Rönesans'ın sanatsal kültürü. canlanma öncesi

yaratılış ideal şehirçeşitli ülke ve dönemlerin bilim adamlarına ve mimarlarına eziyet etti, ancak buna benzer bir şey tasarlamaya yönelik ilk girişimler Rönesans'ta ortaya çıktı. Bilim adamları, çalışmaları bir tür ideal yerleşim yaratmayı amaçlayan firavunların ve Roma imparatorlarının mahkemesinde çalışsalar da, burada sadece her şeyin açıkça hiyerarşiye uymadığı, aynı zamanda içinde yaşamanın rahat olacağı her iki hükümdar için de ve basit zanaatkar. En azından Akhetaten, Mohenjodaro'yu veya Stasicrates tarafından Büyük İskender'e önerilen ve kolunda bir şehir bulunan Athos Dağı'ndan bir komutanın heykelini oymayı önerdiği fantastik bir projeyi hatırlayın. Tek sorun, bu yerleşimlerin ya kağıt üzerinde kalması ya da yıkılmış olmasıydı. İdeal bir şehir tasarlama fikri sadece mimarların değil, birçok sanatçının da aklına geldi. Piero della Francesca, Giorgio Vasari, Luciano Laurana ve diğer birçok kişinin bu işle meşgul olduğuna dair referanslar var.

Piero della Francesco, çağdaşları tarafından öncelikle sanat üzerine incelemelerin yazarı olarak biliniyordu. Bunlardan sadece üçü bize ulaştı: "Abaküs Üzerine İnceleme", "Resimde Perspektif", "Beş Düzenli Beden". Her şeyin matematiksel hesaplamalara tabi olacağı ideal bir şehir yaratma sorusunu ilk kez gündeme getiren, net simetri yapıları vaat eden oydu. Bu nedenle birçok bilim adamı, Rönesans ilkelerine mükemmel bir şekilde uyan "İdeal bir şehir manzarası" imajını Pierrot'a atfeder.

Leon Battista Alberti, böylesine büyük ölçekli bir projenin uygulanmasına en çok yaklaşan kişi oldu. Doğru, fikrini bütünüyle gerçekleştirmeyi başaramadı, ancak arkasında çok sayıda çizim ve not bıraktı, buna göre diğer sanatçılar gelecekte Leon'un başaramadığı şeyi başarabildiler. Özellikle, Bernardo Rosselino, projelerinin birçoğunun uygulayıcısı olarak hareket etti. Ancak Leon, ilkelerini sadece yazılı olarak değil, inşa ettiği birçok bina örneğinde de uyguladı. Temel olarak, bunlar soylu aileler için tasarlanmış çok sayıda palazzo. Mimar, Mimarlık Üzerine adlı incelemesinde kendi ideal şehir örneğini ortaya koyuyor. Bilim adamı bu eseri ömrünün sonuna kadar yazmıştır. Ölümünden sonra basıldı ve mimarlığın sorunlarını ortaya koyan ilk basılı kitap oldu. Leon'a göre ideal şehir, insanın tüm ihtiyaçlarını yansıtmalı, tüm insani ihtiyaçlarına cevap vermelidir. Ve bu bir tesadüf değil, çünkü Rönesans'ta önde gelen felsefi düşünce insanmerkezci hümanizmdi. Şehir, hiyerarşik bir ilkeye veya istihdam türüne göre bölünecek mahallelere bölünmelidir. Merkezde, ana meydanda, şehir gücünün yoğunlaşacağı bir bina, ayrıca ana katedral ve soylu ailelerin ve şehir yöneticilerinin evleri var. Tüccarların ve zanaatkarların evleri kenar mahallelere daha yakındı ve sınırda fakirler yaşıyordu. Mimara göre böyle bir bina düzenlemesi, zenginlerin evleri fakir vatandaşların konutlarından ayrılacağı için çeşitli toplumsal huzursuzlukların ortaya çıkmasına engel oluyordu. Bir diğer önemli planlama ilkesi de, hem hükümdarın hem de din adamının bu şehirde rahat yaşayabilmesi için her kategorideki vatandaşın ihtiyaçlarını karşılaması gerektiğidir. Okul ve kütüphanelerden pazarlara ve termal banyolara kadar tüm binaları içermesi gerekiyordu. Bu tür binaların kamusal erişilebilirliği de önemlidir. İdeal bir şehrin tüm etik ve sosyal ilkelerini göz ardı etsek bile, o zaman dışsal, sanatsal değerler kalır. Düzen, şehrin düz sokaklarla net mahallelere bölündüğü düzenli olmalıydı. Genel olarak, tüm mimari yapılar geometrik şekillere tabi tutulmalı ve bir cetvel boyunca çizilmelidir. Kareler ya yuvarlak ya da dikdörtgen şeklindeydi. Bu ilkelere göre, Roma, Cenova, Napoli gibi eski şehirler, eski ortaçağ sokaklarının kısmen yıkılmasına ve yeni geniş mahallelerin inşasına tabi tutuldu.

Bazı incelemelerde, insanların boş zamanları hakkında benzer bir açıklama bulundu. Esas olarak erkek çocukları ilgilendiriyordu. Şehirlerde, oyun oynayan gençlerin, onları engel olmadan gözlemleyebilecek yetişkinlerin sürekli gözetimi altında olacağı türden oyun alanları ve kavşaklar inşa edilmesi önerildi. Bu önlemler, gençlerin sağduyusunu eğitmeyi amaçlıyordu.

Rönesans kültürü birçok yönden ideal şehrin yapısı üzerine daha fazla düşünmek için yiyecek sağladı. Bu özellikle hümanistler için geçerliydi. Onların dünya görüşüne göre, her şey bir kişi için, rahat varlığı için yaratılmalıdır. Bütün bu şartlar yerine getirildiğinde insan sosyal huzura ve manevi mutluluğa kavuşur. Bu nedenle, bu tür
toplum basitçe a priori olarak savaşlara veya isyanlara sahip olamaz. İnsanoğlu var olduğu süre boyunca böyle bir sonuca doğru ilerlemiştir. En azından Thomas More'un ünlü "Ütopya"sını veya George Orwell'in "1984"ünü hatırlayın. Bu tür eserler sadece işlevsel özellikleri etkilemekle kalmamış, aynı zamanda bir şehir, hatta belki de dünya değil, bu yörede yaşayan topluluğun ilişkileri, düzeni ve yapısı hakkında da fikir vermiştir. Ancak bu temeller 15. yüzyılda atıldı, bu nedenle Rönesans bilim adamlarının zamanlarının kapsamlı eğitimli insanları olduğunu rahatlıkla söyleyebiliriz.

Sevgili kullanıcılar! Elektronik bilimsel yayın "Kültüroloji Analitiği" sitesinde sizi ağırlamaktan mutluluk duyuyoruz.

Bu site bir arşivdir. Yerleştirme için makaleler kabul edilmez.

Elektronik bilimsel yayın "Kültürel Çalışmaların Analitiği", kültürel çalışmaların (kültür teorisi, kültür felsefesi, kültür sosyolojisi, kültür tarihi), metodolojisi, aksiyolojisi ve analitiğinin kavramsal temelleridir. Bu, bilimsel ve sosyal-bilimsel diyalog kültüründe yeni bir kelimedir.

"Kültüroloji Analitiği" elektronik bilimsel yayınında yayınlanan materyaller, Rusya Federasyonu Yüksek Tasdik Komisyonu'nun tezlerini (aday ve doktora) savunurken dikkate alınır. Bilimsel makaleler ve tezler yazarken, başvuru sahibi aşağıdakilere bağlantı sağlamakla yükümlüdür: bilimsel çalışma elektronik bilimsel dergilerde yayınlanmıştır.

dergi hakkında

Elektronik bilimsel yayın "Kültürel Çalışmaların Analitiği" bir ağ elektronik yayınıdır ve 2004'ten beri yayınlanmaktadır. Bilimsel makaleler yayınlar ve kısa mesajlar, kültürel çalışmalar ve ilgili bilimler alanındaki başarıları yansıtır.

Bu yayın, bilim adamlarına, öğretmenlere, lisansüstü öğrencilere ve öğrencilere, federal ve bölgesel hükümet organlarının ve yerel yönetim yapılarının çalışanlarına, tüm kültürel yönetici kategorilerine yöneliktir.

Tüm yayınlar incelenir. Dergiye erişim ücretsizdir.

Dergi hakemlidir, Rusya Bilimler Akademisi ve MGUKI'nin önde gelen uzmanları tarafından yapılan incelemeden geçmiştir, bununla ilgili bilgiler çevrimiçi veritabanlarına yerleştirilmiştir.

Elektronik bilimsel yayın "Kültürel Çalışmaların Analitiği" faaliyetlerinde Tambov'un potansiyeline ve geleneklerine dayanmaktadır. Devlet Üniversitesi onlara. G.R. Derzhavin.

Federal Kitle İletişim, İletişim ve Güvenlik Denetleme Servisi tarafından tescil edilmiştir kültürel Miras 22 Mayıs 2008 tarihli kitle iletişim araçları kayıt sertifikası El No. FS 77-32051

Batı Avrupa mimarisinde klasisizm

İtalyanlara bırakalım.

Sahte parlaklığıyla boş gelin teli.

Toplam anlam daha önemli ama ona gelmek için,

Engelleri ve yolları aşmamız gerekecek,

İşaretli yolu kesinlikle izleyin:

Bazen aklın tek bir yolu vardır...

Anlamı hakkında düşünmeli ve ancak o zaman yazmalısın!

N. Boileau. "Şiir Sanatı".

V. Lipetskaya'nın çevirisi

Çağdaşlarına klasisizmin ana ideologlarından biri olan şair Nicolas Boileau'yu (1636-1711) böyle öğretti. Klasisizmin katı kuralları, Corneille ve Racine'in trajedilerinde, Molière'in komedilerinde ve La Fontaine'in hicivlerinde, Lully'nin müziğinde ve Poussin'in tablosunda, Paris saraylarının ve topluluklarının mimarisi ve dekorasyonunda somutlaştı...

Klasisizm en açık şekilde, eski kültürün en iyi başarılarına - bir düzen sistemi, katı simetri, kompozisyonun parçalarının net bir orantılılığı ve bunların genel fikre tabi kılınması - odaklanan mimari eserlerinde kendini gösterdi. Klasik mimarinin "sade tarzı", ideal "asil sadelik ve sakin ihtişam" formülünü görsel olarak somutlaştırmayı amaçlıyor gibiydi. Klasisizmin mimari yapılarına, oranların sakin bir uyumu olan basit ve net formlar hakim oldu. Nesnenin ana hatlarını tekrarlayan düz çizgiler, göze batmayan dekor tercih edildi. İşçiliğin sadeliği ve asaleti, pratikliği ve uygunluğu her şeyi etkiledi.

Rönesans mimarlarının "ideal şehir" hakkındaki fikirlerine dayanarak, klasisizm mimarları, kesinlikle tek bir geometrik plana tabi olan yeni bir tür görkemli saray ve park topluluğu yarattılar. Bu zamanın seçkin mimari yapılarından biri, Fransız krallarının Paris'in eteklerindeki ikametgahı olan Versailles Sarayı idi.

Versay'ın "Peri Rüyası"

19. yüzyılın ortalarında Versay'ı ziyaret eden Mark Twain.

“İnsanların ekmeğe doymadığı bir dönemde Versailles'a 200 milyon dolar harcayan XIV.Louis'i azarladım ama şimdi onu affettim. Olağanüstü güzel! Bakıyorsun, sadece gözlerini aç ve cennet bahçelerinde değil, dünyada olduğunu anlamaya çalış. Ve bunun bir aldatmaca, sadece muhteşem bir rüya olduğuna inanmaya neredeyse hazırsınız.

Gerçekten de Versailles'ın "masal rüyası", düzenli yerleşim düzeninin ölçeği, cephelerin muhteşem ihtişamı ve iç mekanların dekoratif dekorasyonunun parlaklığı ile hala hayrete düşürüyor. Versailles, rasyonel olarak düzenlenmiş bir dünya modeli fikrini ifade eden, klasisizmin büyük resmi mimarisinin görünür bir düzenlemesi haline geldi.

Yüz hektarlık arazi son derece Kısa bir zaman(1666-1680) Fransız aristokrasisine yönelik bir cennet parçasına dönüştürüldü. Mimarlar Louis Leveaux (1612-1670), Jules Hardouin-Mansart (1646-1708) ve André Le Notre(1613-1700). Birkaç yıl boyunca yeniden inşa ettiler ve mimarisinde çok şey değiştirdiler, öyle ki şu anda birkaç mimari katmanın karmaşık bir birleşimi, soğurucu. karakter özellikleri klasisizm.

Versay'ın merkezi, birbirine yaklaşan üç caddenin çıktığı Büyük Saray'dır. Belli bir kotta yer alan saray, bölgeye hakim bir konuma sahiptir. Yaratıcıları, cephenin neredeyse yarım kilometrelik uzunluğunu merkezi bir kısma ve iki yan kanada ayırdı - risalit, ona özel bir ciddiyet kazandırdı. Cephe üç kat ile temsil edilmektedir. Masif bir kaide rolü oynayan ilki, İtalyan Rönesans sarayları-palazzoları modelinde rustik bir şekilde dekore edilmiştir. İkinci cephede, aralarında İyon sütunları ve pilasterlerin bulunduğu yüksek kemerli pencereler vardır. Binayı taçlandıran katman, sarayın görünümüne anıtsallık kazandırır: kısaltılır ve binaya özel bir zarafet ve hafiflik veren heykelsi gruplarla sona erer. Cephedeki pencerelerin, sütunların ve sütunların ritmi, onun klasik kemer sıkma ve ihtişamını vurgular. Molière'in Versay Büyük Sarayı hakkında şunları söylemesi tesadüf değil:

"Sarayın sanatsal dekorasyonu, doğanın ona verdiği mükemmellikle o kadar uyumlu ki, ona büyülü bir kale denilebilir."

iç mekanlar büyük Saray Barok tarzında dekore edilmiş: heykelsi süslemeler, yaldızlı sıva ve oymalar şeklinde zengin dekor, birçok ayna ve zarif mobilyalarla doludur. Duvarlar ve tavanlar, net geometrik desenlere sahip renkli mermer plakalarla kaplanmıştır: kareler, dikdörtgenler ve daireler. Pitoresk paneller ve duvar halıları mitolojik temalar Kral Louis XIV'ü yüceltin. Yaldızlı masif bronz avizeler, zenginlik ve lüks izlenimini tamamlıyor.

Sarayın salonları (yaklaşık 700 tane var) sonsuz alevler oluşturur ve tören alayları, muhteşem şenlikler ve maskeli balolar için tasarlanmıştır. Sarayın en büyük tören salonu olan Ayna Galerisi'nde (73 m uzunluğunda) yeni mekansal ve ışıklandırma efektleri arayışı açıkça gösteriliyor. Salonun bir tarafındaki pencereler, diğer tarafındaki aynalarla eşleştirilmiştir. Güneş ışığı veya yapay aydınlatma altında, dört yüz ayna, büyülü bir yansıma oyunu ile olağanüstü bir mekansal etki yarattı.

Charles Lebrun'un (1619-1690) Versailles ve Louvre'daki dekoratif kompozisyonları, törensel ihtişamlarıyla dikkat çekiyordu. Yüksek rütbeli kişilerin görkemli övgülerini içeren, ilan ettiği "tutkuları tasvir etme yöntemi", sanatçıya baş döndürücü bir başarı getirdi. 1662'de kralın ilk ressamı ve ardından kraliyet duvar halısı fabrikasının (el dokuması halı resimleri veya duvar halıları) müdürü ve Versay Sarayı'ndaki tüm dekoratif işlerin başı oldu. Sarayın Ayna Galerisinde Lebrun resim yaptı.

"Güneş Kralı" Louis XIV'in saltanatını yücelten mitolojik temalar üzerine birçok alegorik kompozisyonun bulunduğu yaldızlı bir tavan. Barok'un pitoresk alegorileri ve nitelikleri, parlak renkleri ve dekoratif efektleri, klasisizm mimarisiyle açıkça tezat oluşturuyordu.

Kral yatak odası sarayın orta kısmında yer alır ve Doğan güneş. Buradan, bir noktadan yayılan ve sembolik olarak devlet gücünün ana merkezini hatırlatan üç otoyol manzarası açıldı. Balkondan kralın manzarası Versailles parkının tüm güzelliğini gözler önüne seriyordu. Ana yaratıcısı Andre Le Nôtre, mimarlık ve bahçecilik sanatının unsurlarını birbirine bağlamayı başardı. Doğa ile birlik fikrini ifade eden peyzaj (İngiliz) parklarının aksine, düzenli (Fransız) parklar, doğayı sanatçının irade ve niyetlerine tabi kıldı. Versailles parkı, netliği ve rasyonel mekan organizasyonu ile etkiliyor, çizimi, bir pusula ve cetvel yardımıyla mimar tarafından doğru bir şekilde doğrulanıyor.

Parkın sokakları, saray salonlarının devamı gibi algılanıyor, her biri bir rezervuarla bitiyor. Birçok havuz doğru geometrik şekle sahiptir. Gün batımından önceki saatlerde pürüzsüz su aynaları, güneş ışınlarını ve küp, koni, silindir veya top şeklinde budanmış çalılar ve ağaçların oluşturduğu tuhaf gölgeleri yansıtır. Yeşillik bazen sağlam, aşılmaz duvarlar, bazen yapay nişlerde heykel kompozisyonları, hermler (bir baş veya büst ile taçlandırılmış dört yüzlü sütunlar) ve ince su jetleri basamaklı çok sayıda vazo bulunan geniş galeriler oluşturur. Ünlü ustalar tarafından yapılan çeşmelerin alegorik plastikliği, mutlak hükümdarın saltanatını yüceltmek için tasarlanmıştır. "Güneş Kralı" içlerinde ya tanrı Apollon ya da Neptün kılığında, bir arabada sudan çıkarken ya da serin bir mağarada periler arasında dinlenirken göründü.

Pürüzsüz çim halıları, tuhaf çiçek süslemeli parlak ve renkli renklerle hayranlık uyandırıyor. Vazolarda (yaklaşık 150 bin tane vardı), Versailles yılın herhangi bir zamanında sürekli çiçek açacak şekilde değiştirilmiş taze çiçekler vardı. Parkın yolları renkli kumlarla kaplıdır. Bazıları güneşte parıldayan porselen yongalarla kaplıydı. Doğanın tüm bu ihtişamı ve ihtişamı, seralardan yayılan badem, yasemin, nar ve limon kokularıyla tamamlanıyordu.

Bu parkta doğa vardı

Sanki cansız;

Yüce bir sone ile sanki,

Otlarla uğraşıyorlardı.

Dans yok, tatlı ahududu yok,

Le Notre ve Jean Lully

Bahçelerde ve düzensizlik danslarında

Dayanamadım.

Porsuklar trans halindeymiş gibi dondu,

Çalılar dizilmiş,

Ve reverans

Öğrenilmiş çiçekler.

E. L. Lipetskaya'dan V. Hugo Çevirisi

1790'da Versay'ı ziyaret eden N. M. Karamzin (1766-1826), Bir Rus Gezginin Mektupları'nda izlenimlerini şöyle anlatır:

“Parçaların uçsuz bucaksızlığı, mükemmel uyumu, bütünün hareketi: ressamın fırçayla tasvir edemeyeceği şey budur!

Bahçelere gidelim, cesur dehanın her yerde gururlu Sanat tahtına yerleştirdiği Le Nôtre'nin ve fakir bir köle gibi alçakgönüllü Na-tura'nın onu ayaklarının dibine fırlattığı Le Nôtre'nin yaratılışı ...

O halde Doğayı Versailles bahçelerinde aramayın; ama burada, her adımda Sanat, gözleri büyüler..."

Paris'in mimari toplulukları. imparatorluk

17.-18. yüzyılların başında Versay'daki ana inşaat işinin tamamlanmasının ardından, André Le Nôtre denize açıldı. şiddetli aktivite Paris'in yeniden gelişimi için. Tuileries Parkı'nın dökümünü, merkezi ekseni Louvre topluluğunun uzunlamasına ekseninin devamı üzerine net bir şekilde sabitleyerek gerçekleştirdi. Le Nôtre'den sonra Louvre nihayet yeniden inşa edildi, Place de la Concorde yaratıldı. Paris'in büyük ekseni, ihtişamın, görkemin ve görkemin gereksinimlerini karşılayan şehrin bambaşka bir yorumunu veriyordu. Açık kentsel alanların bileşimi, mimari olarak tasarlanmış sokaklar ve meydanlar sistemi, Paris'in planlanmasında belirleyici faktör haline geldi. Tek bir bütün halinde birbirine bağlanan cadde ve meydanların geometrik örüntünün netliği uzun yıllarşehir planının mükemmelliğini ve şehir plancısının becerisini değerlendirmek için bir kriter haline gelecektir. Dünyadaki birçok şehir daha sonra klasik Paris modelinin etkisini yaşayacak.

Bir kişi üzerindeki mimari etkinin bir nesnesi olarak yeni bir şehir anlayışı, kentsel topluluklar üzerine yapılan çalışmalarda net bir ifade bulur. Yapım sürecinde, klasisizmin kentsel planlamasının ana ve temel ilkeleri ana hatlarıyla belirlendi - uzayda serbest gelişme ve çevre ile organik bağlantı. Kentsel gelişme kaosunun üstesinden gelen mimarlar, özgür ve engelsiz bir görüş için tasarlanmış topluluklar yaratmaya çalıştılar.

Rönesans'ın "ideal bir şehir" yaratma hayalleri, sınırları artık belirli binaların cepheleri değil, ona bitişik sokaklar ve mahalleler, parklar veya bahçeler olan yeni bir tür meydanın oluşumunda somutlaştırıldı. nehir yatağı. Mimarlık, yalnızca doğrudan komşu binalara değil, aynı zamanda şehrin çok uzak noktalarına da belirli bir topluluk birliği içinde bağlanmayı amaçlamaktadır.

18. yüzyılın ikinci yarısı ve 19. yüzyılın ilk üçte biri. Fransa'da kutlandı yeni aşama klasisizmin gelişimi ve Avrupa ülkelerindeki dağılımı - neoklasizm. Büyük'ten sonra Fransız devrimi ve 1812 Vatanseverlik Savaşı, şehir planlamasında zamanlarının ruhuna uygun yeni öncelikler ortaya çıktı. En çarpıcı ifadeyi Empire üslubunda buldular. Aşağıdaki özelliklerle karakterize edildi: emperyal ihtişamın törensel dokunuşları, anıtsallık, emperyal Roma sanatına çekicilik ve Antik Mısır, Roma'nın niteliklerinin kullanımı askeri tarih ana dekoratif motifler olarak.

yeninin özü sanatsal tarz Napolyon Bonapart'ın önemli sözlerinde çok doğru bir şekilde aktarılmıştır:

"Gücü seviyorum ama bir sanatçı olarak... Ondan sesler, akorlar, ahenkler çıkarmayı seviyorum."

İmparatorluk stili Napolyon'un siyasi gücünün ve askeri ihtişamının kişileşmesi oldu, kültünün bir tür tezahürü oldu. Yeni ideoloji, yeni zamanın siyasi çıkarlarını ve sanatsal zevklerini tam olarak karşıladı. Her yerde açık meydanlar, geniş caddeler ve caddelerden oluşan büyük mimari topluluklar yaratıldı, imparatorluğun ihtişamını ve gücün gücünü gösteren köprüler, anıtlar ve kamu binaları dikildi.

Örneğin Austerlitz köprüsü, Napolyon'un büyük savaşını anımsatıyordu ve Bastille'in taşlarından inşa edilmişti. Carruzel Yerinde inşaa edilmiş Zafer Kemeri Austerlitz'deki zaferin şerefine. Birbirinden oldukça uzak olan iki kare (Rıza ve Yıldızlar), mimari perspektiflerle birbirine bağlandı.

Aziz Genevieve Kilisesi J. J. Soufflot tarafından dikilen , Fransa'nın büyük halkının dinlenme yeri olan Pantheon oldu. O zamanın en görkemli anıtlarından biri, Büyük Ordu'nun Place Vendôme'daki sütunudur. Trajan'ın antik Roma sütununa benzer şekilde, mimarlar J. Gonduin ve J. B. Leper'in planına göre, Yeni İmparatorluğun ruhunu ve Napolyon'un büyüklüğe olan susuzluğunu ifade etmesi gerekiyordu.

Sarayların ve kamu binalarının iç parlak dekorasyonunda, ciddiyet ve görkemli kendini beğenmişlik özellikle çok değerliydi, dekorları genellikle askeri gereçlerle aşırı yükleniyordu. Baskın motifler zıt renk kombinasyonları, Roma ve Mısır süsleme unsurlarıydı: kartallar, grifonlar, çömlekler, çelenkler, meşaleler, groteskler. İmparatorluk tarzı, en açık şekilde Louvre ve Malmaison imparatorluk konutlarının iç mekanlarında kendini gösterdi.

Napolyon Bonapart dönemi 1815'te sona erdi ve çok geçmeden ideolojisini ve zevklerini aktif olarak ortadan kaldırmaya başladılar. "Bir rüya gibi kaybolan" İmparatorluktan, eski büyüklüğüne açıkça tanıklık eden İmparatorluk tarzında sanat eserleri vardı.

Sorular ve görevler

1. Versay neden olağanüstü eserlere atfedilebilir?

XVIII.Yüzyıl klasisizminin kentsel planlama fikirleri olarak. pratik uygulamalarını bulmuşlardır. mimari topluluklar Paris, örneğin Place de la Concorde? Onu 17. yüzyılda Roma'nın Piazza del Popolo (bkz. s. 74) gibi İtalyan Barok meydanlarından ayıran nedir?

2. Barok ve klasisizm arasındaki bağlantı nasıl ifade buldu? Klasisizm baroktan hangi fikirleri miras aldı?

3. İmparatorluk tarzının ortaya çıkışının tarihsel arka planı nedir? Sanat eserlerinde zamanının hangi yeni fikirlerini ifade etmeye çalıştı? Hangi sanatsal ilkelere dayanıyor?

yaratıcı atölye

1. Sınıf arkadaşlarınıza rehberli bir Versay turu verin. Hazırlanması için internetten video materyalleri kullanabilirsiniz. Versay ve Peterhof parkları sıklıkla karşılaştırılır. Sizce bu tür karşılaştırmaların dayanağı nedir?

2. Rönesans döneminin “ideal şehir” imajını Paris'in (St. Petersburg veya banliyöleri) klasik topluluklarıyla karşılaştırmaya çalışın.

3. Tasarımı karşılaştırın iç dekorasyon Fontainebleau'daki Francis I galerisinin (iç mekanları) ve Versay Ayna Galerisi.

4. Rus ressam A. N. Benois'in (1870-1960) “Versailles” döngüsünden resimlerini tanıyın. Kralın Yürüyüşü” (bkz. s. 74). Fransız kralı Louis XIV'in mahkeme yaşamının genel atmosferini nasıl aktarıyorlar? Neden tuhaf resim-semboller olarak kabul edilebilirler?

Proje konuları, özetler veya mesajlar

"17.-18. Yüzyıl Fransız Mimarisinde Klasisizm Oluşumu"; "Dünyanın uyum ve güzelliğinin bir modeli olarak Versay"; "Versay'da dolaşmak: sarayın bileşimi ile parkın düzeni arasındaki bağlantı"; "Batı Avrupa klasisizm mimarisinin şaheserleri"; "Fransa mimarisinde Napolyon İmparatorluğu"; "Versay ve Peterhof: deneyim karşılaştırmalı özellikler»; « Sanatsal keşifler Paris'in mimari topluluklarında”; "Paris meydanları ve şehrin düzenli planlamasının ilkelerinin geliştirilmesi"; "Paris'teki Invalides katedralinin kompozisyonunun netliği ve hacim dengesi"; "Concord Meydanı, klasisizm şehir planlama fikirlerinin gelişmesinde yeni bir aşamadır"; "J. Soufflot'un yazdığı St. Genevieve (Pantheon) kilisesinin ciltlerinin şiddetli ifadesi ve dekorunun cimriliği"; "Batı Avrupa ülkelerinin mimarisinde klasisizmin özellikleri"; "Batı Avrupa klasisizminin seçkin mimarları".

Ek okuma için kitaplar

Arkın D. E. Mimari imgeler ve heykel imgeleri. M., 1990. Kantor A. M. ve diğerleri, XVIII.Yüzyıl sanatı. M., 1977. (Küçük sanat tarihi).

Klasisizm ve Romantizm: Mimarlık. Heykel. Tablo. Çizim / ed. R. Toman. M., 2000.

Kozhina E.F. 18. yüzyıl Fransa sanatı. L., 1971.

LenotrJ. Versailles'ın krallar altında günlük hayatı. M., 2003.

Miretskaya N. V., Miretskaya E. V., Shakirova I. P. Aydınlanma Kültürü. M., 1996.

Watkin D. Batı Avrupa mimarisinin tarihi. M., 1999. Fedotova E.D. Napolyon İmparatorluğu. M., 2008.

Materyal hazırlanırken “Dünya” ders kitabının metni Sanat kültürü. 18. yüzyıldan günümüze” (Yazar Danilova G. I.).

Rönesans sanatı

Rönesans- bu, tiyatro, edebiyat ve müzik de dahil olmak üzere tüm sanatların altın çağıdır, ancak şüphesiz, zamanının ruhunu en iyi şekilde ifade eden, aralarındaki ana güzel sanatlardı.

Rönesans'ın, sanatçıların artık baskın "Bizans" üslubunun çerçevesinden memnun kalmamaları ve çalışmaları için model ararken ilk dönenlerin olmaları gerçeğiyle başladığına dair bir teori olması tesadüf değildir. antik çağa. "Rönesans" (Rönesans) terimi, dönemin düşünürü ve sanatçısı Giorgio Vasari ("Ünlü ressamların, heykeltraşların ve mimarların biyografisi") tarafından tanıtıldı. Bu yüzden zamanı 1250'den 1550'ye çağırdı. Onun bakış açısından bu, antik çağın canlanma zamanıydı. Vasari için antik dönem ideal bir şekilde ortaya çıkıyor.

Gelecekte, terimin içeriği gelişti. Canlanma, bilim ve sanatın teolojiden özgürleşmesi, Hıristiyan etiğine karşı bir soğuma, ulusal edebiyatların doğuşu, insanın Katolik Kilisesi'nin kısıtlamalarından kurtulma arzusu anlamına gelmeye başladı. Yani, özünde Rönesans şu anlama gelmeye başladı: hümanizm.

CANLANMA, RÖNESANS(Fransız rönesansı - yeniden doğuş) - en büyük çağlardan biri, Orta Çağ ile yeni zaman arasındaki dünya sanatının gelişiminde bir dönüm noktası. Rönesans, XIV-XVI yüzyıllarını kapsar. İtalya'da, XV-XVI yüzyıllar. diğer Avrupa ülkelerinde. Adı - Rönesans (veya Rönesans) - kültürün gelişimindeki bu dönem, ilginin yeniden canlanmasıyla bağlantılı olarak alındı. tarihi Sanat. Ancak o zamanın sanatçıları sadece eski kalıpları kopyalamakla kalmadı, aynı zamanda onlara niteliksel olarak yeni bir içerik koydu. Rönesans, sanatsal bir tarz veya yön olarak görülmemelidir, çünkü bu dönemde çeşitli sanatsal tarzlar, eğilimler, akımlar vardı. Rönesans'ın estetik ideali, yeni bir ilerici dünya görüşü olan hümanizm temelinde şekillendi. Gerçek dünya ve insan en yüksek değer ilan edildi: İnsan her şeyin ölçüsüdür. Özellikle yaratıcı kişinin rolü artmıştır.

Dönemin hümanist duygusu en iyi, önceki yüzyıllarda olduğu gibi evrenin bir resmini vermeyi amaçlayan sanatta somutlaştı. Yeni olan, maddi ve manevi olanı bir bütün halinde birleştirmeye çalışmalarıydı. Sanata kayıtsız birini bulmak zordu ama tercih edildi güzel Sanatlar ve mimari.

15. yüzyıl İtalyan tablosu çoğunlukla anıtsal (freskler). Resim, güzel sanatlar türleri arasında önde gelen bir yer tutar. Rönesans'ın "doğayı taklit etme" ilkesine tam olarak karşılık gelir. Doğanın incelenmesi temelinde yeni bir görsel sistem oluşturulur. Sanatçı Masaccio, hacim anlayışının gelişimine, ışık-gölgenin yardımıyla aktarımına değerli bir katkı yaptı. Doğrusal yasaların keşfi ve bilimsel olarak doğrulanması ve hava perspektifi Avrupa resminin sonraki kaderini önemli ölçüde etkiledi. Yeni bir plastik heykel dili oluşuyor, kurucusu Donatello idi. Serbest duran yuvarlak heykeli canlandırdı. En iyi eseri David heykelidir (Floransa).

Mimaride kadim düzen sisteminin ilkeleri yeniden canlandırılmakta, oranların önemi yükseltilmekte, yeni yapı türleri (şehir sarayı, kır villası vb.) oluşturulmakta, mimarlık kuramı ve ideal kent kavramı irdelenmektedir. geliştirilmekte. Mimar Brunelleschi, antik mimarlık anlayışı ile geç Gotik geleneklerini birleştirdiği binalar inşa ederek, mimaride eskilerin bilmediği yeni bir figüratif maneviyat elde etti. Yüksek Rönesans sırasında, yeni dünya görüşü en iyi şekilde haklı olarak dahiler olarak adlandırılan sanatçıların çalışmalarında somutlaştırıldı: Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione ve Titian. 16. yüzyılın son üçte ikisi geç Rönesans denir. Şu anda kriz sanatı kapsıyor. Düzenlenir, kibarlaşır, sıcaklığını ve doğallığını kaybeder. Bununla birlikte, bireysel büyük sanatçılar - Titian, Tintoretto bu dönemde başyapıtlar yaratmaya devam ediyor.

İtalyan Rönesansı, Fransa, İspanya, Almanya, İngiltere ve Rusya'nın sanatı üzerinde büyük bir etkiye sahipti.

Hollanda, Fransa ve Almanya sanatının gelişmesinde görülen yükseliş (XV-XVI yüzyıllar) Kuzey Rönesansı olarak adlandırılır. Ressam Jan van Eyck, P. Brueghel the Elder'ın çalışmaları, sanatın gelişiminde bu dönemin zirvesidir. Almanya'da A. Dürer, Alman Rönesansının en büyük sanatçısıydı.

Rönesans döneminde manevi kültür ve sanat alanında yapılan keşifler, sonraki yüzyıllarda Avrupa sanatının gelişimi için büyük tarihsel öneme sahipti. Onlara olan ilgi bugüne kadar devam ediyor.

İtalya'daki Rönesans birkaç aşamadan geçti: erken Rönesans, yüksek Rönesans, geç Rönesans. Floransa, Rönesans'ın doğum yeri oldu. Yeni sanatın temelleri ressam Masaccio, heykeltıraş Donatello ve mimar F. Brunelleschi tarafından geliştirildi.

İkonlar yerine resimler yaratan ilk kişi, Proto-Rönesans'ın en büyük ustasıydı. Giotto. Sembolizmi gerçek alan ve belirli nesnelerin tasviriyle değiştirerek, gerçek insan duygu ve deneyimlerinin tasviri yoluyla Hristiyan etik fikirlerini aktarmaya çalışan ilk kişi oydu. Giotto'nun ünlü fresklerinde Padua'daki Arena Şapeli azizlerin yanında oldukça sıra dışı karakterler görebilirsiniz: çobanlar veya bir iplikçi. Giotto'daki her bir kişi oldukça belirli deneyimleri, belirli bir karakteri ifade eder.

Sanatta erken Rönesans döneminde, eski sanatsal mirasın gelişimi gerçekleşir, yeni etik idealler oluşur, sanatçılar bilimin başarılarına (matematik, geometri, optik, anatomi) yönelirler. Erken Rönesans sanatının ideolojik ve üslup ilkelerinin oluşumunda öncü rol, Floransa. Donatello, Verrocchio gibi ustaların yarattığı görüntülerde, Donatello'nun atlı condottiere Gattamelata David heykeli, kahramanlık ve vatanseverlik ilkelerine (Donatello'dan "St. George" ve "David" ve Verrocchio'dan "David") hakimdir.

Masaccio, Rönesans resminin kurucusudur.(Brancacci Şapeli'ndeki duvar resimleri, "Teslis"), Masaccio, uzayın derinliğini aktarmayı başardı, figürü ve manzarayı tek bir kompozisyon fikriyle birleştirdi ve bireylere portre ifade gücü verdi.

Ancak Rönesans kültürünün insana olan ilgisini yansıtan resimli portrenin oluşumu ve evrimi, Umrbi ekolünün sanatçılarının isimleriyle ilişkilendirilir: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Sanatçının çalışmaları erken Rönesans'ta ayrı duruyor Sandro Boticelli. Yarattığı imgeler ruhani ve şiirsel. Araştırmacılar, sanatçının çalışmalarındaki soyutlama ve incelikli entelektüelliğe, karmaşık ve şifreli içeriğe sahip mitolojik kompozisyonlar yaratma arzusuna ("Bahar", "Venüs'ün Doğuşu") dikkat çekiyor. Botticelli'nin biyografi yazarlarından biri, Madonnas ve Venüs'ün izlenimi verdiğini söyledi. kayıp, bizde silinmez bir hüzün duygusuna neden oluyor... Bazıları gökyüzünü, diğerleri - dünyayı kaybetti.

"Bahar" "Venüs'ün Doğuşu"

İtalyan Rönesansının ideolojik ve sanatsal ilkelerinin gelişiminin doruk noktası, Yüksek Rönesans. Yüksek Rönesans sanatının kurucusu Leonardo da Vinci'dir - Büyük sanatçı ve bilim adamı.

Bir dizi başyapıt yarattı: "Mona Lisa" ("La Gioconda") Kesin olarak, Gioconda'nın yüzü, dünya çapında ününü yaratan ve daha sonra eserlerinin vazgeçilmez bir parçası haline gelen gülümsemesi, kısıtlama ve sakinlik ile ayırt edilir. Leonardo okulunun özellikleri onda neredeyse hiç fark edilmiyor. Ancak yüzü ve figürü saran yumuşakça eriyen pus içinde Leonardo, insan yüz ifadelerinin sınırsız değişkenliğini hissettirmeyi başardı. Gioconda'nın gözleri dikkatli ve sakin bir şekilde izleyiciye baksa da, göz yuvalarının gölgelenmesi nedeniyle hafifçe kaşlarını çattığı düşünülebilir; dudakları sıkıştırılmış, ancak köşelerinde zar zor algılanan gölgeler, sizi her dakika açılacaklarına, gülümseyeceklerine, konuşacaklarına inandırıyor. Bakışları ile dudaklarındaki yarım gülümseme arasındaki zıtlık, deneyimlerinin çelişkili doğası hakkında bir fikir veriyor. Leonardo'nun modeline uzun seanslarla işkence etmesi boşuna değildi. Hiç kimse gibi, bu resimde gölgeleri, gölgeleri ve yarı tonları aktarmayı başardı ve bunlar titreyen bir yaşam hissine yol açtı. Vasari'nin Mona Lisa'nın boynunda bir damarın nasıl attığını görebileceğinizi düşünmesine şaşmamalı.

Gioconda'nın portresinde Leonardo, yalnızca vücudu ve onu saran hava ortamını mükemmel bir şekilde aktarmakla kalmadı. Ayrıca, bir resmin uyumlu bir izlenim yaratması için gözün neye ihtiyacı olduğuna dair bir anlayış da ekledi; bu nedenle her şey, müzikte gergin bir uyumsuzluk çözüldüğünde olduğu gibi, formlar doğal olarak birbirinden doğuyormuş gibi görünür. ahenkli bir akor ile. Gioconda, kesinlikle orantılı bir dikdörtgenin içine mükemmel bir şekilde yazılmıştır, yarım figürü bütün bir şeyi oluşturur, katlanmış eller imajına bütünlük verir. Şimdi, elbette, erken Müjde'nin tuhaf bukleleri söz konusu olamazdı. Ancak tüm konturlar ne kadar yumuşatılmış olursa olsun, Gioconda'nın dalgalı saç tutamı şeffaf duvağıyla uyum içindedir ve omzuna atılan sarkan kumaş, uzak yolun düzgün kıvrımlarında yankı bulur. Bütün bunlarda Leonardo, ritim ve uyum yasalarına göre yaratma yeteneğini gösterir. “Teknik açısından, Mona Lisa her zaman açıklanamaz bir şey olarak görülmüştür. Şimdi sanırım bu bilmeceyi cevaplayabilirim,” diyor Frank. Ona göre Leonardo, geliştirdiği "sfumato" (İtalyanca "sfumato", kelimenin tam anlamıyla - "duman gibi kayboldu") tekniğini kullandı. İşin püf noktası, resimlerdeki nesnelerin net sınırları olmamalı, her şey sorunsuz bir şekilde birinden diğerine geçiş yapmalı, nesnelerin ana hatları, onları çevreleyen hafif hava pusunun yardımıyla yumuşatılmalıdır. Bu tekniğin ana zorluğu, ne mikroskop altında ne de X-ışınları kullanılarak tanınamayan en küçük vuruşlarda (yaklaşık bir milimetrenin dörtte biri) yatmaktadır. Bu nedenle, bir da Vinci tablosunu yapmak birkaç yüz seans aldı. Mona Lisa'nın görüntüsü, yaklaşık 30 kat sıvı, neredeyse şeffaf yağlı boyadan oluşur. Görünüşe göre sanatçının bu tür mücevher işleri için bir büyüteç kullanması gerekiyordu. Belki de bu kadar zahmetli bir tekniğin kullanılması, portre üzerinde harcanan uzun süreyi - neredeyse 4 yıl - açıklıyor.

, "Son Akşam Yemeği" kalıcı bir izlenim bırakır. Duvarda, sanki üstesinden geliyor ve izleyiciyi uyum ve görkemli vizyonlar dünyasına götürüyormuş gibi, aldatılmış güvenin eski müjde draması ortaya çıkıyor. Ve bu dram, ana karaktere - olanları kaçınılmaz olarak kabul eden kederli bir yüze sahip bir kocaya - yönelik genel bir dürtüde çözümünü bulur. Mesih öğrencilerine, "İçinizden biri bana ihanet edecek" demişti. Hain diğerlerinin yanında oturur; eski ustalar Yahuda'yı ayrı otururken tasvir ettiler, ancak Leonardo onun kasvetli yalnızlığını çok daha inandırıcı bir şekilde ortaya çıkardı ve yüz hatlarını bir gölgeyle örttü. Mesih, kaderine boyun eğiyor, başarısının fedakarlığının bilinciyle dolu. Eğik başı, gözleri yere eğik, ellerinin hareketi sonsuz derecede güzel ve görkemli. Figürünün arkasındaki pencereden büyüleyici bir manzara açılıyor. Mesih, tüm kompozisyonun, ortalığı kasıp kavuran tüm bu tutku girdabının merkezidir. Üzüntüsü ve sakinliği, olduğu gibi, ebedi, doğaldır - ve gösterilen dramanın derin anlamı budur.Doğada mükemmel sanat biçimlerinin kaynaklarını arıyordu, ancak N. Berdyaev, yaklaşan süreçten onu sorumlu görüyor. insanı doğadan koparan insan yaşamının mekanizasyonu ve mekanizasyonu.

Resim, yaratıcılıkta klasik uyumu yakalar Raphael. Sanatı, Madonnas'ın (Madonna Conestabile) ilk soğuk Umbria imgelerinden Floransa ve Roma eserlerinin "mutlu Hıristiyanlık" dünyasına doğru evrildi. "Saka Kuşlu Madonna" ve "Koltuktaki Madonna", insanlıkları açısından yumuşak, insancıl ve hatta sıradandır.

Ancak "Sistine Madonna" imajı görkemli, sembolik olarak göksel ve dünyevi dünyaları birbirine bağlıyor. En önemlisi, Raphael, Madonnas'ın nazik görüntülerinin yaratıcısı olarak bilinir. Ancak resimde hem Rönesans evrensel insanın idealini (Castiglione'nin portresi) hem de tarihsel olayların dramasını somutlaştırdı. Sistine Madonna (yaklaşık 1513, Dresden, Sanat Galerisi), sanatçının en ilham verici eserlerinden biridir. St.Petersburg manastırının kilisesi için bir sunak olarak yazılmıştır. Piacenza'daki Sixtus, bu tablo, görüntünün tasarımı, kompozisyonu ve yorumu açısından, Floransa döneminin Madonnalarından önemli ölçüde farklıdır. Güzel bir genç kızın küçümseyici bir şekilde iki bebeğin eğlencelerini takip ettiği mahrem ve dünyevi bir görüntü yerine, birisinin araladığı bir perde sayesinde aniden gökyüzünde beliren harika bir görüntüyle karşı karşıyayız. Altın bir ışıltıyla çevrili, ciddi ve görkemli Meryem, İsa çocuğunu önünde tutarak bulutların arasından yürüyor. Sol ve sağ onun St. Sixtus ve St. Barbara. Simetrik, kesinlikle dengeli kompozisyon, siluetin netliği ve formların anıtsal genelleştirilmesi Sistine Madonna'ya özel bir ihtişam kazandırıyor.

Bu resimde Raphael, belki de başka herhangi bir yerden daha büyük ölçüde, görüntünün gerçeğe yakın gerçekliğini ideal mükemmellik özellikleriyle birleştirmeyi başardı. Madonna'nın imajı karmaşıktır. Çok genç bir kadının dokunaklı saflığı ve saflığı, onda kesin kararlılık ve kahramanca fedakarlık hazırlığı ile birleşiyor. Bu kahramanlık, Madonna imajını İtalyan hümanizminin en iyi gelenekleriyle ilişkilendirir. Bu resimde ideal ve gerçeğin birleşimi, Rafael'in arkadaşı B. Castiglione'ye yazdığı bir mektuptan çok bilinen sözlerini akla getiriyor. "Ve sana söyleyeceğim," diye yazdı Raphael, "bir güzellik yazmak için birçok güzelliği görmem gerekiyor ... ama eksiklik nedeniyle ... güzel kadınlar aklıma gelen bazı fikirleri kullanıyorum. . Mükemmelliği var mı bilmiyorum ama ona ulaşmak için çok çabalıyorum. Bu sözler sanatçının yaratıcı yöntemine ışık tutuyor. Gerçeklikten hareket ederek ve ona güvenerek, aynı zamanda imajı tesadüfi ve geçici olan her şeyin üzerine çıkarmaya çalışır.

Michelangelo(1475-1564) - şüphesiz sanat tarihinin en ilham verici sanatçılarından biri ve İtalyan yüksek rönesansının en güçlü figürü olan Leonardo da Vinci ile birlikte. Bir heykeltıraş, mimar, ressam ve şair olarak Michelangelo, çağdaşları ve genel olarak sonraki Batı sanatı üzerinde muazzam bir etkiye sahipti.

6 Mart 1475'te Arezzo şehri yakınlarındaki küçük Caprese köyünde doğmuş olmasına rağmen, kendisini bir Floransalı olarak görüyordu. Michelangelo şehrini, sanatını, kültürünü derinden sevmiş ve bu sevgisini ömrünün sonuna kadar taşımıştır. Olgunluk yıllarının çoğunu Roma'da papalar için çalışarak geçirdi; ancak, cesedinin Floransa'da Santa Croce kilisesindeki güzel bir mezara gömülmesine uygun olarak bir vasiyet bıraktı.

Michelangelo sahne aldı mermer heykel Meryemana resmi(Mesih'in Ağıtı) (1498-1500), hala orijinal konumunda - Aziz Petrus Katedrali'nde. Bu en çok biridir ünlü eserler dünya sanat tarihinde. Pieta muhtemelen Michelangelo tarafından 25 yaşından önce tamamlandı. İmzaladığı tek eser bu. Genç Meryem, Kuzey Avrupa sanatından ödünç alınan bir görüntü olan dizlerinin üzerinde ölü İsa ile tasvir edilmiştir. Mary'nin bakışı ciddi olduğu kadar üzgün değil. Bu, genç Michelangelo'nun yaratıcılığının en yüksek noktasıdır.

Genç Michelangelo'nun daha az önemli eseri dev (4,34 m) bir mermer görüntü değildi. Davut(Akademi, Floransa), Floransa'ya döndükten sonra 1501 ile 1504 yılları arasında idam edildi. Eski Ahit'in kahramanı, Michelangelo tarafından, sanki düşmanını - savaşmak zorunda olduğu Goliath'ı değerlendiriyormuş gibi endişeyle mesafeye bakan yakışıklı, kaslı, çıplak bir genç adam şeklinde tasvir edilmiştir. David'in yüzündeki canlı, gergin ifade, Michelangelo'nun birçok eserinin karakteristiğidir - bu, onun bireysel heykelsi tavrının bir işaretidir. Michelangelo'nun en ünlü heykeli olan David, Floransa'nın bir simgesi haline geldi ve orijinal olarak Floransa belediye binası Palazzo Vecchio'nun önündeki Piazza della Signoria'ya yerleştirildi. Bu heykelle Michelangelo, çağdaşlarına sadece tüm çağdaş sanatçıları değil, aynı zamanda antik çağın ustalarını da geride bıraktığını kanıtladı.

Sistine Şapeli'nin kubbesindeki resim 1505'te Michelangelo, Papa II. Julius tarafından iki emri yerine getirmesi için Roma'ya çağrıldı. En önemlisi, Sistine Şapeli mahzeninin fresk resmiydi. Tavanın hemen altındaki yüksek iskelede yatan Michelangelo, 1508 ile 1512 yılları arasında İncil'deki bazı hikayeler için en güzel illüstrasyonları yarattı. Papalık şapelinin kasasında, Işığın Karanlıktan Ayrılmasıyla başlayan ve Adem'in Yaratılışı, Havva'nın Yaratılışı, Adem ve Havva'nın Ayartılması ve Düşüşü ve Tufan dahil Tekvin Kitabından dokuz sahneyi tasvir etti. . Ana resimlerin çevresinde, mermer tahtlar üzerindeki peygamberlerin ve sibillerin, diğer Eski Ahit karakterlerinin ve İsa'nın atalarının dönüşümlü görüntüleri vardır.

Bu harika işe hazırlanmak için Michelangelo, çeşitli pozlarda oturan figürleri tasvir ettiği çok sayıda eskiz ve karton yaptı. Bu muhteşem, güçlü görüntüler, sanatçının Batı Avrupa sanatında yeni bir yöne ivme kazandıran insan anatomisi ve hareketi konusundaki ustaca anlayışını kanıtlıyor.

Diğer iki mükemmel heykel, Bağlı Mahkum ve Bir Kölenin Ölümü(her ikisi de yaklaşık 1510-13) Paris, Louvre'dadır. Michelangelo'nun heykele yaklaşımını gösteriyorlar. Ona göre figürler basitçe mermer bloğun içine kapatılmıştır ve fazla taşı kaldırarak onları serbest bırakmak sanatçının görevidir. Çoğu zaman Michelangelo, ya artık ihtiyaç kalmadığı için ya da sadece sanatçıya olan ilgilerini yitirdikleri için heykelleri yarım bıraktı.

San Lorenzo Kütüphanesi II. Julius'un mezarının projesi mimari çalışma gerektiriyordu, ancak Michelangelo'nun mimari alandaki ciddi çalışmaları ancak 1519'da, sanatçının tekrar geri döndüğü Floransa'daki St. bu proje asla uygulanmadı). 1520'lerde, Kütüphane'nin San Lorenzo kilisesine bitişik zarif giriş salonunu da tasarladı. Bu yapılar, yazarın ölümünden yalnızca birkaç on yıl sonra tamamlandı.

Cumhuriyetçi hizbin bir taraftarı olan Michelangelo, 1527-29 yıllarında Medici'ye karşı savaşa katıldı. Sorumlulukları arasında Floransa surlarının inşası ve yeniden inşası vardı.

Medici Şapelleri. Michelangelo, Floransa'da oldukça uzun bir süre yaşadıktan sonra, 1519 ile 1534 yılları arasında Medici ailesinin San Lorenzo kilisesinin yeni kutsal yerine iki mezar dikme görevini tamamladı. Sanatçı, yüksek kubbeli tonozlu bir salonda, Urbino Dükü Lorenzo De Medici ve Nemours Dükü Giuliano De Medici için duvarlara iki muhteşem mezar dikti. İki karmaşık mezar, zıt tiplerin temsilleri olarak tasarlandı: Lorenzo - kendi içine kapanmış, düşünceli, içine kapanık bir kişi; Giuliano ise tam tersine aktif, açık. Heykeltıraş, Lorenzo'nun mezarının üzerine Sabah ve Akşam'ın alegorik heykellerini ve Giuliano'nun mezarının üzerine - Gündüz ve Gece alegorileri yerleştirdi. Medici mezarları üzerindeki çalışmalar, Michelangelo'nun 1534'te Roma'ya dönmesinden sonra da devam etti. Bir daha çok sevdiği şehrini ziyaret etmemiş.

Son Yargı

1536'dan 1541'e kadar Michelangelo, Roma'da Vatikan'daki Sistine Şapeli'nin sunak duvarını boyamak için çalıştı. Rönesans'ın en büyük freski, Son Yargı gününü tasvir eder.Elinde ateşli bir şimşek olan Mesih, dünyanın tüm sakinlerini amansız bir şekilde kompozisyonun sol tarafında tasvir edilen kurtarılmış doğrulara ve içine inen günahkarlara böler. Dante'nin cehennemi (freskinin sol tarafı). Michelangelo, kesinlikle kendi geleneğini takip ederek, tüm figürleri başlangıçta çıplak boyadı, ancak on yıl sonra, kültürel iklim daha muhafazakar hale geldikçe bazı Püriten sanatçılar onları "giydirdi". Michelangelo freskte kendi portresini bıraktı - yüzü, Kutsal Şehit Havari Bartholomew'den yırtılan deride kolayca tahmin ediliyor.

Bu dönemde Michelangelo'nun Havari Aziz Paul şapelini boyamak (1940) gibi başka resimsel siparişleri olmasına rağmen, her şeyden önce tüm gücünü mimariye adamaya çalıştı.

Aziz Petrus Katedrali'nin kubbesi. 1546'da Michelangelo, Vatikan'da yapım aşamasında olan Aziz Petrus Katedrali'nin baş mimarı olarak atandı. Bina, Donato Bramante'nin planına göre inşa edildi, ancak Michelangelo nihayetinde sunak apsisinin yapımından ve katedralin kubbesi için mühendislik ve sanatsal çözümün geliştirilmesinden sorumlu oldu. Aziz Petrus Katedrali'nin inşaatının tamamlanması, Floransalı ustanın mimarlık alanındaki en büyük başarısıydı. Uzun yaşamı boyunca Michelangelo, Lorenzo de Medici'den Leo X, Clement VIII ve Pius III'e kadar birçok prens ve papanın yanı sıra birçok kardinal, ressam ve şairin yakın arkadaşıydı. Sanatçının karakterini, hayattaki konumunu eserleri aracılığıyla kesin olarak anlamak zordur - çok çeşitlidirler. Belki şiir dışında, kendi şiirlerinde, Michelangelo yaratıcılık ve sanattaki yeri sorularına daha sık ve daha derinden yöneldi. Çalışmalarında karşılaştığı sorun ve zorluklara, dönemin en önemli temsilcileriyle olan kişisel ilişkilerine şiirlerinde geniş yer verilir. ünlü şairler Rönesans Lodovico Ariosto bunun için bir kitabe yazdı ünlü artist: "Michele bir ölümlüden daha fazlası, o ilahi bir melek."

"Rönesans" (Rönesans, Rönesans) teriminin ortaya çıkışı XVI. Hakkında yazmıştı Rönesans» İtalya sanatı - ilk tarihçi İtalyan sanatı, büyük bir ressam, ünlü "En ünlü ressamların, heykeltraşların ve mimarların yaşamları" nın yazarı (1550) - Giorgio Vasari.

Bu kavramın temelinde o dönemde yaygın olan tarihsel kavram Orta Çağ çağının, düşüşün ardından gelen sürekli barbarlık, cehalet ile karakterize edildiğine göre büyük medeniyet klasik arkaik.

Kültürün gelişiminde bir tür basit olarak Orta Çağ döneminden bahsedersek, o zaman tarihçilerin sanat hakkındaki varsayımlarını dikkate almak gerekir. İçinde sanatın olduğuna inanılıyordu. eski günler antik dünyada gelişen, ilk dirilişini tam da onların zamanında yeni bir varoluşta bulur.

Bahar/ Sandro Boticelli

İlk farkındalıkta, "diriliş" terimi, tüm çağın adı olarak değil, daha çok dönemin adı olarak yorumlandı. tam zamanı(genellikle XIV yüzyılın başı) yeni sanatın ortaya çıkışı. Ancak belirli bir dönemden sonra bu kavram daha geniş bir yorum kazandı ve İtalya'da ve diğer ülkelerde feodalizme karşı bir kültürün oluşum ve gelişme çağını belirlemeye başladı.

Artık Orta Çağ, Avrupa'nın sanatsal kültür tarihinde bir kırılma olarak görülmüyor. Geçen yüzyılda, son yarım yüzyılda büyük ölçüde yoğunlaşan Orta Çağ sanatının kapsamlı bir incelemesi başladı. Yeniden değerlendirmesine yol açtı ve hatta şunu gösterdi: rönesans sanatı Orta Çağ'a çok şey borçludur.

Ancak Rönesans'tan Orta Çağ'ın önemsiz bir devamı olarak bahsetmemek gerekir. Bazı modern Batı Avrupalı ​​tarihçiler Orta Çağ ile Rönesans arasındaki çizgiyi bulandırmak için girişimlerde bulundular, ancak bu konuda herhangi bir onay bulamadılar. tarihsel gerçekler. Aslında, Rönesans kültürel anıtlarının analizi, feodal dünya görüşünün temel inançlarının çoğunun reddedildiğini gösterir.

Aşk ve zamanın alegorisi/ Agnola Bronzino

Ortaçağ çileciliği ve dünyevi her şeye dair içgörü, yerini doğanın ve tabii ki insanın ihtişamı ve güzelliği ile gerçek dünyaya duyulan doymak bilmez bir ilgiye bırakıyor. Süper güçlere inanç insan zihni Gerçeğin en yüksek kriteri olarak, Orta Çağ'ın çok karakteristik özelliği olan teolojinin bilim üzerindeki dokunulmaz önceliğinin belirsiz konumuna yol açtı. itaat insan kişiliği dini ve feodal otoritelerin yerini, bireyselliğin özgür gelişimi ilkesi alır.

Yeni basılan seküler entelijansiyanın üyeleri, ilahi olanın aksine insani yönlere tüm dikkatlerini verdiler ve kendilerini hümanistler olarak adlandırdılar (Cicero'nun zamanının kavramından "studia hmnanitatis", yani insan doğası ve onun ruhani dünyası ile bağlantılı her şeyin incelenmesi anlamına gelir). ). Bu terim, gerçekliğe karşı yeni bir tutumun, Rönesans kültürünün insanmerkezciliğinin bir yansımasıdır.

Feodal dünyaya karşı ilk kahramanca saldırı döneminde yaratıcı dürtüler için geniş bir yelpaze açıldı. Bu çağın insanları geçmişin ağlarından çoktan vazgeçtiler, ancak henüz yenilerini bulamadılar. Olanaklarının sonsuz olduğuna inanıyorlardı. Bu nedenle, iyimserliğin doğuşu, ki bu çok karakteristiktir. Rönesans kültürü.

uyuyan venüs/ Giorgione

Neşeli karakter ve hayata sonsuz inanç, zihnin olasılıklarının sınırsızlığına ve kişiliği uyumlu ve engelsiz geliştirme olasılığına olan inancı doğurdu.
rönesans sanatı birçok bakımdan ortaçağla tezat oluşturuyor. Avrupa sanat kültürü, gelişimini gerçekçiliğin oluşumunda alır. Bu, hem seküler nitelikteki görüntülerin yayılmasına, bazen dini konuların tür yorumuna yakın manzara ve portrelerin geliştirilmesine hem de tüm bir sanatsal organizasyonun radikal bir şekilde yenilenmesine damgasını vuruyor.

Ortaçağ sanatı, doruk noktası dünyevi varoluş çemberinin dışında olan, evrenin hiyerarşik yapısı fikrine dayanıyordu. son yerler. Sanatın asıl görevi, teoloji tarafından yaratılan değerler ölçeğinin görsel düzenlemesi olduğundan, dünyevi gerçek bağlantıların ve fenomenlerin mekanla zaman içinde bir değer kaybı vardı.

Rönesans'ta spekülatif sanat sistemi ortadan kalkar ve onun yerine insana sunulan bilgiye ve dünyanın nesnel imgesine dayalı bir sistem gelir. Bu nedenle Rönesans sanatçılarının temel görevlerinden biri, mekanı yansıtma sorunuydu.

15. yüzyılda, bu konu her yerde anlaşıldı, tek fark, Avrupa'nın kuzeyinin (Hollanda) ampirik gözlemler nedeniyle aşamalı olarak nesnel bir mekan inşasına doğru ilerlemesi ve İtalya'nın kuruluşunun ilk yarısında. yüzyılda geometri ve optiğe dayanıyordu.

Davut/ Donatello

İzleyiciye, bakış açısı dikkate alınarak yönlendirilecek bir düzlem üzerinde üç boyutlu bir görüntü oluşturma imkanı veren bu varsayım, Orta Çağ kavramına karşı bir zafer görevi gördü. Bir kişinin görsel temsili, yeni sanatsal kültürün insan merkezli yönelimini gösterir.

Rönesans kültürü, bilim ve sanat arasındaki karakteristik bağlantıyı açıkça göstermektedir. Dünyayı ve insanı oldukça gerçekçi bir şekilde tasvir etmek için bilişsel ilkeye özel bir rol verildi. Elbette, bilimde sanatçılar için destek arayışı, bilimin kendisinin gelişiminin teşvik edilmesine yol açtı. Rönesans'ta, Leonardo da Vinci liderliğindeki birçok sanatçı-bilim adamı ortaya çıktı.

Sanata yönelik yeni yaklaşımlar, yeni bir tasvir tarzını dikte etti insan figürü ve eylemlerin transferi. Orta Çağ'ın jestlerin kanonikliği, yüz ifadeleri ve oranlarda izin verilen keyfilik hakkındaki eski fikri, çevremizdeki dünyanın nesnel bir görüşüne karşılık gelmiyordu.

Rönesans eserlerine göre, insan davranışı içseldir, ritüellere veya kanonlara değil, psikolojik şartlandırmaya ve eylemlerin gelişimine tabidir. Sanatçılar, figürlerin oranlarını gerçeğe yaklaştırmaya çalışıyor. buna giderler Farklı yollar, bu nedenle, Avrupa'nın kuzey ülkelerinde bu ampirik olarak gerçekleşir ve İtalya'da gerçek formların incelenmesi, klasik antik anıtların bilgisi ile birlikte gerçekleşir (Avrupa'nın kuzeyi ancak daha sonra eklenir).

Hümanizmin idealleri nüfuz eder rönesans sanatı, güzel, uyumlu bir şekilde gelişmiş bir kişinin imajını yaratmak. Rönesans sanatı için karakteristiktir: tutkuların titanizmi, karakterler ve kahramanlık.

Rönesans ustaları, güçlerinin, sonsuzluğun gururlu farkındalığını somutlaştıran görüntüler yaratır. insan yetenekleri yaratıcılık alanında ve iradesinin özgürlüğüne gerçek inanç. Rönesans sanatının birçok kreasyonu, ünlü İtalyan hümanizmi Pico della Mirandola'nın şu ifadesiyle uyumludur: "Ah, arzuladığı şeyi elde etmek ve istediği şey olmak için verilen bir kişinin harika ve yüce amacı."

Leda ve Kuğu/ Leonardo da Vinci

Güzel sanatların doğasına yönelik kararlılık büyük ölçüde gerçeği doğru bir şekilde sergileme arzusuysa, o zaman klasik geleneğe başvurmak yeni mimari biçimlerin oluşmasında önemli bir rol oynadı. Bu, yalnızca eski düzen sistemini yeniden yaratmak ve Gotik konfigürasyonlardan vazgeçmek değil, aynı zamanda klasik orantılılık, yeni mimarinin insan merkezli doğası ve iç mekanın kolayca görülebildiği tapınak mimarisinde merkezli binaların tasarımından oluşuyordu.

Sivil mimarlık alanında birçok yeni kreasyon yaratıldı. Böylece Rönesans'ta çok katlı şehir kamu binaları: belediye binaları, üniversiteler, ticaret loncalarının evleri, eğitim evleri, depolar, pazarlar, depolar daha zarif bir dekorasyona kavuşur. Bir tür şehir sarayı veya başka türlü bir palazzo - zengin bir kasabalının evi ve bir tür kır villası ortaya çıkar. Yeni cephe dekorasyon sistemleri oluşturuluyor, tuğla ve ahşap zeminleri birleştiren yeni bir tuğla bina sistemi geliştiriliyor (Avrupa yapımında 20. yüzyıla kadar korunuyor). Şehir planlama sorunları yeni bir şekilde çözülüyor, şehir merkezleri yeniden inşa ediliyor.

Yeni mimari tarz Orta Çağ tarafından hazırlanan gelişmiş zanaat inşa teknolojisinin yardımıyla hayat kazandı. Temel olarak, Rönesans mimarları binanın tasarımına doğrudan dahil oldular ve gerçekte uygulanmasını yönlendirdiler. Kural olarak, heykeltıraş, ressam, bazen dekoratör gibi mimariyle ilgili bir dizi başka uzmanlığa da sahiplerdi. Becerilerin birleşimi, yapıların sanatsal kalitesinin artmasına katkıda bulunmuştur.

Eserlerin ana müşterilerinin büyük derebeyleri ve kilise olduğu Orta Çağ'a kıyasla, artık sosyal kompozisyonun değişmesiyle müşteri çevresi genişliyor. Zanaatkarların lonca dernekleri, tüccar loncaları ve hatta özel şahıslar (soylular, kasabalılar), kiliseyle birlikte, sanatçılara oldukça sık emir verirler.

Sanatçının sosyal statüsü de değişir. Sanatçılar arayış içinde olmalarına ve atölyelere girmelerine rağmen, genellikle ödüller ve yüksek dereceler alırlar, belediye meclislerinde koltuk işgal ederler ve diplomatik misyonlar yürütürler.
Bir kişinin güzel sanatlara karşı tutumunda bir evrim vardır. Daha önce zanaat düzeyindeyse, şimdi bilimlerle eşittir ve sanat eserleri ilk kez ruhsal yaratıcı faaliyetin sonucu olarak görülmeye başlandı.

Son Yargı/ Michelangelo

Yeni tekniklerin ve sanat biçimlerinin ortaya çıkışı, talebin artması ve dünyevi müşterilerin sayısındaki artışla tetiklenir. Anıtsal formlara şövale eşlik ediyor: tuval veya ahşap üzerine resim, ahşap heykel, majolika, bronz, pişmiş toprak. için sürekli artan talep Sanat Eserleri en ucuz ve en popüler sanat türü olan ahşap ve metal üzerine gravürlerin ortaya çıkmasına neden oldu. Bu teknik, ilk kez, görüntülerin çok sayıda kopya halinde çoğaltılmasına izin verdi.
İtalyan Rönesansının temel özelliklerinden biri, Akdeniz bölgesinde eski mirasın ölmeyen geleneklerinin yaygın olarak kullanılmasıdır. Burada, klasik antik çağa ilgi çok erken ortaya çıktı - Piccolo ve Giovanni Pisano'dan Ambrogio Lorsnzetti'ye kadar İtalyan Proto-Rönesans sanatçılarının eserlerinde bile.

15. yüzyılda antik çağın incelenmesi, hümanist çalışmaların temel görevlerinden biri haline gelir. Kültür hakkında önemli bir bilgi genişlemesi var. Antik Dünya. Eski manastırların kütüphanelerinde, eski yazarların daha önce bilinmeyen eserlerinin birçok el yazması bulundu. Sanat eseri arayışı, birçok eski heykel, kabartma ve nihayetinde freskleri keşfetmeyi mümkün kıldı. Antik Roma. Sanatçılar tarafından sürekli incelendiler. Örnekler arasında, Donatello ve Brunelleschi'nin antik Roma mimarisi ve heykel anıtlarını ölçmek ve eskizlerini çizmek için Roma'ya yaptıkları gezi, Leon Battista Alberti'nin çalışmaları, Raphael'in yeni keşfedilen kabartmalar ve resimler üzerine yaptığı çalışma, genç Michelangelo'nun kopyaladığı yol hakkında hayatta kalan haberler yer alır. antik heykel. İtalya sanatı (antik çağın sürekli çekiciliği nedeniyle) o zamanlar için yeni olan bir dizi teknik, motif ve formla zenginleştirildi ve aynı zamanda eserlerinde tamamen bulunmayan kahramanca bir idealleştirme dokunuşu verdi. Kuzey Avrupa'nın sanatçıları.

İtalyan Rönesansının başka bir ana özelliği daha vardı - rasyonelliği. Sanatın bilimsel temellerinin oluşmasında birçok kişi çalıştı. İtalyan sanatçılar. Böylece, Brunelleschi, Masaccio ve Donatello'nun çevresinde, daha sonra Leon Battista Alberti'nin "Resim Kitabı" tarafından 1436 tarihli incelemesinde ortaya konan doğrusal perspektif teorisi oluşturuldu. Perspektif teorisinin gelişimine çok sayıda sanatçı, özellikle de 1484-1487'de Pitoresk Perspektif Üzerine incelemesini yazan Paolo Uccello ve Piero della Francesca katıldı. Nihayetinde, matematiksel teoriyi insan figürünün inşasına uygulama girişimleri görülebilir.

Sanatın gelişmesinde önemli bir rol oynayan İtalya'nın diğer şehirlerini ve bölgelerini de belirtmekte fayda var: XIV.Yüzyılda - Siena, XV.Yüzyılda - Umbrcia, Padua, Venedik, Ferrara. 16. yüzyılda, yerel okulların çeşitliliği azaldı (tek istisna orijinal Venedik'tir) ve belirli bir süre için ülkenin önde gelen sanatsal güçleri Roma'da yoğunlaştı.

İtalya'nın bireysel bölgelerinin sanatının oluşumu ve gelişimindeki farklılıklar, gelişimin ana aşamalarını özetlememize izin veren genel bir modelin yaratılmasına ve tabi kılınmasına müdahale etmez. İtalyan Rönesansı. Modern sanat tarihi, İtalyan Rönesansı tarihini dört aşamaya ayırır: Proto-Rönesans (13. yüzyılın sonu - 14. yüzyılın ilk yarısı), Erken Rönesans (15. yüzyıl), Yüksek Rönesans (M.Ö. 15. - 16. yüzyılın ilk otuz yılı) ve Geç Rönesans (16. yüzyılın orta ve ikinci yarısı).

İtalyan Rönesansı (25:24)

Hermitage Başyapıtları serisinin bir parçası olarak yayınlanan Vladimir Ptashchenko'nun harika bir filmi