Rönesans resmi. Büyük Rönesans Sanatçıları 12.-16. Yüzyıl Rönesans Sanatçıları

Rönesans'ın şüphesiz başarısı, resmin geometrik olarak doğru inşasıydı. Sanatçı, geliştirdiği teknikleri kullanarak görüntüyü oluşturdu. O zamanın ressamları için asıl mesele, nesnelerin oranlarını gözlemlemekti. Doğa bile, görüntünün resimdeki diğer nesnelerle orantılılığını hesaplamanın matematiksel yöntemlerinin altına düştü.

Başka bir deyişle, Rönesans'taki sanatçılar, örneğin doğanın zemininde bir kişinin doğru bir görüntüsünü aktarmaya çalıştılar. Bir tür tuval üzerinde görülen bir görüntüyü yeniden yaratmanın modern yöntemleriyle karşılaştırıldığında, büyük olasılıkla, sonraki düzeltmeli bir fotoğraf, Rönesans sanatçılarının ne için uğraştığını anlamaya yardımcı olacaktır.

Rönesans ressamları, doğanın kusurlarını düzeltme hakkına sahip olduklarına inanıyorlardı, yani bir kişinin yüz hatları çirkinse, sanatçılar yüzü tatlı ve çekici hale getirecek şekilde düzelttiler.

Leonardo da Vinci

Rönesans, o dönemde yaşayan birçok yaratıcı kişilik sayesinde böyle oldu. Dünyaca ünlü Leonardo da Vinci (1452 - 1519), maliyeti milyonlarca dolar olarak tahmin edilen çok sayıda başyapıt yarattı ve sanatının uzmanları onun resimlerini uzun süre düşünmeye hazır.

Leonardo, çalışmalarına Floransa'da başladı. 1478 civarında yaptığı ilk tuvali Benois Madonna'dır. Daha sonra, yukarıda belirtilen "Mağaradaki Madonna", "Mona Lisa", "Son Akşam Yemeği" gibi kreasyonlar ve bir Rönesans titanının eliyle yazılmış bir dizi başka şaheser vardı.

Geometrik oranların ciddiyeti ve bir kişinin anatomik yapısının tam olarak yeniden üretilmesi - Leonard da Vinci'nin tablosunun özelliği budur. İnançlarına göre, belirli görüntüleri tuval üzerine tasvir etme sanatı bir bilimdir ve sadece bir tür hobi değildir.

rafael santi

Sanat dünyasında Raphael olarak tanınan Raphael Santi (1483 - 1520) eserlerini İtalya'da yaratmıştır. Resimleri lirizm ve zarafetle doludur. Raphael, bir insanı ve onun yeryüzündeki varlığını tasvir eden, Vatikan katedrallerinin duvarlarını boyamayı seven bir Rönesans temsilcisidir.

Resimler, figürlerin birliğine, mekanın ve imgelerin orantılı yazışmalarına, rengin coşkusuna ihanet ediyordu. Bakire'nin saflığı, Raphael'in birçok resminin temeliydi. Tanrı'nın Annesi'nin ilk görüntüsü, 1513'te ünlü bir ressam tarafından boyanmış olan Sistine Madonna'dır. Raphael tarafından yaratılan portreler, ideal insan imajını yansıtıyordu.

Sandro Boticelli

Sandro Botticelli (1445 - 1510) aynı zamanda bir Rönesans ressamıdır. İlk eserlerinden biri "Magi'nin Hayranlığı" tablosuydu. İnce şiir ve hayalcilik, sanatsal imgeleri aktarma alanındaki özgün tavırlarıydı.

XV yüzyılın 80'lerinin başında Büyük sanatçı Vatikan Şapeli'nin duvarlarını boyadı. Onun tarafından yapılan freskler hala harika.

Zamanla resimleri, antik binaların sakinliği, tasvir edilen karakterlerin canlılığı, görüntülerin uyumu ile karakterize edildi. Ayrıca Botticelli'nin ünlü edebi eserler için çizimlere olan hayranlığı biliniyor ve bu da eserine sadece ihtişam kattı.

Michelangelo Buonarotti

Michelangelo Buonarotti (1475-1564), Rönesans döneminde de çalışmış bir İtalyan ressamdı. Birçoğumuzun bildiği sadece bu kişinin yapmadığı şey. Ve heykel, resim ve mimari ve şiir. Raphael ve Botticelli gibi Michelangelo da Vatikan tapınaklarının duvarlarını boyadı. Ne de olsa, Katolik katedrallerinin duvarlarına resim çizmek gibi sorumlu işlerde yalnızca o zamanların en yetenekli ressamları yer alıyordu. Sistine Şapeli'nin 600 metrekareden fazlasını çeşitli İncil sahnelerini tasvir eden fresklerle kaplamak zorunda kaldı. Bu tarzdaki en ünlü eser bizim için Son Yargı olarak bilinir. İncil'deki hikayenin anlamı tam ve açık bir şekilde ifade edilmiştir. Görüntülerin aktarımındaki bu tür bir doğruluk, Michelangelo'nun tüm çalışmalarının karakteristiğidir.

dönem Yüksek Rönesans(XV'in sonu - XVI yüzyılın ilk çeyreği) - mükemmellik ve özgürlük zamanı. Bu çağın diğer sanat biçimleri gibi, resim de insana, onun yaratıcı güçlerine ve zihninin gücüne derin bir inançla işaretlenmiştir. Yüksek Rönesans ustalarının resimlerinde güzellik, hümanizm ve uyum idealleri hüküm sürer, içlerindeki kişi evrenin temelidir.

Bu zamanın ressamları, temsilin tüm araçlarını kolaylıkla kullanırlar: hava, ışık ve gölge ile zenginleştirilmiş renk ve serbest ve keskin çizim; perspektife ve hacimlere mükemmel bir şekilde sahipler. İnsanlar sanatçıların tuvallerinde nefes alıyor ve hareket ediyor, duyguları ve deneyimleri derinden duygusal görünüyor.

Bu çağ dünyaya dört dahi verdi - Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Titian. Resimlerinde, Yüksek Rönesans'ın özellikleri - görüntülerin derinliği ve canlılığı ile birleşen ideallik ve uyum - kendilerini en açık şekilde gösterdi.

Leonardo da Vinci

15 Nisan 1452'de, Floransa yakınlarındaki küçük İtalyan kasabası Vinci'de, noter Piero da Vinci'nin gayri meşru bir oğlu doğdu. Ona Leonardo di ser Piero d'Antonio adını verdiler. Çocuğun annesi, belli bir Katerina, bir süre sonra bir köylü ile evlendi. Baba gayrimeşru bebeği bırakmadı, kucağına aldı ve ona iyi bir eğitim verdi. Leonardo'nun büyükbabası Antonio'nun 1469'da ölümünden bir yıl sonra, noter ailesiyle birlikte Floransa'ya gider.

Leonardo, küçük yaşlardan itibaren çizim tutkusunu uyandırır. Bunu fark eden baba, çocuğu o dönemin en ünlü heykel, resim ve mücevher ustalarından biri olan Andrea Verrocchio'nun (1435-1488) yanına çalışmaya gönderir. Verrocchio'nun atölyesinin ihtişamı alışılmadık derecede büyüktü. Şehrin asil sakinlerinden resim ve heykellerin icrası için sürekli olarak birçok emir alındı. Andrea Verrocchio'nun öğrencileri arasında büyük bir prestije sahip olması tesadüf değildi. Çağdaşlar, onu resim ve heykelde Floransa Rönesansı'nın fikirlerinin en yetenekli halefi olarak görüyorlardı.

Verrocchio'nun bir sanatçı olarak yeniliği, öncelikle ressamdan natüralist özellikler kazanan görüntünün yeniden düşünülmesiyle ilişkilidir. Verrocchio'nun atölyesinden günümüze çok az eser ulaşmıştır. Araştırmacılar, ünlü "Mesih'in Vaftizi" nin bu atölyede yaratıldığına inanıyor. Ayrıca tablonun arka planındaki manzara ve sol kısmındaki meleklerin Leonardo'nun fırçasına ait olduğu tespit edilmiştir.

Zaten bu erken çalışmada, geleceğin ünlü sanatçısının yaratıcı bireyselliği ve olgunluğu kendini gösterdi. Leonardo'nun eliyle boyanmış manzara, Verrocchio'nun kendisinin yaptığı doğa resimlerinden önemli ölçüde farklıdır. Genç bir sanatçıya ait, sanki hafif bir pusla örtülmüş gibi ve uzayın sonsuzluğu ve sonsuzluğu simgeliyor.

Leonardo tarafından oluşturulan görüntüler de orijinaldir. İnsan vücudunun anatomisi ve ruhu hakkında derin bilgi, sanatçının alışılmadık derecede etkileyici melek görüntüleri yaratmasına izin verdi. Işık ve gölge oyunundaki ustalık, sanatçının canlı, dinamik figürleri tasvir etmesine yardımcı oldu. Sanki melekler bir süreliğine donup kalmışlar. Birkaç dakika daha geçecek - ve canlanacaklar, hareket edecekler, konuşacaklar ...

Da Vinci'nin sanat eleştirmenleri ve biyografi yazarları, Leonardo'nun 1472'de Verrocchio'nun atölyesinden ayrıldığını ve ressam atölyesinde usta olduğunu iddia ediyor. 1480'den itibaren, Leonardo'ya göre insan vücudunun hareketlerinin dinamiklerini ifade etmenin en basit yolu olan heykele yöneldi. O zamandan beri, Muhteşem Lorenzo'nun inisiyatifiyle oluşturulan San Marco Meydanı'ndaki bahçede bulunan atölyenin adı olan Sanat Akademisi'nde çalışıyor.

1480'de Leonardo, San Donato Scopeto Kilisesi'nden "Magi'nin Hayranlığı" adlı sanatsal kompozisyon için bir sipariş aldı.

Leonardo, Floransa'da uzun yaşamadı. 1482'de Milano'ya gider. Muhtemelen bu karar, sanatçının Sistine Şapeli'nin resmi üzerinde çalışmak üzere Roma'ya davet edilmemesinden büyük ölçüde etkilenmiştir. Öyle ya da böyle, kısa süre sonra usta, ünlü İtalyan şehri Ludovico Sforza Dükü'nün huzuruna çıktı. Milanolular Leonardo'yu sıcak karşıladılar. Porta Ticinese mahallesine yerleşip uzun süre yaşadı. Ve sonraki yıl, 1483'te, San Francesco Grande Kilisesi'ndeki Immacolata Şapeli için yaptırılan bir sunak yazdı. Bu şaheser daha sonra Kayaların Madonna'sı olarak tanındı.

Aynı sıralarda Leonardo, Francesco Sforza için bronz bir anıt üzerinde çalışıyor. Ancak ne eskizler ne de deneme eskizleri ve dökümler sanatçının niyetini ifade edemezdi. İş yarım kaldı.

1489'dan 1490'a kadar olan dönemde Leonardo da Vinci, Gian Galeazzo Sforza'nın evlendiği gün Castello Sforzesco'yu boyadı.

Neredeyse tüm 1494 Leonardo da Vinci, kendisi için yeni bir mesleğe ayırıyor - hidrolik. Aynı Sforza'nın inisiyatifiyle Leonardo, Lombard Ovası'nın topraklarını boşaltmak için bir proje geliştirir ve uygular. Ancak, 1495'te, güzel sanatların en büyük ustası resme geri döndü. Santa Maria delle Grazie kilisesinin yakınında bulunan manastırın yemekhane odasının duvarlarını süsleyen ünlü fresk "Son Akşam Yemeği" nin yaratılış tarihinin ilk aşaması bu yıl oldu.

1496'da Milano Dükalığı'nın Fransız kralı XII. Louis tarafından işgaliyle bağlantılı olarak Leonardo şehri terk etti. Önce Mantua'ya yerleşir, ardından Venedik'e yerleşir.

Sanatçı, 1503'ten beri Floransa'da yaşıyor ve Michelangelo ile birlikte Palazzo Signoria'daki Büyük Konsey Salonu'nu boyamak için çalışıyor. Leonardo'nun "Angiari Savaşı" nı tasvir etmesi gerekiyordu. Ancak sürekli yaratıcı arayış içinde olan usta, başladığı işi çoğu zaman yarıda bırakır. "Anghiari Savaşı" ile böyle oldu - fresk bitmemiş kaldı. Sanat tarihçileri, ünlü Gioconda'nın o zaman yaratıldığını öne sürüyorlar.

1506'dan 1507'ye kadar Leonardo yine Milano'da yaşıyor. 1512'den beri Duke Maximilian Sforza burada hüküm sürüyor. 24 Eylül 1512 Leonardo, Milano'dan ayrılmaya ve öğrencileriyle birlikte Roma'ya yerleşmeye karar verir. Burada sadece resim yapmakla kalmıyor, aynı zamanda matematik ve diğer bilimler çalışmalarına da yöneliyor.

Mayıs 1513'te Fransa Kralı I. Francis'ten davet alan Leonardo da Vinci, Amboise'a taşındı. Burada ölümüne kadar yaşıyor: resim yapıyor, tatilleri süslüyor ve Fransa nehirlerini kullanmayı amaçlayan projelerin pratik uygulaması üzerinde çalışıyor.

2 Mayıs 1519'da büyük sanatçı ölür. Leonardo da Vinci, San Fiorentino'daki Amboise kilisesine gömüldü. Ancak din savaşlarının en yoğun olduğu dönemde (XVI. yüzyıl) sanatçının mezarı yıkılmış ve tamamen yıkılmıştır. 15-16. yüzyıllarda güzel sanatın zirvesi sayılan başyapıtları günümüze kadar gelmiştir.

Da Vinci'nin resimleri arasında Son Akşam Yemeği freskinin özel bir yeri vardır. Ünlü fresklerin tarihi ilginç ve şaşırtıcı. Yaratılışı 1495-1497'ye kadar uzanıyor. Milano'daki Santa Maria delle Grazie kilisesinin yakınında bulunan manastırlarındaki yemekhanenin duvarlarını süslemek isteyen Dominik tarikatının rahipleri tarafından yaptırılmıştır. Fresk, oldukça iyi bilinen bir İncil hikayesini tasvir ediyordu: İsa Mesih'in on iki havarisiyle son yemeği.

Bu başyapıt, sanatçının tüm çalışmalarının zirvesi olarak kabul edilmektedir. Usta tarafından yaratılan Mesih ve havarilerin görüntüleri alışılmadık derecede parlak, anlamlı ve canlıdır. Tasvir edilen durumun somutluğuna ve gerçekliğine rağmen, fresk içeriğinin derin felsefi anlamlarla dolu olduğu ortaya çıkıyor. Burada iyi ve kötü, gönül rahatlığı ve ruhsal duygusuzluk, gerçek ve yalanlar arasındaki ebedi çatışma teması somutlaştırıldı. Türetilen imgeler yalnızca bir dizi bireysel karakter özelliği değil (mizacının tüm çeşitliliğindeki her bir kişi), aynı zamanda bir tür psikolojik genellemedir.

Resim çok dinamik. Seyirci, Mesih'in havarilerden birinin işlemek zorunda kalacağı yaklaşan ihanet hakkında söylediği peygamberlik sözlerinden sonra yemekte bulunan herkesi saran heyecanı gerçekten hissediyor. Tuval, insan duygularının ve ruh hallerinin en ince tonlarının bir tür ansiklopedisi haline geliyor.

Leonardo da Vinci, işi şaşırtıcı derecede hızlı bir şekilde tamamladı: sadece iki yıl sonra, resim tamamen tamamlandı. Bununla birlikte, keşişler bundan hoşlanmadı: uygulama şekli, daha önce kabul edilen resimli yazı tarzından çok farklıydı. Ustanın yeniliği, yalnızca yeni bir kompozisyonun boyalarının kullanımından ibaret değildi. Resimde perspektifi tasvir etme biçimine özellikle dikkat çekilir. Özel bir teknikle yapılmış fresk, adeta gerçek alanı genişletir ve büyütür. Resimde tasvir edilen odanın duvarlarının, manastırın yemekhane duvarlarının devamı olduğu anlaşılmaktadır.

Rahipler, sanatçının yaratıcı niyetini ve başarılarını takdir etmediler ve anlamadılar, bu yüzden tabloyu korumayı pek umursamadılar. Fresk resminden iki yıl sonra, boyaları bozulmaya ve solmaya başladı, görüntünün uygulandığı duvarın yüzeyi en ince maddeyle kaplı gibiydi. Bu, bir yandan yeni boyaların kalitesiz olması nedeniyle, diğer yandan manastırın mutfağından sızan neme, soğuk havaya ve buhara sürekli maruz kalması nedeniyle oldu. Rahipler yemekhaneye ek bir girişi fresk ile duvarda kesmeye karar verdiklerinde tablonun görünümü tamamen mahvoldu. Sonuç olarak, resim alttan kesildi.

Başyapıtı restore etme girişimleri 13. yüzyıldan beri yapılıyor. Ancak hepsi boşuna çıktı, boya bozulmaya devam ediyor. Bunun nedeni şu anda çevresel durumun bozulmasıdır. Fresk kalitesi, havadaki egzoz gazlarının artan konsantrasyonunun yanı sıra fabrikalar ve fabrikalar tarafından atmosfere yayılan uçucu maddelerden etkilenir.

Artık tablonun restorasyonu ile ilgili ilk çalışmaların sadece gereksiz ve anlamsız olmadığını, aynı zamanda olumsuz tarafının da olduğunu söyleyebiliriz. Restorasyon sürecinde sanatçılar, tuvalde sunulan karakterlerin ve tasvir edilen iç mekanın görünümünü değiştirerek freske sık sık eklemeler yaptı. Böylece, son zamanlarda havarilerden birinin aslında uzun, kıvrık bir sakalı olmadığı anlaşıldı. Ayrıca yemekhanenin duvarlarına resmedilen siyah tuvallerin de küçük halılardan başka bir şey olmadığı ortaya çıktı. Sadece
20. yüzyılda süslerini bulmayı ve kısmen restore etmeyi başardı.

Carlo Berteli liderliğinde çalışan grubun dikkat çekici bir şekilde öne çıktığı modern restoratörler, fresklerin orijinal görünümünü daha sonra uygulanan unsurlardan kurtararak restore etmeye karar verdiler.

Çocuğuna hayran olan genç bir annenin imgeleri olan annelik teması, uzun süre büyük ustanın eserlerinde kilit nokta olarak kaldı. Gerçek şaheserler, "Madonna Litta" ve "Çiçekli Madonna" ("Madonna Benois") resimleridir. Şu anda, "Madonna Litta" saklanıyor Devlet İnziva Yeri Petersburg'da. Tablo, 1865 yılında Rus İmparatoru II. Alexander tarafından, daha önce Visconti Dükleri tarafından kendisine hediye edilen İtalyan Dük Antonio Litta'nın ailesinden satın alınmıştır. Rus Çarının emriyle tablo ahşaptan tuvale aktarıldı ve ünlü St. Petersburg müzesinin salonlarından birine asıldı.

Sanat bilginleri inanır (ve Bilimsel araştırma bunu kanıtladı) resmin yaratılmasıyla ilgili çalışmanın yazarın kendisi tarafından tamamlanmadığını kanıtladı. Leonardo'nun öğrencilerinden biri olan Boltraffio tarafından tamamlandı.

Tuval, Rönesans dönemi resminde annelik temasının en çarpıcı ifadesidir. Madonna Annesinin imajı parlak ve ruhani. Bebeğe dönük bakış alışılmadık derecede naziktir, aynı zamanda kendini ifade eder.
hüzün, huzur ve iç huzuru. Burada anne ve çocuk kendi benzersiz dünyalarını oluşturuyor, uyumlu tek bir bütün oluşturuyor gibi görünüyor. Resmin derinlemesine düşünülmesi şu sözlerle ifade edilebilir: İki canlı, anne ve çocuk, yaşamın temelini ve anlamını içerir.

Kucağında bir çocukla Madonna'nın görüntüsü anıtsaldır. Bitirme ve iyileştirme, ona özel, yumuşak bir ışık ve gölge geçişi sağlar. Figürün hassaslığı ve kırılganlığı, kadının omuzlarına atılan pelerinin perdeleriyle vurgulanmaktadır. Arka planda tasvir edilen pencere resimleri, iki yakın insanın dünyanın geri kalanından ayrılmasını vurgulayarak kompozisyonu dengeler ve tamamlar.

Yaklaşık 1478 tarihli “Çiçekli Madonna” (“Madonna Benois”) tuvali, son Rus sahiplerinden 1914'te Çar II. Nicholas tarafından özellikle Hermitage için satın alındı. İlk sahipleri bilinmiyor. Sadece İtalyan gezgin bir aktörün tabloyu Rusya'ya getirdiğini ve ardından 1824'te tüccar Sapozhnikov tarafından Samara'da satın alındığını söyleyen bir efsane var. Daha sonra tuval, imparatorun onu satın aldığı babadan kızı M. A. Sapozhnikova'ya (kocası Benois tarafından) miras kaldı. O zamandan beri resmin iki adı oldu: "Çiçekli Madonna" (yazarın) ve "Madonna Benois" (son sahibinin adından sonra).

Allah'ın Annesini bebeğiyle birlikte gösteren resim, çocuğuyla oynayan bir annenin sıradan, dünyevi duygularını yansıtıyor. Tüm sahne zıtlık üzerine inşa edilmiştir: gülen bir anne ve bir çiçeği ciddi bir şekilde inceleyen bir çocuk. Bu özel karşıtlığa odaklanan sanatçı, bir kişinin bilgi arzusunu, gerçeğe giden yolda ilk adımlarını gösterir. yalan olan bu ana fikir tuvaller.

Işık ve gölge oyunu, tüm kompozisyon için özel, samimi bir ton oluşturur. Anne ve bebek kendi dünyalarında, dünyevi kibirden kopmuş durumdalar. Tasvir edilen perdelerin bir miktar açısallığına ve sertliğine rağmen, Leonardo da Vinci'nin fırçası, kullanılan renklerin tonlarının yumuşak, yumuşak geçişleri ve ışık ve gölge kombinasyonları ile kolayca tanınabilir. Tuvalin yumuşak, sakin renklerle boyanması, tek bir renk sisteminde sürdürülmesi, resme yumuşak bir karakter kazandırır ve doğaüstü, kozmik bir uyum ve huzur duygusu uyandırır.

Leonardo da Vinci tanınmış bir portre ustasıdır. En ünlü resimleri arasında "Kakımlı Kadın" (1483-1484 dolaylarında) ve "Bir Müzisyenin Portresi" yer alır.

Sanat eleştirmenleri ve tarihçiler, “Lady with an Ermine” tuvalinin Milano Dükü Ludovic Moreau'nun evlenmeden önce gözdesi olan Cecilia Gallerani'yi tasvir ettiğini öne sürüyorlar. Cecilia'nın o zamanlar nadir görülen çok eğitimli bir kadın olduğu bilgisi korunmuştur. Ayrıca ünlü sanatçının tarihçileri ve biyografi yazarları da, bir zamanlar portresini yapmaya karar veren Leonardo da Vinci ile yakından tanıştığına inanıyor.

Bu tuval bize yalnızca yeniden yazılmış bir versiyonda geldi ve bu nedenle bilim adamları, Leonardo'nun yazarlığından uzun süredir şüphe duyuyorlar. Ancak kakım ve genç bir kadın yüzünün betimlendiği tablonun iyi korunmuş kısımları, büyük usta da Vinci'nin üslupları hakkında güvenle konuşmamızı sağlıyor. Yoğun koyu arka planın yanı sıra saç stilinin bazı detaylarının daha sonra yapılan ek çizimler olması da ilginçtir.

"Kakımlı Kadın", sanatçının portre galerisindeki en parlak psikolojik tuvallerden biridir. Kızın tüm figürü, ileriye doğru çabalayan dinamizmi ifade ediyor, alışılmadık derecede güçlü iradeli ve güçlü bir insan karakterine tanıklık ediyor. Doğru yüz hatları sadece bunu vurgular.

Portre gerçekten karmaşık ve çok yönlüdür, görüntünün uyumu ve bütünlüğü birkaç unsurun bir araya getirilmesiyle elde edilir: yüz ifadeleri, başın dönüşü, ellerin konumu. Bir kadının gözleri olağanüstü bir zihni, enerjiyi ve içgörüyü yansıtır. Sıkıca sıkıştırılmış dudaklar, düz bir burun, keskin bir çene - her şey iradeyi, kararlılığı ve bağımsızlığı vurgular. Başın zarif bir dönüşü, açık bir boyun, zarif bir hayvanı okşayan uzun parmaklı bir el, tüm figürün kırılganlığını ve uyumunu vurgular. Bayanın kollarında bir ermin tutması tesadüf değil. Hayvanın ilk kara benzeyen beyaz kürkü burada genç bir kadının manevi saflığını simgeliyor.

Portre şaşırtıcı derecede dinamik. Usta, bir hareketin sorunsuz bir şekilde diğerine geçmesi gereken anı doğru bir şekilde yakalamayı başardı. Bu yüzden kız canlanacak gibi oluyor, başını çeviriyor ve eli hayvanın yumuşak tüylerinin üzerinden kayacak...

Kompozisyonun olağanüstü ifadesi, figürleri oluşturan çizgilerin netliği ile tuval üzerinde formların oluşturulduğu ışığın gölgelere geçiş tekniğinin ustalığı ve kullanımı ile verilmektedir.

"Bir Müzisyenin Portresi", Leonardo da Vinci'nin başyapıtları arasındaki tek erkek portresidir. Birçok araştırmacı, modeli Milano Katedrali'nin naibi Francino Gaffurio ile özdeşleştiriyor. Ancak bazı bilim adamları, burada tasvir edilenin bir naip değil, sıradan bir genç adam, bir müzisyen olduğunu söyleyerek bu görüşü çürütüyor. Da Vinci'nin yazma tekniğine özgü bazı ayrıntıların varlığına rağmen, sanat tarihçileri hala Leonardo'nun yazarlığından şüphe ediyor. Muhtemelen, bu şüpheler, karakteristik unsurların tuval üzerinde kullanılmasıyla bağlantılıdır. sanatsal gelenekler Lombard portre ressamları.

Portre tekniği birçok yönden Antonello da Messina'nın çalışmalarını anımsatıyor. Gür kıvırcık saçların arka planına karşı, yüzün net, katı hatları biraz keskin bir şekilde öne çıkıyor. Seyircinin karşısına çıkıyor akıllı adam güçlü bir karaktere sahip, ancak aynı zamanda gözlerinde ruhani, doğaüstü bir şey yakalanabiliyor. Belki de tam bu anda müzisyenin ruhunda bir süre sonra birçok insanın kalbini kazanacak yeni, ilahi bir melodi doğar.

Ancak sanatçının yapay olarak bir insanı yüceltmeye çalıştığı söylenemez. Usta, abartıya ve acımasızlığa başvurmadan insan ruhunun tüm zenginliğini ve genişliğini incelikli ve ustaca aktarır.

En iyilerinden biri ünlü tablolar da Vinci, ünlü "Kayaların Madonna'sıdır" (1483-1493). Milano'daki San Francesco Grande kilisesinin keşişlerinin emriyle Leonardo tarafından yapılmıştır. Kompozisyon, Immacolata Şapeli'ndeki sunağı süslemeyi amaçlıyordu.

Tablonun biri Paris'te Louvre'da, diğeri Londra'da Ulusal Galeri'de saklanan iki versiyonu var.

Kilisenin sunağını süsleyen Louvre "Kayalardaki Madonna" idi. Bilim adamları, sanatçının kendisini Fransız kralı Louis XII'ye verdiğini öne sürüyorlar. Tarihçilere göre bunu, resimlerin müşterileri ile performans sanatçıları arasında çıkan çatışmanın çözümüne kralın katılımı için bir minnettarlık göstergesi olarak yaptı.

Bağışlanan versiyonun yerini şu anda Londra Ulusal Galerisi'nde bulunan başka bir resim aldı. 1785'te Hamilton diye biri onu satın aldı ve İngiltere'ye getirdi.

"Kayalardaki Madonna"nın ayırt edici bir özelliği, insan figürlerinin manzara ile kaynaşmasıdır. Bu, büyük sanatçının, azizlerin varlıklarından esinlenerek doğa ile uyumlu bir şekilde iç içe geçtiği ilk resmidir. Ustanın çalışmasında ilk kez figürler, mimari bir yapının herhangi bir öğesinin arka planında değil, sert kayalık bir manzaranın içine alınmış gibi tasvir ediliyor. Bu duygu, özel ışık oyunu ve düşen gölgeler nedeniyle kompozisyonda da yaratılır.

Madonna'nın görüntüsü burada alışılmadık derecede ruhani ve doğaüstü olarak sunuluyor. Meleklerin yüzlerine yumuşak bir nur düşer. Sanatçı, karakterleri canlanmadan ve görüntüleri parlak ve anlamlı hale gelmeden önce birçok eskiz ve eskiz yaptı. Eskizlerden biri bir meleğin başını tasvir ediyor. Kız mı erkek mi bilmiyoruz. Ancak bir şey kesin olarak söylenebilir: Bu, şefkat, nezaket ve saflık dolu doğaüstü bir yaratıktır. Resmin tamamı bir sakinlik, huzur ve sessizlik duygusuyla doludur.

Daha sonra usta tarafından boyanmış versiyon, bir dizi ayrıntıda ilkinden farklıdır: azizlerin başlarının üzerinde haleler belirir, küçük Vaftizci Yahya bir haç tutar, meleğin konumu değişir. Ve yürütme tekniğinin kendisi, resmin yazarlığını Leonardo'nun öğrencilerine atfetmenin nedenlerinden biri haline geldi. Burada tüm figürler daha yakın, daha büyük ölçekte sunuluyor ve ayrıca onları oluşturan çizgiler daha belirgin, daha ağır, daha sivri çıkıyor. Bu efekt, gölgelerin kalınlaştırılması ve kompozisyondaki belirli yerlerin vurgulanmasıyla oluşturulur.

Sanat tarihçilerine göre resmin ikinci versiyonu daha sıradan ve sıradan. Belki de bunun nedeni, resmin Leonardo'nun öğrencileri tarafından tamamlanmış olmasıydı. Ancak bu, tuvalin değerini düşürmez. Sanatçının niyeti açıkça görülüyor, ustanın imge yaratma ve ifade etme geleneği iyi izleniyor.

Leonardo da Vinci'nin ünlü tablosu Müjde'nin (1470'ler) hikayesi de daha az ilginç değil. Resmin yaratılışı, sanatçının çalışmalarının erken dönemine, Andrea Verrocchio'nun stüdyosunda çalıştığı ve çalıştığı döneme aittir.

Yazı tekniğinin bir dizi unsuru, ünlü şaheserin yazarının Leonardo da Vinci olduğunu güvenle belirtmeyi ve Verrocchio'nun veya diğer öğrencilerinin yazılarına katılımını dışlamayı mümkün kılar. Bununla birlikte, kompozisyondaki bazı detaylar, Verrocchio okulunun sanatsal geleneğinin karakteristiğidir. Bu, genç ressamın, o dönemde zaten tezahür eden özgünlüğüne ve yeteneğine rağmen, hala bir dereceye kadar öğretmeninden etkilendiğini gösteriyor.

Resmin kompozisyonu oldukça basit: bir manzara, kırsal bir villa, iki figür - Meryem ve bir melek. Arka planda
gemiler, bazı binalar, bir liman görüyoruz. Bu tür detayların varlığı tamamen Leonardo'nun çalışmasının özelliği değildir ve buradaki ana detaylar bunlar değildir. Sanatçı için puslu bir pusun içine gizlenmiş, çok uzaklardaki dağları ve parlak, neredeyse saydam gökyüzünü göstermek daha önemli. İyi haberi bekleyen genç bir kadının ve bir meleğin ruhsallaştırılmış görüntüleri alışılmadık derecede güzel ve hassastır. Formlarının çizgileri, bir zamanlar tuvali erken dönem Leonardo'nun fırçasına ait bir şaheser olarak tanımlamayı mümkün kılan da Vinci tarzında tasarlanmıştır.

Geleneğin özelliği ünlü usta aynı zamanda küçük detayların uygulama tekniğidir: cilalı banklar, taş bir korkuluk, muhteşem bitkilerin girift kıvrımlı dallarıyla süslenmiş bir kitap standı. Bu arada, ikincisinin prototipi, San Lorenzo kilisesine yerleştirilen Giovanni ve Piero de Medici'nin mezarının lahitidir. Verrocchio okulunun doğasında bulunan ve Verrocchio'nun çalışmalarının karakteristiği olan bu unsurlar, da Vinci tarafından bir şekilde yeniden düşünülmüştür. Canlı, hacimli ve genel kompozisyona uyumlu bir şekilde dokunmuşlar. Görünüşe göre yazar, hocasının repertuarını temel alarak, kendi tekniğini ve sanatsal anlatım araçlarını kullanarak yeteneğinin dünyasını ortaya çıkarmayı kendine hedef koymuş gibi görünüyor.

Şu anda, resmin bir versiyonu Floransa'daki Uffizi Galerisi'nde. Kompozisyonun ikinci versiyonu Paris'teki Louvre'da tutulmaktadır.

Louvre tablosu, önceki versiyonundan biraz daha karmaşıktır. Burada, Meryem figürünün arkasında yer alan banklarla deseni tekrarlanan taş korkuluğun duvarlarının geometrik olarak doğru çizgilerini açıkça görebilirsiniz. Ön plana çıkarılan görseller kompozisyona uygun ve mantıklı bir şekilde yerleştirilmiştir. İlk versiyona kıyasla Meryem ve meleğin kıyafetleri daha anlamlı ve tutarlı bir şekilde çizilmiştir. Başı öne eğik, lacivert bir elbise ve omuzlarına gök mavisi bir pelerin örten Maria, doğaüstü bir yaratığa benziyor. Kıyafetin koyu renkleri daha parlak bir şekilde öne çıkar ve yüzünün beyazlığını ortaya çıkarır. Madonna'ya iyi haberi getiren meleğin görüntüsü daha az anlamlı değildir. Sarımsı kadife, yumuşak bir şekilde alçalan perdeleri olan zengin kırmızı bir pelerin, nazik bir meleğin muhteşem görüntüsünü tamamlar.

Geç kompozisyonda özellikle ilgi çekici olan, usta tarafından ustaca boyanmış manzaradır: herhangi bir gelenekten yoksun, uzakta büyüyen neredeyse gerçekten görülebilen ağaçlar, açık mavi, şeffaf bir gökyüzü, hafif bir sisle gizlenmiş dağlar, ayaklarının altında taze çiçekler. bir melek.

"Aziz Jerome" tablosu, Leonardo da Vinci'nin Andrea Verrocchio'nun atölyesinde (sanatçının çalışmalarının sözde Florentine dönemi) çalışma dönemini ifade eder. Resim yarım kaldı. Kompozisyonun ana teması, tövbekar bir günahkar olan yalnız bir kahramandır. Vücudu açlıktan kurumuştu. Ancak kararlılık ve irade dolu bakışları, bir kişinin dayanıklılığının ve ruhsal gücünün canlı bir ifadesidir. Leonardo tarafından yaratılan hiçbir görüntüde ikilik, görüş belirsizliği bulamayacağız.

Resimlerindeki karakterler her zaman çok kesin ve derin bir tutku ve duygunun en yüksek derecesini ifade eder.

Bir münzevinin ustaca boyanmış başı da Leonardo'nun yazarlığına tanıklık ediyor. Pek olağan bir dönüş değil, resim tekniğine mükemmel bir hakimiyetten ve ustanın insan vücudunun anatomisinin inceliklerine ilişkin bilgisinden bahsediyor. Küçük bir rezervasyon yapmak gerekli olsa da: sanatçı birçok yönden Antonio Pollaiolo'dan gelen Andrea del Castagno ve Domenico Veneziano'nun geleneklerini takip ediyor.

Jerome figürü alışılmadık derecede etkileyici. Görünüşe göre diz çökmüş münzevi tamamen ileriye dönük. Sağda
elinde bir taş tutuyor, bir an daha - ve onunla göğsüne vuracak, vücudunu kırbaçlayacak ve işlenen günahlar için ruhunu lanetleyecek ...

Resmin kompozisyonu da ilginç. Hepsi sanki kayalarla başlayan, tövbe edenin ayaklarının dibinde bulunan aslan figürüyle devam eden ve bir münzevi figürüyle biten bir spiralin içine alınmış gibi görünüyor.

Dünya güzel sanatının başyapıtları arasında belki de en popüleri Gioconda'dır. İlginç bir gerçek şu ki, portre üzerinde çalışmayı tamamlayan sanatçı, ölümüne kadar ondan ayrılmadı. Daha sonra tablo, onu Louvre'a yerleştiren Fransız kralı I. Francis'e geldi.

Resmin 1503 yılında yapıldığı konusunda bütün sanat alimleri hemfikirdir. Ancak portrede tasvir edilen genç kızın prototipi konusunda tartışmalar devam etmektedir. Portrenin Floransa vatandaşı Francesco di Giocondo'nun karısı Mona Lisa'yı tasvir ettiği genel olarak kabul edilmektedir (gelenek ünlü biyografi yazarı Giorgio Vasari'den gelmektedir).

Resme baktığımızda, sanatçının insan imajını yaratmada mükemmelliğe ulaştığını güvenle söyleyebiliriz. Burada usta, daha önce kabul edilen ve yaygın olan bir portre yapma tarzından ayrılıyor. Gioconda hafif bir arka plan üzerine yazılmıştır ve dahası, bir dönüşün dörtte üçü döndürülür, bakışları doğrudan izleyiciye yöneliktir - bu, o zamanın portre sanatında yeniydi. Kızın arkasındaki açık manzara sayesinde, ikincisinin figürü, sanki manzaranın bir parçası gibi, onunla uyumlu bir şekilde birleşiyor. Bu, Leonardo tarafından yaratılan ve çalışmalarında kullandığı özel sanatsal ve görsel teknik sayesinde elde edilir - sfumato. Özü, kontur çizgilerinin açıkça belirtilmemiş olması, bulanık olmaları ve bu, kompozisyonda bir birleşme, ayrı parçalarının iç içe geçmesi hissini yaratmasında yatmaktadır.

Portrede bu teknik (insan figürü ile büyük ölçekli doğal manzaranın birleşimi) bir ifade biçimi haline gelir. felsefi fikir: insan dünyası, etrafımızdaki doğal dünya kadar büyük, büyük ölçekli ve çeşitlidir. Ancak öte yandan kompozisyonun ana teması, insan zihninin doğal dünyayı tam olarak bilmesinin imkansızlığı olarak da temsil edilebilir. Birçok sanat tarihçisi, Mona Lisa'nın dudaklarında donup kalan ironik gülümsemeyi bu düşünceyle ilişkilendirir. "Bir insanın dünyayı tanımaya yönelik tüm çabaları kesinlikle boşuna ve boşunadır" diyor gibi görünüyor.

Sanat tarihçilerine göre Mona Lisa'nın portresi, Leonardo da Vinci'nin en büyük başarılarından biridir. İçinde sanatçı, uyum fikrini ve dünyanın uçsuz bucaksızlığını, aklın ve sanatın önceliği fikrini gerçekten somutlaştırabildi ve en eksiksiz şekilde ifade edebildi.

Michelangelo Buonarroti

İtalyan ressam, heykeltıraş, mimar ve şair Michelangelo Buonarroti, 6 Mart 1475'te Floransa yakınlarındaki Caprese kasabasında doğdu. Michelangelo'nun babası Lodovico Buonarroti, Caprese kasabasının belediye başkanıydı. Oğlunun yakında görevde onun yerini alacağını hayal etti. Ancak Michelangelo, babasının isteğinin aksine hayatını resme adamaya karar verir.

1488'de Michelangelo, Floransa'ya gitti ve orada, o zamanlar ünlü güzel sanatlar ustası Domenico Ghirlandaio tarafından yönetilen sanat okuluna girdi. Bir yıl sonra, 1489'da genç sanatçı, Lorenzo Medici'nin kurduğu bir atölyede çalışıyor. Burada genç adam, dönemin bir başka ünlü ressamı ve heykeltıraşı olan Donatello'nun öğrencisi Bertoldo di Giovanni'den resim öğrenir. Bu atölyede Michelangelo, oluşumu büyük ölçüde etkileyen Angelo Poliziano ve Pico della Mirandola ile çalıştı. sanatsal yöntem genç ressam Ancak Michelangelo'nun eseri, Lorenzo Medici'nin çevresi alanında kapanmadı. Yeteneği sürekli gelişiyor. Sanatçının dikkati giderek daha fazla büyük resme çekildi. kahramanca görüntüler büyük Giotto ve Masaccio'nun eserleri.

90'ların ilk yarısında. 15. yüzyılda Michelangelo'nun yaptığı ilk heykeller ortaya çıkıyor: "Merdivenlerdeki Madonna" ve "Sentorların Savaşı".

"Madonna" da, o dönemin sanatında genel olarak kabul edilen sanatsal temsil tarzının etkisi görülebilir. Michelangelo'nun çalışmasında plastik figürlerin aynı detaylandırması var. Bununla birlikte, genç heykeltıraşın kendini yüce, kahramanca görüntülerin yaratılmasında gösteren tamamen bireysel tekniği burada zaten görülebilir.

"Sentorların Savaşı" kabartmasında hiçbir dış etki izi yoktur. Bu çalışma, yetenekli bir ustanın bireysel tarzını gösteren ilk bağımsız çalışmasıdır. İçeriğin tamamında izleyicinin karşısına çıkan kabartmada, Lapithlerin centaurlarla olan savaşının mitolojik bir resmi var. Sahne, tasvir edilen figürlerin doğru bir şekilde aktarılan plastisitesi ile ifade edilen olağanüstü drama ve gerçekçilik ile ayırt edilir. Bu heykel, kahramana, insan gücüne ve güzelliğine bir ilahi olarak kabul edilebilir. Olay örgüsünün tüm dramasına rağmen, genel kompozisyon derin bir iç uyum içerir.

Sanat bilim adamları, "Sentorların Savaşı"nı Michelangelo'nun çalışmalarının başlangıç ​​noktası olarak kabul ederler. Sanatçının dehasının tam da bu eserden kaynaklandığını söylüyorlar. Ustanın erken dönem eserlerine atıfta bulunan kabartma, Michelangelo'nun sanatsal tarzının zenginliğinin bir tür yansımasıdır.

1495'ten 1496'ya kadar Michelangelo Buonarroti, Bologna'dadır. Burada, yaratılan görüntülerin anıtsallığıyla genç sanatçının dikkatini çeken Jacopo della Quercia'nın tuvalleriyle tanışır.

1496'da usta, plastisite ve yakın zamanda keşfedilenlerin uygulama şeklini çalıştığı Roma'ya yerleşti. antik heykeller, aralarında "Laocoon" ve "Belvedere Torso" da var. Antik Yunan heykeltıraşlarının sanatsal tarzı, Bacchus'ta Michelangelo tarafından yansıtıldı.

1498'den 1501'e kadar sanatçı "Pieta" adlı bir mermer grubunun yaratılması üzerinde çalıştı ve İtalya'nın ilk ustalarından biri olarak Michelangelo'ya ün kazandırdı. Öldürülen oğlunun cesedi başında ağlayan genç bir anneyi temsil eden tüm sahne, olağanüstü bir hayırseverlik ve şefkat duygusuyla doludur. Sanatçının model olarak genç bir kızı seçmesi tesadüf değil - manevi saflığı kişileştiren bir görüntü.

Genç bir ustanın ideal kahramanları gösteren bu eseri, 15. yüzyılda yaratılan heykellerden önemli ölçüde farklıdır. Michelangelo'nun imgeleri daha derin ve daha psikolojiktir. Annenin yüzündeki özel ifade, ellerinin duruşu, vücudunun kıvrımları, giysilerin yumuşak perdeleri ile vurgulanan özel ifadesiyle keder ve üzüntü duyguları incelikle aktarılır. Bu arada, ikincisinin görüntüsü, ustanın çalışmasında bir tür geri adım olarak kabul edilebilir: kompozisyon öğelerinin ayrıntılı detaylandırılması (bu durumda, elbisenin ve kapüşonun kıvrımları) karakteristik bir özelliktir. Rönesans öncesi sanatın Genel kompozisyon, genç heykeltıraşın çalışmalarının ayırt edici bir özelliği olan alışılmadık derecede etkileyici ve acıklı.

1501'de, İtalya'da zaten ünlü bir heykel ustası olan Michelangelo, tekrar Floransa'ya gider. Mermer "David" burada. Seleflerinden (Donatello ve Verrocchio) farklı olarak, Michelangelo genç kahramanı yalnızca savaşa hazırlanırken canlandırdı. Devasa heykel (yüksekliği 5,5 m'dir), bir kişinin alışılmadık derecede güçlü iradesini, vücudunun fiziksel gücünü ve güzelliğini ifade eder. Michelangelo'nun zihnindeki insan imgesi, mitolojik dev titanların figürlerine benzer. David burada, yolundaki her türlü engelin üstesinden gelmeye hazır, mükemmel, güçlü ve özgür bir insan fikrinin vücut bulmuş hali olarak karşımıza çıkıyor. Kahramanın ruhunda kaynayan tüm tutkular, vücudun dönüşü ve David'in kararlı ve iradeli karakterinden bahseden yüzündeki ifadeyle aktarılır.

Davut heykelinin, şehir devletinin gücünün, olağanüstü gücünün ve bağımsızlığının bir sembolü olarak Palazzo Vecchio'nun (Floransa şehir yönetiminin binası) girişini süslemesi tesadüf değildir. Tüm kompozisyon, güçlü bir insan ruhunun ve eşit derecede güçlü bir vücudun uyumunu ifade eder.

1501'de Davut heykeliyle birlikte ilk anıtsal (“Kashin Savaşı”) ve şövale (“Madonna Doni”, yuvarlak format) resmin ilk eserleri ortaya çıktı. İkincisi şu anda Floransa'daki Uffizi Galerisi'nde tutulmaktadır.

1505'te Michelangelo Roma'ya döner. Burada Papa II. Julius'un mezarının yapımı üzerinde çalışıyor. Plana göre, mezarın çevresinde mermer ve bronz kabartmalardan oyulmuş 40 heykelin olacağı görkemli bir mimari yapı olması gerekiyordu. Ancak, bir süre sonra Papa II. Julius emrini reddetti ve Michelangelo'nun görkemli planları gerçekleşmeye mahkum değildi. Kaynaklar, müşterinin ustaya oldukça kaba davrandığını ve bunun sonucunda özüne gücenerek başkenti terk etmeye ve bir kez daha Floransa'ya dönmeye karar verdiğini ifade ediyor.

Ancak Floransalı yetkililer, ünlü heykeltıraşı Papa ile barışması için ikna ettiler. Kısa süre sonra, Sistine Şapeli'nin tavanını süslemek için yeni bir teklifle Michelangelo'ya döndü. Kendisini öncelikle bir heykeltıraş olarak gören usta, siparişi gönülsüzce kabul etti. Buna rağmen, dünya sanatının hâlâ tanınan bir şaheseri olan ve ressamın anısını nesiller boyu bırakan bir tuval yarattı.

Michelangelo'nun, alanı 600 metrekareden fazla olan tavanı boyamak için çalıştığı belirtilmelidir. m, tamamen yalnız, asistansız. Ancak dört yıl sonra fresk tamamen tamamlandı.

Boyama için tavanın tüm yüzeyi birkaç parçaya bölündü. Merkezi yer, dünyanın yaratılışını ve ilk insanların yaşamını tasvir eden dokuz sahneyle dolu. Bu tür sahnelerin her birinin köşelerinde çıplak gençlerin figürleri var. Bu kompozisyonun solunda ve sağında yedi peygamber ve beş kahin tasvirlerinin yer aldığı freskler yer almaktadır. Tavan, kemerli tonozlar ve sıyırmalar, bireysel İncil sahneleri ile dekore edilmiştir. Buradaki Michelangelo figürlerinin farklı ölçeklerde olduğuna dikkat edilmelidir. Bu özel teknik, yazarın izleyicinin dikkatini en önemli bölümlere ve görüntülere odaklamasına izin verdi.

Şimdiye kadar, sanat tarihçileri bu sorun karşısında şaşkına döndüler. ideolojik kavram freskler. Gerçek şu ki, onu oluşturan tüm olay örgüleri, İncil olay örgüsünün gelişiminin mantıksal sırasına aykırı olarak yazılmıştır. Yani, örneğin, "Nuh'un Sarhoşluğu" tablosu, "Işığın Karanlıktan Ayrılması" kompozisyonundan önce gelir, ancak tam tersi olması gerekir. Bununla birlikte, böyle bir olay örgüsü, ressamın sanatsal becerisini hiçbir şekilde etkilemedi. Görünüşe göre sanatçı için anlatının içeriğini ortaya çıkarmak değil, yine (Davut heykelinde olduğu gibi) bir kişinin güzel, yüce ruhu ile güçlü, güçlü bedeninin uyumunu göstermesi daha önemliydi.
Bu, armatürleri yaratan titan benzeri yaşlı Sabaoth'un ("Güneş ve Ayın Yaratılışı" freski) görüntüsü ile doğrulanır.

Dünyanın yaratılışını anlatan hemen hemen tüm fresklerde, seyircinin karşısına, yaratıcının isteği üzerine yaşam, kararlılık, güç ve irade uyanan devasa bir adam çıkar. Bağımsızlık fikri, Havva'nın sanki kadere meydan okurcasına yasak meyveye uzanan, kararlı bir özgürlük arzusunu ifade ettiği “Düşüş” tablosundan geçiyor. "Tufan" freskinin görüntüleri, kahramanları yaşamın ve iyiliğin devamına inanan aynı esneklik ve yaşam susuzluğuyla doludur.

Sibyllerin ve peygamberlerin görüntüleri, güçlü duyguları ve karakterlerin parlak bireyselliğini kişileştiren insan figürleriyle temsil edilir. Bilge Joel burada çaresiz Ezekiel'in tam tersidir. İzleyici, kehanet anında gösterilen, ruhani İşaya ve güzelin, büyük berrak gözlerle Delphic Sibyl'in görüntülerine hayran kalıyor.

Yukarıda, Michelangelo'nun yarattığı görüntülerin acıklı ve anıtsallığına birden çok kez dikkat çekilmiştir. İlginç bir gerçek şu ki sözde bile. yardımcı figürler, ana karakterlerle aynı özelliklere sahip usta tarafından bahşedilmiştir. Bireysel resimlerin köşelerinde yer alan genç erkeklerin görüntüleri, bir kişinin yaşadığı yaşam sevincinin ve kendi ruhsal ve bedensel gücünün bilincinin somutlaşmış halidir.

Sanat tarihçileri haklı olarak Sistine Şapeli tablosunu Michelangelo'nun yaratıcı gelişim dönemini tamamlayan eser olarak görüyorlar. Burada usta tavanı o kadar başarılı bir şekilde böldü ki, tüm konu çeşitliliğine rağmen fresk bir bütün olarak sanatçının yarattığı görüntülerin uyumu ve bütünlüğü izlenimi veriyor.

Michelangelo'nun fresk üzerinde çalıştığı tüm süre boyunca, ustanın sanatsal yöntemi yavaş yavaş değişti. Daha sonraki karakterler daha büyük olarak sunulur - bu, anıtsallıklarını büyük ölçüde artırdı. Ek olarak, görüntünün böyle bir ölçeği, figürlerin plastisitesinin çok daha karmaşık hale gelmesine yol açmıştır. Ancak bu, görüntülerin anlamlılığını etkilemedi. Belki de burada, insan figürünün her hareket çizgisini ustaca aktarmayı başaran heykeltıraşın yeteneği, her yerden daha fazla kendini gösterdi. Resimlerin boya ile yapılmadığı, ustaca kalıplanmış üç boyutlu kabartmalar olduğu izlenimi ediniliyor.

Tavanın farklı yerlerinde bulunan fresklerin doğası farklıdır. Orta kısım en iyimser ruh hallerini ifade ediyorsa, o zaman kemerli tonozlarda kasvetli duyguların tüm tonlarını kişileştiren görüntüler vardır: burada barış, üzüntü ve kaygının yerini kafa karışıklığı ve uyuşukluk alır.

Michelangelo tarafından sunulan Mesih'in atalarının görüntülerinin yorumu da ilginçtir. Bazıları akraba birliği duygularını ifade eder. Diğerleri, aksine, dünyaya ışık ve iyilik getirmeye çağrılan İncil kahramanları için tipik olmayan, birbirlerine karşı kötülük ve nefretle doludur. Sanat tarihçileri, şapelin sonraki çizimlerini, ünlü usta ressamın çalışmalarında niteliksel olarak yeni bir dönemin başlangıcı olan yeni bir sanatsal yöntemin tezahürü olarak görüyorlar.

20'li yıllarda. 16. yüzyılda, Papa II. Julius'un mezarını süslemeyi amaçlayan Michelangelo'nun eserleri ortaya çıktı. İkincisinin inşası için sipariş, Papa'nın varislerinden ünlü bir heykeltıraş tarafından alındı. Bu versiyonda, mezarın minimum sayıda heykelle biraz daha küçük bir boyuta sahip olması gerekiyordu. Kısa süre sonra usta, üç heykelin icrası işini bitirdi: iki köle ve Musa heykeli.

Michelangelo, 1513'ten tutsakların resimleri üzerinde çalıştı. Anahtar tema Bu çalışmanın sonucunda kendisine düşman güçlerle mücadele eden bir adam olur. Burada muzaffer kahramanların anıtsal figürlerinin yerini kötülüğe karşı eşitsiz bir mücadelede ölen karakterler alıyor. Üstelik bu görüntülerin sanatçının herhangi bir amacına ve görevine tabi olmadığı, duygu ve hislerin iç içe geçmiş halini temsil ettiği ortaya çıktı.

Görüntünün çok yönlülüğü, usta tarafından kullanılan bir tür sanatsal ve görsel yöntem yardımıyla ifade edilir. O zamana kadar Michelangelo bir figürü veya heykelsi bir grubu bir taraftan göstermeye çalıştıysa, şimdi sanatçının yarattığı görüntü plastikleşerek değişiyor. İzleyicinin heykelin hangi tarafında olduğuna bağlı olarak, belirli ana hatlar alırken, şu veya bu sorun keskinleşir.

Yukarıdakilerin bir örneği "Bağlı Mahkum" olarak hizmet edebilir. Dolayısıyla, izleyici heykelin etrafında saat yönünde yürürse şunları kolayca görecektir: Birincisi, başı geriye atılmış bağlı bir tutsak figürü ve çaresiz bir vücut, kendi iktidarsızlığının bilincinden insanlık dışı acı çekmeyi ifade eder, insan ruhunun ve bedeninin zayıflığı. Ancak heykelin etrafında ilerledikçe görüntü önemli ölçüde değişiyor. Mahkumun eski zayıflığı kaybolur, kasları güçle dolar, başı gururla yükselir. Ve şimdi izleyicinin önünde artık bitkin bir şehit değil, saçma bir kaza sonucu zincirlendiği ortaya çıkan güçlü bir titan kahraman figürü var. Görünüşe göre başka bir an - ve prangalar kırılacak. Ancak bu olmaz. İzleyici devam ederken insan vücudunun nasıl tekrar zayıfladığını, başının aşağı doğru çöktüğünü görüyor. Ve burada yine kaderine boyun eğmiş sefil bir mahkumla karşı karşıyayız.

Aynı değişkenlik "Ölmekte Olan Mahkum" heykelinde de izlenebilir. Siz ilerledikçe, izleyici ıstırap içinde atan vücudun nasıl yavaş yavaş sakinleştiğini ve uyuştuğunu, sonsuz huzur ve sessizlik düşüncesini çağrıştırdığını görür.

Esirlerin heykelleri, figürlerin hareketinin plastisitesinin gerçekçi bir şekilde aktarılması nedeniyle yaratılan alışılmadık derecede anlamlıdır. İzleyicinin gözleri önünde canlanıyorlar. Yürütme gücü açısından, tutsakların heykelleri yalnızca ustanın en eski heykeli olan "Sentorların Savaşı" ile karşılaştırılabilir.

Esirlerin aksine Musa heykeli, karakter olarak biraz daha ölçülü, ancak daha az anlamlı değil. Burada Michelangelo yine muazzam bir insan kahraman imajının yaratılmasına atıfta bulunuyor. Musa figürü, bir liderin, bir liderin, alışılmadık derecede güçlü bir iradeye sahip bir adamın vücut bulmuş halidir. Özü, David'e kıyasla en eksiksiz şekilde ortaya çıkıyor. İkincisi, kişinin gücüne ve yenilmezliğine olan güveni sembolize ediyorsa, o zaman Musa burada zaferin muazzam çaba gerektirdiği fikrinin kişileştirilmesidir. Kahramanın bu ruhsal gerilimi, usta tarafından yalnızca yüzündeki müthiş bir ifadeyle değil, aynı zamanda figürün esnekliğinin de yardımıyla aktarılır: giysi kıvrımlarının keskin bir şekilde kırılan çizgileri, Musa'nın sakalının uçları kalkık .

1519'dan beri Michelangelo, dört esir heykeli daha yaratmak için çalışıyor. Ancak, bitmemiş kaldılar. Daha sonra, Floransa'da bulunan Boboli Bahçeleri'ndeki mağarayı dekore ettiler. Şu anda heykeller Floransa Akademisi'nde tutuluyor. Bu çalışmalarda Michelangelo için yeni bir tema ortaya çıkıyor: heykelsi bir figür ile kaynak malzeme olarak alınan bir taş blok arasındaki bağlantı. Heykeltıraş, burada sanatçının asıl amacı fikrini ortaya koyuyor: görüntüyü taş prangalardan kurtarmak. Heykellerin bitmemiş olduğu ve alt kısımlarında ham taş parçalarının açıkça görülebildiği için izleyici, görüntüyü yaratma sürecinin tamamını görebilir. Burada yeni bir sanatsal çatışma gösteriliyor: insan ve etrafındaki dünya. Üstelik bu çatışma kişi lehine çözülmez. Tüm duygu ve tutkuları çevre tarafından bastırılır.

Floransa'daki Medici Şapeli'nin tablosu, Yüksek Rönesans'ın sonunu ve aynı zamanda Michelangelo'nun çalışmalarında yeni bir aşamayı işaret eden bir çalışmaydı. Çalışma 1520'den 1534'e kadar 15 yıl sürdü. Sanatçı bir süre İtalya'da meydana gelen siyasi olaylarla bağlantılı olarak çalışmalarını askıya almak zorunda kaldı. 1527'de, Roma'nın yenilgisine yanıt olarak, Floransa kendisini bir cumhuriyet ilan etti.

Michelangelo, cumhuriyetçi devlet sisteminin bir destekçisi olarak istihkam işleri başkanlığına seçilmiş ve şehrin savunmasına büyük katkı sağlamıştır. Floransa düştüğünde ve Medici yeniden iktidara geldiğinde, ünlü sanatçı ve şimdi de bir politikacı olan üzerinde ciddi bir ölüm tehdidi belirdi. Kurtuluş oldukça beklenmedik bir şekilde geldi. Gururlu ve kendini beğenmiş bir adam olan Papa VII.Clement Medici, kendisinin ve akrabalarının anısını gelecek nesillere bırakma arzusunu dile getirdi. Yazı sanatıyla ünlü Michelangelo'dan başka kim var? Harika resimler ve mükemmel heykeller yapın, yapabilir mi?

Böylece Medici Şapeli'nin inşası ile ilgili çalışmalar yeniden başladı. İkincisi, üst kısmı kubbe ile taçlandırılmış, yüksek duvarlı küçük bir yapıdır. Şapelde iki mezar vardır: duvarlar boyunca yer alan Nemours Dükü Giuliano ve Urbino'lu Lorenzo. Üçüncü duvarda, sunağın karşısında Madonna'nın bir heykeli var. Solunda ve sağında Aziz Cosmas ve Damian'ın resimlerini temsil eden heykeller var. Büyük ustanın öğrencileri tarafından yapıldığı tespit edilmiştir. Araştırmacılar, Apollon (başka bir isim David'dir) ve Çömelmiş Oğlan heykellerinin de Medici mezarı için yapıldığını öne sürüyorlar.

Prototipleriyle dışsal bir benzerliği olmayan dük heykellerinin yanına alegorik figürler yerleştirildi: "Sabah", "Gündüz", "Akşam" ve "Gece". Burada dünyevi zamanın ve insan yaşamının geçiciliğinin sembolleri olarak sunulurlar. Dar nişlere yerleştirilmiş heykeller, korkunç ve tehditkar bir şeyin yakında gelişi olan depresyon izlenimini çağrıştırıyor. Hacimsel rakamlar taş duvarlarla dört bir yandan ezildiği ortaya çıkan dükler, imgelerin ruhsal kırılmasını ve içsel boşluğunu ifade ediyor.

Bu toplulukta en uyumlu olanı Madonna'nın imajıdır. Olağanüstü derecede etkileyici ve lirizmle dolu, net ve kasvetli çizgilerle dolu değil.

Medici Şapeli, mimari ve heykel formlarının sanatsal birliği açısından özellikle ilgi çekicidir. Binanın ve heykellerin çizgileri burada sanatçının bir fikrine tabidir. Şapel, iki sanatın - heykel ve mimarlık - etkileşiminin sentezinin ve uyumunun en açık örneğidir; burada, birinin parçaları diğerinin öğelerinin anlamını uyumlu bir şekilde tamamlar ve geliştirir.

1534'ten itibaren Michelangelo, Floransa'dan ayrıldı ve hayatının sonuna kadar kaldığı Roma'ya yerleşti. Büyük ustanın eserinin Roma dönemi, Rönesans yazarları, ressamları ve heykeltıraşlarının seslendirdiği fikirlere karşı Reformasyon Karşıtı mücadele koşullarında geçti. İkincisinin eserinin yerini Maniyeristlerin sanatı alıyor.

Roma'da Michelangelo, o dönemin ünlü İtalyan şairi Vittoria Colonna liderliğindeki dini ve felsefi çevreyi oluşturan insanlarla yakınlaşır. Ancak, gençliğinde olduğu gibi, Michelangelo'nun düşünceleri ve fikirleri çemberin başlarında dolaşanlardan çok uzaktı. Aslında usta, Roma'da yanlış anlaşılma ve manevi yalnızlık ortamında yaşadı ve çalıştı.

Bu sırada (1535-1541), Sistine Şapeli'nin sunak duvarını süsleyen Son Yargı freski ortaya çıktı.

Buradaki İncil hikayesi yazar tarafından yeniden düşünülmüştür. Son Yargı'nın resmi, izleyici tarafından olumlu bir başlangıç, yüce adaletin zaferi olarak değil, Kıyamet gibi tüm ailenin ölümünün evrensel bir trajedisi olarak algılanıyor. Büyük insan figürleri, kompozisyonun dramasını güçlendiriyor.

Resmin temel doğası, sanatçının görevine tamamen karşılık geliyor - genel kütle içinde kaybolmuş bir kişiyi göstermek. Sanatsal görüntünün bu kararı sayesinde izleyici, bu dünyada bir yalnızlık ve savaşmanın bir anlamı olmayan düşman güçler karşısında güçsüzlük duygusuna kapılır. Trajik notalar daha delici bir ses kazanıyor çünkü usta burada bir grup insanın bütünleyici, yekpare bir görüntüsüne sahip değil (Geç Rönesans sanatçılarının tuvallerinde sunulacağı gibi), her biri kendi hayatını yaşıyor. Bununla birlikte, ressamın şüphesiz değeri, hala tutarsız da olsa, ancak artık kişisel olmayan bir insan kitlesi göstermesi gerçeği olarak kabul edilebilir.

Son Yargı'da Michelangelo alışılmadık derecede etkileyici bir renk tekniği sunuyor. Açık renkli çıplak vücutlar ile karanlık, siyah-mavi gökyüzünün kontrastı, kompozisyondaki trajik gerilim ve depresyon izlenimini güçlendiriyor.

Michelangelo. Korkunç Yargı. Vatikan'daki Sistine Şapeli'ndeki fresk. parça. 1535-1541

1542'den 1550'ye kadar olan dönemde Michelangelo, Vatikan'daki Paolina Şapeli'nin duvarlarını boyamak için çalışıyordu. Büyük usta ressam, biri daha sonra "Pavlus'un İhtidası" ve diğeri - "Peter'ın Çarmıha Gerilmesi" olarak adlandırılan iki fresk yaptı. İkincisi, Peter'ın infazını izleyen karakterlerde, bir kişinin kaderine zımni rızası, eylemsizliği ve itaati fikri tam olarak sunulur. İnsanların şiddete ve kötülüğe bir şekilde direnecek ne fiziksel ne de zihinsel gücü vardır.

1530'ların sonunda. Michelangelo'nun başka bir heykeli var - Brutus'un bir büstü. Bu çalışma, akrabası Lorenzo tarafından işlenen despotik Dük Alessandro de Medici'nin öldürülmesine ünlü ustadan bir tür yanıt görevi gördü. Gerçek güdülerden bağımsız olarak, ikincisinin eylemi, Cumhuriyetçilerin bir destekçisi olan sanatçı tarafından memnuniyetle karşılandı. Civil pathos, asil, gururlu, bağımsız bir usta, büyük zekaya sahip bir adam ve sıcak bir kalp tarafından temsil edilen Brutus imajıyla doludur. Burada Michelangelo resme dönüyor gibi görünüyor mükemmel insan yüksek manevi ve entelektüel niteliklere sahip.

Michelangelo'nun çalışmalarının son yılları, arkadaş ve akraba kaybı ve daha da ağırlaştırılmış bir halk tepkisi atmosferinde geçti. Karşı reformistlerin yenilikleri, Rönesans'ın en ilerici fikirlerinin tezahür ettiği ustanın eserlerini etkileyemezdi: hümanizm, özgürlük sevgisi, kadere isyan. Karşı reformların ateşli hayranlarından biri olan Paul IV Caraffa'nın kararıyla, ünlü ressam tarafından Kıyamet Günü'nün kompozisyonunda değişiklikler yapıldığını söylemekle yetinelim. Papa, insanların fresklerinde tasvir edilen müstehcen çıplak figürleri düşündü. Michelangelo'nun öğrencisi Daniele da Volterra, emriyle Michelangelo'nun bazı resimlerinin çıplaklığını pelerin perdeleriyle sakladı.

Yalnızlığın kasvetli ve acı verici havası ve tüm umutların çöküşü aşılanır. son eserler Michelangelo - bir dizi çizim ve heykel. Tanınmış ustanın iç çelişkilerini en açık şekilde yansıtan bu eserlerdir.

Böylece, Palestrina'dan "Pieta" da İsa Mesih, dış güçlerin saldırısı altında kırılan bir kahraman olarak sunulur. Floransa Katedrali'ndeki "Pieta" ("Gömme") içindeki aynı görüntü şimdiden daha sıradan ve insancıllaştırılmış. Artık bir titan değil. Sanatçının burada karakterlerin ruhsal gücünü, duygularını ve deneyimlerini göstermesinin daha önemli olduğu ortaya çıkıyor.

İsa'nın vücudunun kırık hatları, oğlunun ölü bedeninin üzerine eğilmiş bir annenin görüntüsü, bedeni alçaltan Nicodemus
İsa mezara - her şey tek bir göreve tabidir: insan deneyimlerinin derinliğini tasvir etmek. Ayrıca, doğru
Bu çalışmaların avantajı, ustanın imgelerdeki kopukluğu aşmasıdır. Resimdeki insanlar, derin bir şefkat duygusu ve kaybın acısı ile birleşiyor. Michelangelo'nun bu tekniği, İtalya sanatının oluşumunun bir sonraki aşamasında, Geç Rönesans sanatçılarının ve heykeltıraşlarının eserlerinde geliştirildi.

Michelangelo'nun çalışmalarının son aşamasının zirvesi, daha sonra Pieta Rondanini olarak adlandırılan bir heykel olarak kabul edilebilir. Burada gösterilen resimler, hassasiyet, maneviyat, derin keder ve üzüntünün vücut bulmuş hali olarak sunulmaktadır. Burada, bu kadar çok insanın olduğu bir dünyada insan yalnızlığı teması her zamankinden daha keskin geliyor.

Çizimi heykel, resim ve mimarinin temel ilkesi sayan büyük ustanın son dönem grafik çalışmalarında da aynı motifler yankılanıyor.

Michelangelo'nun grafik çalışmalarının görüntüleri, anıtsal kompozisyonlarının kahramanlarından farklı değildir: aynı görkemli titan kahramanları burada sunulmaktadır. Yaratıcılığın son döneminde Michelangelo, bağımsız bir sanatsal ve görsel tür olarak çizime yönelir. Yani, 30-40'larda. Ustanın en çarpıcı ve etkileyici kompozisyonlarının görünümü, "Phaeton'un Düşüşü" ve "Mesih'in Dirilişi" gibi 16. yüzyıla aittir.

Ustanın sanatsal yönteminin evrimi, grafik çalışma örneklerinde kolayca izlenebilir. Kalemle yapılan ilk çizimler, oldukça keskin kontur hatlarına sahip oldukça spesifik figür görüntüleri içeriyorsa, sonraki görüntüler daha belirsiz ve yumuşak hale gelir. Bu hafiflik, sanatçının daha ince ve daha narin çizgilerin yaratıldığı iyimser veya İtalyan kalem kullanması nedeniyle yaratılmıştır.

Bununla birlikte, Michelangelo'nun geç dönem çalışmaları yalnızca trajik bir şekilde umutsuz şekillerde işaretlenmiyor. Büyük ustanın bu zamana kadar uzanan mimari yapıları, Rönesans geleneklerini devam ettiriyor gibi görünüyor. Aziz Petrus Katedrali ve Roma'daki Capitol'ün mimari topluluğu, Rönesans'ın yüksek hümanizm fikirlerinin somutlaşmış halidir.

Michelangelo Buonarroti, 18 Şubat 1564'te Roma'da öldü. Cesedi, kesinlikle gizli tutularak başkentten çıkarıldı ve Floransa'ya gönderildi. Büyük sanatçı, Santa Croce kilisesine gömüldü.

Resim ve heykel ustasının çalışmaları, Michelangelo'nun birçok takipçisinin sanatsal yönteminin oluşumunda ve gelişmesinde büyük rol oynadı. Bunların arasında, ünlü ressamın yarattığı görüntülerin çizgilerini sık sık kopyalayan tavırcılar Raphael de var. Michelangelo'nun sanatı, Barok döneminin temsilcileri için daha az önemli değildi. Bununla birlikte, barok görüntülerinin (iç dürtülerle değil, dış güçler tarafından ileri sürülen bir kişi) Michelangelo'nun hümanizmi yücelten kahramanlarına benzer olduğunu söylemek, irade ve manevi güç kişi yanılmış olur.

rafael santi

Rafael Santi, 1483'te küçük Urbino kasabasında doğdu. Büyük ressamın kesin doğum tarihini belirlemek mümkün değildi. Bir kaynağa göre 26 veya 28 Mart'ta doğdu. Diğer akademisyenler, Raphael'in doğum tarihinin 6 Nisan 1483 olduğunu iddia ediyor.

15. yüzyılın sonunda, Urbino en büyüklerinden biri haline geldi. kültür merkezleriülkeler. Biyografi yazarları, Rafael'in babası Giovanni Santi ile çalıştığını öne sürüyor. 1495'ten beri genç adam, Urbino ustası Timoteo della Vite'nin sanat atölyesinde çalışıyor.

Raphael'in hayatta kalan en eski eserleri, "Şövalyenin Rüyası" ve "Üç Güzeller" minyatürleri olarak kabul edilir. Zaten bu eserlerde, Rönesans ustalarının vaaz ettiği hümanist idealler tam olarak yansıtılmıştır.

"Şövalyenin Rüyası" nda, bir seçimle karşı karşıya kalan Herkül'ün mitolojik temasının bir tür yeniden düşünülmesi var: Yiğitlik mi, Zevk mi? .. Raphael, Herkül'ü uyuyan genç bir şövalye olarak tasvir ediyor. Önünde iki genç kadın var: birinin elinde kitap ve kılıç (bilgi, yiğitlik ve cesaret sembolleri) silah ustalığı), diğeri - zevk ve keyfi kişileştiren çiçekli bir dal ile. Kompozisyonun tamamı, güzel bir manzaranın zeminine yerleştirilmiştir.

"Üç Güzeller" yine, büyük olasılıkla eski bir Yunan kamera hücresinden (değerli veya yarı değerli bir taş üzerindeki bir görüntü) alınmış antik görüntüleri sunar.

Genç sanatçının ilk çalışmalarında pek çok ödünç alma olmasına rağmen, yazarın yaratıcı bireyselliği burada zaten oldukça net bir şekilde kendini gösteriyor. İmgelerin lirizminde, eserin özel ritmik organizasyonunda, figürleri oluşturan çizgilerin yumuşaklığında ifade edilir. Bir Yüksek Rönesans sanatçısı olarak, Raphael'in ilk eserlerinin özelliği olan boyalı görüntülerin olağanüstü uyumu ve ayrıca kompozisyon netliği ve netliği sanatçıdan söz ediyor.

1500 yılında, Raphael memleketinden ayrılır ve Umbria'nın ana şehri olan Perugia'ya gider. Burada Umbria sanat okulunun kurucusu Pietro Perugino'nun atölyesinde resim eğitimi alıyor. Raphael'in çağdaşları tanıklık ediyor: yetenekli bir öğrenci, öğretmeninin yazma tarzını o kadar derinden benimsedi ki, tuvalleri bile ayırt edilemedi. Çoğu zaman, Rafael ve Perugino bir resim üzerinde birlikte çalışarak emri yerine getirdiler.

Ancak genç sanatçının özgün yeteneğinin bu dönemde hiç gelişmediğini söylemek yanlış olur. Bu, 1504 civarında yaratılan ünlü Conestabile Madonna tarafından onaylandı.

Bu tuvalde ilk kez, gelecekte sanatçının çalışmalarında önde gelen yerlerden birini alacak olan Madonna'nın görüntüsü ortaya çıkıyor. Madonna, ağaçların, tepelerin ve bir gölün olduğu harika bir manzaranın fonunda resmedilmiştir. Görüntüler, Madonna ve bebeğin bakışlarının genç annenin okumakla meşgul olduğu kitaba çevrilmesiyle birleşiyor. Kompozisyonun eksiksizliği, yalnızca ana karakterlerin figürleriyle değil, aynı zamanda resmin şekliyle de - görüntülerin özgürlüğünü hiçbir şekilde sınırlamayan tondo (yuvarlak) ile aktarılır. Hacimli ve hafiftirler. Kompozisyonda hafif soğuk renkler ve bunların özel kombinasyonları kullanılarak doğallık ve gerçekçilik izlenimi yaratılır: Madonna'nın masmavi pelerini, şeffaf mavi gökyüzü, yeşil ağaçlar ve göl suyu, beyaz tepeli karlı dağlar. Bütün bunlar resme bakıldığında bir saflık ve hassasiyet hissi yaratır.

Raphael'in daha az ünlü olmayan ve aynı zamanda çalışmalarının ilk dönemleriyle ilgili eseri, 1504'te yaratılan "Meryem'in Nişanı" adlı bir tuvaldir. Resim şu anda Milano'daki Brera Galerisi'nde tutulmaktadır. Burada özellikle ilgi çekici olan, kompozisyon yapısıdır. Dini ve ritüel nişan eylemi, ressam tarafından kilisenin uzaktan görülebilen duvarlarından sokağa aktarılmıştır. Ayin, açık mavi bir gökyüzü altında gerçekleştirilir. Resmin ortasında bir rahip, onun solunda ve sağında Meryem ve Yusuf, yanında genç kızlar ve erkekler küçük gruplar halinde duruyor. Kompozisyon perspektifine yerleştirilen kilise, nişanın karşı karşıya geldiği bir tür arka plandır. Meryem ve Yusuf'a ilahi eğilimin ve lütfun sembolüdür. Resmin mantıksal bütünlüğü, kilisenin kubbe çizgisini tekrarlayan üst kısmındaki tuvalin yarım daire şeklindeki çerçevesiyle verilmektedir.

Resimdeki figürler alışılmadık derecede lirik ve aynı zamanda doğal. Burada insan vücudunun hareketleri, plastisitesi çok doğru ve ince bir şekilde aktarılıyor. Bunun canlı bir örneği, kompozisyonun ön planında dizinde bir asayı kıran bir erkek çocuk figürüdür. Zarif, neredeyse ruhani, Mary ve Joseph izleyiciye görünüyor. Manevi yüzleri sevgi ve şefkatle doludur. Figürlerin dizilişindeki belli bir simetriye rağmen tuval lirik sesini kaybetmiyor. Raphael'in yarattığı görüntüler şema değil, duygularının tüm çeşitliliğinde yaşayan insanlardır.

Bu çalışmada, önceki çalışmalara kıyasla ilk kez, genç ustanın yeteneği, kompozisyonun ritmini ince bir şekilde organize etme yeteneğinde en açık şekilde kendini gösterdi. Bu özellik nedeniyle, büyük fotoğraf sadece Raphael'in manzarasının bir unsuru olmayan, aynı zamanda ana karakterlerle aynı seviyeye gelen, özlerini ve karakterlerini ortaya çıkaran mimari yapıların görüntüleri uyumlu bir şekilde dahil edildi.

Eserde özel bir ritim yaratma arzusu, sanatçının belirli tonlarda boyalar kullanması ile de belirlenir. Yani "Meryem'in Nişanı" nın kompozisyonu sadece dört renk üzerine kuruludur.

Kahramanların kıyafetlerinde, manzarada, mimaride birleşen ve genel kompozisyonun gerekli ritmini belirleyen altın sarısı, yeşil ve kırmızı tonlar, gökyüzünün açık mavi tonlarıyla uyum oluşturur.

Çok geçmeden Perugino'nun sanat atölyesi, ressamın yeteneğinin daha da gelişmesi için çok küçük hale gelir. 1504'te Raphael, Yüksek Rönesans sanatının fikirlerinin ve estetiğinin geliştirildiği Floransa'ya taşınmaya karar verir. Burada Raphael, Michelangelo ve Leonardo da Vinci'nin eserleriyle tanışır. Yaratıcı yönteminin oluşumunun bu aşamasında genç ressamın öğretmenleri olduklarını söylemek güvenlidir. Bu ustaların eserlerinde, genç sanatçı Umbria okulunda olmayan bir şey buldu: orijinal görüntü yaratma tarzı, tasvir edilen figürlerin ifade esnekliği, gerçekliğin daha hacimli bir temsili.

Yeni sanatsal ve görsel çözümler, Raphael'in 1505'te yarattığı eserlere çoktan yansımıştı. O zamanlar Floransa'dan tanınmış bir sanat koruyucusu olan Angelo Doni ve eşinin portreleri şu anda Pitti Galerisi'nde tutuluyor. Görüntüler herhangi bir kahramanca acıma ve abartmadan yoksundur. Bu sıradan insanlar Bununla birlikte, aralarında kararlılık ve güçlü irade bulunan en iyi insani niteliklere sahiptir.

Burada, Floransa'da Raphael, Madonna'ya adanmış bir dizi resim yapıyor. “Yeşil Madonna”, “Saka Kuşlu Madonna”, “Bahçıvan Madonna” tuvalleri ortaya çıkıyor. Bu kompozisyonlar aynı parçanın varyantlarıdır. Tüm tuvaller Madonna ve Çocuğu küçük Vaftizci Yahya ile birlikte tasvir ediyor. Rakamlar, inanılmaz derecede güzel bir manzaranın zeminine yerleştirildi. Raphael'in görüntüleri alışılmadık derecede lirik, yumuşak ve naziktir. Madonna'sı, her şeyi bağışlayan, sakin anne sevgisinin somutlaşmış halidir. Bu eserlerde belli bir duygusallık ve karakterlerin dış güzelliğine karşı aşırı bir hayranlık vardır.

Ressamın bu dönemdeki sanatsal yönteminin ayırt edici bir özelliği, Floransa okulunun tüm ustalarının doğasında bulunan net bir renk görüşünün olmamasıdır. Tuvallerde baskın renk yoktur. Görüntüler pastel renklerde işlenir. Sanatçı için renk burada ana şey değil. Onun için daha önemli olan, figürü oluşturan çizgileri olabildiğince doğru bir şekilde iletmektir.

Floransa'da Raphael'in anıtsal resminin ilk örnekleri yaratıldı. Bunlar arasında en ilginç olanı 1506-1507 yılları arasında yaratılan “Vaftizci Yahya ile Madonna ve St. Nicholas" (veya "Ansidei Madonna"). Açık yaratıcı yöntem sanatçı, başta Leonardo da Vinci ve Fra Bartolomeo olmak üzere Floransalı ressamların tuvallerinden büyük ölçüde etkilenmiştir.

1507'de, Floransa okulunun en iyi ustaları olan Leonardo da Vinci ve Michelangelo ile karşılaştırmak isteyen Raphael, "Gömme" adlı oldukça büyük bir tuval yarattı. Kompozisyon görüntülerinin ayrı unsurları, ünlü ressamların tekrarlarıdır. Yani, Mesih'in başı ve gövdesi, Michelangelo'nun "Pieta" (1498-1501) heykelinden ödünç alınmıştır ve Meryem'i destekleyen bir kadın görüntüsü, aynı usta "Madonna Doni" nin tuvalinden alınmıştır. Birçok sanat tarihçisi, Raphael'in orijinal yeteneğini ve sanatsal ve görsel yöntemin özelliklerini ortaya koyan bu çalışmasını orijinal olarak görmez.

Son başarısız çalışmaya rağmen, Raphael'in sanattaki başarıları önemliydi. Kısa süre sonra çağdaşlar, genç sanatçının eserlerini fark eder ve tanır ve yazarın kendisi, Rönesans'ın seçkin ustalarıyla aynı seviyeye gelir. 1508'de, hemşerisi Raphael olan ünlü mimar Bramante'nin himayesinde ressam, papalık sarayına davet edilenler arasında yer aldığı Roma'ya gider.

O dönemde papalık tahtında bulunan II. Julius kendini beğenmiş, kararlı ve iradeli biri olarak biliniyordu.
Onun hükümdarlığı sırasında, savaşların yardımıyla papalık mülkleri büyük ölçüde genişletildi. Aynı "saldırı" politikası kültür ve sanatın gelişmesi konusunda da uygulandı. Böylece en ünlü sanatçılar, heykeltraşlar ve mimarlar papalık mahkemesine davet edildi. Çok sayıda mimari bina ile dekore edilmiş Roma, gözle görülür şekilde değişmeye başladı: Bramante, Aziz Petrus Katedrali'ni inşa etti; Julius II'nin mezarının yapımını geçici olarak askıya alan Michelangelo, Sistine Şapeli'nin tavanını boyamaya başladı. Yavaş yavaş, Papa'nın etrafında yüksek hümanist ilkeleri ve fikirleri vaaz eden bir şairler ve bilim adamları çemberi oluştu. Floransa'dan gelen Rafael Santi böyle bir atmosfere düştü.

Roma'ya gelen Raphael, Papa'nın dairelerini (sözde kıtalar) boyamak için çalışmaya başladı. Freskler 1509'dan 1517'ye kadar olan dönemde yapılmıştır. Diğer ustaların benzer nitelikteki eserlerinden bir takım özelliklerle ayrılırlar. Her şeyden önce, resimlerin ölçeğidir. Önceki ressamların eserlerinde bir duvarda birkaç küçük kompozisyon varsa, Raphael'in her resim için ayrı bir duvarı vardır. Buna göre tasvir edilen figürler de “büyüdü”.

Ayrıca, Raphael'in fresklerinin çeşitli dekoratif unsurlarla doygunluğuna dikkat etmek gerekir: suni mermer ve yaldızla süslenmiş tavanlar, fresk ve mozaik kompozisyonlar ve süslü bir desenle boyanmış bir zemin. Ancak bu tür bir çeşitlilik, aşırılık ve kaos izlenimi yaratmaz. Yerlerine yerleştirilmiş ve ustaca düzenlenmiş dekoratif öğeler, usta tarafından belirlenen bir uyum, düzen ve belirli bir ritim duygusu uyandırır. Bu tür yaratıcı ve teknik yenilikler sonucunda sanatçının resimlerde yarattığı görüntüler izleyici tarafından net bir şekilde görülebilmekte ve bu nedenle gerekli netlik ve duruluk kazanmaktadır.

Tüm freskler ortak bir temaya uymak zorundaydı: Katolik Kilisesi'nin ve başının yüceltilmesi. Bu bağlamda resimler, İncil sahneleri ve papalık tarihinden sahneler üzerine inşa edilmiştir (II. Julius ve halefi Leo X'in resimleriyle). Bununla birlikte, Raphael'de bu tür özel görüntüler, Rönesans'ın hümanist fikirlerinin özünü ortaya çıkaran genelleştirilmiş bir alegorik anlam kazanır.

Bu açıdan özellikle ilgi çekici olan Stanza della Senyatura'dır (imza odası). Kompozisyonun freskleri, insanın ruhsal faaliyetinin dört alanının bir ifadesidir. Böylece, "Tartışma" freski teolojiyi, "Atina Okulu" - felsefeyi, "Parnassus" - şiiri, "Bilgelik, Ilımlılık ve Güç" - adaleti gösterir. Her freskin üst kısmı, belirli bir faaliyet türünü temsil eden bir figürün alegorik bir görüntüsü ile taçlandırılmıştır. Tonozların köşelerinde, tema olarak şu veya bu fresklere benzeyen küçük kompozisyonlar vardır.

Stanza della Senyatura'daki resmin kompozisyonu, İncil'deki ve eski Yunan konularının bir kombinasyonuna dayanmaktadır (İncil - "Düşüş", antik - "Apollo'nun Marsyas'a Karşı Zaferi"). Papalık odalarını süslemek için mitolojik, pagan ve seküler temaların bir kombinasyonunun kullanılmış olması, o dönemin insanlarının dini dogmalara karşı tavrına tanıklık ediyor. Raphael'in freskleri, seküler başlangıcın kilise-dini olana göre önceliğini ifade etti.

Dini kült freskini en çarpıcı ve en eksiksiz yansıtanı "Anlaşmazlık" tablosuydu. Burada kompozisyon iki kısma ayrılmış gibi görünüyor: cennet ve dünya. Aşağıda, yerde, kilise babalarının yanı sıra din adamları, yaşlılar ve gençlerin figürleri var. Görüntüleri, vücutların plastisitesinin, figürlerin dönüşlerinin ve hareketlerinin gerçekçi bir şekilde aktarılmasıyla oluşturulan alışılmadık derecede doğaldır. Buradaki insan kitlesi arasında Dante'yi, Savonarola'yı, ressam Fra Beato Angelico'yu kolayca tanıyabilirsiniz.

İnsan figürlerinin üzerinde Kutsal Üçlü'yü simgeleyen görüntüler var: Baba Tanrı, ondan biraz daha düşük - Tanrı'nın Annesi ve Vaftizci Yahya ile İsa Mesih, altlarında - bir güvercin - Kutsal Ruh'un kişileştirilmesi. Genel kompozisyonun merkezinde, birliğin sembolü olarak bir ev sahibi var.

"Anlaşmazlık" da Raphael, eşsiz bir kompozisyon ustası olarak görünür. Birçok sembole rağmen resim, görüntülerin olağanüstü netliği ve yazarın düşüncelerinin netliği ile ayırt edilir. Kompozisyonun üst kısmındaki figürlerin dizilişindeki simetri, alt kısmında neredeyse kaotik bir şekilde yerleştirilmiş figürlerle yumuşatılmıştır. Ve bu nedenle, ilk görüntünün bir miktar kabataslaklığı zar zor farkedilir hale gelir. Buradaki kesişen kompozisyon öğesi bir yarım dairedir: bulutların üzerindeki azizlerin ve havarilerin üst kısmında yer alan bir yarım daire ve yankısı olarak, resmin alt kısmında özgür ve daha doğal insan figürlerinden oluşan bir yarım daire.

Raphael'in bu döneme ait en iyi fresklerinden ve eserlerinden biri "Atina Okulu" tablosudur. Bu fresk, sanatla ilişkili yüksek hümanist ideallerin somutlaşmış halidir. Antik Yunan. Sanatçı, ünlü antik filozofları ve bilim adamlarını tasvir etti. Platon ve Aristoteles figürleri kompozisyonun orta kısmına yerleştirilmiştir. Platon'un eli yeryüzünü ve Aristoteles - eski filozofların öğretilerini simgeleyen gökyüzünü işaret eder.

Platon'un sol tarafında, genç Alkibiades'in yüzünün belirgin bir şekilde öne çıktığı, vücudu bir kabukla korunan, başı bir kabukla örtülü bir grup insanla sohbet eden Sokrates figürü yer almaktadır. kask. Basamaklarda kurucu Diogenes yerleştirilmiştir. felsefi okul alaycılar. Burada tapınağın girişinde durup sadaka dilenen bir dilenci olarak tasvir edilmiştir.

Kompozisyonun altında iki grup insan var. Sol tarafta öğrencilerle çevrili Pisagor figürü gösterilmektedir. Sağda - Öklid, kayrak bir tahtaya bir şeyler çiziyor, yine öğrencilerle çevrili. Son grubun sağında Zerdüşt ve elinde kürelerle taçlandırılmış Ptolemy var. Yakınlarda yazar kendi portresini ve ressam Sodom'un figürünü yerleştirdi (Stanza della Senyatura'nın resmi üzerinde çalışmaya başlayan oydu). Sanatçı, merkezin soluna düşünceli Efesli Herakleitos'u yerleştirdi.

Anlaşmazlık fresklerindeki resimlerle karşılaştırıldığında, Atina Okulu figürleri çok daha büyük ve daha anıtsaldır. Bunlar, olağanüstü bir akıl ve büyük bir metanetle donatılmış kahramanlardır. Fresklerin ana görüntüleri Platon ve Aristoteles'tir. Önemleri yalnızca kompozisyondaki yerle değil (merkezi bir yer kaplarlar), aynı zamanda yüz ifadesi ve vücutların özel esnekliği ile belirlenir: bu figürlerin gerçekten muhteşem bir duruşu ve yürüyüşü vardır. İlginç bir gerçek, Leonardo da Vinci'nin Platon imajının prototipi haline gelmesidir. Öklid imgesini yazma modeli mimar Bramante'ydi. Herakleitos'un prototipi, Sistine Şapeli'nin tavanında Michelangelo tarafından tasvir edilen figürdü. Bazı bilim adamları, Herakleitos imajının usta tarafından Michelangelo'nun kendisinden kopyalandığını öne sürüyorlar.

Tema burada da değişiyor: fresk, insan zihnine ve iradesine bir tür ilahi gibi geliyor. Bu nedenle tüm karakterler, insan aklının ve yaratıcı düşüncenin sonsuzluğunu simgeleyen görkemli mimari binaların zemininde yer almaktadır. "Anlaşmazlıklar" ın karakterleri pasifse, "Atina Okulu" nda sunulan görüntüler, hayatlarının aktif ve enerjik kurucuları, dünya sosyal düzenini dönüştürücülerdir.

Fresklerin kompozisyon çözümleri de ilgi çekicidir. Yani hareket halinde gösterildikleri için arka planda yer alan Platon ve Aristoteles figürleri resimde asıl olanlardır. Ayrıca kompozisyonun dinamik merkezini oluştururlar. Derinliklerden çıkıntı yaparak, yarım daire biçimli bir kemerle çerçevelenen kompozisyonun gelişimi, dinamikleri izlenimi yaratan izleyiciye doğru ilerliyor gibi görünüyorlar.

Stanza d'Eliodoro'nun mühür odasının arkasındaki tablo, 1511 ile 1514 yılları arasında Rafal tarafından yapılmıştır. asıl yer ilahi takdire ve bir mucizeye verildi.

Oda adını, konusu Kudüs kalesinde depolanan serveti çalmak isteyen Suriyeli komutan Eliodor'un hikayesine dayanan "Eliodor'un Kovulması" freskindeki dekoratif çalışmanın tamamlanmasından sonra aldı. Ancak gökyüzü binicisi onu engelledi. Fresk, Papa II.

Ancak bu fresk, sanatçının yaratıcı niyetini ifade etme gücüyle ayırt edilmiyor. Bu muhtemelen genel kompozisyonun iki ayrı kısma ayrılmasından kaynaklanmaktadır. Solda, iki melekle birlikte Eliodor'a saldırmaya çalışan güzel bir binici var. Freskin sağ tarafında sedyeye uzanmış II. Julius yer almaktadır. Ressam sedyeyi destekleyenler arasında ünlü Alman ressam Albrecht Dürer'i canlandırmıştı. Olay örgüsünün sözde kahramanca acımasızlığına rağmen, Raphael'in buradaki görüntüleri tamamen dinamik ve dramadan yoksun.

Karakter olarak biraz daha güçlü ve kompozisyon yapısında mükemmel olan "Bolsena'da Ayin" adlı bir fresk. Konusu, ayin sırasında gofreti kana bulanan inanmayan bir rahibin hikayesine dayanıyor. Raphael'in tuvalindeki bu mucizenin tanıkları, arkasında bulunan Papa II. Julius, kardinaller ve muhafızlardan İsviçreli idi.

Ünlü sanatçının bu eserinin ayırt edici bir özelliği, önceki çalışmalara kıyasla, karakterlerin tasvirindeki doğallık derecesi ve doğallıktı. Bunlar artık dış güzellikleriyle hayranlık uyandıran soyut figürler değil, oldukça gerçek insanlar. Bunun en çarpıcı kanıtı, yüzleri iç enerji dolu, güçlü bir insan iradesini ifade eden papalık muhafızlarından İsviçrelilerin görüntüleridir. Ancak duyguları, sanatçının yaratıcı bir icadı değildir. Bunlar çok gerçek insani duygular.

Yazar bu çalışmasında renge, tuvalin ve görüntülerin renk doluluğuna çok dikkat ediyor. Ressam artık sadece figürlerin kontur çizgilerinin tam olarak aktarılmasıyla değil, aynı zamanda görüntülerin renk doygunluğuyla, iç dünyalarının belli bir tonla sergilenmesiyle de ilgileniyor.

Havari Petrus'un bir melek tarafından kurtuluş sahnesini tasvir eden "Petrus'un Üretimi" freski de aynı derecede anlamlıdır. Sanat tarihçileri, bu resmin papalık elçisi Leo X'in (daha sonra Papa olacak) Fransız esaretinden muhteşem kurtuluşunun bir sembolü olduğuna inanıyor.

Bu freskte özellikle ilgi çekici olan, yazar tarafından bulunan kompozisyon ve renk çözümüdür. Genel kompozisyonun dramatik doğasını güçlendiren gece aydınlatmasını yeniden üretir. Özenle seçilmiş mimari arka plan, resmin içeriğinin ve daha büyük duygusal içeriğinin açıklanmasına da katkıda bulunur: masif tuğlalardan inşa edilmiş bir zindan, ağır kemerli bir tonoz ve kalın kafes çubukları.

Stanza d'Eliodoro'daki dördüncü ve son fresk, daha sonra "Papa I. Leo'nun Attila ile Buluşması" olarak anılacaktır, Raphael'in eskizlerine göre öğrencileri Giulio Romano ve Francesco Penny tarafından yapılmıştır. Çalışma 1514'ten 1517'ye kadar olan dönemde gerçekleştirildi. O zamana kadar alışılmadık derecede popüler bir sanatçı haline gelen, ünü tüm İtalya'ya yayılan ve çok sayıda sipariş alan ustanın kendisi, papalık odalarının dekorasyonunu bitiremedi. Ayrıca, o sırada Raphael, Aziz Petrus Katedrali'nin baş mimarı olarak atandı ve daha sonra Roma topraklarında ve çevresinde yürütülen arkeolojik kazıları da denetledi.

Stanzas del Incendio'yu süsleyen resimler, papalık tarihinin hikayelerine dayanıyordu. Tüm freskler arasında belki de yalnızca biri özel ilgiyi hak ediyor - "Borgo'daki Ateş". 847'de Roma mahallelerinden birinde çıkan bir yangını anlatıyor. Daha sonra Papa IV. Leo yangının söndürülmesinde yer aldı. Bu fresk, felaketten kaçmaya çalışan insanların imajındaki aşırı dokunaklılık ve yapay drama ile ayırt edilir: babasını taşıyan bir oğul, duvara tırmanan genç bir adam, elinde bir sürahi tutan bir kız.

Vatikan stanzalarının freskleri, Raphael'in çalışmalarının gelişimini çok iyi gösteriyor: sanatçı, erken dönem eserlerinin ideal imgelerinden yavaş yavaş dramaya geçiyor ve aynı zamanda geç döneme ait eserlerde hayata yaklaşıyor ( olay örgüsü kompozisyonları ve portreler).

1509'da Roma'ya varır varmaz Raphael, Madonna temasını sürdürerek “Madonna Alba” tuvalini yazdı. Conestabile Madonna'nın figürleriyle karşılaştırıldığında, Alba Madonna'daki görüntüler çok daha karmaşık. Meryem burada genç bir kadın olarak tasvir edilmiştir. güçlü karakter, enerjik ve kendinden emin. Bebeğin hareketleri de bir o kadar güçlü. Resim tondo şeklindedir. Bununla birlikte, yuvarlak tuvaller için tipik olmayan rakamlar burada tam olarak yazılmıştır. Bununla birlikte, şekillerin böyle bir düzenlemesi, statik görüntülerin ortaya çıkmasına yol açmaz. Onlar ve bir bütün olarak tüm kompozisyon dinamik olarak gösterilir. Bu duygu, ustanın insan vücudunun hareketlerinin esnekliğini incelikli ve doğru bir şekilde aktarması nedeniyle yaratılır.

Sanatçının yaratıcı yönteminin oluşumu için özellikle önemli olan, çalışması 1516 civarında tamamlanan “Kürsüdeki Madonna” (veya “Madonna della sedia”) tablosuydu. kompozisyona belirli, gerçek unsurların dahil edilmesi. Örneğin, Mary'nin göğsü, saçaklı geniş, parlak bir fularla kaplıdır. O zamanlar bu tür eşarplar, tüm İtalyan köylü kadınlarının en sevdiği kıyafetti.

Madonna, çocuk İsa ve küçük Vaftizci Yahya figürleri birbirine yakın konumlanmıştır. Görüntüler yumuşak bir şekilde birbirinin içine akıyormuş gibi görünüyor. Resmin tamamı alışılmadık derecede parlak bir lirik hisle doludur. Her zaman yaşayan anne sevgisi teması burada sadece Mary'nin bakışlarında değil, aynı zamanda figürünün esnekliğinde de aktarılıyor. Tondonun şekli, tüm kompozisyona mantıklı bir bütünlük verir. Yuvarlak bir tuval üzerine yerleştirilmiş Meryem ve bebek figürleri, en yakın iki insanın, anne ve çocuğun birliğinin simgesidir. Bu
Raphael'in tablosu, çağdaşları tarafından şövale resminin zirvesi olarak kabul edildi, sadece kompozisyon yapısı, ama aynı zamanda plastik görüntü çizgilerinin ince aktarımı nedeniyle.

10'lardan. 16'ncı yüzyıl Raphael mihraplar için besteler üzerinde çalışıyor. Böylece, 1511'de Foligno Madonna ortaya çıkıyor. Ve 1515'te ünlü sanatçı, daha sonra ressama büyük bir ustanın şanını getirecek ve birden fazla nesil insanın kalbini kazanacak bir tuval yaratmaya başlar. "Sistine Madonna", Raphael'in sanatsal yönteminin oluşumunda son aşamaya işaret eden bir tablodur. Annelik teması, önceki çalışmalara kıyasla burada ele alınmıştır. en büyük gelişme ve en eksiksiz uygulama.

Katedral'e girer girmez, izleyicinin gözü hemen Meryem Ana'nın kucağında bebek İsa Mesih'i taşıyan görkemli figürüne çekilir. Bu etki, karakterlerin özel bir kompozisyon düzenlemesiyle elde edilir. Aziz Sixtus ve Barbara'nın gözleri yarı açık perde Meryem'e döndü - tüm bunlar genç anneyi vurgulamayı ve kompozisyonun merkezi haline getirmeyi amaçlıyor.

Madonna'nın imajını ortaya çıkaran Raphael, Rönesans sanatçılarından çok uzaklaştı. Buradaki Madonna doğrudan izleyiciye hitap ediyor. Bir çocukla meşgul değil (Leonardo da Vinci'nin Madonna'sı gibi) ve kendi içine dalmış değil (ustanın ilk eserlerinin kadın kahramanları gibi). Bembeyaz bulutların arasından izleyiciye doğru ilerleyen bu Meryem, onunla sohbet ediyor. Onun geniş gözlerinde, görebilirsin Anne sevgisi ve biraz kafa karışıklığı, umutsuzluk, alçakgönüllülük ve oğlunun gelecekteki kaderi için derin endişe. Bir kahin olarak çocuğunun başına gelecek her şeyi bilir. Ancak anne, insanları kurtarmak uğruna onu feda etmeye hazırdır. Bebek Mesih'in imajına da aynı ciddiyet verilmiştir. Sanki tüm dünya onun gözlerinde kapalı, bir peygamber gibi bize insanlığın ve kendi kaderini anlatıyor.

Raphael. Sistine Madonna. 1515-1519

Mary'nin görüntüsü drama dolu ve alışılmadık derecede etkileyici. Bununla birlikte, idealleştirmeden yoksundur ve hiperbolik özelliklerle donatılmamıştır. Figürlerin plastisitesinin doğru ve sadık aktarımı ve kahramanların kıyafetlerinin perdeliği ile ifade edilen kompozisyonun dinamizmi nedeniyle görüntünün bütünlüğü, bütünlüğü burada yaratılır. Tüm figürler canlı, hareketli, parlak olarak sunulur. Mary'nin yüzü, çocukça olmayan hüzünlü gözlere sahip bebek Mesih gibi, izleyicinin gözleri önünde tam anlamıyla değişen bir dizi duyguyu ifade eder: üzüntü, endişe, alçakgönüllülük ve nihayet kararlılık.

Sanat tarihçileri arasında Sistine Madonna'nın prototipi sorunu hala açık. Bazı bilim adamları bu görüntüyü "Peçeli Kadın" (1514) portresinde tasvir edilen genç bir kadın görüntüsüyle özdeşleştirir. Bununla birlikte, sanatçının çağdaşlarının ifadesine göre, "Sistine Madonna" tuvalindeki Meryem, herhangi birinin belirli bir imajından ziyade genelleştirilmiş bir kadın tipi, bir Raphael idealidir.

Raphael'in portre çalışmaları arasında 1511'de Papa II.

Kont Baldassare Castiglione'nin 1515'te yaratılan ve sakin, dengeli, uyumlu bir şekilde gelişmiş bir kişiyi tasvir eden portresi özellikle dikkat çekicidir. Rafael burada harika bir renk ustası olarak karşımıza çıkıyor. Karmaşık renk kombinasyonları ve ton geçişleri kullanıyor. Aynı ton ustalığı, ressamın başka bir çalışmasında da ayırt edilir: rengin baskın olduğu “Peçeli Kadın” (“La donna velata”, 1514) bir kadın portresi boya beyaz boya (kadının kar beyazı elbisesi başlar). hafif bir örtü).

Raphael'in çalışmalarının önemli bir kısmı anıtsal eserler tarafından işgal edilmiştir. Daha sonraki benzer çalışmaları arasında en ilginç olanı, her şeyden önce 1515'te (eskiden zengin Chigi'nin mülkü olan) Villa Farnesina'nın duvarlarını süsleyen "Galatea'nın Zaferi" freskidir. Bu resim, alışılmadık derecede neşeli bir ruh hali ile ayırt edilir. Görüntüler kelimenin tam anlamıyla mutlulukla dolup taşıyor. Parlak, doygun renklerin özel bir kombinasyonu kullanılarak benzer bir ton yaratılır: burada çıplak beyaz cisimler, şeffaf mavi gökyüzü ve denizin mavi dalgaları ile uyumlu bir şekilde birleştirilir.

Raphael'in son anıtsal eseri, Vatikan Sarayı'nın ikinci katında bulunan kemerli galerinin duvarlarının dekorasyonuydu. Salonların dekoru, suni mermerden yapılmış resimler ve mozaiklerle dekore edilmiştir. Fresklerin arazileri, sanatçı tarafından İncil efsanelerinden ve sözde çizilmiştir. groteskler (eski Yunan mezarlarında bulunan resim - mağaralar). Toplam 52 resim bulunmaktadır. Daha sonra "Raphael'in İncili" genel adı altında bir döngü halinde birleştirildiler. Ünlü sanatçının, aralarında Giulio Romano, Francesco Penny, Perino del Vaga, Giovanni da Udine'nin de bulunduğu öğrencileriyle birlikte Vatikan Sarayı'nın salonlarının dekorasyonu konusunda çalışmalar yapması da ilginçtir.

Raphael'in sonraki şövale resimleri, ustanın giderek büyüyen yaratıcı krizinin bir tür yansıması ve ifadesiydi. Yüksek Rönesans ustaları tarafından yaratılan görüntülerin giderek artan dramatizasyon yolunu izleyen, ancak aynı zamanda kendi, halihazırda yerleşik sanatsal temsil yöntemlerine sadık kalan Raphael, üslup çelişkilerine geliyor. Nitelik olarak yeni, iç dünyalarını ve dış güzelliklerini aktarma açısından daha mükemmel görüntüler yaratmak için, düşüncelerini ifade etme araçları ve yolları çok azdır. Raphael'in çalışmalarının bu dönemini gösteren canlı örnekler "Haçı Taşımak" (1517), "Kutsal Aileler" döngüsü (yaklaşık 1518), sunak kompozisyonu "Başkalaşım" dır.

Ustanın tüm çağdaşlarını şok eden ani ölüm olmasaydı, Raphael gibi yetenekli bir ressamın böylesine yaratıcı bir çıkmazdan bir çıkış yolu bulması oldukça olasıdır. Rafael Santi 6 Nisan 1520'de 37 yaşında öldü. Gösterişli bir cenaze töreni düzenlendi. Büyük ressamın külleri Roma'daki Pantheon'da gömülüdür.

Raphael'in bugüne kadarki eserleri, dünya sanatının başyapıtları olmaya devam ediyor. Bu resimler örnek klasik sanat, insanlığa mükemmel, doğaüstü bir güzellik göstermek için çağrıldı. İzleyiciye, insanların duygu ve düşüncelerinin yüksek olduğu bir dünya sundular. Raphael'in çalışması, bir insanı dönüştüren, onu daha temiz, daha parlak, daha güzel yapan bir tür sanat ilahisidir.

Titian (Tiziano Vecellio)

Tiziano Vecellio, dağlarda ve Venedik mülklerinin bir kısmında bulunan küçük Pieve di Cadore kasabasında askeri bir ailede dünyaya geldi. Bilim adamları, Titian'ın doğum tarihini ve yılını doğru bir şekilde belirleyemediler. Bazıları bunun 1476-1477, diğerleri - 1485-1490 olduğuna inanıyor.

Bilim adamları, Vecellio ailesinin eski ve şehirde oldukça etkili olduğunu öne sürüyorlar. Çocuğun erken yaştaki resim yeteneğini gören ebeveynler, Tiziano'yu Venedikli mozaik ustasının sanat atölyesine vermeye karar verdiler. Bir süre sonra genç Vecellio, önce Gentile Bellini'nin, ardından Giovanni Bellini'nin atölyesinde çalışmak üzere görevlendirildi. Bu sırada genç sanatçı, etkisi ilk çalışmalarına yansıyan Giorgione ile tanıştı.

Sanatçının tüm çalışmaları iki döneme ayrılabilir: birincisi - sözde. dzhordzhonevsky - 1515-1516'ya kadar (Giorgione'nin etkisi en güçlü şekilde ressamın eserlerinde ifade edildiğinde); ikincisi - 40'lardan. 16. yüzyıl (şu anda Titian, Geç Rönesans sanatını temsil eden zaten yerleşik bir ustadır).

Erken bir aşamada Giorgione'nin ve Rönesans ressamlarının sanatsal yöntemini izleyen Titian, sanatsal sorunları çözmenin yollarını yeniden düşünür. Sanatçının fırçasının altından, Raphael ve Leonardo da Vinci gibi yüce ve rafine figürlerden önemli ölçüde farklı olan yeni görüntüler çıkıyor. Titian'ın kahramanları dünyevi, dolgun, şehvetli, büyük ölçüde bir pagan başlangıcına sahipler. Ressamın ilk tuvalleri, yine de alışılmadık derecede neşeli bir ruh hali ve bulutsuz mutluluk, dünyevi yaşamın dolgunluğu ve sonsuzluğu bilinciyle dolu oldukça basit bir kompozisyonla ayırt edilir.

Sanatçının yaratıcı yöntemini en iyi şekilde ifade eden bu dönem yapıtları arasında en dikkat çekici olanlardan biri de 10'lu yıllara tarihlenen "Yerde ve Cennette Aşk" tablosudur. 16'ncı yüzyıl. Yazarın sadece olay örgüsünü iletmekle kalmayıp, aynı zamanda barış ve varoluş mutluluğunu ve bir kadının şehvetli güzelliğini çağrıştıran güzel bir manzara göstermesi de önemlidir.

Kadın figürleri şüphesiz yücedir, ancak hayattan soyutlanmazlar ve yazar tarafından idealize edilmezler. Yumuşak renklerle boyanmış ve arka plana yerleştirilmiş manzara, zarif ve zarif ama aynı zamanda oldukça gerçek, özel kadın imgeleri için mükemmel bir zemin görevi görüyor: Dünyevi Aşk ve Cennetsel Aşk. Ustalıkla oluşturulmuş bir kompozisyon ve ince bir renk duygusu, sanatçının alışılmadık derecede uyumlu bir çalışma yaratmasına yardımcı oldu; bunların her biri, yazarın dünyevi doğanın ve insanın doğal güzelliğini gösterme arzusuna tabi olduğu ortaya çıktı.

Titian'ın 1518 tarihli daha sonraki eseri Assunta'da (veya Meryem'in Yükselişi), Dünyevi ve Cennetsel Aşk eserinde kulağa gelen o sakin tefekkür ve sükunet yoktur. Daha fazla dinamik, güç, enerji var. Kompozisyonun ana figürü, dünyevi güzellik ve güçle dolu genç bir kadın olarak gösterilen Meryem'dir. Görüntüleri aynı içsel canlılığı ve enerjiyi ifade eden havarilerin görüşleri ona yöneliktir. İnsan güzelliğine ve güçlü insan duygusuna bir tür ilahi, "Bacchus ve Ariadne" bestesidir ("Bacchanalia" döngüsünden, 1523).

Dünyevi yüceltme kadın güzelliği Titian'ın "Urbino Venüsü" adlı başka bir eserinin teması oldu. 1538'de oluşturuldu. Görüntünün kesinlikle hiçbir yüceliği ve maneviyatı olmamasına rağmen, ikincisi yine de tuvalin estetik değerini azaltmıyor. Venüs burada gerçekten çok güzel. Ancak güzelliği sıradan ve doğal, bu da Titian'ın yarattığı görüntüyü Botticelli'nin Venüs'ünden ayırıyor.

Ancak sanatçının eserlerinin gelişiminin ilk dönemlerine ait görüntülerin, bir kişinin sadece dış güzelliğini yücelttiğini söylemek yanlış olur. Bütün görünümleri, dış güzelliği maneviyatla eşit olan ve aynı derecede güzel bir ruhun diğer yüzü olan uyumlu bir insanı tasvir ediyor.

Bu açıdan en ilgi çekici olan, 1515'ten 1520'ye kadar olan dönemde yaratılan "Sezar'ın Denarius'u" tuvalindeki İsa Mesih'in görüntüsüdür. Titian'ın İsa'sı hiç de ilahi, yüce, göksel bir varlık olarak gösterilmemiştir. Yüzünün ruhani ifadesi, izleyicinin önünde mükemmel bir zihinsel organizasyona sahip asil bir insan olduğunu gösteriyor.

1519'dan 1526'ya kadar olan dönemde yazılan sunak kompozisyonu "Madonna Pesaro" da oluşturulan imgeler aynı maneviyatla doludur.Bu kahramanlar entrika veya soyutlama değildir. Canlı, gerçek bir resmin yaratılması, ustanın çeşitli renkleri kullanmasıyla büyük ölçüde kolaylaştırılır: Mary'nin kar beyazı duvağı, gök mavisi, kırmızı, parlak kırmızı, kahramanların altın kıyafetleri, zengin yeşil halı. Bu kadar çeşitli tonlar, kompozisyona kaos sokmaz, aksine ressamın uyumlu ve uyumlu bir görüntü sistemi yaratmasına yardımcı olur.

1520'lerde Titian, dramatik nitelikteki ilk eseri yarattı. Bu ünlü resim "Gömme". Buradaki İsa imgesi, "Sezar'ın Denarius'u" tablosundakiyle aynı şekilde yorumlanmıştır. İsa, insanlığı kurtarmak için gökten inen bir varlık olarak değil, eşit olmayan bir savaşta düşen tamamen dünyevi bir kahraman olarak sunulur. Olay örgüsünün tüm trajedisine ve dramasına rağmen tuval, izleyicinin umutsuzluğa kapılmasına neden olmuyor. Aksine, Titian'ın yarattığı görüntü, bir kişinin iç güzelliğini, ruhunun asaletini ve gücünü kişileştiren bir iyimserlik ve kahramanlık sembolüdür.

Bu karakter, sanatçının bu eserini, iyimser ruh hallerinin yerini umutsuz bir trajediye bıraktığı 1559 tarihli aynı adlı daha sonraki çalışmasından önemli ölçüde ayırır. Burada, Titian'ın başka bir tablosunda olduğu gibi - “St. Yaratılışı 1528'den 1530'a kadar uzanan Şehit Peter”, usta yeni bir sanatsal temsil yöntemi kullanıyor. Tuvallerde sunulan doğa resimleri ("Şehit Aziz Petrus Suikastı" nda koyu, kasvetli renklerle aktarılan "Gömme" deki gün batımı ve "Şehit Aziz Petrus Suikastı" nda şiddetli rüzgarlar altında bükülen ağaçlar) bir tür olduğu ortaya çıkıyor. insan duygularının ve tutkularının ifadesi. Büyük Tabiat Ana burada Hükümdar İnsan'a teslim olur. Titian, yukarıda bahsedilen kompozisyonlarda olduğu gibi, doğada olan her şeyin insan eylemlerinden kaynaklandığı fikrini doğrular. O, dünyanın (doğa dahil) efendisi ve hükümdarıdır.

Sanatçının çok figürlü kompozisyonlar yaratma becerisinin gelişmesinde yeni bir aşama, 1534-1538 tarihli "Tapınağa Giriş" adlı tuvaldi. Titian'ın burada pek çok resim yazmış olmasına rağmen, gözlerinin önünde meydana gelen önemli bir olaya - Meryem'in tapınağa girişi - ilgi duyarak hepsinin bir kompozisyon bütünü halinde birleştiği ortaya çıktı. Ana karakterin figürü, küçük (ancak daha az önemli olmayan) karakterlerden uzamsal duraklamalarla ayrılır: Meraklı insanlar ve rahipler kalabalığından bir merdiven basamaklarıyla ayrılır. Figürlerin jestleri ve plastisitesiyle kompozisyonda şenlikli bir ruh hali, olup bitenlerin önemi duygusu yaratılır. Ancak resimde ön planda yer alan yumurta taciri figürünün yer alması nedeniyle eserin aşırı dokunaklılığı azaltılmakta ve sanatçının betimlediği durumun gerçekçilik ve doğallık izlenimi güçlendirilmektedir.

Halk imgelerinin kompozisyonuna giriş, Titian'ın 30'lu yıllardaki sanatsal ve görsel yönteminin karakteristik bir özelliğidir. 16. yüzyıl. Ustanın hayati derecede doğru bir resim yaratmasına yardımcı olan bu görüntülerdir.

Hem ruhu hem de bedeni güzel olan uyumlu bir insanı göstermek için en eksiksiz yaratıcı fikir, Titian'ın portre çalışmalarında somutlaştı. Bu nitelikteki ilk eserlerden biri "Eldivenli genç bir adamın portresi" dir. Tuvalin yaratılması, 1515'ten 1520'ye kadar olan dönemi ifade eder. Genç bir adamın görüntüsü, o zamanın bütün bir insan neslini temsil eder - Rönesans. Portre, insan ruhu ve bedeninin uyumu fikrini somutlaştırır. Geniş omuzlar, vücudun gevşek esnekliği, gelişigüzel açılmış gömlek yakası, genç bir adamın bakışıyla ifade edilen sakin güven - her şey, yazarın insan varoluşunun sevinci ve sıradan bir insanın mutluluğu hakkındaki ana fikrini aktarmayı amaçlamaktadır. hüznü bilmeyen ve iç çelişkilerle parçalanmayan kişi.

Aynı tip, uyumlu bir şekilde düzenlenmiş mutlu insan, "Violante" ve "Tommaso Mosti'nin Portresi" (her ikisi de - 1515-1520) tuvallerinde görülebilir.

Çok daha sonra yaratılan portrelerde, izleyici, 1515-1520 döneminin benzer eserlerinde tipik olan, görüntülerin doğasının o açık sözlülüğünü ve net kesinliğini artık bulamayacak. Titian'ın geç karakterlerinin özü, erken dönemlere kıyasla çok daha karmaşık ve çok yönlüdür. Yazarın sanatsal yöntemindeki değişimin canlı bir örneği, 1540'ların sonunda yaratılan "Ippolito Riminaldi'nin Portresi" tablosudur. Portre, yüzü küçük bir sakalla çevrili, duygu ve duyguların derin bir iç mücadelesini ifade eden genç bir adamı tasvir ediyor.

Titian'ın bu dönemde yarattığı görüntüler, Yüksek Rönesans sanatı için tipik değildir: karmaşıktır, birçok yönden çelişkili ve dramatiktir. Bunlar, "Alessandro ve Ottavio Farnese ile Papa III. Paul'ün Portresi" adlı kompozisyonun kahramanları. Tuval, 1545'ten 1546'ya kadar olan dönemde yaratıldı. Papa III.Paul, kurnaz ve güvensiz biri olarak gösteriliyor. Mahkemede tanınmış bir dalkavuk ve ikiyüzlü olan yeğeni Ottavio'yu endişe ve kötülükle izliyor.

Titian, olağanüstü bir sanatsal kompozisyon ustası olduğunu gösterdi. Bu eserde insanların karakterlerinin özü, karakterlerin birbirleriyle olan etkileşimleri, jestleri ve duruşlarıyla ortaya çıkar.

Charles V'i (1548) tasvir eden bir portre, görkemli dekoratif ve gerçekçi unsurların bir kombinasyonu üzerine inşa edildi. Modelin iç dünyası ustaca bir hassasiyetle gösterilmiştir. İzleyici önündekini anlar özel kişi ana özellikleri hem büyük bir akıl hem de metanet, ayrıca kurnazlık, zulüm, ikiyüzlülük olan karmaşık bir karaktere sahip.

Kompozisyon kurgusu açısından daha sade olan Titian'ın yarattığı portrelerde, izleyicinin tüm dikkati görüntünün iç dünyasına odaklanır. Örneğin, 1545 tarihli “Aretino Portresi” tuvalinden alıntı yapılabilir. Model, sanatçı tarafından o dönemde Venedik'te tanınmış bir kişi olarak seçildi, olağanüstü para ve dünyevi açgözlülüğü ile ünlenen Pietro Aretino. zevkler Bununla birlikte, buna rağmen sanatı çok takdir etti, kendisi bir dizi gazetecilik makalesinin, çok sayıda komedinin, kısa öykünün ve şiirin (her zaman olmasa da) yazarıydı.
uygun içerik).

Titian, çalışmalarından birinde böyle bir kişiyi yakalamaya karar verdi. Aretino'su, en çeşitli, hatta bazen çelişkili duyguları ve karakter özelliklerini içeren karmaşık, gerçekçi bir görüntüdür.

Bir kişinin kendisine düşman güçlere sahip trajik çatışması, 1543'te yapılan “Behold the Man” tablosunda gösteriliyor. Olay örgüsü, Karşı Reform taraftarlarının Rönesans'ın hümanist fikirlerine karşı artan kamuoyu tepkisinden ilham aldı. o zamanlar italyada Kompozisyonda, yüce evrensel ideallerin taşıyıcısı olarak Mesih imgesi, alaycı, gaddar ve çirkin olarak gösterilen Pilatus'a karşı çıkıyor. Şöyle
eserde ilk kez şehvetli, dünyevi zevklerin ve sevinçlerin reddedildiğine dair notlar çıkıyor.

Titian. Alessandro ve Ottavio Farnese ile Papa III. 1545-1546

Aynı çarpıcı kontrast, 1554 civarında yazılan "Danae" tuvalinin görüntülerinde de göze çarpıyordu. Çalışma, yüksek derecede drama ile ayırt ediliyor. İçinde yazar, daha önce olduğu gibi, insanın güzelliğini ve mutluluğunu söylüyor. Ancak mutluluk geçicidir ve anlıktır. Resimde, daha önce yaratılan görüntüleri ("Yeryüzünde ve cennette aşk", "Urbino Venüsü") ayırt eden karakterlerin ruh halinin değişmezliği ve sakin yatıştırması yoktur.

Eserdeki ana tema, güzel ile çirkinin, yüksek ile alçak arasındaki çarpışmadır. Ve genç bir kız, bir insandaki en yüce şeyleri ifade ederse, o zaman altın yağmur paralarını yakalamaya çalışan yaşlı bir hizmetçi, en düşük insani nitelikleri kişileştirir: kişisel çıkar, açgözlülük, kinizm.

Kompozisyonda drama, koyu ve açık tonların belirli bir kombinasyonu ile vurgulanır. Sanatçının resme anlamsal vurgular yerleştirmesi boya yardımıyla olur. Yani genç bir kız, güzelliği ve parlak duyguları sembolize eder. Ve etrafı kasvetli koyu tonlarla çevrelenen yaşlı kadın, taban tabana zıt bir başlangıca sahip bir ifade içeriyor.

Titian'ın çalışmalarının bu dönemi, yalnızca drama dolu çelişkili görüntülerin yaratılmasıyla karakterize edilmez. Sanatçı aynı zamanda teması bir kadının büyüleyici güzelliği olan bir dizi eser çiziyor. Bununla birlikte, bu eserlerin, örneğin Love on Earth and Heaven ve Bacchanalia'da kulağa gelen o iyimser ve yaşamı onaylayan ruh halinden yoksun olduğuna yine de dikkat etmek gerekiyor. En çok ilgi gören resimler arasında "Diana ve Actaeon", "Çoban ve Su Perisi" (1559), "Adonis ile Venüs" yer alıyor.

Biri en iyi işler Titian, 60'larda yaratılan "Kayushda Mary Magdalene" adlı bir tablodur. 16'ncı yüzyıl. Birçok Rönesans sanatçısı bu İncil hikayesine döndü. Ancak Titian, tövbe eden Mecdelli Meryem'in imajını yeniden yorumlar. Güzellik ve sağlıkla dolu genç bir kadın figürü, Hıristiyan tövbesinden ziyade üzüntüyü ve sonsuza dek kaybolan mutluluk özlemini ifade eder. İnsan, her zamanki gibi Titian'da güzeldir, ancak onun iyiliği, sakinliği ve iç huzuru dış güçlere bağlıdır. Bir kişinin kaderine müdahale ederek ruhun uyumunu bozanlar onlardır. Kederli Magdalene'nin görüntüsünün, karanlık gökyüzünü yaklaşmakta olan kara bulutlarla taçlandıran kasvetli bir manzaranın zemininde gösterilmesi tesadüf değildir - bir ön tat.
fırtınalar.

Aynı insan ıstırabı teması, ünlü ustanın sonraki eserlerinde de duyulmaktadır: "Dikenli Taç Giyme" (1570) ve "St. Sebastian" (1570).

The Crowning with Thorns'da İsa, sanatçı tarafından fiziksel ve en önemlisi ahlaki niteliklerde işkencecilerini geride bırakan sıradan bir insan kılığında sunulur.

Ancak, yalnızdır ve yalnızca bu nedenle kazanan olamaz. Sahnenin dramatik, duygusal yoğunluğu kasvetli, koyu bir renkle artırılmıştır.

Dış dünyayla çatışan yalnız bir kahramanın teması “St. Sebastian". Kahraman burada, Rönesans sanatının karakteristik bir görüntüsü olan görkemli bir titan olarak gösteriliyor. Ancak yine de mağlup oldu.

Karaktere düşman güçleri simgeleyen manzara burada bağımsız bir rol oynar. Olay örgüsünün dramasına rağmen, bir bütün olarak kompozisyona yaşamı onaylayan bir ruh hali nüfuz ediyor.

İnsan zihnine bir tür ilahi, bilgelik ve kabul edilen ideallere sadakat, 60'larda yaratılan ustanın otoportresidir. 16'ncı yüzyıl

Titian'ın en etkileyici tablolarından biri, 1576 civarında yazılan "Pieta" (veya "Mesih'in Ağıtı") olarak tanınır. Burada kederli kadın figürleri, taş bir nişin ve kasvetli bir manzaranın zemininde tasvir edilmiştir. Mary, bir heykel gibi, keder içinde dondu. Magdalene'nin görüntüsü alışılmadık derecede parlak ve dinamik: ileri doğru çabalayan bir kadın figürü, kaldırılmış bir el, savrulan ateşli kızıl saçlar, hafifçe aralanmış bir ağız, içinden bir umutsuzluk çığlığı çıkmak üzere. İsa ilahi bir göksel varlık olarak değil, oldukça gerçek kişi, insan dünyasına düşman güçlerle eşit olmayan bir savaşta mağlup oldu. Görüntülerin trajedisi, ton ve ışık-gölge geçişleri yardımıyla resimde ifade edilir. Ana karakterler, olduğu gibi, gecenin karanlığından ışık ışınları tarafından kapılmış gibi görünüyor.

Titian'ın bu çalışması, derin duygularla donatılmış bir adamı yüceltiyor. "Pieta" tablosu, Rönesans'ta yaratılan hafif, yüce ve görkemli kahramanlara adanmış bir tür veda şarkısıydı.

Dünyaya güzel görüntüler veren büyük ressam, 27 Ağustos 1576'da muhtemelen vebadan öldü. Arkasında, icra ustalığı ve ince bir renk duygusuyla seyirciyi hala şaşırtan birçok tuval bıraktı. Titian, insan ruhunun uzmanı olan harika bir psikolog olarak karşımıza çıkıyor. Öğrencileri arasında Jacopo Nigreti (Yaşlı Palma), Bonifacio de Pitati, Paris Bordone, Genç Jacopo Palma gibi sanatçılar vardı.

Rönesans sanatında karakteristik özellikler

Perspektif.Çalışmalarına üç boyutlu derinlik ve boşluk eklemek için Rönesans sanatçıları doğrusal perspektif, ufuk çizgisi ve ufuk noktası kavramlarını ödünç aldılar ve büyük ölçüde genişlettiler.

§ Doğrusal perspektif. Doğrusal perspektifle resim yapmak, pencereden dışarı bakıp tam olarak pencerede gördüğünüz şeyi resmetmek gibidir. Resimdeki nesneler, mesafeye bağlı olarak kendi boyutlarına sahip olmaya başladı. İzleyiciden daha uzakta olanlar azaldı ve bunun tersi de geçerli.

§ ufuk çizgisi. Bu, nesnelerin bu çizgi kadar kalın bir noktaya küçüldüğü mesafedeki bir çizgidir.

§ Ufuk Noktası. Bu, paralel çizgilerin çok uzakta, genellikle ufuk çizgisinde birleştiği noktadır. Demiryolu raylarının üzerinde durup evet giden raylara bakarsanız bu etki gözlemlenebilir. l.

Gölgeler ve ışık. Sanatçılar, ışığın nesnelerin üzerine nasıl düştüğünü ve gölgeler oluşturduğunu ilgiyle oynadılar. Bir resimde belirli bir noktaya dikkat çekmek için gölgeler ve ışık kullanılabilir.

duygular. Rönesans sanatçıları, esere bakan izleyicinin bir şeyler hissetmesini, duygusal bir deneyim yaşamasını istedi. İzleyicinin bir şeyde daha iyi olmak için ilham aldığını hissettiği bir görsel retorik biçimiydi.

Realizm ve natüralizm. Perspektife ek olarak, sanatçılar nesneleri, özellikle insanları daha gerçekçi göstermeye çalıştılar. İnsan anatomisini incelediler, oranları ölçtüler ve ideal insan formunu aradılar. İnsanlar gerçek görünüyordu ve gerçek duygular sergiliyorlardı, izleyicinin tasvir edilen insanların ne düşündüğü ve hissettiği hakkında çıkarımlar yapmasına izin veriyordu.

"Rönesans" dönemi 4 aşamaya ayrılmıştır:

Proto-Rönesans (13. yüzyılın 2. yarısı - 14. yüzyıl)

Erken Rönesans (15. yüzyılın başları - 15. yüzyılın sonları)

Yüksek Rönesans (15. yüzyılın sonları - 16. yüzyılın ilk 20 yılı)

Geç Rönesans (16. orta - 1590'lar)

Proto-Rönesans

Proto-Rönesans, Orta Çağ ile yakından bağlantılıdır, aslında Orta Çağ'da ortaya çıkmıştır. Geç Orta Çağ Bizans, Romanesk ve Gotik gelenekleriyle bu dönem Rönesans'ın habercisiydi. Giotto di Bondone'nin ölümünden önce ve sonra (1337) olmak üzere iki alt döneme ayrılır. İtalyan ressam ve mimar, Proto-Rönesans döneminin kurucusu. Batı sanat tarihinin en önemli isimlerinden biri. Bizans ikon boyama geleneğinin üstesinden gelen İtalyan resim okulunun gerçek kurucusu oldu ve mekanı tasvir etmek için tamamen yeni bir yaklaşım geliştirdi. Giotto'nun çalışmaları Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo'dan esinlenmiştir. Resmin ana figürü Giotto'ydu. Rönesans sanatçıları onu bir resim reformcusu olarak görüyordu. Giotto, gelişiminin izlediği yolu özetledi: dini formları seküler içerikle doldurmak, düzlemsel görüntülerden üç boyutlu ve rölyef görüntülere kademeli geçiş, gerçekçilikte bir artış, resme plastik bir figür hacmi getirdi, resimde bir iç tasvir etti. .

13. yüzyılın sonunda Floransa'da ana tapınak binası olan Santa Maria del Fiore Katedrali inşa edildi, yazarı Arnolfo di Cambio idi, ardından Giotto çalışmaya devam etti.

En önemli keşifler, en parlak ustalar ilk dönemde yaşar ve çalışır. İkinci bölüm, İtalya'yı vuran veba salgınıyla bağlantılı.

Proto-Rönesans sanatı kendini ilk olarak heykelde gösterdi (Niccolò ve Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano). Resim iki sanat okulu tarafından temsil edilmektedir: Floransa ve Siena.

Erken Rönesans

İtalya'daki sözde "Erken Rönesans" dönemi 1420'den 1500'e kadar olan zamanı kapsar. Bu seksen yıl boyunca sanat, yakın geçmişin (Orta Çağ) geleneklerinden henüz tamamen vazgeçmedi, ancak onlara klasik antik çağdan ödünç alınan unsurları karıştırmaya çalışıyor. Ancak daha sonra, giderek daha fazla değişen yaşam ve kültür koşullarının etkisi altında, sanatçılar ortaçağ temellerini tamamen terk ettiler ve hem eserlerinin genel konseptinde hem de ayrıntılarında cesurca antik sanat örneklerini kullandılar.

İtalya'da sanat, klasik antik çağın taklit yolunu kararlı bir şekilde takip ederken, diğer ülkelerde uzun süredir Gotik üslup geleneklerine bağlı kaldı. Alplerin kuzeyinde ve ayrıca İspanya'da Rönesans ancak 15. yüzyılın sonunda gelir ve onun erken periyot yüzyılın ortalarına kadar sürer.

Erken Rönesans Sanatçıları

Bu dönemin ilk ve en parlak temsilcilerinden biri ünlü İtalyan ressam, Floransa okulunun en büyük ustası, Quattrocento dönemi resim reformcusu Masaccio (Masaccio Tommaso Di Giovanni Di Simone Cassai) olarak kabul edilir.

Çalışmalarıyla Gotik'ten yeni bir sanata geçişe katkıda bulunmuş, insanın ve dünyasının büyüklüğünü yüceltmiştir. Masaccio'nun sanata katkısı 1988'de yenilendi. onun ana yaratımı - Santa Maria del Carmine, Floransa'daki Brancacci Şapeli'ndeki freskler- aslına uygun olarak restore edilmiştir.

- Theophilus, Masaccio ve Filippino Lippi'nin oğlunun dirilişi

- Magi'nin hayranlığı

- Stater ile mucize

Bu dönemin diğer önemli temsilcileri ise Sandro Botticelli idi. büyük İtalyan Rönesans ressamı, Floransa resim ekolünün temsilcisi.

- Venüs'ün Doğuşu

- Venüs ve Mars

- Bahar

- magi'nin hayranlığı

Yüksek Rönesans

Rönesans'ın üçüncü dönemi - tarzının en görkemli gelişiminin zamanı - genellikle "Yüksek Rönesans" olarak adlandırılır. Yaklaşık 1500'den 1527'ye kadar İtalya'ya kadar uzanır. Şu anda, Floransa'dan İtalyan sanatının etki merkezi, İtalya'nın en iyi sanatçılarını mahkemesine çeken hırslı, cesur, girişimci bir adam olan Julius II'nin papalık tahtına katılımı sayesinde Roma'ya taşındı. ile çok sayıda ve önemli işler ve başkalarına sanat sevgisinin bir örneğini vermek. Bu Papa'nın ve onun haleflerinin yönetiminde Roma, adeta Perikles zamanının yeni Atina'sı olur: İçinde birçok anıtsal bina inşa edilir, muhteşem heykelsi eserler yaratılır, freskler ve resimler boyanır; resim incileri; aynı zamanda üç sanat dalı da uyumlu bir şekilde el ele gider, birbirine yardım eder ve karşılıklı olarak birbirini etkiler. Antik dönem artık daha derinlemesine inceleniyor, daha büyük bir titizlik ve tutarlılıkla yeniden üretiliyor; önceki dönemin özlemi olan şakacı güzelliğin yerini huzur ve ağırbaşlılık alıyor; orta çağa ait anılar tamamen ortadan kalkar ve tüm sanat eserlerine tamamen klasik bir iz düşer. Ancak eskilerin taklidi, sanatçılardaki bağımsızlıklarını boğmaz ve büyük bir beceriklilik ve canlı bir hayal gücü ile, antik Greko-Romen sanatından kendilerine ödünç almayı uygun bulduklarını özgürce işler ve iş dünyasına uygularlar.

Üç büyük İtalyan ustanın eseri Rönesans'ın zirvesini işaret ediyor, bu Leonardo da Vinci (1452-1519) Leonardo di Ser Piero da Vinci büyük İtalyan Rönesans ressamı, Floransa resim ekolünün temsilcisi. İtalyan sanatçı (ressam, heykeltıraş, mimar) ve bilim adamı (anatomist, doğa bilimci), mucit, yazar, müzisyen, Yüksek Rönesans sanatının en büyük temsilcilerinden biri, canlı bir örneği " evrensel adam»

Son Akşam Yemeği

mona lisa

-Vitruvius Adamı ,

- madonna litta

- Kayaların içindeki Madonna

- İğli Madonna

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) Michelangelo di Lodovico ve Leonardo di Buonarroti Simoni.İtalyan heykeltıraş, ressam, mimar [⇨], şair [⇨], düşünür [⇨]. . Rönesans [⇨] ve erken Barok döneminin en büyük ustalarından biri. Eserleri, ustanın yaşamı boyunca Rönesans sanatının en yüksek başarıları olarak kabul edildi. Michelangelo, Yüksek Rönesans'tan Karşı Reform'un kökenlerine kadar neredeyse 89 yıl yaşadı. Bu dönemde on üç Papa değiştirildi - dokuz tanesi için emirleri yerine getirdi.

Adem'in Yaratılışı

Son Yargı

ve Raphael Santi (1483-1520). büyük İtalyan ressam, grafik sanatçısı ve mimar, Umbria okulunun temsilcisi.

- Atina Okulu

-Sistine Madonna

- Dönüşüm

- Harika bahçıvan

Geç Rönesans

İtalya'daki Geç Rönesans, 1530'lardan 1590'lar-1620'lere kadar olan dönemi kapsar. Karşı Reform Güney Avrupa'da zafer kazandı ( karşı reform(lat. kontraformasyon; itibaren kontra- karşı ve ıslah- dönüşüm, reform) - 16-17. Yüzyılların ortalarında Avrupa'da Reform'a karşı yöneltilen ve Roma Katolik Kilisesi'nin konumunu ve prestijini geri kazanmayı amaçlayan bir Katolik kilise-siyasi hareketi.), herhangi bir özgürlüğe dikkatle baktı. Rönesans ideolojisinin mihenk taşları olarak insan vücudunun zikredilmesi ve antik çağın ideallerinin dirilişi de dahil olmak üzere düşünce. Dünya görüşü çelişkileri ve genel bir kriz duygusu, Floransa'da abartılı renklerin ve kesik çizgilerin "gergin" sanatı - tavırcılıkla sonuçlandı. Correggio'nun çalıştığı Parma'da Maniyerizm ancak sanatçının 1534'teki ölümünden sonra ulaştı. Venedik'in sanatsal geleneklerinin kendi gelişme mantığı vardı; 1570'lerin sonuna kadar Palladio orada çalıştı (gerçek adı André di Pietro). Geç Rönesans ve Maniyerizm'in büyük İtalyan mimarı.( tavırcılık(İtalyancadan maniera, biçim) - 16. yüzyılın Batı Avrupa edebi ve sanatsal tarzı - 17. yüzyılın ilk üçte biri. Bedensel ve ruhsal, doğa ve insan arasındaki Rönesans uyumunun kaybı ile karakterizedir.) Palladyanizmin kurucusu ( paladyanizm veya Palladian mimarisi- İtalyan mimar Andrea Palladio'nun (1508-1580) fikirlerinden doğan erken bir klasisizm biçimi. Tarz, perspektifleri dikkate alarak ve Antik Yunanistan ve Roma'nın klasik tapınak mimarisinin ilkelerini ödünç alarak simetriye sıkı sıkıya bağlı kalmaya dayanmaktadır.) Ve klasisizm. Muhtemelen tarihin en etkili mimarı.

Yetenekli bir tasarımcı ve yetenekli bir mimar olarak Andrea Palladio'nun ilk bağımsız eseri, orijinal eşsiz yeteneğinin tezahür ettiği Vicenza'daki Bazilika'dır.

Kır evleri arasında ustanın en seçkin eseri Villa Rotunda'dır. Andrea Palladio, emekli bir Vatikan yetkilisi için Vicenza'da inşa etti. Antik bir tapınak şeklinde inşa edilen Rönesans'ın ilk seküler binası olmasıyla dikkat çekiyor.

Başka bir örnek, binanın birinci katının neredeyse tamamen kamu kullanımına bırakılmasıyla alışılmadık olan Palazzo Chiericati'dir ve bu, o zamanların şehir yetkililerinin gereklilikleriyle tutarlıdır.

Palladio'nun ünlü kentsel yapıları arasında, amfitiyatro tarzında tasarlanmış Olimpico Tiyatrosu'ndan kesinlikle söz edilmelidir.

Titian ( Titian Vecellio) İtalyan ressam, Yüksek ve Geç Rönesans Venedik okulunun en büyük temsilcisi. Titian'ın adı, Michelangelo, Leonardo da Vinci ve Raphael gibi Rönesans sanatçılarıyla eşittir. Titian İncil ve mitolojik konularda resimler yaptı, portre ressamı olarak ünlendi. Krallar ve papalar, kardinaller, dükler ve prensler tarafından görevlendirildi. Titian, Venedik'in en iyi ressamı olarak kabul edildiğinde otuz yaşında bile değildi.

Doğduğu yerden (Venedik Cumhuriyeti, Belluno eyaletindeki Pieve di Cadore) bazen şu şekilde anılır: cadore; İlahi Titian olarak da bilinir.

- Meryem Ana'nın Yükselişi

- Baküs ve Ariadne

- Diana ve Acteon

- Venüs Urbino

- Europa'nın Kaçırılması

Çalışmalarının Floransa ve Roma sanatındaki kriz olgusuyla çok az ortak yanı vardı.

Rönesans resminin başlangıcı, Ducento dönemi olarak kabul edilir, yani. on üçüncü yüzyılın sonu. Proto-Rönesans hala ortaçağ Romanesk ile yakından bağlantılıdır. Gotik ve Bizans gelenekleri. XIII'ün sonlarının sanatçıları - XIV yüzyılın başları. hala çevreleyen gerçekliğin bilimsel çalışmasından uzaktır. Bu konudaki fikirlerini hala Bizans görsel sisteminin geleneksel görüntülerini kullanarak ifade ediyorlar - kayalık tepeler, sembolik ağaçlar, koşullu taretler. Ancak bazen mimari yapıların görünümü o kadar doğru bir şekilde yeniden üretilir ki bu, doğadan eskizlerin varlığını gösterir. Geleneksel dini karakterler, gerçekliğin özellikleriyle - hacim, uzamsal derinlik, maddi maddesellik - donatılmış bir dünyada tasvir edilmeye başlıyor. Hacim düzleminde ve üç boyutlu uzayda iletim yöntemleri arayışı başlar. Bu zamanın ustaları, formların ışık-gölge modellemesinin iyi bilinen antik ilkesini yeniden canlandırıyor. Bu sayede figürler ve binalar yoğunluk ve hacim kazanıyor.

Görünüşe göre, antik perspektifi ilk uygulayan, lakaplı Florentine Cenny di Pepo (1272'den 1302'ye kadar olan veriler) idi. Cimabue. Ne yazık ki, en önemli eseri - Assisi'deki San Francesco kilisesindeki Kıyamet, Meryem ve Havari Petrus'un hayatı üzerine bir dizi resim bize neredeyse harap bir durumda geldi. Floransa'da ve Louvre Müzesi'nde bulunan sunak kompozisyonları daha iyi korunmuştur. Ayrıca Bizans prototiplerine geri dönüyorlar, ancak dini resme yeni bir yaklaşımın özelliklerini açıkça gösteriyorlar. Cimabue, Bizans geleneklerini benimseyen 13. yüzyıl İtalyan resminden yakın kökenlerine dönüyor. Onlarda çağdaşlarının erişemeyeceği şeyi hissetti - görüntülerin uyumlu başlangıcı ve yüce Helenik güzelliği.

Büyük sanatçılar, geleneksel sistemi reddeden cesur yenilikçiler olarak görünürler. XIV.Yüzyıl İtalyan resminde böyle bir reformcu tanınmalıdır. Giotto di Bondone(1266-1337). O, yeni bir resim sisteminin yaratıcısı, tüm Avrupa resminin büyük reformcusu, yeni sanatın gerçek kurucusudur. Bu, çağdaşlarının ve birçok takipçisinin üzerinde yükselen bir dahidir.

Doğuştan Floransalı, kuzeyde Padua ve Milano'dan güneyde Napoli'ye kadar birçok İtalyan şehrinde çalıştı. Giotto'nun bize ulaşan eserlerinden en ünlüsü, Padua'daki şapel del Arena'da, Mesih'in yaşamıyla ilgili İncil hikayelerine adanmış duvar resimleri döngüsüdür. Bu eşsiz resimsel topluluk, Avrupa sanat tarihindeki dönüm noktalarından biridir. Giotto, ortaçağ resmine özgü izole edilmiş ayrı sahneler ve figürler yerine tek bir destansı döngü yarattı. Giotto, her zamanki altın rengi Bizans arka planı yerine bir manzara arka planı sunar. Figürler artık uzayda uçmuyor, ayaklarının altında sağlam bir zemin kazanıyor. Ve hala hareketsiz olmalarına rağmen, insan vücudunun anatomisini ve hareketin doğallığını aktarma arzusu gösterirler.

Giotto'nun resimde yaptığı reform, tüm çağdaşları üzerinde derin bir etki bıraktı. Büyük bir ressam olarak oybirliğiyle yapılan incelemeler, çok sayıda müşteri ve patron, İtalya'nın birçok şehrinde fahri komisyonlar - tüm bunlar, çağdaşlarının sanatının önemini mükemmel bir şekilde anladığını gösteriyor. Ancak sonraki nesiller, ondan ayrıntılar ödünç alarak çekingen öğrenciler olarak Giotto'yu taklit ettiler.

Giotto'nun etkisi, ancak bir asır sonra gücünü ve verimliliğini kazandı. Quattrocento'nun sanatçıları, Giotto tarafından belirlenen görevleri yerine getirdi.

Quattrocento resminin kurucusunun ihtişamı Floransalı sanatçıya aittir. Masaccioçok genç yaşta ölen (1401-1428). Rönesans resminin ana problemlerini çözen ilk kişi oydu - doğrusal ve hava perspektifi. Santa Maria del Carmine'deki Floransa kilisesinin Brancacci Şapeli'ndeki fresklerinde, anatomi yasalarına göre boyanmış figürler birbirleriyle ve manzara ile bağlantılıdır.

Santa Maria del Carmine Kilisesi, Masaccio'dan etkilenen nesiller boyunca sanatçıların çalıştığı bir tür akademi haline geldi: Paolo Uccello, Andrei Castagno, Domenico Veniziano ve Michelangelo'ya kadar pek çok diğerleri.

Floransa okulu uzun süre İtalya sanatında lider kaldı. Aynı zamanda daha muhafazakar bir eğilime sahipti. Bu eğilimin bazı sanatçıları keşişti, bu yüzden sanat tarihinde onlara manastır deniyordu. Aralarında en ünlülerinden biri fra idi (yani kardeş - keşişlerin birbirine çekiciliği) Giovanni Beato Angelico da Fiesole(1387-1455). İncil karakterlerinin görüntüleri, ortaçağ geleneklerinin ruhuyla yazılmıştır, lirizm, sakin haysiyet ve tefekkürle doludur. Manzara arka planları, Rönesans'ın özelliği olan bir neşe duygusuyla doludur.

Quattrocento'nun en seçkin sanatçılarından biri - Sandro Boticelli(1445-1510) - Muhteşem lakaplı ünlü tiran, politikacı, hayırsever, şair ve filozof Lorenzo de' Medici'nin sarayının estetik ideallerinin bir temsilcisi. Bu taçsız hükümdarın mahkemesi merkezdi sanatsal kültür, ünlü filozofları, bilim adamlarını, sanatçıları birleştiriyor.

Erken Rönesans yaklaşık bir asır sürdü. Sadece yaklaşık 30 yıl süren Yüksek Rönesans döneminde tamamlanır. Roma, bu dönemde sanatsal yaşamın ana merkezi haline geldi.

XV-XVI yüzyılların başında. İtalya'da uzun bir dış müdahalenin başlangıcını, ülkenin parçalanmasını ve köleleştirilmesini, özgür şehirlerin bağımsızlığını kaybetmesini, feodal Katolik gericiliğin güçlenmesini içerir. Ancak İtalyan halkı arasında siyasi aktivizme ve büyümeye katkıda bulunan bir vatanseverlik duygusu büyüdü. ulusal bilinç, ulusal birleşme arzusu. Popüler bilinçteki bu yükseliş, Yüksek Rönesans kültürü için geniş bir halk temeli yarattı.

Cinquecento'nun sonu, İtalyan devletlerinin özgürlüklerini kaybederek güçlü Avrupa monarşilerinin avı haline geldiği 1530 ile ilişkilendirilir. İtalya'nın sanayi devrimine değil, uluslararası ticarete dayalı sosyo-politik ve ekonomik krizi uzun süredir hazırlanıyordu. Amerika'nın keşfi ve yeni ticaret yolları, İtalyan şehirlerini Avrupa'daki avantajlardan mahrum bıraktı. Uluslararası Ticaret. Ancak bildiğiniz gibi kültür tarihinde sanatın gelişme dönemleri toplumun genel sosyo-ekonomik gelişimi ile örtüşmez. Ve ekonomik gerileme ve siyasi köleleştirme döneminde, İtalya için zor zamanlarda, kısa bir yüzyıllık İtalyan Rönesansı - Yüksek Rönesans başlar. O zamanlar İtalya'nın hümanist kültürü bir dünya mirası haline geldi, yerel bir fenomen olmaktan çıktı. İtalyan sanatçılar gerçekten hak ettikleri tüm Avrupa popülaritesinden yararlanmaya başladılar.

Quattrocento'nun sanatı analiz, araştırma, keşif, genç bir dünya görüşünün tazeliği ise, o zaman Yüksek Rönesans sanatı bir sonuç, bir sentez, bilge bir olgunluktur. Quattrocento döneminde sanatsal bir ideal arayışı, sanatı bir genellemeye, genel kalıpların ifşasına götürdü. Yüksek Rönesans sanatı arasındaki temel fark, genelleştirilmiş bir görüntü adına ayrıntılardan, ayrıntılardan, ayrıntılardan vazgeçmesidir. Cinquecento'nun büyük ustaları tarafından tüm deneyimler, tüm selef arayışları görkemli bir genellemeyle sıkıştırılmıştır.

Yüksek Rönesans sanatçılarının gerçekçi yöntemi kendine özgüdür. Önemli olanın ancak güzel bir kabukta var olabileceğine inanıyorlar. Bu nedenle, yalnızca günlük yaşamın üzerinde yükselen istisnai olayları görme eğilimindedirler. İtalyan sanatçılar, kahraman kişiliklerin, güzel ve iradeli insanların görüntülerini yarattı.

Dünya kültürüne Leonardo, Raphael, Michelangelo'nun eserlerini veren Rönesans devlerinin dönemiydi. Dünya kültürü tarihinde, bu üç dahi, tüm farklılıklarına, yaratıcı bireyselliklerine rağmen, İtalyan Rönesansının ana değerini - güzellik, güç ve zekanın uyumu - kişileştiriyor. Güçlü insani ve sanatsal bireysellikleri onları rakip gibi davranmaya, birbirlerine düşmanca davranmaya zorlayan bu sanatçıların kaderlerinde pek çok ortak nokta vardı. Üçü de Floransa okulunda kuruldu ve daha sonra başta papa olmak üzere patronların mahkemelerinde çalıştı. Yaşamları, Rönesans'ın özelliği olan sanatçının yaratıcı kişiliğine karşı toplumun tutumundaki değişimin kanıtıdır. Sanat ustaları toplumda öne çıkan ve değerli kişiler haline geldiler, haklı olarak zamanlarının en eğitimli insanları olarak kabul edildiler.

Bu özellik, belki de Rönesans'ın diğer figürlerinden daha fazla, Leonardo da Vinci(1452-1519). Sanatsal ve bilimsel dehayı birleştirdi. Leonardo, doğayı sanat için değil, bilim adına inceleyen bir bilim adamıydı. Bu nedenle, Leonardo'nun çok az bitmiş eseri bize geldi. Resimlere başladı ve sorun ona açıklanmış gibi gelir gelmez onları bıraktı. Gözlemlerinin çoğu, Avrupa biliminin ve resminin yüzyıllardır gelişimini öngörüyor. Modern bilimsel keşifler bilimkurgu mühendislik çizimlerine ilgi uyandırdı. Leonardo'nun Resim Üzerine İnceleme adlı eserinde ana hatlarını çizdiği renkler üzerine teorik düşünceleri, on dokuzuncu yüzyıl İzlenimciliğinin ana öncüllerini öngörür. Leonardo, konunun yalnızca ışık tarafındaki renklerin sesinin saflığı, renklerin karşılıklı etkisi, açık havada resim yapma ihtiyacı hakkında yazdı. Leonardo'nun bu gözlemleri resminde hiç kullanılmaz. Pratikten çok teorisyendi. Büyük el yazması mirasının (yaklaşık 7.000 sayfa) aktif olarak toplanması ve işlenmesi ancak 20. yüzyılda başladı. Çalışması, şüphesiz, Rönesans'ın bu titanının efsanevi eserinin gizemlerinin yeni keşiflerine ve açıklamalarına yol açacaktır.

Sanatta yeni bir aşama, birçok Quattrocento sanatçısı tarafından boyanmış olan Son Akşam Yemeği arsasında Santa Maria delle Grazie manastırının yemekhanesinin duvarının boyanmasıydı. "Son Akşam Yemeği" klasik sanatın mihenk taşıdır, Yüksek Rönesans programını gerçekleştirmiştir. Mutlak düşünceliliği, parçaların ve bütünün koordinasyonu, ruhsal konsantrasyonunun gücü ile etkiler.

Leonardo bu eser üzerinde 16 yıl çalıştı.

Dünyanın en ünlü tablolarından biri Leonardo'nun "La Gioconda" eseriydi. Tüccar del Giocondo'nun karısının bu portresi yüzyıllardır dikkatleri üzerine çekmiş, hakkında yüzlerce sayfa yorum yazılmış, kaçırılmış, üzerinde sahtecilik yapılmış, kopyalanmış, büyücülük gücüyle anılmıştır. Mona Lisa'nın anlaşılmaz yüz ifadesi, kesin tanımlamaya ve çoğaltmaya meydan okuyor. Dudakların köşelerinde, çeneden yanağa geçişlerde gölgelerdeki en ufak bir değişiklik (ki bu sadece portrenin aydınlatmasına bağlı olabilir) yüzün karakterini değiştirir. Farklı reprodüksiyonlarda, Gioconda biraz farklı, bazen biraz daha yumuşak, bazen daha ironik, bazen daha düşünceli görünüyor. Mona Lisa'nın görünüşünde, nüfuz eden bakışlarında, sanki izleyiciyi ayrılmaz bir şekilde takip ediyormuş gibi, yarım gülümsemesinde anlaşılmazlık. Bu portre, Rönesans sanatının bir başyapıtı haline geldi. Dünya sanat tarihinde ilk kez portre türü, dini konulu kompozisyonlarla aynı seviyeye yükseldi.

Rönesans'ın anıtsal sanatının fikirleri, eserlerinde canlı bir ifade buldu. rafael santi(1483-1520). Leonardo yarattı klasik stil, Rafael onayladı ve popüler hale getirdi. Raphael'in sanatı genellikle "altın anlam" olarak tanımlanır. Kompozisyonu, orantıların mutlak uyumu ile Avrupa resminde yaratılan her şeyi geride bırakıyor. Beş yüzyıl boyunca Raphael'in sanatı, estetik mükemmelliğin örneklerinden biri olarak insanlığın manevi yaşamındaki en yüksek dönüm noktası olarak algılandı. Raphael'in çalışması, klasiklerin nitelikleriyle ayırt edilir - netlik, asil sadelik, uyum. Tüm özüyle Rönesans'ın ruhani kültürüyle bağlantılıdır.

Raphael'in anıtsal eserlerinden en göze çarpanı, papanın Vatikan dairelerindeki duvar resimleridir. Çok figürlü büyük ölçekli kompozisyonlar, üç salonun tüm duvarlarını kaplar. Öğrenciler Raphael'e resim konusunda yardım etti. Örneğin "Atina Okulu" gibi en iyi freskleri kendi elleriyle yaptı. Duvar resimleri, insanın ruhani faaliyetinin ana alanlarının fresklerini ve alegorilerini içeriyordu: felsefe, şiir, teoloji ve adalet. Raphael'in resimlerinde ve fresklerinde - Hristiyan imgelerinin, eski mitlerin ve insanlık tarihinin ideal olarak yüce bir görüntüsü. Dünyevi varoluşun değerleri ile ideal fikirleri nasıl birleştireceğini, Rönesans'ın başka hiçbir ustasının yapamayacağı kadar iyi biliyordu. Sanatının tarihsel değeri, iki dünyayı - Hıristiyan dünyası ve pagan dünyası - bir bütün halinde birleştirmesidir. O zamandan beri, yeni sanatsal ideal, Batı Avrupa'nın dini sanatında sağlam bir şekilde yerleşmiştir.

Raphael'in parlak dehası, Leonardo'nunki gibi bir kişinin iç dünyasının psikolojik derinliğinden uzaktı, ancak Michelangelo'nun trajik dünya görüşüne daha da yabancıydı. Michelangelo'nun çalışmasında Rönesans tarzının çöküşü gösterildi ve yeni bir sanatsal dünya görüşünün filizleri ana hatlarıyla çizildi. Michelangelo Buonarroti(1475-1564) uzun, meşakkatli ve kahramanca bir hayat yaşadı. Dehası kendini mimaride, resimde, şiirde ama en belirgin şekilde heykelde gösterdi. Dünyayı plastik olarak algıladı, sanatın her alanında öncelikle bir heykeltıraş. İnsan vücudu ona görüntünün en değerli konusu gibi görünüyor. Ama bu özel, güçlü, kahramanca bir cinsten bir adam. Michelangelo'nun sanatı, insan savaşçının, onun kahramanca faaliyetinin ve ıstırabının yüceltilmesine adanmıştır. Sanatı, devasa bir başlangıç ​​olan gigantomania ile karakterizedir. Bu, saray salonları değil, meydanlar, kamu binaları sanatıdır, mahkeme aristokratları için değil, halk için sanattır.

Eserlerinin en görkemlisi, Sistine Şapeli'nin kasasının resmiydi. Michelangelo gerçekten muazzam bir çalışma yaptı - dört yıl boyunca tek başına yaklaşık 600 metrekarelik bir alanı boyadı. metre. Her gün 18 metre yükseklikte, iskelede durup başını geriye atarak yazdı. Resmin bitiminden sonra sağlığı tamamen zayıfladı ve vücudunun şekli bozuldu (göğsü çöktü, vücudu kemerli, guatr büyüdü; sanatçı uzun süre dümdüz ileri bakamadı ve kitabı yukarı kaldırarak okuyamadı. KAFA). Görkemli tablo, dünyanın yaratılışından başlayarak kutsal tarihin sahnelerine adanmıştır. Michelangelo tavana yaklaşık 200 figür ve figüratif kompozisyon çizdi. Hiçbir zaman ve hiçbir yerde kapsam ve bütünlük açısından Michelangelo'nun planı gibi bir şey olmadı. Sistine Şapeli'nin mahzeninde, kahraman insanlığın görkemine bir ilahi yarattı. Kahramanları yaşayan insanlardır, içlerinde doğaüstü hiçbir şey yoktur, ama aynı zamanda harika, güçlü, titanik kişiliklerdir. Michelangelo'dan çok önce, Quattrocento ustaları kilise geleneğinin çeşitli bölümlerini şapelin duvarlarına resimlediler; Michelangelo, mahzende kurtuluştan önce insanlığın kaderini sunmak istedi.

Resmin bir uçak olduğu düşüncesi kaybolur. Figürler boşlukta serbestçe hareket eder. Michelangelo'nun freskleri duvarın düzlemini delip geçiyor. Bu uzay ve hareket yanılsaması, Avrupa sanatının büyük bir başarısıydı. Michelangelo'nun dekorasyonun bir duvarı ve tavanı ileri veya geri itebileceğini keşfi, daha sonra Barok'un dekoratif sanatından yararlanır.

Rönesans geleneklerine sadık sanat, bağımsızlığını en uzun süre koruyan şehir Venedik'te 16. yüzyılda da yaşamaya devam ediyor. Bizans ile Arap Doğu ile uzun süredir ticari ilişkileri sürdüren bu zengin aristokrat-tüccar cumhuriyetinde, oryantal zevkler ve gelenekler kendine göre işlendi. Venedik resminin ana etkisi, olağanüstü rengindedir. Renk sevgisi, Venedik ekolünün sanatçılarını yavaş yavaş yeni bir resim ilkesine götürdü. Görüntünün hacmi, önemliliği siyah beyaz modelleme ile değil, renkli modelleme sanatı ile elde edilir.

Rönesans, insanlık tarihinde olağanüstü bir olgudur. Sanat alanında bir daha hiç bu kadar parlak bir parıltı olmamıştı. İsimleri herkes tarafından bilinen Rönesans'ın heykeltıraşları, mimarları ve sanatçıları (liste uzun, ancak en ünlüsüne değineceğiz), dünyaya paha biçilmez bir değer kattı Eşsiz ve istisnai insanlar kendilerini bir alanda değil, birkaç alanda gösterdiler. bir kerede.

Erken Rönesans tablosu

Rönesans'ın göreceli bir zaman çerçevesi vardır. İlk olarak İtalya'da başladı - 1420-1500. Şu anda resim ve genel olarak tüm sanat yakın geçmişten pek farklı değil. Bununla birlikte, klasik antik çağlardan ödünç alınan unsurlar ilk kez ortaya çıkmaya başlar. Ve ancak sonraki yıllarda, Rönesans'ın (listesi çok uzun olan) heykeltıraşları, mimarları ve sanatçıları, modern yaşam koşullarının ve ilerici eğilimlerin etkisi altında nihayet terk ettiler. ortaçağ temelleri. Antik sanatın en iyi örneklerini eserlerinde hem genel olarak hem de bireysel ayrıntılarda cesurca benimserler. İsimleri birçok kişi tarafından biliniyor, en parlak kişiliklere odaklanalım.

Masaccio - Avrupa resminin dehası

Resmin gelişimine büyük katkı sağlayan, büyük bir reformcu olan oydu. Floransalı usta, 1401'de zanaatkârlardan oluşan bir ailede doğdu, bu nedenle tat alma duygusu ve yaratma arzusu kanındaydı. 16-17 yaşlarında atölyelerde çalıştığı Floransa'ya taşındı. Büyük heykeltıraşlar ve mimarlar Donatello ve Brunelleschi onun öğretmenleri olarak kabul edilir. Onlarla iletişim ve edinilen beceriler genç ressamı etkileyemezdi. İlk andan itibaren Masaccio, heykelin özelliği olan insan kişiliğine dair yeni bir anlayış ödünç aldı. İkinci ustada - temel Araştırmacılar, Masaccio'nun doğduğu kasaba yakınlarındaki küçük bir kilisede keşfedilen San Giovenale Triptych'i (ilk fotoğrafta) ilk güvenilir eser olarak görüyorlar. Ana eser, Aziz Petrus'un yaşam tarihine adanmış fresklerdir. Sanatçı, "Stater Mucizesi", "Cennetten Kovulma", "Neofitlerin Vaftizi", "Malın Dağıtılması ve Ananias'ın Ölümü", "Diriliş" olmak üzere altı tanesinin yaratılmasına katıldı. Theophilus'un Oğlu", "Aziz Petrus Hastaları Gölgesiyle İyileştiriyor" ve "Kürsüdeki Aziz Petrus".

Rönesans'ın İtalyan sanatçıları, kendilerini tamamen sanata adayan, sıradan günlük sorunlara aldırış etmeyen ve bazen onları fakir bir varoluşa götüren insanlardır. Masaccio bir istisna değildir: parlak usta, 27-28 yaşlarında çok erken öldü ve arkasında büyük işler ve çok sayıda borç bıraktı.

Andrea Mantegna (1431-1506)

Bu, Padua ressamlar okulunun bir temsilcisi. Becerinin temellerini üvey babasından aldı. Tarz, Masaccio, Andrea del Castagno, Donatello ve Venedik resminin eserlerinin etkisi altında oluşturulmuştur. Bu, Andrea Mantegna'nın Floransalılara kıyasla biraz sert ve sert tavrını belirledi. Antik dönemin kültürel eserlerinin koleksiyoncusu ve uzmanıydı. Tarzı sayesinde diğerlerinden farklı olarak bir yenilikçi olarak ünlendi. En ünlü eserleri: "Ölü Mesih", "Sezar'ın Zaferi", "Judith", "Deniz Tanrılarının Savaşı", "Parnassus" (resimde), vb. 1460'tan ölümüne kadar Gonzaga Dükleri'nin ailesinde saray ressamı olarak çalıştı.

Sandro Botticelli(1445-1510)

Botticelli bir takma addır gerçek ad- Filipepi. Hemen bir sanatçının yolunu seçmedi, ancak başlangıçta kuyumculuk eğitimi aldı. İlk bağımsız eserlerde (birkaç Madonna), Masaccio ve Lippi'nin etkisi hissedilir. Gelecekte portre ressamı olarak da yüceltildi, siparişlerin büyük kısmı Floransa'dan geldi. Çalışmalarının stilizasyon unsurlarıyla (geleneksel teknikler kullanılarak görüntülerin genelleştirilmesi - biçim, renk, hacim basitliği) rafine ve rafine doğası, onu o zamanın diğer ustalarından ayırır. Leonardo da Vinci'nin çağdaşı ve genç Michelangelo, dünya sanatında parlak bir iz bıraktı (“Venüs'ün Doğuşu” (fotoğraf), “Bahar”, “Magi'nin Hayranlığı”, “Venüs ve Mars”, “Noel” vb. .). Resmi samimi ve hassas, yaşam yolu karmaşık ve trajik. Genç yaşta romantik dünya algısı, olgunlukta yerini tasavvufa ve dini yüceltmeye bıraktı. Sandro Botticelli, hayatının son yıllarını yoksulluk ve unutulma içinde yaşadı.

Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)

Aslen Toskana'dan bir İtalyan ressam ve erken Rönesans'ın bir başka temsilcisi. Yazarın üslubu, Floransa resim okulunun etkisi altında oluşmuştur. Sanatçının yeteneğine ek olarak, Piero della Francesca matematik alanında olağanüstü yeteneklere sahipti ve hayatının son yıllarını onunla bağlantı kurmaya çalışarak ona adadı. yüksek sanat. Sonuç iki bilimsel tezdi: "Resimde Perspektif Üzerine" ve "Beş Doğru Katı Maddenin Kitabı". Tarzı, görüntülerin ciddiyeti, uyumu ve asaleti, kompozisyon dengesi, kesin çizgiler ve yapı, yumuşak renk yelpazesi ile ayırt edilir. Piero della Francesca, o zamanlar için inanılmaz bir bilgiye sahipti. teknik tarafÇağdaşları arasında ona yüksek prestij kazandıran resim ve perspektif özellikleri. En ünlü eserler: "Saba Kraliçesinin Tarihi", "Mesih'in Kırbaçlanması" (resimde), "Montefeltro Sunağı", vb.

Yüksek Rönesans tablosu

Proto-Rönesans ve erken dönem sırasıyla yaklaşık bir buçuk yüzyıl ve bir buçuk yüzyıl sürdü, daha sonra bu süre yalnızca birkaç on yılı kapsıyor (İtalya'da 1500'den 1527'ye kadar). Dünyaya harika, çok yönlü ve parlak insanlardan oluşan koca bir galaksi veren parlak, göz kamaştırıcı bir flaştı. Tüm sanat dalları el ele gitti, pek çok usta aynı zamanda bilim adamı, heykeltıraş, mucit ve sadece Rönesans sanatçıları değil. Liste uzun, ancak L. da Vinci, M. Buanarotti ve R. Santi'nin çalışmaları Rönesans'ın zirvesine damgasını vurdu.

Da Vinci'nin Olağanüstü Dehası

Belki de bu, dünya sanat kültürü tarihindeki en olağanüstü ve seçkin kişiliktir. O, kelimenin tam anlamıyla evrensel bir insandı ve çok yönlü bilgi ve yeteneklere sahipti. Sanatçı, heykeltıraş, sanat teorisyeni, matematikçi, mimar, anatomist, astronom, fizikçi ve mühendis - tüm bunlar onunla ilgili. Üstelik Leonardo da Vinci (1452-1519) her alanda kendini bir yenilikçi olarak gösterdi. Şimdiye kadar sadece 15 resmi ve birçok eskiz günümüze ulaşmıştır. inanılmaz ile hayat enerjisi ve bilgiye susamış, sabırsızdı, bilgi sürecinin kendisinden büyülenmişti. Çok genç yaşta (20 yaşında) St. Luke Loncası'nın ustası olmaya hak kazandı. En önemli eserleri fresk "Son Akşam Yemeği", "Mona Lisa", "Madonna Benois" (yukarıdaki resimde), "Kakımlı Kadın" vb.

Rönesans sanatçılarının portreleri nadirdir. Birçok yüzün olduğu resimlerde görüntülerini bırakmayı tercih ettiler. Yani, da Vinci'nin otoportresi (resimde) etrafındaki tartışmalar bu güne kadar azalmadı. 60 yaşında yaptığına dair versiyonlar ileri sürülüyor. Biyografi yazarı, sanatçı ve yazar Vasari'ye göre büyük usta, Clos Luce kalesinde yakın arkadaşı Kral I. Francis'in kollarında ölüyordu.

Raphael Santi (1483-1520)

Aslen Urbino'lu sanatçı ve mimar. Sanattaki adı her zaman yüce güzellik ve doğal uyum fikriyle ilişkilendirilir. Oldukça kısa bir yaşam için (37 yıl) dünyaca ünlü birçok resim, fresk ve portre yarattı. Tasvir ettiği olaylar çok çeşitlidir, ancak her zaman Tanrı'nın Annesinin imajından etkilenmiştir. Kesinlikle haklı olarak Raphael'e "Madonnas'ın efendisi" denir, Roma'da yaptıkları özellikle ünlüdür. Vatikan'da 1508'den hayatının sonuna kadar papalık sarayında resmi sanatçı olarak çalıştı.

Rönesans'ın diğer birçok büyük sanatçısı gibi kapsamlı bir şekilde yetenekli olan Raphael, aynı zamanda bir mimardı ve aynı zamanda arkeolojik kazılarla da uğraşıyordu. Bir versiyona göre, son hobi, erken ölümle doğrudan ilişkilidir. Muhtemelen kazılar sırasında Roma hummasına yakalandı. Büyük usta Pantheon'a gömüldü. Fotoğraf kendi portresine ait.

Michelangelo Buoanaroti (1475-1564)

Bu adamın 70 yaşındaki uzun çocuğu parlaktı, torunlarına sadece resim değil, aynı zamanda heykel için de bozulmaz kreasyonlar bıraktı. Diğer büyük Rönesans sanatçıları gibi Michelangelo da olaylarla dolu bir dönemde yaşadı. tarihi olaylar ve şoklar. Sanatı, tüm Rönesans'ın güzel bir son notu.

Usta, heykeli diğer tüm sanatların üzerine koydu, ancak kaderin iradesiyle olağanüstü bir ressam ve mimar oldu. En iddialı ve sıra dışı eseri, Vatikan'daki saraydaki (resimde görülen) tablodur. Fresk alanı 600 metrekareyi aşıyor ve 300 insan figürü içeriyor. En etkileyici ve tanıdık olanı, Kıyamet Günü sahnesidir.

İtalyan Rönesans sanatçıları çok yönlü yeteneklerdi. Yani çok az insan Michelangelo'nun aynı zamanda büyük bir şair olduğunu bilir. Dehasının bu yönü, hayatının sonunda tam olarak tezahür etti. Bugüne kadar yaklaşık 300 şiir hayatta kaldı.

Geç Rönesans tablosu

Son dönem 1530'dan 1590-1620'ye kadar olan zaman dilimini kapsar. Encyclopædia Britannica'ya göre, tarihsel bir dönem olarak Rönesans, 1527'de Roma'nın düşüşüyle ​​sona erdi. Aynı sıralarda, Güney Avrupa'da Karşı Reform zafer kazandı. Katolik akımı, insan vücudunun güzelliğinin ilahileri ve antik dönemin sanatının dirilişi de dahil olmak üzere herhangi bir özgür düşünceye, yani Rönesans'ın temel direkleri olan her şeye endişeyle baktı. Bu, ruhsal ve fiziksel, insan ve doğa arasındaki uyumun kaybıyla karakterize edilen özel bir eğilim - tavırcılıkla sonuçlandı. Ancak bu zor dönemde bile bazı ünlü Rönesans sanatçıları şaheserlerini yarattılar. Bunların arasında Antonio da Correggio (klasisizm ve Palladianism'in kurucusu olarak kabul edilir) ve Titian vardır.

Titian Vecellio (1488-1490 - 1676)

Haklı olarak Michelangelo, Raphael ve da Vinci ile birlikte Rönesans'ın titanı olarak kabul edilir. Titian daha 30 yaşına gelmeden "ressamların kralı ve kralların ressamı" olarak biliniyordu. Temel olarak sanatçı, mitolojik ve İncil temaları üzerine resimler yaptı, ayrıca muhteşem bir portre ressamı olarak ünlendi. Çağdaşlar, büyük bir ustanın fırçasıyla damgalanmanın ölümsüzlük kazanmak anlamına geldiğine inanıyorlardı. Ve gerçekten de öyle. Titian'a verilen emirler en saygıdeğer ve asil kişilerden geldi: papalar, krallar, kardinaller ve dükler. İşte eserlerinden en ünlülerinden sadece birkaçı: "Urbino Venüsü", "Avrupa'nın Kaçırılması" (resimde), "Haç Taşımak", "Dikenli Taç Giyme", "Pesaro Madonna", "Kadın bir Ayna" vb.

Hiçbir şey iki kez tekrarlanmaz. Rönesans dönemi insanlığa parlak, olağanüstü kişilikler kazandırdı. İsimleri yazılıdır Dünya Tarihi sanat altın harfler. Rönesans'ın mimarları ve heykeltraşları, yazarları ve sanatçıları - listeleri çok uzun. Sadece tarih yazan, aydınlanma ve hümanizm fikirlerini dünyaya getiren titanlara değindik.