Le proporzioni del volto di una persona quando si disegna un ritratto: un diagramma. Proporzioni del viso ideali

20. Lezione di pittura. Ritratto dipinto ad olio.

Nelle lezioni di pittura e disegno scuola Nuove intenzioni artistiche ai principianti del disegno viene insegnato a “cercare” la sagoma della figura e della testa rispetto allo sfondo, perché solo una sagoma trovata con precisione ed espressività conferisce al ritratto maggiore espressività artistica.

Per imparare a disegnare un ritratto di una persona (con una matita o colori) - prova a capire l'espressione facciale unica e attraverso questa espressione, inerente solo questa persona, trasmettere il suo stato d'animo interiore.

Sul precedente lezione di pittura hai acquisito sufficiente esperienza nell'immagine della testa, hai imparato a lavorare a colori. Lo scopo di questa lezione è imparare a creare un ritratto con la massima espressione artistica.

Schizzo di disegno. La pratica del disegno dal vero a confronto.

Nelle lezioni di disegno, attiriamo in particolare l'attenzione degli artisti alle prime armi sul colore del corpo di una persona. Questo colore è diverso dal colore di tutti gli altri oggetti nel mondo visibile. I vasi sanguigni danno al colore del corpo solo il suo intrinseco colore rosato, quindi la carnagione delle persone è corporea, rosata. Ma l'occhio dell'artista, esperto nel percepire le più sottili sfumature di colore, noterà facilmente che non esistono due volti assolutamente identici nel colore, identici nel carattere delle forme, nelle proporzioni e nella trama.

Pertanto, quando ti eserciti a disegnare un ritratto dal vero, cerca di identificare correttamente il colore della carne. L'artista in ognuno caso separato deve vedere direttamente nella natura il colore insito in essa ed essere in grado di trasmetterlo con precisione. Per rendere più facile notare questa differenza di colore e imparare a disegnare correttamente le sfumature della riproduzione del colore, ti consigliamo di completare il primo esercizio di questa lezione di pittura disegnando tre diversi ritratti di testa. persone diverse su una tela. Puoi porre la domanda: “Perché è necessario dipingere ritratti diversi sulla stessa tela? Non sarebbe meglio farlo su tre tele separate?" Si consiglia di disegnare uno studio di questo tipo in modo da poter sentire più chiaramente la differenza di colore e carattere dei volti dei ritratti quando li si confronta.

Controlliamolo praticamente. Hai dipinto (o disegnato con matita o pastello) in una o due sessioni la testa della ragazza sul bordo sinistro della tua tela. I suoi capelli neri delineano chiaramente la forma di una fronte liscia, leggera, leggermente giallastra, le sue labbra scarlatte e succose modellano dolcemente la forma della sua bocca. Il rosa delle guance giovanili riecheggia con le labbra scarlatte. Un viso rosa-giallastro chiaro dona un piacevole sottotono viola-verdastro nelle ombre.

Per la prossima sessione di ritratti, inviti un uomo di mezza età la cui testa è priva di capelli. In questo caso, la struttura anatomica del cranio è chiaramente rivelata. Le orbite profonde aiutano a trasmettere il volume e il carattere della testa di questa persona. Prima di disegnarlo, noti subito che la sua immagine richiede colori completamente diversi rispetto allo studio della testa della ragazza.

Si può facilmente dedurre che questa persona è apparentemente raramente esposta all'aria, dal momento che la sua carnagione è di un verde giallastro pallido, che ricorda il colore della pergamena. Anche le parti in ombra della testa sono verdastre, ma sono assolutamente diverse dal verdastro nello studio della ragazza: sono bruno-verdi e devono essere risolte, magari con terra d'ombra e wolkonskoite. Vedi subito che in questa testa non ci sono quei toni piacevolmente rosa con cui hai dipinto le guance e le labbra della ragazza, e quando prepari miscele colorate per trasmettere la natura del colore, sei convinto che debbano essere realizzate con colori completamente diversi.

Terzo studio. Disegnare un ritratto della testa di un uomo anziano con una folta barba, con capelli grigi. Iniziando a scriverlo, confronti questa testa con due studi scritti in precedenza e assicurati che sia completamente diversa per colore e consistenza dalle due teste precedenti.

Quindi, una tale lezione di pittura, un simile disegno da nature diverse a confronto ti convincerà che tutto volti umani diverso nella natura delle forme e delle proporzioni, nella trama del corpo e nel sistema di colori. Questa convinzione non ti permetterà di dipingere tutte le teste con lo stesso colore "carne", ma ti costringerà ad analizzare e studiare attentamente ogni volta i colori del corpo di una persona, in base alla posizione e alle condizioni di luce. Questo metodo di disegno ti permetterà di allenare il tuo occhio a percepire le più sottili fluttuazioni di colore e ti aiuterà a capire come imparare a disegnare stato iniziale istruzione, nonché in ulteriori lavori creativi indipendenti.

Disegniamo un ritratto.

La messa in scena della natura dovrebbe rivelare chiaramente i principali tratti pittorici del viso e della testa nel suo insieme, illuminati dalla luce frontale, quando si formano piccoli gruppi d'ombra. Una testa illuminata dalla luce diretta richiede uno sfondo più scuro, anche se non necessariamente nero, ma abbinato a colori in modo che lo sfondo sia non solo in contrasto tonale, ma anche cromatico con la natura.

Questa lezione di pittura per principianti si svolge in più lezioni, poiché è abbastanza difficile per gli studenti. E un artista alle prime armi a volte è costretto a ridisegnare molte volte.

Chiunque voglia imparare a disegnare e acquisire le giuste abilità nella pittura, armarsi di abilità, deve sviluppare un sistema di lavoro nel disegnare un ritratto di un volto e di una testa. Raccomandiamo che la lezione di pittura sopra il ritratto della testa sia suddivisa condizionatamente in tre fasi, che sono interconnesse e passano organicamente l'una nell'altra, sviluppandosi e completandosi a vicenda.

La prima fase della lezione di ritrattistica - disegno preparatorio teste per dipingere e sottoverniciare colorate (Fig. 1);

la seconda fase della lezione di pittura è lo studio dei dettagli del ritratto, le caratteristiche delle loro forme e le caratteristiche cromatiche (Fig. 2);

la terza fase della lezione di pittura è la generalizzazione e sintesi di quanto studiato, portando il ritratto all'unità pittorica e espressività artistica(figura 3).

Queste fasi della lezione di disegno del ritratto consentiranno all'artista di eseguire più consapevolmente il suo lavoro dall'inizio alla fine del disegno e lo aiuteranno a sbarazzarsi di molte modifiche inutili, e talvolta dannose, senza fine. Questo di solito porta al fatto che il ritratto si sovraccarica di vernice, che non può essere applicata a casaccio, altrimenti inizia a sbiadire, annerire.

Quando la messa in scena della natura è terminata, l'artista passa alla prima fase di questa lezione di pittura. Allo stesso tempo, devi sempre ricordare che senza disegnare un modello, non dovresti iniziare a dipingere con i colori. Questa disposizione sembra chiara e molti potrebbero obiettare che non avrebbe dovuto essere menzionata. Ma la pratica dell'insegnamento della pittura nella nostra scuola mostra che gli studenti non sempre aderiscono a questa regola. I pittori alle prime armi a volte non vogliono perdere tempo con un disegno preparatorio. A volte questo porta a un triste risultato: all'inizio il ritratto risulta essere di colore fresco e alcuni luoghi sono interessanti e risolti in modo pittoresco, ma poi si trovano improvvisamente molti errori significativi nella forma.

Nelle sedute successive (asciutte), si comincia a correggere, a lavorare per parti, e perde impercettibilmente il fascino e la freschezza che aveva all'inizio, si trasforma in uno schizzo, torturato nella pittura e spezzato nella forma. Diventa noioso lavorare, la modella sembra poco interessante, c'è un dubbio nelle loro capacità: voglio abbandonare il ritratto e non riprendere più i pennelli.

Per muoverti sulla retta via senza tali esperienze, fai prima un disegno ben costruito e dettagliato. Disegna per dipingere con carboncino o matita morbida. Non è necessario modellare in tono pieno. Puoi realizzare un disegno di tono abbastanza chiaro, ma preferibilmente con una caratteristica delle principali gradazioni tonali del ritratto. Quindi il disegno può essere fissato con vernice o inumidito con acqua da un flacone spray, se il fondo della tela è adesivo o emulsione, oppure spazzolare leggermente il carboncino, lasciando il disegno in una tonalità chiara molto chiara.

Quindi, prima di iniziare a dipingere, l'artista deve analizzare mentalmente il modello a seconda dei compiti e decidere quali miscele prendere per lo studio del ritratto, quali combinazioni colorate ha trovato nel modello, vedere i toni caldi e freddi della natura.

Dopo che il ritrattista alle prime armi si è "abituato" alla natura, ne ha compreso mentalmente la combinazione di colori, come se la vedesse dipinta, procede alla pittura di fondo.

La pittura di fondo (Fig. 1) è una leggera registrazione con il colore dell'intera tela. La pittura di fondo a volte viene eseguita senza imbiancatura, come l'acquerello, a volte viene introdotta anche una piccola quantità di imbiancatura.

La verniciatura di fondo per la pittura della testa viene eseguita allo stesso modo della natura morta e di altri esercizi. Ne hai già avuto un'idea dalle lezioni precedenti.

Da una leggera pittura di fondo, in seguito è più facile per l'artista determinare il tono e il colore corretti, mentre è più difficile farlo su una tela bianca. Quando la pittura di fondo è terminata e la forma della testa è modellata, puoi procedere alla soluzione delle masse principali in tutta la forza della natura. È meglio iniziare a scrivere a pieno regime dal pezzo che è più chiaro per l'autore. Supponiamo che l'artista abbia sentito la forza del tono e il colore della fronte insieme ai capelli e abbia iniziato a prendere il colore a bruciapelo con la pittura di fondo. Iniziando a dipingere la fronte con tutte le sue forze, prende sia i capelli che lo sfondo, portando il tutto in armonia. Quindi prenderà il resto della testa con la stessa forza, sempre, confrontando i rapporti di colore tra loro. Così, dopo la verniciatura di fondo, l'autore procede a scolpire la testa, per così dire, in parti, risolvendo queste parti a bruciapelo, confrontandole tra loro.

Ma non sempre è possibile per l'artista, disegnando in parti, percepire l'intera produzione nel suo insieme, il suo occhio si sforza di soffermarsi sulla parte di natura che è raffigurata, e non vuole vedere le zone circostanti. Questa è l'eterna lotta per una visione olistica della natura. Un principiante nel disegno deve raccogliere gli sforzi necessari della volontà per un'attenzione costante e lo sviluppo di un tale principio di lavoro che gli permetta, quando dipinge la guancia, di confrontare non solo la parte illuminata della guancia con la parte in ombra, ma confronta la guancia con la fronte, e con il collo, e con lo sfondo, e con i capelli. Quindi, confronta sempre il più e il più spesso possibile quando disegni un dettaglio, poiché l'intero processo di pittura consiste nel confronto.

È necessario confrontare non solo in termini di forma, proporzioni e carattere, ma anche in termini di relazioni cromatiche.

Per risolvere il problema di dipingere la testa serve esperienza, bisogna sentire come la forma della testa è costruita dalle relazioni cromatiche. Pertanto, quando si elabora la forma dei dettagli con ogni tratto di pennello, identificare una certa parte della forma e assicurarsi di distinguere un tratto dagli altri per colore.

Dopo aver elaborato il modulo per diverse sessioni, vedrai che sei abbastanza vicino alla natura. La testa nel ritratto sembrava un modello. Gli occhi guardano ed esprimono il carattere dello sguardo della modella. Il naso comincia a essere definito, il volume della testa è costruito correttamente, anche, forse, vengono trasmesse le guance non rasate di una persona, cioè tutti i dettagli sono raffigurati con amore e attenzione. Ma, ahimè, scopri subito che a una distanza di 5-6 metri il tuo ritratto è diventato in qualche modo pigro, inespressivo. I colori non sono abbastanza sonori, l'opera ha perso il suo fascino colorato. Scopri subito che, nonostante i dettagli scritti, la testa non è molto voluminosa e tridimensionale, inoltre, il viso è in qualche modo obliquo, gli occhi non sono chiaramente costruiti, uno zigomo scivolato rispetto all'altro, le labbra è andato anche da qualche parte di lato. Frustrato, inizi a correggere timidamente gli errori con un pennellino, inseguendo la correzione dei dettagli, ma il ritratto non migliora da questo.

Ti senti a disagio a lavorarci. Ti sei stancato.

Tutto questo è successo perché durante una lezione di pittura abbastanza lunga, mentre lavoravi sui dettagli, hai smesso di guardare nel suo insieme, la ricerca di trasmettere i dettagli ti ha distratto da una percezione olistica.

Fase finale lezione di pittura. Lo scopo di questa fase è riportare la testa, frammentata dai dettagli, alla generalizzazione, rafforzare nuovamente la struttura del ritratto della testa, portare alla sintesi l'analisi delle forme che è stata fatta in precedenza. Per raggiungere una generalizzazione e una soluzione pittorica integrale, l'artista deve sopportare una grande tensione interiore.

In questo momento, devi sforzare tutta la tua volontà per abbandonare a volte molti dei dettagli trovati per una soluzione integrale e più artistica. Tali momenti dolorosi hanno dovuto attraversare molti dei grandi ritrattisti del passato.

Dalle memorie di V. A. Serov, sappiamo come grande artista, che ha saputo lavorare su un ritratto per sessanta o più sessioni, dopo aver studiato a fondo il modello e aver ottenuto notevoli ritrovamenti, poi ha raschiato spietatamente tutto ciò che era scritto con una spatola e, raccolte la sua volontà e la sua forza, ha completato liberamente il lavoro sul ritratto in 2-3 sessioni. In queste ultime sedute ha tradotto il ritratto in una nuova, alta qualità, rendendolo un lavoro integrale, generalizzato, altamente artistico.

Nelle nostre lezioni attiriamo l'attenzione degli artisti alle prime armi sulla natura e sullo stato di natura.

Se immagine ritratto Se una persona include anche le mani, è necessario prestare loro molta attenzione, perché a volte le mani ti diranno ancora di più su una persona che su un viso. I gesti e i movimenti delle mani dovrebbero essere vitali, caratteristici di questa particolare persona nello stato in cui si trova al momento.

Nel processo di disegno di un ritratto, presta la massima attenzione agli occhi della persona ritratta, cerca di penetrare più a fondo nell'anima di una persona attraverso l'espressione degli occhi. Dopotutto, non per niente si dice che gli occhi sono lo specchio dell'anima. Pertanto, per imparare a trasmettere pace della mente persona dentro ritratto dipinto, sii attento alla natura degli occhi, alla loro espressione e non esitare a disegnare gli occhi con tutta la forza del tuo pennello. Questo non significa che devi disegnare gli occhi scrupolosamente, in dettaglio con tutte le vene e i punti salienti della pupilla. Ma scrivi con cura e precisione, in modo che gli occhi guardino, e attraverso questo sguardo viene trasmesso lo stato d'animo di una persona.

Una persona creativa è una persona inadeguata che percepisce il mondo in modo diverso da tutti gli altri. Queste persone sono sempre state e saranno, e realizzano la loro natura ribelle nella loro visione del mondo.
Superiore circa 10 artisti insoliti che adottano uno strano approccio alla creazione dei loro dipinti.

1. Toppa Tim australiano,

"Ci sono molti artisti meravigliosi, ma solo uno dipinge con una figa", Tim Patcher parla di se stesso in questo modo, come capisci qui noi stiamo parlando su un modo divertente di applicare i colori ai suoi quadri.
sebbene i suoi dipinti siano creati in modo strano, ha già guadagnato la sua popolarità e la gente parla molto bene dei suoi dipinti.

2. Millie Brown è un'artista che disegna immagini con il suo vomito!

Non esiste una persona del genere che non abbia vomitato almeno una volta nella vita. Tutti voi a volte vi sentite male, tanto quanto ruttare a caccia. Ma, naturalmente, poche persone lo faranno con la forza su se stesse.
Anche se ci sono delle eccezioni: l'artista Millie Brown è pronta a vomitare liquidi colorati dalla sua bocca quasi ogni giorno. Certo, non solo così, ma per amore per l'arte!
Anche se ciò che è sorprendente qui, disegna le sue immagini in un modo così strano. Prima di iniziare a lavorare al suo nuovo lavoro, prepara bicchieri con liquidi colori differenti. Successivamente utilizzerà queste sostanze come vernici durante la sua nauseabonda creatività.

3.Hong Yi ragazza che dipinge con una palla.

Yi Hong, un giovane artista residente a Shanghai, ha usato un pallone da basket per dipingere un ritratto del giocatore di basket cinese in pensione Yao Ming.
Secondo lei, un pallone da basket è uno strumento più adatto di un pennello per questo lavoro, anche se le ci sono volute solo due ore per creare un'immagine.

4. Vinicius Quesada è un artista di strada brasiliano che dipinge con il sangue.

L'arte è nel suo sangue, sembra si dica di Vinitsa Quesada, perché nei suoi quadri usa il suo sangue invece dei colori.
Sebbene gli ammiratori del suo talento offrano il loro sangue per il suo lavoro, rifiuta educatamente. Dicono che il loro sangue può andare a una buona azione, per aiutare altre persone.

5. Disegnare sott'acqua.

In magazzino, l'artista, in media, circa 40-60 minuti per tutto su tutto. Per la pittura a olio, questo è molto poco, solo un tempo record.
Ma ciò non impedisce agli artisti subacquei di creare i propri dipinti.

6. Una donna americana con grandi seni ci dipinge quadri.

Kira Ain Varsed dipinge i suoi quadri con il petto. Meno male che ha le nappe misura giusta. Come fa, chiedi? E ti risponderò: l'artista mette la vernice sul suo busto e poi dipinge quadri per loro.
Secondo Kira, dipinge paesaggi di lontani pianeti sconosciuti.

7. Pittura eseguita con la lingua.

L'artista indiana Ani crea i suoi dipinti con l'aiuto del linguaggio. Lui stesso ha provato molti modi per applicare la vernice alle tele, ma qualcuno lo aveva già fatto prima di lui.
E non c'è ancora una lingua, è la prima.

8. L'artista ha creato un pannello di 200.000 formiche morte.

L'artista californiano Chris Trueman ha creato un murale di 200.000 formiche morte.
L'autore dell'opera osserva che gli ci sono voluti diversi anni per creare il pannello. Ad un certo punto ha persino avuto un attacco di pietà per gli insetti e ha interrotto il lavoro per circa un anno. È vero, poi si rese conto che la vita delle formiche già uccise non poteva essere restituita e completò il lavoro.

9. Un artista che usa i suoi occhi.

Chen ha una straordinaria capacità di tenere i pennelli da disegno tra la palpebra e la cornea e disegnare caratteri calligrafici sui fogli.
Chen ha scoperto il suo incredibile talento in se stesso all'età di 16 anni, quando lavorava in un cantiere edile, dove la sabbia gli è entrata negli occhi. Poi il giovane ha notato che i corpi estranei sulla cornea non gli provocavano sensazioni particolarmente spiacevoli o dolorose.

10. Un artista che dipinge con ceneri umane.

Val Thompson utilizza ceneri umane cremate come base per i suoi colori. Questa idea le è stata suggerita da lei fratello, spiegandole che sarà la prima in questo genere.

Ritratti scarabocchiati il ​​4 agosto 2014

L'artista malese Vince Low disegna ritratti di celebrità con penna su carta "senza staccare le mani dal foglio", dicono alcuni. L'illustratore è stato in grado di trasmettere le espressioni facciali e le emozioni di star di Hollywood, cantanti, scienziati ed eroi del cinema con incredibile precisione. Vince Lowe ha definito la sua serie di dipinti semplice: "Faces".

Sotto il taglio ci sarà un'opera che potrà essere vista con un forte aumento, allora capirai qual è l'insolito e l'essenza di quest'opera.

Foto 3.

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L'idea di creare ritratti originali di celebrità gli è nata spontaneamente: all'inizio, come molti, amava abbozzare disegni in taccuino. Vedendo che il risultato è piuttosto impressionante, Vince Lowe ha deciso di creare un'intera serie di opere insolite.

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L'artista afferma che è estremamente importante per lui trasmettere l'anima e il carattere della persona raffigurata nella foto. Senza dubitare delle sue capacità, decise di padroneggiare alla perfezione l'abilità della pittura "al tratto". Certamente, questa direzione arte contemporanea non è una novità, tra i maestri riconosciuti vanno ricordati i nomi di Atsushi Takahashi e Pierre Emmanuel Godet, che disegnano con “scarabocchi”, così come l'illustratore dilettante di Reddit, che crea quadri utilizzando una linea continua. Tuttavia, Vince Lowe è riuscito a occupare una nicchia molto speciale nella ritrattistica monocromatica.

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Spesso gli scarabocchi sono percepiti come semplici coccole, linee prive di significato che possono essere punteggiate da una pagina. Tuttavia, Vince Lowe sa come organizzare questo caos, creando da esso immagini artistiche. I suoi ritratti realistici sono emotivi ed espressivi, l'artista usa abilmente il gioco di luci e ombre, disegna in dettaglio i tratti del viso. Un approccio apparentemente non sistematico alla creazione di un disegno consente a Vince Lowe di ottenere risultati eccellenti.

Ecco un altro esempio con un grande aumento per te. Clicca sull'immagine.

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E un altro …

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10 artisti contemporanei che ti faranno star male

Ora parleremo di progetti creativi così strani che vorrai sdraiarti in un angolo, coperto da una coperta, abbracciare il quadrato nero e lamentarti con lui del declino della moralità, e basta.

Pennelli accoppiati

"Nuova speranza"

Cominciamo con un'artista americana piuttosto modesta e persino carina Kira Ain Varseji. La sua tecnica è semplice: mescola i colori, li mette sul petto nudo, li preme contro la tela. Puoi acquistare le sue opere astratte per 200-300 dollari. Kira è una donna positiva: ama la pesca, suo marito, giochi per computer. A volte lascia che la sua tartaruga striscia sulla vernice e mostra anche dettagli individuali con giocattoli e verdure. Dimensione del seno, nel caso ve lo stiate chiedendo, 38DD. È molto.

Scheda di memoria

"Uccelli di lode"

Sergio Portillo (USA) dipinge con normali pennelli. Il segreto è nella vernice. La vernice è cenere. Umano. No, va tutto bene. I parenti del defunto e gli stessi cremati ordinano tali dipinti all'artista. È conveniente: non devi spendere soldi per l'arte in casa e per un posto nel colombario. A proposito, Sergio non è originale, un tale servizio è fornito da molti altri artisti della non timida dozzina.

Arte e sacrificio

"Ritratto con una pistola"

Chris Truman ha dipinto solo un'immagine adatta alla nostra lista, ma cosa! Ha realizzato un ritratto di suo fratello minore da 200.000 formiche morte. E non è stato così facile, perché l'artista ama le formiche e non gli piace ucciderle. Ma il genocidio degli insetti ha dato i suoi frutti: il dipinto è stato acquistato per 35mila dollari.

Pittore

"Jimi Hendrix"

Un anziano Tim Patch australiano lavora sotto lo pseudonimo di Pricasso. Questo può essere tradotto in russo come Hrenasso. Bene, hai già capito cosa disegna. E a proposito, va abbastanza bene per un'arma così spuntata! A proposito, l'artista ti permette di osservare il suo processo creativo, così che è volentieri invitato a tutti i tipi di festival in cui i bambini non possono entrare.

La lingua porterà al museo

"Cristo"

Per Hindu Ani Kay, l'arte non è facile. A causa sua metodo creativo soffre sempre di dolori all'addome, alla testa, vertigini. E tutto perché disegna con la lingua. Dice che ora è ancora tollerabile e dopo le prime foto ha pensato che sarebbe andato nell'aldilà. In totale, ha versato 20 acquerelli, inclusa una copia di due metri de L'ultima cena di Da Vinci, per non dire che fosse di qualità particolarmente elevata. Un membro sarebbe sicuramente meglio, invece, il tema religioso…

Indicatore dell'occhio

L'artista, ovviamente, ha bisogno di un occhio attento, ma non sapevamo cosa fosse necessario così letteralmente. Xiang Chen, un maestro cinese della calligrafia, tiene un pennello con la palpebra e lo trascina sul foglio. In generale, il risultato è difficile da valutare, ma il lavoro è impressionante. A proposito, sa anche tenere un bastone con lo stesso occhio e suonarlo al pianoforte.

Ispirazione dall'interno

Nesso vomito

L'artista Millie Brown vomita in modo incontrollabile sulla tela, letteralmente. Per fare questo beve latte colorato e poi lo vomita su un lenzuolo bianco o sul vestito. I quadri sono astratti, ma costano molto. Ad esempio, l'immagine Nexus Vomitus è stata realizzata al canto di tre cantanti lirici e venduto con successo per $ 2.400.

rosso e giallo

Il brasiliano Vinicius Quesada dipinge con il sangue. E non una specie di maiale, ma umano. Conosciuto per la sua serie di dipinti "Blues of urine and blood", scritto esattamente ciò che è nel titolo. Queste sono immagini psichedeliche realistiche di geishe, scimmie e zombi. Perché geisha? Perché l'urina? Perché è tutto?

Amici, spesso mi viene posta la stessa domanda. Su come attingere dall'immaginazione, cioè "dalla testa". Per non ripetere in lettere separate, questa volta risponderò sul sito. Spero che la mia risposta sia utile per gli artisti che sono preoccupati per lo stesso problema.

E inizierò con l'ultima lettera su questo tema.

Ciao!

Lo scorso autunno ti ho già scritto sotto forma di un "grido dell'anima", al quale tu, con mia sorpresa, hai persino risposto 🙂 Grazie per questo!

Ci tengo a dire che ho superato gran parte dei problemi principali del mio lavoro, ma ne è sorto un altro che mi irrita moltissimo: non riesco (quasi) a tirare fuori “dalla mia testa”. Cioè, se mi metti davanti del gesso, o gli utensili del maestro con la frutta, o anche un paesaggio, allora posso formare un'immagine più o meno adeguata.

Ma se mi siedo e voglio disegnare quello che ho in testa... allora comincia l'inferno. È come se tenessi tra le mani un pennello o una matita per la prima volta. Cioè, ciò che è difficile è immaginare un albero nella tua testa sullo sfondo di un fiume e dipingerlo con acquerelli anche in un unico colore. Se ho visto questa trama di fronte a me, scrivere uno schizzo mi ha richiesto un paio di minuti e alcune pennellate (idealmente), ma immaginando nella mia testa, sembra che io abbia 4 anni e i miei genitori mi hanno dato dipinge con i pennelli Capodanno, se solo smettessi di correre per i corridoi.

A volte, ovviamente, si scopre, ma è comunque un livello molto più basso che se disegnassi dalla vita ...

A quanto ho capito, il punto qui non è più nell'abilità e non nella tecnica di disegno, ma nel "talento" o "cervello" ... Certo, puoi continuare a disegnare dal vero, ma a volte vuoi disegnare qualcos'altro che è nella tua anima, ma non funziona ...

A mio avviso, la situazione descritta non è solo tipica, ma anche NORMALE.

"Out of my head" è fantastico da scrivere dipinti astratti, non c'è limite allo spazio per l'immaginazione. Beh, almeno qualcosa di fantastico. Qualcuno no noto alla scienza Cheburashka o un ritratto di un sonnambulo.

Ma se vuoi rappresentare qualcosa che può esistere dentro mondo reale, e anche renderlo abbastanza plausibile, allora perché torturarti la testa, cercando di tirarne fuori ciò che non c'è ?!

Si, esattamente.

Non credi? Per fare un esperimento... Immagina della verdura o della frutta che hai nel tuo frigorifero. Disegnalo fuori dalla tua testa, con tutti i dettagli che puoi immaginare. E poi prendi quello vero dal frigo e disegnalo dal vero. Quale di questi disegni sembra più vero?

Vedi, ogni oggetto in natura è unico, esiste solo in una copia.

Abbiamo una certa immagine generalizzata, un insieme di caratteristiche, immagazzinate nella nostra testa. La carota sembra un cono allungato colore arancione. E lei può essere così:

L'ambiente è molto più vario di così cosa possiamo immaginare...

Ci sono altre variabili oltre alla biodiversità. Ombre e riflessi casuali. Colore, a seconda dell'illuminazione generale. Cattedrale di Rouen a mezzogiorno e la cattedrale di Rouen con tempo grigio - due cattedrali di colori diversi.

Gli artisti hanno sempre trattato la natura con grande rispetto. E infatti non c'è contraddizione nello scrivere dalla natura o nello scrivere ciò che è nell'anima. Puoi scrivere ciò che è nella tua anima dalla natura - devi solo trovare una natura adatta.

Prendi, ad esempio, "L'apparizione di Cristo al popolo" di A. Ivanov.

È chiaro che l'idea dell'immagine è presa "dalla testa", e l'autore non ha scritto questa scena dal vero. E l'idea qui è davvero monumentale. Così l'artista vedeva il suo compito: "È necessario immaginare nella mia foto i volti di classi diverse, tutte dolenti e inconsolabili, un sentimento triste che fa capolino, un desiderio di libertà e indipendenza".

Ma questi volti non sono fittizi, come i dettagli del paesaggio. È noto che Ivanov ha completato circa 400 schizzi e schizzi preliminari per questo dipinto. Il lavoro sulla tela è durato 20 anni.

E gli schizzi sono stati scritti con persone reali. Ad esempio, il prototipo di uno dei personaggi era Gogol.

Alcuni di questi schizzi possono essere visti nella collezione del Museo Russo.

Qualsiasi attuazione di qualsiasi piano comporta la raccolta di materiale e non è consigliabile saltare questa fase. Nel tuo salvadanaio potrebbero esserci schizzi, schizzi, alcune fotografie adatte sull'argomento. E poi l'idea realizzata sarà pesante e credibile.

Ma voglio anche fare una piccola osservazione. Disegnare "dall'immaginazione" è diverso dal disegnare "dalla memoria". Dall'esterno la differenza non si nota, l'artista disegna qualcosa senza guardare la natura. Tuttavia, dalla memoria puoi trarre qualcosa di veramente più o meno convincente.

Certo, in questo caso è necessario grande esperienza. Se hai disegnato mille ritratti dal vero, potrai disegnare un volto che potrebbe benissimo appartenere persona reale. La tua memoria ti dirà alcune caratteristiche individuali e sfumature di volti che hai già disegnato.

Per attingere dalla memoria non basta immaginare un oggetto familiare. Va studiato attentamente, con la matita in mano, facendo schizzi e disegni dettagliati.

Di tanto in tanto disegno un autoritratto per scaldarmi. Di conseguenza, posso disegnare una faccia simile alla mia senza guardarmi allo specchio... Ma non posso disegnare a memoria i volti di parenti o amici, soprattutto quelli che non ho mai dipinto prima.

Secondo i contemporanei, molti artisti famosi possedeva una memoria tenace unica. Penso che questo non sia un talento innato, ma il risultato della formazione, ognuno di questi artisti ha avuto una vasta esperienza nel disegnare dalla natura.

Pertanto, se c'è il desiderio di disegnare "dalla testa" - assicurati di acquisire esperienza nei disegni dal vero, fai schizzi - tanto meglio è. E presto questo problema cesserà di essere un problema per te)

"È abbastanza ovvio per me che l'abitudine di disegnare esattamente ciò che vediamo dà una corrispondente capacità di disegnare esattamente ciò che pensiamo" ...
Giosuè Reynolds

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