Ev › Test Sürüşleri › Yeni Orta Çağ'ın müzik tarzları hakkında rapor. Erken müzik ve Orta Çağ

Yeni Orta Çağ'ın müzik tarzları hakkında rapor. Erken müzik ve Orta Çağ

Müzik orta çağ - gelişme dönemimüzik kültürü, yaklaşık bir zaman dilimini kapsayan MS 5. ila 14. yüzyıllar .
Avrupa'da Orta Çağ boyunca yeni bir müzik kültürü türü ortaya çıkıyor - feodal profesyonel sanatı, amatör müziği ve folklor. Kiliseden beri Manevi hayatın her alanına hakim olan profesyonel müzik sanatının temeli, müzisyenlerin faaliyetleridir. tapınaklar ve manastırlar . Laik profesyonel sanat başlangıçta yalnızca sarayda, soyluların evlerinde, savaşçılar arasında vb. destansı masallar yaratan ve icra eden şarkıcılar tarafından temsil ediliyordu. ozanlar, skaldlar ve benzeri.). Zamanla amatör ve yarı profesyonel müzik yapma biçimleri gelişir.şövalyelik: Fransa'da - ozanlar ve ozanlar sanatı (Adam de la Halle, XIII yüzyıl), Almanya'da - minnesingers ( Wolfram von Eschenbach, Walther von der Vogelweide, XII - XIII yüzyıllar ) yanı sıra kentsel zanaatkarlar feodal kalelerde ve şehirlerde her türlü cins yetiştirilir,şarkı türleri ve biçimleri (epik, "şafak", rondo, le, virele, baladlar, kanzonlar, laudalar vb.).
Hayata yeni insanlar giriyormüzik Enstrümanlarıgelenler de dahil Doğu (viyola, lavta vb.), topluluklar (kararsız bileşimlerin) ortaya çıkar. Köylüler arasında folklor gelişir. Bir de "halkın profesyonelleri" var: hikaye anlatıcıları , gezici sentetik sanatçılar ( jonglörler, pandomimciler, âşıklar, shpilmans, soytarılar ). Müzik yine esas olarak uygulamalı ve manevi-pratik işlevleri yerine getirir. Yaratıcılık ile birlik içinde hareket eder.verim(genellikle bir kişide).
Ve müziğin içeriğinde ve biçiminde hakimdir kolektivite ; bireysel başlangıç, generalden ayrılmadan itaat eder (müzisyen-usta en iyi temsilcidir) topluluklar ). Her şeyde katı saltanat gelenek ve kanoniklik . Konsolidasyon, koruma ve yayma gelenekler ve standartlar.
Yavaş da olsa yavaş yavaş müziğin içeriği, türler, formlar , ifade aracı. İÇİNDE 6. - 7. yüzyıllardan Batı Avrupa . sıkı bir şekilde düzenlenmiş bir sistem monofonik (tek sesli ) kilise müziği temelli diyatonik modlar ( Gregoryen ilahi), okuma (mezmur) ve şarkı söylemeyi (ilahiler) birleştirmek ). 1. ve 2. binyılın başında, polifoni . Yeni vokal (koro ) ve vokal-enstrümantal (koro ve organ) türler: organum, motet, davranış, ardından kitle. 12. yüzyılda Fransa ilk besteci (yaratıcı) okulu Notre Dame Katedrali(Leonin, Perotin). Rönesans'ın başında (Fransa ve İtalya'da ars nova stili, XIV.Yüzyıl) profesyonel müziktek seslilik zorla ortadan kaldırılıyor polifoni , müzik kendini yavaş yavaş tamamen pratik işlevlerden kurtarmaya başlar (kiliseye hizmet etmek ayinler ), değeri artırır laik şarkı dahil türler Guillaume de Machaux).

Rönesans.

XV-XVII yüzyıllarda müzik.
Orta Çağ'da müzik Kilise'nin ayrıcalığıydı, bu nedenle çoğu müzik eseri kutsaldı. kilise ilahileri(Gregoryen ilahisi), Hıristiyanlığın başlangıcından beri inancın bir parçası olmuştur. 17. yüzyılın başında, Papa I. Gregory'nin doğrudan katılımıyla kült melodiler nihayet kanonlaştırıldı. Gregoryen ilahisi profesyonel şarkıcılar tarafından icra edildi. Kilise müziği çok seslilikte ustalaştıktan sonra, Gregoryen ilahisi, çok sesli kült eserlerinin (kitleler, motetler, vb.) tematik temeli olarak kaldı.

Orta Çağ'ı, müzisyenler için bir keşif, yenilik ve keşif çağı, müzik ve resimden astronomi ve matematiğe kadar hayatın tüm kültürel ve bilimsel ifade katmanlarının bir rönesansı olan Rönesans izledi.
Müzik büyük ölçüde dini kalmasına rağmen, toplum üzerindeki kilise kontrolünün zayıflaması, bestecilere ve icracılara yeteneklerini sergilemeleri için daha fazla özgürlük sağladı.
Matbaanın icadı ile notaların basılması ve dağıtılması mümkün hale geldi ve o andan itibaren klasik müzik dediğimiz şey başladı.
Bu dönemde yeni müzik aletleri ortaya çıktı. En popüler olanları, müzikseverlerin özel beceriler gerektirmeden kolayca ve basit bir şekilde çalabilecekleri enstrümanlardı.
Bu sırada kemanın atası olan viyola ortaya çıktı. Perdeler (klavye üzerindeki ahşap şeritler) çalmayı kolaylaştırdı ve ses sessiz, yumuşaktı ve küçük mekanlarda iyi çalındı.
Üflemeli çalgılar da popülerdi - kaydedici, flüt ve korna. En karmaşık müzik, yeni oluşturulan klavsen, bakire (küçük boyutuyla karakterize edilen İngiliz klavsen) ve org için yazılmıştır. Aynı zamanda müzisyenler, yüksek performans becerileri gerektirmeyen daha basit müzik bestelemeyi de unutmadılar. Aynı zamanda müzik yazımında da değişiklikler oldu: ağır ahşap baskı bloklarının yerini İtalyan Ottaviano Petrucci'nin icat ettiği hareketli metal harfler aldı. Yayınlanan müzik eserleri hızla tükendi, giderek daha fazla insan müziğe katılmaya başladı.
Rönesans'ın sonu, dünyadaki en önemli olayla işaretlendi. müzik tarihi- operanın doğuşu. Bir grup hümanist, müzisyen ve şair, liderleri Kont Giovanni De Bardi'nin (1534 - 1612) himayesinde Floransa'da toplandı. Grubun adı "kamerata" idi, ana üyeleri genç yaşlarında Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (astronom Galileo Galilei'nin babası), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri ve Ottavio Rinuccini idi.
Grubun belgelenen ilk toplantısı 1573'te gerçekleşti ve çalışmalarının en aktif yılları "Floransalı Camerata "1577 - 1582 idi. Müziğin "bozuk" olduğuna inandılar ve biçime ve stile geri dönmeye çalıştılar. Antik Yunan, müzik sanatının geliştirilebileceğine ve buna bağlı olarak toplumun da gelişeceğine inanmak. Camerata, metnin anlaşılırlığı ve eserin şiirsel bileşeninin kaybı pahasına çok sesliliğin aşırı kullanımı nedeniyle mevcut müziği eleştirdi ve monodik üsluptaki metnin eşlik ettiği yeni bir müzik tarzının yaratılmasını önerdi. enstrümantal müzik. Deneyleri, ilk olarak Emilio de Cavalieri tarafından kullanılan ve daha sonra doğrudan operanın gelişimi ile ilgili olan yeni bir vokal-müzik formunun yaratılmasına yol açtı.
Resmi olarak tanınan ilkopera , modern standartlara karşılık gelen, ilk kez 1598'de sunulan "Daphne" (Daphne) operasıydı. "Daphne" nin yazarları, librettosu Ottavio Rinuccini'nin yazdığı Jacopo Peri ve Jacopo Corsi idi. Bu opera hayatta kalmadı. Hayatta kalan ilk opera, aynı yazarların "Eurydice" (1600) operasıdır - Yakup Peri ve Ottavio Rinuccini. Bu yaratıcı birlik, çoğu kayıp olan birçok eser yarattı.

Erken barok müzik (1600-1654)

İtalyan besteci Claudio Monteverdi (1567-1643) tarafından anlatım tarzının yaratılması ve İtalyan operasının tutarlı gelişimi, Barok ve Rönesans dönemleri arasında şartlı bir geçiş noktası olarak kabul edilebilir. Roma'da ve özellikle Venedik'te opera performanslarının başlaması, yeni türün ülke genelinde tanınması ve yayılması anlamına geliyordu. Tüm bunlar, tüm sanatları içine alan ve özellikle mimarlık ve resimde açıkça kendini gösteren daha büyük bir sürecin yalnızca bir parçasıydı.
Rönesans bestecileri, bir müzik eserinin her bir bölümünün detaylandırılmasına dikkat ettiler, bu bölümlerin yan yana gelmesine çok az dikkat ettiler veya hiç dikkat etmediler. Ayrı ayrı, her bir parça mükemmel gelebilir, ancak eklemenin uyumlu sonucu, düzenlilikten çok bir şans meselesiydi. Figürlü basın görünümü, müzikal düşüncede önemli bir değişikliğe işaret etti - yani, "parçaların bir bütün halinde eklenmesi" olan uyum, melodik bölümlerin (polifoni) kendileri kadar önemlidir. Giderek daha fazla, polifoni ve uyum, aynı ahenkli müzik besteleme fikrinin iki yüzü gibi görünüyordu: armonik diziler bestelenirken, uyumsuzluk yaratırken tritonlara aynı dikkat gösterildi. Carlo Gesualdo gibi önceki dönemin bazı bestecileri arasında armonik düşünce de vardı, ancak Barok döneminde genel kabul gördü.
Eserlerin kipliği tonaliteden açıkça ayırmanın imkansız olduğu kısımlarını karışık majör veya karışık minör olarak işaretledi (daha sonra bu kavramlar için sırasıyla "monal majör" ve "monal minör" terimlerini tanıttı). Tablo, erken Barok dönemindeki tonal uyumun, önceki dönemin uyumunun neredeyse yerini nasıl aldığını gösteriyor.
İtalya yeni bir tarzın merkezi oluyor. Papalık, reforma karşı mücadele tarafından ele geçirilmiş olmasına rağmen, yine de Habsburg'ların askeri kampanyalarıyla doldurulan muazzam mali kaynaklara sahip olmasına rağmen, kültürel etkinin genişletilmesi yoluyla Katolik inancını yaymanın yollarını arıyordu. Mimarinin, güzel sanatların ve müziğin ihtişamı, ihtişamı ve karmaşıklığı ile Katoliklik, adeta münzevi Protestanlıkla tartışıyordu. Zengin İtalyan cumhuriyetleri ve beylikleri de güzel sanatlarda hararetle rekabet ettiler. Biri önemli merkezler müzik sanatı, o zamanlar hem laik hem de dini himaye altında olan Venedik'ti.
Giovanni Gabrieli, Protestanlığın artan ideolojik, kültürel ve sosyal etkisine karşı çıkan Katolikliğin yanında yer alan erken barok dönemde önemli bir figürdü. Eserleri "Yüksek Rönesans" (Rönesans'ın en parlak dönemi) tarzına aittir. Ancak çalgı alanındaki bazı yenilikleri (belirli bir çalgıya belirli görevlerin verilmesi) onun yeni bir tarzın ortaya çıkışında etkili olan bestecilerden biri olduğunu açıkça göstermektedir.
Kilisenin kutsal müzik besteleme konusunda koyduğu şartlardan biri de sesli eserlerdeki metinlerin okunaklı olmasıydı. Bu, polifoniden, kelimelerin ağızdan çıktığı müzik tekniklerine geçişi gerektiriyordu. ön plan. Vokaller, eşlikle karşılaştırıldığında daha karmaşık, süslü hale geldi. Homofoni böyle gelişti.
monteverde claudio(1567-1643), İtalyan besteci. Hiçbir şey onu içinin açığa çıkması kadar cezbetmedi. iç huzur dramatik çarpışmalarında ve dış dünyayla çatışmalarında bir kişi. Monteverdi, trajik planın çatışma dramaturjisinin gerçek kurucusudur. O, insan ruhlarının gerçek bir şarkıcısıdır. Müziğin doğal ifadesi için ısrarla çabaladı. "İnsan konuşması, uyumun hizmetkarı değil, efendisidir."
"Orpheus" (1607) - Operanın müziği açığa çıkarmaya odaklanmıştır. iç huzur trajik kahraman. Onun rolü olağanüstü derecede çok yönlüdür, içinde çeşitli duygusal ve ifade edici akımlar ve tür çizgileri birleşir. Doğduğu ormanlara ve kıyılara coşkuyla seslenir veya Eurydice'sinin kaybının yasını saf halk türkülerinde yas tutar.

Olgun barok müziği (1654-1707)

Avrupa'da üstün gücün merkezileşme dönemine genellikle Mutlakiyet denir. Mutlakiyet, Fransız kralı Louis XIV altında doruk noktasına ulaştı. Tüm Avrupa için Louis sarayı bir rol modeldi. Mahkemede icra edilen müzik dahil. Müzik enstrümanlarının (özellikle klavyelerin) artan mevcudiyeti, oda müziğinin gelişimine ivme kazandırdı.
Olgun barok, yeni üslubun her yerde bulunabilmesi ve özellikle operada müzik formlarının giderek artan ayrışması bakımından erken dönem baroktan farklıdır. Edebiyatta olduğu gibi, müzik eserlerinin akarsu baskısının ortaya çıkışı, dinleyici kitlesinin genişlemesine yol açtı; müzik kültürü merkezleri arasındaki alışveriş yoğunlaştı.
Louis XIV mahkemesinin saray bestecilerinin seçkin bir temsilcisi Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Zaten 21 yaşında, "enstrümantal müziğin saray bestecisi" unvanını aldı. yaratıcı iş Lully, en başından beri tiyatroyla güçlü bir şekilde ilişkilendirildi. Mahkeme oda müziği organizasyonu ve "airs de cour" bestesinin ardından bale müziği yazmaya başladı. Louis XIV, o zamanlar saray soylularının en sevdiği eğlence olan balelerde dans etti. Lully mükemmel bir dansçıydı. Prodüksiyonlara katıldı, kralla dans etti. Oyunlarına müzik yazdığı Molière ile yaptığı işbirliğiyle tanınır. Ancak Lully'nin çalışmalarındaki en önemli şey hala opera yazmaktı. Şaşırtıcı bir şekilde, Lully tam bir tip yarattı Fransız operası; Fransa'da sözde lirik trajedi (fr. trajedi lyrique) ve şüphesiz yaratıcı olgunluğa, çalışmalarının ilk yıllarında ulaştı. Opera binası. Lully, orkestra bölümünün görkemli sesi ile basit anlatımlar ve aryalar arasındaki karşıtlığı sık sık kullanırdı. müzik dili Lully çok karmaşık değil, ama kesinlikle yeni: uyumun netliği, ritmik enerji, formun eklemlenmesinin netliği, dokunun saflığı, homofonik düşünme ilkelerinin zaferinden bahsediyor. Başarısına büyük ölçüde, orkestra için müzisyen seçme yeteneği ve onlarla çalışması (provaları kendisi yaptı) da katkıda bulundu. Çalışmalarının ayrılmaz bir unsuru, uyum ve solo enstrümana gösterilen ilgiydi.
İngiltere'de olgun barok, Henry Purcell'in (1659-1695) parlak dehasıyla damgasını vurdu. 36 yaşında genç yaşta öldü, çok sayıda eser yazdı ve yaşamı boyunca geniş çapta tanındı. Purcell, Corelli ve diğer İtalyan barok bestecilerinin eserlerine aşinaydı. Bununla birlikte, patronları ve müşterileri, İtalyan ve Fransız laik ve dini soylularından farklı türdendi, bu nedenle Purcell'in yazıları İtalyan okulundan çok farklı. Purcell çok çeşitli türlerde çalıştı; basit dini ilahilerden marş müziğine, geniş formatlı vokal bestelerinden sahnelenmiş müziğe. Kataloğu 800'den fazla eser içeriyor. Purcell, etkisi günümüze kadar uzanan klavye müziğinin ilk bestecilerinden biri oldu.
Yukarıdaki bestecilerin aksine, Dietrich Buxtehude (1637-1707) bir saray bestecisi değildi. Buxtehude, önce Helsingborg'da (1657-1658), ardından Elsinore'de (1660-1668) ve ardından 1668'den itibaren St. Lübeck'teki Mary. Eserlerini yayınlayarak değil, icra ederek para kazandı ve kilise metinlerine müzik bestelemeyi ve soyluların himayesine kendi org eserlerini icra etmeyi tercih etti. Ne yazık ki, bu bestecinin tüm eserleri korunmadı. Buxtehude'nin müziği büyük ölçüde fikirler ölçeği, zenginlik ve hayal gücü özgürlüğü, dokunaklılık, drama ve biraz da hitabet tonlama tutkusu üzerine inşa edilmiştir. Çalışmaları J. S. Bach ve Telemann gibi besteciler üzerinde güçlü bir etkiye sahipti.

Geç Barok Müzik (1707-1760)

Olgun ve geç Barok arasındaki kesin çizgi bir tartışma konusudur; 1680 ile 1720 arasında bir yerdedir. Tanımının karmaşıklığının çoğu, farklı ülkelerde stillerin uyumsuz bir şekilde değişmesidir; bir yerde kural olarak kabul edilen yenilikler, başka bir yerde yeni keşiflerdi.
Önceki dönem tarafından keşfedilen formlar olgunluğa ve büyük değişkenliğe ulaştı; konçerto, süit, sonat, konçerto grosso, oratoryo, opera ve bale artık keskin bir şekilde ifade edilen ulusal niteliklere sahip değildi. Genel olarak kabul edilen çalışma şemaları her yerde oluşturulmuştur: tekrar eden iki parçalı bir form (AABB), basit bir üç parçalı form (ABC) ve bir rondo.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - Venedik doğumlu İtalyan besteci. 1703'te Katolik rahip rütbesini aldı. Vivaldi'nin en önemli katkısı, o zamanlar hala gelişmekte olan enstrümantal türler (barok sonat ve barok konçerto) bunlardı. Vivaldi 500'den fazla konçerto besteledi. Ayrıca bazı eserlerine ünlü The Four Seasons gibi programatik başlıklar verdi.
Domenico Scarlatti (1685-1757) zamanının önde gelen klavye bestecilerinden ve icracılarından biriydi. Ama belki de en ünlü saray bestecisi, Georg Friedrich Handel (1685-1759). Almanya'da doğdu, İtalya'da üç yıl okudu, ancak parlak ve ticari kariyerine başladığı 1711'de Londra'dan ayrıldı. başarılı kariyer soylular için komisyonlar icra eden bağımsız bir opera bestecisi. Yorulmak bilmeyen bir enerjiye sahip olan Handel, diğer bestecilerin malzemelerini elden geçirdi ve sürekli olarak kendi eserlerini elden geçirdi. kendi besteleri. Örneğin, ünlü "Mesih" oratoryosunu o kadar çok elden geçirmesiyle biliniyor ki, artık "otantik" denilebilecek bir versiyonu yok.
Ölümünden sonra önde gelen bir Avrupa bestecisi olarak kabul edildi ve Klasik dönemin müzisyenleri tarafından incelendi. Handel, müziğinde zengin doğaçlama ve kontrpuan geleneklerini karıştırdı. Eserlerinde musiki süsleme sanatı çok yüksek bir gelişme düzeyine ulaşmıştır. Diğer bestecilerin müziklerini incelemek için tüm Avrupa'yı dolaştı ve bununla bağlantılı olarak, diğer tarzların bestecileri arasında çok geniş bir tanıdık çevresi vardı.
johann sebastian bach 21 Mart 1685'te Eisenach, Almanya'da doğdu. Hayatı boyunca opera dışında çeşitli türlerde 1000'in üzerinde eser besteledi. Ancak yaşamı boyunca önemli bir başarı elde edemedi. Birçok kez hareket eden Bach, çok yüksek olmayan bir pozisyonu birbiri ardına değiştirdi: Weimar'da Weimar Dükü Johann Ernst'te bir mahkeme müzisyeniydi, ardından St. Arnstadt'taki Boniface, birkaç yıl sonra St. Sadece yaklaşık bir yıl çalıştığı Mühlhausen'deki Vlasia, ardından Weimar'a döndü ve burada mahkeme organisti ve konser organizatörü olarak yerini aldı. Bu görevi dokuz yıl sürdürdü. 1717'de Anhalt-Köthen Dükü Leopold, Bach'ı Kapellmeister olarak işe aldı ve Bach, Köthen'de yaşamaya ve çalışmaya başladı. 1723'te Bach, 1750'deki ölümüne kadar kaldığı Leipzig'e taşındı. Hayatının son yıllarında ve Bach'ın ölümünden sonra, bir besteci olarak ünü azalmaya başladı: Onun tarzı, gelişen klasisizm ile karşılaştırıldığında eski moda kabul edildi. Daha çok, müziği daha ünlü olan Carl Philipp Emmanuel olmak üzere Bachs Jr.'ın bir sanatçısı, öğretmeni ve babası olarak tanındı ve hatırlandı.
Sadece Mendelssohn'un J.S. Bach'ın ölümünden 79 yıl sonra yazdığı Matthew'e göre Tutku'nun icrası, çalışmalarına olan ilgiyi canlandırdı. Şimdi J.S. Bach en popüler bestecilerden biridir.
klasisizm
Klasisizm - sanatta stil ve yön XVII - erken XIX yüzyıllar
Bu kelime Latin classicus'tan geliyor - örnek. Klasisizm, insan doğasının uyumlu olduğu gerçeğinde, varlığın rasyonalitesine olan inanca dayanıyordu. En yüksek mükemmellik biçimi olarak kabul edilen eski sanatta klasik ideallerini gördüler.
On sekizinci yüzyılda, toplumsal bilincin gelişiminde yeni bir aşama başlıyor - Aydınlanma Çağı. Eski sosyal düzen yıkılıyor; insan onuruna, özgürlüğüne ve mutluluğuna saygı fikirleri çok önemlidir; birey bağımsızlık ve olgunluk kazanır, aklını kullanır ve kritik düşünce. Debdebesi, ihtişamı ve ciddiyeti ile Barok çağın idealleri yerini doğallık ve sadeliğe dayalı yeni bir yaşam tarzına bırakıyor. Jean-Jacques Rousseau'nun doğaya, doğal erdeme ve özgürlüğe dönüş çağrısı yapan idealist görüşlerinin zamanı geliyor. Doğa ile birlikte Antik Çağ idealize edilmiştir, çünkü Antik Çağ'da insanların tüm insan özlemlerini somutlaştırmayı başardıklarına inanılıyordu. Antik sanata klasik denir, örnek, en doğru, mükemmel, uyumlu olarak kabul edilir ve Barok dönemi sanatının aksine basit ve anlaşılır kabul edilir. Diğer önemli yönlerin yanı sıra ilgi odağında eğitim, sıradan insanların sosyal yapı içindeki konumu, bir kişinin özelliği olarak deha vardır.

Akıl sanatta da hüküm sürer. Fransız filozof ve eğitimci Denis Diderot, sanatın yüce amacını, toplumsal ve yurttaşlıktaki rolünü vurgulamak isteyerek şöyle yazmıştı: "Her heykel ya da resim çalışması, hayatın bazı büyük kurallarını ifade etmeli, öğretmelidir."

Tiyatro aynı zamanda hayatın ders kitabı ve hayatın ta kendisiydi. Ayrıca tiyatroda aksiyon son derece düzenlidir, ölçülüdür; her şeyin yerinde olduğu ve mantıksal yasalara tabi olduğu 18. yüzyıl için çok değerli bir sanat ideali yaratarak, sırayla karakterlerin ayrı kopyalarına bölünen eylemlere ve sahnelere bölünmüştür.
Klasisizm müziği son derece teatraldir, sanki tiyatro sanatını kopyalar ve taklit eder.
Klasik bir sonat ve bir senfoninin büyük bölümlere - her birinde birçok müzikal "olay" bulunan bölümlere bölünmesi, bir oyunu aksiyonlara ve sahnelere bölmeye benzer.
Klasik çağın müziğinde, genellikle bir olay örgüsü ima edilir; seyircinin önünde, tiyatro eyleminin seyircinin önünde ortaya çıkmasıyla aynı şekilde ortaya çıkan belirli bir eylem.
Dinleyicinin yalnızca hayal gücünü açması ve klasik bir komedi veya trajedinin "müzikal giysiler" içindeki karakterlerini tanıması gerekir.
Tiyatro sanatı, 18. yüzyılda müzik icrasında meydana gelen büyük değişiklikleri açıklamaya yardımcı olur. Daha önce, müziğin çaldığı ana yer tapınaktı: İçinde, bir kişi aşağıda, devasa bir alanda, müziğin ona bakmasına ve düşüncelerini Tanrı'ya adamasına yardımcı olduğu görülüyordu. Şimdi, 18. yüzyılda, aristokrat bir salonda, soylu bir malikanenin balo salonunda veya bir kasaba meydanında müzik duyuluyor. Aydınlanma Çağı'nın dinleyicisi, müziği "size" davranıyor gibi görünüyor ve artık tapınakta ses verdiğinde onda uyandırdığı zevk ve çekingenliği yaşamıyor.
Orgun güçlü, ciddi sesi artık müzikte yok, koronun rolü azaldı. Müzik klasik tarz kulağa hafif geliyor, çok daha az sesi var, sanki geçmişin ağır, katmanlı müziğinden "daha hafif". Org ve koro sesinin yerini bir senfoni orkestrası sesi aldı; yüce aryalar yerini hafif, ritmik ve dans müziğine bıraktı.
İnsan aklının olanaklarına ve bilginin gücüne olan sınırsız inanç sayesinde 18. yüzyıl Akıl Çağı veya Aydınlanma Çağı olarak anılmaya başlandı.
Klasisizmin altın çağı, on sekizinci yüzyılın 80'lerinde gelir. 1781'de J. Haydn, String Quartet op. 33; operanın prömiyeri V.A. Mozart'ın "Saraydan Kız Kaçırma"; F. Schiller'in draması "Hırsızlar" ve "Eleştiri" Saf zihin» I. Kant.

Klasik dönemin en parlak temsilcileri Viyana Klasik Okulu'nun bestecileridir. Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart ve Ludwig van Beethoven. Sanatları, kompozisyon tekniğinin mükemmelliği, yaratıcılığın hümanist yönelimi ve özellikle W. A. Mozart'ın müziğinde göze çarpan, müzik yoluyla mükemmel güzelliği sergileme arzusundan keyif alıyor.

Viyana Klasik Okulu kavramı, L. Beethoven'ın ölümünden kısa bir süre sonra ortaya çıktı. Klasik sanat, duygular ve akıl, biçim ve içerik arasındaki hassas denge ile ayırt edilir. Rönesans müziği, çağının ruhunu ve nefesini yansıtıyordu; Barok dönemde insan halleri müzikte yansıma konusu oldu; Klasisizm çağının müziği, bir kişinin eylemlerini ve eylemlerini, yaşadığı duygu ve hisleri, özenli ve bütünsel insan zihnini söyler.

Ludwig van Beethoven(1770–1827)
Alman besteci, genellikle tüm zamanların en büyük bestecisi olarak kabul edilir.
Çalışmaları hem klasisizm hem de romantizme atfedilir.
Selefi Mozart'ın aksine, Beethoven zorlukla beste yaptı. Beethoven'ın defterleri, ikna edici inşaat mantığı ve ender güzellikle işaretlenmiş, belirsiz eskizlerden nasıl yavaş yavaş, adım adım görkemli bir kompozisyonun ortaya çıktığını gösteriyor. bu mantık ana kaynak Beethoven'ın büyüklüğü, zıt unsurları yekpare bir bütün halinde düzenleme konusundaki eşsiz yeteneği. Beethoven, formun bölümleri arasındaki geleneksel duraklamaları siler, simetriden kaçınır, döngünün parçalarını birleştirir, ilk bakışta ilginç bir şey içermeyen tematik ve ritmik motiflerden genişletilmiş yapılar geliştirir. Yani Beethoven, kendi iradesiyle, aklının gücüyle müzikal alan yaratır. 19. yüzyılın müzik sanatı için belirleyici hale gelen bu sanatsal akımları öngördü ve yarattı.

Romantizm.
şartlı olarak 1800-1910'u kapsar
Romantik besteciler, bir kişinin iç dünyasının derinliğini ve zenginliğini müzikal araçlarla ifade etmeye çalıştılar. Müzik daha kabartmalı, bireysel hale gelir. Balad da dahil olmak üzere şarkı türleri gelişiyor.
Romantizmin müzikteki başlıca temsilcileri şunlardır: Avusturya - Franz Schubert ; Almanyada - Ernest Theodor Hoffman, carl maria weber, Richard Wagner , Felix Mendelssohn Robert Schumann, Ludwig Spohr; v
vesaire.................

Avrupa'da Orta Çağ'ın profesyonel müzik kültürü, öncelikle kiliseyle, yani kült müzik alanıyla ilişkilendirilir. Dindarlıkla dolu sanat kanonik ve dogmatiktir, ancak yine de donmamıştır, dünyevi yaygaradan Rab'be hizmet etmenin müstakil dünyasına dönmüştür. Bununla birlikte, bu tür "yüksek" müziğin yanı sıra, folklor ve gezici müzisyenlerin çalışmaları ile asil bir şövalyelik kültürü de vardı.

Erken Orta Çağ'ın manevi müzik kültürü

çağda erken ortaçağ profesyonel müzik yalnızca katedrallerde ve onlara bağlı şarkı söyleme okullarında geliyordu. Batı Avrupa'daki Orta Çağ müzik kültürünün merkezi, "yüksek kilise yetkililerinin" bulunduğu şehir olan İtalya'nın başkenti Roma idi.

590-604 yıllarında Papa I. Gregory, kült şarkı söyleme reformu gerçekleştirdi. "Gregorian Antiphonary" koleksiyonunda çeşitli ilahiler sipariş etti ve topladı. I. Gregory sayesinde Batı Avrupa kutsal müziğinde Gregorian ilahisi denen bir yön oluşuyor.

koro- bu, kural olarak, Avrupa ve Orta Doğu halklarının asırlık geleneklerini yansıtan tek sesli bir ilahidir. Cemaatçilere Katolikliğin temellerini anlamaları ve tek bir vasiyet kabul etmeleri için rehberlik etmesi amaçlanan bu pürüzsüz tek sesli melodiydi. Koral temelde koro tarafından ve sadece bazı kısımlar solist tarafından icra edildi.

Gregoryen ilahisinin temeli, diyatonik modların sesleri boyunca kademeli bir hareketti, ancak bazen aynı ilahide ayrıca yavaş, şiddetli mezmur melodileri ve bireysel hecelerin melizmatik ilahisi de vardı.

Şarkıcılardan profesyonel vokal becerileri gerektirdiğinden, bu tür melodilerin icrası kimseye güvenilmezdi. Tıpkı müzik gibi, ilahilerin birçok cemaatçi için anlaşılmaz olan Latin dilindeki metni tevazu, gerçeklikten kopma ve tefekkür çağrıştırıyor. Çoğu zaman, müziğin ritmik tasarımı da metnin takibine bağlıydı. Gregoryen ilahisi ideal müzik olarak alınamaz, daha çok bir dua metni ilahisidir.

Yığın – ana tür Orta Çağ'ın besteci müziği

Katolik kütle kilisenin ana ayinidir. Bu tür Gregoryen ilahilerini şu şekilde birleştirdi:

antifonal (iki koro sırayla şarkı söylediğinde);
sorumlu (dönüşümlü olarak şarkı solistleri ve koro).

Topluluk sadece ortak duaların söylenmesine katıldı.
Daha sonra, XII.Yüzyılda. Kitlede ilahiler (mezmurlar), sekanslar ve mecazlar ortaya çıktı. Bunlar, kafiyeli (ana koronun aksine) ve özel bir ezgisi olan ek metinlerdi. Bu dini kafiyeli metinler cemaatçiler tarafından çok daha iyi hatırlandı. Rahiplerle birlikte şarkı söyleyerek melodiyi değiştirdiler ve halk unsurları kutsal müziğe sızmaya başladı ve yazar yaratıcılığına bir fırsat olarak hizmet etti (Notker Zaika ve Tokelon keşişi - St. Golene manastırı). Daha sonra bu ezgiler genellikle mezmur bölümlerinin yerini aldı ve Gregoryen ilahisinin sesini önemli ölçüde zenginleştirdi.

Polifoninin ilk örnekleri, organum - paralel dördüncü veya beşinci hareket, gimel, foburdon - altıncı akorlarda hareket, davranış gibi manastırlardan gelir. Bu tür müziğin temsilcileri besteciler Leonin ve Perotin'dir (Katedral Paris'in Notre Dame'ı- XII-XIII yüzyıllar).

Orta Çağ'ın seküler müzik kültürü

Orta Çağ müzik kültürünün laik tarafı şu kişilerle temsil ediliyordu: Fransa'da - jonglörler, pandomimciler, ozanlar , Almanyada - shpilmans, ispanyada - domuzlar, Rusça'da - soytarılar. Hepsi gezici sanatçılardı ve çalışmalarında enstrüman çalan, şarkı söyleyen, dans eden, sihir yapan, kukla gösterisi, sirk sanatı.

Dünyevi müziğin bir başka bileşeni de şövalyelikti. kibar kültür . Şövalyelerin her birinin sadece cesaret ve yiğitliğe değil, aynı zamanda cesarete de sahip olması gerektiğini belirten özel bir şövalye kodu oluşturuldu. rafine görgü, eğitim ve Güzel Leydi'ye adanmış olun. Şövalyelerin yaşamının tüm bu yönleri esere yansır. ozanlar(güney Fransa - Provence), pantolon(kuzey Fransa), madenciler(Almanya).

Çalışmaları esas olarak aşk sözlerinde sunuluyor, en yaygın türü canzona idi (albs - minnesingers arasında “Sabah Şarkıları”). Ozanların deneyimlerini geniş çapta uygulayan ozanlar kendi türlerini yarattılar: "Mayıs şarkıları", "dokuma şarkıları".

Saray kültürünün temsilcilerinin müzik türlerinin en önemli alanı, rondo, virele, ballad gibi şarkı ve dans türleriydi. kahramanca destan. Enstrümanların rolü çok önemsizdi, vokal melodilerini bir giriş, ara, son söz ile çerçevelemeye indirgendi.

Olgun Orta Çağ XI-XIII yüzyıllar.

Olgun Orta Çağ'ın karakteristik bir özelliği, gelişmedir. kasaba kültürü . Odak noktası kilise karşıtı, özgür düşünce, komik ve karnaval folkloru ile bağlantıydı. Yeni polifoni türleri ortaya çıkıyor: seslerin melodik farklılığı ile karakterize edilen motet, ayrıca aynı anda söyledikleri bir motette farklı metinler ve hatta farklı diller; madrigal - şarkı ana dil(İtalyanca), caccia, bir avı anlatan sözleri olan bir vokal parçasıdır.

12. yüzyıldan günümüze Halk sanatı diğerlerinin aksine okuma yazma bilen serseriler ve goliardlar katıldı. Üniversiteler, Orta Çağ'ın müzik kültürünün taşıyıcıları oldu. Orta Çağ'ın modal sistemi kutsal müziğin temsilcileri tarafından geliştirildiğinden, bunlara kilise modları (İyon modu, Aeolian modu) denilmeye başlandı.

Altılı doktrin de öne sürüldü - perdelerde sadece 6 adım kullanıldı. Keşiş Guido Aretinsky, aralarında bir üçüncül oran olan 4 satırdan oluşan daha mükemmel bir kayıt not sistemi yaptı ve anahtar işareti veya çizgi boyama. Ayrıca basamakların hece adını da tanıttı, yani basamakların yüksekliği harflerle gösterilmeye başlandı.

Ars Nova XIII-XV yüzyıllar

Orta Çağ ile Rönesans arasındaki geçiş dönemi XIV. Fransa ve İtalya'da bu döneme Ars Nova yani "yeni sanat" adı verildi. Sanatta yeni deneyler yapmanın zamanı geldi. Besteciler, ritmi öncekilerden (Philippe de Vitry) çok daha karmaşık hale gelen eserler bestelemeye başladılar.

Ayrıca kutsal müziğin aksine, burada yarı tonlar tanıtıldı, bunun sonucunda tonlarda rastgele yükselmeler ve düşüşler olmaya başladı, ancak bu henüz modülasyon değil. Bu tür deneyler sonucunda ilginç ama her zaman coşkulu olmaktan uzak işler elde edildi. Solage, o zamanın en parlak deneyci-müzisyeniydi. müzik kültürü Orta Çağ, kültüre göre daha gelişmiştir. Antik Dünya, fonların sınırlamalarına rağmen ve Rönesans'ta müziğin gelişmesi için ön koşulları içerir.

ortaçağ müzisyenleri 13. Yüzyıl El Yazması Orta Çağ Müziği MS 5. yüzyıldan 14. yüzyıla kadar olan bir dönemi kapsayan müzik kültürünün gelişim dönemi ... Wikipedia

Halk, popüler, pop ve klasik müziğin çeşitli canlı ve tarihi türlerini içerir. Hintli klasik müzik, Karnataka ve Hindustani gelenekleriyle temsil edilen, Sama Veda'ya kadar uzanır ve karmaşık ve çeşitli olarak tanımlanır ... Wikipedia

Montmartre'de bir grup müzisyen Fransız müziği, kökenlerini ... Wikipedia'dan alan Avrupa'nın en ilginç ve etkili müzik kültürlerinden biridir.

İçindekiler 1 Halk müziği 2 Klasik müzik, opera ve bale 3 Popüler müzik ... Wikipedia

Bu makale müzik tarzı hakkındadır. Bir grup felsefi görüş için New Age makalesine bakın Ayrıca şu kategoriye bakın: New Age Music New Age (new age) Yön: elektronik müzik Kökenler: caz, etnik, minimalizm, klasik müzik, somut müzik ... Wikipedia

I Müzik (Yunanca musike'den, kelimenin tam anlamıyla ilham perilerinin sanatı), gerçekliği yansıtan ve esas olarak tonlardan oluşan anlamlı ve özel olarak düzenlenmiş ses dizileri aracılığıyla bir kişiyi etkileyen bir sanat türüdür ... ... Büyük sovyet ansiklopedisi

- (Yunanca moysikn, mousa muse'dan) gerçeği yansıtan ve bir kişiyi anlamlı ve yükseklik ve zaman açısından özel olarak düzenlenmiş, esas olarak tonlardan oluşan ses dizileriyle etkileyen bir takım elbise türü ... ... Müzik Ansiklopedisi

Hırvatlar hakkında bir dizi makale ... Wikipedia

Belçika müziğinin kökenleri müzikal geleneklerülkenin kuzeyinde yaşayan Flamanlar ve güneyinde yaşayan ve Fransız geleneklerinden etkilenen Valonların gelenekleri. Belçika müziğinin oluşumu, karmaşık tarihsel süreçte ilerledi ... ... Wikipedia

Kitabın

Resimli Sanat Tarihi. Mimari, heykel, resim, müzik, Lyubke V. Lifetime baskısı. St.Petersburg, 1884. A. S. Suvorin'in baskısı. 134 çizimli baskı. Sırtı ve köşeleri deri kaplı, sahibi ciltli. Sırt bandajı. Güvenlik iyidir.…
Resimli Sanat Tarihi. Mimarlık, heykel, resim, müzik (okullar için, bireysel çalışma ve bilgi), Lübke. Hayat baskısı. St.Petersburg, 1884. A. S. Suvorin'in baskısı. 134 çizim içeren kitap. Tipografik kapak. Güvenlik iyi. Kapakta küçük yırtıklar. Bol resimli…

Erken Orta Çağ koşullarında, tüm müzik kültürü iki ana "terime" indirgenmiştir. Kutuplarından birinde, prensipte Hristiyanlığı benimsemiş tüm halklar için aynı olan kilise tarafından yasallaştırılan profesyonel ayin müziği vardır (dil birliği Latince'dir, şarkı söyleme birliği Gregoryen ilahisidir). Öte yandan - kilise tarafından çeşitli yerel dillerde zulüm gören halk müziği, halk yaşamıyla, gezgin müzisyenlerin faaliyetleriyle bağlantılı.

Mutlak güç eşitsizliğine rağmen (devletten destek, maddi koşullar vb. Açısından), halk müziği yoğun bir şekilde gelişti ve hatta kiliseye, kanonlaştırılmış Gregoryen ilahisine çeşitli ekler biçiminde kısmen nüfuz etti. Bunların arasında, örneğin, yetenekli müzisyenler tarafından yaratılan mecazlar ve diziler.

yollar - bunlar koronun ortasına eklenen metin ve müzik eklemeleridir. Bir tür iz, bir dizidir. Ortaçağa aitdiziler Bunlar karmaşık seslendirmelerin alt metinleridir. Oluşma nedenlerinden biri, tek sesli harfle söylenen uzun ezgileri hatırlamanın önemli ölçüde güçleşmesiydi. Zamanla diziler halk ambarı ezgilerine dayandırılmaya başlandı.

İlk sekansların yazarları arasında bir keşişin adı geçiyor.noter St. Gallen manastırından (İsviçre'de, yakınlarda) Zaika lakaplı konstanz gölü). Notker (840-912)besteci, şair, müzik teorisyeni, tarihçi, ilahiyatçı. Manastır okulunda öğretmenlik yaptı ve kekemeliğine rağmen mükemmel bir öğretmen olarak biliniyordu. Notker, dizileri için kısmen kullandı ünlü melodiler, kısmen kendisi tarafından bestelenmiştir.

Trent Konsili'nin (1545-63) kararnamesiyle, dördü hariç hemen hemen tüm diziler kilise hizmetinden ihraç edildi. Bunların arasında en ünlüsü diziydi.irae ölür ("Gazap Günü"), yargı gününü anlatıyor . Daha sonra, beşinci dizi Katolik kilisesinin kullanımına kabul edildi.Bıçak malzemesi ("Yas tutan bir anne vardı").

Dünyevi sanatın ruhu kilise hayatına getirildi veilahiler - manevi ilahiler, yakın halk şarkılarışiirsel metne.

Sondan 11.yüzyılda müzik hayatı Batı Avrupa, şövalye kültürüyle ilişkili yeni yaratıcılık ve müzik yapma türlerini içerir. Şarkıcılar-şövalyeler özünde seküler müziğin başlangıcını işaret ediyordu. Sanatları, günlük halk müziği geleneğiyle (halk şarkısı tonlamalarının kullanımı, halk müzisyenleriyle işbirliği pratiği) temas halindeydi. Bazı durumlarda, ozanlar muhtemelen metinleri için ortak halk ezgilerini seçtiler.

Orta Çağ müzik kültürünün en büyük başarısı, profesyonel bir Avrupalının doğuşuydu.polifoni . Onun başlangıcı ifade ederIXyüzyılda, Gregoryen ilahisinin birlikte icrasının bazen iki sesli bir icrayla değiştirildiği zaman. En eski iki ses türü paraleldiorgan , Gregoryen ilahisinin bir oktav, dörtlü veya beşinci olarak seslendirildiği. Sonra dolaylı (sadece bir ses hareket ettiğinde) ve zıt hareketle paralel olmayan bir organ ortaya çıktı. Yavaş yavaş, Gregoryen ilahisine eşlik eden ses giderek daha bağımsız hale geldi. Bu çift ses tarzına denir.tiz (çeviride - “pe-nie ayrı”).

İlk kez bu tür organlar yazılmaya başlandı.Leonin , bilinen ilk besteci-polifoncu (12.yüzyıl). Büyük bir polifonik okulun geliştiği ünlü Notre Dame Katedrali'nde naip olarak görev yaptı.

Leonin'in çalışmaları şunlarla ilişkilendirildi:ars antika (ars antika, yani " eski sanat"). Bu isim kült polifoniye verildi.12.- 13.yüzyıl müzisyenleri erken rönesans, buna karşı çıkanars nova ("yeni sanat").

Başta 13.Yüzyıllar boyunca Leonin geleneği devam etti.perotin , Büyük takma isme göre. Artık iki ses değil, 3 ses besteledi. x ve 4 x - ses organları. Perotin'in üst sesleri bazen zıt bir iki ses oluşturur, bazen ustaca taklit kullanır.

Perotin zamanında oluştu ve yeni tip polifoni -kondüktör temeli artık Gregoryen ilahisi değil, popüler bir günlük veya özgürce bestelenmiş bir melodiydi.

Daha da cesur bir polifonik form,müziksiz çok sesli ilahi - genellikle farklı dillerde bile olsa, farklı ritimlere ve farklı metinlere sahip melodilerin bir kombinasyonu. Mote ilk oldu müzik tarzı, kilisede ve mahkeme yaşamında eşit derecede yaygın.

Polifoninin gelişimi, metnin her hecesinin tüm seslerde (motetlerde) eşzamanlı telaffuzundan ayrılma, notasyonun iyileştirilmesini, sürelerin tam olarak belirlenmesini gerektirdi. görünürölçü notasyonu (Latince mensura'dan - ölçü; kelimenin tam anlamıyla - ölçülen notasyon), bu da seslerin hem yüksekliğini hem de göreli süresini sabitlemeyi mümkün kıldı.

Çoksesliliğin gelişmesine paralel olarak bir oluşum süreci yaşanmıştır.kitleler - Katolik Kilisesi'nin ana ilahi hizmetinin metni üzerine çok sesli bir döngüsel çalışma. Ayin ritüeli yüzyıllar boyunca şekillendi. Son şeklini ancak11.ve-ku. ne kadar bütünsel müzikal kompozisyon Kitle daha sonra şekillendi.XIV.yüzyılda, Rönesans'ın önde gelen müzik türü haline geldi.

Orta Çağ, feodal sistemin egemen olduğu insanlık tarihinin büyük bir dönemidir.

Kültürün periyodizasyonu:

Erken Orta Çağ - 5. - 10. yüzyıllar

Olgun Orta Çağ - XI - XIV yüzyıllar.

395 yılında Roma İmparatorluğu Batı ve Doğu olmak üzere ikiye ayrıldı. 5.-9. yüzyıllarda Roma harabeleri üzerinde batı kesiminde barbar devletler vardı: Ostrogotlar, Vizigotlar, Franklar vb. 9. yüzyılda Şarlman imparatorluğunun çöküşü sonucunda burada üç devlet kuruldu. : Fransa, Almanya, İtalya. Doğu kısmının başkenti, İmparator Konstantin tarafından Yunan kolonisi Bizans'ın bulunduğu yerde kurulan Konstantinopolis'ti - dolayısıyla devletin adı.

§ 1. Batı Avrupa Orta Çağı

Orta Çağ'ın maddi temeli feodal ilişkilerdi. Ortaçağ kültürü koşullarda oluşur kırsal arazi. Daha öte sosyal temel kültür olur kentsel çevre - kasabalılar. Devletlerin oluşumuyla birlikte ana sınıflar oluşur: din adamları, soylular, halk.

Orta Çağ sanatı ile yakından bağlantılıdır. kilise . hıristiyan inancı- felsefenin, ahlakın, estetiğin temeli, bu zamanın tüm manevi yaşamı. Dini sembolizmle dolu sanat, dünyevi, geçici, manevi, ebediyete özlem duyar.

İle birlikte resmi kilise kültür (yüksek) vardı laik kültür (taban) - folklor(alt sosyal sınıflar) ve şövalye gibi(saraylı).

ana odaklar profesyonel erken Orta Çağ müziği - katedraller, onlara bağlı şarkı söyleyen okullar, manastırlar - o zamanın tek eğitim merkezleri. Yunanca ve Latince, aritmetik ve müzik okudular.

kilise müziğinin ana merkezi Batı Avrupa Roma Orta Çağ'daydı. VI'nın sonunda - VII yüzyılın başında. Batı Avrupa kilise müziğinin ana çeşitliliği şekilleniyor - Gregoryen ilahi , adını kilise şarkı söyleme reformunu gerçekleştiren, çeşitli kilise ilahilerini bir araya getiren ve düzene sokan Papa I. Gregory'den almıştır. Gregoryen ilahi - tek sesliÇeşitli Orta Doğu ve Avrupa halklarının (Suriyeliler, Yahudiler, Yunanlılar, Romalılar vb.) asırlık şarkı söyleme geleneklerinin birleştiği Katolik ilahi. Katolikliğin ilkelerine uygun olarak cemaatçilerin ilgi odağı olan tek bir iradeyi kişileştirmeyi amaçlayan tek bir melodinin pürüzsüz tek sesli açılımıydı. Müziğin doğası katıdır, kişisel değildir. Koral, koro (dolayısıyla adı), bazı bölümler solist tarafından icra edildi. Diyatonik modlara dayalı kademeli hareket hakimdir. Gregoryen ilahisi, ciddi derecede yavaştan çok yavaş olana kadar birçok derecelendirmeye izin verdi. koro mezmurları ve biten yıldönümleri(bir hecenin melismatik ilahisi), performansları için virtüöz vokal becerileri gerektirir.

Gregoryen şarkı söylemek, dinleyiciyi gerçeklikten uzaklaştırır, alçakgönüllülüğe neden olur, tefekküre, mistik kopuşa yol açar. üzerindeki metin Latince, anlaşılmaz cemaatçi kitlesi. Şarkının ritmi metin tarafından belirlendi. Metnin okunmasının aksanlarının doğası gereği belirsiz, belirsizdir.

Katolik Kilisesi'nin ana ibadet ayininde çeşitli Gregoryen ilahileri bir araya getirildi - yığın, beş kararlı bölümün kurulduğu:

Kyrie eleison(Allah korusun)

Gloria(görkem)

inanç(inanmak)

kutsal(kutsal)

Agnus Dei(Tanrı'nın Kuzusu).

Zaman geçtikçe, unsurlar Gregoryen ilahisine sızmaya başlar. Halk Müziği başından sonuna kadar ilahiler, diziler ve mecazlar. Mezmur, şarkıcılar ve din adamlarından oluşan profesyonel bir koro tarafından icra edildiyse, o zaman ilahiler ilk başta cemaatçiler tarafından icra edildi. Resmi ibadete eklerdi (halk müziğinin özelliklerini taşıyorlardı). Ancak kısa süre sonra, ayinlerin ilahi bölümleri mezmurların yerini almaya başladı ve bu da ortaya çıkmasına neden oldu. polifonik kütle.

İlk sekanslar, yıldönümü melodisinin bir alt metniydi, böylece melodinin bir sesinin ayrı bir hecesi olacaktı. Sekans, ortak bir tür haline gelir (en popüler « Venüs, kutsal ruhaniyet» , « ölür irae», « Stabat anne» ). "Dies irae" Berlioz, Liszt, Tchaikovsky, Rachmaninov tarafından kullanıldı (çoğunlukla ölümün sembolü olarak).

Polifoninin ilk örnekleri manastırlardan geliyor - organ(paralel beşte veya dördüncüde hareket), gimel, foburdon(paralel altıncı akorlar), kondüktör. Besteciler: Leonin ve Perotin (12-13 yüzyıllar - Notre Dame Katedrali).

taşıyıcılar laik halk Orta Çağ'da müzik pandomimciler, hokkabazlar, ozanlar Fransa'da, shpilmans- ülkelerde Alman kültürü, domuzlar - ispanyada, soytarılar - Rusça'da. Bu gezici sanatçılar evrensel ustalardı: şarkı söylemeyi, dans etmeyi, müzik çalmayı birleştirdiler. çeşitli araçlar büyü, sirk sanatı, kukla tiyatrosu ile.

diğer taraf seküler kültüröyleydi şövalye (saray) kültürü (laik feodal beylerin kültürü). Yoksul savaşçılardan krallara kadar neredeyse tüm soylu insanlar şövalyeydi. Bir şövalyenin cesaret ve yiğitlikle birlikte zarif tavırlara sahip olması, eğitimli, cömert, yüce gönüllü olması ve Güzel Leydi'ye sadakatle hizmet etmesi gerektiğine göre özel bir şövalye yasası oluşturuluyor. Şövalye yaşamının tüm yönleri müzik ve şiir sanatına yansır. ozanlar(Provence - güney Fransa) pantolon(kuzey Fransa), madenciler(Almanya). Ozanların sanatı esas olarak aşk sözleriyle ilişkilendirilir. Aşk sözlerinin en popüler türü kanzon(minnesingers arasında - "Sabah Şarkıları" - alb).

Ozanların deneyimlerinden geniş ölçüde yararlanan Trouvers, kendi orijinal türlerini yarattı: dokuma şarkıları», « Mayıs şarkıları". Troubadours, trouvers ve minnesingers müzik türlerinin önemli bir alanı şarkı ve dans türleri: rondo, ballad, virele(nakarat formları) ve ayrıca kahramanca destan(Fransız destanı "Roland'ın Şarkısı", Almanca - "Nibelungların Şarkısı"). Minnesingers yaygındı haçlı şarkıları.

Troubadours, trouvers ve minnesingers sanatının karakteristik özellikleri:

tek seslilik- müzik ve şiir sanatının özünden gelen melodi ile şiirsel metin arasındaki ayrılmaz bağlantının bir sonucudur. Tek seslilik aynı zamanda kişinin kendi deneyimlerinin kişiselleştirilmiş ifadesine yönelik tutumuna, ifadenin içeriğinin kişisel bir değerlendirmesine karşılık geliyordu (genellikle kişisel deneyimlerin ifadesi, doğa resimlerinin tasviriyle çerçeveleniyordu).

Daha çok vokal performansı. Enstrümanların rolü önemli değildi: vokal melodisini çerçeveleyen girişlerin, araların ve sonların performansına indirgenmişti.

Şövalyelik sanatından profesyonel olarak bahsetmek hala imkansız, ancak bu koşullarda ilk kez. laik müzik yapma, gelişmiş bir ifade araçları kompleksi ve nispeten mükemmel müzik yazımı ile güçlü bir müzikal ve şiirsel yön yaratıldı.

Önemli başarılardan biri olgun orta çağ X-XI yüzyıllardan başlayarak, kentsel gelişim(kent kültürü) . Kent kültürünün temel özellikleri, kilise karşıtı, özgürlüğü seven yönelim, folklorla bağlantı, komik ve karnaval karakteri idi. Gotik mimari tarz gelişir. 13.-14. yüzyıllardan 16. yüzyıllara kadar yeni polifonik türler oluşuyor. - müziksiz çok sesli ilahi(Fransızcadan - “kelime”. Motet için, seslerin melodik farklılığı tipiktir, aynı anda farklı metinleri tonlar - genellikle farklı dillerde bile), madrigal(İtalyanca'dan - “ana dilde şarkı”, yani İtalyanca. Metinler aşk-lirik, pastoraldir), caccha(İtalyanca'dan - “avlanma” - avlanmayı tasvir eden bir metne dayanan bir vokal parçası).

Halk gezgini müzisyenler, göçebe bir yaşam tarzından yerleşik bir hayata geçiyor, tüm şehir bloklarını dolduruyor ve bir tür "müzisyen atölyeleri" oluşturuyor. XII. yüzyıldan itibaren halk müzisyenleri bir araya geldi. serseriler ve goliards- farklı sınıflardan (okul öğrencileri, kaçak keşişler, gezgin din adamları) sınıflandırılmış insanlar. Okuma yazma bilmeyen hokkabazların aksine - sözlü gelenek sanatının tipik temsilcileri - serseriler ve goliardlar okuryazardı: Latin dilini ve klasik şiir kurallarını biliyorlardı, müzik bestelediler - şarkılar (görüntü yelpazesi okul bilimi ve öğrenci yaşamıyla ilişkilendirilir) ve davranış ve motifler gibi karmaşık kompozisyonlar bile.

Müzik kültürünün önemli bir merkezi haline geldi üniversiteler. Müzik, daha doğrusu - müzik akustiği - astronomi, matematik, fizik ile birlikte quadrium'un bir parçasıydı, yani. üniversitelerde incelenen dört disiplinden oluşan bir döngü.

Böylece, ortaçağ kentinde, karakter ve sosyal yönelim bakımından farklı müzik kültürü merkezleri vardı: halk müzisyenleri dernekleri, mahkeme müziği, manastır ve katedral müziği, üniversite müzik pratiği.

Orta Çağ'ın müzik teorisi teoloji ile yakından ilişkiliydi. Bize ulaşan birkaç müzikal-teorik incelemede müzik, "kilisenin hizmetkarı" olarak görülüyordu. Erken Orta Çağ'ın öne çıkan risaleleri arasında Augustine'in "Müzik Üzerine" 6 kitabı, Boethius'un "Müziğin Kuruluşu Üzerine" 5 kitabı vb. müziğin kozmik rolü doktrini vb.

Ortaçağ modal sistemi, kilise profesyonellerinin temsilcileri tarafından geliştirilmiştir. müzik sanatı- bu nedenle, ortaçağ perdelerine "kilise modları" adı verildi. Ionian ve Aeolian ana modlar olarak kuruldu.

Orta Çağ'ın müzik teorisi, hexachords doktrinini ortaya koydu. Uygulamada her perdede 6 adım kullanılmıştır (örneğin: do, re, mi, fa, salt, la). O zaman Xi'den kaçınıldı, çünkü. F ile birlikte, çok ahenksiz kabul edilen ve mecazi olarak "müzikteki şeytan" olarak adlandırılan büyütülmüş bir kuart'a doğru bir hareket oluşturdu.

Zorunlu olmayan gösterim yaygın olarak kullanıldı. Guido Aretinsky nota sistemini geliştirdi. Reformunun özü şuydu: dört satırın varlığı, ayrı satırlar arasında üçüncül bir ilişki, bir anahtar işaret (başlangıçta değişmez) veya satırların renklendirilmesi. Ayrıca modun ilk altı adımı için hece gösterimini de tanıttı: ut, re, mi, fa, tuz, la.

tanıtıldı ölçü notasyonu, her notaya belirli bir ritmik ölçü atanmıştır (Latince mensura - ölçü, ölçü). Süre adları: maxim, longa, brevis, vb.

XIV. yüzyıl - Orta Çağ ve Rönesans arasındaki geçiş dönemi. XIV.Yüzyılın Fransa ve İtalya sanatına " Ars nova"(Latince'den - yeni sanat) ve İtalya'da erken Rönesans'ın tüm özelliklerine sahipti. Ana özellikler: münhasıran kilise müziği türlerini kullanmayı reddetmek ve seküler vokal ve enstrümantal oda türlerine (balad, kachcha, madrigal) yönelmek, günlük şarkıyla yakınlaşma, çeşitli müzik aletlerinin kullanımı. Ars nova denilen şeyin tam tersidir. ars antiqua (lat. ars antik - eski sanat), XIV yüzyılın başından önceki müzik sanatını ima eder. En büyük temsilciler ars nova Guillaume de Macho (14. yüzyıl, Fransa) ve Francesco Landino (14. yüzyıl, İtalya).

Bu nedenle, Orta Çağ müzik kültürü, nispeten sınırlı olanaklara rağmen, Antik Dünya müziğine kıyasla daha yüksek bir düzeyi temsil eder ve Rönesans'ta müzik sanatının gelişmesi için ön koşulları içerir.

Kategoride popüler: