Yeni estetik çağın ana akımları ve yönleri. Estetiğin Tarihi: Modern Zamanların Estetiği

İyi çalışmalarınızı bilgi bankasına göndermek basittir. Aşağıdaki formu kullanın

Bilgi tabanını çalışmalarında ve işlerinde kullanan öğrenciler, lisansüstü öğrenciler, genç bilim adamları size çok minnettar olacaklar.

Yayınlanan http://allbest.ru

estetik güzellik sanat

giriiş

1. Felsefi bir bilim olarak estetik

2. Eski Doğu halklarının estetik fikirleri

3. Antik estetik düşünce

4. Orta Çağ Estetiği

5. Rönesans'ın estetik öğretileri

6. Yeni zamanın estetiği

7. Alman klasik felsefesinin estetik fikirleri

8. Batı Avrupa estetiğinin klasik olmayan kavramları

giriiş

İnsan kaderinin güzellikle temas olasılığı, dünyayla iletişim kurmanın gerçek sevincini, varoluşun ihtişamını ortaya çıkarabilecek en muhteşem fırsatlardan biridir. Ancak olmanın sağladığı bu şans çoğu zaman sahiplenilmez, kaçırılır. Ve hayat sıradan gri, monoton, çekici olmayan bir hale gelir. Bu neden oluyor?

Doğal varlıkların davranışı, organizmalarının yapısı tarafından önceden belirlenir. Bu nedenle, her hayvan dünyaya, çevreye uyum sağlamayı sağlayan bir dizi içgüdüyle zaten sahip olarak doğar. Hayvanların davranışları sabit kodlanmıştır, kendi hayatlarının "anlamı" onlardadır.

Her bireyin sınırsız (hem olumlu hem de olumsuz) gelişme olasılığını içermesi nedeniyle, kişi doğuştan gelen bu davranışsal kesinliğe sahip değildir. Bu, tükenmez bireysel davranış türlerinin çeşitliliğini, her bireyin öngörülemezliğini açıklar. Montaigne'in belirttiği gibi, insan ırkının iki temsilcisi arasında iki hayvan arasındakinden daha az benzerlik vardır.

Yani bir birey doğduğunda hemen kendisi için belirsiz bir durumun içinde bulur kendini. En zengin eğilimlerine rağmen, genleri size nasıl davranmanız, ne için çabalamanız, nelerden kaçınmanız, bu dünyada neleri sevmeniz, nelerden nefret etmeniz, gerçek güzelliği sahtesinden nasıl ayırt edeceğinizi vb. söylemez. Genler, herhangi bir davranışa uyum sağlamak için en önemli şey hakkında sessizdir. Bir kişi yeteneklerini nasıl yönetecek? Güzelliğin ışığı zihninde yanıp sönecek mi? Çirkin, tabanın baskısına karşı koyabilecek mi?

Özel bir güzellik biliminin ortaya çıkmasının en önemli nedenlerinden biri, güzelin çekim gücü ve aynı zamanda bir kişinin temelin yıkıcı etkisinin üstesinden gelme arzusuydu.

Estetik konuların artan ilgisini anlamak için şu noktalara dikkat etmek gerekir: bütün çizgi teknolojik gelişmenin özellikleri. Modern toplum, tüm insanlık tarihindeki en tehlikeli eğilimle karşı karşıya: bilimsel ve teknolojik kalkışın küresel doğası ile genel bir felakete yol açabilecek insan bilincinin sınırlamaları arasındaki çelişki.

20. yüzyılın başlarında muazzam bir manevi, bilimsel ve teknik deneyim birikmişti. Hümanizm, nezaket, adalet ve güzellik fikirleri geniş çapta kabul gördü. Her türlü kötülük açığa çıktı ve güzelliği geliştiren bütün bir manevi evren oluştu.

Ancak dünya toplumu daha akıllı, daha uyumlu ve daha insancıl hale gelmedi. Tersine. 20. yüzyılın medeniyetinin, temel varoluş türlerini kopyalayan en büyük suçlara karıştığı ortaya çıktı. 20. yüzyıl boyunca çok sayıda çirkin sosyal ayaklanma, anlamsız zulmün aşırı tezahürleri, iyimser bir kişilik imajı olan insana olan inancı yok etti. Sonuçta, bu dönemde milyonlarca insan yok edildi. Asırlık kültürel değerlerin sarsılmaz görünen sütunları yeryüzünden silindi.

Geçen yüzyılın en göze çarpan eğilimlerinden biri, trajik dünya görüşünün alevlenmesiyle bağlantılı. Ekonomik olarak istikrarlı ülkelerde bile intihar sayısı sürekli artıyor, milyonlarca insan acı çekiyor. çeşitli formlar depresyon. Kişisel uyum deneyimi, evrensel insan kaosu akışında kırılmanın giderek daha zor olduğu kırılgan, kararsız, oldukça nadir bir durum haline gelir.

Rastgelelik, belirsizlik, insan varoluşunun kaotik doğası üzerine düşünceler, güvenilir anlamsal kılavuzlar arayışıyla ilgili şüpheciliğin büyümesi ve gerçek güzelliğin keşfi, kültürün baskın güdüsü haline gelir.

İnsanın zaman ve uzaydaki hareketi neden bu kadar trajik? İnsan hayatında giderek artan rahatsız edici semptomların üstesinden gelmek mümkün mü? Ve en önemlisi, sürdürülebilir uyum hangi yollarda bulunur?

En yaygın akıl hastalığı, güzellik dünyasının dışına çıkmaktır. Gerçek şu ki, çoğu zaman bir kişi dış alana hakim olarak, zenginlik, güç, şöhret, fizyolojik zevkler arayarak mutluluğu arar. Ve bu yolda belirli yüksekliklere ulaşabilir. Bununla birlikte, kalıcı kaygının, kaygının üstesinden gelemezler, çünkü paranın sınırsız gücüne olan inanç, güç çok büyüktür ve sonuç olarak, varlığın kutsal temeli olan Güzellik ile derin temas kaybolur.

Ve bu anlamda güzellik, tükenmez zenginlik ve dünya kültüründeki tezahürlerinin paradoksal doğası hakkında bir bilim olarak estetik, bireyin insanlaşmasında en önemli faktör olabilir. Ve böylece estetiğin asıl görevi, güzelliğin her şeyi kapsayan fenomenalliğini ortaya çıkarmak, bir insanı kaçınılmaz güzellik ve yaratıcılık dünyasında kök salmak için uyumlu hale getirmenin yollarını kanıtlamaktır. F.M. Dostoyevski, "estetik, aynı kişinin kendini geliştirmek için insan ruhundaki güzel anları keşfetmesidir."

1.Efelsefi bir bilim olarak estetik

Estetik, gerçekliğin güzel ve çirkin, yüce ve alçak, trajik ve komik fenomenlerinin en genel özellikleri ve gelişim yasaları ve bunların insan zihnindeki yansımalarının özellikleri hakkında bir bilgi sistemidir. Estetik, felsefenin ana sorununun çözümü ile bağlantılı felsefi bir bilimdir. Estetikte, estetik bilincin gerçeklikle ilişkisi hakkında bir soru olarak karşımıza çıkar.

Estetik konusu

İnsanların faaliyetlerinin ürünlerine, sanat eserlerine, doğaya, insanın kendisine karşı estetik tutum pratiğinin genelleştirilmesi temelinde, estetik düşüncenin asırlık gelişme sürecinde oluşmuştur. Estetiğin bugün araştırdığı soruların çoğu insanlığı uzun süredir meşgul ediyor; eski Yunanlılar tarafından önlerine konuldu ve Yunanlılardan önce Mısır, Babil, Hindistan ve Çin düşünürleri onlar hakkında düşündüler.

Bununla birlikte, bilimin adı - estetik - ancak 18. yüzyılın ortalarında Alman filozof tarafından dolaşıma girdi. Baumgarten. Ondan önce estetik meseleler, organik kısımları olarak genel felsefi kavramlar çerçevesinde ele alınıyordu. Ve yalnızca bu Alman aydınlatıcı, estetiği felsefe çerçevesinde diğer felsefi disiplinlerin yanında yer alan bağımsız bir disiplin olarak seçti - mantık, etik, epistemoloji vb. Baumgarten, "estetik" terimini, "duyulur olanla ilgili" anlamına gelen eski bir Yunanca kelimeden almıştır. Buna göre estetiği, duyusal algı bilimidir. Estetiğin konusu ve dolayısıyla bu kavramın içeriği o zamandan beri sürekli değişmektedir. Bugün bu bilimin konusu: Birincisi estetiğin doğası, yani en Genel özellikleri, gerçekliğin çeşitli estetik nesnelerinin doğasında bulunan taraflar; ikincisi, bu fenomenlerin insan zihnindeki, estetik ihtiyaçlar, algılar, fikirler, idealler, görüşler ve teorilerdeki yansımasının doğası; üçüncüsü, estetik değerler yaratma süreci olarak insanların estetik etkinliğinin doğası.

Dünyaya estetik tutumun özü ve özgüllüğü

Estetik ilişki, öznenin nesneyle olan ruhsal bağlantısıdır, ikincisi için çıkar gözetmeyen bir arzuya dayanır ve onunla iletişim kurmaktan derin bir ruhsal zevk duygusu eşlik eder.

Estetik nesneler, sosyo-tarihsel uygulama sürecinde ortaya çıkar: önce kendiliğinden ve sonra ortaya çıkan estetik duygulara, ihtiyaçlara, fikirlere, genel olarak insanların estetik bilincine göre. Onun rehberliğinde kişi, estetik faaliyet yasalarına göre doğanın "özünü" oluşturur. Sonuç olarak, yarattığı nesneler, örneğin aletler, doğal ve sosyal yönlerin bir birliği, estetik bir değer olarak sadece maddi, faydacı değil, aynı zamanda manevi ihtiyaçları da karşılayabilen bir birlik olarak görünür. insanların.

Aynı zamanda, aynı nesne bir açıdan estetik açıdan değerli, örneğin güzel ve başka bir açıdan - estetik açıdan değersiz olabilir. Örneğin, estetik bir tavır nesnesi olarak bir insan, güzel bir sese ve çirkin bir görünüme sahip olabilir. Ayrıca aynı estetik nesne, aynı açıdan, ancak farklı zamanlarda hem değerli hem de değersiz olabilir. Estetik bir nesnenin göreceli bir estetik öneme sahip olduğu gerçeği, ana estetik kategorilerin (güzel ve çirkin, yüce ve alçak, trajik ve komik) kutupsal doğasıyla da kanıtlanır.

Estetiğin problem alanı ve metodolojik temeli

Estetiğin konusunu bir bilim olarak ele alan modern yaklaşımlardan biri, estetiğin problematik alanının özel bir fenomenler alanı değil, belirli bir açıdan bakıldığında tüm dünya, tüm fenomenlerin bu görev ışığında ele alınmasıdır. bilim çözer. Bu bilimin ana soruları, estetiğin doğası ve gerçeklikteki ve sanattaki çeşitliliği, insanın dünyaya estetik tutumunun ilkeleri, sanatın özü ve yasalarıdır. Bir bilim olarak estetik, insanların maddi ve manevi faaliyetlerinin tüm yüzünde iz bırakan, toplumun estetik görüşleri sistemini ifade eder.

Her şeyden önce bu, estetik olguların nihai niteliklerinde bütüncül olarak ele alınması gerektiği konumuyla ilgilidir. Ne de olsa, estetik fenomenin nesnel ve öznel koşullanmasının birliği bütünsel, nihai bir nitelikte tezahür eder.

Bu metodolojik ilkenin uygulanması, estetik fenomenlerin genetik köklerinin keşfedilmesiyle başlar. Genetik bakış açısı, estetiğin orijinal metodolojik ilkesidir. Estetik fenomenlerin (örneğin sanatın), yazarın kişiliğinin özgünlüğünün yanı sıra gerçeklik tarafından nasıl belirlendiğini açıklar. Genetik bakış açısı, estetiğin ana metodolojik ilkesidir, bu sayede estetik fenomenlerin özne-nesne doğası dikkate alınır.

Estetik teorinin yapısı

Bir kişinin gerçeklikle estetik ilişkisi çok çeşitli ve çok yönlüdür, ancak bunlar en açık şekilde sanatta tezahür eder. Sanat aynı zamanda sözde sanat tarihi bilimlerinin de konusudur (edebi eleştiri, müzikoloji, güzel sanatlar tarihi ve teorisi, tiyatro çalışmaları vb.). Sanat tarihi, çeşitli bilimlerden (tarih ve teori) oluşur. belirli türler sanatlar). Bireysel sanat türleri teorileri ve sanatla ilgili teorik bilgiler kompleksi, bazı estetikçiler genel sanat teorisi olarak adlandırır ve onu estetikten ayırır.

Sanat tarihi bilim dalları, estetikle ilgili yardımcı bilim dallarının işlevini yerine getirmektedir. Ancak estetiğin yardımcı disiplinleri burada bitmiyor. Bununla ilgili aynı yardımcı bilimsel disiplinler, örneğin sanat sosyolojisi, sanat psikolojisi, epistemoloji, anlambilim vb. Estetik, birçok bilimsel disiplinin bulgularını, onlarla özdeş olmadan kullanır. Bu nedenle, genelleyici doğası nedeniyle estetiğe felsefi bir bilim denir.

Estetik ve sanat arasındaki özel ilişki, sanat eleştirisinde açıkça kendini gösterir. Estetik, eleştirinin teorik temelidir; yaratıcılığın sorunlarını doğru anlamasına ve sanatın kişi ve toplum için taşıdığı anlamla tutarlı yönler ortaya koymasına yardımcı olur. Sonuçları ve ilkeleri temelinde, yerleşik kalıplar temelinde estetik, eleştiriye değerlendirme kriterleri oluşturma, yaratıcılığı sosyal ve değer yönlerinin gelişimi ile ilgili güncel gereksinimler açısından değerlendirme fırsatı verir.

2. Eski Doğu halklarının estetik fikirleri

Eski Doğu kültürlerinin gelenekçiliği

İlkel komünal sistemden köleci oluşuma geçiş, Doğu'nun maddi ve manevi kültürü yüksek bir dizi güçlü medeniyetinin oluşmasına yol açtı.

Eski Doğu kültürlerinin gelişiminin özellikleri, derin bir özellik gibi bir özelliği içerir. gelenekçilik. Bazı erken fikirler ve fikirler bazen Doğu kültürlerinde yüzyıllar ve hatta bin yıl boyunca yaşadı. Doğu'nun eski kültürlerinin varlığından bu yana uzun bir süre boyunca, gelişme belirli fikirlerin bireysel nüanslarıyla ilgiliydi ve temelleri değişmeden kaldı.

Antik Mısır

Mısırlılar astronomi, matematik, mühendislik ve yapı bilimleri, tıp, tarih, coğrafya alanlarında büyük başarılar elde ettiler. Yazının erken icadı, son derece sanatsal eski Mısır edebiyatının orijinal örneklerinin ortaya çıkmasına katkıda bulundu. Sanatın gelişimi ve Mısır kültüründeki onurlu yeri, yazılı kaynaklarda kaydedilen ilk estetik yargıların ortaya çıkmasına temel oluşturdu. İkincisi, eski Mısırlıların oldukça gelişmiş bir güzellik, güzellik (nefer) duygusuna sahip olduklarını kanıtlıyor. Kelime "nefer" firavunların resmi unvanına girdi.

Eski Mısır, ışık dininin ve ışık estetiğinin doğum yeri olarak kabul edilir. Tanrılaştırılmış güneş ışığı, eski Mısırlılar arasında en yüksek iyilik ve en yüksek güzellik olarak saygı görüyordu. Işık ve güzellik, eski zamanlardan beri Mısır kültüründe tanımlanmıştır. İlahi güzelliğin özü çoğu zaman parlaklığa indirgeniyordu.

Hemen hemen tüm eski Doğu kültürlerinde bulunan güzelliğin bir başka yönü de değerli metallerin yüksek estetik takdiridir. Mısırlıların anlayışında altın, gümüş, elektrik, lapis lazuli malzemelerin en güzeliydi. Eski Mısırlıların güzellik ve güzel hakkındaki fikirleri temelinde renk oluştu. kanon Mısırlılar. Basit renkler içeriyordu: beyaz, kırmızı, yeşil. Ancak Mısırlılar özellikle altın ve lapis lazuli renklerini takdir ettiler. "Altın" genellikle "güzel" ile eşanlamlı olarak hareket etti.

Mısırlıların eski zamanlardan kalma sanatsal düşüncesi, uzun uygulamaların bir sonucu olarak, gelişmiş bir kanon sistemi geliştirdi: orantı kanunu, renk kanunu, ikonografik kanon. Burada kanon, sanatçının yaratıcı etkinliğini belirleyen en önemli estetik ilke haline geldi. Kanon, eski Mısır ustalarının çalışmalarında önemli bir rol oynadı ve yaratıcı enerjilerini yönlendirdi. Kanonik sanattaki sanatsal etki, kanonik şema içindeki formların hafif çeşitliliği nedeniyle elde edildi.

Mısırlılar matematiğe değer verdiler ve yasalarını neredeyse tüm faaliyet alanlarına uyguladılar. Güzel sanatlar için, uyumlu bir görüntü oranlama sistemi geliştirdiler. Bu sistemin modülü sayısal bir ifadeydi. "Altın bölüm"-- 1.618 sayısı... Oranlar evrensel nitelikte olduğundan, bilimin, felsefenin ve sanatın pek çok alanına yayıldığı ve bizzat Mısırlılar tarafından evrenin uyumlu yapısının bir yansıması olarak algılandığı için kutsal kabul edilmişlerdir. .

Antik Çin

Çin estetik düşüncesi ilk olarak MÖ 6. - 3. yüzyıl filozofları arasında açıkça tanımlandı. e. Estetik kavram ve terimler ile estetik teorinin temel hükümleri, Antik Çin doğa ve toplum yasalarının felsefi anlayışı temelinde.

Birçok okul ve yön arasında özel bir yere aitti. taoculuk Ve Konfüçyüsçülük . Bu iki öğreti, eski zamanlarda öncü bir rol oynadı ve sonraki tüm gelişmeler üzerinde belirleyici bir etkiye sahipti. Çin Kültürü. Hem Taoculuk hem de Konfüçyüsçülük bir toplumsal ideal arayışıyla ilgileniyorlardı ama arayışlarının yönü tamamen farklıydı. Taoizm'in merkezi kısmı dünya doktriniydi. Geri kalan her şey - toplum ve devlet doktrini, bilgi teorisi, sanat teorisi (eski haliyle) - dünya doktrininden yola çıktı. Konfüçyüs felsefesinin merkezinde, halkla ilişkilerinde, sarsılmaz sakinlik ve düzenin temeli olan, toplumun ideal bir üyesi olan bir kişi vardı. Başka bir deyişle, Konfüçyüsçülükte her zaman etik ve estetik bir idealle uğraşılırken, Taoizmde kozmos ve doğadan daha güzel bir şey yoktur ve toplum ve insan, nesnel dünyanın güzelliği kadar olabildikleri kadar güzeldir. . Konfüçyüs ve takipçilerinin estetik görüşleri, sosyo-politik teorileri doğrultusunda gelişti. "Güzel" terimi (Mayıs) Konfüçyüs'te "iyi" ile eşanlamlıdır veya sadece dıştan güzel anlamına gelir. Genel olarak, Konfüçyüs'ün estetik ideali, güzelin, iyinin ve yararlının sentetik bir birliğidir.

3. Antik estetik düşünce

Antik estetik, antik Yunanistan ve Roma'da MÖ 6. yüzyıldan MS 6. yüzyıla kadar gelişen bir estetik düşüncedir. Mitolojik fikirlerin kaynağı olan antik çağ estetiği, o dönemin kültürünün en çarpıcı ifadelerinden biri olan kölelik oluşumu çerçevesinde doğar, gelişir ve geriler.

Antik estetik tarihinde aşağıdaki dönemler ayırt edilir: 1) erken klasikler veya kozmolojik estetik (MÖ VI-V yüzyıllar); 2) orta klasikler veya antropolojik estetik (MÖ 5. yüzyıl); 3) yüksek (olgun) klasikler veya eidolojik estetik (MÖ V-IV yüzyıllar); 4) erken Helenizm (MÖ IV-I yüzyıllar); 5) geç Helenizm (MS I-VI yüzyıllar).

Antik estetiğin temeli olarak kozmoloji

Estetik fikirler için olduğu kadar antik çağın tüm dünya görüşü için de vurgulanan bir kozmoloji karakteristiktir. Kadimlerin bakış açısından kozmos, uzamsal olarak sınırlı olmasına rağmen, içindeki hareketin uyumu, oranı ve düzenliliği ile ayırt edilmesine rağmen, güzelliğin somutlaşmış hali olarak hareket ediyordu. Antik düşüncenin erken döneminde sanat henüz zanaattan ayrılmamıştı ve uçtan uca estetik bir nesne olarak hareket etmiyordu. Antik Yunan için sanat bir üretim ve teknik faaliyetti. Nesnelere ve fenomenlere yönelik pratik ve tamamen estetik tavrın çözülmez birliği buradan gelir. Yunanlıların sanat kavramını ifade ettikleri "tekne" kelimesinin "tikto" - "doğuruyorum" ile aynı köke sahip olması boşuna değildir, bu nedenle "sanat" Yunanca "nesil" veya malzemedir. kendinden bir şey tarafından yaratılış aynı, ama yeni şeyler.

klasik öncesi estetik

Mitolojide somutlaşan antik estetik, en saf ve en dolaysız haliyle, ilkel komünal oluşum aşamasında şekillendi. II'nin sonu ve MÖ I binyılın ilk yüzyılları. e. Yunanistan'da destansı bir yaratıcılık dönemi vardı. Şiirlerde kaydedilen Yunan destanı Homeros İlyada ve Odyssey, antik estetiğin başladığı kaynak olarak hareket ediyor.

Homer için güzellik bir tanrıydı ve ana sanatçılar tanrılardı. Tanrılar yalnızca bir sanat eseri olarak kozmosun altında yatan kozmik ilkeler değil, aynı zamanda insan yaratıcılığı için de geçerliydi. Apollo ve Muses şarkıcılara ilham verdi ve Homeric şarkıcının çalışmalarında başrolçalan şarkıcının kendisi değil, tanrılar, her şeyden önce Apollon ve Muses'du.

Güzellik, Homer tarafından en ince, şeffaf, parlak madde biçiminde, bir tür akan, yaşayan nehir biçiminde tasarlandı. Güzellik, nesneleri sarabilen, giydirebilen bir tür hafif havadar parlaklık görevi gördü. Bağış, güzellikle kuşatma dışsaldır. Ama bir de içsel bağış vardı. Her şeyden önce Homeros'un şarkıcılarının ve Homeros'un kendisinin esin kaynağıdır.

Antik çağın özel estetik öğretileri

Birçok antik yazarın kendilerini ifade etmeye çalıştığı problemler üzerine bu tür birkaç doktrin vardı.

Kalokagatiya ("Kalos" - güzel, "agatos" - iyi, ahlaki açıdan mükemmel) - bireyin güzelliğinin bir koşulu olan dış ve iç uyumunu ifade eden eski estetik kavramlarından biri. "Kalokagatia" terimi, eski toplumun sosyo-tarihsel gelişiminin farklı dönemlerinde, düşünce türlerine bağlı olarak farklı yorumlanmıştır. Pisagorcular bunu, içsel nitelikler tarafından belirlenen bir kişinin dış davranışı olarak anladılar. Eski aristokrat "kalokagatia" anlayışı, onu rahip gelenekleriyle bağlantılı olarak gören Herodotus'ta, onu askeri hünerle, "doğal" niteliklerle veya genel özelliklerle ilişkilendiren Platon'da içkindir. Eski bireysel ekonominin gelişmesiyle birlikte, "kalokagatia" terimi, pratik ve çalışkan sahipleri belirtmek için kullanılmaya başlandı ve siyasi yaşam alanında (isim olarak) ılımlı demokratlara uygulandı. MÖ 5. yüzyılın sonunda. e. safsatanın gelişiyle birlikte, "kalokagatiya" terimi öğrenme ve eğitimi karakterize etmek için kullanılmaya başlandı. Platon ve Aristoteles, kalokagatiya'yı felsefi olarak anladılar - içsel ve dışsalın uyumu olarak ve içsel olarak, hayatta uygulanması bir kişiyi kalokagatiya'ya götüren bilgeliği anladılar. Helenizm çağında bireyciliğin ve psikolojizmin gelişmesiyle birlikte kalokagatiya, doğal bir nitelik olarak değil, ahlaki anlayışına yol açan ahlaki alıştırmalar ve eğitimin bir sonucu olarak yorumlanmaya başlandı.

Katarsis (arınma) - sanatın bir kişi üzerindeki estetik etkisinin temel anlarından birini belirlemeye yarayan bir terim. Pisagorcular, ruhu özel olarak seçilmiş müziğe maruz bırakarak zararlı tutkulardan arındırma teorisini geliştirdiler. Platon, katarsisi sanatla ilişkilendirmedi, onu ruhun şehvetli özlemlerden, bedensel her şeyden arındırılması, fikirlerin güzelliğini karartması ve çarpıtması olarak anladı. Aslında, katarsis'in estetik anlayışı, müzik ve ilahilerin etkisi altında dinleyicilerin ruhunun heyecanlandığını, içinde güçlü duyguların (acıma, korku, coşku) ortaya çıktığını ve bunun sonucunda dinleyiciler "zevkle ilişkilendirilen bir tür arınma ve rahatlama alırlar..." . Ayrıca trajedinin katartik etkisine işaret ederek onu özel bir tür "merhamet ve korku yoluyla bu tür duyguları arındıran hikaye değil, eylem yoluyla taklit" olarak tanımladı.

mimesis (taklit, çoğaltma) - eski estetikte, sanatçının yaratıcı faaliyetinin temel ilkesi. Tüm sanatların mimesis üzerine kurulu olduğu gerçeğinden yola çıkan antik çağ düşünürleri, bu kavramın özünü farklı şekillerde yorumlamışlardır. Pisagorcular, müziğin "göksel kürelerin uyumunu" taklit ettiğine inanıyorlardı, Democritus, sanatın en geniş anlamıyla (üretken bir insan yaratıcı faaliyeti olarak) insanın hayvanlar tarafından taklit edilmesinden (dokuma - bir örümceğin taklidinden, ev) geldiğine ikna olmuştu. -bina - kırlangıç, şarkı söyleme - kuşlar vb.). Platon, taklitin tüm yaratıcılığın temeli olduğuna inanıyordu. Asıl estetik mimesis teorisi Aristoteles'e aittir. Hem gerçekliğin yeterli bir yansımasını (şeylerin “olmuş ve öyledirler” olarak tasvir edilmesi), hem de yaratıcı hayal gücünün faaliyetini (“hakkında konuşulduğu ve düşünüldüğü” şeklinde tasvir edilmesi) ve gerçekliğin idealleştirilmesini (onların tasviri, “olması gerekenler” gibi). Aristoteles'e göre sanatta mimesisin amacı, bilgi edinmek ve bir nesnenin yeniden üretilmesinden, tefekkür edilmesinden ve bilişinden bir zevk duygusunun uyarılmasıdır.

4. Orta Çağ Estetiği

Temel prensipler

Ortaçağ estetiği, geniş ve dar olmak üzere iki anlamda kullanılan bir terimdir. Kelimenin geniş anlamıyla, ortaçağ estetiği, Batı Avrupa estetiği, Bizans estetiği, Eski Rus estetiği ve diğerleri dahil olmak üzere tüm ortaçağ bölgelerinin estetiğidir. Dar anlamda ortaçağ estetiği, Batı Avrupa'nın 5.-14. yüzyıllardaki estetiğidir. İkincisinde, iki ana kronolojik dönem ayırt edilir - erken ortaçağ (5. - 10. yüzyıllar) ve geç ortaçağ (11. - 14. yüzyıllar) ve ayrıca iki ana alan - felsefi ve teolojik ve sanat eleştirisi. Ortaçağ estetiğinin ilk dönemi, antik mirasla ilgili olarak koruyucu bir konumla karakterize edilir. Geç ortaçağ döneminde, büyük felsefi ve dini kodların ("toplamlar" olarak adlandırılan) bir parçası olarak özel estetik incelemeler ortaya çıktı; estetik problemler, özellikle XII - XIII yüzyıl düşünürlerinin özelliğidir.

Batı'daki Orta Çağ'ın geniş kronolojik dönemi, feodalizmin sosyo-ekonomik oluşumuyla ilişkilidir. Toplumun hiyerarşik yapısı, ortaçağ dünya görüşüne, Tanrı'da tamamlanmasını bulan sözde göksel hiyerarşi fikri biçiminde yansır. Buna karşılık, doğa, duyular dışı ilkenin (Tanrı) görünür bir tezahürü haline gelir. Hiyerarşi hakkındaki fikirler semboliktir. Ayrı görünür, şehvetli fenomenler, yalnızca "görünmez, ifade edilemez Tanrı" nın sembolleri olarak algılanır. Dünya bir sistem olarak düşünüldü karakter hiyerarşisi.

Bizans estetiği

324-330'da İmparator Konstantin, Roma İmparatorluğu'nun yeni başkentini küçük bir antik Bizans şehri olan Konstantinopolis'in bulunduğu yerde kurdu. Bir süre sonra, Roma İmparatorluğu Batı ve Doğu olmak üzere iki kısma ayrıldı. Konstantinopolis, ikincisinin başkenti oldu. O zamandan beri, 1453 yılına kadar tek bir devlet çerçevesinde var olan Bizans kültür tarihini düşünmek adettendir.

Pek çok şeyi özümsemiş ve kendi tarzında yeniden işleyen Bizans estetiği estetik fikirler antik çağ, estetik problemlerin tarihi için önemli olan bir dizi yeniyi ortaya koydu ve çözmeye çalıştı. Bunlar arasında, imge, sembol, kanon, güzelin yeni modifikasyonları gibi kategorilerin gelişimine, sanatın özel analizine, özellikle de sanat algısının analizine ilişkin bir dizi sorunun ortaya çıkmasına işaret edilmelidir. ve sanat eserlerinin yorumlanmasının yanı sıra vurgunun estetik kategorilerin psikolojik yönüne kayması. Bu estetiğin önemli sorunları arasında, dünyayı anlamanın genel felsefi ve dini sisteminde sanatın rolü, onun epistemolojik rolü ve diğer bazı sorunlar yer alır.

"Mutlak güzellik", Bizanslıların manevi özlemlerinin hedefidir. Bu hedefe giden yollardan biri de “güzel”de gördükleri materyal Dünya, çünkü onda ve onun aracılığıyla her şeyin "suçlusu" biliniyor. Bununla birlikte, Bizanslıların "dünyevi güzelliğe" karşı tutumu ikirciklidir ve her zaman kesin değildir.

Bir yandan Bizans düşünürleri, günahkar düşüncelerin ve bedensel şehvetin etkeni olarak şehvetli güzelliğe karşı olumsuz bir tavır sergiliyorlardı. Öte yandan, maddi dünyada ve sanatta güzele çok değer veriyorlardı, çünkü onların anlayışına göre bu, ampirik varlık düzeyinde ilahi mutlak güzelliğin bir "teşhiri" ve tezahürü olarak hareket ediyordu.

Bizans düşünürleri güzelin - çirkinin kutupsal kategorisini de biliyorlardı ve onu tanımlamaya çalıştılar. Güzellik eksikliği, düzen, farklı nesnelerin orantısız karışımı - tüm bunlar çirkinliğin göstergeleridir, çünkü "çirkinlik aşağılıktır, biçim eksikliği ve düzenin ihlalidir."

Bizans düşünürleri için "güzel"in (doğada ve sanatta) hiçbir nesnel değeri yoktu. Ona yalnızca ilahi "mutlak güzellik" sahipti. Güzel, onlar için her seferinde yalnızca belirli bir algı konusuyla doğrudan temasında önemliydi. Görüntüdeki ilk etapta psikolojik işlevi vardı - belirli bir şekilde organize etmek iç durum kişi. "Güzel", süper güzeli, "mutlak güzelliği" kavramanın zihinsel bir yanılsamasını oluşturmanın bir yoluydu.

Güzellik ve güzelliğin yanı sıra Bizans estetiği, bazen onlarla örtüşen, ancak genellikle bağımsız bir anlamı olan ışık olan başka bir estetik kategori ortaya koydu. Tanrı ile ışık arasında yakın bir ilişki olduğunu varsayan Bizanslılar bunu "ışık - güzellik" ilişkisinde ifade ederler.

Erken Orta Çağ

Batı Avrupa ortaçağ estetiği, Hıristiyan düşünürden büyük ölçüde etkilenmiştir. Aurelius Augustine . Augustine güzelliği biçimle, biçimin yokluğunu çirkinlikle özdeşleştirdi. Kesinlikle çirkin olmadığına inanıyordu, ancak daha mükemmel organize edilmiş ve simetrik olanlara kıyasla formdan yoksun nesneler var. Çirkin sadece göreceli bir kusurdur, güzelliğin en düşük derecesidir.

Augustine, bütünün bir parçası olarak güzel olan bir parçanın ondan koparak güzelliğini kaybettiğini, aksine çirkinin kendi içinde güzelleşerek güzel bütünün içine girdiğini öğretti. Augustine, dünyayı kusurlu bulanları, tüm kompozisyonu düşünmek ve tek bir bütün halinde birbirine bağlı taşların güzelliğinin tadını çıkarmak yerine tek bir mozaik kübe bakan insanlara benzetiyordu. Sadece saf bir ruh evrenin güzelliğini kavrayabilir. Bu güzellik, "ilahi güzellik"in bir yansımasıdır. Tanrı en yüksek güzelliktir, maddi ve manevi güzelliğin arketipidir. Evrende hüküm süren düzeni Allah yaratmıştır. Bu düzen ölçü, birlik ve uyumda tecelli eder, çünkü Allah "her şeyi ölçü, sayı ve ağırlıkla ayarlamıştır."

Neredeyse bir bin yıl boyunca, Augustine'in eserleri, Batı Avrupa ortaçağ estetiğinde eski Platonizm ve Neoplatonizmin ana şeflerinden biriydi, ortaçağ dini estetiğinin temellerini attılar, sanatı kilisenin hizmetinde kullanmanın yollarını kavradılar.

Geç Orta Çağ

Sözde "Toplamlar", sunumun şu sırayla gerçekleştirildiği 13. yüzyılda skolastik felsefenin bir örneği haline gelir: problem bildirimi, çeşitli görüşlerin sunumu, yazarın çözümü, mantıksal kanıtlar, olası ve geçerli itirazların çürütülmesi. “İlahiyatın Toplamı” da bu ilkeye göre inşa edilmiştir. Thomas Aquinas , bazı bölümleri estetiğe ayrılmıştır.

Aquinas, güzelliği görünüşüyle ​​haz veren şey olarak tanımlamıştır. Güzellik üç koşul gerektirir:

1) bütünlük veya mükemmellik,

2) gerekli orantı veya uyum

3) parlak bir renge sahip olan nesnelerin güzel olarak adlandırılmasından dolayı netlik. Berraklık, güzelliğin doğasında vardır. Aynı zamanda "berraklık", fiziksel parlaklıktan çok algının netliği anlamına gelir ve bu nedenle zihnin netliğine yaklaşır.

Güzellik ve iyi gerçekten ayırt edilemez, çünkü ona göre Tanrı hem mutlak güzellik hem de mutlak iyidir, ama yalnızca kavram olarak. Bir nimet, bir arzuyu veya ihtiyacı tatmin eden bir şeydir. Bu nedenle arzu, bir nesneye yönelik bir tür hareket olduğu için hedef kavramıyla bağlantılıdır.

Güzellik daha fazlasını gerektirir. Bu o kadar iyi ki, algısı bile memnuniyet veriyor. Ya da başka bir deyişle arzu, güzel bir şeyin tefekküründe veya idrakinde tatmin bulur. Estetik zevk, bilişle yakından ilgilidir. Bu nedenle, her şeyden önce, en bilişsel olan duyumlar, yani görsel ve işitsel, estetik algı ile ilgilidir. Görme ve işitme, akılla yakından bağlantılıdır ve bu nedenle güzelliği algılama yeteneğine sahiptir.

"Işık", tüm ortaçağ estetiğinin önemli bir kategorisiydi. Işık sembolizmi aktif olarak geliştirildi. "Işığın Metafiziği", Orta Çağ'da güzellik doktrininin dayandığı temeldi. Claritas, ortaçağ incelemelerinde ışık, parlaklık, berraklık anlamına gelir ve neredeyse tüm güzellik tanımlarında yer alır. Augustine için güzellik, gerçeğin ışıltısıdır. Aquinas'a göre güzelin ışığı, "ister sanat eseri ister doğa olsun, bir şeyin formunun ışıltısı anlamına gelir ... öyle bir şekilde ki, ona mükemmelliğinin tüm dolgunluğu ve zenginliğiyle görünür. emir."

Ortaçağ düşünürlerinin insanın iç dünyasına olan ilgisi, müzikal estetik problemlerini geliştirmelerinde özellikle açık ve eksiksiz bir şekilde kendini gösterir. Aynı zamanda, müzik estetiği sorunlarının kendilerinin, genel felsefi öneme sahip evrensel kavramların bir tür “kaldırılmış” modeli olması önemlidir.

Ortaçağ düşünürleri güzellik ve sanat algısını çokça ele almış, estetik tarihi için ilgi çekici bir takım yargılarda bulunmuşlardır.

5. Rönesans'ın estetik öğretileri

Çağın geçiş doğası, insancıl yönelimi ve ideolojik yenilikleri

Rönesans'ta şunlar vardır: Proto-Rönesans (ducento ve trecento, 12-13 - 13-14 yüzyıllar), Erken Rönesans (quattrocento, 14-15 yüzyıllar), Yüksek Rönesans (cinquecento, 15-16 yüzyıllar).

Rönesans estetiği, kamusal yaşamın tüm alanlarında meydana gelen görkemli devrimle ilişkilidir: ekonomide, ideolojide, kültürde, bilimde ve felsefede. Bu zamana kadar, kentsel kültürün gelişmesi, insanın ufkunu son derece genişleten büyük coğrafi keşifler, zanaattan fabrikaya geçiş.

Üretici güçlerin gelişimi, üretimi engelleyen feodal sınıf ilişkilerinin çözülmesi, bireyin özgürleşmesine yol açar, özgür ve evrensel gelişimi için koşullar yaratır.

Bireyin kapsamlı ve evrensel gelişimi için elverişli koşullar, yalnızca feodal üretim tarzının çözülmesi nedeniyle değil, aynı zamanda henüz oluşumunun şafağında olan kapitalizmin yetersiz gelişmesi nedeniyle de yaratılmıştır. Rönesans kültürünün feodal ve kapitalist üretim tarzlarıyla ilişkili bu ikili, geçişli karakteri, bu dönemin estetik fikirleri dikkate alınırken dikkate alınmalıdır. Rönesans bir devlet değil, bir süreçtir ve dahası, geçiş niteliğinde bir süreçtir. Bütün bunlar dünya görüşünün doğasına yansır.

Rönesans'ta, ortaçağ dünya görüş sisteminin radikal bir şekilde kırılması ve yeni, hümanist bir ideolojinin oluşması süreci vardır. Geniş anlamda hümanizm, bir kişinin bir kişi olarak değerini, özgürlük hakkını, mutluluğunu, yeteneklerinin gelişimini ve tezahürünü tanıyan, bir kişinin iyiliğini sosyal değerlendirme için bir kriter olarak gören, tarihsel olarak değişen bir görüş sistemidir. kurumlar ve eşitlik, adalet, insanlık ilkeleri, insanlar arasındaki ilişkilerin arzu edilen bir normu olarak. Dar anlamda, Rönesans'ın kültürel bir hareketidir. İtalyan hümanizminin tüm biçimleri, Rönesans estetiği tarihine değil, estetiğin sosyo-politik atmosferine atıfta bulunur.

Rönesans estetiğinin temel ilkeleri

Her şeyden önce, bu çağdaki yenilik, güzelliğin önceliğinin ve dahası şehvetli güzelliğin teşvik edilmesidir. Allah dünyayı yarattı ama bu dünya ne kadar güzel, insan hayatında ve insan vücudunda, insan yüzünün canlı ifadesinde ve insan vücudunun uyumunda ne kadar güzellikler var!

İlk başta sanatçı, olduğu gibi, Tanrı'nın işini de Tanrı'nın iradesine göre yapar. Ancak sanatçının itaatkar ve alçakgönüllü olması, eğitimli ve eğitimli olması gerektiği gerçeğinin yanı sıra, felsefe dahil tüm bilimlerde çok şey anlaması gerekir. Sanatçının ilk öğretmeni, çıplak insan vücudunun dikkatli bir şekilde ölçülmesini amaçlayan matematik olmalıdır. Antik çağ insan figürünü altı veya yedi parçaya böldüyse, o zaman Alberti resim ve heykelde doğruluk elde etmek için onu 600 parçaya ve ardından Dürer 1800 parçaya böldü.

Ortaçağ ikon ressamı, insan vücudunun gerçek oranlarıyla pek ilgilenmiyordu, çünkü onun için bu yalnızca ruhun bir taşıyıcısıydı. Ona göre bedenin uyumu, münzevi bir taslaktan, bedenüstü dünyanın onun üzerindeki düzlemsel bir yansımasından ibaretti. Ancak dirilişçi Giorgione için "Venüs" tam teşekküllü bir çıplak kadın bedenidir ve bu, Tanrı'nın bir yaratımı olmasına rağmen, ona bakarak Tanrı'yı ​​\u200b\u200bbir şekilde unutuyorsunuz. Burada ön planda gerçek anatomi bilgisi var. Bu nedenle, Rönesans sanatçısı yalnızca tüm bilimlerde değil, öncelikle matematik ve anatomide uzmandır.

Rönesans teorisi, antik teori gibi, doğanın taklidini vaaz eder. Ancak burada sanatçı kadar doğa ön planda değildir. Sanatçı, çalışmalarında doğanın kendi girintilerinde yatan güzelliği ortaya çıkarmak istiyor. Bu nedenle sanatçı, sanatın doğadan bile daha yüksek olduğuna inanıyor. Örneğin, Rönesans estetiği teorisyenlerinin bir karşılaştırması var: Bir sanatçı, Tanrı'nın dünyayı yaratma şeklini ve hatta bundan daha mükemmelini yaratmalı. Artık sanatçı hakkında sadece tüm bilimlerde uzman olması gerektiğini söylemiyor, aynı zamanda bir güzellik kriteri bulmaya çalıştıkları çalışmalarını da vurguluyorlar.

Rönesans'ın estetik düşüncesi, antik kozmoloji ve ortaçağ teolojisi olmadan ilk kez insan vizyonuna güvendi. Rönesans'ta, bir kişi ilk kez dünyanın gerçek ve öznel-duygusal olarak görünür resminin onun gerçek resmi olduğunu, bunun kurgu olmadığını, bir yanılsama olmadığını, bir görüş hatası olmadığını ve spekülatif ampirizm olmadığını düşünmeye başladı. ama kendi gözlerimizle gördüğümüz, - gerçekte olan budur.

Ve her şeyden önce, gördüğümüz nesnenin bizden uzaklaştıkça nasıl tamamen farklı biçimler aldığını ve özellikle boyutunun küçüldüğünü gerçekten görüyoruz. Yakınımızda tamamen paralel gibi görünen iki çizgi, bizden uzaklaştıkça daha da yaklaşıyor ve ufukta, yani bizden yeterince büyük bir mesafede, tamamen birleşinceye kadar birbirlerine yaklaşıyorlar. tek nokta. Sağduyu açısından bakıldığında, bunun saçma olduğu görülüyor. Doğrular burada paralelse, o zaman her yerde paraleldir. Ancak Rönesans estetiğinin bizden yeterince uzaktaki bu paralel çizgilerin birleşmesi gerçeğine o kadar büyük bir güveni var ki, daha sonra bu tür gerçek insan duyumlarından bütün bir bilim ortaya çıktı - perspektif geometrisi.

Temel estetik felsefi öğretiler ve sanat teorisi

Erken hümanizmde, ortaçağ çileciliğine karşı bir polemik biçimi ve ortaçağ düşünürlerinin sorguladığı şehvetli bedensel güzelliği iyileştirmenin bir yolu olarak hizmet eden Epikurosçuluğun etkisi özellikle güçlü bir şekilde hissedildi.

Rönesans, Epikuros felsefesini kendi tarzında yorumladı, bu da yazar Valla'nın çalışmalarında ve Zevk Üzerine incelemesinde görülebiliyor. Valla'nın zevk vaazının tefekkür, kendi kendine yeten bir anlamı var. Valla, incelemesinde yalnızca, hiçbir şeyin yükü olmayan, kötü hiçbir şeyi tehdit etmeyen, ilgisiz ve kaygısız, derinden insani ve aynı zamanda ilahi olan bu tür zevk veya zevkleri öğretir.

Rönesans Neoplatonizmi, ortaçağ skolastikliğine ve "skolastikleştirilmiş" Aristotelesçiliğe karşı çıkan tamamen yeni bir Neoplatonizm türünü temsil eder. Neoplatonik estetiğin gelişimindeki ilk aşamalar, Nicholas of Cusa'nın adıyla ilişkilendirildi.

Kuzansky, güzellik kavramını Güzellik Üzerine incelemesinde geliştirir. Ona göre güzellik, Orta Çağ estetiğinin özelliği olduğu gibi, kutsal prototipin yalnızca bir gölgesi veya soluk bir izi olarak görünmez. Gerçeğin, şehvetin her biçiminde, tüm özel tezahürleri için yeterli olan sonsuz tek bir güzellik parlar. Kuzansky, hiyerarşik güzellik seviyeleri, daha yüksek ve daha düşük güzellik, mutlak ve göreceli, şehvetli ve ilahi fikirleri reddeder. Tüm güzellik türleri ve biçimleri kesinlikle eşittir. Kuzansky'de güzellik, varlığın evrensel bir özelliğidir. Kuzansky, yavan, günlük gerçeklik de dahil olmak üzere tüm varlığı estetize eder. Biçimi, şekli olan her şeyde bir güzellik vardır. Dolayısıyla çirkin, varlığın kendisinde bulunmaz, ancak bu varlığı algılayanlardan doğar. Düşünür, "Utanç - onu kabul edenlerden ...", - iddia ediyor. Dolayısıyla varlık çirkinlik içermez. Dünyada yalnızca doğanın ve genel olarak varlığın evrensel bir özelliği olarak güzellik vardır.

Saniye büyük dönem Rönesans Neo-Platonculuğunun estetik düşüncesinin gelişmesinde, başkanlığındaki Floransa'daki Platonik Akademi vardı. Ficino . Ficino'ya göre her aşk bir arzudur. Güzellik, "güzellik arzusu" veya "güzelliğin tadını çıkarma arzusu"ndan başka bir şey değildir. İlahi güzellik, manevi güzellik ve bedensel güzellik vardır. İlahi güzellik, meleksel veya kozmik zihne, sonra kozmik ruha veya tüm dünyanın ruhuna, sonra ay altı veya dünyevi doğa alemine ve son olarak maddenin biçimsiz ve cansız alemine nüfuz eden bir tür ışındır.

Ficino'nun estetiğinde çirkin kategorisi yeni bir yorum alır. Cusa'lı Nicholas'ın dünyanın kendisinde çirkinliğe yeri yoksa, o zaman Neoplatonistlerin estetiğinde çirkinlik zaten bağımsızdır. estetik değer. İdeal, ilahi güzelliğin ruhsallaştırma faaliyetine karşı çıkan maddenin direnciyle bağlantılıdır. Buna bağlı olarak sanatsal yaratıcılık kavramı da değişmektedir. Sanatçı, doğanın eksikliklerini sadece gizlememeli, aynı zamanda doğayı yeniden yaratıyormuş gibi düzeltmelidir.

Rönesans'ın estetik düşüncesinin gelişimine büyük katkı, bir İtalyan sanatçı, mimar, bilim adamı, sanat teorisyeni ve filozof tarafından yapıldı. Alberti . Alberti'nin estetiğinin merkezinde güzellik doktrini vardır. Ona göre güzellik uyum içindedir. Güzelliği, özellikle de bir mimari yapının güzelliğini oluşturan üç unsur vardır. Bunlar sayı, kısıtlama ve yerleşimdir. Ancak güzellik, bunların basit bir aritmetik toplamı değildir. Uyum olmadan, parçaların yüksek uyumu bozulur.

Alberti'nin "çirkin" kavramını nasıl yorumladığı karakteristiktir. Güzellik onun için mutlak bir sanat eseridir. Çirkin, yalnızca belirli bir tür hata olarak hareket eder. Sanatın düzeltmemesi, çirkin ve çirkin nesneleri saklaması talebi buradan kaynaklanır.

büyük italyan sanatçı da Vinci hayatında, bilimsel ve sanatsal çalışmalarında, "kapsamlı bir şekilde gelişmiş bir kişilik" hümanist idealini somutlaştırdı. Pratik ve teorik ilgi alanları gerçekten evrenseldi. Resim, heykel, mimari, piroteknik, askeri ve inşaat mühendisliği, matematik ve bilim, tıp ve müziği içeriyordu.

Tıpkı Alberti gibi, resimde sadece "doğanın gözle görülür yaratımlarının aktarımı" değil, aynı zamanda "esprili kurgu" da görüyor. Aynı zamanda, başta resim olmak üzere güzel sanatların amacına ve özüne temelde farklı bir bakış açısı getiriyor. Çözünürlüğü Leonardo'nun diğer tüm teorik öncüllerini önceden belirleyen teorisinin ana konusu, dünyayı tanımanın bir yolu olarak resmin özünün tanımıydı. "Resim bir bilimdir ve doğanın meşru kızıdır" ve "doğada hem var olan hem de olmayan tüm biçimleri içerdiği için diğer tüm etkinliklerin üzerine yerleştirilmelidir."

Resim, Leonardo tarafından, gerçek dünyanın tüm nesnelerini kapsayan gerçekliği kavramanın evrensel yöntemi olarak sunulur, ayrıca resim sanatı, istisnasız herkesin anlayabileceği ve erişebileceği görünür görüntüler yaratır. Bu durumda, yaratıcı bireysellik prizmasından kırılarak gerçek dünyanın yansıtıldığı ayna olacak olan, sanatçının evrenin yasaları hakkında derin bilgi ile zenginleştirilmiş kişiliğidir.

Leonardo'nun eserlerinde çok açık bir şekilde ifade edilen Rönesans'ın kişisel-maddi estetiği, en yoğun biçimlerine Michelangelo . Bireyi tüm dünyanın merkezine yerleştiren estetik canlandırma programının başarısızlığını gözler önüne seren Yüksek Rönesans figürleri, Farklı yollar ana desteğin bu kaybını çalışmalarında dile getirirler. Leonardo'da tasvir ettiği figürler çevrelerinde çözülmeye hazırsa, sanki bir tür hafif pusla sarılmışlarsa, o zaman Michelangelo tamamen zıt bir özellikle karakterize edilir. Kompozisyonlarındaki her figür kendi içinde kapalı bir şeydir, bu nedenle figürler bazen birbiriyle o kadar ilgisizdir ki kompozisyonun bütünlüğü bozulur.

Sürekli artan bir yüce dindarlık dalgasıyla hayatının sonuna kadar götürülen Michelangelo, gençliğinde taptığı her şeyi ve her şeyden önce, insanüstü gücü ifade eden çiçek açan çıplak bir bedeni inkar etmeye gelir. enerji. Rönesans putlarına hizmet etmeyi bırakır. Aklında, tıpkı Rönesans'ın ana idolünün yenildiği gibi - sanatın Tanrı'ya eşit hale gelmesi yoluyla insanın sınırsız yaratıcı gücüne olan inanç - yenilirler. Bundan sonra geçtiği tüm yaşam yolu, Michelangelo'ya tam bir yanılsama gibi görünüyor.

Rönesans'ın estetik ideallerinin krizi ve tavırcılığın estetik ilkeleri

Rönesans'ın artan düşüşünün en açık işaretlerinden biri, Maniyerizm adı verilen sanatsal ve teorik-estetik eğilimdir. "Tarz" kelimesi başlangıçta özel bir tarz, yani sıradandan farklı, o zaman - koşullu, yani doğaldan farklı bir tarz anlamına geliyordu. Maniyerizmin güzel sanatlarının ortak bir özelliği, kendilerini olgun Rönesans sanatının idealinden kurtarma arzusuydu.

Bu eğilim, İtalyan Quattrocento'nun hem estetik fikirlerinin hem de sanatsal pratiğinin sorgulanmasında kendini gösterdi. O dönemin sanat teması, değişen, dönüşen bir gerçeklik imgesine karşıydı. Alışılmadık, şaşırtıcı temalar, ölü doğa, inorganik nesneler değerlendirildi. Kurallar kültü ve orantı ilkeleri sorgulandı.

Sanat pratiğindeki değişiklikler, estetik teorilere yapılan vurguda değişiklikler ve değişiklikler getirdi. Her şeyden önce bu, sanatın görevleri ve sınıflandırılmasıyla ilgilidir. Esas mesele güzellik sorunu değil, sanat sorunu haline gelir. "yapaylık" en yüksek estetik ideal haline gelir. Yüksek Rönesans estetiği, sanatçının yardımıyla doğanın gerçek bir transferini başarabileceği kesin, bilimsel olarak doğrulanmış kurallar arıyorsa, o zaman üslup teorisyenleri herhangi bir kuralın, özellikle matematiksel olanların koşulsuz önemine karşı çıkarlar. Doğa ile sanatsal deha arasındaki ilişki sorunu, üslup estetiğinde farklı bir şekilde yorumlanır. 15. yüzyıl sanatçıları için bu sorun doğa lehine çözüldü. Sanatçı eserlerini doğayı takip ederek, tüm fenomen çeşitliliğinden güzelliği seçip çıkararak yaratır. Maniyerizm estetiği, sanatçının dehasına koşulsuz tercih verir. Sanatçı sadece doğayı taklit etmekle kalmamalı, onu düzeltmeli, onu aşmaya çalışmalıdır.

Maniyerizm estetiği, Rönesans estetiğinin bazı fikirlerini geliştirip, bazılarını inkâr edip yerine yenilerini koyarak, çağının ürkütücü ve çelişkili durumunu yansıtıyordu. Olgun Rönesans'ın uyumlu netliği ve dengesi, sanatsal düşüncenin dinamiklerini, gerilimini ve karmaşıklığını ve buna bağlı olarak estetik teorilerdeki yansımasını karşılaştırarak 17. yüzyılın ana sanatsal eğilimlerinden biri olan barokun yolunu açtı.

6 . Yeni zamanın estetiği

Kültürün rasyonalist temelleri. 16. ve 17. yüzyıl kültürleri arasında kesin bir sınır çizmek imkansızdır. Daha 16. yüzyılda, İtalyan doğa filozoflarının öğretilerinde dünya hakkında yeni fikirler şekillenmeye başladı. Ancak evren bilimindeki gerçek dönüm noktası, 16. ve 17. yüzyılların başında, Kopernik'in güneş merkezli teorisini geliştiren Giordano Bruno, Galileo Galilei ve Kepler'in dünyaların çoğulluğu hakkında bir sonuca vardıkları zaman gerçekleşir. teleskopun ve mikroskobun icadı insana sonsuz uzaklığın ve sonsuz küçüğün varlığını gösterdiğinde, dünyanın merkez değil, küçük bir parçacık olduğu evrenin sonsuzluğu.

17. yüzyılda insan anlayışı, dünyadaki yeri, birey ve toplum arasındaki ilişki değişti. Rönesans insanının kişiliği, mutlak birlik ve bütünlük ile karakterize edilir, karmaşıklık ve gelişmeden yoksundur. Rönesans'ın kişiliği, iyi bir güç olan doğaya uygun olarak kendini gösterir. Bir kişinin enerjisi ve serveti onun yaşam yolunu belirler. Ancak bu "pastoral" hümanizm, insanın kendisini evrenin merkezi olarak kabul etmeyi bıraktığı, hayatın karmaşıklığını ve çelişkilerini hissettiği, feodal Katoliklere karşı şiddetli bir mücadele vermek zorunda kaldığı yeni çağa artık uygun değildi. reaksiyon.

17. yüzyılın kişiliği, Rönesans'ın kişiliği gibi özünde değerli değildir, kendisini etkilemek ve ikna etmek için daima çevreye, doğaya ve kendini göstermek istediği insan kitlesine bağlıdır. Bu, bir yandan kitlelerin hayal gücünü etkileme, diğer yandan onları ikna etme eğilimi, 17. yüzyıl sanatının temel özelliklerinden biridir.

17. yüzyıl sanatı, Rönesans sanatı gibi, kahraman kültüyle karakterize edilir. Ancak bu, eylemlerle değil, duygularla, deneyimlerle karakterize edilen bir kahramandır. Bu sadece sanatla değil, aynı zamanda 17. yüzyıl felsefesiyle de kanıtlanmaktadır. Descartes tutku doktrinini yaratırken, Spinoza insan arzularını "sanki çizgiler, düzlemler ve bedenlermiş gibi" ele alır.

Bu yeni dünya ve insan algısı, nasıl kullanıldığına bağlı olarak 17. yüzyılda ikili bir yön alabilir. Doğanın ve insan ruhunun bu karmaşık, çelişkili, çok yönlü dünyasında kaotik, irrasyonel, dinamik ve duygusal yönü, yanıltıcı doğası, duyusal nitelikleri vurgulanabilir. Bu yol Barok üslubuna götürdü.

Ancak bu kaosta hakikati ve düzeni gören açık, seçik fikirlere, çelişkileriyle boğuşan düşünceye, tutkuların üstesinden gelen akla da vurgu yapılabilir. Bu yol klasisizme yol açtı.

Klasik tasarımlarını sırasıyla İtalya ve Fransa'da alan Barok ve klasisizm, bir dereceye kadar tüm Avrupa ülkelerine yayıldı ve 17. yüzyılın sanat kültüründe baskın eğilimler oldu.

Barok Estetik İlkeleri

Barok üslup, İtalya'da, küçük devletlere bölünmüş bir ülkede, karşı reform ve güçlü bir feodal tepki yaşayan bir ülkede, zengin vatandaşların toprak sahibi bir aristokrasiye dönüştüğü bir ülkede, Maniyerizm teori ve pratiğinin geliştiği bir ülkede ortaya çıkar. ve aynı zamanda, Rönesans'ın sanatsal kültürünün en zengin geleneklerinin tüm parlaklığıyla korunduğu yer. Barok, öznelliğini Maniyerizm'den, Rönesans'tan aldı - gerçekliğe olan hayranlığı, ancak her ikisi de yeni bir üslup kırılmasında. Ve Maniyerizm'in kalıntıları 17. yüzyılın ilk ve hatta ikinci on yılını etkilemeye devam etse de, özünde İtalya'da Maniyerizm'in aşılması 1600 yılına kadar tamamlanmış sayılabilir.

Barok estetiğin karakteristik sorunlarından biri, retorikten kaynaklanan ikna sorunudur. Retorik, gerçeği akla yatkınlıktan ayırmaz; ikna aracı olarak, eşdeğer görünüyorlar - ve bu nedenle, öznel, yanıltıcı bir makullük izlenimi yaratan bir etki yaratma "sanat" tekniğinin sınıflandırılmasıyla birleşen barok sanatın yanıltıcı, fantastik, öznelliği gelir.

...

Benzer Belgeler

Estetik öğretilerin tarihi. Güzellik doktrini olarak estetik ve güzellik bilimi olarak sanat. Antik Çağ, Orta Çağ, Rönesans, Yeni Çağ dönemlerinde estetik öğretilerin gelişimi. XIX-XX yüzyılların Avrupa sanat akımları.

sunum, 27.11.2014 eklendi


Rönesans estetiğinin karakteristik özellikleri. Zen Budizminin estetik ve felsefesinin etkisinde ortaya çıkan çay seremonisinin özellikleri ve ana aşamaları. Rönesans'ta evlilik töreninin sembolizmi ve bir tören dansı olarak polonez üzerine bir çalışma.

özet, 05/03/2010 eklendi


Bir bilim olarak etik, konusu, görevleri ve özellikleri. Etik doktrinlerin tarihi. Etikteki ana yönler. Etiğin ana kategorileri ve sorunları. Bir bilim, konu, görev ve amaç olarak estetik. Estetiğin gelişim tarihi. Temel estetik kategoriler.

kitap, 27.02.2009 tarihinde eklendi


Estetiğin nesnesi ve konusu, bilimler sistemindeki yeri. Estetik düşüncenin gelişimi. Gerçekliğe estetik tutum. Bir bilim olarak estetiğin oluşumu. Felsefe doğrultusunda fikir geliştirme. Estetiğin nesnelliği. Değer ve değer değerlendirmesi.

özet, 30.06.2008 tarihinde eklendi


Rönesans estetiği, kamusal yaşamın her alanında meydana gelen bir devrimle ilişkilendirilir. Erken Rönesans estetiği, erken hümanizm estetiği olarak, yüksek Rönesans - Neoplatonizm, geç - doğal felsefe. D. Bruno, T. Campanella.

özet, 30.12.2008 tarihinde eklendi


Rönesans döneminde İtalya'da yaşamı kucaklayan uyumun bir parçası olarak zarif kadın estetiği. Asil İtalyan hanımlarının güzellik idealleri; "güzelliği korumak için" parfümlerin ortaya çıkışı. Catherine Sforza'nın makyaj yapmanın kuralları ve teknikleri üzerine yazdığı bir inceleme.

özet, 05/06/2012 eklendi


Estetik - estetik ve sanatsal faaliyet felsefesi. estetik sistem. Sanatçı için teorinin anlamı. Estetiğin temelleri. Estetik kategori türleri. Modern estetikte tutarlılık. Tasarım. Sanat. Estetiğin değeri.

özet, 06/11/2008 eklendi


Estetiğin tarihi içerisinde konusu ve görevleri değişmiştir. Başlangıçta estetik, felsefenin ve kozmogoninin bir parçasıydı ve dünyanın bütünsel bir resmini yaratmaya hizmet ediyordu. Modern estetik, dünyanın sanatsal deneyimini özetler. Rus estetiğinin gelişimindeki tarihsel aşamalar.

özet, 21.05.2008 tarihinde eklendi


Temsilcileri arasında Belinsky, Chernyshevsky, Dobrolyubov ve Pisarev gibi 19. yüzyılın büyük Rus düşünürleri olan gerçeklik estetiğinin veya yaşam estetiğinin oluşumunun tarihsel yönleri. Solovyov'un felsefi estetiği.

özet, 11/18/2010 eklendi


Antik kültürün özellikleri, antik Yunan estetiğinin özelliklerinin analizi. Antik estetiğin ilkeleri: mimesis, kalokagathia, katarsis. Uyum kavramı ve antik Yunan estetik kanonunun özgüllüğü. Yunan sanatının idealleştirme arzusu.

En yeni zaman aynı zamanda sanatsal dönemin gününü de içerir: avangard ve gerçekçilik. özgünlük Bu dönemlerin en önemli özelliği, ardışık olarak değil, tarihsel olarak paralel olarak gelişmelerinde yatmaktadır.

avangart sanat grupları N uy ( premodernizm, modernizm, neomodernizm, postmodernizm) gerçekçi grupla paralel olarak gelişir (19. yüzyılın eleştirel gerçekçiliği, sosyalist gerçekçiliği, kırsal nesir, Yeni-Gerçekçilik, büyülü gerçekçilik, psikolojik gerçekçilik, entelektüel gerçekçilik).Çağların bu paralel gelişiminde görünür tarihin hareketinin genel ivmesi.

Avangard akımların sanatsal konseptinin ana hükümlerinden biri: kaos, düzensizlik "Hukuk modern hayat insan toplumu. Sanat, dünya düzensizliğinin yasalarını inceleyerek kaosolojiye dönüşür.

Tüm avangart eğilimler, hem yaratıcı hem de alımlayıcı süreçte bilinci daraltır ve bilinçdışı başlangıcı artırır. Bu alanlar, kitle sanatına ve bireyin bilincinin oluşum sorunlarına büyük önem vermektedir.

Avangard sanat akımlarını birleştiren özellikler: insanın evrendeki konumuna ve amacına yeni bir bakış, daha önce belirlenmiş kural ve normların, geleneklerin ve

el becerisi, biçim ve üslup alanında deneyler, yeni arayışlar sanatsal araçlar ve hileler.

Premodernizm - avangard dönemin ilk (ilk) sanatsal gelişim dönemi; 19. yüzyılın ikinci yarısının kültüründe, en son sanatsal gelişimin bütün bir aşamasını (kayıp yanılsama aşaması) açan bir grup sanatsal eğilim.

Natüralizm, sanatsal anlayışının değişmezi, maddi-maddi dünyada etten bir adamın iddiası olan sanatsal bir yöndür; bir kişi, yalnızca son derece organize biyolojik bir birey olarak ele alındığında bile, her tezahüründe dikkati hak eder; tüm kusurlarına rağmen dünya istikrarlıdır ve onunla ilgili tüm ayrıntılar genel ilgi alanıdır. Sanatsal natüralizm kavramında arzular ve olanaklar, idealler ve gerçeklik dengelenir, toplumun belirli bir kayıtsızlığı, konumundan duyduğu memnuniyet ve dünyadaki hiçbir şeyi değiştirme isteksizliği hissedilir.

Natüralizm, tüm görünür dünyanın doğanın bir parçası olduğunu ve doğaüstü veya paranormal nedenlerle değil, onun yasalarıyla açıklanabileceğini iddia eder. Natüralizm, realizmin mutlaklaştırılmasından ve Darwinci biyoloji teorilerinin, toplumu incelemeye yönelik bilimsel yöntemlerin ve Taine ile diğer pozitivistlerin determinist fikirlerinin etkisi altında doğdu.

İzlenimcilik - Sanatsal konseptin değişmezliği, dünyanın güzelliğine hayran olan rafine, lirik olarak duyarlı, etkilenebilir bir kişiliğin iddiası olan sanatsal yön (19. yüzyılın ikinci yarısı - 20. yüzyılın başları).İzlenimcilik, yeni bir gerçeklik algısı türü açtı. Tipik olanın aktarımına odaklanan gerçekçiliğin aksine, izlenimcilik sanatçı tarafından özel, bireysel ve onların öznel vizyonuna odaklanır.

İzlenimcilik bir renk ustalığı, chiaroscuro, çeşitliliği, çok renkli yaşamı, var olma sevincini aktarma yeteneği, kısacık aydınlatma anlarını ve çevredeki değişen dünyanın genel durumunu yakalama, açık havayı aktarma - ışık oyunu kişi ve nesnelerin etrafındaki gölge ve gölgeler, hava ortamı, doğal ışık, tasvir edilen nesneye estetik bir görünüm kazandırır.

İzlenimcilik kendini resimde (C. Monet, O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, V. Van Gogh, P. Gauguin, A. Matisse, Utrillo, K. Korovin) ve müzikte (C. Debussy ve M) gösterdi. Ravel, A. Scriabin) ve literatürde (kısmen G. Maupassant, K. Hamsun, G. Kellermann, Hofmannsthal, A. Schnitzler, O. Wilde, A. Simone).

eklektizm- eserler yaratırken, geçmişin herhangi bir formunun herhangi bir kombinasyonunu, herhangi bir ulusal geleneği, açık dekoratifçiliği, bir eserdeki öğelerin birbirinin yerine geçebilirliğini ve eşdeğerliğini, hiyerarşinin ihlal edilmesini içeren sanatsal bir yön (esas olarak mimaride kendini gösterir) sanatsal sistemi ve sistemi ve bütünlüğü zayıflatıyor.

Eklektizm, aşağıdakilerle karakterize edilir: 1) çok sayıda dekorasyon; 2) çeşitli unsurların, tüm stil biçimlerinin eşit önemi; 3) bir şehir topluluğundaki masif ve benzersiz bir bina veya bir edebiyat eseri ve diğer eserler arasındaki ayrım kaybı edebi süreç; 4) birlik eksikliği: cephe binanın gövdesinden, detay - bütünden, cephenin tarzı - iç mekanın tarzından, iç mekanın çeşitli alanlarının stilleri - birbirinden kopuyor ; 5) isteğe bağlı simetrik-eksenel kompozisyon (cephede tek sayıda pencere kuralından sapma), cephenin tekdüzeliği; 6) "sonsuz" ilkesi (işin tamamlanmaması, kompozisyonun açıklığı); 7) güçlendirme

yazarın çağrışımsal düşüncesi (sanatçı, yazı la, mimar) ve izleyici; 8) eski gelenekten kurtuluş ve farklı dönemlerin ve farklı halkların kültürlerine güvenme; egzotik için özlem; 9) çoklu stil; 10) düzensiz kişilik (klasisizmden farklı olarak), öznelcilik, kişisel unsurların özgürce tezahürü; 11) demokratizm: evrensel, sınıf dışı tipte bir kentsel konut yaratma eğilimi.

İşlevsel olarak edebiyatta, mimaride ve diğer sanatlarda eklektizm "üçüncü sınıfa" hizmet etmeyi amaçlar. Barok'un ana binası bir kilise veya saraydır, klasisizmin ana binası bir devlet binasıdır, eklektizmin ana binası bir apartmandır ("herkes için"). Eklektik dekoratizm, geniş bir müşteri kitlesini dairelerin kiraya verildiği bir apartmana çekmek için ortaya çıkan bir pazar faktörüdür. Karlı ev - toplu konut tipi.

modernizm- sanatsal kavramı tarihin hızlanmasını ve bir kişi üzerindeki baskısının güçlendirilmesini (sembolizm, rayonizm, fovizm, ilkelcilik, kübizm, akmeizm, fütürizm) yansıtan sanatsal hareketleri birleştiren sanatsal bir dönem; avangardın en eksiksiz düzenlemesinin dönemi. Modernizm döneminde, sanatsal akımların gelişimi ve değişimi hızla gerçekleşti.

Modernist sanat akımları, tipolojik yapıyı bozarak inşa edilir. klasik çalışma- bazı unsurları sanatsal deneylerin nesneleri haline gelir. İÇİNDE klasik sanat bu unsurlar dengelidir. Modernizm, bazı unsurları güçlendirip bazılarını zayıflatarak bu dengeyi bozmuştur.

sembolizm- Sanatsal konsepti onaylayan modernizm çağının sanatsal yönü: şairin hayali şövalyelik ve güzel bir hanımefendidir. hayalleri

şövalyelik, güzel bir bayana tapınma şiiri doldurur sembolizm.

Sembolizm ortaya çıktı Fransa'da. Ustaları Baudelaire, Mallarmé, Verlaine ve Rimbaud idi.

Acmeism, 20. yüzyılın başlarında ortaya çıkan Rus edebiyatının sanatsal bir yönüdür. gümüş çağ”, esas olarak şiirde var olan ve iddia edilen: şair- dünyanın gizemlerini çözen ve kaosunun üstesinden gelen büyücü ve gururlu bir hükümdar.

Acmeism'e ait olanlar: N. Gumilyov, O. Mandelstam, A. Akhmatova, S. Gorodetsky, M. Lozinsky, M. Zenkeviç, V. Narbug, G. İvanov, G. Adamovich ve diğerleri Fütürizm- modernizm çağının sanatsal yönü, dünyanın kentsel olarak örgütlenmiş kaosu içinde agresif bir şekilde militan bir kişilik öne sürüyor.

sanatsal tanımlama fütürizm faktörü - dinamikler. Fütüristler sınırsız deney ilkesini uyguladılar ve edebiyatta, resimde, müzikte ve tiyatroda yenilikçi çözümlere ulaştılar.

ilkelcilik- insanı ve dünyayı basitleştiren, dünyayı çocukların gözünden, neşeyle ve basit bir şekilde, "yetişkinlerin" dışında görmeye çalışan bir sanat yönü.» zorluklar. Bu arzu, güçlü ve zayıf taraflar ilkellik.

İlkelcilik, uygarlık öncesi bir yaşam biçimini özleyen, geçmişe yönelik atavistik bir nostaljidir.

Primitivizm ana hatları yakalamaya çalışır. karmaşık dünya içinde neşeli ve anlaşılır renkler ve çizgiler arıyor. Primitivizm gerçekliğe karşı bir tepkidir: dünya daha karmaşık hale gelir ve sanatçı onu basitleştirir. Ancak sanatçı daha sonra karmaşıklığıyla başa çıkmak için dünyayı basitleştirir.

Kübizm - gerçekliği basitleştiren, onu çocuksu veya "vahşi" gözlerle algılayan geometrikleştirilmiş bir ilkelcilik çeşidi.

ilkelleştirmenin önceki karakteri: geometrik olarak düzenli figürlerin biçimleri aracılığıyla dünyanın görüşü.

Resim ve heykelde Kübizm, İtalyan sanatçılar D. Severini, U. Boccione, K. Kappa tarafından geliştirildi; Almanca - E.L. Kirchner, G. Richter; Amerikan - J. Pollock, I. Rey, M. Weber, Meksikalı Diego Rivera, Arjantinli E. Pettoruti, vb.

Kübizmde mimari yapılar hissedilir; kütleler mekanik olarak birbiriyle çiftleşir ve her kütle bağımsızlığını korur. Kübizm, figüratif sanatta temelde yeni bir yön açtı. Kübizm'in koşullu çalışmaları (Braque, Gris, Picasso, Léger) modelle bağlarını koruyor. Portreler orijinallerine karşılık gelir ve tanınabilir (Paris'teki bir kafedeki bir Amerikalı eleştirmen, tanıdığı bir adamı yalnızca Picasso'nun geometrik figürlerden oluşan bir portresinden tanıdı).

Kübistler gerçekliği tasvir etmezler, "farklı bir gerçeklik" yaratırlar ve bir nesnenin görünüşünü değil tasarımını, mimarisini, yapısını, özünü aktarırlar. Bir "anlatı gerçeğini" yeniden üretmezler, ancak tasvir edilen konu hakkındaki bilgilerini görsel olarak somutlaştırırlar.

soyutlamacılık- sanatsal konsepti, bireyin banal ve yanıltıcı gerçeklikten kaçma ihtiyacını doğrulayan 20. yüzyılın sanatsal yönü.

Soyut sanat eserleri, yaşamın biçimlerinden kopuktur ve sanatçının öznel renk izlenimlerini ve fantezilerini bünyesinde barındırır.

Soyutlamacılıkta iki akım vardır. İlk akım lirik-duygusal, psikolojik soyutlama - bir renk senfonisi, şekilsiz renk kombinasyonlarının uyumlaştırılması. Bu eğilim, Henri Matisse'in tuvallerinde somutlaşan dünya hakkındaki izlenimci çeşitlilikten doğdu.

Psikolojik soyutlamacılığın ilk eserinin yaratıcısı, "Dağ" resmini çizen V. Kandinsky idi.

ikinci akım geometrik (mantıksal, entelektüel) soyutlamacılık ("neoplastizm") mecazi olmayan bir kübizmdir. Bu akımın doğuşunda Önemli rolçeşitli geometrik şekilleri, renkli düzlemleri, düz ve kesik çizgileri birleştirerek yeni bir tür sanatsal alan yaratan P. Cezanne ve kübistler tarafından canlandırılıyor.

süprematizm(terimin yazarı ve ilgili sanatsal fenomen Kazimir Malevich) - soyutlama için, özelliklerini keskinleştirmek ve derinleştirmek. Malevich, 1913'te "Siyah Kare" tablosuyla "Süprematizm" akımını başlattı. Daha sonra Malevich estetik ilkelerini formüle etti: sanat, zamansız değeri nedeniyle kalıcıdır; saf plastik duyarlılık - "sanat eserlerinin haysiyeti." Süprematizmin estetiği ve poetikası, evrensel (Suprematist) resimsel formülleri ve kompozisyonları - geometrik olarak düzenli öğelerin ideal yapılarını - onaylar.

Rayonizm, farklı ışık kaynaklarıyla aydınlatılan tüm nesnelerin bu ışığın ışınları tarafından parçalara ayrıldığı ve net figüratifliklerini kaybettiği, insan varlığının zorluğunu ve sevincini ve dünyanın belirsizliğini doğrulayan soyutlamaya yakın eğilimlerden biridir. .

Luchism kökenli 1908 - 1910 İyi oyun. Rus sanatçılar Mikhail Larionov ve eşi Natalia Goncharova'nın çalışmalarında.

Sırasında neomodernizm, tüm avangart sanat akımları itibaren böyle bir gerçeklik anlayışı: kişi dünyanın baskısına dayanamaz ve neo-insan olur. Bu dönemde kalkınma

Dünya ve kişiliğe dair neşesiz, karamsar sanatsal kavramları olumlayan avangart sanat akımları var. Aralarında Dadaizm, yapılandırmacılık, gerçeküstücülük, varoluşçuluk, neo-soyutlamacılık vb.

Dadaizm, sanatsal bir kavramı onaylayan sanatsal bir harekettir; dünya- anlamsız delilik, aklı ve inancı gözden geçirmek.

Dadaizmin ilkeleri; dilin gelenekleri de dahil olmak üzere dünya kültürünün geleneklerinden kopmak; kültürden ve gerçeklikten kaçış, savunmasız bir insanın içine atıldığı bir delilik kaosu olarak dünya fikri; karamsarlık, inançsızlık, değerlerin reddi, genel bir kayıp ve varlığın anlamsızlığı hissi, ideallerin ve yaşamın amacının yok edilmesi. Dadaizm, kültürün klasik değerlerinin krizinin, yeni bir dil ve yeni değerler arayışının bir ifadesidir.

Sürrealizm, gizemli ve bilinemez bir dünyada kafası karışmış bir kişiye odaklanan bir sanat akımıdır. Gerçeküstücülükte kişilik kavramı, bilinemezciliğin formülüyle özetlenebilir: “Ben bir erkeğim ama kişiliğimin ve dünyanın sınırları bulanıklaştı. "Ben"imin nerede başlayıp nerede bittiğini bilmiyorum, dünya nerede ve nedir?

Sanatsal bir yön olarak Sürrealizm, Paul Eluard, Robert Desnos, Max Ernst, Roger Vitran, Antonin Artaud, Rene Char, Salvador Dali, Raymond Quenot, Jacques Prevert tarafından geliştirildi.

Gerçeküstücülük, Dadaizm'den doğmuştur, aslen edebi yön, daha sonra resim, sinema, tiyatro ve kısmen de müzikte ifadesini buldu.

Sürrealizm için insan ve dünya, uzay ve zaman akışkan ve görecelidir. Sınırlarını kaybederler. Estetik rölativizm ilan edilir: her şey akar, her şey

karışmış gibi görünüyor, bulanıklaşıyor; hiç bir şey kesin değildir. Sürrealizm, dünyanın göreliliğini onaylar ve onun değerler. Mutluluk ve mutsuzluk, birey ve toplum arasında sınır yoktur. dünyanın kaosu sanatsal düşünce kaosuna neden olur- bu gerçeküstücülüğün estetiğinin ilkesidir.

Sürrealizm sanat anlayışı, zamanın ve tarihin kaybolduğu, insanın bilinçaltında yaşadığı ve zorluklar karşısında çaresiz kaldığı dünyanın gizemini ve bilinemezliğini doğrular.

DIŞAVURUMCULUK- şunu iddia eden sanatsal bir yön: yabancılaşmış, düşmanca bir dünyada yaşayan bir kişi. Dönemin kahramanı olarak dışavurumculuk, huzursuz, duygulardan bunalmış, [tutkularla parçalanmış bir dünyaya uyum getiremeyen bir kişilik ortaya koydu. -

Sanatsal bir yön olarak Ekspresyonizm, bilimsel faaliyetin çeşitli alanlarıyla ilişkiler temelinde ortaya çıktı: Freud'un psikanalizi, Husserl'in fenomenolojisi, neo-Kantçı epistemoloji, Viyana Çevresi felsefesi ve Gestalt psikolojisi ile.

Dışavurumculuk kendini farklı sanat türlerinde gösterdi: M. Chagall, O. Kokotka, E. Munch - resimde; A. Rimbaud, A. Yu Strindberg, R. M. Rilke, E. Toller, F. Kafka - edebiyatta; I. Stravinsky, B. Bartok, A. Schoenberg - müzikte.

XX yüzyılın kültürünün temelinde dışavurumculuk. romantizmi canlandırır. DIŞAVURUMCULUK dünyaya ve çelişkiye karşı doğal korku dış dinamizm ile dünyanın değişmez özü fikri (iyileştirme olasılığına olan inançsızlık). sanatsal göre Ekspresyonizm kavramları, kişiliğin temel güçleri karşıtlık içinde yabancılaşmıştır. adam ve düşman kamu kurumları: her şey işe yaramaz. Ek dışavurumculuk, hümanist bir sanatçının acısının ifadesidir,

dünyanın kusurlu olmasından kaynaklanır. Dışavurumcu kişilik kavramı: İnsan- içinde yaşamaya zorlandığı endüstriyel ve rasyonel, kentsel dünyaya yabancı, duygusal, "doğal" bir varlık.

yapılandırmacılık- kavramsal değişmezi fikri olan sanatsal yön (XX yüzyılın 20'leri)- insanın varoluşu, kendisine yabancılaşmış bir endüstriyel güçler ortamında gerçekleşir; ve zamanın kahramanı- endüstriyel toplumun rasyonalisti.

Resimde doğmuş olan kübizmin neo-pozitivist ilkeleri, dönüştürülmüş bir biçimde edebiyata ve diğer sanatlara genişletildi ve teknikçilik - yapılandırmacılık fikirleriyle birleşerek yeni bir yönde pekiştirildi. İkincisi, endüstrinin ürünlerini bağımsız, bireyden yabancılaşmış ve onun değerlerine karşıt olarak görüyordu. Yapılandırmacılık şafakta ortaya çıktı bilimsel ve teknolojik devrim ve teknik fikirlerini idealize etti; makinelere ve ürünlerine bireyden daha çok değer veriyordu. Konstrüktivizmin en yetenekli ve insancıl eserlerinde bile teknolojik ilerlemenin yabancılaştırıcı faktörleri sorgusuz sualsiz kabul edilir. Konstrüktivizm, endüstriyel ilerleme, ekonomik uygunluk acılarıyla doludur; teknokratiktir.

Yapılandırmacılığın estetiği, uç noktalar arasında gelişti (bazen bunlardan birine düşüyor) - estetiğin yok edilmesini gerektiren faydacılık ve estetizm. Görsel sanatlarda ve mimaride, yapılandırmacılığın yaratıcı ilkeleri mühendisliğe olabildiğince yakındır ve şunları içerir: matematiksel hesaplama, sanatsal araçların özlülüğü, kompozisyon şematizmi, mantıklaştırma.

Literatürde, sanatsal bir yön olarak yapılandırmacılık, grubun çalışmalarında (1923 - 1930) gelişti.

LCC (Yapılandırmacı Edebiyat Merkezi): I.L. Selvinsky, B.N. Agapov, V.M. Inber, H.A. Aduev, E.Kh. Bagritsky, B.I. Gabriloviç, K.L. Zelinsky (grup teorisyeni) ve diğerleri.Yapılandırmacılık tiyatroyu da etkiledi (biyomekanik, tiyatro mühendisliği ilkelerini geliştiren ve sahne eylemine bir sirk gösterisinin unsurlarını getiren Vsevolod Meyerhold'un yönetmenlik çalışması. Yapılandırmacılık fikirleri çeşitli türleri kucakladı. ancak mimari üzerinde en büyük etkiye sahipti Bu, özellikle Le Corbusier, I. Leonidov, VA Shchuko ve VG Gelfreich'in çalışmalarını etkiledi.

Varoluşçuluk- insanın varoluş kavramı, bu dünyadaki yeri ve rolü, Tanrı ile ilişkisi. varoluşçuluğun özü- varoluşun öze önceliği (insanın kendisi varoluşunu oluşturur ve ne yapılıp ne yapılmayacağını seçerek özü varoluşa getirir). Varoluşçuluk, absürd dünyasında yalnız, bencil, kendine değer veren bir kişiliği onaylar. Varoluşçuluk için birey tarihin üzerindedir.

Sanatsal konseptiyle varoluşçuluk (J.P. Sartre, A. Camus), insanın ölümlü olması nedeniyle insan varoluşunun temellerinin saçma olduğunu iddia eder; hikaye kötüden kötüye gidiyor ve tekrar kötüye gidiyor. Yukarı hareket yok, sadece sincap var teker insanlık hayatının anlamsızca döndüğü tarih.

Sanatsal varoluşçuluk kavramı tarafından onaylanan temel yalnızlık, bunun tam tersi mantıksal bir sonuca sahiptir: Bir kişinin insanlık içinde kendini sürdürdüğü yerde hayat saçma değildir. Ama insan yalnızsa, dünyadaki tek değer oysa, o zaman toplumsal olarak değersizdir, geleceği yoktur ve o zaman ölüm mutlaktır. Bir insanı çizer ve hayat anlamsız hale gelir.

Neo-soyutlamacılık(ikinci dalga soyutlama) - kendiliğinden-dürtüsel kendini ifade etme; saf ifade adına figüratifliğin, gerçekliği tasvir etmenin temelden reddi; renkle yakalanan bilinç akışı.

Neo-soyutlamacılık, yeni nesil soyutlamacılar tarafından yaratıldı: J. Paul Lak, De Kuhn ve Yig, A. Manisirer ve diğerleri Gerçeküstü teknikte ve "zihinsel otomatizm" ilkelerinde ustalaştılar. Paul Lak, yaratıcı eylemde işi değil, onun yaratılış sürecini vurgular. Bu süreç kendi içinde bir son halini alır ve burada “resim-eylem”in kökenleri oluşur.

Neo-soyutlamacılığın ilkeleri M. Brion, G. Reid, Sh.-P. Brew, Bay Raton. İtalyan teorisyen D. Severini, plastik ifadeyi etkilemediği için gerçeği unutmaya çağırdı. Bir başka kuramcı olan M. Zefor, soyut resmin değerini, insan yaşamının normal ortamından hiçbir şey taşımaması olarak görmektedir. Fotoğraf, resmin figüratifliğini ortadan kaldırdı ve ikincisine yalnızca sanatçının öznel dünyasını açığa çıkarmak için ifade olanakları bıraktı.

Soyutlamacılık ve neo-soyutlamacılık teorisindeki zayıf halka, yaratıcılığı spekülasyondan, ciddiyeti şakadan, yeteneği sıradanlıktan, beceriyi hileden ayırmak için net değer kriterlerinin olmamasıdır.

Mimaride, tasarımda, dekoratif sanatlarda, tiyatroda, sinemada ve televizyonda soyutlamacılığın ve neo-soyutlamacılığın sanatsal çözümleri (renk ve formun uyumlaştırılması, renklerinin yoğunluğu nedeniyle farklı boyutlardaki düzlemlerin "dengesinin" oluşturulması) kullanılmaktadır.

postmodernizm sanatsal bir dönem olarak iddia eden bir sanatsal paradigma taşır. kişi dünyanın baskısına dayanamaz ve post-insan olur. Bunun tüm sanatsal yönleri

dönem bu paradigmaya nüfuz etmiş, onu değişmez dünya ve kişilik kavramları aracılığıyla tezahür ettirmiş ve kırmıştır: pop art, sonopucmuka, aleatorik, müzikal noktacılık, hiperrealizm, olaylar vb.

Pop sanat- yeni figüratif sanat. Pop art, gerçekliğin soyutlamacı reddine, sanatsal ve estetik bir statü atfedilen maddi şeylerin kaba dünyasıyla karşı çıktı.

Pop art teorisyenleri, belirli bir bağlamda her nesnenin orijinal anlamını yitirdiğini ve bir sanat eserine dönüştüğünü savunur. Dolayısıyla sanatçının görevi, sanatsal bir nesne yaratmak olarak değil, sıradan bir nesnenin algılanması için belirli bir bağlam düzenleyerek ona sanatsal nitelikler kazandırmak olarak anlaşılmaktadır. Maddi dünyanın estetize edilmesi pop sanatın ilkesi haline gelir. Sanatçılar, bunun için etiketlerin şiirselliğini ve reklamını kullanarak kreasyonlarının akılda kalıcılığını, görünürlüğünü ve anlaşılırlığını elde etmeye çalışırlar. Pop art, bazen bir model veya heykelle birleştirilen günlük nesnelerin bir bileşimidir.

Buruşuk arabalar, solmuş fotoğraflar, kutulara yapıştırılmış gazete ve afiş artıkları, cam kavanozun altında doldurulmuş tavuk, beyaz yağlı boyayla boyanmış yırtık pırtık bir ayakkabı, elektrik motorları, eski lastikler veya gaz sobaları - bunlar pop sanatın sanat sergileridir.

Pop art sanatçıları arasında şunlar sayılabilir: E. Warhol, D, Chamberlain, J. Dine ve diğerleri.

Bir sanat yönü olarak pop art'ın bir dizi çeşidi (trendleri) vardır: op sanatı (sanatsal organize optik efektler, geometrik çizgi ve nokta kombinasyonları), env-apm(kompozisyonlar, izleyiciyi çevreleyen ortamın sanatsal organizasyonu), e-posta(elektrik motorları yardımıyla hareket eden nesneler

ve yapılar, pop art'ın bu eğilimi bağımsız bir sanatsal yön - kinetizm) olarak göze çarpıyordu.

Pop art, tüketicinin "kitlesel tüketim" toplumu kimliği kavramını ortaya koydu. Pop art'ın ideal kişiliği, meta kompozisyonlarının estetize edilmiş natürmortlarının manevi kültürün yerini alması gereken bir insan tüketicidir. Malların yerini kelimelerin, şeylerin yerini edebiyatın, yararlılığın yerini güzelliğin, maddi açgözlülüğün, meta tüketiminin, manevi ihtiyaçların yerini alan pop sanatın karakteristik özellikleridir. Bu yön, temel olarak, bağımsız düşünceden yoksun ve "kendi" düşüncelerini reklam ve kitle iletişim araçlarından ödünç alan, televizyon ve diğer medya tarafından manipüle edilen bir kişiye, kitlesel, yaratıcı olmayan bir kişiye yöneliktir. Bu kişilik, modern uygarlığın yabancılaştırıcı etkisini görev bilinciyle yıkarak, alıcı ve tüketicinin verili rollerini yerine getirmek için pop art tarafından programlanmıştır. Pop Art Kişilik - Kitle Kültürü Zombi.

Hiperrealizm, sanatsal anlayışı değişmez olan bir sanatsal harekettir: acımasız ve kaba bir dünyada kişiliksizleştirilmiş bir yaşayan sistem.

Hiperrealizm - tasvir edilen nesnenin en küçük ayrıntılarını taşıyan pitoresk doğaüstü eserler yaratır. Hiperrealizm olay örgüsü kasıtlı olarak sıradandır, imgeler kesinlikle "nesneldir". Bu yön, sanatçıları güzel sanatın olağan biçimlerine ve araçlarına, özellikle de pop art tarafından reddedilen resim tuvaline geri döndürür. Hiperrealizm, kentsel çevrenin ölü, insan yapımı "ikinci" doğasını resimlerinin ana teması yapar: insana yabancılaşmış olarak sunulan benzin istasyonları, arabalar, vitrinler, konutlar, telefon kulübeleri.

Hiperrealizm, aşırı kentleşmenin sonuçlarını, çevrenin ekolojisinin tahribatını gösterir, metropolün insanlık dışı bir ortam yarattığını kanıtlar. Hiperrealizmin ana teması, modern şehrin kişiliksiz mekanize hayatıdır.

teorik temel hiperrealizm - ideolojikleştirilmiş mecazi düşünce biçimlerinden uzaklaşma ihtiyacını onaylayan Frankfurt okulunun felsefi fikirleri.

Sanat Eserleri fotogerçekçilik oldukça büyütülmüş bir fotoğrafa dayanır ve genellikle hiperrealizm ile tanımlanır. Bununla birlikte, hem bir görüntü yaratma teknolojisi açısından hem de en önemlisi, dünyanın sanatsal anlayışının ve kişiliğin değişmezliği açısından, bunlar yakın olsa da farklı sanatsal yönlerdir. Hipergerçekçiler tuval üzerinde resimsel araçlarla fotoğrafları taklit ettiler, fotogerçekçiler fotoğrafları işleyerek (boyalarla, kolajla) tabloları taklit ettiler.

Fotogerçekçilik, belgesel ve sanatsal anlayışın önceliğini onaylar: güvenilir, sıradan bir dünyada güvenilir, sıradan bir insan.

Fotogerçekçiliğin amacı, modern günlük yaşamın görüntüsüdür. Sokaklar, yoldan geçenler, vitrinler, arabalar, trafik ışıkları, evler, ev eşyaları, fotogerçekçiliğin eserlerinde özgün, nesnel ve süper benzer şekilde yeniden üretilir.

Fotogerçekçiliğin temel özellikleri: 1) soyutlama geleneklerine karşı çıkan figüratiflik; 2) olay örgüsünün çekiciliği; 3) "gerçekçi klişelerden" ve belgeselden kaçınma arzusu; 4) fotoğraf teknolojisinin sanatsal başarılarına güvenmek.

Sonoristik- müzikte yön: yazarın "ben" ini ifade eden tınıların oyunu. Temsilcileri için önemli olan ses perdesi değil, tınıdır. yenisini arıyorlar müzikal renkler, alışılmadık ses: bir baston üzerinde oynuyorlar,

testere, yemek çubukları piyanonun tellerine, güverteye tokat, üzerine uzaktan kumanda, ağızlığın mendille silinmesiyle ses çıkar.

Saf sesli müzikte melodi, armoni ve ritim özel bir rol oynamaz, sadece tını sesi önemlidir. Düzeltme ihtiyacı, ince, kalın, dalgalı, koni şeklindeki çizgiler biçiminde özel grafik kayıt tını formlarını hayata geçirdi. Bazen oyuncunun oynaması gereken aralık da belirtilir.

Sonora müziğinin kurucusu Polonyalı besteci K. Penderecki idi ve girişimi K. Serocki, S. Bussotti ve diğerleri tarafından sürdürüldü.

müzikal noktacılık- ön görüşte yön * özelliği, müzik dokusunun yırtılması, kayıtlardaki dağılımı, ritim ve zaman imzalarının karmaşıklığı, duraklamaların bolluğu.

Müzikal noktacılık anlaşılır bir şey yaratmayı reddeder. sanatsal gerçeklik(dünya müzik ve sanat geleneğinden yola çıkılarak ve geleneksel müzikal göstergebilimsel kodlar kullanılarak anlaşılabilecek bir gerçeklikten). Noktacılık, bireyi ruhunun dünyasına göç etmeye yönlendirir ve çevreleyen dünyanın parçalanmasını onaylar.

Aleatorica- şansın hayatta hüküm sürdüğü felsefi düşünceye dayanan ve sanatsal kavramı onaylayan edebiyat ve müziğin sanatsal yönü: insan- rastgele durumlar dünyasında oyuncu.

Aleatorik temsilcileri: K. Stockhausen, P. Boulez, S. Bussotti, J. Cage, A. Pusser, K. Serotsky ve diğerleri. Şans, edebi ya da müzik eserleri mekanik olarak: cips (zar) atarak, satranç oynayarak, sayfaları karıştırarak veya parçaları değiştirerek ve ayrıca kullanarak

doğaçlama: müzik metni “işaretler-semboller” şeklinde yazılır ve ardından serbestçe yorumlanır.

olay- bu, Batı'daki modern sanat kültürünün türlerinden biridir. A. Keprou, gerçekleşen "Avlu", "Kreasyonlar" ın ilk yapımlarının yazarıydı. Gerçekleşen performanslar, sanatçıların gizemli, bazen mantıksız eylemlerini içerir ve kullanımda olan ve hatta bir çöplükten alınmış şeylerden yapılan çok sayıda sahne ile karakterize edilir. Devam eden katılımcılar, parlak, abartılı derecede gülünç kostümler giyerek, oyuncuların cansızlığını, kutulara veya kovalara benzediklerini vurguladılar. Bazı performanslar, örneğin, bir muşambanın altından sancılı bir şekilde salınmayı içerir. Aynı zamanda, oyuncuların bireysel davranışları doğaçlamadır. Bazen oyuncular, onlara yardım etme talebiyle seyirciye döner. İzleyicinin eyleme bu şekilde dahil edilmesi, olayın ruhuna tekabül ediyor.

Yaşananların ortaya koyduğu dünya ve kişilik kavramı şu şekilde formüle edilebilir:- rastgele olaylar zinciri, kişi öznel olarak tam bir özgürlük hissetmeli, ancak aslında tek bir eyleme itaat etmeli, manipüle edilmelidir.

Happening ışık resmini kullanır: ışık sürekli olarak renk ve güç değiştirir, doğrudan oyuncuya yönlendirilir veya farklı malzemelerden yapılmış ekranlardan parlar. Genellikle ses efektleri (insan sesleri, müzik, çınlama, çıtırtı, gıcırtı) eşlik eder. Ses bazen çok güçlü, beklenmedik, bir şok etkisi için tasarlanmış. Sunum, asetatları ve film karelerini içerir. Laura ayrıca aromatik maddeler kullanır. Oyuncu, yönetmenden bir görev alır, ancak katılımcıların eylemlerinin süresi belirlenmez. Herkes istediği zaman oyundan ayrılabilir.

Olaylar farklı yerlerde düzenlenir: otoparklarda, yüksek binalarla çevrili avlularda, yer altında. surlar, çatı katları. Bu eylemin ilkelerine göre gerçekleşen mekan, sanatçının ve izleyicinin hayal gücünü sınırlamamalıdır.

Gerçekleşen teorisyen M. Kerby, bu tür bir gösteriyi tiyatro alanına atıfta bulunur, ancak performansın geleneksel yapısının yokluğunda olayın tiyatrodan farklı olduğunu belirtir: olay örgüsü, karakterler ve çatışma. Diğer araştırmacılar, olayın doğasını tiyatroyla değil, resim ve heykelle ilişkilendirir.

Oluşumun kökeni 20. yüzyılın başlarındaki sanatsal arayışlara, bazı ressam ve heykeltıraşların odak noktasını bir resim veya heykelden yaratım sürecine kaydırma çabalarına kadar uzanır. "aksiyon resminin" kökenleri: J. Pollock'un "damlacık sıçramasında", De Kooning'in "kesici" vuruşlarında, J. Mathieu'nun kostümlü resimsel performanslarında.

kendine zarar veren sanat- bu, postmodernizmin garip fenomenlerinden biridir. Seyircinin önünde solan boya ile boyanmış resimler. 1975'te ABD'de yayınlanan ve İngiltere'de yeniden basılan "Hiçbir Şey" kitabı. 192 sayfası vardır ve hiçbirinde tek satır yoktur. Yazar şu düşünceyi dile getirdiğini iddia ediyor: Size söyleyecek hiçbir şeyim yok. Bunların hepsi kendi kendini yok eden sanatın örnekleridir. Aynı zamanda müzikte de bir ifadesi vardır: bir parçanın parçalanan bir piyanoda veya çürüyen bir kemanda icra edilmesi vb.

kavramsalcılık- bir sanat yönetmenliğidir Batı sanatı sanatsal anlayışında, kültürün doğrudan (dolaysız) anlamından kopuk ve entelektüel etkinliğin estetize edilmiş ürünleriyle çevrili bir kişiyi onaylar.

Kavramsallığın eserleri, dokuları ve görünümleri bakımından tahmin edilemeyecek kadar farklıdır: fotoğraflar, metinlerin fotokopileri, telgraflar, reprodüksiyonlar, grafikler, sayı sütunları, şemalar. Kavramsalcılık, insan faaliyetinin entelektüel ürününü amaçlanan amacı için kullanmaz: alıcı metnin anlamını okumamalı ve yorumlamamalı, onu tamamen estetik, görünüşüyle ​​\u200b\u200bilginç bir ürün olarak algılamalıdır.

Kavramsalcılığın temsilcileri; Amerikalı sanatçılar T. Atkinson, D. Bainbridge, M. Baldwin, X. Harrell, Joseph Kossuth, Lawrence Weiner, Robert Berry, Douglas Huebler ve diğerleri.

19. yüzyılın eleştirel gerçekçiliği,- sanatsal yön” kavramını öne süren: dünya ve insan kusurludur; çıkış- şiddet ve kendini geliştirme yoluyla kötülüğe karşı direnmeme.

M sosyalist gerçekçilik- sanatsal bir kavramı onaylayan sanatsal bir yön: bir kişi sosyal olarak aktiftir ve tarihin yaratılmasına şiddet yoluyla dahil edilir"

köylü gerçekçiliği- köylünün ahlakın ana taşıyıcısı ve ulusal yaşamın desteği olduğunu iddia eden sanatsal bir yön.

Köylü gerçekçiliği (köy nesri) - Rus nesirinin edebi yönü (60'lar - 80'ler); Merkezi tema - modern köy, ana karakter bir köylüdür - halkın tek gerçek temsilcisi ve ideallerin taşıyıcısıdır.

neorealizm- savaş sonrası İtalyan sinemasında ve kısmen edebiyatta kendini gösteren 20. yüzyılın gerçekçiliğinin sanatsal yönü. Özellikler: Neorealizm, hayattaki insanlardan bir adama yakın ilgi gösterdi. sıradan insanlar: İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra hayata giren unsurların ayrıntılarına, gözlemlerine ve sabitlenmesine yönelik keskin dikkat.ürün-

Neorealizm'in öğretileri, hümanizm fikirlerini, basit yaşam değerlerinin önemini, insan ilişkilerinde nezaket ve adaleti, mülkiyet statüsüne bakılmaksızın insanların eşitliğini ve haysiyetlerini onaylar.

sihirli gerçekçilik- Gerçekçiliğin sanatsal yönü, kavramı doğrular: Bir insan, modernite ile tarihi, doğaüstü ile doğalı, paranormal ile sıradanı birleştiren bir gerçeklikte yaşar.

tuhaflık büyülü gerçekçilik- fantastik bölümler, günlük bir gerçeklik olarak günlük mantığın yasalarına göre gelişir.

psikolojik gerçekçilik- 20. yüzyılın sanatsal hareketi, şu kavramı öne sürüyor: birey sorumludur; manevi dünya, insanların kardeşliğini teşvik eden, benmerkezcilik ve yalnızlıklarının üstesinden gelen bir kültürle doldurulmalıdır.

entelektüel gerçekçilik- Bu, bir fikir dramasının ortaya çıktığı eserlerde ve yazarın düşüncelerini "canlandıran" yüzlerdeki karakterlerin, onun sanatsal anlayışının çeşitli yönlerini ifade ettiği gerçekçiliğin sanatsal yönüdür. Entelektüel gerçekçilik, sanatçının kavramsal ve felsefi bir zihniyetini varsayar. Psikolojik gerçekçilik, düşüncelerin hareketinin esnekliğini aktarmaya çalışırsa, insan ruhunun diyalektiğini, dünya ve bilinç arasındaki etkileşimi ortaya çıkarırsa, o zaman entelektüel gerçekçilik, dünyanın durumunu analiz etmek için gerçek sorunları sanatsal ve ikna edici bir şekilde çözmeye çalışır.

Benzer bilgiler.

Plan

giriiş

Soru 1. Yeni Çağ estetiği ve modern estetik

Soru 2. Hristiyanlığın yönlerinden biri olarak Protestanlığın özellikleri

Çözüm

Kullanılan kaynakların listesi

giriiş

Çalışma konusu kontrol işi ahlak, estetik ve din bilimlerinin konusudur.

Çalışmanın amacı, disiplinin bireysel yönleridir.

Çalışmanın alaka düzeyi, her şeyden önce, her dinin bir kült kılığına bürünmüş bir dünya görüşü ve sosyal düşünce olmasından kaynaklanmaktadır. Araştırma için özellikle ilginç olan, dinin değişmeden kalmadığı, ancak yaşamla tamamlandığı ve içindeki değişikliklerin olduğu durumlardır. Aynı zamanda, insan gelişiminin her dönemi, ahlaki, etik ve felsefi görüşlerine uygun olarak, toplumdaki insan davranışı ve faaliyetinin kendi etiğini ve estetiğini oluşturur. Dini gelişim süreçleri genellikle doğrudan etik standartlar toplum ve estetik düzenlemeler. Bazen etik ve estetik, dini kült ile çelişir, yeni felsefi fikirlerin önünde ve ilerisindedir.

Çalışılan metodolojik temelde çalışmanın amacı ve eğitim literatürü kontrol çalışmasında çalışma nesnesini karakterize eder.

Bu hedefe ulaşmak için aşağıdaki ana görevlerin çözülmesi planlanmaktadır:

New Age estetiğinin ve modern estetiğin özelliklerini ele alalım;

Protestanlığın ortaya çıkış sürecini ve bu dinin ilkelerini betimler, bu inanç kültünün temel özelliklerini ortaya koyar;

Çalışmadaki araştırma sonuçlarını özetler.

Soru 1. Yeni Çağ estetiği ve modern estetik

Yeni Çağ'ın ideolojik temeli hümanizm ve ardından doğa felsefesiydi.

hümanizm- lat'tan. insan - bir kişinin bir kişi olarak değerinin tanınması, özgürce gelişme hakkı ve yeteneklerinin tezahürü. Sosyal ilişkileri değerlendirmek için bir kriter olarak insanın iyiliğinin onaylanması. İÇİNDE felsefi anlam- seküler özgür düşünce, skolastikliğe ve kilisenin ruhani egemenliğine karşı. Bu çağda, insanın bir tür tanrılaştırılması gerçekleşti - kendini yaratan ve yaratan tanrıya eşit bir varlık olan "mikrokozmos". Bu görüşler insanmerkezcilik. Bu, insanı evrenin merkezi ve en yüksek amacı olarak gören idealist öğretilere atıfta bulunmak için 19. yüzyılın ikinci yarısında kök salmış felsefi bir terimdir. Ancak temelleri Rönesans'ta atıldı.

panteizm- Yunancadan. tanrı anlamına gelen theos. Bunlar, Tanrı'yı ​​​​ve dünyayı bir bütün olarak tanımlayan dini ve felsefi öğretilerdir. Panteist eğilimler, Orta Çağ'ın sapkın mistisizmi içinde kendini gösterdi. Panteizm, Rönesans'ın doğa felsefesinin ve "tanrı" ve "doğa" kavramlarını özdeşleştiren Spinoza'nın materyalist sisteminin karakteristiğidir.

Bir kişiye karşı böyle bir tutum, yeni öz-bilinç biçimlerinin ve Rönesans bireyciliğinin ortaya çıkışına işaret ediyordu. Etik konulara, bireyin özgür iradesi doktrinine, iyiye ve ortak iyiye yönelik vurgu yapıldı. İnsanın ve zihninin bir tür rehabilitasyonu vardı. Hayatta acı çekmeye mahkum günahkar bir gemi olarak insana yönelik ortaçağ teolojik tavrını reddetti. Sevinç ve zevk, dünyevi varoluşun amacı ilan edildi. İnsanın ve çevreleyen dünyanın uyumlu bir şekilde var olma olasılığı ilan edildi. Hümanistler, erdemleri doğuştan asalet tarafından değil, işler, zeka, yetenekler ve topluma hizmetlerle belirlenen mükemmel, kapsamlı bir şekilde gelişmiş bir kişilik idealinin gelişimine katkıda bulundular. Hümanizm'de, en başından beri, 16. yüzyılda özel bir gelişme gösteren doğal-felsefi eğilimler sonuçlandı. ana problem, doğal filozofları işgal eden - Tanrı ve doğanın oranı. Bunu göz önünde bulundurarak, ortaçağ düşüncesinin ikiliğini aşmaya çalıştılar, dünyayı madde ve ruh arasındaki organik bir bağlantı olarak anladılar. Dünyanın önemliliğini ve sonsuzluğunu kabul ederek, maddeye kendini yeniden üretme yeteneği ve aynı zamanda yaşamı yaratarak yarattılar. yaşam alanı doktrini. Böylece Rönesans'ın felsefi sistemlerinde dünyanın panteist bir resmi oluştu. Evrenin evrensel animasyonu fikri, doğaüstü olanın varlığını sorgulamaya çağırdı, çünkü mucizevi olan her şey doğal, doğal, potansiyel olarak tanınabilir ilan edildi: keşfedilip açıklanır açıklanmaz, nasıl mucizevi olmaktan çıktı. Bu tür yargılar kilise dogmasına aykırıydı. Kitap bilgisine ve otoritelere dayanan Ortaçağ skolastikliği, duyusal algı ve deneye dayalı, dünyayı tanımanın deneysel bir yöntemi olan rasyonalizme hümanizm ve doğa felsefesi tarafından karşı çıktı. Aynı zamanda, kozmosun animasyonu, insan ve doğa arasında gizemli bir bağlantı fikrine, okült bilimlerin tanınmasına yol açtı. Bilim, doğal büyü olarak anlaşıldı, astronomi astroloji ile iç içe geçti vb. Genel olarak, doğayı içsel bir efendi olarak anlamak, bağımsız hareket etmek, kendi yasalarına göre yaşamak, yaratıcı tanrı hakkında yerleşik ortaçağ fikirlerinden bir kopuş anlamına geldi ve yeni bir doğal dinin ortaya çıkmasına yol açtı. Bu ideolojik alt üst oluş, üretici güçlerin, maddi üretimin, bilim ve teknolojinin yükselişine dayanıyordu. Bütün bunlar Avrupa'nın ilerici gelişimine yol açtı.

Rönesans dünya görüşünün en önemli ayırt edici özelliği, sanata odaklanmasıdır. Antik çağın odak noktası doğal-kozmik yaşam ise, Orta Çağ'da Tanrı ve onunla ilişkilendirilen kurtuluş fikri, ardından Rönesans'ta odak noktası insandır. Bu nedenle, bu dönemin felsefi düşüncesi insan merkezli olarak nitelendirilebilir.

Rönesans'ta birey çok daha fazla bağımsızlık kazanır, giderek artan bir şekilde şu veya bu birliği değil, kendisini temsil eder. Buradan, bir kişinin yeni bir özbilinci ve yeni sosyal konumu gelişir: gurur ve kendini onaylama, kişinin kendi gücünün ve yeteneğinin bilinci, bir kişinin ayırt edici nitelikleri haline gelir.

Çok yönlülük, bir rönesans insanının idealdir. Mimarlık, resim ve heykel, matematik, mekanik, haritacılık, felsefe, etik, estetik, pedagoji teorisi - bu, örneğin Floransalı sanatçı ve hümanist Alberti'nin çalışma çemberidir.

15. yüzyılın hümanistlerinden Giovanni Pico'nun (1463-1494) ünlü İnsan Onuru Üzerine Söylev'indeki muhakemesine dönelim. Bu filozofa göre Tanrı, insanı yaratmış ve "dünyanın merkezine yerleştirmiş" olarak ona şu sözlerle hitap etmiştir: "Ey Adem, sana ne belli bir yer, ne kendi suretini, ne de bir suretini veriyoruz. özel zorunluluk, böylece hem yer hem de Sizin özgür iradenizle, kendi irade ve kararınıza göre bir göreviniz oldu.

Pico, Tanrı'nın özgür irade verdiği ve kaderine kendisinin karar vermesi, dünyadaki yerini belirlemesi gereken bir adam fikrine sahiptir. Burada insan sadece doğal bir varlık değil, kendi yaratıcısıdır.

Rönesans'ta herhangi bir faaliyet - bir sanatçının, heykeltıraşın, mimarın veya mühendisin, denizcinin veya şairin faaliyeti olsun - antik çağ ve Orta Çağ'dakinden farklı algılanır. Eski Yunanlılar arasında tefekkür faaliyetin üzerindeydi (Yunanca'da tefekkür teoridir). Orta Çağ'da iş, günahlar için bir tür kefaret olarak görülüyordu. Bununla birlikte, burada en yüksek faaliyet biçimi, ruhun kurtuluşuna götüren faaliyet olarak kabul edilir ve birçok bakımdan tefekküre benzer: bu, ayinle ilgili bir ritüel olan duadır. Ve sadece Rönesans'ta yaratıcı faaliyet bir tür kutsal karakter kazanır. Onun yardımıyla, bir kişi yalnızca belirli-dünyevi ihtiyaçlarını karşılamakla kalmaz; o yaratır yeni Dünya, güzelliği yaratır, dünyadaki en yüksek şeyi, kendisini yaratır. Ve daha önce bilim, pratik-teknik faaliyet ve sanatsal fantezi arasında var olan çizginin ilk kez Rönesans'ta bulanıklaşması tesadüf değildir. Mühendis ve sanatçı artık sadece bir "zanaatkar", "teknisyen" değil, artık bir yaratıcıdır. Artık sanatçı sadece Tanrı'nın yarattıklarını değil, ilahi yaratıcılığın ta kendisini taklit ediyor. Bilim dünyasında böyle bir yaklaşıma Kepler, Galileo, Navanieri'de rastlıyoruz.

Bir kişi, aşkın kökünden kurtulmaya çalışır, yalnızca bu süre zarfında büyüdüğü kozmosta değil, aynı zamanda kendi içinde, yeni bir ışıkta - bundan böyle içinden geçtiği bir bedende bir dayanak noktası arar. genel olarak bedenselliği farklı bir şekilde görür. Paradoksal görünse de, Rönesans'ın çok karakteristik özelliği olan, insanın tüm maddi bedenselliğiyle "rehabilite edilmesine" yol açan, tam da insanın et içindeki dirilişine ilişkin ortaçağ doktriniydi.

Rönesans'ın güzellik kültü, insanmerkezcilikle ilişkilendirilir ve öncelikle güzel olarak tasvir edilen resmin tesadüfen değil. insan yüzü Ve insan vücudu bu çağda sanatın baskın formu haline gelir. Büyük sanatçılar - Botticelli, Leonardo da Vinci, Raphael, Rönesans'ın dünya görüşü en yüksek ifadesini alıyor.

Rönesans'ta bireyin değeri daha önce hiç olmadığı kadar arttı. Ne antik çağda ne de Orta Çağ'da, tüm tezahür çeşitliliğinde insana bu kadar yakıcı bir ilgi yoktu. Her şeyden önce, bu çağda, her bireyin özgünlüğü ve biricikliği yerleştirilir.

Kişiliğin zengin gelişimi XV-XVI yüzyıllar genellikle bireyselliğin uç noktaları eşlik eder: bireyselliğin içkin değeri, insana estetik yaklaşımın mutlaklaştırılması anlamına gelir.

Soru 2. Hristiyanlığın yönlerinden biri olarak Protestanlığın özellikleri

Protestanlık, 16. yüzyılın geniş bir Katolik karşıtı hareketi olan Reformasyon ile ilgili çok sayıda bağımsız kilise ve mezhep koleksiyonu olan Katoliklik ve Ortodoksluk ile birlikte Hristiyanlığın üç ana yönünden biridir. Avrupa'da. Hareket Almanya'da 1517'de M. Luther'in "95 tez"ini yayınlamasıyla başlamış ve 16. yüzyılın ikinci yarısında sona ermiştir. Protestanlığın resmi olarak tanınması. Orta Çağ boyunca, Katolik Kilisesi'nde reform yapmak için birçok girişimde bulunuldu. Ancak "reformasyon" terimi ilk olarak 16. yüzyılda ortaya çıktı; kilisenin İncil'deki kökenlerine dönmesi gerektiği fikrini ifade etmek için reformcular tarafından tanıtıldı. Buna karşılık, Roma Katolik Kilisesi Reformu bir isyan, bir devrim olarak gördü. "Protestan" kavramı, Reform'un tüm destekçileri için ortak bir isim olarak ortaya çıktı.

Yüzyılımızın ilk yarısında Batı Avrupa ve ABD'de estetik biliminin gelişmesi, bu çelişkili dönemi, çoğu için "modernizm" teriminin kullanıldığı, öncelikle gerçekçi olmayan nitelikteki birçok kavram ve teoride ifade etti. kurulmuş.

Modernizm (Fransız moderninden - en son, modern), dünyanın geleneksel sanatsal temsil yöntemlerinin reddedilmesiyle karakterize edilen 20. yüzyılın sanat akımlarının genel bir sembolüdür.

Modernizm olarak sanat sistemi gelişiminin iki süreci tarafından hazırlandı: çöküş (yani kaçış, gerçek hayatın reddi, tek değer olarak güzellik kültü, sosyal sorunların reddi) ve avangard (manifestoları dünyanın mirasından kopma çağrısında bulundu). geçmiş ve geleneksel sanatsal tutumların aksine yeni bir şey yaratmak).

Modernizmin tüm ana eğilimleri ve akımları - kübizm, dışavurumculuk, fütürizm, yapılandırmacılık, hayalcilik, gerçeküstücülük, soyutlamacılık, pop art, hiperrealizm vb., tüm sanatsal araç ve teknikler sistemini ya reddetti ya da tamamen dönüştürdü. özellikle, içinde çeşitli tipler sanatta bu ifade edildi: uzamsal imgelerdeki bir değişiklikte ve görsel sanatlarda sanatsal ve figüratif kalıpların reddedilmesinde; müzikte melodik, ritmik ve armonik organizasyonun gözden geçirilmesinde; bir “bilinç akışı”, bir iç monolog, edebiyatta çağrışımsal montaj vb. 3 modernizmin pratiği üzerinde büyük etkisi olmuştur.Freud ve C. G. Jung, varoluşçuluk M. Heidegger, J.-P. Sartre ve A. Camus, Frankfurt Okulu'nun toplum felsefesi kuramı T. Adorno ve G. Marcuse.

Modernist sanatçıların yapıtlarındaki genel duygusal ruh hali şu cümleyle ifade edilebilir: Modern hayatın kaosu, parçalanması insanın düzensizliğine ve yalnızlığına katkıda bulunur, çatışmaları çözümsüz ve umutsuzdur ve içinde bulunduğu koşullar. yerleştirilen aşılmaz.

İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra, sanattaki modernist akımların çoğu eski avangard konumlarını kaybetti. Savaş sonrası Avrupa ve Amerika'da, "kitle" ve "seçkin" kültürler, çeşitli estetik eğilimler ve bunlara karşılık gelen eğilimlerle kendilerini aktif olarak göstermeye başlarlar ve kendilerini de ilan ederler. estetik okullar Marksist olmayan karakter. Genel olarak yabancı estetiğin gelişimindeki savaş sonrası aşama postmodern olarak tanımlanabilir.

Postmodernizm, tarih boyunca doğal olarak birbirini değiştiren kültür akımları zincirinde yeni, bugüne kadarki en üst aşamayı ifade eden bir kavramdır. Modern kültürün bir paradigması olarak postmodernizm, genel bir gelişme yönüdür. Avrupa kültürü 70'lerde kuruldu. 20. yüzyıl

Kültürde postmodern eğilimlerin ortaya çıkışı, sosyal ilerlemenin sınırlamalarının farkındalığı ve sonuçlarının kültürün zaman ve mekanının yok edilmesini tehdit ettiği konusunda toplumun korkusuyla ilişkilidir. Postmodernizm, olduğu gibi, doğanın, toplumun ve kültürün gelişimine insan müdahalesinin sınırlarını belirlemelidir. Bu nedenle postmodernizm, evrensel bir sanatsal dil arayışı, çeşitli sanatsal hareketlerin yakınlaşması ve birleşmesi, ayrıca stillerin "anarşizmi", sonsuz çeşitliliği, eklektizm, kolaj, öznel montaj alanı ile karakterize edilir.

Postmodernizmin karakteristik özellikleri şunlardır:

Postmodern kültürün yönelimi ve toplumun "kitle" ve "seçkinleri";

Sanatın insan faaliyetinin sanat dışı alanları üzerindeki önemli etkisi (politika, din, bilgisayar bilimi vb.);

Stil çoğulculuğu;

Önceki dönemlerin sanat eserlerinin kreasyonlarında geniş alıntı;

ironi bitti sanatsal gelenekler geçmiş kültürler;

Sanat eseri yaratırken oyunun tekniğini kullanmak.

Postmodern sanatsal yaratımda, yaratıcılıktan derleme ve alıntıya doğru bilinçli bir yeniden yönelim söz konusudur. Postmodernizm için yaratıcılık, yaratmaya eşit değildir. "Sanatçı - sanat eseri" sistemi postmodern öncesi kültürlerde çalışıyorsa, postmodernizmde vurgu, sanatçının özbilincinde temel bir değişikliği gösteren "sanat eseri - izleyici" ilişkisine kaydırılır. Eserin anlamı doğrudan onun algılanma eyleminde doğduğu için "yaratıcı" olmaktan çıkar. Postmodern bir sanat eseri görülmeli, sergilenmeli, izleyicisiz var olamaz. Postmodernizmde "sanat eseri"nden "sanatsal inşa"ya geçiş olduğunu söyleyebiliriz.

Bir teori olarak postmodernizm, J. Baudrillard "The System of Things" (1969), J. F. Lyotard "Postmodern Knowledge" (1979) ve "Dispute" (1984), P. Sloterdijk "Magic Tree" (1985) eserlerinde önemli bir gerekçe aldı. ) ve diğerleri

Bu bölümde, yalnızca en önemli estetik akımlar ve Marksist olmayan yönelim ekolleri ile 20. yüzyılın estetik biliminin temel sorunları analiz edilecektir.