Pianta della città ideale del rinascimento. Immagini artistiche del Rinascimento
Arte rinascimentale
Rinascimento- questo è il periodo di massimo splendore di tutte le arti, compreso il teatro, la letteratura e la musica, ma, senza dubbio, la principale tra esse, che esprimeva più pienamente lo spirito del suo tempo, erano le belle arti.
Non a caso esiste una teoria secondo cui il Rinascimento ebbe inizio con il fatto che gli artisti non si accontentarono più del quadro dello stile "bizantino" dominante e, alla ricerca di modelli per il loro lavoro, furono i primi a rivolgersi a all'antichità. Il termine "Rinascimento" (Rinascimento) fu introdotto dal pensatore e artista dell'epoca stessa, Giorgio Vasari ("Biografia di famosi pittori, scultori e architetti"). Così chiamò il tempo dal 1250 al 1550. Dal suo punto di vista, questo era il momento della rinascita dell'antichità. Per Vasari l'antichità appare in modo ideale.
In futuro, il contenuto del termine si è evoluto. La rinascita cominciò a significare l'emancipazione della scienza e dell'arte dalla teologia, un raffreddamento verso l'etica cristiana, la nascita delle letterature nazionali, il desiderio dell'uomo di libertà dalle restrizioni della Chiesa cattolica. Cioè, il Rinascimento, in sostanza, cominciò a significare umanesimo.
RISVEGLIO, RINASCIMENTO(Francese renais sance - rinascita) - una delle più grandi epoche, un punto di svolta nello sviluppo dell'arte mondiale tra il Medioevo e il nuovo tempo. Il Rinascimento copre i secoli XIV-XVI. in Italia, secoli XV-XVI. negli altri paesi europei. Questo periodo nello sviluppo della cultura ha ricevuto il suo nome: Rinascimento (o Rinascimento) in connessione con il risveglio dell'interesse per l'arte antica. Tuttavia, gli artisti di quel tempo non solo copiavano vecchi schemi, ma vi inserivano anche un contenuto qualitativamente nuovo. Il Rinascimento non dovrebbe essere considerato uno stile o una direzione artistica, poiché in quest'epoca c'erano vari stili, tendenze, correnti artistiche. L'ideale estetico del Rinascimento si è formato sulla base di una nuova visione del mondo progressista: l'umanesimo. Il mondo reale e l'uomo sono stati proclamati il valore più alto: l'uomo è la misura di tutte le cose. Il ruolo della persona creativa è particolarmente aumentato.
Il pathos umanistico dell'epoca si incarnava al meglio nell'arte, che, come nei secoli precedenti, mirava a dare un'immagine dell'universo. La novità era che cercavano di unire il materiale e lo spirituale in un tutt'uno. Era difficile trovare una persona indifferente all'arte, ma la preferenza era data alle belle arti e all'architettura.
Pittura italiana del XV secolo per lo più monumentali (affreschi). La pittura occupa un posto di primo piano tra i tipi di belle arti. Corrisponde nel modo più completo al principio rinascimentale di "imitare la natura". Un nuovo sistema visivo si forma sulla base dello studio della natura. L'artista Masaccio ha dato un degno contributo allo sviluppo della comprensione del volume, della sua trasmissione con l'ausilio del chiaroscuro. La scoperta e la fondatezza scientifica delle leggi della prospettiva lineare e aerea hanno influenzato in modo significativo l'ulteriore destino della pittura europea. Si sta formando un nuovo linguaggio plastico della scultura, il suo fondatore è stato Donatello. Ha fatto rivivere la statua rotonda indipendente. La sua opera migliore è la scultura del David (Firenze).
In architettura vengono resuscitati i principi dell'antico sistema di ordine, viene aumentata l'importanza delle proporzioni, si formano nuovi tipi di edifici (palazzo cittadino, villa di campagna, ecc.), la teoria dell'architettura e il concetto di città ideale sono in fase di sviluppo. L'architetto Brunelleschi costruì edifici in cui unì l'antica comprensione dell'architettura e le tradizioni del tardo gotico, raggiungendo una nuova spiritualità figurativa dell'architettura, sconosciuta agli antichi. Durante l'alto Rinascimento, la nuova visione del mondo si incarnava al meglio nell'opera di artisti giustamente chiamati geni: Leonardo da Vinci, Raffaello, Michelangelo, Giorgione e Tiziano. Gli ultimi due terzi del XVI secolo detto tardo rinascimentale. In questo momento, la crisi riguarda l'arte. Diventa regolato, cortese, perde il suo calore e la sua naturalezza. Tuttavia, singoli grandi artisti - Tiziano, Tintoretto continuano a creare capolavori durante questo periodo.
Il Rinascimento italiano ha avuto un enorme impatto sull'arte di Francia, Spagna, Germania, Inghilterra e Russia.
L'aumento dello sviluppo dell'arte dei Paesi Bassi, della Francia e della Germania (secoli XV-XVI) è chiamato il Rinascimento settentrionale. L'opera dei pittori Jan van Eyck, P. Brueghel il Vecchio è l'apice di questo periodo nello sviluppo dell'arte. In Germania, A. Dürer è stato il più grande artista del Rinascimento tedesco.
Le scoperte fatte durante il Rinascimento nel campo della cultura e dell'arte spirituale furono di grande importanza storica per lo sviluppo dell'arte europea nei secoli successivi. L'interesse per loro continua ancora oggi.
Il Rinascimento in Italia ha attraversato diverse fasi: primo Rinascimento, alto Rinascimento, tardo Rinascimento. Firenze divenne la culla del Rinascimento. Le basi della nuova arte furono sviluppate dal pittore Masaccio, dallo scultore Donatello e dall'architetto F. Brunelleschi.
Il primo a creare dipinti invece di icone fu il più grande maestro del Proto-Rinascimento Giotto. Fu il primo a sforzarsi di trasmettere idee etiche cristiane attraverso la rappresentazione di veri sentimenti ed esperienze umane, sostituendo il simbolismo con la rappresentazione dello spazio reale e di oggetti specifici. Sui famosi affreschi di Giotto in Cappella dell'Arena a Padova puoi vedere personaggi abbastanza insoliti accanto ai santi: pastori o filatori. Ogni singola persona in Giotto esprime esperienze ben definite, un carattere definito. 
Nell'era primo rinascimento nell'arte avviene lo sviluppo dell'antico patrimonio artistico, si formano nuovi ideali etici, gli artisti si rivolgono alle conquiste della scienza (matematica, geometria, ottica, anatomia). Il ruolo principale nella formazione dei principi ideologici e stilistici dell'arte del primo Rinascimento è svolto da Firenze. Nelle immagini create da maestri come Donatello, Verrocchio, la statua equestre del condottiero Gattamelata David di Donatello domina i principi eroici e patriottici ("San Giorgio" e "David" di Donatello e "David" di Verrocchio). 
Masaccio fu il fondatore della pittura rinascimentale.(murales nella Cappella Brancacci, "Trinità"), Masaccio è stato in grado di trasmettere la profondità dello spazio, ha collegato la figura e il paesaggio con un'unica idea compositiva e ha dato agli individui l'espressività del ritratto.
Ma la formazione e l'evoluzione del ritratto pittorico, che riflette l'interesse della cultura rinascimentale per l'uomo, sono associate ai nomi degli artisti della scuola Umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.
Il lavoro dell'artista si distingue nel primo Rinascimento Sandro Botticelli. Le immagini che ha creato sono spiritualizzate e poetiche. I ricercatori notano l'astrazione e il raffinato intellettualismo nelle opere dell'artista, il suo desiderio di creare composizioni mitologiche dal contenuto complicato e crittografato ("Primavera", "La nascita di Venere"). Uno dei biografi di Botticelli ha affermato che le sue Madonne e Veneri danno l'impressione di perdita, provocandoci una sensazione di tristezza indelebile... Alcuni di loro hanno perso il cielo, altri - la terra. 
"Primavera" "Nascita di Venere"
Il culmine nello sviluppo dei principi ideologici e artistici del Rinascimento italiano è Alto Rinascimento. Il fondatore dell'arte dell'Alto Rinascimento è Leonardo da Vinci, un grande artista e scienziato.
Ha creato una serie di capolavori: "Mona Lisa" ("La Gioconda") A rigor di termini, il volto stesso della Gioconda si distingue per moderazione e calma, il sorriso che ha creato la sua fama mondiale e che in seguito è diventato una parte indispensabile delle opere della scuola di Leonardo è appena percettibile in esso. Ma nella foschia dolcemente fondente che avvolge il viso e la figura, Leonardo è riuscito a far sentire l'infinita variabilità delle espressioni facciali umane. Sebbene gli occhi della Gioconda guardino attentamente e con calma lo spettatore, a causa dell'ombreggiatura delle sue orbite, si potrebbe pensare che siano leggermente accigliati; le sue labbra sono compresse, ma vicino ai loro angoli si delineano ombre appena percettibili, che fanno credere che ogni minuto si apriranno, sorrideranno, parleranno. Il contrasto stesso tra il suo sguardo e il mezzo sorriso sulle sue labbra dà un'idea della natura contraddittoria delle sue esperienze. Non invano Leonardo ha torturato il suo modello con lunghe sessioni. Come nessun altro, è riuscito a trasmettere ombre, sfumature e mezzitoni in questa immagine, che danno origine a una sensazione di vita tremante. Non c'è da stupirsi che Vasari abbia pensato che sul collo della Gioconda si vede come batte una vena.
Nel ritratto della Gioconda, Leonardo non solo ha trasmesso perfettamente il corpo e l'ambiente aereo che lo avvolge. Ci mise anche la comprensione di ciò di cui l'occhio ha bisogno affinché un quadro produca un'impressione armoniosa, motivo per cui tutto sembra che le forme nascano naturalmente l'una dall'altra, come accade nella musica quando si risolve una dissonanza tesa da un accordo armonioso. La Gioconda è perfettamente inscritta in un rettangolo rigorosamente proporzionale, la sua mezza figura forma qualcosa di intero, le mani giunte conferiscono completezza alla sua immagine. Ora, ovviamente, non si poteva parlare dei bizzarri riccioli della prima Annunciazione. Tuttavia, per quanto ammorbiditi tutti i contorni, la ciocca ondulata dei capelli della Gioconda è in sintonia con il velo trasparente, e il tessuto sospeso gettato sulla spalla trova un'eco nelle sinuose curve della strada lontana. In tutto questo Leonardo mostra la sua capacità di creare secondo le leggi del ritmo e dell'armonia. “In termini di tecnica, Monna Lisa è sempre stata considerata qualcosa di inspiegabile. Ora penso di poter rispondere a questo indovinello", dice Frank. Secondo lui, Leonardo ha usato la tecnica che ha sviluppato "sfumato" (italiano "sfumato", letteralmente - "scomparso come il fumo"). Il trucco è che gli oggetti nei dipinti non dovrebbero avere confini chiari, tutto dovrebbe passare agevolmente dall'uno all'altro, i contorni degli oggetti sono ammorbiditi con l'aiuto della foschia leggera e aerea che li circonda. La principale difficoltà di questa tecnica risiede nei tratti più piccoli (circa un quarto di millimetro) che non sono accessibili per il riconoscimento né al microscopio né ai raggi X. Pertanto, ci sono volute diverse centinaia di sessioni per dipingere un dipinto da Vinci. L'immagine della Gioconda è composta da circa 30 strati di pittura ad olio liquida, quasi trasparente. Per tali lavori di gioielleria, apparentemente l'artista doveva usare una lente d'ingrandimento. Forse l'uso di una tecnica così laboriosa spiega il lungo tempo impiegato a lavorare sul ritratto - quasi 4 anni. 
, "L'ultima Cena" fa un'impressione duratura. Sul muro, come per superarlo e portare lo spettatore nel mondo dell'armonia e delle visioni maestose, si svolge l'antico dramma gospel della fiducia ingannata. E questo dramma trova la sua risoluzione in un impulso generale diretto al personaggio principale: un marito dal volto addolorato, che accetta quanto sta accadendo come inevitabile. Cristo aveva appena detto ai suoi discepoli: "Uno di voi mi tradirà". Il traditore siede con gli altri; gli antichi maestri raffiguravano Giuda seduto separato, ma Leonardo metteva in risalto in modo molto più convincente il suo cupo isolamento, avvolgendo i suoi lineamenti con un'ombra. Cristo è sottomesso al suo destino, pieno di coscienza del sacrificio della sua impresa. La sua testa inclinata con gli occhi abbassati, il gesto delle sue mani sono infinitamente belli e maestosi. Un incantevole paesaggio si apre attraverso la finestra dietro la sua figura. Cristo è il centro di tutta la composizione, di tutto quel vortice di passioni che imperversano intorno. La sua tristezza e calma sono, per così dire, eterne, naturali - e questo è il significato profondo del dramma mostrato: cercava nella natura le fonti delle forme d'arte perfette, ma N. Berdyaev lo considera responsabile del processo in arrivo di meccanizzazione e meccanizzazione della vita umana, che ha strappato una persona dalla natura.
La pittura raggiunge l'armonia classica nella creatività Raffaello. La sua arte si evolve dalle prime fredde immagini umbre delle Madonne (Madonna Conestabile) al mondo del "cristianesimo felice" delle opere fiorentine e romane. "Madonna con cardellino" e "Madonna in poltrona" sono morbidi, umani e persino ordinari nella loro umanità. 
Ma l'immagine della "Madonna Sistina" è maestosa, collegando simbolicamente il mondo celeste e quello terreno. Soprattutto, Raffaello è conosciuto come il creatore di dolci immagini di Madonne. Ma nella pittura incarnava sia l'ideale dell'uomo universale rinascimentale (ritratto di Castiglione), sia il dramma degli eventi storici. La Madonna Sistina (1513 circa, Dresda, Pinacoteca) è una delle opere più ispirate dell'artista. Scritto come pala d'altare per la chiesa del monastero di S. Sisto a Piacenza, questo dipinto, per disegno, composizione e interpretazione dell'immagine, si discosta notevolmente dalle Madonne del periodo fiorentino. Invece di un'immagine intima e terrena di una bella fanciulla che segue con condiscendenza i divertimenti di due bambini, qui abbiamo una visione meravigliosa apparsa improvvisamente nel cielo a causa di una tenda tirata su da qualcuno. Circondata da un fulgore dorato, solenne e maestoso, Maria cammina tra le nuvole, tenendo davanti a sé il Cristo bambino. Sinistra e destra si inginocchiano davanti a lei S. Sisto e S. Barbara. La composizione simmetrica, rigorosamente equilibrata, la chiarezza della silhouette e la monumentale generalizzazione delle forme conferiscono alla Madonna Sistina una grandezza speciale.
In questo quadro Raffaello, forse in misura maggiore che altrove, riuscì a coniugare la veridicità realistica dell'immagine con i tratti della perfezione ideale. L'immagine della Madonna è complessa. La commovente purezza e l'ingenuità di una giovanissima donna si uniscono in lui alla ferma determinazione e all'eroica prontezza al sacrificio. Questo eroismo rende l'immagine della Madonna legata alle migliori tradizioni dell'umanesimo italiano. La combinazione dell'ideale e del reale in questa immagine richiama alla mente le note parole di Raffaello in una lettera all'amico B. Castiglione. "E ti dirò", ha scritto Raphael, "che per scrivere una bellezza, ho bisogno di vedere molte bellezze ... ma a causa della mancanza ... nelle belle donne, uso un'idea che mi viene in mente . Non so se abbia una qualche perfezione, ma mi sforzo molto per raggiungerla. Queste parole fanno luce metodo creativo artista. Partendo dalla realtà e facendo affidamento su di essa, si sforza allo stesso tempo di elevare l'immagine al di sopra di tutto ciò che è accidentale e transitorio.
Michelangelo(1475-1564) - senza dubbio uno degli artisti più ispirati nella storia dell'arte e, insieme a Leonardo da Vinci, la figura più potente dell'alto rinascimento italiano. Come scultore, architetto, pittore e poeta, Michelangelo ebbe un'enorme influenza sui suoi contemporanei e sulla successiva arte occidentale in generale.
Si considerava fiorentino, sebbene fosse nato il 6 marzo 1475 nel piccolo villaggio di Caprese vicino alla città di Arezzo. Michelangelo amava profondamente la sua città, la sua arte, la sua cultura e portò questo amore fino alla fine dei suoi giorni. Trascorse la maggior parte dei suoi anni maturi a Roma, lavorando per i papi; lasciò però testamento, secondo il quale il suo corpo fu sepolto a Firenze, in una bella tomba nella chiesa di Santa Croce.
Michelangelo completò la scultura in marmo Pietà(Compianto su Cristo) (1498-1500), che si trova ancora nella sua collocazione originaria - nella Cattedrale di San Pietro. Questa è una delle opere più famose nella storia dell'arte mondiale. La pietà fu probabilmente completata da Michelangelo prima che avesse 25 anni. Questa è l'unica opera che ha firmato. La giovane Maria è raffigurata con il Cristo morto sulle ginocchia, immagine mutuata dall'arte nordeuropea. Lo sguardo di Mary non è tanto triste quanto solenne. Questo è il punto più alto della creatività del giovane Michelangelo. 
L'opera non meno significativa del giovane Michelangelo era un'immagine di marmo gigante (4,34 m). Davide(Accademia, Firenze), eseguito tra il 1501 e il 1504, dopo essere tornato a Firenze. L'eroe dell'Antico Testamento è raffigurato da Michelangelo sotto forma di un giovane bello, muscoloso e nudo, che guarda con ansia in lontananza, come se stesse valutando il suo nemico: Golia, con il quale deve combattere. L'espressione vivace e tesa del volto di David è caratteristica di molte delle opere di Michelangelo: questo è un segno del suo modo scultoreo individuale. Il David, la scultura più famosa di Michelangelo, è diventato un simbolo di Firenze ed era originariamente collocato in Piazza della Signoria di fronte a Palazzo Vecchio, il municipio fiorentino. Con questa statua, Michelangelo dimostrò ai suoi contemporanei di aver superato non solo tutti gli artisti contemporanei, ma anche i maestri dell'antichità.
Dipinto sulla volta della Cappella Sistina Nel 1505 Michelangelo fu convocato a Roma da papa Giulio II per adempiere a due ordini. Il più importante fu l'affresco della volta della Cappella Sistina. Lavorando sdraiato su un'alta impalcatura proprio sotto il soffitto, Michelangelo realizzò le più belle illustrazioni per alcune storie bibliche tra il 1508 e il 1512. Sulla volta della cappella papale, ha raffigurato nove scene del Libro della Genesi, iniziando con la separazione della luce dalle tenebre e includendo la creazione di Adamo, la creazione di Eva, la tentazione e la caduta di Adamo ed Eva e il diluvio universale . Intorno ai dipinti principali si alternano immagini di profeti e sibille su troni marmorei, altri personaggi dell'Antico Testamento e gli antenati di Cristo.
Per preparare questa grande opera, Michelangelo realizzò un numero enorme di schizzi e cartoni, sui quali raffigurò le figure dei soggetti in una varietà di pose. Queste immagini regali e potenti dimostrano la magistrale comprensione dell'artista dell'anatomia e del movimento umano, che ha dato slancio a una nuova direzione nell'arte dell'Europa occidentale. 
Altre due eccellenti statue, Prigioniero legato e Morte di uno schiavo(entrambi c. 1510-13) sono al Louvre, Parigi. Dimostrano l'approccio di Michelangelo alla scultura. A suo avviso le figure sono semplicemente racchiuse all'interno del blocco di marmo, ed è compito dell'artista liberarle asportando la pietra in eccesso. Spesso Michelangelo lasciava le sculture incompiute, o perché non servivano più o semplicemente perché perdevano interesse per l'artista. 
Biblioteca di San Lorenzo Il progetto della tomba di Giulio II richiese uno studio architettonico, ma il serio lavoro di Michelangelo in campo architettonico iniziò solo nel 1519, quando gli fu commissionata la facciata della Biblioteca di San Lorenzo a Firenze, dove l'artista tornò nuovamente ( questo progetto non è mai stato realizzato). Negli anni Venti del Cinquecento progettò anche l'elegante atrio della Biblioteca annessa alla chiesa di San Lorenzo. Queste strutture furono completate solo pochi decenni dopo la morte dell'autore.
Michelangelo, aderente alla fazione repubblicana, partecipò negli anni 1527-29 alla guerra contro i Medici. Le sue responsabilità includevano la costruzione e la ricostruzione delle fortificazioni di Firenze. 
Cappelle Medicee. Dopo aver vissuto a Firenze per un periodo piuttosto lungo, Michelangelo portò a termine tra il 1519 e il 1534 l'incarico della famiglia Medici di erigere due sepolcri nella nuova sagrestia della chiesa di San Lorenzo. In una sala dall'alta volta a cupola, l'artista fece erigere addossate alle pareti due magnifiche tombe, destinate a Lorenzo De Medici, duca di Urbino ea Giuliano De Medici, duca di Nemours. Due tombe complesse sono state concepite come rappresentazioni di tipi opposti: Lorenzo - una persona chiusa in se stessa, una persona riflessiva, ritirata; Giuliano, invece, è attivo, aperto. Sopra la tomba di Lorenzo, lo scultore ha collocato sculture allegoriche del Mattino e della Sera, e sopra la tomba di Giuliano - allegorie del Giorno e della Notte. I lavori sulle tombe medicee continuarono dopo che Michelangelo tornò a Roma nel 1534. Non ha mai più visitato la sua amata città.
Giudizio Universale
Dal 1536 al 1541 Michelangelo lavorò a Roma per dipingere la parete dell'altare della Cappella Sistina in Vaticano. Il più grande affresco del Rinascimento raffigura il giorno del Giudizio Universale: Cristo, con un fulmine infuocato in mano, divide inesorabilmente tutti gli abitanti della terra nei giusti salvati, raffigurati sul lato sinistro della composizione, e i peccatori che scendono in Inferno di Dante (lato sinistro dell'affresco). Seguendo rigorosamente la propria tradizione, Michelangelo originariamente dipinse tutte le figure nude, ma un decennio dopo alcuni artisti puritani le "vestirono" man mano che il clima culturale diventava più conservatore. Michelangelo ha lasciato il proprio autoritratto sull'affresco: il suo volto è facilmente intuibile sulla pelle strappata dal Santo Martire Apostolo Bartolomeo.
Sebbene in questo periodo Michelangelo avesse altre commissioni pittoriche, come la pittura della cappella di San Paolo Apostolo (1940), prima di tutto cercò di dedicare tutte le sue forze all'architettura.
Cupola della Cattedrale di San Pietro. Nel 1546 Michelangelo fu nominato capo architetto della Cattedrale di San Pietro in Vaticano, che era in costruzione. L'edificio fu costruito secondo il progetto di Donato Bramante, ma Michelangelo si occupò infine della costruzione dell'abside dell'altare e dello sviluppo della soluzione ingegneristica e artistica per la cupola della cattedrale. Il completamento della costruzione della Cattedrale di San Pietro fu il più alto traguardo del maestro fiorentino nel campo dell'architettura. Durante la sua lunga vita, Michelangelo fu intimo amico di principi e papi, da Lorenzo de Medici a Leone X, Clemente VIII e Pio III, oltre che di molti cardinali, pittori e poeti. Il carattere dell'artista, la sua posizione nella vita è difficile da comprendere in modo inequivocabile attraverso le sue opere: sono così diverse. Tranne forse nella poesia, nelle sue stesse poesie, Michelangelo si è rivolto più spesso e più profondamente a questioni di creatività e al suo posto nell'arte. Un posto importante nelle sue poesie è dato ai problemi e alle difficoltà che dovette affrontare nel suo lavoro, e ai rapporti personali con i rappresentanti più in vista di quell'epoca.Uno dei più famosi poeti del Rinascimento, Lodovico Ariosto scrisse un epitaffio per Questo artista famoso: "Michele è più di un mortale, è un angelo divino." 
Arte rinascimentale in Italia (secoli XIII-XVI).
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Caratteristiche dell'arte del Rinascimento in Italia.
L'arte del Rinascimento è nata sulla base dell'umanesimo (dal latino humanus - "umano") - una tendenza del pensiero sociale che ha avuto origine nel XIV secolo. in Italia, e poi nella seconda metà del XV e nel XVI secolo. diffondersi ad altri paesi europei OH. L'umanesimo ha proclamato il valore più alto dell'uomo e del suo bene. I seguaci di questa tendenza credevano che ogni persona avesse il diritto di svilupparsi liberamente come persona, realizzando le proprie capacità. Le idee dell'umanesimo sono incarnate nel modo più completo e vivido nell'arte, tema principale che è diventato una persona bella, armoniosamente sviluppata con possibilità spirituali e creative illimitate. Gli umanisti sono stati ispirati dall'antichità, che è servita per loro come fonte di conoscenza e modello di creatività artistica. Il grande passato dell'Italia, che ricorda costantemente se stesso, era percepito all'epoca come la massima perfezione, mentre l'arte del Medioevo sembrava inetta e barbara. Il termine "revival", sorto nel XVI secolo, significava la nascita di una nuova arte, facendo rivivere la cultura antica classica. Tuttavia, l'arte del Rinascimento deve molto alla tradizione artistica del Medioevo. Il vecchio e il nuovo erano indissolubilmente legati e confrontati. Con tutta la diversità contraddittoria delle sue origini, l'arte del Rinascimento è segnata da una profonda e fondamentale novità. Ha gettato le basi della cultura europea dei tempi moderni. Tutte le principali forme d'arte - pittura e grafica, scultura, architettura - sono cambiate enormemente.
In architettura, i principi dell'antico rielaborati creativamente sistema di ordini ,
sono emersi nuovi tipi di edifici pubblici. La pittura si arricchì di una prospettiva lineare e aerea, della conoscenza dell'anatomia e delle proporzioni del corpo umano. Il contenuto terreno è penetrato nei tradizionali temi religiosi delle opere d'arte. Maggiore interesse per mitologia antica, storia, scene quotidiane, paesaggio, ritratto. Insieme ai monumentali dipinti murali che adornavano le strutture architettoniche, apparve un dipinto; origine della pittura a olio.
L'arte non ha ancora cessato di essere un mestiere, ma l'individualità creativa dell'artista, le cui attività a quel tempo erano molto diverse, aveva già preso il primo posto. Il talento universale dei maestri del Rinascimento è sorprendente: spesso hanno lavorato contemporaneamente nel campo dell'architettura, della scultura e della pittura, unendo la loro passione per la letteratura, la poesia e la filosofia con lo studio delle scienze esatte. Il concetto di una personalità creativamente ricca, o "rinascimentale", divenne in seguito una parola familiare.
Nell'arte del Rinascimento, i percorsi della comprensione scientifica e artistica del mondo e dell'uomo erano strettamente intrecciati. Il suo significato cognitivo era indissolubilmente legato alla sublime bellezza poetica, nella sua ricerca della naturalezza, non scendeva nella meschina quotidianità. L'arte è diventata un bisogno spirituale universale.
La formazione della cultura rinascimentale in Italia ebbe luogo in città economicamente indipendenti. Nell'ascesa e nel fiorire dell'arte del Rinascimento, la Chiesa e le magnifiche corti dei sovrani senza corona - le ricche famiglie regnanti, che erano i maggiori mecenati e clienti di opere di pittura, scultura e architettura, giocarono un ruolo importante. I principali centri della cultura rinascimentale furono dapprima le città di Firenze, Siena, Pisa, poi Padova, Ferrara, Genova, Milano e successivamente, nella seconda metà del Quattrocento, la ricca Venezia mercantile. Nel XVI sec. Roma divenne la capitale del Rinascimento italiano. Da quel momento, tutti gli altri centri di cultura, ad eccezione di Venezia, hanno perso la loro antica importanza.
Nell'era del Rinascimento italiano, è consuetudine distinguere diversi periodi:
Protorinascimentale (seconda metà dei secoli XIII-XIV),
Primo Rinascimento (XV secolo),
Alto Rinascimento (fine XV - primo terzo del XVI secolo)
Tardo Rinascimento (ultimi due terzi del XVI secolo).
Protorinascimentale
IN cultura italiana XIII-XIV sec Sullo sfondo delle ancora forti tradizioni bizantine e gotiche, iniziarono ad apparire le caratteristiche di una nuova arte, che in seguito sarebbe stata chiamata l'arte del Rinascimento. Pertanto, questo periodo della sua storia è stato chiamato Protorinascimentale(dal greco "protos" - "primo", cioè preparato l'inizio del Rinascimento). Non c'è stato un periodo di transizione simile in nessuno dei paesi europei. Nella stessa Italia, l'arte proto-rinascimentale sorse e si sviluppò solo in Toscana ea Roma.
Nella cultura italiana si intrecciavano i tratti del vecchio e del nuovo. L'ultimo poeta del Medioevo e il primo poeta della nuova era, Dante Alighieri (1265-1321), creò la lingua letteraria italiana. Ciò che Dante iniziò fu continuato da altri grandi fiorentini del XIV secolo: Francesco Petrarca (1304-1374), il fondatore della poesia lirica europea, e Giovanni Boccaccio (1313-1375), il fondatore del genere del romanzo (racconto) nel mondo letteratura. Vanto dell'epoca sono gli architetti e scultori Niccolò e Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio e il pittore Giotto di Bondone .
Architettura
L'architettura italiana ha seguito a lungo le tradizioni medievali, che si esprimevano principalmente nell'uso di un gran numero di motivi gotici. Allo stesso tempo, lo stesso gotico italiano era molto diverso dall'architettura gotica del nord Europa: gravitava verso la calma grandi forme, luce uniforme, divisioni orizzontali, ampie superfici murarie. Nel 1296 iniziò la costruzione a Firenze Cattedrale di Santa Maria del Fiore. Arnolfo di Cambio volle coronare l'altare della cattedrale con un'enorme cupola. Tuttavia, dopo la morte dell'architetto nel 1310, la costruzione fu ritardata, fu completata già nel periodo del primo Rinascimento. Nel 1334, su progetto di Giotto, fu iniziata la costruzione del campanile della cattedrale, il cosiddetto campanile, una slanciata torre rettangolare con scansioni orizzontali per piani ed eleganti finestre gotiche, la cui forma ad arco ogivale era conservato nell'architettura italiana per lungo tempo.
Tra i palazzi cittadini più famosi c'è Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) a Firenze. Si ritiene che sia stato costruito da Arnolfo di Cambio. È un cubo pesante con un'alta torre, rivestita di bugnato di pietra dura. La facciata a tre piani è decorata da finestre binate inscritte in archi semicircolari, che conferiscono all'intero edificio un'impressione di sobria austerità. L'edificio definisce l'aspetto del centro storico, invadendo la piazza con una mole aspra.
Scultura
Ancor prima che nell'architettura e nella pittura, le ricerche artistiche si delinearono nella scultura, e soprattutto nella scuola pisana, il cui capostipite fu Niccolò Pisano (1220 circa - tra il 1278 e il 1284). Niccolò Pisano è nato in Puglia, nel sud Italia. Si ritiene che abbia studiato scultura nelle scuole meridionali, dove fiorì lo spirito di rinascita delle tradizioni classiche dell'antichità. Senza dubbio Niccolò studiò la decorazione scultorea dei sarcofagi tardo romani e paleocristiani. La prima opera conosciuta dello scultore è un esagonale pulpito di marmo, da lui realizzato per il battistero di Pisa (1260), - divenne un'opera eccezionale della scultura rinascimentale e ebbe un enorme impatto sul suo ulteriore sviluppo. Il risultato principale dello scultore è che è riuscito a dare volume ed espressività alle forme, e ogni immagine ha potere corporeo.
Dalla bottega di Niccolò Pisano provenivano i notevoli maestri della scultura del Proto-Rinascimento - suo figlio Giovanni Pisano e Arnolfo di Cambio, noto anche come architetto. Arnolfo di Cambio (circa 1245 - dopo il 1310) gravitava verso la scultura monumentale, nella quale utilizzava le sue osservazioni di vita. Uno dei migliori lavori che ha fatto insieme a suo padre e suo figlio Pisano - Fontana in Piazza Perugia(1278). Fonte Maggiore, ornata da numerose statue e rilievi, è diventata l'orgoglio della città. Era vietato bere animali da esso, prendere acqua nelle botti di vino o dentro piatti non lavati. Il museo cittadino conserva frammenti di figure distese realizzate da Arnolfo di Cambio per la fontana. In queste figure lo scultore è riuscito a trasmettere tutta la ricchezza dei movimenti del corpo umano.
Pittura
Nell'arte del Rinascimento italiano, la pittura murale occupava un posto dominante. È stato realizzato con la tecnica dell'affresco. Con i colori preparati sull'acqua, si scriveva su intonaco bagnato (in realtà un affresco) o su asciutto - questa tecnica si chiama "a secco" (tradotto dall'italiano - "secco"). Il principale legante dell'intonaco è la calce. Perché la calce impiega un po' di tempo per asciugarsi, la pittura ad affresco doveva essere fatta velocemente, spesso in parti, tra le quali c'erano giunture di collegamento. Dalla seconda metà del XV sec. la tecnica dell'affresco cominciò ad essere integrata con la pittura a secco; quest'ultimo consentiva un lavoro più lento e consentiva la finitura delle parti. Il lavoro sulle pitture murali è stato preceduto dalla realizzazione delle sinopie - disegni ausiliari applicati sotto l'affresco sul primo strato di intonaco. Questi disegni sono stati realizzati con ocra rossa, estratta dall'argilla vicino alla città di Sinop, situata sulla costa del Mar Nero. Secondo il nome della città, la vernice si chiamava Sinop, o sinopia, in seguito i disegni stessi iniziarono a essere chiamati allo stesso modo. La sinopia è stata utilizzata nella pittura italiana dal XIII alla metà del XV secolo. Tuttavia, non tutti i pittori hanno fatto ricorso all'aiuto della sinopia, ad esempio Giotto di Bondone, il più importante rappresentante dell'era del Proto-Rinascimento, ne fece a meno. A poco a poco, la sinopia fu abbandonata. Dalla metà del XV secolo. I cartoni erano ampiamente utilizzati nella pittura: disegni preparatori realizzati su carta o su tessuto delle dimensioni di opere future. I contorni del disegno sono stati trasferiti sull'intonaco umido con l'aiuto della polvere di carbone. È stato soffiato attraverso i fori praticati nel contorno e pressato nell'intonaco con uno strumento affilato. A volte la sinopia da uno schizzo si trasformava in un disegno monumentale finito e i cartoni acquisivano il valore di opere di pittura indipendenti.
Il fondatore del nuovo stile pittorico italiano è Cimabue (in realtà Cenny di Pepo, c. 1240 - c. 1302). Cimabue era famoso a Firenze come maestro di dipinti d'altare solenni e di icone. Le sue immagini sono caratterizzate da astrazione e carattere statico. E sebbene Cimabue seguisse le tradizioni bizantine nel suo lavoro, nelle sue opere cercò di esprimere sentimenti terreni, ammorbidire la rigidità del canone bizantino.
Piero Cavallini (tra il 1240 e il 1250 - 1330 circa) visse e operò a Roma. È autore dei mosaici della Chiesa di Santa Maria in Trastevere (1291), nonché degli affreschi della Chiesa di Santa Cecilia in Trastevere (1293 circa). Nelle sue opere Cavallini ha dato volume e tangibilità alle forme.
Realizzazioni Cavallini adottato e continuato Giotto di Bondone(1266 o 1267 - 1337), il più grande artista del proto-rinascimento. Il nome di Giotto è associato a una svolta nello sviluppo della pittura italiana, alla sua rottura con i canoni artistici medievali e le tradizioni dell'arte italo-bizantina del XIII secolo. Le opere più famose di Giotto sono i dipinti della Cappella dell'Arena a Padova (1304-06). Gli affreschi si distinguono per la chiarezza, la semplicità narrativa, la presenza di dettagli quotidiani che danno vitalità e naturalezza alle scene rappresentate. Rifiutando il canone ecclesiastico che dominava l'arte dell'epoca, Giotto dipinge i suoi personaggi come simili a persone reali: con corpi proporzionati e tozzi, facce rotonde (anziché allungate), il taglio corretto degli occhi, ecc. I suoi santi non si librano sopra il suolo, ma stanno saldamente su di esso con entrambi i piedi. Pensano più al terreno che al celeste, provando sentimenti ed emozioni completamente umani. Per la prima volta nella storia della pittura italiana, lo stato d'animo degli eroi di un dipinto viene trasmesso dalle espressioni facciali, dai gesti, dalla postura. Al posto del tradizionale fondo dorato, gli affreschi di Giotto raffigurano paesaggi, interni o gruppi scultorei sulle facciate delle basiliche.
Nella seconda metà del XIV sec. viene alla ribalta la pittoresca scuola senese. Il più grande e raffinato maestro della pittura senese del XIV secolo. era Simone Martini (c. 1284-1344). Il pennello di Simone Martini è il primo nella storia dell'arte a raffigurare un preciso evento storico con il ritratto di un contemporaneo. Questa immagine " Condottiero Guidoriccio da Fogliano"nella sala del Mappamondo del Palazzo Pubblico (Siena), che fu il prototipo di numerosi futuri ritratti equestri. La pala d'altare L'Annunciazione di Simone Martini, oggi conservata alla Galleria degli Uffizi di Firenze, gode di meritata fama.
Caratteristiche del Rinascimento. Protorinascimentale
Caratteristiche del Rinascimento
Primo Rinascimento
Nel XV sec. l'arte d'Italia occupava una posizione dominante nella vita artistica d'Europa. A Firenze furono gettate le basi di una cultura umanistica laica (cioè non ecclesiastica), che relegò Siena e Pisa in secondo piano. Il potere politico qui apparteneva a mercanti e artigiani, l'influenza più forte sugli affari cittadini era esercitata da diverse famiglie benestanti, che erano costantemente in competizione tra loro. Questa lotta terminò alla fine del XIV secolo. vittoria della casa bancaria dei Medici. Il suo capo, Cosimo de' Medici, divenne il tacito sovrano di Firenze. Scrittori, poeti, scienziati, architetti, artisti accorrevano alla corte di Cosimo Medici. La cultura rinascimentale di Firenze raggiunse il suo apice sotto Lorenzo de' Medici, soprannominato il Magnifico. Lorenzo fu un grande mecenate delle arti e delle scienze, il creatore dell'Accademia Platonica, dove si riunivano le menti eminenti d'Italia, poeti e filosofi, dove si tenevano raffinati dibattiti che elevavano lo spirito e la mente.
Architettura
Sotto Cosimo e Lorenzo Medici, avvenne una vera rivoluzione nell'architettura di Firenze: qui fu avviata un'ampia costruzione, che cambiò notevolmente il volto della città. L'antenato dell'architettura rinascimentale in Italia era Filippo Brunelleschi(1377-1446) - architetto, scultore e scienziato, uno dei creatori della teoria scientifica della prospettiva. Il più grande risultato ingegneristico del Brunelleschi fu la costruzione della cupola. Cattedrale di Santa Maria del Fiore a Firenze. Grazie al suo genio matematico e tecnico, Brunelleschi riuscì a risolvere il problema più difficile del suo tempo. La principale difficoltà che il maestro dovette affrontare fu causata dalla gigantesca luce della croce mediana (42 m), che richiedeva sforzi particolari per facilitare la diffusione. Brunelleschi risolse il problema applicando un ingegnoso disegno: una leggera cupola cava costituita da due gusci, un sistema di intelaiatura di otto nervature portanti collegate da anelli che le cingono, una lanterna leggera che chiudeva e caricava l'arco. La cupola della Cattedrale di Santa Maria del Fiore divenne il precursore di numerose chiese a cupola in Italia e in altri paesi europei.
Brunelleschi fu uno dei primi nell'architettura d'Italia a comprendere in modo creativo e interpretare originariamente l'antico sistema di ordini ( Ospedale degli Innocenti (Rifugio per trovatelli), 1421-44), segnò l'inizio della creazione di chiese a cupola basate sull'antico ordine ( Chiesa di San Lorenzo ). Un vero gioiello del Primo Rinascimento fu creato da Brunelleschi su commissione di una ricca famiglia fiorentina Cappella Pazzi(iniziato nel 1429). L'umanesimo e la poesia dell'opera di Brunelleschi, la proporzione armoniosa, la leggerezza e l'eleganza dei suoi edifici, il contatto con le tradizioni del gotico, la libertà creativa e la validità scientifica delle sue idee determinarono la grande influenza di Brunelleschi sul successivo sviluppo dell'architettura rinascimentale.
Una delle principali realizzazioni dell'architettura italiana del XV secolo. fu la creazione di una nuova tipologia di palazzi cittadini, il palazzo, che servì da modello per gli edifici pubblici di un'epoca successiva. Caratteristiche del palazzo quattrocentesco sono una netta divisione del volume chiuso dell'edificio in tre piani, un cortile aperto con arcate al piano estivo, l'uso della ruggine (pietra con una superficie frontale approssimativamente smussata o convessa) per il rivestimento della facciata, nonché una cornice decorativa fortemente estesa . Un esempio lampante di questo stile è la costruzione del capitello dello studente di Brunelleschi Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), l'architetto di corte della famiglia Medici, - Palazzo Medici-Riccardi (1444-60), che servì da modello per la costruzione di molti palazzi fiorentini. La creazione di Michelozzo è vicina Palazzo Strozzo(fondata nel 1481), a cui è associato il nome dell'architetto e scultore Benedetto da Maiano (1442-97).
Un posto speciale nella storia dell'architettura italiana è occupato da Leon Battista Alberti(1404-72). Un uomo dotato e ampiamente istruito, fu uno dei più brillanti umanisti del suo tempo. La gamma dei suoi interessi era insolitamente varia. Copreva la morale e il diritto, la matematica, la meccanica, l'economia, la filosofia, la poesia, la musica, la pittura, la scultura, l'architettura. Brillante stilista, l'Alberti ha lasciato numerose opere in latino e in italiano. In Italia e all'estero, Alberti si guadagnò la fama di eccezionale teorico dell'arte. Alla sua penna appartengono i famosi trattati “Dieci libri sull'architettura” (1449-52), “Sulla pittura”, “Sulla statua” (1435-36). Ma l'architettura era la principale vocazione di Alberti. Nel lavoro architettonico, Alberti gravitava verso soluzioni audaci e sperimentali, utilizzando in modo innovativo l'antico patrimonio artistico. Alberti ha creato nuovo tipo palazzo cittadino ( Palazzo Rucellai ). Nell'architettura religiosa, alla ricerca della grandezza e della semplicità, Alberti ha utilizzato motivi di archi e arcate trionfali romani nella progettazione delle facciate ( Chiesa di Sant'Andrea a Mantova, 1472-94). Il nome Alberti è giustamente considerato uno dei primi tra i grandi creatori della cultura del Rinascimento italiano.
Scultura
Nel XV sec. La scultura italiana, che ha acquisito un significato indipendente dall'architettura, è fiorente. Gli ordini per la decorazione di edifici pubblici cominciano a entrare nella pratica della vita artistica; si svolgono concorsi artistici. Uno di questi concorsi - per la realizzazione del bronzo della seconda porta settentrionale del battistero fiorentino (1401) - è considerato un evento significativo che aprì nuova pagina nella storia della scultura rinascimentale italiana. La vittoria fu vinta da Lorenzo Ghiberti (1381-1455).
Una delle persone più colte del suo tempo, il primo storico dell'arte italiana, un brillante disegnatore, Ghiberti dedicò la sua vita a un tipo di scultura: il rilievo. Il principio fondamentale della sua arte Ghiberti considerava l'equilibrio e l'armonia di tutti gli elementi dell'immagine. L'apice del lavoro di Ghiberti fu porte est del battistero di firenze (1425-52), che immortalò il nome del maestro. La decorazione delle porte comprende dieci composizioni quadrate in bronzo dorato (" Creazione di Adamo ed Eva”), con la loro insolita espressività che ricorda i dipinti pittoreschi. L'artista è riuscito a trasmettere la profondità dello spazio, saturo di immagini della natura, figure di persone, strutture architettoniche. Con la mano leggera di Michelangelo iniziarono ad essere chiamate le porte orientali del battistero fiorentino "Porte del Paradiso".
La bottega del Ghiberti divenne scuola per un'intera generazione di artisti, in particolare vi lavorò il famoso Donatello, il grande riformatore della scultura italiana. L'opera di Donatello (c. 1386-1466), che assorbì le tradizioni democratiche della cultura fiorentina del XIV secolo, è uno dei picchi nello sviluppo dell'arte del primo Rinascimento. Incarnava la ricerca di mezzi nuovi e realistici per rappresentare la realtà, caratteristica dell'arte del Rinascimento, molta attenzione all'uomo e al suo mondo spirituale. L'influenza dell'opera di Donatello sullo sviluppo dell'arte rinascimentale italiana fu enorme.
La seconda generazione di scultori fiorentini gravitava verso un'arte più lirica, pacifica, secolare. Il ruolo di primo piano in esso apparteneva alla famiglia degli scultori della Robbia. Il capofamiglia, Lucca della Robbia (1399/1400 - 1482), divenne famoso per l'uso della tecnica dello smalto nella scultura tonda e nel rilievo. La tecnica dello smalto (maiolica), nota fin dall'antichità ai popoli dell'Asia Minore, fu portata nella penisola iberica e nell'isola di Maiorca (da cui il nome) nel Medioevo, per poi diffondersi ampiamente in Italia. Lucca della Robbia realizzò medaglioni con rilievi su fondo blu intenso per edifici e altari, ghirlande di fiori e frutti, busti in maiolica della Madonna, Cristo e santi. L'arte allegra, elegante e gentile di questo maestro ha ricevuto un meritato riconoscimento dai suoi contemporanei. Grande perfezione nella tecnica della maiolica fu raggiunta anche dal nipote Andrea della Robbia (1435-1525) ( rilievi sulla facciata dell'Ospedale degli Innocenti).
Pittura
L'enorme ruolo che Brunelleschi ebbe nell'architettura del primo Rinascimento, e Donatello nella scultura, appartenne a Masaccio (1401-1428) nella pittura. Masaccio morì giovane, prima di raggiungere i 27 anni, eppure riuscì a fare molto nella pittura. Il famoso storico dell'arte Vipper disse: "Masaccio è uno dei geni più indipendenti e coerenti nella storia della pittura europea, il fondatore di un nuovo realismo ..." Continuando la ricerca di Giotto, Masaccio rompe coraggiosamente con le tradizioni artistiche medievali. In affresco "Trinità"(1426-27), realizzato per la chiesa di Santa Maria Novella a Firenze, Masaccio utilizza per la prima volta la prospettiva completa nella pittura murale. Nei murales della Cappella Brancacci della Chiesa di Santa Maria del Carmine a Firenze (1425-28) - la creazione principale della sua breve vita - Masaccio conferisce alle immagini una vitalità senza precedenti, sottolinea la fisicità e la monumentalità dei suoi personaggi, trasmette magistralmente lo stato emotivo della profondità psicologica delle immagini. In Affresco "Cacciata dal Paradiso" l'artista risolve il compito più difficile del suo tempo per rappresentare una figura umana nuda. L'arte aspra e coraggiosa di Masaccio ha avuto un enorme impatto sulla cultura artistica del Rinascimento.
Lo sviluppo della pittura del primo Rinascimento fu ambiguo: gli artisti andarono per conto loro, a volte in modi diversi. L'inizio secolare, il desiderio di una narrazione affascinante, il sentimento lirico terreno trovarono vivida espressione nelle opere di Fra Filippo Lippi (1406-69), monaco dell'ordine carmelitano. Maestro affascinante, autore di molti composizioni d'altare, tra i quali l'immagine è considerata la migliore « Adorazione del Bambino » realizzato per la cappella di Palazzo Medici-Riccardi, Filippo Lippi è riuscito a trasmettere in loro calore umano e amore poetico per la natura.
A metà del XV sec. la pittura dell'Italia centrale conobbe una rapida fioritura, un ottimo esempio cui la creatività può servire Piero della Francesca(1420-92), il più grande artista e teorico dell'arte del Rinascimento. La più notevole creazione di Piero della Francesca - ciclo di affreschi nella chiesa di San Francesco ad Arezzo, che si basano sulla leggenda dell'albero vivificante della croce. Gli affreschi a tre livelli ripercorrono la storia croce vivificante fin dall'inizio, quando l'albero sacro cresce dal seme dell'albero del paradiso della conoscenza del bene e del male sulla tomba di Adamo ("Morte di Adamo") fino alla fine, quando l'imperatore bizantino Eraclio restituisce solennemente la reliquia cristiana a Gerusalemme (« Battaglia tra Eraclio e Cosroe » ). L'opera di Piero della Francesca va oltre le scuole pittoriche locali e determina lo sviluppo dell'arte italiana in generale.
Nella seconda metà del XV secolo, molti valenti artigiani lavorarono nel nord Italia nelle città di Verona, Ferrara e Venezia. Tra i pittori di questo periodo, il più famoso è Andrea Mantegna (1431-1506), maestro della pittura da cavalletto e monumentale, disegnatore e incisore, scultore e architetto. Il modo pittorico dell'artista si distingue per l'inseguimento di forme e disegni, il rigore e la veridicità delle immagini generalizzate. Grazie alla profondità spaziale e alla natura scultorea delle figure, Mantegna ottiene l'impressione di una scena reale congelata per un momento: i suoi personaggi sembrano così voluminosi e naturali. La maggior parte della sua vita Mantegna visse a Mantova, dove creò la sua opera più famosa - murale "Camera degli Sposi" nel castello campestre dei Marchesi L. Gonzaga. Con la sola pittura, ha creato qui un lussuoso interno rinascimentale, un luogo per ricevimenti e feste cerimoniali. L'arte del Mantegna, che godette di grande fama, influenzò l'intera pittura dell'Italia settentrionale.
Appartiene a un posto speciale nella pittura del primo Rinascimento Sandro Botticelli(in realtà Alessandro di Mariano Filipepi), che nacque nel 1445 a Firenze nella famiglia di un ricco conciatore di pelli. Nel 1459-64. il giovane studia pittura con il famoso maestro fiorentino Filippo Lippi. Nel 1470 aprì la propria bottega a Firenze e nel 1472 entrò a far parte dell'Arte di San Luca.
La prima creazione di Botticelli fu la composizione "Forza", che eseguì per la corte mercantile di Firenze. Il giovane artista guadagnò rapidamente la fiducia dei clienti e guadagnò fama, che attirò l'attenzione di Lorenzo il Magnifico, il nuovo sovrano di Firenze, che divenne il suo maestro di corte e favorito. Botticelli eseguì la maggior parte dei suoi dipinti per le case del duca e di altre famiglie nobili fiorentine, nonché per chiese, monasteri ed edifici pubblici fiorentini.
Seconda metà degli anni Settanta e Ottanta del Quattrocento divenne per Botticelli un periodo di fioritura creativa. Per la facciata principale della chiesa di Santa Maria Novella scrive la composizione " Adorazione dei Magi"- una specie di mitizzato ritratto di gruppo la famiglia Medici. Pochi anni dopo, l'artista crea la sua famosa allegoria mitologica "Primavera".
Nel 1481 papa Sisto IV ordinò a un gruppo di pittori, tra cui Botticelli, di decorare la sua cappella con affreschi, che in seguito ricevettero il nome di "Sistina". Affreschi della Cappella Sistina di Botticelli Tentazione di Cristo », « Scene della vita di Mosè », « Punizione di Corea, Dathan e Aviron". Negli anni successivi Botticelli completò una serie di 4 affreschi basati su racconti del Decamerone di Boccaccio, creò le sue opere mitologiche più famose ("La nascita di Venere", " Pallade e Centauro”), oltre a numerose composizioni d'altare per le chiese fiorentine (“ Incoronazione della Vergine Maria », « Altare di San Barnaba"). Molte volte si è rivolto all'immagine della Madonna (" Madonna del Magnificat », « Madonna con melograno », « Madonna con un libro”), ha lavorato anche nel genere dei ritratti (“ Ritratto di Giuliano Medici”, “Ritratto di giovane donna”, “Ritratto di giovane uomo”).
Negli anni Novanta del Quattrocento, durante il periodo dei moti sociali che sconvolsero Firenze e le prediche mistiche del monaco Savonarola, nell'arte di Botticelli compaiono note moralistiche e drammatiche (“La calunnia”, “ Compianto per Cristo », « natale mistico"). Sotto l'influsso del Savonarola, in un impeto di esaltazione religiosa, l'artista distrusse addirittura alcune sue opere. A metà degli anni Novanta, con la morte di Lorenzo il Magnifico e la cacciata del figlio Pietro da Firenze, Botticelli perse la sua fama di grande artista. Dimenticato, vive tranquillamente la sua vita nella casa del fratello Simone. Nel 1510 l'artista morì.
La raffinata arte di Botticelli con elementi di stilizzazione (ovvero generalizzazione delle immagini utilizzando tecniche convenzionali - semplificazione di colore, forma e volume) è considerata uno degli apici dello sviluppo della pittura. L'arte di Botticelli, a differenza della maggior parte dei maestri del primo Rinascimento, era basata sull'esperienza personale. Eccezionalmente sensibile e sincero, Botticelli ha attraversato un difficile e tragico percorso di ricerca creativa - dalla percezione poetica del mondo nella sua giovinezza al misticismo e all'esaltazione religiosa nell'età adulta.
RISVEGLIO ANTICIPATO
RISVEGLIO ANTICIPATO
Alto Rinascimento
L'Alto Rinascimento, che ha dato all'umanità grandi maestri come Leonardo Da Vinci, Raffaello, Michelangelo, Giorgione, Tiziano, Bramante, copre un periodo di tempo relativamente breve - la fine del XV e il primo terzo del XVI secolo. Solo a Venezia il fiorire dell'arte continuò fino alla metà del sec.
Cambiamenti fondamentali associati agli eventi decisivi nella storia del mondo, ai successi del pensiero scientifico avanzato, all'infinito ampliamento delle idee delle persone sul mondo, non solo sulla terra, ma anche sullo spazio. percezione del mondo e personalità umana come se ingrandito; nella creatività artistica, ciò si rifletteva non solo nella maestosa scala di strutture architettoniche, monumenti, solenni cicli di affreschi e dipinti, ma anche nel loro contenuto, espressività delle immagini. L'arte dell'Alto Rinascimento è un processo artistico vivace e complesso con abbaglianti risvegli luminosi e conseguenti crisi.
Donato Bramante.
Roma divenne il centro dell'architettura dell'Alto Rinascimento, dove si formò un unico stile classico sulla base di precedenti scoperte e successi. I maestri hanno utilizzato in modo creativo l'antico sistema di ordini, creando strutture la cui maestosa monumentalità era in sintonia con l'epoca. Donato Bramante (1444-1514) divenne il più grande rappresentante dell'architettura dell'Alto Rinascimento. Gli edifici del Bramante si distinguono per monumentalità e imponenza, perfezione armoniosa delle proporzioni, integrità e chiarezza delle soluzioni compositive e spaziali e uso libero e creativo delle forme classiche. il più alto realizzazione creativa Bramante è una ricostruzione del Vaticano (l'architetto ha effettivamente creato un nuovo edificio, includendovi organicamente vecchi edifici sparsi). Bramante è anche autore del progetto della Cattedrale di San Pietro a Roma. Con la sua opera Bramante determinò lo sviluppo dell'architettura nel XVI secolo.
Leonardo Da Vinci.
Nella storia dell'umanità non è facile trovare un'altra persona così brillante come il fondatore dell'arte dell'Alto Rinascimento. Leonardo Da Vinci(1452-1519). La natura globale delle attività di questo grande artista, scultore, architetto, scienziato e ingegnere divenne chiara solo quando furono esaminati i manoscritti sparsi del suo lascito, che contavano oltre settemila fogli contenenti progetti scientifici e architettonici, invenzioni e schizzi. È difficile nominare l'area di conoscenza che il suo genio non avrebbe toccato. L'universalismo di Leonardo è così incomprensibile che il famoso biografo delle figure rinascimentali, Giorgio Vasari, non potrebbe spiegare questo fenomeno se non con l'intervento del cielo: "Qualunque cosa quest'uomo si rivolga, ogni sua azione porta il timbro della divinità".
Nel suo famoso "Trattato della pittura" (1498) e in altri appunti, Leonardo prestò grande attenzione allo studio del corpo umano, alle informazioni sull'anatomia, alle proporzioni, al rapporto tra movimenti, espressioni facciali e stato emotivo di una persona. Leonardo si occupò anche dei problemi del chiaroscuro, del modellato volumetrico, della prospettiva lineare e aerea. Leonardo ha reso omaggio non solo alla teoria dell'arte. Ha creato una serie di magnifiche pale d'altare e ritratti. Il pennello di Leonardo appartiene a una delle opere più famose della pittura mondiale: "Mona Lisa" ("La Gioconda"). Leonardo ha creato immagini scultoree monumentali, strutture architettoniche progettate e costruite. Leonardo rimane ancora oggi una delle personalità più carismatiche del Rinascimento. A lui è dedicato un numero enorme di libri, la sua vita è studiata nel modo più dettagliato. E, tuttavia, gran parte del suo lavoro rimane un mistero e continua ad eccitare le menti delle persone.
Raffaele Santi.
Anche l'arte di Raffaello Santi (1483-1520) appartiene ai vertici del Rinascimento italiano. L'idea di sublime bellezza e armonia è associata all'opera di Raffaello nella storia dell'arte mondiale. È generalmente accettato che nella costellazione di brillanti maestri dell'Alto Rinascimento, Raffaello fosse il principale portatore di armonia. L'implacabile ricerca di un inizio luminoso e perfetto permea tutto il lavoro di Raffaello, costituisce il suo significato interiore. Il suo lavoro è straordinariamente attraente nella sua naturale eleganza (" Madonna Sistina"). Forse è per questo che il maestro ha guadagnato una così straordinaria popolarità presso il pubblico e ha avuto sempre molti seguaci tra gli artisti. Raffaello non era solo uno straordinario pittore, ritrattista, ma anche un muralista che lavorava nella tecnica dell'affresco, un architetto e un decoratore. Tutti questi talenti si manifestarono con particolare forza nei suoi dipinti degli appartamenti di Papa Giulio II in Vaticano ("Scuola di Atene"). Nell'art geniale artistaè nata una nuova immagine di un uomo rinascimentale: bello, armonioso, perfetto fisicamente e spiritualmente.
Michelangelo Buonarroti.
Contemporaneo Leonardo Da Vinci e Rafael era il loro eterno rivale - Michelangelo Buonarroti, il più grande maestro dell'Alto Rinascimento: scultore, pittore, architetto e poeta. Mio modo creativo questo titano del rinascimento iniziò con la scultura. Le sue colossali statue sono diventate il simbolo di un uomo nuovo: un eroe e un combattente ("David"). Il maestro ha eretto molte strutture architettoniche e scultoree, la più famosa delle quali è la Cappella Medici a Firenze. Lo splendore di queste opere è costruito sulla colossale tensione dei sentimenti dei personaggi ( Sarcofago di Giuliano de' Medici). Ma particolarmente famosi sono i dipinti di Michelangelo in Vaticano, nella Cappella Sistina, in cui si dimostrò un brillante pittore. Forse nessuno nel mondo dell'arte, né prima né dopo Michelangelo, ha creato personaggi così forti nel corpo e nello spirito (“ Creazione di Adamo"). L'enorme e incredibilmente complesso affresco sul soffitto è stato realizzato dal solo artista, senza assistenti; fino ad oggi rimane un'opera monumentale insuperata della pittura italiana. Ma oltre agli affreschi del soffitto della Cappella Sistina, il maestro, già in età avanzata, creò il "Giudizio Universale" ferocemente ispiratore, un simbolo del crollo degli ideali della sua grande epoca.
Michelangelo ha lavorato molto e fruttuosamente in architettura, in particolare ha supervisionato la costruzione della Cattedrale di San Pietro e dell'ensemble Piazza del Campidoglio A Roma. L'opera del grande Michelangelo costituì un'intera epoca ed era molto in anticipo sui tempi, svolse un ruolo colossale nell'arte mondiale, in particolare influenzò la formazione dei principi del barocco.
Giorgione e Tiziano.
Nella storia dell'arte dell'Alto Rinascimento, Venezia è entrata in una pagina luminosa, dove la pittura è al suo apice. Giorgione è considerato il primo maestro del Rinascimento a Venezia. La sua arte è molto speciale. In esso regna lo spirito di chiara armonia e una speciale contemplazione intima e fantasticheria. Scriveva spesso deliziose bellezze, vere dee. Di solito questa è una finzione poetica: l'incarnazione di un sogno irrealizzabile, l'ammirazione per un sentimento romantico e una bella donna. Nei suoi dipinti c'è un accenno di passione sensuale, dolce piacere, felicità ultraterrena. Con l'arte del Giorgione la pittura veneziana acquista un significato tutto italiano, affermando le sue caratteristiche artistiche.
Tiziano dentro passò alla storia dell'arte italiana come titano e capostipite della scuola veneziana, come simbolo del suo massimo splendore. Nel lavoro di questo artista, il respiro di una nuova era si è manifestato con una forza speciale: burrascoso, tragico, sensuale. L'opera di Tiziano si distingue per una copertura eccezionalmente ampia e versatile di tipi e generi di pittura. Tiziano è stato uno dei fondatori della monumentale pittura d'altare, paesaggio come genere indipendente, vari tipi di ritratto, anche solenne-cerimoniale. Nel suo lavoro immagini perfette fianco a fianco con personaggi luminosi, tragici conflitti - con scene di gioia giubilante, composizioni religiose - con dipinti mitologici e storici.
Tiziano sviluppò una nuova tecnica pittorica che ebbe un'eccezionale influenza sull'ulteriore sviluppo delle belle arti mondiali, fino al XX secolo. Tiziano appartiene ai più grandi coloristi della pittura mondiale. I suoi dipinti risplendono d'oro e di una complessa gamma di vibranti toni luminosi di colore. Tiziano, vissuto per quasi un secolo, è sopravvissuto al crollo degli ideali rinascimentali, l'opera del maestro appartiene per metà al tardo Rinascimento. Il suo eroe, che entra nella lotta contro le forze ostili, muore, ma conserva la sua grandezza. L'influenza della grande bottega di Tiziano influenzò tutta l'arte veneziana.
ALTO RISVEGLIO
ALTO RISVEGLIO
Tardo Rinascimento
Nella seconda metà del XVI sec. in Italia cresceva il declino dell'economia e del commercio, il cattolicesimo entrava in lotta con la cultura umanistica, l'arte era in profonda crisi. Ha rafforzato le tendenze antirinascimentali, incarnate nel manierismo. Tuttavia, il Manierismo quasi non influenzò Venezia, che nella seconda metà del XVI secolo divenne il centro principale dell'arte del tardo Rinascimento. In linea con l'alta tradizione umanistica rinascimentale, nelle nuove condizioni storiche di Venezia, si sviluppò l'opera dei grandi maestri del tardo Rinascimento, arricchita di nuove forme: Palladio, Veronese, Tintoretto.
Andrea Palladio
L'opera dell'architetto italiano settentrionale Andrea Palladio (1508-80), basata su uno studio approfondito dell'architettura antica e rinascimentale, è uno dei vertici dell'arte del tardo Rinascimento. Palladio sviluppò i principi dell'architettura, che furono sviluppati nell'architettura del classicismo europeo dei secoli XVII-XVIII. e ricevette il nome di Palladianesimo. L'architetto ha delineato le sue idee nell'opera teorica Four Books on Architecture (1570). Gli edifici del Palladio (principalmente palazzi e ville urbane) sono pieni di aggraziata bellezza e naturalezza, completezza armoniosa e rigoroso ordine, si distinguono per chiarezza e opportunità di pianificazione e connessione organica con l'ambiente ( Palazzo Chiericati). La capacità di armonizzare l'architettura con il paesaggio circostante si manifestò con particolare forza nelle ville palladiane, intrise di un senso elegiaco e illuminato della natura e segnate da classica chiarezza e semplicità di forme e composizione ( Villa Capra (Rotonda)). Palladio creò il primo edificio teatrale monumentale in Italia, il Teatro Olimpico. L'influenza del Palladio sullo sviluppo dell'architettura nei secoli successivi fu enorme.
Veronese e Tintoretto..
La natura festosa e affermativa della vita del Rinascimento veneziano si è manifestata più chiaramente nell'opera di Paolo Veronese. Artista monumentale, ha creato magnifici complessi decorativi di pitture murali e sul soffitto con molti personaggi e dettagli divertenti. Veronese ha creato proprio stile: i suoi dipinti spettacolari e spettacolari sono pieni di emozioni, passione e vita, e gli eroi, la nobiltà veneziana, si trovano solitamente in palazzi patrizi o sullo sfondo di una natura lussureggiante. Sono portati via da feste grandiose o feste incantevoli ("Nozze di Cana"). Veronese fu il maestro dell'allegra Venezia, dei suoi trionfi, il poeta del suo splendore dorato. Veronese aveva un dono eccezionale come colorista. I suoi colori sono permeati di luce, intensi e non si limitano a dotare di colore gli oggetti, ma si trasformano essi stessi in oggetto, trasformandosi in nuvole, tessuto, corpo umano. Per questo motivo, la vera bellezza di figure e oggetti viene moltiplicata dalla bellezza del colore e della trama, che produce un forte impatto emotivo sullo spettatore.
L'esatto contrario di Veronese era il suo contemporaneo Tintoretto (1518-94), l'ultimo grande maestro del Rinascimento italiano. L'abbondanza di influenze artistiche esterne si è dissolta nell'individualità creativa unica di Tintoretto. Nella sua opera fu una figura gigantesca, artefice di temperamento vulcanico, passioni violente e intensità eroica. Il suo lavoro è stato un enorme successo sia tra i contemporanei che tra le generazioni successive. Tintoretto si distingueva per una capacità di lavoro davvero disumana, ricerca instancabile. Ha sentito la tragedia del suo tempo in modo più acuto e profondo della maggior parte dei suoi contemporanei. Il maestro si ribellò alle tradizioni consolidate nelle arti visive: l'osservanza della simmetria, il rigoroso equilibrio, la staticità; ha ampliato i confini dello spazio, lo ha saturato di dinamiche, azioni drammatiche, ha iniziato a esprimere i sentimenti umani in modo più vivido. 1590 . L'arte del manierismo parte dagli ideali rinascimentali della percezione armoniosa del mondo. L'uomo è in balia di forze soprannaturali. Il mondo appare instabile, traballante, in uno stato di degrado. Le immagini manieriste sono piene di ansia, irrequietezza, tensione. L'artista si allontana dalla natura, si sforza di superarla, seguendo nel suo lavoro il soggettivo " idea interiore”, la cui base non è il mondo reale, ma l'immaginazione creativa; il mezzo di esecuzione è la "bella maniera" come somma di certe tecniche. Tra questi ci sono l'allungamento arbitrario delle figure, il complesso ritmo serpentino, l'irrealtà dello spazio e della luce fantastici, e talvolta i colori freddi e penetranti.
Jacopo Pontormo (1494-1556) fu il più grande e dotato maestro del manierismo, pittore dal complesso destino creativo. Nel suo famoso dipinto Discesa dalla Croce» la composizione è instabile, le figure sono pretenziosamente spezzate, i colori chiari sono nitidi. Francesco Mazzola, soprannominato il Parmigianino (1503-40) amava impressionare lo spettatore: ad esempio scrisse il suo " Autoritratto in uno specchio convesso". La deliberata deliberatezza contraddistingue il suo famoso dipinto " Madonna dal collo lungo ».
Il pittore di corte dei Medici Agnolo Bronzino (1503-72) è noto per i suoi ritratti cerimoniali. Riecheggiavano l'era delle sanguinose atrocità e del declino morale che attanagliava i circoli più alti della società italiana. I nobili clienti del Bronzino sono, per così dire, separati dallo spettatore da una distanza invisibile; la rigidità delle loro pose, l'impassibilità dei loro volti, la ricchezza dei loro vestiti, i gesti delle loro belle mani anteriori: tutto questo è come un guscio esterno che nasconde una vita interiore imperfetta. Nel ritratto di Eleonora di Toledo con suo figlio (1545 circa), l'inaccessibilità dell'immagine fredda e distaccata è rafforzata dal fatto che l'attenzione dello spettatore è completamente assorbita dal motivo piatto e ampio dei magnifici abiti di broccato della duchessa. Il tipo di ritratto di corte creato dai manieristi influenzò l'arte del ritratto dei secoli XVI-XVII. in molti altri paesi europei.
L'arte del manierismo era transitoria: il Rinascimento stava svanendo nel passato, era giunto il momento per un nuovo paneuropeo stile artistico- barocco.
Arte del Rinascimento settentrionale.
I paesi del Nord Europa non avevano il loro passato antico, ma nella loro storia spicca il periodo rinascimentale: dalla svoltaXV – XVIper la seconda metàXVIIsecolo. Questa volta si distingue per la penetrazione degli ideali rinascimentali in vari ambiti della cultura e per il graduale cambiamento del suo stile. Come nella culla del Rinascimento, nell'arte del Rinascimento settentrionale, l'interesse per mondo reale cambiato la forma dell'arte. Tuttavia, l'arte dei paesi del nord non era caratterizzata dal pathos della pittura italiana, glorificando il potere dell'uomo-titano. I borghesi (i cosiddetti ricchi cittadini) apprezzavano di più l'integrità, la fedeltà al dovere e alla parola, la santità del voto coniugale e il focolare. Nei circoli borghesi si stava sviluppando il proprio ideale di persona: un uomo chiaro, sobrio, pio e professionale. L'arte dei borghesi poeticizza la persona media ordinaria e il suo mondo: il mondo della vita quotidiana e delle cose semplici.
Maestri del Rinascimento nei Paesi Bassi.
Le nuove caratteristiche dell'arte rinascimentale apparvero principalmente nei Paesi Bassi, che era uno dei paesi più ricchi e industrializzati d'Europa. A causa delle sue estese connessioni internazionali, i Paesi Bassi hanno adottato nuove scoperte molto più velocemente di altri paesi nordici.
Lo stile rinascimentale nei Paesi Bassi è stato aperto Jan Van Eyck(1390-1441). La sua opera più famosa è Pala d'altare di Gand, su cui l'artista ha iniziato a lavorare con suo fratello, e ha continuato a lavorare dopo la sua morte in proprio per altri 6 anni. L'altare di Gand, realizzato per la cattedrale della città, è una piega a due livelli, su 12 tavole delle quali sono raffigurate immagini di vita quotidiana, quotidiana (sulle tavole esterne, che erano visibili quando la piega era chiusa) e festosa, giubilante, trasfigurata vita (sulle porte interne, che apparivano aperte durante feste in chiesa). Questo è un monumento d'arte, che glorifica la bellezza della vita terrena. Il sentimento emotivo di Van Eyck - "il mondo è come un paradiso", ogni particella del quale è bella - è espresso in modo chiaro e chiaro. L'artista ha fatto affidamento su molte osservazioni della natura. Tutte le figure e gli oggetti hanno volume e peso tridimensionali. I fratelli Van Eyck furono tra i primi a scoprire le possibilità della pittura a olio; da questo momento inizia il graduale spostamento della tempera da essa.
Nella seconda metà di Xvsecolo, pieno di conflitti politici e religiosi, nell'arte dei Paesi Bassi spicca un'arte complessa e peculiare Hieronymus Bosch(1450?-1516). Questo è un artista molto curioso con un'immaginazione straordinaria. Viveva nel suo mondo terribile. Nei dipinti di Bosch c'è una condensazione di rappresentazioni folcloristiche medievali, montaggi grotteschi del vivente e del meccanico, del terribile e del comico. Nelle sue composizioni, che non avevano un centro, non c'è un personaggio principale. Lo spazio in più strati è riempito da numerosi gruppi di figure e oggetti: rettili mostruosamente esagerati, rospi, ragni, creature terribili in cui si combinano parti di diverse creature e oggetti. Lo scopo delle composizioni di Bosch è l'edificazione morale. Bosch non trova armonia e perfezione nella natura, le sue immagini demoniache ricordano la vitalità e l'onnipresenza del male mondiale, il ciclo della vita e della morte.
L'uomo nei dipinti di Bosch è patetico e debole. Quindi, nel trittico Trasporto di fieno» l'artista svela la storia dell'umanità. L'ala sinistra racconta la storia della caduta di Adamo ed Eva, quella destra raffigura l'Inferno e tutti gli orrori che qui attendono i peccatori. La parte centrale dell'immagine illustra il proverbio popolare "Il mondo è un pagliaio, ognuno ne prende quello che riesce ad afferrare". Bosch mostra come le persone combattono per un pezzo di fieno, muoiono sotto le ruote di un carro, cercano di arrampicarsi su di esso. In cima al carro, rinunciando al mondo, gli amanti cantano e si baciano. Da un lato c'è un angelo e dall'altro il diavolo: chi vincerà? Creature raccapriccianti trascinano il carro negli inferi. Dietro tutte le azioni delle persone, Dio guarda perplesso. L'immagine è intrisa di uno stato d'animo ancora più cupo " Portare la Croce”: Cristo porta la sua pesante croce, circondato da persone disgustose con occhi sporgenti e bocche spalancate. Per loro il Signore si sacrifica, ma la sua morte in croce li lascerà indifferenti.
Bosch era già morto quando nacque un altro famoso artista olandese: Pieter Brueghel il Vecchio(1525-1569), soprannominato Muzhitsky per molti dipinti raffiguranti la vita dei contadini. Brueghel ha preso i proverbi popolari e le preoccupazioni quotidiane della gente comune come base per molte trame. La completezza delle immagini dei dipinti" matrimonio contadino" E " danza contadina"porta il potere degli elementi del popolo. Anche i dipinti di Brueghel su scene bibliche sono abitati dai Paesi Bassi e gli eventi della lontana Giudea si svolgono sullo sfondo di strade innevate sotto il suo cielo tenue. Paese d'origine (« Sermone di Giovanni Battista"). Mostrando apparentemente poco importante, minore, l'artista parla della cosa principale nella vita delle persone, ricrea lo spirito del suo tempo.
Una piccola tela Cacciatori nella neve" (Gennaio) della serie "Le stagioni" è considerato uno dei capolavori insuperabili della pittura mondiale. I cacciatori stanchi con i cani tornano a casa. Insieme a loro, lo spettatore entra nella collina, da cui si apre il panorama di un piccolo paese. Rive del fiume innevate, alberi spinosi congelati nell'aria limpida e gelida, gli uccelli volano, si siedono sui rami degli alberi e sui tetti delle case, le persone sono impegnate nelle loro attività quotidiane. Tutte queste apparentemente sciocchezze, insieme all'azzurro del cielo, agli alberi neri, al bianco della neve, creano nell'immagine un panorama del mondo che l'artista ama appassionatamente.
Il dipinto più tragico di Brueghel Parabola dei ciechi"Scritto dall'artista poco prima della sua morte. Lei illustra racconto evangelico"Se i ciechi guidano i ciechi, cadranno entrambi nella fossa." Forse questa è un'immagine dell'umanità, accecata dai suoi desideri, che si avvia verso la sua morte. Tuttavia, Brueghel non giudica, ma, comprendendo le leggi del rapporto delle persone tra loro, con ambiente, penetrando nell'essenza della natura umana, rivela alle persone stesse, il loro posto nel mondo.
Pittura in Germania durante il Rinascimento.
Le caratteristiche del Rinascimento nell'arte della Germania compaiono più tardi che nei Paesi Bassi. Il periodo di massimo splendore dell'umanesimo tedesco, delle scienze secolari e della cultura cade nei primi anniXVIv. Fu un breve periodo durante il quale la cultura tedesca diede al mondo i più alti valori artistici. Prima di tutto, dovrebbero includere opere Albrecht Durer(1471-1528) - l'artista più importante del Rinascimento tedesco.
Durer è un tipico rappresentante del Rinascimento, fu pittore, incisore, matematico e ingegnere, scrisse trattati di fortificazione e teoria dell'arte. SU autoritratti appare intelligente, nobile, concentrato, pieno di profonde riflessioni filosofiche. Nei dipinti, Dürer non si accontenta della bellezza formale, ma cerca di dare un'espressione simbolica di pensieri astratti.
Un posto speciale nell'eredità creativa di Dürer appartiene alla serie Apocalypse, che comprende 15 grandi xilografie. Dürer illustra le predizioni della "Rivelazione di Giovanni il Teologo", ad esempio il foglio " quattro cavalieri"simboleggia terribili disastri: guerra, pestilenza, carestia, giudizio ingiusto. Il presagio di cambiamento, dure prove e disastri, espresso nelle incisioni, si rivelò profetico (presto iniziarono la Riforma e le guerre contadine e di religione che ne seguirono).
Un altro grande artista di quel tempo era Lucas Cranach il Vecchio(1472-1553). L'Hermitage ospita i suoi dipinti Madonna col Bambino sotto il melo" E " Ritratto femminile". In essi vediamo il volto di una donna, catturato in molti dipinti del maestro (si chiama anche "Cranach"): un piccolo mento, una stretta fessura degli occhi, capelli dorati. L'artista scrive con cura gioielli e vestiti, i suoi dipinti sono una festa per gli occhi. La purezza e l'ingenuità delle immagini ti fanno ancora una volta sbirciare in questi dipinti. Cranach è stato un meraviglioso ritrattista, ha creato immagini di molti famosi contemporanei: Martin Lutero (che era suo amico), il duca Enrico di Sassonia e molti altri.
Ma il ritrattista più famoso del Rinascimento settentrionale può essere senza dubbio riconosciuto come un altro pittore tedesco. Hans Holbein il Giovane (1497-1543). Per molto tempo era il pittore di corte del re inglese EnricoVIII. Nel suo ritratto, Holbein trasmette perfettamente la natura imperiosa del re, che non ha familiarità con il dubbio. Piccoli occhi intelligenti su un viso carnoso tradiscono in lui un tiranno. Ritratto di Enrico VIII era così affidabile che spaventava le persone che conoscevano il re. Holbein dipinse ritratti di molti personaggi famosi dell'epoca, in particolare lo statista e scrittore Thomas More, il filosofo Erasmo da Rotterdam e molti altri.
Lo sviluppo della cultura rinascimentale in Germania, nei Paesi Bassi e in alcuni altri paesi europei fu interrotto dalla Riforma e dalle guerre di religione che ne seguirono. Successivamente, è arrivato il momento della formazione di nuovi principi nell'arte, che sono entrati nella fase successiva del suo sviluppo.
Sergej Khromov
Sebbene nessuna città ideale sia stata incarnata nella pietra, le loro idee hanno trovato vita città reali Rinascimento...
Cinque secoli ci separano dal periodo in cui gli architetti affrontarono per la prima volta i temi della ricostruzione della città. E queste stesse domande sono acute per noi oggi: come creare nuove città? Come ricostruire quelli vecchi - per adattarli a gruppi separati o demolire e ricostruire tutto? E, soprattutto, quale idea posare in una nuova città?
I maestri del Rinascimento incarnavano quelle idee che avevano già risuonato nella cultura e nella filosofia antiche: le idee dell'umanesimo, l'armonia della natura e dell'uomo. Le persone si rivolgono di nuovo al sogno di Platone di uno stato ideale e di una città ideale. La nuova immagine della città nasce anzitutto come immagine, come formula, come idea, che è un'audace rivendicazione di futuro - come tante altre invenzioni del Quattrocento italiano.
La costruzione della teoria della città era strettamente connessa con lo studio del patrimonio dell'antichità e, soprattutto, l'intero trattato "Dieci libri sull'architettura" di Marco Vitruvio (seconda metà del I secolo a.C.), architetto e ingegnere nell'esercito di Giulio Cesare. Questo trattato fu scoperto nel 1427 in una delle abbazie. L'autorità di Vitruvio fu sottolineata da Alberti, Palladio, Vasari. Il più grande conoscitore di Vitruvio fu Daniele Barbaro, che nel 1565 pubblicò il suo trattato con i suoi commenti. In un'opera dedicata all'imperatore Augusto, Vitruvio riassunse l'esperienza dell'architettura e dell'urbanistica in Grecia ea Roma. Considerava il già domande classiche selezione di un'area favorevole alla fondazione della città, collocazione delle principali piazze e strade cittadine, tipologia degli edifici. Da un punto di vista estetico, Vitruvio consigliava l'adesione all'ordinamento (seguendo gli ordini architettonici), una pianificazione ragionevole, osservando l'uniformità del ritmo e dell'ordine, la simmetria e la proporzionalità, la conformità della forma allo scopo e la distribuzione delle risorse. |
Nell'urbanistica del Rinascimento, teoria e pratica si sviluppano parallelamente. Si costruiscono nuovi edifici e si ricostruiscono quelli vecchi, si formano insiemi architettonici e contemporaneamente si scrivono trattati, dedicata all'architettura, pianificazione e fortificazione delle città. Tra questi ci sono le famose opere di Alberti e Palladio, schemi città ideali Filarete, Scamozzi e altri. L'idea degli autori è molto più avanti delle esigenze della costruzione pratica: non descrivono progetti già pronti che possono essere utilizzati per pianificare una città specifica, ma un'idea rappresentata graficamente, il concetto di città. Si ragiona sull'ubicazione della città dal punto di vista economico, igienico, difensivo, estetico. Sono in corso ricerche per planimetrie ottimali di aree residenziali e centri urbani, giardini e parchi. Vengono studiate questioni di composizione, armonia, bellezza, proporzione. In queste costruzioni ideali, la pianificazione della città è caratterizzata da razionalismo, chiarezza geometrica, composizione centrica e armonia tra il tutto e le parti. E, infine, ciò che distingue l'architettura del Rinascimento dalle altre epoche è la persona che sta al centro, al centro di tutte queste costruzioni. L'attenzione alla personalità umana era così grande che anche le strutture architettoniche erano paragonate corpo umano come standard di perfette proporzioni e bellezza.
Teoria
Negli anni '50 del XV sec. Appare il trattato "Dieci libri sull'architettura" di Leon Alberti. Era, in sostanza, il primo lavoro teorico della nuova era su questo argomento. Si occupa di molte questioni di pianificazione urbana, che vanno dalla selezione del sito e dall'urbanistica alla tipologia e all'arredamento degli edifici. Di particolare interesse sono i suoi argomenti sulla bellezza. Alberti scriveva che "la bellezza è un'armonia strettamente proporzionata di tutte le parti, unite da ciò a cui appartengono - tale che nulla può essere aggiunto, sottratto o cambiato senza peggiorarlo". L'Alberti, infatti, fu il primo a proclamare i principi fondamentali dell'insieme urbano rinascimentale, legando l'antico senso delle proporzioni con l'inizio razionalista di una nuova era. Il dato rapporto tra l'altezza dell'edificio e lo spazio ad esso antistante (da 1:3 a 1:6), la coerenza delle scale architettoniche degli edifici principali e secondari, l'equilibrio della composizione e l'assenza di contrasti dissonanti: questi sono i principi estetici degli urbanisti rinascimentali.
La città ideale ha entusiasmato molti grandi personaggi dell'epoca. Ho pensato a lui e a Leonardo da Vinci. La sua idea era quella di creare una città a due livelli: il livello superiore era destinato a strade pedonali e di superficie, e quello inferiore a gallerie e canali collegati con i sotterranei delle case, attraverso i quali si muove il trasporto merci. Noto per i suoi piani per la ricostruzione di Milano e Firenze, nonché per il progetto di una città del fuso.
Un altro importante teorico della città fu Andrea Palladio. Nel suo trattato "Quattro libri sull'architettura" riflette sull'integrità dell'organismo urbano e sul rapporto dei suoi elementi spaziali. Dice che "la città non è altro che un certo grande casa, e viceversa, la casa è una specie di cittadina. A proposito dell'insieme urbano, scrive: “La bellezza è il risultato di bella forma e la corrispondenza del tutto alle parti, delle parti tra loro, e anche delle parti al tutto. Un posto di rilievo nel trattato è dato all'interno degli edifici, alle loro dimensioni e proporzioni. Palladio sta cercando di collegare organicamente lo spazio esterno delle strade con l'interno delle case e dei cortili.
Verso la fine del XVI secolo. molti teorici sono stati attratti dalle questioni dello spazio commerciale e delle fortificazioni. Così, Giorgio Vasari Jr. nella sua città ideale presta molta attenzione allo sviluppo di piazze, gallerie commerciali, logge, palazzi. E nei progetti di Vincenzo Scamozzi e Buanayuto Lorrini, i temi dell'arte della fortificazione occupano un posto significativo. Questa fu una risposta all'ordine del tempo: con l'invenzione di proiettili esplosivi, le mura e le torri della fortezza furono sostituite da bastioni di terra, portati fuori dai confini della città, e la città iniziò ad assomigliare a una stella a più raggi nei suoi contorni . Queste idee furono incarnate nella fortezza di Palmanova effettivamente costruita, la cui creazione è attribuita a Scamozzi.
Pratica
Sebbene non una sola città ideale fosse incarnata nella pietra, ad eccezione delle piccole città fortezza, molti dei principi della sua costruzione furono incarnati nella realtà già nel XVI secolo. A quel tempo, in Italia e in altri paesi, furono posate strade larghe e diritte che collegavano elementi importanti dell'insieme urbano, furono create nuove piazze, ricostruite quelle vecchie e successivamente apparvero parchi e complessi di palazzi con una struttura regolare.
| Città Ideale di Antonio Filarete La città era a pianta stellare ottagonale, formata dall'intersezione ad angolo di 45° di due quadrati uguali con un lato di 3,5 km. Nelle sporgenze della stella c'erano otto torri rotonde e nelle "tasche" - otto porte della città. Le porte e le torri erano collegate al centro da strade radiali, alcune delle quali erano canali di navigazione. Nella parte centrale della città, su un'altura, si trovava la piazza principale rettangolare, sui cui lati corti dovevano trovarsi il palazzo del principe e la cattedrale cittadina, e sui lati lunghi le istituzioni giudiziarie e cittadine. Al centro della piazza c'era uno stagno e una torre di avvistamento. Altri due erano attigui alla piazza principale, con le case dei più eminenti abitanti della città. Altre sedici piazze erano situate all'incrocio delle strade radiali con la circonvallazione: otto commerciali e otto per centri parrocchiali e chiese. |
Nonostante il fatto che l'arte del Rinascimento fosse sufficientemente contraria all'arte del Medioevo, si inseriva facilmente e organicamente nelle città medievali. Nelle loro attività pratiche, gli architetti del Rinascimento usavano il principio di "costruirne uno nuovo senza distruggere il vecchio". Riuscirono a creare insiemi sorprendentemente armoniosi non solo da edifici dello stesso stile, come si può vedere nelle piazze dell'Annuziata a Firenze (progettate da Filippo Brunelleschi) e del Campidoglio a Roma (progettate da Michelangelo), ma anche a combinare edifici di tempi diversi in un'unica composizione. Così, sulla piazza di S. Marco a Venezia, gli edifici medievali sono combinati in un insieme architettonico e spaziale con i nuovi edifici del XVI secolo. E a Firenze, da piazza della Signoria con il medievale Palazzo Vecchio, segue armoniosamente via degli Uffizi, disegnata da Giorgio Vasari. Inoltre, l'insieme della Cattedrale fiorentina di Santa Maria del Fiore (ricostruzione di Brunelleschi) combina perfettamente tre stili architettonici contemporaneamente: romanico, gotico e rinascimentale.
La città del Medioevo e la città del Rinascimento
La città ideale del Rinascimento è apparsa come una sorta di protesta contro il Medioevo, espressa nello sviluppo di antichi principi urbanistici. A differenza della città medievale, percepita come una sorta, seppur imperfetta, somiglianza della "Gerusalemme celeste", incarnazione di un piano non umano, ma divino, la città del Rinascimento è stata creata da un creatore umano. L'uomo non si è limitato a copiare ciò che già esisteva, ha creato qualcosa di più perfetto e lo ha fatto secondo la "matematica divina". La città del Rinascimento è stata creata per l'uomo e doveva corrispondere all'ordine terreno del mondo, alla sua reale struttura sociale, politica e quotidiana.
La città medievale è circondata da possenti mura, recintata dal mondo, le sue case sono più simili a fortezze con poche feritoie. La città del Rinascimento è aperta, non si difende dal mondo esterno, lo controlla, lo soggioga. I muri degli edifici, delimitando, uniscono gli spazi di strade e piazze con cortili e stanze. Sono permeabili: hanno molte aperture, portici, colonnati, passi carrai, finestre.
Se la città medievale è la collocazione dei volumi architettonici, allora la città del Rinascimento è in misura maggiore la distribuzione degli spazi architettonici. Il centro della città nuova non è l'edificio della cattedrale o del municipio, ma lo spazio libero della piazza principale, aperto sia in alto che ai lati. Entrano nell'edificio ed escono sulla strada e sulla piazza. E se la città medievale è compositivamente attratta dal suo centro - è centripeta, allora la città del Rinascimento è centrifuga - è diretta verso mondo esterno.
| La città ideale di Platone In pianta, la parte centrale della città era un'alternanza di anelli d'acqua e di terra. L'anello d'acqua esterno era collegato al mare da un canale lungo 50 stadi (1 stadia - ca. 193 m). Gli anelli di terra che separavano gli anelli d'acqua avevano canali sotterranei vicino ai ponti adatti al passaggio delle navi. Il più grande anello d'acqua di circonferenza era largo tre stadi, così come quello di terra che lo seguiva; i due anelli successivi, acqua e terra, erano larghi due stadi; infine, l'anello d'acqua che circondava l'isola situata al centro era largo uno stadio. |
La città medievale segue il paesaggio naturale, utilizzandolo per i propri scopi. La città del Rinascimento è piuttosto un'opera d'arte, un "gioco di geometrie". L'architetto modifica il terreno sovrapponendovi una griglia geometrica di spazi disegnati. Una tale città ha una forma chiara: un cerchio, un quadrato, un ottagono, una stella; anche i fiumi vi si raddrizzano.
La città medievale è verticale. Qui tutto è diretto verso l'alto, verso il cielo, lontano e inaccessibile. La città del Rinascimento è orizzontale, la cosa principale qui è la prospettiva, l'aspirazione in lontananza, verso nuovi orizzonti. Per una persona medievale, il cammino verso il Cielo è un'ascensione, realizzabile attraverso il pentimento e l'umiltà, la rinuncia a tutto ciò che è terreno. Per le persone del Rinascimento, questa è un'ascesa attraverso l'acquisizione della propria esperienza e la comprensione delle leggi divine.
Il sogno di una città ideale ha dato slancio alle ricerche creative di molti architetti non solo del Rinascimento, ma anche di epoche successive, ha guidato e illuminato il cammino verso l'armonia e la bellezza. La città ideale esiste sempre all'interno della città reale, tanto diversa da essa quanto il mondo del pensiero dal mondo dei fatti, come il mondo dell'immaginazione dal mondo della fantasia. E se sai sognare come facevano i maestri del Rinascimento, allora puoi vedere questa città: la Città del Sole, la Città dell'Oro.
L'articolo originale è sul sito della rivista "Nuova Acropoli".
Viene aperta l'architettura italiana del primo Rinascimento (Quattrocento). nuovo periodo nello sviluppo dell'architettura europea, abbandonando il dominante in Europa arte gotica e approvando nuovi principi basati sul sistema degli ordini.
Durante questo periodo, la filosofia, l'arte e la letteratura antiche furono studiate intenzionalmente e consapevolmente. Così, l'antichità si è stratificata sulle forti tradizioni secolari del Medioevo, in particolare sull'arte cristiana, per cui la natura specificamente complessa della cultura del Rinascimento si basa sulla trasformazione e sull'intreccio di soggetti pagani e cristiani.
Il Quattrocento è il tempo delle ricerche sperimentali, quando non l'intuizione, come nell'era del Proto-Rinascimento, ma venne alla ribalta l'esatta conoscenza scientifica. Ora l'arte ha svolto il ruolo di conoscenza universale del mondo circostante, di cui sono stati scritti molti trattati scientifici del XV secolo.
Il primo teorico dell'architettura e della pittura fu Leon Batista Alberti, che sviluppò la teoria prospettiva lineare, basato su una vera immagine nell'immagine della profondità dello spazio. Questa teoria ha costituito la base di nuovi principi di architettura e pianificazione urbana volti a creare una città ideale.
I maestri del Rinascimento iniziarono a rivolgersi nuovamente al sogno di Platone di una città ideale e di uno stato ideale e incarnarono quelle idee che erano già le principali nella cultura e nella filosofia antiche: le idee di armonia tra uomo e natura, le idee dell'umanesimo. Quindi, la nuova immagine della città ideale era inizialmente una certa formula, un'idea, un'audace rivendicazione per il futuro.
La teoria e la pratica dell'urbanistica rinascimentale si svilupparono parallelamente. Furono ricostruiti vecchi edifici, ne furono costruiti di nuovi, mentre contemporaneamente furono scritti trattati di architettura, fortificazione e riqualificazione delle città. Gli autori dei trattati (Alberti e Palladio) erano molto avanti rispetto alle esigenze della costruzione pratica, non descrivendo progetti finiti, ma presentando un concetto raffigurato graficamente, l'idea di una città ideale. Hanno anche ragionato su come dovrebbe essere collocata la città in termini di difesa, economia, estetica e igiene.
L'Alberti fu infatti il primo a proclamare i principi fondamentali dell'insieme urbano ideale del Rinascimento, sviluppato sintetizzando l'antico senso delle proporzioni e l'approccio razionalistico della nuova era. Quindi, i principi estetici degli urbanisti rinascimentali erano:
- coerenza delle scale architettoniche degli edifici principali e secondari;
- il rapporto tra l'altezza dell'edificio e lo spazio antistante (da 1:3 a 1:6);
- mancanza di contrasti dissonanti;
- equilibrio compositivo.
La città ideale è stata molto eccitante per molti dei grandi maestri del Rinascimento. Ci ha pensato anche Leonardo da Vinci, la cui idea era quella di creare una città a due livelli, dove il trasporto delle merci si muoveva lungo il livello inferiore, e le strade di terra e pedonali si trovavano nel livello superiore. I piani di Da Vinci erano anche associati alla ricostruzione di Firenze e Milano, nonché alla stesura della città del fuso.
Alla fine del XVI secolo, molti teorici dell'urbanistica erano sconcertati dalla questione delle strutture difensive e delle aree commerciali. Così, le torri e le mura della fortezza furono sostituite da bastioni di terra, che furono portati fuori dai confini della città, grazie ai quali, nei loro contorni, le città iniziarono ad assomigliare a una stella a più raggi.
E sebbene nessuna città ideale sia stata costruita in pietra (ad eccezione delle piccole città fortezza), molti principi per costruire una città del genere divennero realtà già nel XVI secolo, quando in Italia e in molti altri paesi iniziarono a posare strade larghe e diritte collegati elementi importanti dell'insieme urbano.
Il problema della creazione di una città ideale, nonostante l'odierna rilevanza, era particolarmente acuto nella lontana epoca del Rinascimento (XIV - XVI secolo). Questo tema, attraverso il prisma della filosofia dell'antropocentrismo, diventa il principale nell'arte dell'urbanistica di questo periodo. Un uomo con i suoi bisogni di felicità, amore, lusso, comodità, comodità, con i suoi pensieri e le sue idee, diventa la misura di quel tempo, simbolo del risorgente spirito antico, chiamato a cantare proprio di quest'Uomo con la maiuscola. Sposta il pensiero creativo del Rinascimento alla ricerca di soluzioni architettoniche e filosofiche uniche, a volte utopiche, al problema della formazione della città. Quest'ultimo inizia a svolgere un nuovo ruolo, è percepito come uno spazio intero interconnesso chiuso, recintato e diverso dalla natura, dove passa l'intera vita di una persona.
In questo spazio, i bisogni e i desideri sia fisici che estetici di una persona dovrebbero essere pienamente presi in considerazione, aspetti della permanenza umana in città come il comfort e la sicurezza dovrebbero essere pienamente pensati. Le nuove armi da fuoco resero indifese le fortificazioni medievali in pietra. Ciò ha predeterminato, ad esempio, la comparsa di mura con bastioni di terra lungo il perimetro delle città e ha determinato, sembrerebbe, una bizzarra linea di fortificazioni cittadine a forma di stella. Si sta formando un'idea revivalista generale della "città ideale", la città più comoda e sicura per vivere. In una parola, tali tendenze non sono estranee all'architetto moderno, ma il Rinascimento ha poi segnato una nuova frontiera, un nuovo soffio di vita nella mente del creatore, stabilendo alcune incognite. criteri, standard e stereotipi precedenti, le cui conseguenze si fanno sentire oggi nella ricerca di una città ideale.
I primi studi in questo senso furono compiuti da Marco Vitruvio (seconda metà del I sec. tra teoria e pratica, descritti i concetti base dell'estetica, della proporzionalità dell'edificio e della persona, per la prima volta nella storia ha indagato il problema dell'acustica musicale dei locali.
Lo stesso Vitruvio non ha lasciato un'immagine della città ideale, ma questo è stato fatto da molti studiosi e successori delle sue idee, da cui, come spesso si nota, è iniziato lo stesso Rinascimento.
Ma le discussioni sulla città ideale, i suoi concetti hanno origine nei trattati degli antichi filosofi greci - quindi, per un secondo, vale la pena rivolgersi a un'epoca un po 'prima di quella che stiamo considerando - all'antichità.
Sfortsinda - case tipiche arch. Filarete (disegno di Leonardo da Vinci)
Il secolare processo di costruzione delle città-stato nella capitale Grecia antica, Atene, è stata riassunta negli scritti dei due maggiori filosofi dell'antichità: Platone (428-348 aC) e Aristotele (384-322 aC).
Così, il filosofo idealista Platone, associato ai circoli aristocratici del suo tempo, era un aderente a un sistema statale rigidamente regolamentato, non per niente possedeva anche la storia del mitico paese di Atlantide, governato da un re e arconti . Nell'interpretazione di Platone, Atlantide era il prototipo storico di quella città-stato ideale, di cui parlava nelle sue opere “Lo Stato” e “Leggi”.
Tornando al Rinascimento, parliamo di Leon Batista Alberti, il primo vero teorico dell'urbanistica nella storia dell'umanità, che descrive minuziosamente “come si fa una città”, partendo dalla scelta di un luogo e finendo con la sua struttura interna . L'Alberti scriveva che "la bellezza è un'armonia strettamente proporzionata di tutte le parti unite da ciò a cui appartengono, in modo tale che nulla può essere aggiunto, sottratto o cambiato senza peggiorarlo". L'Alberti, infatti, fu il primo a proclamare i principi fondamentali dell'insieme urbano rinascimentale, legando l'antico senso delle proporzioni con l'inizio razionalista di una nuova era. Il dato rapporto tra l'altezza dell'edificio e lo spazio ad esso antistante (da 1:3 a 1:6), la coerenza delle scale architettoniche degli edifici principali e secondari, l'equilibrio della composizione e l'assenza di contrasti dissonanti: questi sono i principi estetici degli urbanisti rinascimentali.
L'Alberti nel suo trattato "Dieci libri sull'architettura" disegna una città ideale, bella per la pianificazione razionale e per l'aspetto degli edifici, delle strade, delle piazze. L'intero ambiente di vita di una persona è organizzato qui in modo tale da soddisfare i bisogni dell'individuo, della famiglia e della società nel suo insieme.
Bernardo Gambarelli (Rosselino), riprendendo idee già esistenti, contribuisce allo sviluppo della visione di una città ideale, sfociata nella città di Pienza (1459), tuttora esistente, incorporando elementi di molti progetti rimasti su carta o in creativo le intenzioni dei creatori. Questa città è un chiaro esempio della trasformazione dell'insediamento medievale di Corsignano in un'ideale città rinascimentale con strade rettilinee e un impianto regolare.
Antonio di Pietro Averlino (Filarete) (c. 1400 - c. 1469) nel suo trattato dà un'idea della città ideale della Sforzinda.
La città era a pianta stellare ottagonale, formata dall'intersezione ad angolo di 45° di due quadrati uguali con un lato di 3,5 km. Nelle sporgenze della stella c'erano otto torri rotonde e nelle "tasche" - otto porte della città. Le porte e le torri erano collegate al centro da strade radiali, alcune delle quali erano canali di navigazione. Nella parte centrale della città, su un'altura, si trovava la piazza principale, a pianta rettangolare, sui cui lati corti dovevano trovarsi il palazzo del principe e la cattedrale cittadina, e sui lati lunghi le istituzioni giudiziarie e cittadine .
Al centro della piazza c'era uno stagno e una torre di avvistamento. Altri due erano attigui alla piazza principale, con le case dei più eminenti abitanti della città. Altre sedici piazze erano situate all'incrocio delle strade radiali con la circonvallazione: otto piazze commerciali e otto per centri parrocchiali e chiese.
Pienza non fu l'unica città realizzata in Italia che incarnava i principi della pianificazione "ideale". L'Italia stessa a quel tempo non era uno stato unito, come lo conosciamo ora, consisteva in molte repubbliche e ducati indipendenti separati. A capo di ciascuna di queste aree c'era una famiglia nobile. Naturalmente, ogni sovrano voleva avere nel suo stato un modello di città "ideale", che gli permettesse di essere considerato una persona colta e progressista del Rinascimento. Pertanto, nel 1492, il rappresentante della dinastia D Este, il duca Ercole I, decise di ricostruire una delle principali città del suo ducato: Ferrara.
La ristrutturazione è stata affidata all'architetto Biagio Rossetti. Si distingueva per l'ampiezza di vedute, oltre che per l'amore per l'innovazione, che si manifestava in quasi tutte le sue opere. Ha studiato a fondo il vecchio layout della città e ha trovato una soluzione interessante. Se prima di lui gli architetti o demolivano vecchi edifici o costruivano ex novo, allora Biagio decise di costruire una nuova città sopra quella vecchia. Pertanto, ha incarnato contemporaneamente il concetto di città rinascimentale con le sue strade diritte e gli spazi aperti e ha sottolineato l'integrità e l'autosufficienza della città medievale. La principale innovazione dell'architetto è stata una diversa fruizione degli spazi. Non obbedì a tutte le leggi dell'urbanistica regolare, che suggeriva piazze aperte e strade larghe. Invece, poiché la parte medievale della città è rimasta intatta, Biagio gioca sugli opposti: alterna strade principali a strade strette, piazze luminose a bui vicoli ciechi, grandi case ducali a case basse di comuni abitanti. Inoltre, questi elementi non si contraddicono affatto: la prospettiva inversa è combinata con quella diritta, e le linee correnti ei volumi crescenti non si contraddicono a vicenda.
Lo studioso e studioso di architettura veneziano Daniele Barbaro (1514-1570) dedicò gran parte della sua vita allo studio del trattato di Vitruvio, che sfociò nel suo libro intitolato "Dieci libri sull'architettura di Vitruvio con un commento di Daniele Barbaro", scritto nel 1556. In questo libro l'atteggiamento nei confronti dell'architettura antica si rifletteva non solo dall'autore stesso, ma anche dalla maggior parte degli architetti del XVI secolo. Daniele Barbaro per tutta la vita ha studiato a fondo il trattato e ha cercato di ricreare lo schema della città ideale, che riflettesse le idee di Vetruvio e i suoi concetti che completano la sua visione.
Poco prima, l'architetto rinascimentale Cesare Cesarino pubblicò nel 1521 il suo commento ai Dieci Libri dell'Architettura con numerose illustrazioni, tra cui schemi teorici di una città ideale.
Tra i tanti di questi teorici del XVI secolo. Andrea Palladio (1508-1580) occupò un posto speciale. Nel suo trattato Quattro libri sull'architettura (italiano: Quattro libri deHArchitettura), pubblicato nel 1570, Palladio non ha individuato una sezione speciale sulla città, ma tutta la sua opera è stata essenzialmente dedicata a questo particolare argomento. Ha detto che "una città non è altro che una specie di grande casa, e viceversa, una casa è una specie di piccola città".
Mettendo un segno uguale tra un edificio residenziale e una città, Palladio ha così sottolineato l'integrità dell'organismo urbano e l'interconnessione dei suoi elementi spaziali. Riflette sull'integrità dell'organismo urbano e sulla relazione dei suoi elementi spaziali. A proposito dell'insieme urbano scrive: "La bellezza è il risultato di una bella forma e della corrispondenza del tutto alle parti, delle parti tra loro e anche delle parti al tutto". Un posto di rilievo nel trattato è dato all'interno degli edifici, alle loro dimensioni e proporzioni. Palladio sta cercando di collegare organicamente lo spazio esterno delle strade con l'interno delle case e dei cortili.
Alla fine del XVI sec. durante l'assedio delle città iniziarono ad essere utilizzate armi di artiglieria con proiettili esplosivi. Ciò ha costretto gli urbanisti a riconsiderare la natura delle fortificazioni cittadine. Le mura e le torri della fortezza furono sostituite da bastioni di terra che, essendo portati oltre i confini della città, erano in grado sia di respingere gli attacchi nemici sia di condurre il fuoco di fianco al nemico che si avvicinava alla città. In base a ciò, non era necessario proteggere le porte della città, che d'ora in poi si sono trasformate da potenti centri di difesa negli ingressi principali della città. Queste innovazioni sotto forma di una varietà di forme bizzarre a forma di stella si riflettono nei progetti delle città ideali di Buonayuto Lorini, Antonio Lupicini, Francesco di George Martini, Girolamo Maggi, Giovanni Bellucci, Fra Giocondo, Francesco de Marchi, Daniel Speckle , Jacques Perret, Albrecht Dürer, Vincenzo Scamozzi, George Vasari Jr. e così via.
E la città fortificata di Palmanova può essere giustamente considerata il culmine dell'architettura fortificata del Rinascimento, la cui pianta, secondo il progetto dell'architetto Vincenzo Scamozzi, ha la forma di una stella a nove punte, e le strade si irradiano da la piazza situata al centro. Il territorio della città era circondato da dodici bastioni, e ciascuno dei bastioni era progettato in modo da proteggere quelli vicini, e aveva quattro porte cittadine, da cui partivano due strade principali che si intersecavano ad angolo retto. Al loro incrocio si trovava la piazza principale, su cui si affacciavano il palazzo, la cattedrale, l'università e le istituzioni cittadine. Due piazze commerciali erano adiacenti alla piazza principale da ovest e da est, la piazza di scambio si trovava a nord e la piazza per il commercio di fieno e legna da ardere a sud. Il territorio della città era attraversato da un fiume, e più vicino alla sua periferia c'erano otto chiese parrocchiali. La pianta della città era regolare. La fortezza era circondata da un fossato.
Nell'ambiente ingegneristico del Rinascimento, le questioni di composizione, armonia, bellezza e proporzione vengono studiate diligentemente. In queste costruzioni ideali, la pianificazione della città è caratterizzata da razionalismo, chiarezza geometrica, composizione centrica e armonia tra il tutto e le parti. E, infine, ciò che distingue l'architettura del Rinascimento dalle altre epoche è la persona che sta al centro, alla base di tutte queste costruzioni. Molti altri nomi e nomi di città possono servire da esempio. Sopravvissuta Urbino con il suo grandioso Palazzo Ducale, "città in forma di palazzo", realizzato dall'architetto Luciano Laurana per il duca Federico da Montefeltro, Terradel Sole ("Città del Sole"), Vigevano in Lombardia, La Valletta (capoluogo Malta). Per quanto riguarda quest'ultima, questa maestosa città murata è cresciuta sulle ripide scogliere senz'acqua della penisola del Monte Sciberras, che si erge tra i due profondi porti di Marsamxett e Grand Harbour. Fondata nel 1566, La Valletta fu completamente costruita, insieme a imponenti bastioni, fortezze e una cattedrale, in un tempo sorprendentemente breve - 15 anni.
Idee generali, concetti del Rinascimento fluirono ben oltre l'inizio del XVII secolo e schizzarono fuori ruscello tempestoso, coprendo le successive generazioni di architetti e ingegneri.
Anche l'esempio di molti progetti architettonici moderni mostra l'influenza del Rinascimento, che per diversi secoli non ha perso la sua idea di umanità e il primato del comfort umano. Semplicità, comodità, "accessibilità" della città per l'abitante in tutti i tipi di dispositivi variabili si trovano in molte opere, e seguendole ciascuna a suo modo, architetti e ricercatori, tutti come uno, hanno tuttavia già percorso la strada asfaltata pavimentata dai maestri del Rinascimento.
Non tutti gli esempi di "città ideali" sono stati considerati nell'articolo, le cui origini risalgono a noi dalle profondità dell'era del bellissimo Rinascimento - in alcuni l'accento è posto sulla comodità e l'ergonomia dell'essere un civile, in alcuni altri sulla massima efficienza delle operazioni difensive; ma in tutti gli esempi osserviamo un instancabile desiderio di miglioramento, per ottenere risultati, vediamo passi fiduciosi verso la comodità e il comfort di una persona. Idee, concetti, in una certa misura, le aspirazioni del Rinascimento fluirono ben oltre la fine del XVII secolo e si riversarono in un flusso tempestoso, abbracciando le successive generazioni di architetti e ingegneri.
E l'esempio degli architetti moderni mostra chiaramente l'influenza dei concetti delle figure rinascimentali, in qualche modo modificate, ma non perdendo la loro idea di umanità e il primato del comfort umano nei progetti urbanistici. Semplicità, comodità, "accessibilità" della città per il residente in tutti i tipi di dispositivi variabili si possono trovare in molte altre opere, realizzate e per niente - rimaste sulla carta. Ciascuno seguendo il proprio percorso, architetti e ricercatori, tutti insieme, hanno comunque camminato lungo la strada lastricata già lastricata dai maestri del Rinascimento, seguendo la luce immortalmente attuale e seducente dell'idea di rinascita, la rinascita dell'anima umana , e i passi principali in questa direzione furono compiuti nel lontano XIV secolo.
I concetti di città ideale del Rinascimento, pur nella loro utopia e impossibilità dal punto di vista pragmatico dell'uomo, soprattutto moderno, non cessano del tutto o almeno in parte del loro splendore, elementi che periodicamente si insinuano nell'opera di architetti romantici, che aspirano non tanto alla perfezione nel loro difficile mestiere creativo, quanto alla perfezione in un ambiente più complesso e imprevedibile della pergamena e della prospettiva - alla perfezione irraggiungibile dell'anima e della coscienza umana.
Palmanova - Cattedrale
