Fiori nature morte di artisti contemporanei. Le più belle nature morte del nostro tempo, e non solo
In una calda estate di campagna o in una bufera di neve prolungata. Dalla comodità della tua casa, puoi trovare ispirazione in frutti ordinari o fiori insoliti. Il soggetto non cerca di girare la testa, come in un ritratto, e non trasforma le ombre in luce ogni secondo, come in un paesaggio. Questo è ciò che rende il genere della natura morta così bello. E "natura morta" in francese, o " vita tranquilla cose" nella versione olandese, ravviva davvero l'interno. Natalia Letnikova presenta le 7 migliori nature morte di artisti russi.
"Viole di bosco e nontiscordardime"
Violette di bosco e nontiscordardime
Il dipinto di Isaac Levitan è come un cielo blu e una nuvola bianca - dal cantante della natura russa. Solo sulla tela non ci sono spazi aperti nativi, ma un mazzo di fiori di campo. Tarassaco, lillà, fiordalisi, immortelle, felci e azalee... Dopo la foresta, il laboratorio dell'artista si è trasformato in "una serra o un negozio di fiori". Levitan amava le nature morte floreali e insegnava ai suoi studenti a vedere sia il colore che le infiorescenze: "È necessario che non odorino di vernice, ma di fiori".
"Mele e foglie"
mele e foglie
Le opere di Ilya Repin hanno messo in risalto organicamente la brillante cornice del Museo Russo. L'artista itinerante ha composto una composizione per il suo studente - Valentin Serov. Si è rivelato così pittoresco che l'insegnante stesso ha preso in mano il pennello. Sei mele di un normale giardino - sgualcite e con "botti", e un mucchio di foglie, coperte colori autunnali, come fonte di ispirazione.
"Mazzo di fiori. Phlox»
Mazzo di fiori. Phlox
Dipinto di Ivan Kramskoj. "Non lo farà persona talentuosa dedica del tempo all'immagine, diciamo, bacini, pesci, ecc. È bello farlo per le persone che hanno già tutto e abbiamo molto lavoro da fare ", ha scritto Kramskoy a Vasnetsov. Eppure il genere della natura morta alla fine della vita famoso ritrattista non è passato per l'attenzione. Un mazzo di phlox in un vaso di vetro è stato presentato alla XII mostra itinerante. Il dipinto è stato acquistato prima dell'apertura del vernissage.
"Natura morta"
Natura morta
Kazimir Malevich sulla strada per il "Quadrato Nero" attraverso l'impressionismo e il cubismo, aggirando il realismo. Un vaso di frutta è il frutto di una ricerca creativa, anche all'interno della cornice di un quadro: spesse linee nere della tecnica cloisonné francese, piatti piatti e frutti voluminosi. Tutti i componenti dell'immagine sono uniti solo dal colore. Particolare per l'artista: luminoso e saturo. Come una sfida ai colori pastello vita reale.
"Aringhe e limone"
Aringhe e limone
Quattro figli e la pittura. Questa combinazione nella vita dell'artista detta inequivocabilmente il genere. Così è successo con Zinaida Serebryakova. Numerose ritratti di famiglia e nature morte, in base alle quali è possibile creare un menu: "Cesto di frutta", "Asparagi e fragole", "Uva", "Pesce su verdure" ... Nelle mani di un vero maestro, "aringa e limone" lo faranno diventare un'opera d'arte. Poesia e semplicità: una spirale di buccia di limone e un pesce privo di fronzoli.
"Natura morta con samovar"
Natura morta con samovar
Uno studente di Serov, Korovin e Vasnetsov, "Jack of Diamonds" - Ilya Mashkov amava interpretare il mondo, sì più luminoso. Statuette di porcellana e begonie, zucche... Carne, selvaggina - nello spirito dei vecchi maestri e pane di Mosca - schizzi dal mercato di Smolensk della capitale. E secondo la tradizione russa - dove senza samovar. Una natura morta dal regno della vita festosa con frutta e piatti luminosi è completata da un teschio, un promemoria della fragilità della vita.
"Etude con medaglie"
Studio con medaglie
Natura morta in stile sovietico. L'artista del 20 ° secolo Anatoly Nikich-Krilichevsky in una foto ha mostrato l'intera vita della prima campionessa del mondo sovietico nel pattinaggio di velocità - Maria Isakova. Con coppe, ognuna delle quali - anni di allenamento; medaglie che sono state assegnate in un'aspra lotta; lettere e mazzi enormi. Una bella immagine per un artista e una cronaca artistica di successi sportivi. Storia di natura morta.
Passiamo alla fase finale di questa serie di post sul genere still life. Sarà dedicato al lavoro di artisti russi.
Cominciamo con Fyodor Petrovich Tolstoy (1783-1873). Grafica still life di F.P. Tolstoj, famoso scultore, medaglista, disegnatore e pittore russo, probabilmente la parte più straordinaria e preziosa del suo patrimonio creativo, anche se l'artista stesso ha affermato di aver creato queste opere "nel tempo libero da studi seri".
La proprietà principale dei disegni di nature morte di Tolstoj è la loro natura illusoria. L'artista ha copiato con cura la natura. Ha cercato, nelle sue stesse parole, "con rigorosa chiarezza di trasferire dal vero alla carta il fiore copiato così com'è, con tutti i più piccoli dettagli appartenenti a questo fiore". Per fuorviare lo spettatore, Tolstoj ha utilizzato tecniche illusionistiche come l'immagine di gocce di rugiada o carta traslucida che copre il disegno e aiuta a ingannare l'occhio.
Anche Ilya Efimofich Repin (1844-1930) si rivolse ripetutamente a un motivo di natura morta come i fiori. Tali opere includono il dipinto "Autumn Bouquet" (1892, Galleria Tretyakov, Mosca), in cui l'artista raffigura un paesaggio autunnale con uguale attenzione, una giovane donna in piedi sullo sfondo di alberi dorati e un modesto bouquet di fiori gialli e bianchi in le sue mani.
I. Repin. Mazzo d'autunno. Ritratto di Vera Repina. 1892, Galleria Tretyakov
La storia del dipinto "Mele e foglie" è alquanto insolita. La natura morta, che combina frutti e foglie, è stata messa in scena per lo studente di Repin, V.A. Serov. All'insegnante è piaciuta così tanto la composizione del soggetto che ha deciso di scrivere lui stesso una natura morta del genere. Fiori e frutti hanno attratto molti artisti, che li hanno preferiti, tra l'altro, per mostrare il mondo della natura in modo più poetico e bello. Anche in. Anche Kramskoy, sprezzante nei confronti di questo genere, ha reso omaggio alla natura morta, creando uno spettacolare dipinto “Bouquet of Flowers. Phloxes” (1884, Galleria Tretyakov, Mosca).
Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911) è noto alla maggior parte di noi come artista che ha prestato attenzione nel suo lavoro al paesaggio, al ritratto e alla pittura storica. Tuttavia, va notato che il soggetto nel suo lavoro ha sempre svolto un ruolo importante e spesso ha occupato la stessa posizione di parità degli altri elementi della composizione. L'ho già accennato sopra. lavoro dello studente"Mele sulle foglie", 1879, realizzato sotto la direzione di Repin. Se confrontiamo quest'opera con un'opera scritta sullo stesso tema da Repin, possiamo vedere che la natura morta di Serov è più studio della tela del suo maestro. L'artista alle prime armi ha utilizzato un punto di vista basso, quindi il primo e il secondo scatto sono combinati e lo sfondo è ridotto.
Conosciuto da tutti fin dall'infanzia, il dipinto "Ragazza con le pesche" va oltre il genere del ritratto e non è un caso che si chiami "Ragazza con le pesche", e non "Ritratto di Vera Mamontova". Possiamo vedere che le caratteristiche di un ritratto, di un interno e di una natura morta sono combinate qui. L'artista presta uguale attenzione all'immagine di una ragazza con una camicetta rosa e pochi oggetti, ma abilmente raggruppati. Pesche giallo pallido giacciono su una tovaglia bianca, foglie d'acero e un coltello lucido. Altre cose sullo sfondo sono anch'esse disegnate con amore: sedie, un grande piatto di porcellana che decora il muro, una statuina di un soldatino, un candeliere sul davanzale. La luce del sole che si riversa dalla finestra e cade su oggetti con riflessi luminosi conferisce all'immagine un fascino poetico.
Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) ha scritto: “E ancora mi colpisce, no, non mi colpisce, ma sento quell'intima nota nazionale che voglio così catturare sulla tela e nell'ornamento. Questa è la musica di una persona intera, non sezionata dalle distrazioni di un occidente ordinato, differenziato e pallido”.
All'Accademia delle arti, l'insegnante preferito di Vrubel era Pavel Chistyakov, che insegnò al giovane pittore a "disegnare con la forma" e sostenne che le forme tridimensionali non dovevano essere create nello spazio con ombreggiature e contorni, dovevano essere costruite con linee. Grazie a lui, Vrubel ha imparato non solo a mostrare la natura, ma come se avesse una conversazione sincera, quasi amorevole con lei. Con questo spirito è stata realizzata la meravigliosa natura morta del maestro “Wild Rose” (1884).
Sullo sfondo di squisiti panneggi con motivi floreali, l'artista ha collocato un elegante vaso tondeggiante dipinto con motivi orientali. Delicato fiore bianco rosa canina, colorata con tessuto blu-verde, e le foglie della pianta quasi si fondono con il collo nero debolmente scintillante del vaso. Questa composizione è piena di fascino e freschezza inesprimibili, a cui lo spettatore semplicemente non può fare a meno di soccombere.
Durante il periodo di malattia, Vrubel iniziò a dipingere più dalla natura, ei suoi disegni si distinguono non solo per la forma inseguita, ma anche per una spiritualità molto speciale. Sembra che ogni movimento della mano dell'artista tradisca la sua sofferenza e passione.
Particolarmente degno di nota a questo proposito è il disegno “Natura morta. Candeliere, decanter, bicchiere”. È un trionfo schiacciante di feroce obiettività. Ogni pezzo di natura morta porta un potere esplosivo nascosto. Il materiale di cui sono fatte le cose, sia esso il bronzo di un candelabro, il vetro di una caraffa o il riflesso opaco di una candela, trema sensibilmente per una colossale tensione interna. La pulsazione è trasmessa dall'artista in brevi tratti che si intersecano, il che rende la trama esplosiva e tesa. Gli oggetti acquistano così un'incredibile nitidezza, che è la vera essenza delle cose.
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G.N. Teplov e T. Ulyanov. Molto spesso raffiguravano un muro di assi, su cui venivano disegnati nodi e vene di un albero. Vari oggetti sono appesi alle pareti o infilati dietro nastri inchiodati: forbici, pettini, lettere, libri, quaderni di musica. Orologi, calamai, bottiglie, candelabri, piatti e altre piccole cose sono posti su scaffali stretti. Sembra che un tale insieme di elementi sia completamente casuale, ma in realtà è tutt'altro che vero. Guardando tali nature morte, si può intuire gli interessi degli artisti che erano impegnati a suonare musica, leggere e che amavano l'arte. I maestri raffiguravano con amore e diligenza le cose a loro care. Questi dipinti toccano con la loro sincerità e immediatezza di percezione della natura.
Anche Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927) dedicò molto del suo lavoro al genere della natura morta. Sulle sue allegre tele si possono vedere tessuti di raso luminosi, scintillanti samovar di rame, lo splendore della maiolica e della porcellana, fette rosse di anguria, grappoli d'uva, mele, deliziosi muffin. Uno dei suoi immagini meraviglioseè "Il mercante del tè", 1918. Impossibile non ammirare il luminoso splendore degli oggetti raffigurati sulla tela. Un samovar scintillante, polpa rosso vivo di angurie, mele lucide e uva trasparente, un vaso di vetro con marmellata, una zuccheriera dorata e una tazza in piedi davanti alla moglie del mercante: tutte queste cose conferiscono un'atmosfera festosa all'immagine.
Nel genere della natura morta, molta attenzione è stata prestata alle cosiddette "nature morte fittizie". Molte nature morte "ingannevoli", nonostante il loro compito principale fosse quello di fuorviare lo spettatore, hanno indubbi meriti artistici, particolarmente evidenti nei musei, dove, appese alle pareti, tali composizioni, ovviamente, non possono ingannare il pubblico. Ma ci sono anche eccezioni. Ad esempio, "Natura morta con libri", realizzato da P.G. Bogomolov, è inserito in una "libreria" illusoria, e i visitatori non si rendono subito conto che si tratta solo di un'immagine.
Molto bella “Natura morta con pappagallo” (1737) G.N. Teplov. Con l'aiuto di linee chiare e precise, che si trasformano in contorni morbidi e levigati, ombre chiare e trasparenti, sottili sfumature di colore, l'artista mostra una varietà di oggetti appesi a una parete di assi. Legno magistralmente reso, sfumature bluastre, rosate, giallastre che contribuiscono a creare una sensazione quasi reale di profumo fresco di legno appena piallato.
G.N. Teplov. "Natura morta con pappagallo", 1737, Museo statale della ceramica, tenuta di Kuskovo
Le nature morte russe - "trucchi" del XVIII secolo testimoniano il fatto che gli artisti non trasmettono ancora abilmente spazio e volumi. È più importante per loro mostrare la trama degli oggetti, come se fossero trasferiti sulla tela dalla realtà. A differenza delle nature morte olandesi, dove le cose assorbite dall'ambiente luminoso sono raffigurate in unità con esso, nei dipinti dei maestri russi gli oggetti dipinti con molta cura, anche meschini, sembrano vivere da soli, indipendentemente dallo spazio circostante.
All'inizio del XIX secolo, la scuola di A.G. Venetsianov, che si opponeva alla rigida delimitazione dei generi e cercava di insegnare ai suoi allievi una visione olistica della natura.
A.G. Venetsianov. Aia, 1821-23
La scuola veneziana ha aperto un nuovo genere per l'arte russa: l'interno. Gli artisti hanno mostrato vari ambienti della casa nobiliare: soggiorni, camere da letto, studi, cucine, aule, stanze del popolo, ecc. In queste opere, un posto importante è stato dato all'immagine vari oggetti, sebbene la natura morta in sé fosse quasi di nessun interesse per i rappresentanti del circolo Venetsianov (in ogni caso, pochissime nature morte realizzate dagli studenti di famoso pittore). Tuttavia, Venetsianov ha esortato i suoi allievi a studiare attentamente non solo i volti e le figure delle persone, ma anche le cose che li circondano.
L'oggetto nel dipinto di Venetsianov non è un accessorio, è indissolubilmente legato al resto dei dettagli del quadro ed è spesso la chiave per comprendere l'immagine. Ad esempio, una funzione simile è svolta dalle falci nel dipinto "Reapers" (seconda metà del 1820, Museo Russo, San Pietroburgo). Le cose nell'arte veneziana sembrano essere coinvolte nella vita tranquilla e serena dei personaggi.
Sebbene Venetsianov, con ogni probabilità, non abbia effettivamente dipinto nature morte, ha incluso questo genere nel suo sistema di insegnamento. L'artista ha scritto: Le cose inanimate non sono soggette a quei vari cambiamenti che sono caratteristici degli oggetti animati, stanno in piedi, si mantengono calmi, immobili davanti a un artista inesperto e gli danno il tempo di penetrare in modo più accurato e più giudizioso, di scrutare il rapporto tra una parte e l'altra , sia nelle linee, sia nella luce e nell'ombra del colore stesso. , che dipendono dal posto occupato dagli oggetti”.
Naturalmente, la natura morta ha svolto un ruolo importante nel sistema pedagogico dell'Accademia delle arti nel XVIII- 19esimo secolo x (pol aule gli allievi copiavano le nature morte dei maestri olandesi), ma fu Venetsianov, che incoraggiò i giovani artisti a rivolgersi alla natura, che introdusse nel suo primo anno di studio una natura morta, fatta di cose come figure di gesso, piatti , candelieri, nastri multicolori, frutta e fiori. Venetsianov ha selezionato soggetti per nature morte educative in modo che interessassero i pittori alle prime armi, comprensibili nella forma, belli nel colore.
Nei dipinti creati dai talentuosi studenti di Venetsianov, le cose vengono trasmesse in modo veritiero e fresco. Queste sono le nature morte di K. Zelentsov, P.E. Kornilov. Nelle opere dei veneziani ci sono anche opere che non sono essenzialmente nature morte, ma, tuttavia, il ruolo delle cose in esse è enorme. Puoi nominare, ad esempio, le tele "Study in Ostrovki" e "Reflection in the Mirror" di G.V. Gazze conservate nella collezione del Museo Russo di San Pietroburgo.
G.V. Gazza. "Ufficio a Ostrovki". Frammento, 1844, Museo Russo, San Pietroburgo
Le nature morte in queste opere non agiscono indipendentemente, ma come parti dell'interno disposte in modo peculiare dal maestro, corrispondenti alla struttura compositiva ed emotiva generale del quadro. L'elemento di collegamento principale qui è la luce, che passa dolcemente da un oggetto all'altro. Guardando le tele si capisce quanto sia interessante il mondo intorno all'artista, che ha raffigurato con amore ogni oggetto, ogni più piccola cosa.
La natura morta presentata nello "Studio in Ostrovki", sebbene occupi un piccolo posto nella composizione complessiva, sembra insolitamente significativa, evidenziata dal fatto che l'autore l'ha recintata dal resto dello spazio con un alto schienale del divano e tagliarlo a sinistra ea destra con una cornice. Sembra che Magpie sia stato così portato via dagli oggetti che giacevano sul tavolo che si è quasi dimenticato del resto dei dettagli dell'immagine. Il maestro scrisse accuratamente tutto: una penna d'oca, una matita, un compasso, un goniometro, un temperino, un pallottoliere, fogli di carta, una candela in un candelabro. Il punto di vista dall'alto ti permette di vedere tutte le cose, nessuna oscura l'altra. Attributi come un teschio, un orologio, nonché simboli di "vanità terrena" (una figurina, carte, abaco) consentono ad alcuni ricercatori di classificare la natura morta come vanitas, sebbene questa coincidenza sia puramente casuale, molto probabilmente, il servo l'artista ha usato ciò che era sul tavolo del suo maestro.
Il famoso maestro delle composizioni tematiche del primo metà del XIX secolo fu l'artista I.F. Khrutsky, che dipinse molti bellissimi dipinti nello spirito della natura morta olandese del XVII secolo. Tra le sue migliori opere ci sono "Fiori e frutti" (1836, Galleria Tretyakov, Mosca), "Ritratto di una moglie con fiori e frutti" (1838, Museo d'arte della Bielorussia, Minsk), "Natura morta" (1839, Museo della Accademia delle Arti, San Pietroburgo).
Nella prima metà del 19 ° secolo in Russia, la "natura morta botanica", da cui ci è pervenuta Europa occidentale. In Francia, a quel tempo, furono pubblicate opere di botanici con bellissime illustrazioni. Grande fama in molti paesi europei è stata ricevuta dall'artista P.Zh. Redoubt, considerato "il più celebre pittore di fiori del suo tempo". Il "disegno botanico" è stato un fenomeno significativo non solo per la scienza, ma anche per l'arte e la cultura. Tali disegni venivano presentati come regalo, album decorati, che li mettevano così alla pari con altre opere di pittura e grafica.
Nella seconda metà del XIX secolo, P.A. Fedotov. Sebbene in realtà non abbia dipinto nature morte, il mondo delle cose che ha creato si diletta con la sua bellezza e veridicità.
Gli oggetti nelle opere di Fedotov sono inseparabili dalla vita delle persone, in cui sono direttamente coinvolti eventi drammatici rappresentato dall'artista.
Guardando l'immagine cavaliere fresco” (“Il mattino dopo la festa”, 1846), si rimane stupiti dall'abbondanza di oggetti dipinti con cura dal maestro. Viene presentata una vera natura morta, sorprendente per il suo laconicismo dipinto famoso Fedotov "Major's Matchmaking" (1848). Il bicchiere è palpabilmente reale: bicchieri da vino su gambe alte, una bottiglia, una caraffa. Il più sottile e trasparente, sembra emettere un dolce suono di cristallo.
Fedotov P.A. Il matrimonio del maggiore. 1848-1849. GTG
Fedotov non separa gli oggetti dall'interno, quindi le cose vengono mostrate non solo in modo affidabile, ma anche in modo pittoresco e sottile. Ogni oggetto più ordinario o poco attraente che prende posto nello spazio comune sembra sorprendente e bello.
Sebbene Fedotov non abbia dipinto nature morte, ha mostrato un indubbio interesse per questo genere. L'intuizione gli ha suggerito come disporre questo o quell'oggetto, da quale punto di vista presentarlo, quali cose sarebbero apparse dopo non solo logicamente giustificate, ma anche espressivamente.
Il mondo delle cose, che aiuta a mostrare la vita di una persona in tutte le sue manifestazioni, conferisce alle opere di Fedotov una musicalità speciale. Tali sono i dipinti "Ancora, più ancora" (1851-1852), "La vedova" (1852) e molti altri.
Nella seconda metà dell'Ottocento il genere della natura morta cessò praticamente di interessare gli artisti, anche se molti pittori di genere includevano volentieri elementi di natura morta nelle loro composizioni. Le cose nei dipinti di V.G. Perov ("Bere il tè a Mytishchi", 1862, Galleria Tretyakov, Mosca), L.I. Solomatkin ("Slavilshchiki-gorodovye", 1846, Stato Museo storico, Mosca).
Le nature morte sono presentate in scene di genere da A.L. Yushanova ("Salutare il capo", 1864), M.K. Klodt ("The Sick Musician", 1855), V.I. Jacobi ("Venditore ambulante", 1858), A.I. Korzukhin ("Prima della confessione", 1877; "Nell'hotel del monastero", 1882), K.E. Makovsky ("Alekseich", 1882). Tutte queste tele sono ora conservate nella collezione della Galleria Tretyakov.
K.E. Makovsky. “Alekseich”, 1882, Galleria Tretyakov, Mosca
Negli anni 1870-1880, la vita quotidiana rimase il genere principale nella pittura russa, sebbene anche il paesaggio e il ritratto occupassero un posto importante. Un ruolo enorme per l'ulteriore sviluppo dell'arte russa è stato svolto dagli Erranti, che hanno cercato di mostrare la verità della vita nelle loro opere. Gli artisti hanno iniziato a dare Grande importanza lavorando dalla natura e quindi sempre più rivolto al paesaggio e alla natura morta, sebbene molti di loro considerassero quest'ultima una perdita di tempo, una passione insensata per una forma priva di contenuto interiore. Quindi, I.N. Kramskoy ha citato il famoso pittore francese, che non ha trascurato le nature morte, in una lettera a V.M. Vasnetsov: "Una persona di talento non perderà tempo con l'immagine, ad esempio bacini, pesci, ecc. È bello farlo per le persone che hanno già tutto, ma abbiamo molto lavoro da fare".
Tuttavia, molti artisti russi che non dipingevano nature morte li ammiravano, guardando le tele dei maestri occidentali. Ad esempio, V.D. Polenov, che era in Francia, scrisse a I.N. Kramskoy: “Guarda come vanno le cose qui, come un orologio, ognuno lavora a modo suo, in una varietà di direzioni, ciò che piace a tutti, e tutto questo è apprezzato e pagato. Da noi ciò che conta di più è ciò che si fa, ma qui è come si fa. Ad esempio, per una bacinella di rame con due pesci pagano ventimila franchi, e inoltre considerano questo artigiano del rame il primo pittore, e, forse, non senza ragione.
Visitato nel 1883 in una mostra a Parigi V.I. Surikov ammirava paesaggi, nature morte e dipinti raffiguranti fiori. Scriveva: “I pesci di Gibert sono buoni. La melma di pesce è trasmessa magistralmente, in modo colorato, impastata tono su tono”. C'è nella sua lettera a P.M. Tretyakov e parole del genere: “E i pesci di Gilbert sono un miracolo. Bene, puoi prenderlo completamente nelle tue mani, è scritto per ingannare ".
Sia Polenov che Surikov potrebbero diventare eccellenti maestri della natura morta, come dimostrano gli oggetti magistralmente dipinti nelle loro composizioni ("Sick" di Polenova, "Menshikov in Berezov" di Surikov).
V.D. Polenova. "Malato", 1886, Galleria Tretyakov
La maggior parte delle nature morte create da famosi artisti russi negli anni 1870 e 1880 sono opere di natura abbozzata, che mostrano il desiderio degli autori di trasmettere le caratteristiche delle cose. Alcuni opere simili raffigurano oggetti insoliti e rari (ad esempio, uno studio con una natura morta per il dipinto di I.E. Repin "I cosacchi scrivono una lettera al sultano turco", 1891). Tali opere non avevano alcun significato indipendente.
Nature morte di A.D. Litovchenko, realizzati come bozzetti preparatori per la grande tela “Ivan il Terribile mostra i suoi tesori all'ambasciatore Horsey” (1875, Museo Russo, San Pietroburgo). L'artista ha mostrato lussuosi tessuti broccati, armi intarsiate pietre preziose, oggetti d'oro e d'argento conservati nei tesori reali.
Più rare a quel tempo erano le nature morte di studio, che rappresentavano oggetti domestici ordinari. Tali opere sono state create con lo scopo di studiare la struttura delle cose, e sono state anche il risultato di un esercizio di tecnica pittorica.
La natura morta ha svolto un ruolo importante non solo nel genere, ma anche in ritratto dipinto. Ad esempio, nella foto I.N. Kramskoy "Nekrasov nel periodo" Ultime canzoni” (1877-1878, Galleria Tretyakov, Mosca) gli oggetti fungono da accessori. SN Goldstein, che ha studiato il lavoro di Kramskoy, scrive: “Alla ricerca della composizione complessiva dell'opera, si sforza di garantire che l'interno che ricrea, nonostante il suo carattere quotidiano, contribuisca principalmente alla consapevolezza dell'immagine spirituale del poeta, il significato immutabile della sua poesia. E in effetti, i singoli accessori di questo interno - volumi di Sovremennik, impilati a caso su un tavolo accanto al letto del paziente, un foglio di carta e una matita nelle sue mani indebolite, un busto di Belinsky, un ritratto di Dobrolyubov appeso al muro - acquisito in quest'opera il significato non di segni esterni della situazione, ma di reliquie strettamente associate all'immagine di una persona.
Tra le poche nature morte dei Viandanti, il posto principale è occupato dai “bouquet”. Un interessante “Bouquet” di V.D. Polenov (1880, Abramtsevo Estate Museum), nel modo di esecuzione che ricorda un po 'le nature morte di I.E. Repin. Senza pretese nel motivo (piccoli fiori selvatici in un semplice vaso di vetro), si diletta comunque con la sua pittura libera. Nella seconda metà del 1880, mazzi simili apparvero nei dipinti di I.I. Levitano.
In un modo diverso, IN mostra i fiori allo spettatore. Kramsky. Molti ricercatori ritengono che due dipinti siano “Bouquet of Flowers. Phloxes” (1884, Galleria Tretyakov, Mosca) e “Roses” (1884, collezione R.K. Viktorova, Mosca) furono creati dal maestro mentre lavorava alla tela “Inconsolable Sorrow”.
Kramskoy ha dimostrato due "bouquet" alla XII mostra itinerante. Composizioni spettacolari e luminose raffiguranti fiori da giardino su uno sfondo scuro hanno trovato acquirenti anche prima dell'apertura della mostra. I proprietari di queste opere erano Baron G.O. Gunzburg e l'Imperatrice.
Alla IX Mostra itinerante del 1881-1882, l'attenzione del pubblico fu attratta dal dipinto di K.E. Makovsky, nominato nel catalogo "Nature morte" (ora è in Galleria Tretyakov intitolato "Nello studio dell'artista"). La grande tela raffigura un enorme cane adagiato su un tappeto e un bambino che si protende da una poltrona verso la frutta sul tavolo. Ma queste figure sono solo i dettagli di cui l'autore ha bisogno per far rivivere la natura morta: molte cose lussuose nello studio dell'artista. Scritto nelle tradizioni dell'arte fiamminga, il dipinto di Makovsky tocca ancora l'anima dello spettatore. L'artista, portato via dal trasferimento della bellezza delle cose costose, non è riuscito a mostrare la propria individualità e ha creato un'opera il cui obiettivo principale è dimostrare ricchezza e lusso.
Tutti gli oggetti nella foto sembrano raccolti per stupire lo spettatore con il loro splendore. Sul tavolo c'è una tradizionale natura morta con frutta: grandi mele, pere e uva su un piatto grande e bello. C'è anche una grande tazza d'argento, decorata con ornamenti. Nelle vicinanze si trova un vaso in maiolica bianca e blu, accanto al quale si trova un'arma antica riccamente decorata. Il fatto che si tratti della bottega di un artista ricorda i pennelli posti in un'ampia brocca sul pavimento. La poltrona dorata ha una spada in un lussuoso fodero. Il pavimento è ricoperto da un tappeto con un ornamento luminoso. Anche i tessuti costosi servono come decorazione: broccato rifinito con una folta pelliccia e velluto da cui è cucita la tenda. Il colore della tela è sostenuto in tonalità sature con una predominanza di scarlatto, blu, dorato.
Da tutto quanto sopra, è chiaro che nella seconda metà del XIX secolo la natura morta non ha svolto un ruolo significativo nella pittura russa. È stato distribuito solo come studio per un dipinto o uno studio didattico. Molti artisti che hanno eseguito nature morte come parte del programma accademico non sono tornati a questo genere nel loro lavoro indipendente. Le nature morte venivano dipinte principalmente da non professionisti che creavano acquerelli con fiori, bacche, frutti, funghi. I grandi maestri non consideravano la natura morta degna di attenzione e usavano oggetti solo per mostrare in modo convincente l'ambientazione e decorare l'immagine.
I primi inizi di una nuova natura morta si possono trovare nei dipinti di artisti che hanno lavorato a cavallo tra il XIX e il XX secolo: I.I. Levitan, I.E. Grabar, VE Borisov-Musatov, M.F. Larionova, K.A. Korovin. Fu in quel momento che la natura morta apparve nell'arte russa come genere indipendente.
Ma era una natura morta molto particolare, intesa da artisti che lavoravano in modo impressionistico, non come una normale composizione a soggetto chiuso. I maestri raffiguravano i dettagli di una natura morta in un paesaggio o in un interno, e per loro non era tanto la vita delle cose ad essere importante, quanto lo spazio stesso, una foschia di luce che dissolve i contorni degli oggetti. Di grande interesse sono anche le nature morte grafiche di M.A. Vrubel, distinti per la loro originalità unica.
All'inizio del XX secolo, artisti come A.Ya. Golovin, S.Yu. Sudeikin, A.F. Gaush, B.I. Anisfeld, I.S. Scolaro. Una nuova parola in questo genere è stata detta anche da N.N. Sapunov, che ha creato intera linea quadri su tavola con mazzi di fiori.
Nel 1900 molti artisti di varie direzioni si sono rivolti alla natura morta. Tra questi c'erano i cosiddetti. Cezannisti di Mosca, simbolisti (P.V. Kuznetsov, K.S. Petrov-Vodkin), ecc. Le composizioni di soggetti occupavano un posto importante nell'opera di maestri famosi come M.F. Larionov, N.S. Goncharova, A.V. Lentulov, R.R. Falco, P.P. Konchalovsky, A.V. Shevchenko, DP Shterenberg, che ha reso la natura morta a tutti gli effetti tra gli altri generi nella pittura russa del XX secolo.
Un elenco di artisti russi che hanno utilizzato elementi di natura morta nel loro lavoro occuperebbe molto spazio. Pertanto, ci limitiamo al materiale qui presentato. Gli interessati possono saperne di più sui link forniti nella prima parte di questa serie di post sul genere della natura morta.
Post precedenti: Parte 1 -
Parte 2 -
Parte 3 -
Parte 4 -
Parte 5 -
Oggi sono stato a una mostra al Museo nazionale ucraino di arte moderna.
Mi è piaciuto molto. Condivido.
Viktor Toločko
1922-2006, Yalta
"Natura morta primaverile", 1985
olio, tela.
Viktor Toločko
"Natura morta con teiera bianca", 1993
olio, tela
/Nato a Melitopol, partecipante alla seconda guerra mondiale, ha studiato a Kharkov. Dirigeva il Museo d'arte di Yalta, che a quel tempo occupava le sale del Palazzo Vorontsov. Poi si è trasferito a Donetsk. Nei suoi anni di declino è tornato in Crimea. Dipinse nature morte, paesaggi e ritratti. Artista del popolo Ucraina/.
Ibrahim Litinsky
1908-1958, Kiev
"Natura morta con peonie al pianoforte", 1958
olio, tela
/Litinsky Ibrahim Moiseevich (1908 - 1958) - Artista ucraino, ritrattista, maestro di manifesti politici e cinematografici. Diplomato alla Kyiv Art and Industrial School, ha poi studiato alla Kiev istituto d'arte alla facoltà di teatro e cinema (1927 - 1928). Ha dipinto ritratti di personaggi di spicco: Stalin, Panas Saksagansky, Ivan Patorzhinsky, Natalia Uzhviy, Gnat Yura. Le opere dell'artista si trovano in diverse collezioni private./(Con)
Nina Dragomirova
1926
"Natura morta con verdure", 1971
/artista ucraino, pittore. Diplomato alla scuola d'arte della Crimea dal nome. N.Samokisha (1952). Membro dell'Unione Nazionale degli Artisti dal 1970. Maestro del paesaggio e della natura morta. Le opere si trovano in numerose collezioni private in Ucraina. (c) /
Sergej Shapovalov
1943, Kirovograd
"Natura morta". 1998
Olio su tela
/ Diplomato all'Istituto Statale d'Arte di Kiev. Membro dell'Unione degli artisti dell'Ucraina. Artista onorato dell'Ucraina (2008). Una parte significativa delle opere dell'artista si trova in mostre d'arte itineranti dei Ministeri della Cultura e dei musei dell'Ucraina. Molte delle opere dell'artista sono in collezioni private. Ha preso parte a mostre commerciali estere ("New York. Inter-Expo 2002" (USA), "Russian House" a Berlino (Germania). Nel 2004 si è svolta la mostra personale dell'artista a Guadalajara (Spagna) (c) /.
Fedor Zacharov
1919-1994, Yalta
"Lilla", 1982
olio, tela
/ Eccezionale pittore, maestro del paesaggio e della natura morta. Nato con. Alexandrovskoye, regione di Smolensk. Nel 1935-1941 studiò alla scuola d'arte industriale. M. Kalinin a Mosca, nel 1943-1950 - presso l'Istituto d'arte di Mosca. V. Surikov con A. Lentulov, I. Chekmasov e G. Ryazhsky. Nel 1950 si trasferisce a Simferopol, dove insegna alla Scuola d'Arte. N. Samokish. Nel 1953 si stabilì a Yalta. Operaio d'arte onorato della SSR ucraina dal 1970, artista popolare della SSR ucraina dal 1978.
Laureato Premio di Stato SSR ucraino T. Shevchenko (1987). Le mostre commemorative dell'artista si sono tenute presso la Galleria Statale Tretyakov (2003), a Simferopol (2004) ea Kiev (2005). Le opere sono conservate nella Galleria Statale Tretyakov, nel Museo Nazionale d'Arte dell'Ucraina, Feodosiya galleria d'arte loro. I. Aivazovsky, Simferopol, Sebastopoli musei d'arte e altri (c) /
Sergej Duplij
1958, Kiev
"Phlox", 2003
olio, tela
/ Nato nel 1958 nel villaggio di Sidorovka, nella regione di Cherkasy.
Una grande influenza sulla sua formazione come artista fu il lavoro di I. Grabar, N. Glushchenko e F. Zakharov.
Membro dell'Unione Nazionale degli Artisti dell'Ucraina dal 2000. Vive e lavora a Rzhishchev (c) /
Valntina Tsvetkova
1917-2007, Jalta
"Fiori d'autunno", 1958
olio, tela
/Pittore ucraino e russo, maestro del paesaggio e della natura morta. Nato ad Astrakhan, in Russia. Laureato nel 1935 ad Astrakhan scuola d'arte. Premiato con ordini e medaglie. Artista popolare ucraino dal 1985. Ha vissuto e lavorato a Yalta.(c) /
Stepan Titto
1941-2008, Leopoli
"Natura morta", 1968
olio, tela
/Nato nel villaggio di Stilskoe, nella regione di Lviv.
Nel 1949, la famiglia dell'artista fu repressa ed esiliata nel territorio di Khabarovsk. Nel 1959, Stepan Titko si diplomò al liceo ed entrò nel dipartimento di arte e grafica dell'Istituto poligrafico statale di Khabarovsk e, nel 1961, dell'Istituto d'arte di Khabarovsk. Dal 1964 ha vissuto a Komsomolsk-on-Amur e ha lavorato come grafico presso l'Istituto di Cosmonautica. Nel 1966, insieme alla sua famiglia, l'artista tornò in Ucraina, si stabilì a Novy Rozdil, nella regione di Lviv, e lavorò come insegnante di disegno in una scuola. Dal 1969 al 1971 Titko S.I. è in viaggio d'affari Isola giapponese Sakyu.
Nel 1974 ha partecipato alla "mostra di bulldozer". Fu accusato di formalismo e di un atteggiamento filo-occidentale nei confronti dell'arte.
Le opere di Titko S.I. sono conservati in musei e collezioni private in Ucraina, Polonia, Germania, Francia, Stati Uniti e altri paesi.
Konstantin Filatov
1926-2006, Odessa
"Natura morta con una tazza", 1970
cartone, olio
Konstantin Filatov
1926-2006, Odessa
"Melanzane e peperoni", 1965
tela su cartone, olio
/Artista onorato dell'Ucraina. Nato a Kiev.
Nel 1955 si laureò all'Odessa Art College intitolato a M.B. Grekov. Dal 1957 - partecipante a mostre d'arte repubblicane, sindacali e straniere. Membro dell'Unione degli artisti della SSR ucraina dal 1960.
Ha lavorato nel campo della pittura da cavalletto. Autore di numerosi dipinti di genere, paesaggi, ritratti e nature morte.
Dal 1970 al 1974 - insegnante all'Odessa Art College.
Nel 1972 è diventato il vincitore del Premio di Stato della SSR ucraina. T. Shevchenko per i dipinti "Red Square" e "V. I. Lenin. Nel 1974 gli è stato conferito il titolo di "Artista onorato della SSR ucraina".
Le opere di K.V. Filatov sono presentati in musei e collezioni private in Ucraina e all'estero. (Con)/
Pavel Miroshnichenko (questo lavoro mi piace molto!)
1920-2005, Sebastopoli
"Natura morta", 1992
olio, tela
/Artista onorato dell'Ucraina. Pittore paesaggista, maestro della natura morta. Nato a Belovodsk, nella regione di Luhansk.
Membro del Grande Guerra patriottica. Premiato con ordini e medaglie.
Dal 1946 al 1951 ha studiato alla Crimea Art School. NS Samokish. Dal 1951 l'artista ha vissuto e lavorato a Sebastopoli.
Dal 1965 Miroshnichenko P.P. - Membro dell'Unione degli artisti dell'Ucraina.
Le opere sono nel Museo d'arte di Sebastopoli. MP Kroshitsky e altri musei e collezioni private in Ucraina, Russia, Francia, Germania, Giappone, USA, Polonia e Repubblica Ceca. Cinque paesaggi marini sono stati acquistati per il Museo di arte russa in Giappone. (c) /
Gayane Atoyan
1959, Kiev
"Fiordalisi", 2001
olio, tela
/ Nel 1983 si è diplomata all'Istituto Statale d'Arte di Kiev. Considera sua madre, un'artista, la sua principale insegnante. Tatyana Yablonskaya. Dal 1982 partecipa a mostre d'arte.
Nel 1986 è stata ammessa all'Unione degli Artisti dell'Ucraina.
Le opere di Gayane Atoyan sono nei musei d'arte di Kyiv, Zaporozhye, Khmelnitsky, in collezioni private in Ucraina e all'estero. (c) /
Evgenij Egorov
1917-2005, Charkiv
"Rose", 1995
carta, pastello
/ Ha lavorato presso l'Istituto di arte e industria di Kharkov (ora KhGADI) dal 1949 al 2000. (dal 1972 al 1985 - rettore) /.
Sergei Shurov
1883-1961, Kiev
"Natura morta", anni '50
Carta, acquerello
Igor Kotkov
1961, Kiev
"Natura morta con fiori rossi" 1990
olio, tela
/ Diplomato alla Kyiv Republican Art School, poi all'Accademia d'arte di Kiev. Ha lavorato come scenografo presso lo studio cinematografico "UkrAnimafilm" creando cartoni animati per adulti. A poco a poco, l'artista ha sviluppato il proprio stile di scrittura, il proprio stile creativo. Ora dipingere è il suo passatempo preferito e il lavoro della sua vita. Nel suo arsenale creativo ci sono diverse dozzine di opere in collezioni private in Ucraina, Russia, Germania, Gran Bretagna, Stati Uniti, Canada, due mostre personali a Kiev e la partecipazione a molte altre mostre.
Vladimir Mikita (classe!)
1931, Transcarpazia
"Natura morta di Hutsul", 2002
tela, tecnica mista
/Artista popolare dell'Ucraina.
Nato nel villaggio di Rakoshino, distretto di Mukachevo, regione della Transcarpazia. Nazionalità - Rusyn.
Nel 1947, dopo la nona elementare, superò gli esami presso la Scuola di arti applicate di Uzhgorod e fu ammesso al terzo anno.
Dal 1951 al 1954 fu nei ranghi Esercito sovietico sull'isola di Sachalin. Dopo l'esercito, è stato assunto presso i Laboratori di Arte e Produzione del Fondo Artistico della Transcarpazia, dove ha lavorato fino al suo pensionamento nel 2001.
Nel 1962 fu ammesso all'Unione degli artisti dell'Ucraina. Nel 2005 - vincitore Premio Nazionale Ucraina loro. Taras Shevchenko.
È stato insignito degli ordini di Yaroslav il Saggio V e IV grado. Dal 2010 - Cittadino onorario di Uzhgorod.
Le opere dell'artista sono nei fondi dei Ministeri della Cultura di Ucraina e Russia, in vari musei d'arte, anche stranieri: Lituania, Slovacchia, Germania, Ungheria, Serbia, Venezuela e in collezioni private in tutto il mondo. (c) /
Anastasia Kalyuzhnaya(piace anche molto)
1984, Kerch
"Natura morta" 2006
olio, tela
/Anastasia Kalyuzhnaya si è laureata all'Accademia Nazionale di arti visive Ucraina, Scuola d'Arte Roman Serdyuk. La ricca esperienza della scuola di pittura ucraina è servita come base per lo sviluppo dell'artista. Ora lavora a Kerch in maniera realistica pittura. (c) /
Mikhail Roskin
1923-1998, Uzhgorod
"Vaso di cristallo con fiori", 1990
carta, pastello
/Nato a Nikopol, nella regione di Dnepropetrovsk. Ha ricevuto una formazione artistica e professionale presso lo Studio degli artisti militari. MB Grekova. Membro dell'Unione Nazionale degli Artisti dell'Ucraina dal 1978 (c) /
Elena Yablonskaya
1918-2009, Kiev
"Tabacco profumato alla finestra", 1945
cartone, olio
/ Sorella dell'artista Tatyana Yablonskaya. La moglie dell'eminente Artista ucraino EV Volobueva.
Nel 1941 si laureò all'Istituto Statale d'Arte di Kiev. Nel 1945 le fu conferita la Medaglia "Per il valoroso lavoro nella Grande Guerra Patriottica del 1941-1945".
Membro dell'Unione degli artisti dell'URSS dal 1944.
Maestro della pittura da cavalletto e della grafica per libri. Elena Nilovna ha illustrato libri per vent'anni. Diverse generazioni di bambini sono cresciute al suo lavoro. L'artista ha anche condotto parallelamente attività pedagogiche: ha insegnato a grafici e scultori.
Nel 1977 gli è stato conferito il titolo di "Artista onorato dell'Ucraina".
Le opere di E.N. Yablonskaya sono presentati nel Museo Nazionale d'Arte dell'Ucraina, in musei, gallerie e collezioni private in Ucraina, Germania, Inghilterra, Stati Uniti e in altri paesi.
Oksana Pilipchuk
1977, Kiev
"Natura morta", 2001
olio, tela
/ Pilipchuk Oksana Dmitrievna - pittore, membro dell'Unione nazionale degli artisti dell'Ucraina, insegnante di Kiev Università Nazionale costruzione e architettura (dipartimento di disegno e pittura).
Le opere sono conservate in molti musei ucraini, così come in collezioni private in Ucraina, Bielorussia, Russia, Olanda, Stati Uniti, Giappone, Slovacchia, Repubblica Ceca, Polonia, Germania, Israele, Francia./
Evgenij Smirnov
1959, Sebastopoli
"Natura morta con pere verdi", 2000
olio, tela
/Nato a Rybinsk, Regione di Yaroslavl, Russia. Dal 1975 al 1979 ha studiato alla facoltà di pittura del Saratov Art College. Bogolyubov. Dopo la laurea, Evgeny Smirnov si trasferisce a Sebastopoli.
Nel 1993 è entrato a far parte dell'Unione Nazionale degli Artisti dell'Ucraina. Dal 2005 - Artista onorato dell'Ucraina.
Le opere dell'artista sono nel Museo d'arte di Sebastopoli. M.P. Kroshitsky e in altri musei e collezioni private in Ucraina, Russia, Germania e altri paesi./
Vera Chursina
1949, Charkov
"Natura morta serale", 2005
olio, tela
/ Grafico, pittore.
Nato con. Borisovka, regione di Belgorod, Russia.
Nel 1972 si è diplomata all'Istituto pedagogico statale di Oryol - dipartimento di arte e grafica.
Nel 1980 ha difeso il suo diploma presso l'Istituto di arte e industria di Kharkov, specializzandosi in "Grafica da cavalletto". Operaio d'arte onorato dell'Ucraina, membro del ramo di Kharkov dell'Unione nazionale degli artisti dell'Ucraina, insegnante del Kharkov accademia statale Design e Arti, Professore del Dipartimento di Pittura.
Partecipa a mostre internazionali, tutte ucraine e regionali.
Dal 1992 - membro dell'Unione Nazionale degli Artisti dell'Ucraina (c) /
Vladimir Kuznetsov
1924-1998, Charkov
"Natura morta", 1992
olio, cartone
/ Laureato al Kharkov Institute of Arts (1954), ha insegnato lì. Partecipa regolarmente a mostre cittadine, regionali e regionali dal 1954. Le opere dell'artista sono in molte musei regionali, in collezioni private in Russia e all'estero./
Alessandro Gromovoi
1958
"Natura morta", 2011
olio, tela
/Nato nel villaggio di Krasnopolye, nella regione di Mykolaiv.
Nel 1987 si è laureato a Uzhgorod Università Statale, nel 1993 - la facoltà di arte e grafica dell'Istituto pedagogico di Odessa intitolato a K.D.Ushinsky. Membro dell'Unione Nazionale degli Artisti dell'Ucraina dal 1995./
Azat Safin
1961, Charkov
"Natura morta" 2003
olio, tela
Anna Faynermann
1922-1991, Kiev
"Natura morta con cenere di montagna", 1966
cartone, olio
/ Nato nel villaggio di Uspenskaya, distretto di Beloglinsky, territorio di Krasnodar, Russia. Nel 1941 si laureò all'art Scuola superiore loro. TG Shevchenko. Dopo essersi laureata nel 1945 presso la Facoltà di giornalismo dell'Università degli Urali, è entrata all'Istituto d'arte di Kiev, dove si è laureata nel 1951.
Mentre studiava all'istituto, ha lavorato come collaboratrice letteraria e correttrice di bozze nella casa editrice "Ucraina sovietica".
La moglie del famoso artista ucraino Rapoport Boris Naumovich.
Membro dell'Unione degli artisti della SSR ucraina dal 1955. Le opere sono conservate in musei, gallerie e collezioni private in Ucraina e all'estero./
Adalberto Marton
1913-2005, Užhorod
Natura morta, 1969
carta, pastello
/Pittore ucraino-ungherese. Maestro del paesaggio e della natura morta della Transcarpazia.
Nato a Clerton, Stati Uniti. Nel 1936 si diplomò alla scuola industriale artistica di Gablontsi, in Cecoslovacchia.
Dal 1937 ha vissuto e lavorato a Uzhgorod. Dal 1957 partecipa a mostre regionali, repubblicane, sindacali e internazionali. Le opere dell'artista si trovano in musei, gallerie e collezioni private in Ucraina, Russia, Ungheria, Stati Uniti, Canada e Giappone. Nel 1972 l'artista si trasferisce in Ungheria, dove muore nel 2005. (c) /
Alessandro Sheremet
1950, Kiev
"Natura morta", 2001
olio, tela
Konstantin-Vadim Ignatov
1934, Kiev
"Cerimonia del tè" 1972
tela a tempera
/Nato a Kharkov (Ucraina). Studiato a scuola d'arte città di Kiev, ha studiato anche al Kiev State Art Institute.
IN Tempo sovietico aveva una reputazione come illustratore eccezionale e ha lavorato per circa 30 anni presso la casa editrice Veselka, dove ha illustrato più di 100 libri. Membro dell'Unione Nazionale degli Artisti dell'Ucraina./
Lesya Pryymych
1968
"Serata Santa", 2013
olio, tela
/ Nato a Uzhgorod, nella regione della Transcarpazia.
Laureato a Leopoli istituto statale applicato e arte decorativa(1992). Pittore. Membro dell'Unione Nazionale degli Artisti (2006)./
Andrej Zvezdov
1963-1996, Kiev
natura morta con foglie d'autunno" 1991
olio, cartone
Karl Zvirinsky
1923-1997
"Natura morta", 1965
Zoja Orlova
1981, Kiev
Natura morta", 2004
cartoncino, tecnica mista
Oleg Omelchenko
1980
"Natura morta con orologio", 2010
olio, tela
Nikolay Kristopchuk
1934, Leopoli
"Natura morta del Kosovo", 1983
olio, tela
Boris Kolesnik
1927-1992, Charkov
"Natura morta", 1970
cartone, olio
/Nato con. Vilshany, regione di Kharkiv.
Nel 1943-1949. ha studiato alla Kharkov State Art School, nel 1949-1955. - presso l'Istituto statale d'arte di Kharkov.
Nel 1965 è entrato a far parte dell'Unione degli artisti della SSR ucraina.
Autore di dipinti lirici di genere, che rivelano la vita e le tradizioni del popolo ucraino.
Opere di Kolesnik B.A. sono conservati nel Museo d'arte russa di Kiev, nei musei d'arte di Kharkov e in altre città dell'Ucraina e dell'ex Unione Sovietica./
Konstantin Lomykin
1924-1993, Odessa
"Pere", 1980
cartone, pastello
/Pittore, grafico. Artista popolare dell'Ucraina.
Nato a Glukhov, nella regione di Sumy. Nel 1951 si laureò all'Odessa Art College. Membro dell'organizzazione di Odessa dell'Unione degli artisti della SSR ucraina dal 1953.
Autore di dipinti tematici, opere genere domestico, paesaggi e nature morte.
Operaio d'arte onorato della SSR ucraina.
Le opere dell'artista si trovano nei musei d'arte dell'Ucraina, nonché in collezioni private in Ucraina, Russia, Giappone, Francia, Grecia, Germania, Italia, Portogallo e altri paesi./
Alexander Khmelnitsky
1924-1998, Charkov
"Natura morta con cappello rosso"
olio, tela
/Nato a Charkov.
Ha partecipato a operazioni di combattimento durante la Grande Guerra Patriottica.
Dal 1947 al 1953 ha studiato al Kharkov State Art Institute, poi ha insegnato al Kharkiv Art Institute, (Kharkiv Art and Industry Institute), da1978 - professore
Nel 1956 fu accettato come membro dell'organizzazione di Kharkov dell'Unione degli artisti dell'Ucraina, fu presidente della sezione pittura.
Nel 1974 ha partecipato alla creazione del diorama "Forcing the Dnieper" in collaborazione con A. Konstantinopolsky, V. Mokrozhitsky, V. Parchevsky per il Museo della Grande Guerra Patriottica a Kiev.
Artista popolare dell'Ucraina. Dal 1997 è membro corrispondente dell'Accademia delle arti dell'Ucraina.
Le opere dell'artista sono in musei, gallerie, collezioni private in Ucraina e all'estero./
Vladimir Boguslavsky
1954, Leopoli
"Brocca di bronzo", 2005
olio, tela
Spero ti sia piaciuto.
Grazie per l'attenzione!
Che strano dipinto è - una natura morta: ti fa ammirare una copia di quelle cose, di cui non ammiri gli originali.
Blaise Pascal
In effetti, hai mai guardato la frutta dal tavolo della cucina? Beh... tranne quando avevi fame, giusto? Ma un'immagine con una composizione di frutta o un lussuoso bouquet di fiori può essere ammirata per ore. Questa è la magia speciale della natura morta.
Tradotto dal francese, natura morta significa "natura morta"(natura morta). Tuttavia, questa è solo una traduzione letterale.
Infatti natura morta- questa è un'immagine di oggetti immobili e congelati (fiori, verdura, frutta, mobili, tappeti, ecc.). Le prime nature morte si trovano sugli affreschi dell'antica Grecia e dell'antica Roma.
Natura morta (affresco da Pompei) 63-79, Napoli, Galleria Nazionale di Capodimonte. Autore sconosciuto.
Quando un amico veniva a visitare un romano, le regole di buona educazione esigevano che il padrone di casa mostrasse il meglio della sua argenteria. Questa tradizione si riflette vividamente in una natura morta della tomba di Vestorius Prisca a Pompei.
Al centro della composizione c'è un vaso per mescolare vino e acqua, l'incarnazione del dio della fertilità Dioniso-Libero. Su entrambi i lati del tavolo d'oro sono disposte simmetricamente brocche, mestoli, corni per il vino.
Tuttavia, una natura morta non è solo frutta, verdura e fiori, ma anche... un teschio umano, progettato per riflettere la caducità vita umana. È così che i sostenitori del genere Vanitas, rappresentanti della fase iniziale dello sviluppo della natura morta, rappresentavano la natura morta.
Un esempio eccezionale è una natura morta allegorica di un artista olandese Willem Klas Heda, dove accanto al teschio c'è una pipa - simbolo dell'inafferrabilità dei piaceri terreni, un vaso di vetro - riflesso della fragilità della vita, chiavi - simbolo del potere di una casalinga che gestisce le scorte. Il coltello simboleggia la vulnerabilità della vita e il braciere, in cui i carboni brillano a malapena, significa la sua estinzione.
Vanità. Vanitas, 1628, di Willem Claesz Heda.
Willem Heda è giustamente chiamato "Maestro della colazione" Con l'aiuto di un'interessante disposizione di cibo, piatti e utensili da cucina, l'artista ha trasmesso in modo sorprendentemente accurato l'atmosfera dei dipinti. E la sua abilità nel rappresentare il bagliore della luce su superfici perfettamente lisce di ciotole d'argento e calici di vetro ha stupito anche gli eminenti contemporanei dell'artista.
È incredibile con quanta precisione e delicatezza Kheda sia riuscita a trasmettere ogni piccola cosa: i giochi di luce, i tratti della forma, i colori degli oggetti. In tutti i dipinti dell'olandese - mistero, poesia, sincera ammirazione per il mondo degli oggetti.
Nature morte di artisti famosi
La natura morta era spesso amata artisti famosi. Riguarda i maestri del pennello e le loro deliziose opere che ti racconterò ulteriormente.
Pablo Picasso è l'artista più costoso del mondo
Unico e inimitabile: questo è ciò che chiamano eccezionale Artista spagnolo 20 ° secolo Pablo Picasso. Ogni opera dell'autore è un tandem di design originale e genialità.
Natura morta con mazzo di fiori, 1908
Natura morta con lampadine, 1908
Oltre al realistico tradizionalmente perfetto, pieno di colori chiari e luminosi, o cupo, realizzato nei toni grigio-bluastri delle nature morte, Picasso amava cubismo. L'artista ha disposto gli oggetti oi personaggi dei suoi dipinti in piccole forme geometriche.
E sebbene i critici d'arte non abbiano riconosciuto il cubismo di Picasso, ora le sue opere sono ben vendute e appartengono ai collezionisti più ricchi del mondo.
Chitarra e spartiti, 1918
L'eccentrico Vincent van Gogh
Insieme alla famosa "Notte stellata", una serie di dipinti con girasoli è diventata un simbolo unico dell'opera di Van Gogh. L'artista ha progettato di decorare la sua casa ad Arles con girasoli per l'arrivo del suo amico Paul Gauguin.
“Il cielo è di un azzurro delizioso. I raggi del sole sono di un giallo pallido. Questa è una combinazione morbida e magica di toni celesti e gialli dei dipinti di Vermeer di Delft ... Non posso scrivere qualcosa di così bello ... " Van Gogh ha detto condannato. Forse è per questo che l'artista ha dipinto i girasoli innumerevoli volte.
Vaso con 12 girasoli, 1889
L'amore infelice, la povertà e il rifiuto del suo lavoro incoraggiano l'artista a compiere azioni folli e minano gravemente la sua salute. Ma l'artista di talento ha scritto ostinatamente sulla pittura: "Anche se cado novantanove volte, mi rialzerò comunque per la centesima volta."
Natura morta con papaveri rossi e margherite. Auvers, giugno 1890.
Iris. Saint-Rémy, maggio 1890
Nature morte onnicomprensive di Paul Cezanne
"Voglio restituire l'eternità alla natura",- amava ripetere il grande artista francese Paul Cezanne. L'artista ha raffigurato non un gioco casuale di luci e ombre, non mutevoli, ma le caratteristiche costanti degli oggetti.
Nel tentativo di mostrare gli oggetti da tutti i lati, li descrive in modo tale che lo spettatore ammiri la natura morta, come da diverse angolazioni. Vediamo il tavolo dall'alto, la tovaglia e la frutta di lato, la scatola nel tavolo dal basso e la brocca da diversi lati contemporaneamente.
Pesche e pere, 1895
Natura morta con ciliegie e pesche, 1883-1887
Nature morte di artisti contemporanei
Una tavolozza di colori e un'ampia varietà di sfumature consente agli attuali maestri della natura morta di ottenere un realismo e una bellezza incredibili. Vuoi ammirare gli impressionanti dipinti di talentuosi contemporanei?
il britannico Cecil Kennedy
È impossibile distogliere lo sguardo dai dipinti di questo artista: le sue erbe sono così incantevoli! Mmm... Penso di poter già sentire l'odore di questi fiori incredibilmente belli. E tu?
Cecil Kennedy è giustamente considerato l'artista britannico più eccezionale del nostro tempo. Vincitore di numerosi premi prestigiosi e uno dei preferiti di molti " i potenti del mondo questo ", tuttavia, Kennedy divenne famoso solo quando aveva ben più di 40 anni.
Artista belga Julian Stappers
Le informazioni sulla vita dell'artista belga Julian Stappers sono scarse, cosa che non si può dire dei suoi dipinti. Allegre nature morte dell'artista sono nelle collezioni delle persone più ricche del mondo.
Gregory Van Raalte
L'artista americano contemporaneo Gregory Van Raalte presta particolare attenzione al gioco di luci e ombre. L'artista è convinto che la luce non debba cadere direttamente, ma attraverso la foresta, le foglie degli alberi, i petali dei fiori o riflessa dalla superficie dell'acqua.
L'artista di talento vive a New York. Ama disegnare nature morte con la tecnica dell'acquerello.
L'artista iraniano Ali Akbar Sadehi
Ali Akbar Sadeghi è uno degli artisti iraniani di maggior successo. Nelle sue opere combina abilmente le composizioni dei dipinti tradizionali iraniani, i miti culturali persiani con l'iconografia e l'arte del vetro colorato.
Nature morte di artisti ucraini moderni
Qualunque cosa tu dica, ma nei maestri ucraini del pennello - la loro visione unica della natura morta di Sua Maestà. E ora te lo dimostrerò.
Sergej Shapovalov
I dipinti di Sergei Shapovalov sono pieni di raggi di sole. Ciascuno dei suoi capolavori è pieno di luce, bontà e amore per terra natia. E l'artista è nato nel villaggio di Ingulo-Kamenka, distretto di Novgorodkovsky, regione di Kirovograd.
Sergey Shapovalov è un artista onorato dell'Ucraina, membro dell'Unione nazionale degli artisti.
Igor Derkachev
L'artista ucraino Igor Derkachev è nato nel 1945 a Dnepropetrovsk, dove tuttora vive. Per venticinque anni ha frequentato lo studio d'arte della Casa della Cultura degli Studenti. Y. Gagarin, prima come studente e poi come insegnante.
I dipinti dell'artista sono trafitti dal calore, dall'amore per le tradizioni autoctone e dai doni della natura. Questo calore speciale attraverso i dipinti dell'autore viene trasmesso a tutti gli ammiratori del suo lavoro.
Vittorio Dovbenko
Secondo l'autore, le sue nature morte sono uno specchio propri sentimenti e stati d'animo. In mazzi di rose, in mazzi di fiordalisi, astri e dalie, in dipinti forestali "profumati": un aroma estivo unico e doni inestimabili della ricca natura dell'Ucraina.
