Savaşı'nın sonunda Japonya'nın Amerikan birlikleri tarafından işgali, Japon tapınaklarını ve hazinelerini tanımak ve daha derinlemesine incelemek için eskisinden daha fazla fırsat açtı. Bu ilgi Amerikan müzelerinin katılımına da yansıdı. Genel olarak Doğu'ya olan ilgi, Japon kamu ve özel koleksiyonlarından seçilen ve Amerika ve Avrupa'ya getirilen Japon sanatı sergilerinin düzenlenmesinden kaynaklandı.

Son yıllarda yapılan bilimsel araştırmalar, Japon sanatının Çin sanatının yalnızca bir yansıması olduğu görüşünü çürütmek için çok şey yaptı ve İngilizce yayınlanan çok sayıda Japon yayını, Batı'yı Doğu'nun idealleriyle tanıştırdı.