Pittura rinascimentale. Grandi artisti del Rinascimento Artisti del Rinascimento del XII-XVI secolo

L'indubbia conquista del Rinascimento fu la costruzione geometricamente corretta del quadro. L'artista ha costruito l'immagine utilizzando le tecniche che ha sviluppato. La cosa principale per i pittori di quel tempo era osservare le proporzioni degli oggetti. Anche la natura è caduta sotto i metodi matematici per calcolare la proporzionalità dell'immagine con altri oggetti nella foto.

In altre parole, gli artisti del Rinascimento cercavano di trasmettere un'immagine accurata, ad esempio, di una persona sullo sfondo della natura. Se confrontato con i metodi moderni per ricreare un'immagine vista su una sorta di tela, allora, molto probabilmente, una fotografia con successivo aggiustamento aiuterà a capire a cosa aspiravano gli artisti del Rinascimento.

I pittori del Rinascimento credevano di avere il diritto di correggere i difetti della natura, cioè se una persona aveva brutti tratti del viso, gli artisti li correggevano in modo tale che il viso diventasse dolce e attraente.

Leonardo Da Vinci

Il Rinascimento divenne tale grazie a molte personalità creative vissute in quel periodo. Il famoso Leonardo da Vinci (1452-1519) ha creato un numero enorme di capolavori, il cui costo è stimato in milioni di dollari, e gli intenditori della sua arte sono pronti a contemplare i suoi dipinti per molto tempo.

Leonardo iniziò i suoi studi a Firenze. La sua prima tela, dipinta intorno al 1478, è Benois Madonna. Poi c'erano creazioni come "Madonna nella grotta", "Mona Lisa", "L'ultima cena" di cui sopra e una miriade di altri capolavori scritti dalla mano di un titano del Rinascimento.

Il rigore delle proporzioni geometriche e l'esatta riproduzione della struttura anatomica di una persona: questo è ciò che caratterizza il dipinto di Leonardo da Vinci. Secondo le sue convinzioni, l'arte di raffigurare certe immagini su tela è una scienza, e non solo una sorta di hobby.

Raffaele Santi

Raffaello Santi (1483 - 1520) conosciuto nel mondo dell'arte come Raffaello creò le sue opere in Italia. I suoi dipinti sono intrisi di lirismo e grazia. Raffaello è un rappresentante del Rinascimento, che raffigurava un uomo e il suo essere sulla terra, amava dipingere i muri delle cattedrali vaticane.

I dipinti tradiscono l'unità delle figure, le corrispondenze proporzionali di spazio e immagini, l'eufonia del colore. La purezza della Vergine era alla base di molti dipinti di Raffaello. La sua primissima immagine della Madre di Dio è la Madonna Sistina, dipinta da un famoso artista nel 1513. I ritratti creati da Raffaello riflettevano l'immagine umana ideale.

Sandro Botticelli

Sandro Botticelli (1445 - 1510) è anche pittore rinascimentale. Una delle sue prime opere fu il dipinto "L'Adorazione dei Magi". Poesia sottile e sogno erano i suoi modi originali nel campo del trasferimento di immagini artistiche.

Nei primi anni '80 del XV secolo grande artista dipinse le pareti della Cappella Vaticana. Gli affreschi da lui realizzati sono ancora sorprendenti.

Nel tempo i suoi dipinti si sono caratterizzati per la calma degli edifici dell'antichità, la vivacità dei personaggi raffigurati, l'armonia delle immagini. Inoltre, è noto il fascino di Botticelli per i disegni di famose opere letterarie, che hanno anche aggiunto solo gloria al suo lavoro.

Michelangelo Buonarroti

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) è stato un pittore italiano attivo anche nel Rinascimento. Quello che solo questa persona conosciuta da molti di noi non ha fatto. E scultura, pittura, architettura e poesia. Michelangelo, come Raffaello e Botticelli, dipinse le pareti dei templi del Vaticano. Dopotutto, solo i pittori più talentuosi di quei tempi erano coinvolti in un lavoro così responsabile come disegnare immagini sui muri delle cattedrali cattoliche. Ha dovuto coprire più di 600 metri quadrati della Cappella Sistina con affreschi raffiguranti varie scene bibliche. L'opera più famosa in questo stile ci è nota come The Last Judgment. Il significato della storia biblica è espresso in modo completo e chiaro. Tale accuratezza nel trasferimento delle immagini è caratteristica dell'intera opera di Michelangelo.

Epoca Alto Rinascimento(la fine del XV - il primo quarto del XVI secolo) - il tempo della perfezione e della libertà. Come altre forme d'arte di quest'epoca, la pittura è segnata da una profonda fede nell'uomo, nelle sue forze creative e nella forza della sua mente. Nei dipinti dei maestri dell'Alto Rinascimento regnano gli ideali di bellezza, umanesimo e armonia, la persona in essi è la base dell'universo.

I pittori di questo tempo usano facilmente tutti i mezzi di rappresentazione: il colore, arricchito di aria, luce e ombra, e il disegno, libero e nitido; possiedono perfettamente prospettiva e volumi. Le persone respirano e si muovono sulle tele degli artisti, i loro sentimenti ed esperienze sembrano profondamente emotivi.

Questa era ha dato al mondo quattro geni: Leonardo da Vinci, Raffaello, Michelangelo, Tiziano. Nella loro pittura, le caratteristiche dell'Alto Rinascimento - idealità e armonia, combinate con la profondità e la vitalità delle immagini - si sono manifestate più chiaramente.

Leonardo Da Vinci

Il 15 aprile 1452, nella cittadina italiana di Vinci, che si trova vicino a Firenze, nacque un figlio illegittimo al notaio Piero da Vinci. Lo chiamarono Leonardo di ser Piero d'Antonio. La madre del ragazzo, una certa Katerina, sposò poco dopo un contadino. Il padre non ha abbandonato il figlio illegittimo, lo ha accolto e gli ha dato una buona educazione. Un anno dopo la morte del nonno di Leonardo, Antonio, nel 1469, il notaio parte con la famiglia per Firenze.

Fin dalla tenera età, Leonardo risveglia la passione per il disegno. Notato ciò, il padre manda il ragazzo a studiare con uno dei più famosi maestri di scultura, pittura e gioielleria dell'epoca, Andrea Verrocchio (1435-1488). La gloria della bottega del Verrocchio fu insolitamente grande. Dai nobili abitanti della città venivano costantemente ricevuti molti ordini per l'esecuzione di dipinti e sculture. Non a caso Andrea Verrocchio godeva di grande prestigio tra i suoi allievi. I contemporanei lo consideravano il più talentuoso successore delle idee del Rinascimento fiorentino nella pittura e nella scultura.

L'innovazione del Verrocchio come artista è legata principalmente al ripensamento dell'immagine, che dal pittore acquisisce tratti naturalistici. Della bottega del Verrocchio sono sopravvissute fino ad oggi pochissime opere. I ricercatori ritengono che in questo laboratorio sia stato creato il famoso "Battesimo di Cristo". Inoltre, è stato accertato che il paesaggio sullo sfondo del dipinto e gli angeli nella sua parte sinistra appartengono al pennello di Leonardo.

Già in questo primo lavoro si manifestava l'individualità creativa e la maturità del futuro famoso artista. Il paesaggio, dipinto dalla mano di Leonardo, si differenzia nettamente dai dipinti di natura dello stesso Verrocchio. Appartenente a un giovane artista, è come avvolto da una leggera foschia e simboleggia l'infinito e l'infinito dello spazio.

Anche le immagini create da Leonardo sono originali. La profonda conoscenza dell'anatomia del corpo umano, così come della sua anima, ha permesso all'artista di creare immagini di angeli insolitamente espressive. La padronanza del gioco di luci e ombre ha aiutato l'artista a rappresentare figure vivaci e dinamiche. Sembra che gli angeli si siano congelati solo per un po'. Passeranno ancora qualche minuto e prenderanno vita, si muoveranno, parleranno ...

Critici d'arte e biografi di da Vinci affermano che nel 1472 Leonardo lascia la bottega del Verrocchio e diventa un maestro nella bottega dei pittori. Dal 1480 si dedicò alla scultura, che, secondo Leonardo, era il modo più semplice per esprimere la dinamica dei movimenti del corpo umano. Da allora lavora presso l'Accademia delle Arti, così si chiamava il laboratorio situato nel giardino di Piazza San Marco, creato per iniziativa di Lorenzo il Magnifico.

Nel 1480 Leonardo ricevette un ordine dalla Chiesa di San Donato Scopeto per la composizione artistica "L'Adorazione dei Magi".

Leonardo non visse a lungo a Firenze. Nel 1482 parte per Milano. Probabilmente, questa decisione è stata fortemente influenzata dal fatto che l'artista non è stato invitato a Roma per lavorare al dipinto della Cappella Sistina. In un modo o nell'altro, presto il maestro apparve davanti al duca della famosa città italiana Ludovico Sforza. I milanesi accolsero calorosamente Leonardo. Si stabilì e visse a lungo nel quartiere di Porta Ticinese. E l'anno successivo, 1483, scrisse una pala d'altare commissionata per la Cappella dell'Immacolata nella Chiesa di San Francesco Grande. Questo capolavoro divenne in seguito noto come la Madonna delle Rocce.

Nello stesso periodo Leonardo sta lavorando a un monumento in bronzo per Francesco Sforza. Tuttavia, né gli schizzi, né gli schizzi di prova e le fusioni potrebbero esprimere l'intenzione dell'artista. L'opera è rimasta incompiuta.

Nel periodo che va dal 1489 al 1490, Leonardo da Vinci dipinse il Castello Sforzesco nel giorno delle nozze di Gian Galeazzo Sforza.

Quasi tutto il 1494 Leonardo da Vinci si dedica a una nuova occupazione: l'idraulica. Su iniziativa dello stesso Sforza, Leonardo elabora e realizza un progetto di bonifica del territorio della pianura lombarda. Tuttavia, già nel 1495 il più grande maestro di belle arti tornò alla pittura. È quest'anno che diventa la tappa iniziale nella storia della realizzazione del famoso affresco "L'ultima cena", che adornava le pareti della sala del refettorio del monastero, situato vicino alla chiesa di Santa Maria delle Grazie.

Nel 1496, in occasione dell'invasione del Ducato di Milano da parte del re francese Luigi XII, Leonardo lasciò la città. Si trasferisce prima a Mantova e poi a Venezia.

Dal 1503 l'artista vive a Firenze e, insieme a Michelangelo, lavora alla pittura della Sala del Maggior Consiglio di Palazzo Signoria. Leonardo avrebbe dovuto rappresentare la "Battaglia di Anghiari". Tuttavia, il maestro, che è costantemente alla ricerca creativa, abbandona spesso il lavoro che ha iniziato. Così è successo con la "Battaglia di Anghiari" - l'affresco è rimasto incompiuto. Gli storici dell'arte suggeriscono che fu allora che fu creata la famosa Gioconda.

Dal 1506 al 1507 Leonardo risiede nuovamente a Milano. Dal 1512 vi regna il duca Massimiliano Sforza. 24 settembre 1512 Leonardo decide di lasciare Milano e stabilirsi con i suoi allievi a Roma. Qui non solo dipinge, ma si rivolge anche allo studio della matematica e di altre scienze.

Dopo aver ricevuto un invito dal re francese Francesco I nel maggio 1513, Leonardo da Vinci si trasferì ad Amboise. Qui vive fino alla morte: dipinge, decora feste e lavora all'applicazione pratica di progetti finalizzati all'utilizzo dei fiumi di Francia.

2 maggio 1519 muore il grande artista. Leonardo da Vinci è sepolto nella chiesa di San Fiorentino ad Amboise. Tuttavia, durante il culmine delle guerre di religione (XVI secolo), la tomba dell'artista fu distrutta e completamente distrutta. I suoi capolavori, considerati l'apice delle belle arti nei secoli XV-XVI, sono tali fino ad oggi.

Tra i dipinti di da Vinci, l'affresco dell'Ultima Cena occupa un posto speciale. La storia del famoso affresco è interessante e sorprendente. La sua creazione risale al 1495-1497. Fu commissionato dai monaci dell'ordine domenicano, che desideravano decorare le pareti del refettorio del loro monastero, situato vicino alla chiesa di Santa Maria delle Grazie a Milano. L'affresco raffigurava un racconto evangelico abbastanza noto: l'ultimo pasto di Gesù Cristo con i suoi dodici apostoli.

Questo capolavoro è riconosciuto come l'apice di tutto il lavoro dell'artista. Le immagini di Cristo e degli apostoli create dal maestro sono insolitamente luminose, espressive e vive. Nonostante la concretezza e la realtà della situazione rappresentata, il contenuto dell'affresco risulta essere pieno di profondo significato filosofico. Qui è stato incarnato il tema eterno del conflitto tra il bene e il male, l'autocompiacimento e l'insensibilità spirituale, la verità e la menzogna. Le immagini derivate non sono solo un insieme di tratti caratteriali individuali (ogni singola persona in tutta la diversità del suo temperamento), ma anche una sorta di generalizzazione psicologica.

L'immagine è molto dinamica. Il pubblico sente davvero l'emozione che ha colto tutti i presenti al pasto dopo le parole profetiche pronunciate da Cristo sull'imminente tradimento che uno degli apostoli avrebbe dovuto commettere. La tela risulta essere una sorta di enciclopedia delle sfumature più sottili delle emozioni e degli stati d'animo umani.

Leonardo da Vinci ha completato l'opera in modo sorprendentemente rapido: dopo soli due anni, il quadro è stato completamente completato. Tuttavia, ai monaci non piaceva: il modo della sua esecuzione era troppo diverso dallo stile di scrittura pittorica precedentemente accettato. L'innovazione del maestro consisteva non solo e non tanto nell'uso di vernici di nuova composizione. Particolare attenzione è rivolta al modo di rappresentare la prospettiva nell'immagine. Realizzato con una tecnica speciale, l'affresco, per così dire, espande e ingrandisce lo spazio reale. Sembra che le pareti della stanza raffigurata nel quadro siano una continuazione delle pareti del refettorio del monastero.

I monaci non apprezzavano e non capivano l'intento creativo e le conquiste dell'artista, quindi non si preoccupavano troppo di preservare il dipinto. Già due anni dopo la pittura dell'affresco, le sue pitture iniziarono a deteriorarsi e sbiadire, la superficie del muro con l'immagine applicata sembrava essere ricoperta dalla materia più sottile. Ciò è avvenuto, da un lato, per la scarsa qualità delle nuove vernici, e dall'altro per la costante esposizione all'umidità, all'aria fredda e al vapore che penetrava dalla cucina del monastero. L'aspetto del dipinto venne completamente rovinato quando i monaci decisero di ritagliare un ulteriore ingresso al refettorio nella parete con l'affresco. Di conseguenza, l'immagine è stata tagliata in basso.

I tentativi di restaurare il capolavoro sono stati fatti dal XIII secolo. Tuttavia, tutti si sono rivelati vani, la vernice continua a deteriorarsi. La ragione di ciò è attualmente il deterioramento della situazione ambientale. La qualità dell'affresco risente della maggiore concentrazione di gas di scarico nell'aria, nonché di sostanze volatili emesse nell'atmosfera da fabbriche e fabbriche.

Ora possiamo anche dire che i primi lavori di restauro del dipinto si sono rivelati non solo inutili e privi di significato, ma avevano anche il loro lato negativo. Nel processo di restauro, gli artisti hanno spesso aggiunto all'affresco, modificando l'aspetto dei personaggi presentati sulla tela e l'interno raffigurato. Quindi, recentemente si è saputo che uno degli apostoli originariamente non aveva una barba lunga e ricurva. Inoltre, le tele nere raffigurate sulle pareti del refettorio si sono rivelate nient'altro che piccoli tappeti. Soltanto
nel 20° secolo è riuscito a scoprire e ripristinare parzialmente il loro ornamento.

Restauratori moderni, tra i quali si distinse notevolmente il gruppo che lavorò sotto la guida di Carlo Berteli, decisero di ripristinare l'aspetto originario dell'affresco, liberandolo da elementi applicati successivamente.

Il tema della maternità, le immagini di una giovane madre che ammira il suo bambino, sono rimaste a lungo fondamentali nell'opera del grande maestro. Veri capolavori sono i suoi dipinti "Madonna Litta" e "Madonna con un fiore" ("Madonna Benois"). Attualmente "Madonna Litta" è conservata in Eremo di Stato a San Pietroburgo. Il dipinto fu acquistato dall'imperatore russo Alessandro II nel 1865 dalla famiglia del duca italiano Antonio Litta, al quale era stato precedentemente donato dai duchi di Visconti. Per ordine dello zar russo, il dipinto è stato trasferito dal legno alla tela e appeso in una delle sale del famoso museo di San Pietroburgo.

Gli studiosi d'arte ritengono (e Ricerca scientifica lo ha dimostrato) che il lavoro sulla creazione dell'immagine non è stato completato dall'autore stesso. Fu completato da uno degli studenti di Leonardo, Boltraffio.

La tela è l'espressione più suggestiva del tema della maternità nella pittura del periodo rinascimentale. L'immagine della Madonna Madre è luminosa e spirituale. Lo sguardo rivolto al bambino è insolitamente gentile, esprime contemporaneamente
tristezza, pace e pace interiore. Qui, madre e figlio sembrano formare il loro mondo unico, costituiscono un unico insieme armonioso. Il pensiero attraverso l'immagine può essere espresso nelle seguenti parole: due esseri viventi, madre e figlio, contengono la base e il significato della vita.

Monumentale l'immagine della Madonna con un bambino in braccio. La finitura e la raffinatezza gli conferiscono una transizione speciale e uniforme di luci e ombre. La tenerezza e la fragilità della figura è sottolineata dai panneggi del mantello gettato sulle spalle della donna. I dipinti delle finestre raffigurati sullo sfondo bilanciano e completano la composizione, sottolineando la separazione di due persone vicine dal resto del mondo.

La tela “Madonna con un fiore” (“Madonna Benois”), 1478 circa, fu acquistata dai suoi ultimi proprietari russi dallo zar Nicola II nel 1914 appositamente per l'Hermitage. I suoi primi proprietari rimangono sconosciuti. C'è solo una leggenda che racconta che un attore itinerante italiano portò il dipinto in Russia, dopodiché fu acquistato a Samara nel 1824 dal mercante Sapozhnikov. Successivamente, la tela fu ereditata da padre in figlia, M. A. Sapozhnikova (da suo marito - Benois), da cui l'imperatore la acquistò. Da allora il dipinto ha avuto due nomi: "Madonna con fiore" (autore) e "Madonna Benois" (dal nome dell'ultimo proprietario).

L'immagine, che mostra la Madre di Dio con il bambino, riflette i sentimenti ordinari e terreni di una madre che gioca con suo figlio. L'intera scena è costruita sul contrasto: una madre che ride e un bambino che studia seriamente un fiore. L'artista, soffermandosi su questa particolare opposizione, mostra il desiderio di conoscenza di una persona, i suoi primi passi sulla via della verità. Questo è ciò che mente idea principale tele.

Il gioco di luci e ombre conferisce un tono speciale e intimo all'intera composizione. Madre e bambino sono nel loro mondo, tagliati fuori dalla vanità terrena. Nonostante una certa spigolosità e rigidità dei tendaggi raffigurati, il pennello di Leonardo da Vinci è abbastanza facile da riconoscere dalle transizioni morbide e morbide delle sfumature dei colori utilizzati e dalle combinazioni di luci e ombre. La tela è dipinta con colori tenui e calmi, sostenuti in un unico sistema cromatico, e questo conferisce all'immagine un carattere morbido ed evoca una sensazione di armonia e tranquillità ultraterrene, cosmiche.

Leonardo da Vinci è un maestro riconosciuto del ritratto. Tra i suoi dipinti più famosi ci sono "Dama con l'ermellino" (1483-1484 circa) e "Ritratto di musicista".

Critici e storici d'arte suggeriscono che la tela "Dama con l'ermellino" raffigura Cecilia Gallerani, che era la favorita del duca di Milano Ludovic Moreau prima del suo matrimonio. Sono state conservate informazioni secondo cui Cecilia era una donna molto istruita, il che all'epoca era una rarità. Inoltre, storici e biografi della famosa artista ritengono anche che conoscesse da vicino Leonardo da Vinci, che una volta decise di dipingere il suo ritratto.

Questa tela ci è pervenuta solo in una versione riscritta, e quindi gli scienziati hanno dubitato a lungo della paternità di Leonardo. Tuttavia, le parti ben conservate del dipinto raffiguranti un ermellino e il volto di una giovane donna ci consentono di parlare con sicurezza degli stili del grande maestro da Vinci. È anche interessante notare che il denso sfondo scuro, così come alcuni dettagli dell'acconciatura, sono ulteriori disegni realizzati in seguito.

"Dama con l'ermellino" è una delle tele psicologiche più brillanti nella galleria dei ritratti dell'artista. L'intera figura della ragazza esprime dinamismo, tensione in avanti, testimonia un carattere umano insolitamente volitivo e forte. Le caratteristiche facciali corrette sottolineano solo questo.

Il ritratto è davvero complesso e sfaccettato, l'armonia e la completezza dell'immagine si ottiene fondendo insieme diversi elementi: espressioni facciali, rotazione della testa, posizione della mano. Gli occhi di una donna riflettono una mente, un'energia, un'intuizione straordinarie. Labbra strettamente compresse, naso dritto, mento affilato: tutto sottolinea volontà, determinazione, indipendenza. Un grazioso giro della testa, un collo aperto, una mano con lunghe dita che accarezzano un grazioso animale sottolineano la fragilità e l'armonia dell'intera figura. Non è un caso che la dama tenga tra le braccia un ermellino. La pelliccia bianca dell'animale, simile alla prima neve, simboleggia qui la purezza spirituale di una giovane donna.

Il ritratto è sorprendentemente dinamico. Il maestro è riuscito a catturare con precisione il momento in cui un movimento dovrebbe passare dolcemente a un altro. Ecco perché sembra che la ragazza stia per prendere vita, gira la testa e la sua mano scivolerà sulla morbida pelliccia dell'animale...

La straordinaria espressività della composizione è data dalla chiarezza delle linee che formano le figure, nonché dalla padronanza e dall'uso della tecnica di transizione della luce in ombra, con l'ausilio della quale si creano le forme sulla tela.

"Ritratto di musicista" è l'unico ritratto maschile tra i capolavori di Leonardo da Vinci. Molti ricercatori identificano il modello con il reggente del Duomo di Milano, Francino Gaffurio. Tuttavia, un certo numero di scienziati confuta questa opinione, affermando che qui non è raffigurato un reggente, ma un normale giovane, un musicista. Nonostante la presenza di alcuni dettagli caratteristici della tecnica di scrittura di da Vinci, gli storici dell'arte dubitano ancora della paternità di Leonardo. Probabilmente, questi dubbi sono legati all'uso sulla tela di elementi caratteristici di tradizioni artistiche Ritrattisti lombardi.

La tecnica del ritratto ricorda per molti versi l'opera di Antonello da Messina. Sullo sfondo di lussureggianti capelli ricci, le linee del viso chiare e rigorose risaltano in modo piuttosto netto. Appare davanti al pubblico Uomo intelligente dal carattere forte, anche se allo stesso tempo si può cogliere nei suoi occhi qualcosa di ultraterreno, spiritualizzato. Forse è in questo momento che nasce nell'anima del musicista una nuova, divina melodia, che dopo qualche tempo conquisterà il cuore di tante persone.

Tuttavia, non si può dire che l'artista stia cercando di esaltare artificialmente una persona. Il maestro trasmette sottilmente e abilmente tutta la ricchezza e l'ampiezza dell'animo umano, senza ricorrere all'iperbole e al pathos.

Una delle più dipinti famosi da Vinci è la celebre "Madonna delle Rocce" (1483-1493). Fu realizzato da Leonardo per ordine dei monaci della chiesa di San Francesco Grande a Milano. La composizione era destinata a decorare l'altare della Cappella dell'Immacolata.

Esistono due versioni del dipinto, una delle quali è conservata al Louvre di Parigi, l'altra alla National Gallery di Londra.

Era la "Madonna nelle rocce" del Louvre che adornava l'altare della chiesa. Gli scienziati suggeriscono che l'artista stesso lo abbia dato al re francese Luigi XII. Lo fece, secondo gli storici, in segno di gratitudine per la partecipazione del re alla risoluzione del conflitto sorto tra i committenti dei dipinti e gli artisti interpreti.

La versione donata è stata sostituita da un altro dipinto, che ora si trova alla National Gallery di Londra. Nel 1785 un certo Hamilton lo acquistò e lo portò in Inghilterra.

Tratto distintivo della "Madonna nella roccia" è la fusione delle figure umane con il paesaggio. Questa è la prima immagine del grande artista, dove le immagini dei santi si intrecciano armoniosamente con la natura ispirata dalla loro presenza. Per la prima volta nell'opera del maestro le figure sono raffigurate non sullo sfondo di alcun elemento di una struttura architettonica, ma come se fossero racchiuse in un aspro paesaggio roccioso. Questa sensazione si crea anche nella composizione grazie allo speciale gioco di luci e ombre che cadono.

L'immagine della Madonna è qui presentata come insolitamente spirituale e ultraterrena. Una luce soffusa cade sui volti degli angeli. L'artista ha realizzato molti schizzi e schizzi prima che i suoi personaggi prendessero vita e le loro immagini diventassero luminose ed espressive. Uno degli schizzi raffigura la testa di un angelo. Non sappiamo se è una ragazza o un ragazzo. Ma una cosa si può dire con certezza: questa è una creatura ultraterrena, piena di tenerezza, gentilezza, purezza. L'intera immagine è intrisa di un senso di calma, pace e tranquillità.

La versione dipinta successivamente dal maestro differisce dalla prima per alcuni particolari: compaiono delle aureole sopra le teste dei santi, il piccolo Giovanni Battista regge una croce, cambia la posizione dell'angelo. E la stessa tecnica di esecuzione divenne uno dei motivi per attribuire la paternità del dipinto agli allievi di Leonardo. Qui tutte le figure sono presentate più vicine, in scala maggiore, e inoltre le linee che le formano risultano più evidenti, anche più pesanti, più appuntite. Questo effetto viene creato addensando le ombre ed evidenziando alcuni punti della composizione.

La seconda versione dell'immagine, secondo gli storici dell'arte, è più banale e banale. Forse la ragione di ciò è stata il fatto che il quadro è stato completato dagli studenti di Leonardo. Tuttavia, ciò non toglie nulla al valore della tela. In esso è chiaramente visibile l'intenzione dell'artista, la tradizione del maestro nel creare ed esprimere immagini è ben tracciata.

Non meno interessante è la storia del famoso dipinto di Leonardo da Vinci L'Annunciazione (1470). La realizzazione del dipinto appartiene al primo periodo dell'opera dell'artista, al periodo dei suoi studi e del lavoro nello studio di Andrea Verrocchio.

Alcuni elementi della tecnica di scrittura consentono di affermare con sicurezza che l'autore del famoso capolavoro è Leonardo da Vinci e di escludere la partecipazione del Verrocchio o di altri suoi allievi alla sua scrittura. Tuttavia, alcuni dettagli nella composizione sono caratteristici della tradizione artistica della scuola del Verrocchio. Ciò fa pensare che il giovane pittore, nonostante l'originalità e il talento già manifestati in quel periodo, fosse ancora in qualche misura influenzato dal suo maestro.

La composizione dell'immagine è abbastanza semplice: un paesaggio, una villa rurale, due figure: Maria e un angelo. Sullo sfondo
vediamo navi, alcuni edifici, un porto. La presenza di tali dettagli non è del tutto caratteristica dell'opera di Leonardo, e qui non sono i principali. Per l'artista è più importante mostrare le montagne nascoste in una foschia nebbiosa, che sono lontane, e il cielo luminoso, quasi trasparente. Le immagini spiritualizzate di una giovane donna in attesa della buona notizia e di un angelo sono insolitamente belle e tenere. Le linee delle loro forme sono disegnate alla maniera di da Vinci, che ha permesso un tempo di definire la tela un capolavoro appartenente al pennello del primo Leonardo.

Caratteristico della tradizione famoso maestroè anche la tecnica di esecuzione di piccoli dettagli: panchine levigate, un parapetto in pietra, un leggio, decorato con rami intrecciati di piante favolose. Il prototipo di quest'ultimo, tra l'altro, è il sarcofago della tomba di Giovanni e Piero de Medici, che è installato nella chiesa di San Lorenzo. Questi elementi, insiti nella scuola del Verrocchio e caratteristici dell'opera di quest'ultimo, vengono in qualche modo ripensati da da Vinci. Sono vivi, voluminosi, armoniosamente intrecciati nella composizione complessiva. Sembra che l'autore si sia prefissato l'obiettivo, prendendo come base il repertorio del suo maestro, di rivelare il mondo del suo talento, utilizzando la propria tecnica e mezzi espressivi artistici.

Attualmente, una versione del dipinto si trova alla Galleria degli Uffizi di Firenze. La seconda versione della composizione è conservata al Louvre di Parigi.

Il dipinto del Louvre è in qualche modo più complesso della sua versione precedente. Qui sono chiaramente visibili le linee geometricamente corrette delle pareti del parapetto in pietra, il cui motivo è ripetuto dalle panchine poste dietro la figura di Maria. Le immagini messe in primo piano sono inserite nella composizione in modo appropriato e logico. Le vesti di Maria e dell'angelo, rispetto alla prima versione, sono disegnate in modo più espressivo e coerente. Maria, con la testa china, vestita con un abito blu scuro con un mantello celeste drappeggiato sulle spalle, sembra una creatura soprannaturale. I colori scuri dell'abito risaltano più luminosi e mettono in risalto il candore del suo viso. Non meno espressiva è l'immagine dell'angelo che portò il lieto annuncio alla Madonna. Velluto giallastro, un ricco mantello rosso con drappeggi che scendono dolcemente completano l'immagine favolosa di un angelo gentile.

Di particolare interesse nella tarda composizione è il paesaggio sottilmente dipinto dal maestro: privo di ogni convenzione, alberi quasi realmente visibili che crescono in lontananza, un cielo azzurro e trasparente, montagne nascoste da una leggera nebbia, fiori freschi sotto i piedi di un angelo.

Il dipinto "San Girolamo" si riferisce al periodo di lavoro di Leonardo da Vinci nella bottega di Andrea Verrocchio (il cosiddetto periodo fiorentino dell'opera dell'artista). Il dipinto è rimasto incompiuto. Il tema principale della composizione è un eroe solitario, un peccatore pentito. Il suo corpo era prosciugato dalla fame. Tuttavia, il suo sguardo, pieno di determinazione e volontà, è una vivida espressione della resistenza e della forza spirituale di una persona. In nessuna immagine creata da Leonardo troveremo dualità, ambiguità di vista.

I personaggi nei suoi dipinti esprimono sempre il più alto grado di una passione e di un sentimento profondi ben definiti.

La paternità di Leonardo è testimoniata anche dalla testa di eremita magistralmente dipinta. Non proprio la solita svolta parla di un'eccellente padronanza della tecnica pittorica e della conoscenza del maestro delle complessità dell'anatomia del corpo umano. Anche se è necessario fare una piccola riserva: per molti versi l'artista segue le tradizioni di Andrea del Castagno e Domenico Veneziano, che a loro volta provengono da Antonio Pollaiolo.

La figura di Girolamo è insolitamente espressiva. Sembra che l'eremita inginocchiato sia tutto diretto in avanti. Alla destra
tiene una pietra in mano, ancora un momento - e con essa si colpirà al petto, flagellando il suo corpo e maledicendo la sua anima per i peccati commessi ...

Interessante anche la composizione del dipinto. Il tutto risulta essere, per così dire, racchiuso in una spirale, che inizia con delle rocce, continua con la figura di un leone, posto ai piedi del penitente, e termina con la figura di un eremita.

Forse il più popolare di tutti i capolavori dell'arte mondiale è la Gioconda. Un fatto interessante è che, dopo aver completato il lavoro sul ritratto, l'artista non se ne separò fino alla sua morte. Successivamente, il dipinto pervenne al re francese Francesco I, che lo collocò al Louvre.

Tutti gli studiosi d'arte concordano nel ritenere che il quadro sia stato dipinto nel 1503. Tuttavia, vi sono ancora controversie sul prototipo della fanciulla raffigurata nel ritratto. È generalmente accettato (la tradizione viene dal famoso biografo Giorgio Vasari) che il ritratto raffiguri la moglie del cittadino fiorentino Francesco di Giocondo, Mona Lisa.

Guardando l'immagine, possiamo dire con sicurezza che l'artista ha raggiunto la perfezione nel creare l'immagine umana. Qui il maestro si discosta dal modo precedentemente accettato e diffuso di eseguire un ritratto. La Gioconda è scritta su uno sfondo chiaro e, inoltre, è girata di tre quarti di giro, il suo sguardo è diretto direttamente allo spettatore: questa era una novità nell'arte del ritratto dell'epoca. Grazie al paesaggio aperto alle spalle della ragazza, la figura di quest'ultima risulta essere, per così dire, parte del paesaggio, si fonde armoniosamente con esso. Ciò è ottenuto grazie alla speciale tecnica artistica e visiva creata da Leonardo e da lui utilizzata nel suo lavoro: lo sfumato. La sua essenza sta nel fatto che le linee di contorno non sono chiaramente delineate, sono sfocate, e questo crea nella composizione una sensazione di fusione, compenetrazione delle sue singole parti.

Nel ritratto, questa tecnica (la fusione della figura umana e del paesaggio naturale a grande scala) diventa un modo di esprimere idea filosofica: il mondo umano è enorme, su larga scala e diversificato come il mondo naturale che ci circonda. Ma, d'altra parte, il tema principale della composizione può anche essere rappresentato come l'impossibilità di una conoscenza completa del mondo naturale da parte della mente umana. È a questo pensiero che molti storici dell'arte associano il sorriso ironico congelato sulle labbra della Gioconda. Sembra dire: "Tutti gli sforzi di una persona per conoscere il mondo sono assolutamente vani e vani".

Il ritratto della Gioconda, secondo gli storici dell'arte, è una delle più alte conquiste di Leonardo da Vinci. In esso l'artista ha davvero saputo incarnare ed esprimere nel modo più completo l'idea di armonia e l'immensità del mondo, l'idea della priorità della ragione e dell'arte.

Michelangelo Buonarroti

Michelangelo Buonarroti, pittore, scultore, architetto e poeta italiano, nacque nella città di Caprese vicino a Firenze il 6 marzo 1475. Il padre di Michelangelo, Lodovico Buonarroti, era il sindaco della città di Caprese. Sognava che suo figlio lo avrebbe presto sostituito in carica. Tuttavia, contrariamente ai desideri del padre, Michelangelo decide di dedicare la sua vita alla pittura.

Nel 1488 Michelangelo andò a Firenze e vi entrò nella scuola d'arte, che fu poi guidata dal famoso maestro di belle arti Domenico Ghirlandaio. Un anno dopo, nel 1489, il giovane artista è già al lavoro in una bottega fondata da Lorenzo Medici. Qui il giovane apprende la pittura da un altro celebre artista e scultore del suo tempo, Bertoldo di Giovanni, allievo di Donatello. In questa bottega Michelangelo lavorò con Angelo Poliziano e Pico della Mirandola, che ne influenzarono notevolmente la formazione metodo artistico giovane pittore. Tuttavia, l'opera di Michelangelo non si è rivelata chiusa nello spazio della cerchia di Lorenzo Medici. Il suo talento è in continua evoluzione. L'attenzione dell'artista era sempre più attratta dal grande immagini eroiche opere dei grandi Giotto e Masaccio.

Nella prima metà degli anni '90. Nel XV secolo compaiono le prime sculture realizzate da Michelangelo: “Madonna alla Scala” e “Battaglia dei Centauri”.

Nella "Madonna" si può vedere l'influenza del modo di rappresentazione artistica generalmente accettato nell'arte di quel tempo. Nell'opera di Michelangelo c'è lo stesso dettaglio delle figure plastiche. Tuttavia, già qui si può vedere la tecnica puramente individuale del giovane scultore, che si è manifestata nella creazione di immagini nobili ed eroiche.

Nel rilievo "Battaglia dei centauri" non ci sono tracce di influenze estranee. Questo lavoro è il primo lavoro indipendente di un maestro di talento, che mostra il suo stile individuale. Sul rilievo davanti allo spettatore nella pienezza del contenuto c'è un'immagine mitologica della battaglia dei Lapiti con i centauri. La scena si distingue per straordinaria drammaticità e realismo, che si esprime nella plasticità accuratamente trasmessa delle figure raffigurate. Questa scultura può essere considerata un inno all'eroe, alla forza umana e alla bellezza. Nonostante tutto il dramma della trama, la composizione complessiva contiene una profonda armonia interiore.

Gli studiosi d'arte considerano la "Battaglia dei Centauri" il punto di partenza dell'opera di Michelangelo. Dicono che il genio dell'artista abbia origine proprio in quest'opera. Il rilievo, riferito alle prime opere del maestro, è una sorta di riflesso della ricchezza del modo artistico di Michelangelo.

Dal 1495 al 1496 Michelangelo Buonarroti è a Bologna. Qui conosce le tele di Jacopo della Quercia, che hanno attirato l'attenzione del giovane artista per la monumentalità delle immagini create.

Nel 1496 il maestro si stabilì a Roma, dove studiò la plasticità e il modo di esecuzione di recente scoperta sculture antiche, tra cui "Laocoonte" e "Torso del Belvedere". Il modo artistico degli antichi scultori greci fu riflesso da Michelangelo in Bacco.

Dal 1498 al 1501, l'artista lavorò alla creazione di un gruppo marmoreo, chiamato "Pietà" e portò Michelangelo alla fama di uno dei primi maestri d'Italia. L'intera scena, che rappresenta una giovane madre che piange sul corpo del figlio assassinato, è pervasa da un sentimento di straordinaria filantropia e tenerezza. Non è un caso che l'artista abbia scelto come modella una giovane ragazza, un'immagine che personifica la purezza spirituale.

Quest'opera di un giovane maestro, che mostra eroi ideali, differisce in modo significativo dalle sculture realizzate nel XV secolo. Le immagini di Michelangelo sono più profonde e più psicologiche. I sentimenti di dolore e tristezza sono sottilmente trasmessi attraverso l'espressione speciale del viso della madre, la posizione delle sue mani, il corpo, le cui curve sono enfatizzate dai morbidi drappeggi degli abiti. L'immagine di quest'ultimo, tra l'altro, può essere considerata una sorta di passo indietro nel lavoro del maestro: i dettagli dettagliati degli elementi della composizione (in questo caso, le pieghe del vestito e del cappuccio) sono una caratteristica dell'arte del prerinascimento. La composizione complessiva è insolitamente espressiva e patetica, caratteristica distintiva del lavoro del giovane scultore.

Nel 1501 Michelangelo, già famoso maestro della scultura in Italia, parte nuovamente per Firenze. È qui che il suo marmo "David". A differenza dei suoi predecessori (Donatello e Verrocchio), Michelangelo ha ritratto il giovane eroe solo mentre si prepara alla battaglia. L'enorme statua (la sua altezza è di 5,5 m) esprime la volontà insolitamente forte di una persona, la forza fisica e la bellezza del suo corpo. L'immagine di una persona nella mente di Michelangelo è simile alle figure dei mitologici titani giganti. David appare qui come l'incarnazione dell'idea di una persona perfetta, forte e libera, pronta a superare qualsiasi ostacolo sul suo cammino. Tutte le passioni che ribollono nell'anima dell'eroe sono trasmesse attraverso il giro del corpo e l'espressione del volto di David, che parla del suo carattere deciso e volitivo.

Non a caso la statua del David ornava l'ingresso di Palazzo Vecchio (l'edificio del governo cittadino di Firenze) come simbolo del potere, della forza straordinaria e dell'indipendenza della città-stato. L'intera composizione esprime l'armonia di una forte anima umana e di un corpo altrettanto forte.

Nel 1501, insieme alla statua del David, apparvero le prime opere di pittura monumentale (“Battaglia di Kashin”) e da cavalletto (“Madonna Doni”, formato tondo). Quest'ultimo è attualmente conservato alla Galleria degli Uffizi di Firenze.

Nel 1505 Michelangelo torna a Roma. Qui sta lavorando alla realizzazione della tomba di Papa Giulio II. Secondo il piano, la tomba doveva essere una grandiosa struttura architettonica, attorno alla quale sarebbero state 40 statue scolpite in marmo e rilievi in ​​​​bronzo. Tuttavia, dopo qualche tempo, papa Giulio II rifiutò il suo ordine ei grandiosi piani di Michelangelo non erano destinati a realizzarsi. Fonti testimoniano che il cliente trattò il maestro in modo piuttosto sgarbato, per cui lui, offeso nel profondo, decise di lasciare la capitale e tornare ancora una volta a Firenze.

Tuttavia, le autorità fiorentine convinsero il famoso scultore a fare pace con il papa. Ben presto si rivolse a Michelangelo con una nuova proposta: decorare il soffitto della Cappella Sistina. Il maestro, che si considerava principalmente uno scultore, accettò con riluttanza l'ordine. Nonostante ciò, ha creato una tela che è ancora un capolavoro riconosciuto dell'arte mondiale e ha lasciato il ricordo del pittore per molte generazioni.

Va notato che Michelangelo ha lavorato alla pittura del soffitto, la cui area è di oltre 600 metri quadrati. m, completamente solo, senza assistenti. Tuttavia, quattro anni dopo l'affresco fu completamente completato.

L'intera superficie del soffitto per la pittura era divisa in più parti. Il posto centrale è occupato da nove scene raffiguranti la creazione del mondo, così come la vita delle prime persone. Negli angoli di ognuna di queste scene ci sono figure di giovani nudi. A sinistra ea destra di questa composizione si trovano affreschi con immagini di sette profeti e cinque indovini. Il soffitto, le volte ad arco e gli spogliamenti sono decorati con singole scene bibliche. Va notato che le figure di Michelangelo qui sono di scale diverse. Questa tecnica speciale ha permesso all'autore di focalizzare l'attenzione dello spettatore sugli episodi e sulle immagini più importanti.

Fino ad ora, gli storici dell'arte sono perplessi dal problema concetto ideologico affreschi. Il fatto è che tutte le trame che lo compongono sono scritte in violazione della sequenza logica dello sviluppo della trama biblica. Quindi, ad esempio, il dipinto "The Drunkenness of Noah" precede la composizione "Separation of Light from Darkness", anche se dovrebbe essere il contrario. Tuttavia, una tale dispersione di trame non ha in alcun modo influenzato l'abilità artistica del pittore. Apparentemente, era ancora più importante per l'artista non rivelare il contenuto della narrazione, ma ancora una volta (come nella statua del David) mostrare l'armonia dell'anima bella ed esaltata di una persona e del suo corpo potente e forte.
Ciò è confermato dall'immagine dell'anziano titanico di Sabaoth (l'affresco "Creazione del sole e della luna"), che crea i luminari.

In quasi tutti gli affreschi che raccontano la creazione del mondo, compare davanti al pubblico un uomo gigantesco, nel quale, su richiesta del creatore, si risvegliano vita, determinazione, forza e volontà. L'idea di indipendenza attraversa il dipinto "The Fall", dove Eva, allungando la mano verso il frutto proibito, come se sfidasse il destino, esprime un risoluto desiderio di libertà. Le immagini dell'affresco "Il diluvio" sono piene della stessa inflessibilità e sete di vita, i cui eroi credono nella continuazione della vita e della gentilezza.

Le immagini delle sibille e dei profeti sono rappresentate da figure di persone, personificanti sentimenti forti e luminosa individualità dei personaggi. Il saggio Gioele è qui l'opposto del disperato Ezechiele. Lo spettatore è stupito dalle immagini dell'Isaia spiritualizzato e della bellissima, mostrata al momento della predizione, la Sibilla delfica dai grandi occhi chiari.

Sopra, il pathos e la monumentalità delle immagini create da Michelangelo sono state notate più di una volta. Un fatto interessante è che anche il cosiddetto. le figure ausiliarie risultano essere dotate dal maestro delle stesse caratteristiche dei personaggi principali. Le immagini di giovani uomini, situate negli angoli dei singoli dipinti, sono l'incarnazione della gioia di vivere vissuta da una persona e la consapevolezza della propria forza spirituale e corporea.

Gli storici dell'arte considerano giustamente il dipinto della Cappella Sistina l'opera che ha completato il periodo dello sviluppo creativo di Michelangelo. Qui il maestro ha diviso il soffitto con così tanto successo che, nonostante tutta la varietà dei soggetti, l'affresco nel suo insieme dà l'impressione di armonia e unità delle immagini create dall'artista.

Durante tutto il tempo del lavoro di Michelangelo sull'affresco, il metodo artistico del maestro è gradualmente cambiato. I personaggi successivi sono presentati più grandi, il che ha notevolmente migliorato la loro monumentalità. Inoltre, una tale scala dell'immagine ha portato al fatto che la plasticità delle figure è diventata molto più complicata. Tuttavia, ciò non ha influito sull'espressività delle immagini. Forse qui, più che altrove, si è manifestato il talento dello scultore, che è riuscito a trasmettere sottilmente ogni linea di movimento della figura umana. Si ha l'impressione che i dipinti non siano dipinti con colori, ma siano rilievi tridimensionali abilmente modellati.

La natura degli affreschi in diverse parti del soffitto è diversa. Se la parte centrale esprime gli stati d'animo più ottimistici, allora nelle volte ad arco ci sono immagini che personificano tutte le sfumature di sentimenti cupi: pace, tristezza e ansia sono qui sostituite da confusione e intorpidimento.

Interessante anche l'interpretazione delle immagini degli antenati di Cristo presentata da Michelangelo. Alcuni di loro esprimono sentimenti di unità affine. Altri, al contrario, sono pieni di malizia e odio reciproco, cosa non tipica degli eroi biblici chiamati a portare luce e bontà nel mondo. Gli storici dell'arte considerano i successivi disegni della cappella una manifestazione di un nuovo metodo artistico, l'inizio di un periodo qualitativamente nuovo nell'opera del famoso maestro pittore.

Negli anni '20. Nel XVI secolo apparvero le opere di Michelangelo, destinate a decorare la tomba di papa Giulio II. L'ordine per la costruzione di quest'ultimo fu ricevuto da un famoso scultore dagli eredi del Papa. In questa versione la tomba doveva avere dimensioni leggermente inferiori con un numero minimo di statue. Ben presto il maestro terminò i lavori per l'esecuzione di tre sculture: statue di due schiavi e Mosè.

Michelangelo ha lavorato su immagini di prigionieri dal 1513. Tema chiave di quest'opera diventa un uomo alle prese con forze a lui ostili. Qui, le figure monumentali degli eroi vittoriosi sono sostituite da personaggi che muoiono in una lotta impari contro il male. Inoltre, queste immagini risultano essere subordinate non a nessuno scopo e compito dell'artista, ma rappresentano un intreccio di emozioni e sentimenti.

La versatilità dell'immagine è espressa con l'aiuto di una sorta di metodo artistico e visivo utilizzato dal maestro. Se fino a quel momento Michelangelo si sforzava di mostrare una figura o un gruppo scultoreo da un lato, ora l'immagine creata dall'artista diventa plastica, mutevole. A seconda del lato della statua su cui si trova lo spettatore, assume determinati contorni, mentre questo o quel problema viene acuito.

Un'illustrazione di quanto sopra può servire come "Prigioniero legato". Quindi, se lo spettatore gira intorno alla scultura in senso orario, vedrà facilmente quanto segue: in primo luogo, la figura di un prigioniero legato con la testa rovesciata all'indietro e un corpo indifeso esprime una sofferenza disumana per la consapevolezza della propria impotenza, il debolezza dell'anima e del corpo umano. Tuttavia, mentre ti muovi ulteriormente intorno alla scultura, l'immagine cambia in modo significativo. L'antica debolezza del prigioniero scompare, i suoi muscoli si riempiono di forza, la sua testa si alza con orgoglio. E ora davanti allo spettatore non c'è più un martire esausto, ma una potente figura di un eroe titano, che, per qualche assurdo incidente, si è rivelato essere incatenato. Sembra che un altro momento - e le catene saranno spezzate. Tuttavia, questo non accade. Andando avanti, lo spettatore vede come il corpo umano si indebolisce di nuovo, la sua testa si abbassa. E anche qui abbiamo un miserabile prigioniero, rassegnato al suo destino.

La stessa variabilità può essere rintracciata nella statua "Il prigioniero morente". Man mano che avanzi, lo spettatore vede come il corpo, battendo in agonia, gradualmente si calma e diventa insensibile, evocando il pensiero di pace e tranquillità eterne.

Le sculture dei prigionieri sono insolitamente espressive, create grazie al trasferimento realistico della plasticità del movimento delle figure. Prendono vita proprio davanti agli occhi dello spettatore. In termini di potere di esecuzione, le statue dei prigionieri possono essere paragonate solo alla prima scultura del maestro: "Battaglia dei centauri".

La statua di Mosè, a differenza dei Prigioni, ha un carattere un po' più sobrio, ma non per questo meno espressivo. Qui Michelangelo fa nuovamente riferimento alla creazione dell'immagine di un titanico eroe umano. La figura di Mosè è l'incarnazione di un leader, un leader, un uomo con una volontà insolitamente forte. La sua essenza è rivelata in modo più completo rispetto a David. Se quest'ultimo simboleggia la fiducia nella propria forza e invincibilità, allora Mosè qui è la personificazione dell'idea che la vittoria richiede uno sforzo tremendo. Questa tensione spirituale dell'eroe è trasmessa dal maestro non solo attraverso un'espressione formidabile sul suo volto, ma anche con l'aiuto della plasticità della figura: le linee nettamente rifratte delle pieghe dei vestiti, i fili della barba di Mosè all'insù .

Dal 1519 Michelangelo lavora alla creazione di altre quattro statue di prigionieri. Tuttavia, sono rimasti incompiuti. Successivamente decorarono la grotta del Giardino di Boboli, a Firenze. Attualmente le statue sono conservate presso l'Accademia Fiorentina. In queste opere appare un nuovo tema per Michelangelo: la connessione tra una figura scultorea e un blocco di pietra preso come materiale di partenza. Lo scultore propone qui l'idea dello scopo principale dell'artista: liberare l'immagine dalle catene di pietra. A causa del fatto che le sculture si sono rivelate incompiute e nella loro parte inferiore sono chiaramente visibili pezzi grezzi di pietra, lo spettatore può vedere l'intero processo di creazione dell'immagine. Qui viene mostrato un nuovo conflitto artistico: l'uomo e il mondo che lo circonda. Inoltre, questo conflitto non si risolve a favore della persona. Tutti i suoi sentimenti e le sue passioni sono soppressi dall'ambiente.

Il dipinto delle Cappelle Medicee a Firenze fu un'opera che segnò la fine dell'Alto Rinascimento e allo stesso tempo una nuova tappa nell'opera di Michelangelo. L'opera si protrasse per 15 anni, dal 1520 al 1534. Per qualche tempo l'artista fu costretto a sospendere i lavori a causa degli avvenimenti politici in corso in Italia. Nel 1527, in risposta alla sconfitta di Roma, Firenze si dichiarò repubblica.

Michelangelo, in quanto sostenitore dell'ordinamento statale repubblicano, fu eletto alla carica di capo delle opere di fortificazione e diede un grande contributo alla difesa della città. Quando Firenze cadde e i Medici tornarono al potere, una seria minaccia di morte incombeva sul famoso artista, e ora anche politico. La salvezza è arrivata in modo del tutto inaspettato. Papa Clemente VII Medici, da uomo orgoglioso e vanitoso, espresse il desiderio di lasciare ai posteri il ricordo di sé e dei suoi parenti. Chi altri se non Michelangelo, famoso per l'arte della scrittura immagini meravigliose ed eseguire statue eccellenti, potrebbe farlo?

Riprendono così i lavori per la costruzione delle Cappelle Medicee. Quest'ultimo è un piccolo edificio dalle alte mura, coronato da una cupola nella parte superiore. Nella cappella sono presenti due sepolcri: i duchi Giuliano di Nemours e Lorenzo d'Urbino, posti lungo le pareti. Alla terza parete, di fronte all'altare, c'è una statua della Madonna. A sinistra ea destra di lei sono sculture che rappresentano le immagini dei Santi Cosma e Damiano. È accertato che furono realizzati dagli studenti del grande maestro. I ricercatori suggeriscono che fu per la tomba dei Medici che furono realizzate anche le statue di Apollo (un altro nome è David) e il Ragazzo accovacciato.

Accanto alle sculture dei duchi, che non avevano somiglianza esterna con i loro prototipi, furono poste figure allegoriche: "Mattino", "Giorno", "Sera" e "Notte". Sono qui presentati come simboli della caducità del tempo terreno e della vita umana. Le statue collocate in anguste nicchie evocano l'impressione di depressione, l'imminente arrivo di qualcosa di terribile e minaccioso. Figure volumetriche duchi, che si sono rivelati schiacciati da tutti i lati da muri di pietra, esprimono la rottura spirituale e il vuoto interiore delle immagini.

La più armoniosa di questo insieme è l'immagine della Madonna. Straordinariamente espressivo e pieno di lirismo, è inequivocabile e non gravato da linee cupe.

La Cappella Medici è di particolare interesse dal punto di vista dell'unità artistica delle forme architettoniche e scultoree. Le linee dell'edificio e delle statue sono qui subordinate a un'idea dell'artista. La cappella è l'esempio più chiaro della sintesi e dell'armonia dell'interazione di due arti: scultura e architettura, dove parti di una completano armoniosamente e sviluppano il significato degli elementi dell'altra.

Dal 1534 Michelangelo lasciò Firenze e si stabilì a Roma, dove rimase fino alla fine della sua vita. Il periodo romano dell'opera del grande maestro trascorse nelle condizioni della lotta della Controriforma contro le idee cantate da scrittori, pittori e scultori del Rinascimento. Il lavoro di quest'ultimo viene sostituito dall'arte dei manieristi.

A Roma, Michelangelo si avvicina alle persone che formavano il circolo religioso e filosofico, guidato dalla famosa poetessa italiana dell'epoca, Vittoria Colonna. Tuttavia, come nella sua giovinezza, i pensieri e le idee di Michelangelo erano lontani da quelli che aleggiavano nelle teste del circolo. Il maestro, infatti, visse e lavorò a Roma in un ambiente di incomprensione e solitudine spirituale.

Fu in questo periodo (1535-1541) che apparve l'affresco del Giudizio Universale, che adornava la parete dell'altare della Cappella Sistina.

La storia biblica qui è ripensata dall'autore. L'immagine del Giudizio Universale è percepita dallo spettatore non come un inizio positivo, il trionfo della suprema giustizia, ma piuttosto come una tragedia universale della morte dell'intera famiglia, come l'Apocalisse. Enormi figure di persone esaltano la drammaticità della composizione.

La natura elementare dell'immagine corrisponde pienamente al compito dell'artista: mostrare una persona persa nella massa generale. Grazie a questa decisione dell'immagine artistica, lo spettatore ha una sensazione di solitudine in questo mondo e impotenza di fronte a forze ostili con le quali non ha senso combattere. Le note tragiche acquistano un suono più penetrante anche perché il maestro non ha qui un'immagine integrale e monolitica di un gruppo di persone (come sarà presentato sulle tele degli artisti del tardo Rinascimento), ognuno di loro vive la propria vita. Tuttavia, l'indubbio merito del pittore può già essere considerato il fatto di aver mostrato una massa umana, sebbene ancora incoerente, ma non più impersonale.

In The Last Judgment, Michelangelo presenta una tecnica coloristica insolitamente espressiva. Il contrasto tra i corpi nudi chiari e il cielo scuro e nero e blu accresce l'impressione di tragica tensione e depressione nella composizione.

Michelangelo. Giudizio terribile. Affresco nella Cappella Sistina in Vaticano. Frammento. 1535-1541

Nel periodo dal 1542 al 1550, Michelangelo stava lavorando alla pittura delle pareti della Cappella Paolina in Vaticano. Il grande maestro pittore dipinse due affreschi, uno dei quali fu poi chiamato "La conversione di Paolo", e l'altro - "La crocifissione di Pietro". In quest'ultimo, nei personaggi che assistono all'esecuzione di Pietro, si presenta pienamente l'idea del tacito consenso, dell'inerzia e dell'obbedienza di una persona al proprio destino. Le persone non hanno né forza fisica né mentale per resistere in qualche modo alla violenza e al male.

Alla fine degli anni Trenta del Cinquecento. c'è un'altra scultura di Michelangelo: un busto di Bruto. Quest'opera servì come una sorta di risposta del famoso maestro all'assassinio del dispotico duca Alessandro de Medici, commesso dal suo parente Lorenzo. Indipendentemente dai veri motivi, l'atto di quest'ultimo è stato accolto con gioia dall'artista, sostenitore dei repubblicani. Il pathos civile è pieno dell'immagine di Bruto, rappresentato da un maestro nobile, orgoglioso, indipendente, un uomo di grande intelligenza e dal cuore caldo. Qui Michelangelo sembra tornare all'immagine persona perfetta con elevate qualità spirituali e intellettuali.

Gli ultimi anni di lavoro di Michelangelo trascorsero in un'atmosfera di perdita di amici e parenti e di una reazione pubblica ancora più aggravata. Le innovazioni dei controriformisti non potevano che incidere sulle opere del maestro, in cui si manifestavano le idee più progressiste del Rinascimento: umanesimo, amore per la libertà, ribellione al destino. Basti pensare che per decisione di uno degli accaniti estimatori della controriforma, Paolo IV Caraffa, furono apportate modifiche alla composizione del Giudizio Universale del celebre pittore. Il Papa considerava oscene figure nude raffigurate nell'affresco di persone. Su suo ordine, lo studente di Michelangelo Daniele da Volterra nascose la nudità di alcune delle immagini di Michelangelo con drappeggi di mantelli.

L'umore cupo e doloroso della solitudine e il crollo di tutte le speranze sono intrisi ultimi lavori Michelangelo - una serie di disegni e sculture. Sono queste opere che riflettono più chiaramente le contraddizioni interne del maestro riconosciuto.

Così, Gesù Cristo nella "Pietà" di Palestrina è presentato come un eroe, spezzato sotto l'assalto di forze esterne. La stessa immagine nella "Pietà" ("La Deposizione") del Duomo di Firenze è già più banale e umanizzata. Non è più un titano. Si scopre che è più importante per l'artista mostrare la forza spirituale, le emozioni e le esperienze dei personaggi qui.

I contorni spezzati del corpo di Cristo, l'immagine di una madre chinata sul cadavere del figlio, Nicodemo che abbassa il corpo
Gesù nella tomba: tutto è subordinato a un compito: rappresentare la profondità delle esperienze umane. Inoltre, vero
Il vantaggio di queste opere è il superamento da parte del maestro della disunità delle immagini. Le persone nella foto sono unite da un sentimento di profonda compassione e dall'amarezza della perdita. Questa tecnica di Michelangelo fu sviluppata nella fase successiva della formazione dell'arte italiana, nelle opere di artisti e scultori del tardo Rinascimento.

L'apice dell'ultima fase dell'opera di Michelangelo può essere considerata una scultura, in seguito chiamata Pietà Rondanini. Le immagini qui mostrate sono presentate come l'incarnazione della tenerezza, della spiritualità, del profondo dolore e della tristezza. Qui, più che mai, suona acuto il tema della solitudine umana in un mondo dove ci sono tante persone.

Gli stessi motivi risuonano nelle ultime opere grafiche del grande maestro, che considerava il disegno il principio fondamentale della scultura, della pittura e dell'architettura.

Le immagini delle opere grafiche di Michelangelo non sono diverse dagli eroi delle sue composizioni monumentali: qui vengono presentati gli stessi maestosi eroi dei titani. Nell'ultimo periodo di creatività, Michelangelo si rivolge al disegno come genere artistico e visivo indipendente. Quindi, negli anni 30-40. L'aspetto delle composizioni più sorprendenti ed espressive del maestro appartiene al XVI secolo, come: "La caduta di Fetonte" e "La risurrezione di Cristo".

L'evoluzione del metodo artistico del maestro è facilmente rintracciabile sugli esempi di opere grafiche. Se i primi disegni realizzati con una penna contengono immagini abbastanza specifiche di figure con contorni di contorni piuttosto nitidi, le immagini successive diventano più vaghe e morbide. Questa leggerezza è creata dal fatto che l'artista utilizza una matita sanguigna o italiana, con l'aiuto della quale vengono create linee più sottili e delicate.

Tuttavia, l'ultimo lavoro di Michelangelo è segnato non solo in modi tragicamente senza speranza. Le strutture architettoniche del grande maestro, risalenti a quest'epoca, sembrano continuare le tradizioni del Rinascimento. La sua Cattedrale di San Pietro e l'insieme architettonico del Campidoglio a Roma sono l'incarnazione delle idee rinascimentali di alto umanesimo.

Michelangelo Buonarroti morì a Roma il 18 febbraio 1564. Il suo corpo, nella massima riservatezza, fu portato fuori dalla capitale e inviato a Firenze. Il grande artista fu sepolto nella chiesa di Santa Croce.

L'opera del maestro della pittura e della scultura ha svolto un ruolo importante nella formazione e nello sviluppo del metodo artistico di molti seguaci di Michelangelo. Tra loro ci sono Raffaello, i manieristi, che spesso copiavano le linee delle immagini create dal famoso pittore. L'arte di Michelangelo non era meno importante per i rappresentanti dell'era barocca. Tuttavia, dire che le immagini del barocco (una persona portata avanti non da impulsi interni, ma da forze esterne) sono simili agli eroi di Michelangelo, glorificando l'umanesimo, la volontà e forza interiore persona sarebbe sbagliato.

Raffaele Santi

Raffaello Santi nasce nel piccolo comune di Urbino nel 1483. Non è stato possibile stabilire con esattezza la data di nascita del grande pittore. Secondo una fonte, è nato il 26 o 28 marzo. Altri studiosi affermano che la data di nascita di Raffaello fosse il 6 aprile 1483.

Alla fine del XV secolo Urbino divenne una delle più grandi centri culturali Paesi. I biografi suggeriscono che Rafael abbia studiato con suo padre, Giovanni Santi. Dal 1495 il giovane lavora nella bottega d'arte del maestro urbinate Timoteo della Vite.

Le prime opere sopravvissute di Raffaello sono considerate le miniature "Il sogno del cavaliere" e "Le tre grazie". Già in queste opere si riflettono pienamente gli ideali umanistici predicati dai maestri del Rinascimento.

In "The Knight's Dream" c'è una sorta di ripensamento del tema mitologico di Ercole, di fronte a una scelta: Valore o Piacere?.. Raffaello raffigura Ercole come un giovane cavaliere addormentato. Davanti a lui ci sono due giovani donne: una con un libro e una spada in mano (simboli di conoscenza, valore e gesta d'armi), l'altro - con un ramo fiorito, che personifica il piacere e il divertimento. L'intera composizione è posta sullo sfondo di un bellissimo paesaggio.

Le "Tre Grazie" ripropongono immagini antiche, tratte, con ogni probabilità, da un antico cammeo greco (immagine su pietra preziosa o semipreziosa).

Nonostante ci siano molti prestiti nelle prime opere del giovane artista, qui si manifesta già abbastanza chiaramente l'individualità creativa dell'autore. Si esprime nel lirismo delle immagini, nella particolare organizzazione ritmica dell'opera, nella morbidezza delle linee che formano le figure. In quanto artista dell'Alto Rinascimento, la straordinaria armonia delle immagini dipinte, caratteristica delle prime opere di Raffaello, nonché la chiarezza e la chiarezza compositiva, parlano dell'artista.

Nel 1500 Raffaello lascia la sua città natale e si reca a Perugia, capoluogo dell'Umbria. Qui studia pittura nella bottega di Pietro Perugino, che fu il fondatore della scuola artistica umbra. I contemporanei di Raffaello testimoniano: uno studente capace adottò lo stile di scrittura del suo maestro così profondamente che le loro tele non si potevano nemmeno distinguere. Molto spesso Rafael e Perugino evadevano l'ordine, lavorando insieme su un dipinto.

Tuttavia, sarebbe sbagliato affermare che il talento originale del giovane artista non si è sviluppato affatto durante questo periodo. Lo conferma la celebre Madonna Conestabile, realizzata intorno al 1504.

In questa tela compare per la prima volta l'immagine della Madonna, che in futuro occuperà uno dei posti di primo piano nell'opera dell'artista. La Madonna è dipinta sullo sfondo di un meraviglioso paesaggio con alberi, colline e un lago. Le immagini sono accomunate dal fatto che lo sguardo della Madonna e del bambino è rivolto al libro, che la giovane madre è intenta a leggere. La completezza della composizione è trasmessa non solo dalle figure dei personaggi principali, ma anche dalla forma stessa del quadro - tondo (tondo), che non limita affatto la libertà delle immagini. Sono voluminosi e leggeri. L'impressione di naturalezza e realismo è creata attraverso l'uso di colori chiari e freddi nella composizione e le loro speciali combinazioni: il mantello blu intenso della Madonna, il cielo blu trasparente, gli alberi verdi e l'acqua del lago, le montagne innevate con cime bianche. Tutto questo, guardando l'immagine, crea una sensazione di purezza e tenerezza.

Un'altra opera non meno famosa di Raffaello, anch'essa legata al primo periodo della sua opera, è una tela realizzata nel 1504 intitolata "Il fidanzamento di Maria". Il dipinto è attualmente conservato nella Pinacoteca di Brera a Milano. Di particolare interesse qui è la struttura compositiva. L'atto religioso e rituale del fidanzamento è stato trasferito dal pittore dalle mura della chiesa, visibili in lontananza, alla strada. Il sacramento viene celebrato sotto un cielo azzurro chiaro. Al centro dell'immagine c'è un sacerdote, a sinistra ea destra di lui ci sono Maria e Giuseppe, accanto ai quali stanno in piccoli gruppi ragazze e ragazzi. Collocata nella prospettiva della composizione, la chiesa è una sorta di sfondo su cui si svolge il fidanzamento. È un simbolo della disposizione divina e del favore di Maria e Giuseppe. La logica completezza del quadro è data dalla cornice semicircolare della tela nella sua parte superiore, che ripete la linea della cupola della chiesa.

Le figure nella foto sono insolitamente liriche e allo stesso tempo naturali. Qui i movimenti, la plasticità del corpo umano sono trasmessi in modo molto accurato e sottile. Un vivido esempio di ciò è la figura di un ragazzo, situata in primo piano nella composizione, che rompe un bastone sul ginocchio. Aggraziati, quasi eterei, Maria e Giuseppe sembrano allo spettatore. I loro volti spiritualizzati sono pieni di amore e tenerezza. Nonostante una certa simmetria nella disposizione delle figure, la tela non perde il suo suono lirico. Le immagini create da Raphael non sono schemi, sono persone viventi in tutta la diversità dei loro sentimenti.

Fu in quest'opera che per la prima volta, rispetto alle opere precedenti, il talento del giovane maestro si manifestò più chiaramente nella capacità di organizzare sottilmente il ritmo della composizione. A causa di questa proprietà, quadro generale le immagini delle strutture architettoniche risultano essere armoniosamente incluse, che non sono solo un elemento del paesaggio di Raffaello, ma diventano anche alla pari dei personaggi principali, ne rivelano l'essenza e il carattere.

Il desiderio di creare un ritmo speciale nell'opera è dettato anche dall'uso da parte dell'artista di vernici di determinate tonalità. Quindi, la composizione di "The Betrothal of Mary" è costruita solo su quattro colori.

I toni del giallo oro, del verde e del rosso, combinati negli abiti degli eroi, del paesaggio, dell'architettura e dell'impostazione del ritmo necessario della composizione complessiva, formano un'armonia con le sfumature azzurre del cielo.

Ben presto la bottega d'arte del Perugino diventa troppo piccola per l'ulteriore crescita del talento del pittore. Nel 1504 Raffaello decide di trasferirsi a Firenze, dove si stanno sviluppando le idee e l'estetica dell'arte dell'Alto Rinascimento. Qui Raffaello conosce le opere di Michelangelo e Leonardo da Vinci. Si può dire con certezza che furono i maestri del giovane pittore in questa fase della formazione del suo metodo creativo. Nelle opere di questi maestri il giovane artista ha trovato qualcosa che non era nella scuola umbra: lo stile originale di creare immagini, la plasticità espressiva delle figure raffigurate, una rappresentazione più voluminosa della realtà.

Nuove soluzioni artistiche e visive si riflettevano già nelle opere realizzate da Raffaello nel 1505. I ritratti di Angelo Doni, noto mecenate fiorentino dell'epoca, e di sua moglie sono attualmente conservati nella Galleria Pitti. Le immagini sono prive di qualsiasi pathos eroico e iperbolizzazione. Questo persone normali dotato, tuttavia, delle migliori qualità umane, tra cui determinazione e forte volontà.

Qui, a Firenze, Raffaello dipinge un ciclo di quadri dedicati alla Madonna. Compaiono le sue tele “Madonna nel verde”, “Madonna col cardellino”, “Madonna il giardiniere”. Queste composizioni sono varianti dello stesso pezzo. Tutte le tele raffigurano la Madonna col Bambino e il piccolo Giovanni Battista. Le figure sono poste sullo sfondo di un paesaggio favolosamente bello. Le immagini di Raffaello sono insolitamente liriche, morbide e gentili. La sua Madonna è l'incarnazione dell'amore materno che perdona tutto. In queste opere c'è una certa dose di sentimentalismo ed eccessiva ammirazione per la bellezza esteriore dei personaggi.

Tratto distintivo del metodo artistico del pittore in questo periodo è la mancanza di una chiara visione del colore, insita in tutti i maestri della scuola fiorentina. Non ci sono colori dominanti sulle tele. Le immagini sono rese in colori pastello. Il colore per l'artista non è la cosa principale qui. Più importante per lui è trasmettere il più accuratamente possibile le linee che formano la figura.

A Firenze furono creati i primi esempi di pittura monumentale di Raffaello. Tra questi, il più interessante è stato creato nel periodo dal 1506 al 1507 “Madonna con Giovanni Battista e S. Nicola" (o "Madonna degli Ansidei"). SU metodo creativo l'artista fu largamente influenzato dalle tele dei pittori fiorentini, principalmente Leonardo da Vinci e Fra Bartolomeo.

Nel 1507, volendo confrontarsi con i migliori maestri della scuola fiorentina, che furono Leonardo da Vinci e Michelangelo, Raffaello realizzò una tela piuttosto grande, chiamata "La Deposizione". Elementi separati delle immagini della composizione sono ripetizioni di famosi pittori. Quindi, la testa e il corpo di Cristo sono presi in prestito dalla scultura di Michelangelo "Pietà" (1498-1501), e l'immagine di una donna che sostiene Maria è dalla tela dello stesso maestro "Madonna Doni". Molti storici dell'arte non considerano originale quest'opera di Raffaello, rivelando il suo talento originale e le caratteristiche del metodo artistico e visivo.

Nonostante l'ultimo lavoro infruttuoso, i risultati artistici di Raffaello furono significativi. Ben presto i contemporanei notano e riconoscono le opere del giovane artista e l'autore stesso viene messo alla pari degli eccezionali maestri del Rinascimento. Nel 1508, sotto il patrocinio del famoso architetto Bramante, conterraneo Raffaello, il pittore si reca a Roma, dove è tra gli invitati alla corte papale.

Giulio II, che a quel tempo era sul soglio pontificio, era noto come persona vanitosa, determinata e volitiva.
Fu durante il suo regno che i possedimenti papali furono notevolmente ampliati con l'aiuto delle guerre. La stessa politica "offensiva" è stata condotta in relazione allo sviluppo della cultura e delle arti. Così, alla corte papale furono invitati gli artisti, gli scultori e gli architetti più famosi. Roma, decorata con numerosi edifici architettonici, iniziò a cambiare notevolmente: Bramante costruì la Cattedrale di San Pietro; Michelangelo, avendo temporaneamente sospeso la costruzione della tomba di Giulio II, iniziò a dipingere il soffitto della Cappella Sistina. A poco a poco, intorno al Papa si formò un circolo di poeti e scienziati, che predicavano alti principi e idee umanistiche. Rafael Santi, arrivato da Firenze, si è calato in un'atmosfera del genere.

Arrivato a Roma, Raffaello si mise al lavoro per dipingere gli appartamenti del Papa (le cosiddette stanze). Gli affreschi furono realizzati nel periodo dal 1509 al 1517. Si distinguono dalle opere di natura simile di altri maestri per una serie di caratteristiche. Prima di tutto, è la scala dei dipinti. Se nelle opere dei pittori precedenti c'erano diverse piccole composizioni su un muro, Raffaello ha un muro separato per ogni dipinto. Di conseguenza, anche le figure raffigurate "sono cresciute".

Inoltre, è necessario notare la saturazione degli affreschi di Raffaello con una varietà di elementi decorativi: soffitti decorati con marmi artificiali e dorature, composizioni di affreschi e mosaici e un pavimento dipinto con motivi fantasiosi. Tale diversità non crea, tuttavia, l'impressione di eccesso e caos. Disposti al loro posto e gli elementi decorativi abilmente disposti evocano un senso di armonia, ordine e un certo ritmo stabilito dal maestro. Come risultato di tali innovazioni creative e tecniche, le immagini create dall'artista nei dipinti sono chiaramente visibili allo spettatore e quindi acquisiscono la necessaria chiarezza e chiarezza.

Tutti gli affreschi dovevano obbedire a un tema comune: la glorificazione della Chiesa cattolica e del suo capo. A questo proposito, i dipinti sono costruiti su scene bibliche e scene della storia del papato (con immagini di Giulio II e del suo successore Leone X). Tuttavia, in Raffaello, immagini così specifiche acquisiscono un significato allegorico generalizzato, rivelando l'essenza delle idee umanistiche del Rinascimento.

Di particolare interesse da questo punto di vista è la Stanza della Senyatura. Gli affreschi della composizione sono espressione di quattro aree dell'attività spirituale umana. Così, l'affresco "Disputa" mostra la teologia, "La scuola di Atene" - filosofia, "Parnaso" - poesia, "Saggezza, moderazione e forza" - giustizia. La parte superiore di ogni affresco è coronata da un'immagine allegorica di una figura che rappresenta un particolare tipo di attività. Negli angoli delle volte ci sono piccole composizioni, simili nel tema all'uno o all'altro affresco.

La composizione del dipinto nella Stanza della Senyatura si basa su una combinazione di soggetti biblici e greci antichi (biblico - "La caduta", antico - "La vittoria di Apollo su Marsia"). Il fatto stesso che una combinazione di temi mitologici, pagani e secolari fosse utilizzata per decorare le stanze papali testimonia l'atteggiamento delle persone di quel tempo nei confronti dei dogmi religiosi. Gli affreschi di Raffaello esprimevano la priorità dell'inizio secolare rispetto alla chiesa-religioso.

L'affresco di culto religioso più sorprendente e più pienamente rispecchiante è stato il dipinto "Dispute". Qui la composizione appare divisa in due parti: cielo e terra. In basso, a terra, figurano i padri della chiesa, oltre a sacerdoti, anziani e giovani. Le loro immagini sono insolitamente naturali, create con l'aiuto di un trasferimento realistico della plasticità dei corpi, dei giri e dei movimenti delle figure. Tra la massa di persone qui puoi facilmente riconoscere Dante, Savonarola, il pittore Fra Beato Angelico.

Sopra le figure di persone ci sono immagini che simboleggiano la Santissima Trinità: Dio Padre, leggermente inferiore a lui - Gesù Cristo con la Madre di Dio e Giovanni Battista, sotto di loro - una colomba - la personificazione dello Spirito Santo. Al centro della composizione complessiva, come simbolo di comunione, vi è un'ostia.

In "Dispute" Raffaello appare come un insuperabile maestro della composizione. Nonostante i tanti simboli, l'immagine si distingue per la straordinaria chiarezza delle immagini e la chiarezza dei pensieri dell'autore. La simmetria della disposizione delle figure nella parte superiore della composizione è ammorbidita dalle figure disposte in modo quasi caotico nella parte inferiore. E quindi, una certa approssimazione dell'immagine del primo diventa appena percettibile. L'elemento compositivo trasversale qui è un semicerchio: un semicerchio situato nella parte superiore dei santi e degli apostoli sulle nuvole e, come sua eco, un semicerchio di figure di persone libere e più naturali nella parte inferiore del quadro.

Uno dei migliori affreschi e opere di Raffaello di questo periodo del suo lavoro è il dipinto "La scuola di Atene". Questo affresco è l'incarnazione di alti ideali umanistici associati all'arte. Grecia antica. L'artista ha raffigurato famosi filosofi e scienziati antichi. Le figure di Platone e Aristotele sono poste nella parte centrale della composizione. La mano di Platone indica la terra e Aristotele - il cielo, che simboleggia gli insegnamenti degli antichi filosofi.

Sul lato sinistro di Platone è la figura di Socrate, che dialoga con un gruppo di persone, tra le quali spicca in modo evidente il volto del giovane Alcibiade, il cui corpo è protetto da una conchiglia, e la testa è coperta da una casco. Sui gradini è posto Diogene, il fondatore scuola filosofica cinici. È rappresentato qui come un mendicante in piedi all'ingresso del tempio che chiede l'elemosina.

In fondo alla composizione ci sono due gruppi di persone. Sul lato sinistro è raffigurata la figura di Pitagora, attorniato da studenti. A destra - Euclide, che disegna qualcosa su una lavagna, anch'esso circondato da studenti. A destra dell'ultimo gruppo sono Zoroastro e Tolomeo incoronato con sfere nelle sue mani. Lì vicino l'autore collocò il suo autoritratto e la figura del pittore Sodoma (fu lui che iniziò a lavorare al dipinto della Stanza della Senyatura). A sinistra del centro, l'artista ha collocato il pensieroso Eraclito di Efeso.

Rispetto alle immagini sugli affreschi della Disputa, le figure della Scuola di Atene sono molto più grandi e monumentali. Questi sono eroi dotati di una mente straordinaria e di una grande forza d'animo. Le immagini principali dell'affresco sono Platone e Aristotele. Il loro significato è determinato non solo e non tanto dal posto nella composizione (occupano un posto centrale), ma dall'espressione facciale e dalla particolare plasticità dei corpi: queste figure hanno una postura e un'andatura veramente regali. Un fatto interessante è che Leonardo da Vinci divenne il prototipo dell'immagine di Platone. Il modello per scrivere l'immagine di Euclide fu l'architetto Bramante. Il prototipo di Eraclito era la figura raffigurata da Michelangelo sul soffitto della Cappella Sistina. Alcuni studiosi suggeriscono che l'immagine di Eraclito sia stata copiata dal maestro dallo stesso Michelangelo.

Anche qui il tema cambia: l'affresco suona come una sorta di inno alla mente umana e alla volontà umana. Ecco perché tutti i personaggi si trovano sullo sfondo di grandiosi edifici architettonici, che simboleggiano l'infinità della mente umana e del pensiero creativo. Se i personaggi di "Controversie" sono passivi, allora le immagini presentate nella "Scuola ateniese" sono costruttori attivi ed energici delle loro vite, trasformatori dell'ordine sociale mondiale.

Interessanti anche le soluzioni compositive dell'affresco. Quindi, le figure di Platone e Aristotele situate sullo sfondo, per il fatto che sono mostrate in movimento, sono le principali nella foto. Inoltre, costituiscono il centro dinamico della composizione. Sporgendo dal profondo, sembrano andare avanti, verso lo spettatore, il che crea l'impressione di dinamica, lo sviluppo della composizione, che è incorniciata da un arco semicircolare.

Il lavoro sul dipinto dietro la stanza dei sigilli della Stanza d'Eliodoro fu eseguito da Rafal tra il 1511 e il 1514. I soggetti per gli affreschi di questa stanza erano leggende bibliche e fatti della storia del papato, impreziositi da storie in cui il posto principale è stato dato alla divina provvidenza e al miracolo.

La stanza prende il nome dal completamento dei lavori decorativi sull'affresco "La cacciata di Eliodor", la cui trama era basata sulla storia del comandante siriano Eliodor, che desiderava rubare le ricchezze custodite nel castello di Gerusalemme. Tuttavia, il cavaliere del cielo glielo ha impedito. L'affresco serviva a ricordare come le truppe di Papa Giulio II sconfissero ed espulsero ignominiosamente l'esercito francese dallo Stato Pontificio.

Tuttavia, questo affresco non si distingue per il potere di esprimere l'intento creativo dell'artista. Ciò è probabilmente dovuto al fatto che la composizione complessiva è divisa in due parti separate. A sinistra è un bellissimo cavaliere che, insieme a due angeli, sta cercando di colpire Eliodor. Sul lato destro dell'affresco è raffigurato Giulio II, sdraiato su una barella. Tra coloro che sostengono la barella, il pittore ha ritratto il famoso pittore tedesco Albrecht Dürer. Nonostante il presunto pathos eroico della trama, le immagini di Raffaello qui sono completamente prive di dinamica e drammaticità.

Un po' più forte nel carattere e perfetto nella struttura compositiva è un affresco chiamato "Messa in Bolsena". La sua trama è basata su una storia di un prete non credente la cui ostia era macchiata di sangue durante il sacramento. Testimoni di questo miracolo sulla tela di Raffaello furono papa Giulio II, posto alle sue spalle, i cardinali e gli svizzeri della guardia.

Una caratteristica distintiva di quest'opera del famoso artista era un grande, rispetto alle opere precedenti, il grado di naturalezza e naturalezza nella rappresentazione dei personaggi. Queste non sono più figure astratte che stupiscono per la loro bellezza esteriore, ma persone del tutto reali. La prova più eclatante di ciò sono le immagini degli svizzeri delle guardie papali, i cui volti sono pieni di energia interna, che esprimono una forte volontà umana. Tuttavia, i loro sentimenti non sono un'invenzione creativa dell'artista. Queste sono emozioni umane molto reali.

In quest'opera l'autore presta molta attenzione al colore, alla pienezza coloristica della tela e delle immagini. Il pittore ora si preoccupa non solo dell'esatto trasferimento delle linee di contorno delle figure, ma anche della saturazione del colore delle immagini, della visualizzazione del loro mondo interiore attraverso un certo tono.

Altrettanto espressivo è l'affresco "Produzione di Pietro", raffigurante la scena della liberazione dell'apostolo Pietro da parte di un angelo. Gli storici dell'arte ritengono che questa immagine sia un simbolo della favolosa liberazione del legato pontificio Leone X (che in seguito divenne papa) dalla prigionia francese.

Di particolare interesse in questo affresco è la soluzione compositiva e cromatica trovata dall'autore. Riproduce l'illuminazione notturna, che esalta la natura drammatica della composizione complessiva. Lo sfondo architettonico accuratamente selezionato contribuisce anche alla divulgazione del contenuto e al maggiore contenuto emotivo dell'immagine: una prigione costruita con massicci mattoni, una pesante volta ad arco e spesse sbarre di un reticolo.

Il quarto e ultimo affresco della Stanza d'Eliodoro, poi chiamato "Incontro di papa Leone I con Attila", fu realizzato su bozzetti di Raffaello dai suoi allievi, Giulio Romano e Francesco Penny. L'opera fu eseguita nel periodo dal 1514 al 1517. Lo stesso maestro, che a quel tempo era diventato un artista insolitamente popolare, la cui fama si estendeva in tutta Italia, e che ricevette molti ordini, non riuscì a finire di decorare le stanze papali. Inoltre, Raffaello in quel periodo fu nominato capo architetto della Cattedrale di San Pietro, e sovrintese anche agli scavi archeologici che furono poi effettuati sul territorio di Roma e dintorni.

I dipinti che adornavano le Stanze del Incendio erano basati su storie della storia del papato. Tra tutti gli affreschi, forse solo uno merita un'attenzione particolare: "L'incendio di Borgo". Racconta di un incendio avvenuto in uno dei quartieri romani nell'847. Papa Leone IV ha poi preso parte allo spegnimento dell'incendio. Questo affresco si distingue per l'eccessivo pathos e il dramma artificiale nell'immagine di persone che cercano di sfuggire al disastro: un figlio che trasporta suo padre, un giovane che scavalca un muro, una ragazza con in mano una brocca.

Gli affreschi delle strofe vaticane mostrano bene l'evoluzione dell'opera di Raffaello: l'artista passa gradualmente dalle immagini ideali delle prime opere al dramma e allo stesso tempo si avvicina alla vita nelle opere appartenenti al periodo tardo ( composizioni di trama e ritratti).

Quasi subito dopo il suo arrivo a Roma, nel 1509, Raffaello, continuando il tema della Madonna, scrisse la tela “Madonna Alba”. Rispetto alle figure della Madonna Conestabile, le immagini della Madonna di Alba sono molto più complesse. Maria è raffigurata qui come una giovane donna con carattere forte, energico e sicuro di sé. I movimenti del bambino sono altrettanto forti. Il dipinto ha la forma di un tondo. Tuttavia, le figure sono scritte qui per intero, il che non era tipico delle tele rotonde. Una tale disposizione delle figure, tuttavia, non porta alla comparsa di immagini statiche. Loro, così come l'intera composizione nel suo insieme, sono mostrati in dinamica. Questa sensazione è creata dal fatto che il maestro trasmette in modo sottile e accurato la plasticità dei movimenti del corpo umano.

Di particolare importanza per la formazione del metodo creativo dell'artista fu il dipinto “Madonna in cattedra” (o “Madonna della sedia”), i cui lavori furono completati intorno al 1516. Un'immagine un po' idealizzata della Madonna è qui con i piedi per terra di introducendo elementi specifici e reali nella composizione. Quindi, ad esempio, il petto di Mary è coperto da un'ampia sciarpa luminosa con una frangia. Tali sciarpe a quel tempo erano l'abito preferito di tutte le contadine italiane.

Le figure della Madonna, del Cristo bambino e del piccolo Giovanni Battista si trovano l'una vicino all'altra. Sembra che le immagini fluiscano dolcemente l'una nell'altra. L'intera immagine è intrisa di una sensazione lirica insolitamente brillante. Il tema sempre vivo dell'amore materno è qui espresso non solo nello sguardo di Maria, ma anche nella plasticità della sua figura. La forma del tondo conferisce all'intera composizione una logica completezza. Le figure di Maria e del bambino, poste su una tela rotonda, sono simbolo dell'unità delle due persone più vicine: madre e figlio. Questo
la pittura di Raffaello fu riconosciuta dai suoi contemporanei come l'apice della pittura da cavalletto, non solo in termini di costruzione compositiva, ma anche per il sottile trasferimento di linee plastiche di immagini.

Dagli anni '10. 16 ° secolo Raffaello sta lavorando a composizioni per pale d'altare. Così, nel 1511, compare la Madonna di Foligno. E nel 1515, il famoso artista inizia a creare una tela, che in seguito porterà al pittore la gloria di un grande maestro e conquisterà il cuore di più di una generazione di persone. "La Madonna Sistina" è un dipinto che ha segnato la fase finale nella formazione del metodo artistico di Raffaello. Il tema della maternità ha ricevuto qui, rispetto ai lavori precedenti, massimo sviluppo e l'implementazione più completa.

Entrando nella cattedrale, l'occhio dello spettatore è subito attratto dalla maestosa figura della Madonna, che porta in braccio Gesù Cristo bambino. Questo effetto è ottenuto da una speciale disposizione compositiva dei personaggi. Il sipario semiaperto, gli occhi dei santi Sisto e Barbara rivolti a Maria: tutto questo ha lo scopo di evidenziare e rendere la giovane madre il centro della composizione.

Nel rivelare l'immagine della Madonna, Raffaello si è allontanato dagli artisti del Rinascimento. La Madonna qui parla direttamente allo spettatore. Non è impegnata con un bambino (come la Madonna di Leonardo da Vinci) e non è immersa in se stessa (come le eroine delle prime opere del maestro). Questa Mary, muovendosi attraverso le nuvole bianche come la neve verso lo spettatore, sta conversando con lui. Nei suoi occhi spalancati, puoi vedere l'amore della madre, e un po 'di confusione, disperazione, umiltà e profonda preoccupazione per il destino futuro di suo figlio. Lei, come veggente, sa tutto ciò che accadrà a suo figlio. Tuttavia, per salvare le persone, la madre è pronta a sacrificarlo. L'immagine del Cristo bambino è dotata della stessa serietà. Ai suoi occhi, per così dire, è racchiuso il mondo intero, lui, come un profeta, ci racconta il destino dell'umanità e il suo.

Raffaello. Madonna Sistina. 1515-1519

L'immagine di Maria è piena di drammaticità e insolitamente espressiva. Tuttavia, è privo di idealizzazione e non è dotato di caratteristiche iperboliche. La sensazione di completezza, completezza dell'immagine si crea qui per il dinamismo della composizione, che si esprime nel trasferimento accurato e fedele della plasticità delle figure e nel panneggio degli abiti degli eroi. Tutte le figure sono presentate, vive, mobili, luminose. Il volto di Maria, come il Cristo bambino dagli occhi poco infantilmente tristi, esprime un'intera gamma di sentimenti che cambiano uno dopo l'altro letteralmente davanti agli occhi dello spettatore: tristezza, ansia, umiltà e, infine, determinazione.

Tra gli storici dell'arte rimane ancora aperta la questione del prototipo della Madonna Sistina. Alcuni studiosi identificano questa immagine con l'immagine di una giovane donna raffigurata nel ritratto "Dama velata" (1514). Tuttavia, secondo la testimonianza dei contemporanei dell'artista, Maria sulla tela "Madonna Sistina" è piuttosto un tipo generalizzato di donna, un ideale raffaelliano, piuttosto che un'immagine specifica di qualcuno.

Tra i ritratti di Raffaello, di grande interesse è il ritratto di Papa Giulio II, dipinto nel 1511. Una persona reale è qui mostrata come una sorta di ideale, che era un tratto caratteristico del metodo creativo del pittore.

Di particolare rilievo è il ritratto del conte Baldassarre Castiglione, realizzato nel 1515, che raffigura una persona calma, equilibrata, armoniosamente sviluppata. Rafael appare qui come un meraviglioso maestro del colore. Usa complesse combinazioni di colori e transizioni di tono. La stessa padronanza del colore si distingue anche per un'altra opera del pittore: un ritratto femminile “Dama velata” (“La donna velata”, 1514), dove il colore dominante è la vernice bianca (l'abito candido della donna mette in risalto un velo leggero).

Una parte significativa dell'opera di Raffaello è occupata da opere monumentali. Tra le sue successive opere simili, la più interessante è, anzitutto, l'affresco che ornava le pareti della Villa Farnesina nel 1515 (già proprietà del ricco Chigi) “Il Trionfo di Galatea”. Questa immagine si distingue per uno stato d'animo insolitamente gioioso. Le immagini traboccano letteralmente di felicità. Un tono simile viene creato attraverso l'uso di una speciale combinazione di colori luminosi e saturi: i corpi bianchi nudi sono qui armoniosamente combinati con un cielo blu trasparente e onde blu del mare.

L'ultima opera monumentale di Raffaello fu la decorazione delle pareti della galleria ad arco, situata al secondo piano del Palazzo Vaticano. L'arredamento delle sale era decorato con dipinti e mosaici in marmo artificiale. Le trame per gli affreschi sono state tratte dall'artista dalle leggende bibliche e dalle cosiddette. grottesche (dipinto trovato su antiche tombe greche - grotte). Ci sono 52 dipinti in totale. Successivamente furono combinati in un ciclo sotto il nome generale "Bibbia di Raffaello". È interessante anche che il celebre artista abbia svolto lavori di decorazione delle sale del Palazzo Vaticano insieme ai suoi allievi, tra i quali hanno occupato un posto di rilievo Giulio Romano, Francesco Penny, Perino del Vaga, Giovanni da Udine.

I successivi dipinti da cavalletto di Raffaello furono una sorta di riflesso ed espressione della crisi creativa gradualmente crescente del maestro. Seguendo il percorso della sempre crescente drammatizzazione delle immagini create dai maestri dell'Alto Rinascimento, ma allo stesso tempo rimanendo fedele ai propri metodi di rappresentazione artistica già consolidati, Raffaello arriva alle contraddizioni dello stile. I suoi mezzi e modi per esprimere i pensieri si rivelano troppo pochi per creare immagini qualitativamente nuove e più perfette in termini di trasmissione del loro mondo interiore e bellezza esteriore. Esempi vividi che illustrano questo periodo dell'opera di Raffaello sono "Portare la croce" (1517), il ciclo "Sacre famiglie" (1518 circa), la composizione dell'altare "Trasfigurazione".

È del tutto possibile che un pittore così talentuoso come Raffaello avrebbe trovato una via d'uscita da un simile vicolo cieco creativo, se non fosse stato per la morte improvvisa che ha scioccato tutti i contemporanei del maestro. Rafael Santi morì il 6 aprile 1520 all'età di 37 anni. Si tenne un sontuoso funerale. Le ceneri del grande pittore sono sepolte nel Pantheon di Roma.

Le opere di Raffaello fino ad oggi rimangono capolavori dell'arte mondiale. Queste immagini sono un esempio arte classica, furono chiamati a mostrare all'umanità una bellezza perfetta e ultraterrena. Hanno presentato allo spettatore un mondo in cui le persone hanno sentimenti e pensieri elevati. L'opera di Raffaello è una sorta di inno all'arte, che trasforma una persona, rendendola più pulita, luminosa, più bella.

Tiziano (Tiziano Vecellio)

Tiziano Vecellio nacque in una famiglia di militari nel piccolo paese di Pieve di Cadore, situato tra le montagne e parte dei possedimenti veneziani. Gli scienziati non sono stati in grado di stabilire con precisione la data e l'anno di nascita di Tiziano. Alcuni credono che questo sia il 1476-1477, altri - 1485-1490.

Gli scienziati suggeriscono che la famiglia Vecellio fosse antica e piuttosto influente in città. Vedendo il talento precoce del ragazzo per la pittura, i genitori decisero di affidare Tiziano alla bottega d'arte del maestro mosaicista veneziano. Qualche tempo dopo, il giovane Vecellio fu incaricato di studiare presso la bottega, prima di Gentile Bellini, e poi di Giovanni Bellini. In questo periodo, il giovane artista incontra Giorgione, la cui influenza si riflette nei suoi primi lavori.

Tutto il lavoro dell'artista può essere suddiviso in due periodi: il primo - il cosiddetto. dzhordzhonevsky - fino al 1515-1516 (quando l'influenza di Giorgione è più fortemente espressa nelle opere del pittore); il secondo - dagli anni '40. XVI secolo (in questo momento, Tiziano è un maestro già affermato che rappresenta l'arte del tardo Rinascimento).

Seguendo in una fase iniziale il metodo artistico di Giorgione e dei pittori del Rinascimento, Tiziano ripensa i modi di risolvere i problemi artistici. Da sotto il pennello dell'artista escono nuove immagini, che si differenziano in modo significativo dalle figure sublimi e raffinate, come Raffaello e Leonardo da Vinci. Gli eroi di Tiziano sono mondani, corposi, sensuali, hanno un inizio pagano in larga misura. Le prime tele del pittore si distinguono per una composizione piuttosto semplice, che tuttavia è permeata da uno stato d'animo insolitamente gioioso e dalla consapevolezza della felicità senza nuvole, pienezza e infinità della vita terrena.

Tra le opere di questo periodo, che esprimono maggiormente il metodo creativo dell'artista, una delle più suggestive è il dipinto "Amore in terra e in cielo", datato anni '10. 16 ° secolo. È importante per l'autore non solo trasmettere la trama, ma anche mostrare un bellissimo paesaggio che evoca pensieri di pace e felicità dell'essere e la bellezza sensuale di una donna.

Le figure femminili sono indubbiamente sublimi, ma non sono astratte dalla vita e non sono idealizzate dall'autore. Il paesaggio, dipinto con colori tenui e posto sullo sfondo, funge da sfondo eccellente per immagini femminili aggraziate ed eleganti, ma allo stesso tempo abbastanza reali, specifiche: Amore terreno e Amore celeste. Una composizione sapientemente composta e un sottile senso del colore hanno aiutato l'artista a creare un'opera insolitamente armoniosa, ogni elemento della quale risulta essere subordinato al desiderio dell'autore di mostrare la naturale bellezza della natura terrena e dell'uomo.

Nell'opera successiva di Tiziano Assunta (o Ascensione di Maria), risalente al 1518, non c'è quella calma contemplazione e tranquillità che risuona nell'opera Amore terreno e celeste. C'è più dinamica, forza, energia. La figura centrale della composizione è Maria, raffigurata come una giovane donna piena di bellezza e forza terrene. Le opinioni degli apostoli sono dirette a lei, le cui immagini esprimono la stessa vitalità ed energia interiore. Una sorta di inno alla bellezza umana e al forte sentimento umano è la composizione "Bacco e Arianna" (dal ciclo "Bacchanalia", 1523).

Glorificazione del terreno bellezza femminile divenne il tema di un'altra opera di Tiziano, chiamata "Venere di Urbino". È stato creato nel 1538. Nonostante non ci sia assolutamente sublimità e spiritualità dell'immagine, quest'ultima non riduce ancora il valore estetico della tela. Venere è davvero bella qui. Tuttavia, la sua bellezza è banale e naturale, che distingue l'immagine creata da Tiziano dalla Venere di Botticelli.

Tuttavia, sarebbe sbagliato affermare che le immagini del primo periodo di sviluppo dell'opera dell'artista glorificassero solo la bellezza esteriore di una persona. Tutto il loro aspetto raffigura una persona armoniosa, la cui bellezza esteriore è equiparata a quella spirituale ed è il rovescio di un'anima altrettanto bella.

Da questo punto di vista, di grande interesse è l'immagine di Gesù Cristo sulla tela "Cesar's Denarius", realizzata nel periodo dal 1515 al 1520. Il Gesù di Tiziano non è affatto mostrato come un essere divino, esaltato, celeste. L'espressione spiritualizzata del suo volto suggerisce che davanti allo spettatore ci sia una persona nobile con una perfetta organizzazione mentale.

Della stessa spiritualità sono piene le immagini create nella composizione dell'altare "Madonna Pesaro", scritta nel periodo dal 1519 al 1526. Questi eroi non sono schemi o astrazioni. La creazione di un'immagine vivace e reale è ampiamente facilitata dall'uso da parte del maestro di una gamma di colori diversi: il velo bianco come la neve di Maria, l'azzurro cielo, lo scarlatto, il rosso vivo, gli abiti dorati degli eroi, il ricco tappeto verde. Una tale varietà di toni non introduce il caos nella composizione, ma, al contrario, aiuta il pittore a creare un sistema armonioso e armonioso di immagini.

Nel 1520 Tiziano ha creato la prima opera di natura drammatica. Questo è il famoso dipinto "The Entombment". L'immagine di Cristo qui è interpretata allo stesso modo del dipinto "Il denario di Cesare". Gesù è presentato non come un essere disceso dal cielo per salvare l'umanità, ma come un eroe tutto terreno caduto in una battaglia impari. Nonostante tutta la tragedia e il dramma della trama, la tela non fa sentire lo spettatore senza speranza. Al contrario, l'immagine creata da Tiziano è un simbolo di ottimismo ed eroismo, personificando la bellezza interiore di una persona, la nobiltà e la forza del suo spirito.

Questo carattere distingue in modo significativo quest'opera dell'artista dalla sua successiva opera omonima, datata 1559, in cui gli stati d'animo ottimistici sono sostituiti da una tragedia senza speranza. Qui, così come in un altro dipinto di Tiziano - "L'assassinio di S. Peter the Martyr”, la cui creazione risale al periodo dal 1528 al 1530, il maestro utilizza un nuovo metodo di rappresentazione artistica. Le immagini della natura presentate sulle tele (il tramonto in “The Entombment” reso con colori cupi e cupi e gli alberi che si piegano sotto forti raffiche di vento in “The Assassination of St. Peter the Martyr”) risultano essere una sorta di espressione dei sentimenti e delle passioni umane. La Grande Madre Natura qui si sottomette all'Uomo Sovrano. Tiziano nelle composizioni sopra menzionate, per così dire, afferma l'idea che tutto ciò che accade in natura è causato dalle azioni umane. È il signore e il sovrano del mondo (compresa la natura).

Una nuova tappa nello sviluppo dell'abilità dell'artista nel creare composizioni a più figure fu la tela intitolata "Introduzione al tempio", datata 1534-1538. Nonostante Tiziano abbia scritto qui molte immagini, risultano tutte unite in un insieme compositivo dall'interesse per un evento significativo che si svolge davanti ai loro occhi: l'introduzione di Maria nel tempio. La figura della protagonista è separata dai personaggi minori (ma non meno significativi) da pause spaziali: è separata dalla folla di curiosi e sacerdoti dai gradini di una scala. Un'atmosfera festosa, un senso del significato di ciò che sta accadendo è creato nella composizione dai gesti e dalla plasticità delle figure. Tuttavia, per l'inserimento nel quadro della figura del commerciante di uova, posta in primo piano, si attenua l'eccessivo pathos dell'opera e si esalta l'impressione di realismo e naturalezza della situazione descritta dall'artista.

L'introduzione alla composizione di immagini popolari è un tratto caratteristico del metodo artistico e visivo di Tiziano nel periodo a partire dagli anni '30. XVI secolo. Sono queste immagini che aiutano il maestro a creare un'immagine vitale e veritiera.

L'idea creativa più completa per mostrare una persona armoniosa, bella sia nell'anima che nel corpo, è stata incarnata nei ritratti di Tiziano. Una delle prime opere di questa natura è "Ritratto di un giovane con un guanto". La creazione della tela si riferisce al periodo dal 1515 al 1520. L'immagine di un giovane rappresenta un'intera generazione di persone di quel tempo: il Rinascimento. Il ritratto incarna l'idea di armonia dello spirito e del corpo umano. Spalle larghe, plasticità sciolta del corpo, colletto della camicia sbottonato casualmente, calma sicurezza espressa dallo sguardo di un giovane: tutto mira a trasmettere l'idea principale dell'autore sulla gioia dell'esistenza umana e la felicità di un ordinario persona che non conosce la tristezza e non è lacerata da contraddizioni interne.

Lo stesso tipo di persona felice armoniosamente disposta si può vedere nelle tele "Violante" e "Ritratto di Tommaso Mosti" (entrambi - 1515-1520).

Nei ritratti realizzati molto più tardi, lo spettatore non troverà più quella schiettezza e quella chiara certezza della natura delle immagini, tipiche di opere simili del periodo 1515-1520. L'essenza degli ultimi personaggi di Tiziano, rispetto ai primi, è molto più complessa e sfaccettata. Un vivido esempio del cambiamento nel metodo artistico dell'autore è il dipinto "Ritratto di Ippolito Riminaldi", realizzato alla fine degli anni Quaranta del Cinquecento. Il ritratto raffigura un giovane il cui volto, delimitato da una piccola barba, esprime una profonda lotta interiore di sentimenti ed emozioni.

Le immagini create da Tiziano in questo periodo non sono tipiche dell'arte dell'Alto Rinascimento: sono complesse, per molti versi contraddittorie e drammatiche. Questi sono gli eroi della composizione, chiamata "Ritratto di Papa Paolo III con Alessandro e Ottavio Farnese". La tela è stata realizzata nel periodo dal 1545 al 1546. Papa Paolo III è mostrato come una persona astuta e diffidente. Osserva con preoccupazione e malizia Ottavio, suo nipote, noto adulatore e ipocrita a corte.

Tiziano si dimostrò un notevole maestro della composizione artistica. L'essenza dei personaggi delle persone si rivela in questo lavoro attraverso l'interazione dei personaggi tra loro, attraverso i loro gesti e posture.

Un ritratto raffigurante Carlo V (1548) è stato costruito su una combinazione di maestosi elementi decorativi e realistici. Il mondo interiore del modello è mostrato con magistrale precisione. Lo spettatore capisce cosa c'è di fronte a lui persona speciale con un carattere complesso, le cui caratteristiche principali sono sia una grande mente e forza d'animo, sia astuzia, crudeltà, ipocrisia.

Nei ritratti realizzati da Tiziano, più semplici in termini di costruzione compositiva, tutta l'attenzione dello spettatore è focalizzata sul mondo interiore dell'immagine. Si può ad esempio citare la tela “Ritratto dell'Aretino”, datata 1545. Il modello fu scelto dall'artista in quanto personaggio molto noto a Venezia in quel periodo, Pietro Aretino, divenuto famoso per la sua straordinaria avidità di denaro e piaceri. Tuttavia, nonostante ciò, apprezzava molto l'arte, lui stesso fu autore di numerosi articoli giornalistici, un gran numero di commedie, racconti e poesie (anche se non sempre
contenuto decente).

Tiziano ha deciso di catturare una persona del genere in una delle sue opere. Il suo Aretino è un'immagine realistica complessa, contenente i sentimenti e i tratti caratteriali più diversi, a volte anche contraddittori.

Il tragico conflitto di una persona con forze a lui ostili è mostrato nel dipinto "Ecco l'uomo", dipinto nel 1543. La trama è stata ispirata dalla crescente reazione pubblica dei sostenitori della Controriforma contro le idee umanistiche del Rinascimento in Italia in quel momento. Nella composizione, l'immagine di Cristo come portatore di alti ideali universali si contrappone a Pilato, mostrato come cinico, vizioso e brutto. In ciò
per la prima volta nell'opera compaiono note di negazione dei piaceri e delle gioie sensuali e terreni.

Tiziano. Ritratto di Papa Paolo III con Alessandro e Ottavio Farnese. 1545-1546

Lo stesso sorprendente contrasto ha segnato le immagini della tela "Danae", scritta intorno al 1554. L'opera si distingue per un alto grado di drammaticità. In esso l'autore, come prima, canta la bellezza e la felicità dell'uomo. Tuttavia, la felicità è transitoria e momentanea. Nella foto non c'è immutabilità di umore e calma pacificazione dei personaggi che contraddistinguono le immagini create in precedenza ("Amore in terra e in cielo", "Venere di Urbino").

Il tema principale dell'opera è la collisione tra il bello e il brutto, l'alto e il basso. E se una ragazza esprime tutto il più sublime che c'è in una persona, allora una vecchia zitella che cerca di catturare monete della pioggia d'oro personifica le qualità umane più basse: interesse personale, avidità, cinismo.

Il dramma è enfatizzato nella composizione da una certa combinazione di toni scuri e chiari. È con l'aiuto della pittura che l'artista pone accenti semantici nell'immagine. Quindi, una ragazza simboleggia la bellezza e i sentimenti luminosi. E la vecchia, che è circondata da cupi toni scuri, contiene un'espressione di un inizio basso.

Questo periodo dell'opera di Tiziano è caratterizzato non solo dalla creazione di immagini contraddittorie piene di drammaticità. Allo stesso tempo, l'artista dipinge una serie di opere, il cui tema è l'affascinante bellezza di una donna. Tuttavia, è ancora necessario notare il fatto che queste opere sono prive di quello stato d'animo ottimista e di affermazione della vita, che suona, ad esempio, in Love on Earth and Heaven and Bacchanalia. Tra i dipinti di maggior interesse "Diana e Atteone", "Pastore e Ninfa" (1559), "Venere con Adone".

Uno di i migliori lavori Tiziano è un dipinto intitolato "Kayushda Mary Magdalene", creato negli anni '60. 16 ° secolo. Molti artisti del Rinascimento si sono rivolti a questa storia biblica. Tuttavia, Tiziano reinterpreta l'immagine della Maria Maddalena penitente. La figura di una giovane donna, piena di bellezza e salute, esprime più che il pentimento cristiano, ma la tristezza e il desiderio di una felicità perduta per sempre. L'uomo, come sempre, è bello in Tiziano, ma il suo benessere, calma e tranquillità dipendono da forze esterne. Sono loro che, interferendo nel destino di una persona, distruggono l'armonia dello spirito. Non è un caso che l'immagine della Maddalena, colta dal dolore, sia rappresentata sullo sfondo di un paesaggio cupo che corona il cielo cupo di nuvole nere incombenti - un assaggio di
temporali.

Lo stesso tema della sofferenza umana si sente anche nelle opere successive del celebre maestro: “Incoronazione con corona di spine” (1570) e “S. Sebastiano" (1570).

In The Crowning with Thorns, Gesù è presentato dall'artista sotto forma di una persona comune, superando i suoi aguzzini nelle qualità fisiche e, soprattutto, morali.

Tuttavia, è solo e solo quindi non può essere un vincitore. L'intensità drammatica ed emotiva della scena è esaltata da un colore cupo e scuro.

Il tema di un eroe solitario in conflitto con il mondo esterno si sente anche nell'opera “St. Sebastian". Il protagonista è qui mostrato come un maestoso titano, un'immagine caratteristica dell'arte del Rinascimento. Tuttavia, è ancora sconfitto.

Il paesaggio, che simboleggia le forze ostili al personaggio, gioca qui un ruolo indipendente. Nonostante il dramma della trama, la composizione nel suo insieme è permeata di uno stato d'animo che afferma la vita.

Una sorta di inno alla mente umana, alla saggezza e alla fedeltà agli ideali accettati è l'autoritratto del maestro, realizzato negli anni '60. 16 ° secolo

Uno dei dipinti più espressivi di Tiziano è riconosciuto come "Pietà" (o "Compianto su Cristo"), scritto intorno al 1576. Le figure di donne addolorate sono qui raffigurate sullo sfondo di una nicchia di pietra e di un paesaggio cupo. Maria, come una statua, si bloccò dal dolore. L'immagine della Maddalena è insolitamente luminosa e dinamica: la figura di una donna che si protende in avanti, una mano alzata, capelli rosso fuoco che si agitano, una bocca leggermente socchiusa, da cui sta per scoppiare un grido di disperazione. Gesù non è mostrato come un essere celeste divino, ma piuttosto persona reale, sconfitto in una battaglia impari con forze ostili al mondo umano. La tragedia delle immagini è espressa nell'immagine con l'aiuto di transizioni tonali e di luci e ombre. I personaggi principali risultano essere, per così dire, strappati dai raggi di luce dall'oscurità della notte.

Quest'opera di Tiziano glorifica un uomo dotato di sentimenti profondi. Il dipinto "Pietà" era una sorta di canto d'addio dedicato agli eroi leggeri, sublimi e maestosi creati nel Rinascimento.

Il grande pittore, che ha regalato al mondo belle immagini, morì il 27 agosto 1576, presumibilmente di peste. Ha lasciato molte tele che ancora stupiscono il pubblico con la loro maestria nell'esecuzione e un sottile senso del colore. Tiziano si presenta davanti a noi come un meraviglioso psicologo, un conoscitore dell'animo umano. Tra i suoi allievi c'erano artisti come Jacopo Nigreti (Palma il Vecchio), Bonifacio de Pitati, Paris Bordone, Jacopo Palma il Giovane.

Tratti caratteristici nell'arte del Rinascimento

Prospettiva. Per aggiungere profondità e spazio tridimensionali al loro lavoro, gli artisti del Rinascimento hanno preso in prestito e notevolmente ampliato i concetti di prospettiva lineare, linea dell'orizzonte e punto di fuga.

§ Prospettiva lineare. Dipingere con una prospettiva lineare è come guardare fuori dalla finestra e dipingere esattamente ciò che si vede sul vetro della finestra. Gli oggetti nella foto iniziarono ad avere le proprie dimensioni, a seconda della distanza. Quelli più lontani dallo spettatore sono diminuiti e viceversa.

§ Orizzonte. Questa è una linea alla distanza alla quale gli oggetti si restringono in un punto spesso quanto questa linea.

§ Punto di fuga. Questo è il punto in cui le linee parallele sembrano convergere in lontananza, spesso sulla linea dell'orizzonte. Questo effetto può essere osservato se ti trovi sui binari della ferrovia e guardi i binari che vanno a sì. l.

Ombre e luce. Gli artisti hanno giocato con interesse su come la luce cade sugli oggetti e crea ombre. Le ombre e la luce potrebbero essere utilizzate per attirare l'attenzione su un punto particolare di un dipinto.

Emozioni. Gli artisti del Rinascimento volevano che lo spettatore, guardando l'opera, provasse qualcosa, vivesse un'esperienza emotiva. Era una forma di retorica visiva in cui lo spettatore si sentiva ispirato a migliorare in qualcosa.

Realismo e naturalismo. Oltre alla prospettiva, gli artisti hanno cercato di rendere gli oggetti, in particolare le persone, più realistici. Hanno studiato l'anatomia umana, misurato le proporzioni e cercato la forma umana ideale. Le persone sembravano reali e mostravano un'emozione genuina, consentendo allo spettatore di trarre conclusioni su ciò che le persone rappresentate stavano pensando e provando.

L'era del "Rinascimento" è divisa in 4 fasi:

Proto-Rinascimento (2a metà del XIII secolo - XIV secolo)

Primo Rinascimento (inizio XV - fine XV secolo)

Alto Rinascimento (fine XV - primi vent'anni del XVI secolo)

Tardo Rinascimento (metà XVI - 1590)

Protorinascimento

Il proto-rinascimento è strettamente connesso al Medioevo, infatti, è apparso in Basso medioevo, con tradizioni bizantine, romaniche e gotiche, questo periodo fu il precursore del Rinascimento. Si divide in due sottoperiodi: prima della morte di Giotto di Bondone e dopo (1337). Artista e architetto italiano, fondatore dell'era proto-rinascimentale. Una delle figure chiave nella storia dell'arte occidentale. Dopo aver superato la tradizione bizantina della pittura di icone, divenne il vero fondatore della scuola di pittura italiana, sviluppò un approccio completamente nuovo alla rappresentazione dello spazio. Le opere di Giotto sono state ispirate da Leonardo da Vinci, Raffaello, Michelangelo. La figura centrale della pittura era Giotto. Gli artisti del Rinascimento lo consideravano un riformatore della pittura. Giotto ha delineato il percorso lungo il quale è andato il suo sviluppo: riempimento di forme religiose di contenuto secolare, passaggio graduale da immagini planari a immagini tridimensionali e in rilievo, aumento del realismo, introduzione nella pittura di un volume plastico di figure, raffigurazione di un interno nella pittura .

Alla fine del XIII secolo fu eretto a Firenze l'edificio principale del tempio, la Cattedrale di Santa Maria del Fiore, l'autore fu Arnolfo di Cambio, poi Giotto continuò i lavori.

Le scoperte più importanti, i maestri più brillanti vivono e lavorano nel primo periodo. Il secondo segmento è legato all'epidemia di peste che colpì l'Italia.

L'arte del protorinascimento si manifesta dapprima nella scultura (Niccolò e Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano). La pittura è rappresentata da due scuole d'arte: Firenze e Siena.

Primo Rinascimento

Il periodo del cosiddetto "Primo Rinascimento" in Italia copre il periodo dal 1420 al 1500. In questi ottant'anni l'arte non ha ancora del tutto rinunciato alle tradizioni del passato recente (il medioevo), ma cerca di mescolarvi elementi mutuati dall'antichità classica. Solo più tardi, sotto l'influenza di condizioni di vita e di cultura sempre più mutevoli, gli artisti abbandonarono completamente le fondamenta medievali e utilizzarono audacemente esempi di arte antica, sia nel concetto generale delle loro opere che nei loro dettagli.

Mentre l'arte in Italia percorreva già risolutamente la via dell'imitazione dell'antichità classica, in altri paesi si è a lungo aggrappata alle tradizioni dello stile gotico. A nord delle Alpi, e anche in Spagna, il Rinascimento arriva solo alla fine del XV secolo, e il suo primo periodo dura fino alla metà del secolo successivo.

Artisti del primo Rinascimento

Uno dei primi e più brillanti rappresentanti di questo periodo è considerato Masaccio (Masaccio Tommaso Di Giovanni Di Simone Cassai), il famoso pittore italiano, il più grande maestro della scuola fiorentina, il riformatore della pittura del Quattrocento.

Con la sua opera ha contribuito al passaggio dal gotico a una nuova arte, glorificando la grandezza dell'uomo e del suo mondo. Il contributo di Masaccio all'arte si rinnova nel 1988 quando la sua creazione principale - Affreschi della Cappella Brancacci in Santa Maria del Carmine, Firenze- sono stati riportati alla loro forma originaria.

- Resurrezione del figlio di Teofilo, Masaccio e Filippino Lippi

- Adorazione dei Magi

- Miracolo con statore

Altri importanti rappresentanti di questo periodo furono Sandro Botticelli. grande pittore rinascimentale italiano, rappresentante della scuola pittorica fiorentina.

- Nascita di Venere

- Venere e Marte

- Primavera

- Adorazione dei Magi

Alto Rinascimento

Il terzo periodo del Rinascimento - il periodo del più magnifico sviluppo del suo stile - è comunemente chiamato "Alto Rinascimento". Si estende in Italia dal 1500 al 1527 circa. In questo momento, il centro di influenza dell'arte italiana da Firenze si trasferì a Roma, grazie all'ascesa al soglio pontificio di Giulio II - un uomo ambizioso, coraggioso, intraprendente, che attirò alla sua corte i migliori artisti d'Italia, li occupò con numerosi e opere importanti e dare agli altri un esempio di amore per l'arte. Sotto questo Papa e sotto i suoi immediati successori, Roma diventa, per così dire, la nuova Atene del tempo di Pericle: vi vengono costruiti molti edifici monumentali, vengono create magnifiche opere scultoree, vengono dipinti affreschi e dipinti, che sono ancora considerati il perle di pittura; allo stesso tempo, tutti e tre i rami dell'arte vanno armoniosamente di pari passo, aiutandosi a vicenda e agendo reciprocamente l'uno sull'altro. L'antichità viene ora studiata più a fondo, riprodotta con maggiore rigore e coerenza; tranquillità e dignità sostituiscono la giocosa bellezza che era l'aspirazione del periodo precedente; le reminiscenze del medievale scompaiono completamente e un'impronta completamente classica ricade su tutte le opere d'arte. Ma l'imitazione degli antichi non soffoca la loro indipendenza negli artisti, e con grande intraprendenza e vivacità di immaginazione elaborano e applicano liberamente agli affari ciò che ritengono opportuno prendere in prestito per se stessi dall'antica arte greco-romana.

L'opera di tre grandi maestri italiani segna l'apice del Rinascimento, si tratta di Leonardo da Vinci (1452-1519) Leonardo di Ser Piero da Vinci grande pittore rinascimentale italiano, rappresentante della scuola pittorica fiorentina. Artista italiano (pittore, scultore, architetto) e scienziato (anatomista, naturalista), inventore, scrittore, musicista, uno dei maggiori rappresentanti dell'arte dell'Alto Rinascimento, vivido esempio di " uomo universale»

L'ultima Cena

Monna Lisa,

-uomo vitruviano ,

- Madonna Litta

- Madonna tra le rocce

-Madonna col fuso

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni. Scultore, pittore, architetto [⇨], poeta [⇨], pensatore [⇨] italiano. . Uno dei più grandi maestri del Rinascimento [⇨] e del primo barocco. Le sue opere erano considerate le più alte conquiste dell'arte rinascimentale durante la vita del maestro stesso. Michelangelo visse per quasi 89 anni, un'intera epoca, dall'Alto Rinascimento alle origini della Controriforma. Durante questo periodo furono sostituiti tredici Papi: nove di loro eseguì gli ordini.

Creazione di Adamo

Giudizio Universale

e Raffaello Santi (1483-1520). grande pittore, grafico e architetto italiano, rappresentante della scuola umbra.

- Scuola di Atene

-Madonna Sistina

- Trasformazione

- Meraviglioso giardiniere

Tardo Rinascimento

Il tardo Rinascimento in Italia copre il periodo dal 1530 al 1590-1620. La Controriforma trionfò nell'Europa meridionale ( controriforma(lat. Controriforma; da contro- contro e riformazione- trasformazione, riforma) - un movimento politico-chiesa cattolico in Europa tra la metà del XVI e il XVII secolo, diretto contro la Riforma e volto a ripristinare la posizione e il prestigio della Chiesa cattolica romana.), che guardava con cautela a qualsiasi libero pensiero, compreso il canto del corpo umano e la resurrezione degli ideali dell'antichità come capisaldi dell'ideologia rinascimentale. Le contraddizioni della visione del mondo e un generale sentimento di crisi hanno portato a Firenze nell'arte "nervosa" dei colori inverosimili e delle linee spezzate: il manierismo. A Parma, dove operò il Correggio, il Manierismo giunse solo dopo la morte dell'artista nel 1534. Le tradizioni artistiche di Venezia avevano una loro logica di sviluppo; fino alla fine degli anni Settanta vi lavorò Palladio (vero nome Andrea di Pietro). grande architetto italiano del tardo Rinascimento e del Manierismo.( Manierismo(dall'italiano modo, maniera) - Stile letterario e artistico dell'Europa occidentale del XVI - primo terzo del XVII secolo. È caratterizzato dalla perdita dell'armonia rinascimentale tra il corpo e lo spirito, la natura e l'uomo.) Il fondatore del palladianesimo ( Palladianesimo O Architettura palladiana- una prima forma di classicismo, nata dalle idee dell'architetto italiano Andrea Palladio (1508-1580). Lo stile si basa sulla stretta aderenza alla simmetria, tenendo conto delle prospettive e prendendo in prestito i principi dell'architettura classica del tempio dell'antica Grecia e di Roma.) E il classicismo. Probabilmente l'architetto più influente della storia.

La prima opera indipendente di Andrea Palladio, come talentuoso designer e dotato architetto, è la Basilica di Vicenza, in cui si è manifestato il suo originale inimitabile talento.

Tra le case di campagna, la creazione più eccezionale del maestro è la Villa Rotonda. Andrea Palladio lo costruì a Vicenza per un funzionario vaticano in pensione. Si distingue per essere il primo edificio secolare del Rinascimento, costruito sotto forma di un antico tempio.

Un altro esempio è il Palazzo Chiericati, singolare in quanto il primo piano dell'edificio era quasi interamente destinato ad uso pubblico, coerentemente con le esigenze delle autorità cittadine dell'epoca.

Tra le celebri costruzioni urbane del Palladio, va sicuramente ricordato il Teatro Olimpico, progettato secondo lo stile di un anfiteatro.

Tiziano ( Tiziano Vecellio) Pittore italiano, il più grande rappresentante della scuola veneziana dell'Alto e del Tardo Rinascimento. Il nome di Tiziano è alla pari di artisti del Rinascimento come Michelangelo, Leonardo da Vinci e Raffaello. Tiziano dipinse quadri su soggetti biblici e mitologici, divenne famoso come ritrattista. Fu commissionato da re e papi, cardinali, duchi e principi. Tiziano non aveva nemmeno trent'anni quando fu riconosciuto come il miglior pittore di Venezia.

Dal suo luogo di nascita (Pieve di Cadore in provincia di Belluno, Repubblica di Venezia), viene talvolta indicato come da cadore; noto anche come Tiziano il Divino.

- Ascensione della Vergine Maria

- Bacco e Arianna

- Diana e Atteone

- Venere Urbino

- Rapimento di Europa

la cui opera aveva poco in comune con i fenomeni di crisi dell'arte fiorentina e romana.

L'inizio della pittura rinascimentale è considerato l'era del Ducento, cioè fine del XIII secolo. Il proto-rinascimento è ancora strettamente connesso con il romanico medievale. tradizioni gotiche e bizantine. Artisti della fine del XIII - inizi del XIV secolo. sono ancora lontani dallo studio scientifico della realtà circostante. Esprimono le loro idee al riguardo, usando ancora le immagini convenzionali del sistema visivo bizantino: colline rocciose, alberi simbolici, torrette condizionali. Ma a volte l'aspetto delle strutture architettoniche è riprodotto in modo così accurato che ciò indica l'esistenza di schizzi dalla natura. I personaggi religiosi tradizionali iniziano a essere raffigurati in un mondo dotato delle proprietà della realtà: volume, profondità spaziale, materialità materiale. Inizia la ricerca di metodi di trasmissione sul piano del volume e dello spazio tridimensionale. I maestri di questo tempo fanno rivivere il noto principio dell'antichità della modellazione in chiaroscuro delle forme. Grazie ad essa figure ed edifici acquistano densità e volume.

A quanto pare, il primo ad applicare la prospettiva antica fu il fiorentino Cenny di Pepo (dati dal 1272 al 1302), soprannominato Cimabue. Purtroppo la sua opera più significativa, una serie di dipinti sui temi dell'Apocalisse, della vita di Maria e dell'apostolo Pietro nella chiesa di San Francesco ad Assisi, è giunta fino a noi quasi in rovina. Le sue composizioni d'altare, che si trovano a Firenze e al Museo del Louvre, sono meglio conservate. Anche loro risalgono a prototipi bizantini, ma mostrano chiaramente i tratti di un nuovo approccio alla pittura religiosa. Cimabue ritorna dalla pittura italiana del XIII secolo, che ha adottato le tradizioni bizantine, alle loro immediate origini. Sentiva in loro ciò che rimaneva inaccessibile ai suoi contemporanei: l'inizio armonioso e la sublime bellezza ellenica delle immagini.

I grandi artisti appaiono come audaci innovatori che rifiutano il sistema tradizionale. Un tale riformatore nella pittura italiana del XIV secolo dovrebbe essere riconosciuto Giotto di Bondone(1266-1337). Egli è il creatore di un nuovo sistema pittorico, il grande riformatore di tutta la pittura europea, il vero fondatore della nuova arte. Questo è un genio che si eleva al di sopra dei suoi contemporanei e di molti dei suoi seguaci.

Fiorentino di nascita, ha lavorato in molte città italiane, da Padova e Milano nel nord a Napoli nel sud. La più famosa delle opere di Giotto che ci è pervenuta è il ciclo di murales della cappella del Arena a Padova, dedicato alle storie evangeliche della vita di Cristo. Questo insieme pittorico unico è una delle opere fondamentali nella storia dell'arte europea. Invece di scene e figure separate isolate tipiche della pittura medievale, Giotto creò un unico ciclo epico. . Al posto del solito sfondo bizantino dorato, Giotto introduce uno sfondo paesaggistico. Le figure non fluttuano più nello spazio, ma acquisiscono un terreno solido sotto i loro piedi. E sebbene siano ancora inattivi, mostrano il desiderio di trasmettere l'anatomia del corpo umano e la naturalezza del movimento.

La riforma operata da Giotto nella pittura fece una profonda impressione su tutti i suoi contemporanei. Recensioni unanimi di lui come grande pittore, abbondanza di clienti e mecenati, commissioni onorarie in molte città d'Italia: tutto ciò suggerisce che i contemporanei comprendessero perfettamente il significato della sua arte. Ma le generazioni successive imitarono Giotto come timidi studenti, prendendo in prestito particolari da lui.

L'influenza di Giotto acquistò la sua forza e la sua fecondità solo dopo un secolo. Gli artisti del Quattrocento svolsero i compiti fissati da Giotto.

La gloria del fondatore della pittura del Quattrocento appartiene all'artista fiorentino Masaccio morto giovanissimo (1401-1428). Fu il primo a risolvere i principali problemi della pittura rinascimentale: lineare e prospettiva aerea. Nei suoi affreschi nella Cappella Brancacci della chiesa fiorentina di Santa Maria del Carmine, figure dipinte secondo le leggi dell'anatomia sono collegate tra loro e con il paesaggio.

La Chiesa di Santa Maria del Carmine divenne una sorta di accademia, dove studiarono generazioni di artisti influenzati da Masaccio: Paolo Uccello, Andrei Castagno, Domenico Veniziano e molti altri fino a Michelangelo.

La scuola fiorentina per lungo tempo rimase leader nell'arte d'Italia. Aveva anche una tendenza più conservatrice. Alcuni artisti di questa tendenza erano monaci, quindi nella storia dell'arte furono chiamati monastici. Uno dei più famosi tra loro era fra (cioè fratello - l'appello reciproco dei monaci) Giovanni Beato Angelico da Fiesole(1387-1455). Le sue immagini di personaggi biblici sono scritte nello spirito delle tradizioni medievali, sono piene di lirismo, calma dignità e contemplazione. I suoi sfondi paesaggistici sono intrisi di un senso di allegria, caratteristico del Rinascimento.

Uno degli artisti più importanti del Quattrocento - Sandro Botticelli(1445-1510) - esponente degli ideali estetici di corte del celebre tiranno, uomo politico, filantropo, poeta e filosofo Lorenzo de' Medici, detto il Magnifico. La corte di questo sovrano senza corona ne era il centro cultura artistica, unendo famosi filosofi, scienziati, artisti.

Il primo Rinascimento durò circa un secolo. È completato dal periodo dell'Alto Rinascimento, che rappresenta solo circa 30 anni. Roma divenne il centro principale della vita artistica in questo momento.

A cavallo dei secoli XV-XVI. comprendono l'inizio di un lungo intervento straniero in Italia, la frammentazione e l'asservimento del paese, la perdita dell'indipendenza delle città libere, il rafforzamento della reazione cattolica feudale. Ma un sentimento patriottico crebbe tra il popolo italiano, contribuendo all'attivismo politico e alla crescita identità nazionale, il desiderio di unificazione nazionale. Questo aumento della coscienza popolare ha creato un'ampia base popolare per la cultura dell'Alto Rinascimento.

La fine del Cinquecento è associata al 1530, quando gli stati italiani persero la libertà, divenendo preda di potenti monarchie europee. La crisi socio-politica ed economica dell'Italia, basata non sulla rivoluzione industriale, ma sul commercio internazionale, era in preparazione da tempo. La scoperta dell'America e le nuove rotte commerciali privarono le città italiane di vantaggi commercio internazionale. Ma, come sapete, nella storia della cultura, i periodi di fioritura dell'arte non coincidono con lo sviluppo socio-economico generale della società. E in un periodo di declino economico e schiavitù politica, in tempi difficili per l'Italia, inizia un breve secolo del Rinascimento italiano: l'Alto Rinascimento. Fu in questo momento che la cultura umanistica dell'Italia divenne un patrimonio mondiale, cessò di essere un fenomeno locale. artisti italiani iniziarono a godere della popolarità tutta europea, che meritavano davvero.

Se l'arte del Quattrocento è analisi, ricerca, scoperta, freschezza di una visione del mondo giovanile, allora l'arte dell'Alto Rinascimento è un risultato, una sintesi, una saggia maturità. La ricerca di un ideale artistico durante il Quattrocento ha portato l'arte a una generalizzazione, alla divulgazione di modelli generali. La principale differenza tra l'arte dell'Alto Rinascimento è che rinuncia a dettagli, dettagli, dettagli in nome di un'immagine generalizzata. Ogni esperienza, ogni ricerca di predecessori è compressa dai grandi maestri del Cinquecento in una grandiosa generalizzazione.

Il metodo realistico degli artisti dell'Alto Rinascimento è peculiare. Sono convinti che il significativo possa esistere solo in un bel guscio. Pertanto, tendono a vedere solo fenomeni eccezionali che si elevano al di sopra della vita quotidiana. Gli artisti italiani hanno creato immagini di personalità eroiche, persone belle e volitive.

Era l'era dei titani del Rinascimento, che ha dato alla cultura mondiale l'opera di Leonardo, Raffaello, Michelangelo. Nella storia della cultura mondiale, questi tre geni, nonostante tutta la loro diversità, individualità creativa, personificano il valore principale del Rinascimento italiano: l'armonia della bellezza, del potere e dell'intelletto. I destini di questi artisti (la cui potente individualità umana e artistica li ha costretti ad agire come rivali, a trattarsi reciprocamente con ostilità) avevano molto in comune. Tutti e tre si formarono alla scuola fiorentina, per poi lavorare presso le corti di committenti, soprattutto papi. Le loro vite sono la prova del cambiamento nell'atteggiamento della società nei confronti della personalità creativa dell'artista, caratteristico del Rinascimento. I maestri d'arte divennero figure di spicco e di valore nella società, furono giustamente considerati le persone più istruite del loro tempo.

Questa caratteristica, forse più di altre figure del Rinascimento, è adatta Leonardo Da Vinci(1452-1519). Ha unito genio artistico e scientifico. Leonardo era uno scienziato che studiava la natura non per amore dell'arte, ma per amore della scienza. Pertanto, ci sono pervenute così poche opere finite di Leonardo. Ha iniziato le immagini e le ha abbandonate non appena il problema gli è sembrato articolato. Molte delle sue osservazioni anticipano di secoli lo sviluppo della scienza e della pittura europee. Moderno scoperte scientifiche suscitare interesse per i suoi disegni di ingegneria fantascientifica. Le riflessioni teoriche di Leonardo sui colori, delineate nel Trattato della pittura, anticipano le principali premesse dell'impressionismo ottocentesco. Leonardo ha scritto sulla purezza del suono dei colori solo sul lato chiaro del soggetto, sull'influenza reciproca dei colori, sulla necessità di dipingere all'aria aperta. Queste osservazioni di Leonardo non sono affatto utilizzate nella sua pittura. Era più teorico che pratico. Solo nel XX secolo iniziò la raccolta attiva e l'elaborazione del suo ingente patrimonio manoscritto (circa 7.000 pagine). Il suo studio porterà senza dubbio a nuove scoperte e spiegazioni dei misteri dell'opera leggendaria di questo titano del Rinascimento.

Una nuova tappa artistica fu la pittura della parete del refettorio del monastero di Santa Maria delle Grazie sulla trama dell'Ultima Cena, dipinta da molti artisti del Quattrocento. "L'ultima cena" è la pietra angolare dell'arte classica, ha realizzato il programma dell'Alto Rinascimento. Influenza per assoluta premura, coordinazione delle parti e del tutto, per il potere della sua concentrazione spirituale.

Leonardo ha lavorato a questo pezzo per 16 anni.

Uno dei dipinti più famosi al mondo è stato il lavoro di Leonardo "La Gioconda". Questo ritratto della moglie del mercante del Giocondo ha attirato l'attenzione per secoli, su di lui sono state scritte centinaia di pagine di commenti, è stato rapito, falsificato, copiato, gli è stato attribuito potere di stregoneria. L'elusiva espressione facciale della Gioconda sfida la descrizione e la riproduzione esatte. Il minimo cambiamento di tonalità (che può dipendere semplicemente dall'illuminazione del ritratto) negli angoli delle labbra, nei passaggi dal mento alla guancia, cambia il carattere del viso. Su diverse riproduzioni, la Gioconda appare un po' diversa, a volte un po' più morbida, a volte più ironica, a volte più premurosa. L'inafferrabilità nell'aspetto stesso della Gioconda, nel suo sguardo penetrante, come se seguisse inseparabilmente lo spettatore, nel suo mezzo sorriso. Questo ritratto è diventato un capolavoro dell'arte rinascimentale. Per la prima volta nella storia dell'arte mondiale, il genere del ritratto è salito allo stesso livello delle composizioni a tema religioso.

Le idee dell'arte monumentale del Rinascimento hanno trovato una vivida espressione nell'opera di Raffaele Santi(1483-1520). Leonardo ha creato stile classico, Rafael lo approvò e lo rese popolare. L'arte di Raffaello è spesso definita come il "mezzo aureo". La sua composizione supera tutto ciò che è stato creato nella pittura europea, con la sua assoluta armonia di proporzioni. Per cinque secoli l'arte di Raffaello è stata percepita come il punto di riferimento più alto nella vita spirituale dell'umanità, come uno degli esempi di perfezione estetica. L'opera di Raffaello si distingue per le qualità dei classici: chiarezza, nobile semplicità, armonia. Con tutta la sua essenza, è collegato alla cultura spirituale del Rinascimento.

La più notevole delle opere monumentali di Raffaello sono i murales negli appartamenti vaticani del papa. Composizioni di grandi dimensioni a più figure ricoprono tutte le pareti delle tre sale. Gli alunni hanno aiutato Raffaello nella pittura. I migliori affreschi, come ad esempio "La scuola di Atene", li ha eseguiti con le proprie mani. I soggetti murali includevano affreschi-allegorie delle principali sfere dell'attività spirituale umana: filosofia, poesia, teologia e giustizia. Nei dipinti e negli affreschi di Raffaello - un'immagine idealmente sublime di immagini cristiane, miti antichi e storia umana. Ha saputo coniugare i valori dell'esistenza terrena e le idee ideali come nessun altro dei maestri del Rinascimento. Il merito storico della sua arte è che ha collegato due mondi in un tutto: il mondo cristiano e il mondo pagano. Da quel momento, il nuovo ideale artistico si è saldamente affermato nell'arte religiosa dell'Europa occidentale.

Il brillante genio di Raffaello era lontano dalla profondità psicologica nel mondo interiore di una persona, come quella di Leonardo, ma ancora più estraneo alla tragica visione del mondo di Michelangelo. Nell'opera di Michelangelo si indicava il crollo dello stile rinascimentale e si delineavano i germogli di una nuova visione artistica del mondo. Michelangelo Buonarroti(1475-1564) visse una vita lunga, difficile ed eroica. Il suo genio si è manifestato nell'architettura, nella pittura, nella poesia, ma soprattutto nella scultura. Ha percepito il mondo in modo plastico, in tutti i settori dell'arte è principalmente uno scultore. Il corpo umano gli sembra il soggetto più degno dell'immagine. Ma questo è un uomo di razza speciale, potente ed eroica. L'arte di Michelangelo è dedicata alla glorificazione del combattente umano, alla sua attività eroica e alla sua sofferenza. La sua arte è caratterizzata dalla gigantomania, un inizio titanico. Questa è l'arte delle piazze, degli edifici pubblici e non delle sale dei palazzi, arte per il popolo e non per gli aristocratici di corte.

La più grandiosa delle sue opere fu il dipinto della volta della Cappella Sistina. Michelangelo ha svolto un'opera davvero titanica: per quattro anni ha dipinto da solo un'area di circa 600 metri quadrati. metri. Giorno dopo giorno scriveva a 18 metri di altezza, in piedi sull'impalcatura e gettando la testa all'indietro. Dopo la fine del dipinto, la sua salute fu completamente minata e il suo corpo fu sfigurato (il suo petto affondò, il suo corpo si inarcò, un gozzo crebbe; per molto tempo l'artista non poté guardare dritto davanti a sé e leggere, sollevando il libro sopra il suo Testa). Il grandioso dipinto è dedicato alle scene della storia sacra, a partire dalla creazione del mondo. Michelangelo dipinse sul soffitto circa 200 figure e composizioni figurative. Mai e da nessuna parte c'è stato qualcosa di simile al piano di Michelangelo per portata e integrità. Sulla volta della Cappella Sistina ha creato un inno alla gloria dell'eroica umanità. I suoi eroi sono persone viventi, non c'è nulla di soprannaturale in loro, ma allo stesso tempo sono personalità meravigliose, potenti e titaniche. Molto prima di Michelangelo, i maestri del Quattrocento illustrarono sulle pareti della cappella vari episodi della tradizione ecclesiastica; Michelangelo volle rappresentare sulla volta il destino dell'uomo prima della redenzione.

Ogni pensiero che l'immagine sia un aereo scompare. Le figure si muovono liberamente nello spazio. Affreschi di Michelangelo sfondano il piano del muro. Questa illusione di spazio e movimento è stata un'enorme conquista dell'arte europea. La scoperta di Michelangelo che la decorazione può spingere in avanti o respingere una parete e un soffitto in seguito fa uso dell'arte decorativa del barocco.

L'arte, fedele alle tradizioni del Rinascimento, continua a vivere nel Cinquecento a Venezia, la città che più a lungo ha conservato la sua indipendenza. In questa ricca repubblica patrizio-mercantile, che intrattiene da tempo relazioni commerciali con Bisanzio, con l'Oriente arabo, i gusti e le tradizioni orientali venivano elaborati a modo loro. L'influenza principale della pittura veneziana è nel suo straordinario colore. L'amore per il colore portò gradualmente gli artisti della scuola veneziana ad un nuovo principio pittorico. Il volume, la materialità dell'immagine non si ottiene con la modellazione in bianco e nero, ma con l'arte della modellazione del colore.

Il Rinascimento è un fenomeno fenomenale nella storia dell'umanità. Mai più c'è stato un lampo così brillante nel campo dell'arte. Scultori, architetti e artisti del Rinascimento (l'elenco è lungo, ma toccheremo i più famosi), i cui nomi sono noti a tutti, hanno dato al mondo un valore inestimabile: persone uniche ed eccezionali si sono mostrate non in un campo, ma in diversi subito.

Pittura del primo Rinascimento

Il Rinascimento ha un arco di tempo relativo. È iniziato per la prima volta in Italia - 1420-1500. In questo momento, la pittura e tutta l'arte in generale non è molto diversa dal recente passato. Tuttavia, elementi presi in prestito dall'antichità classica cominciano ad apparire per la prima volta. E solo negli anni successivi, scultori, architetti e artisti del Rinascimento (il cui elenco è molto lungo), sotto l'influenza delle condizioni di vita moderne e delle tendenze progressiste, abbandonano definitivamente fondamenta medievali. Adottano coraggiosamente i migliori esempi di arte antica per le loro opere, sia in generale che nei singoli dettagli. I loro nomi sono noti a molti, concentriamoci sulle personalità più brillanti.

Masaccio - il genio della pittura europea

Fu lui a dare un enorme contributo allo sviluppo della pittura, diventando un grande riformatore. Il maestro fiorentino nacque nel 1401 in una famiglia di artigiani artistici, quindi il senso del gusto e la voglia di creare erano nel suo sangue. All'età di 16-17 anni si trasferisce a Firenze, dove lavora nelle botteghe. Donatello e Brunelleschi, i grandi scultori e architetti, sono considerati i suoi maestri. La comunicazione con loro e le competenze acquisite non potevano che influenzare il giovane pittore. Dal primo Masaccio ha preso in prestito una nuova comprensione della personalità umana, caratteristica della scultura. Al secondo maestro - la base I ricercatori considerano il Trittico di San Giovenale (nella prima foto) la prima opera certa, scoperta in una piccola chiesa vicino al paese natale di Masaccio. L'opera principale sono gli affreschi dedicati alla storia della vita di San Pietro. L'artista ha partecipato alla creazione di sei di essi, vale a dire: "Il miracolo con lo statere", "La cacciata dal paradiso", "Il battesimo dei neofiti", "La distribuzione dei beni e la morte di Anania", "La risurrezione del figlio di Teofilo", "San Pietro risana gli infermi con la sua ombra" e "San Pietro sul pulpito".

Gli artisti italiani del Rinascimento sono persone che si sono dedicate interamente all'arte, non prestando attenzione ai normali problemi quotidiani, che a volte li hanno portati a un'esistenza povera. Masaccio non fa eccezione: il geniale maestro morì prematuramente, all'età di 27-28 anni, lasciando grandi opere e un gran numero di debiti.

Andrea Mantegna (1431-1506)

Questo è un rappresentante della scuola di pittori di Padova. Ha ricevuto le basi dell'abilità dal padre adottivo. Lo stile si è formato sotto l'influenza delle opere di Masaccio, Andrea del Castagno, Donatello e della pittura veneziana. Ciò determinò i modi alquanto aspri e aspri di Andrea Mantegna rispetto ai fiorentini. Era un collezionista e conoscitore di opere culturali del periodo antico. Grazie al suo stile, diverso da tutti gli altri, è diventato famoso come innovatore. Le sue opere più famose sono: "Cristo morto", "Trionfo di Cesare", "Giuditta", "Battaglia degli dei del mare", "Parnaso" (nella foto), ecc. Dal 1460 fino alla morte lavorò come pittore di corte presso la famiglia dei Duchi di Gonzaga.

Sandro Botticelli(1445-1510)

Botticelli è uno pseudonimo vero nome- Filipepi. Non ha scelto subito la strada dell'artista, ma inizialmente ha studiato gioielleria. Nelle prime opere autonome (diverse Madonne) si avverte l'influsso di Masaccio e del Lippi. In futuro si gloriò anche come ritrattista, il grosso degli ordini proveniva da Firenze. La natura raffinata e raffinata del suo lavoro con elementi di stilizzazione (generalizzazione delle immagini utilizzando tecniche convenzionali - semplicità di forma, colore, volume) lo distingue dagli altri maestri dell'epoca. Un contemporaneo di Leonardo da Vinci e del giovane Michelangelo ha lasciato un segno luminoso nell'arte mondiale ("La nascita di Venere" (foto), "Primavera", "Adorazione dei Magi", "Venere e Marte", "Natale", ecc. .). La sua pittura è sincera e sensibile e il suo percorso di vita è complesso e tragico. La percezione romantica del mondo in giovane età è stata sostituita dal misticismo e dall'esaltazione religiosa nella maturità. Gli ultimi anni della sua vita, Sandro Botticelli visse nella povertà e nell'oblio.

Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)

Pittore italiano e altro rappresentante del primo Rinascimento, originario della Toscana. Lo stile dell'autore si è formato sotto l'influenza della scuola pittorica fiorentina. Oltre al talento dell'artista, Piero della Francesca aveva capacità eccezionali nel campo della matematica, e le dedicò gli ultimi anni della sua vita, cercando di metterla in contatto con alta arte. Il risultato furono due trattati scientifici: "Sulla prospettiva nella pittura" e "Il libro dei cinque solidi corretti". Il suo stile si distingue per solennità, armonia e nobiltà delle immagini, equilibrio compositivo, linee precise e costruzione, morbida gamma di colori. Piero della Francesca aveva una conoscenza straordinaria per quel tempo lato tecnico pittura e caratteristiche della prospettiva, che gli valsero grande prestigio tra i suoi contemporanei. Le opere più famose: "La storia della regina di Saba", "La flagellazione di Cristo" (nella foto), "L'altare del Montefeltro", ecc.

Alta pittura rinascimentale

Se proto-rinascimentale e epoca primitiva durarono rispettivamente quasi un secolo e mezzo e un secolo, quindi questo periodo copre solo pochi decenni (in Italia dal 1500 al 1527). È stato un lampo luminoso e abbagliante che ha dato al mondo un'intera galassia di persone fantastiche, versatili e brillanti. Tutti i rami dell'arte andavano di pari passo, quindi molti maestri sono anche scienziati, scultori, inventori e non solo artisti del Rinascimento. L'elenco è lungo, ma l'apice del Rinascimento è stato segnato dall'opera di L. da Vinci, M. Buanarotti e R. Santi.

Lo straordinario genio di Da Vinci

Forse questa è la personalità più straordinaria ed eccezionale nella storia della cultura artistica mondiale. Era una persona universale nel pieno senso della parola e possedeva le conoscenze e i talenti più versatili. Artista, scultore, teorico dell'arte, matematico, architetto, anatomista, astronomo, fisico e ingegnere: tutto questo riguarda lui. Inoltre, in ciascuna delle aree, Leonardo da Vinci (1452-1519) si è mostrato un innovatore. Finora sono sopravvissuti solo 15 dei suoi dipinti, oltre a molti schizzi. Con sorprendente energia vitale e sete di conoscenza, era impaziente, era affascinato dal processo stesso della conoscenza. Giovanissimo (20 anni) si diplomò come maestro della Corporazione di San Luca. Le sue opere più importanti furono l'affresco "L'ultima cena", i dipinti "Mona Lisa", "Madonna Benois" (nella foto sopra), "Dama con l'ermellino", ecc.

I ritratti di artisti del Rinascimento sono rari. Hanno preferito lasciare le loro immagini in quadri con molti volti. Quindi, intorno all'autoritratto di da Vinci (nella foto), le controversie non si placano fino ad oggi. Vengono avanzate versioni secondo cui l'ha fatto all'età di 60 anni. Secondo il biografo, artista e scrittore Vasari, il grande maestro stava morendo tra le braccia del suo caro amico re Francesco I nel suo castello di Clos Luce.

Raffaello Santi (1483-1520)

Artista e architetto originario di Urbino. Il suo nome nell'arte è invariabilmente associato all'idea di bellezza sublime e armonia naturale. Per una vita piuttosto breve (37 anni), ha creato molti dipinti, affreschi e ritratti famosi in tutto il mondo. Le trame che ha interpretato sono molto diverse, ma è sempre stato attratto dall'immagine della Madre di Dio. Assolutamente a ragione Raffaello è chiamato il "maestro delle Madonne", particolarmente famose sono quelle che dipinse a Roma. In Vaticano lavorò dal 1508 fino alla fine della sua vita come artista ufficiale alla corte papale.

Completamente dotato, come molti altri grandi artisti del Rinascimento, Raffaello fu anche architetto e impegnato anche in scavi archeologici. Secondo una versione, l'ultimo hobby è in diretta correlazione con la morte prematura. Presumibilmente, ha contratto la febbre romana durante gli scavi. Il grande maestro è sepolto nel Pantheon. La foto è del suo autoritratto.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564)

Il lungo settantenne di quest'uomo era brillante, ha lasciato ai suoi discendenti creazioni imperiture non solo di pittura, ma anche di scultura. Come altri grandi artisti del Rinascimento, Michelangelo visse in un'epoca piena di eventi storici e shock. La sua arte è una bella nota finale di tutto il Rinascimento.

Il maestro mise la scultura al di sopra di tutte le altre arti, ma per volontà del destino divenne un eccezionale pittore e architetto. La sua opera più ambiziosa e insolita è il dipinto (nella foto) nel palazzo in Vaticano. L'area dell'affresco supera i 600 metri quadrati e contiene 300 figure umane. La più impressionante e familiare è la scena del Giudizio Universale.

Gli artisti del Rinascimento italiano erano talenti poliedrici. Quindi, pochi sanno che Michelangelo fu anche un grande poeta. Questo aspetto del suo genio si manifestò pienamente alla fine della sua vita. Fino ad oggi sono sopravvissute circa 300 poesie.

Pittura tardo rinascimentale

L'ultimo periodo copre il periodo dal 1530 al 1590-1620. Secondo l'Encyclopædia Britannica, il Rinascimento come periodo storico terminò con la caduta di Roma nel 1527. Più o meno nello stesso periodo, la Controriforma trionfò nell'Europa meridionale. La corrente cattolica guardava con apprensione a qualsiasi libero pensiero, compreso il canto della bellezza del corpo umano e la resurrezione dell'arte del periodo antico, cioè tutto ciò che era il pilastro del Rinascimento. Ciò ha portato a una tendenza speciale: il manierismo, caratterizzato dalla perdita di armonia tra lo spirituale e il fisico, l'uomo e la natura. Ma anche durante questo periodo difficile, alcuni famosi artisti del Rinascimento hanno creato i loro capolavori. Tra loro ci sono Antonio da Correggio, (considerato il fondatore del classicismo e del palladianesimo) e Tiziano.

Tiziano Vecellio (1488-1490 - 1676)

È giustamente considerato un titano del Rinascimento, insieme a Michelangelo, Raffaello e da Vinci. Anche prima dei 30 anni, Tiziano era conosciuto come il "re dei pittori e pittore dei re". Fondamentalmente, l'artista ha dipinto quadri su temi mitologici e biblici, inoltre, è diventato famoso come magnifico ritrattista. I contemporanei credevano che essere impressi con il pennello di un grande maestro significasse ottenere l'immortalità. E infatti lo è. Gli ordini a Tiziano provenivano dalle persone più venerate e nobili: papi, re, cardinali e duchi. Ecco alcune delle sue opere, le più famose: "Venere di Urbino", "Il ratto d'Europa" (nella foto), "La portacroce", "Incoronazione di spine", "Madonna pesarese", "Donna con uno specchio", ecc.

Niente si ripete due volte. L'era del Rinascimento ha dato all'umanità personalità brillanti e straordinarie. I loro nomi sono iscritti storia del mondo lettere d'oro d'arte. Architetti e scultori, scrittori e artisti del Rinascimento: la loro lista è molto lunga. Abbiamo toccato solo i titani che hanno fatto la storia, portato nel mondo le idee dell'illuminazione e dell'umanesimo.