미국의 패션 일러스트레이터들의 매우 아름다운 작품. 패션 일러스트레이션 - 역사, 쇠퇴 및 중생

패션 잡지와 브랜드 카탈로그를 넘기면서 디자이너 의류와 액세서리를 착용한 완벽한 모델의 눈길을 끄는 사진을 보는 데 익숙합니다. 그런데 패셔니스타들은 카메라가 발명되고 대중화되기 이전의 의류 트렌드를 어떻게 알게 되었을까요? 잡지는 페이지에 무엇을 게재했습니까? 사진의 '조상'은 패션계의 최신 트렌드를 효과적으로 전달하고 제품을 판매할 수 있는 패션 일러스트레이션이었다. 오늘날 손으로 그린 ​​그림이 돌아와 인기를 얻고 있습니다.

패션 일러스트레이션의 역사

약 500년 전에 전 세계가 배운 패션 일러스트레이션이란 무엇인가. 16세기에 예술가들은 유행하는 의상을 입은 궁녀와 신사를 그렸고, 세기 말에는 옷의 이미지와 그들의 재단 지침이 담긴 책이 빛을 보았습니다. 최초의 패션 일러스트레이터는 1640년대부터 런던에서 거주하며 작업한 아티스트 Wenceslas Hollar로 간주됩니다. 그는 진짜 워커홀릭이었고, 거의 3,000여 개의 에칭을 그렸습니다. 다른 주제풍경화부터 여성복 그림까지. 1679년 Mercure Galant 잡지는 리옹에서 처음으로 발행되어 패셔너블한 광택 세계의 선구자가 되었습니다. 에디션에는 전설적인 예술가인 Pierre Bonnard, Abraham Bossom 등의 그림이 포함되어 있습니다.

패션 일러스트레이션의 활발한 발전은 19세기 말과 20세기 초에 이루어졌습니다. 그 당시 잡지는 일반적인 인기를 얻었고 전 세계의 패셔니 스타들은 새로운 호의 출시를 고대했습니다. 이는 곧 패션과 사람의 연결 고리가 된 위대한 일러스트레이터의 출현에 기여했습니다.

예술가 Charles Dana Gibson과 Giovanni Boldini는 19 세기 말과 20 세기 중반에 작업했으며 바로 그 개념의 형성에 큰 영향을 미쳤습니다. 여성의 아름다움, 절묘한 의상과 날씬한 모습으로 모델을 묘사합니다. Gibson은 특별한 관심을 기울일 가치가 있습니다. 그는 실제 여성이 모방하려고 시도한여 주인공을위한 특별한 이미지를 만들었습니다. 사실 Gibson Girls는 손으로 그린 ​​최초의 스타일 아이콘이었습니다! 패션 일러스트레이터인 Paul Iribe, Georges Barbier, Georges Lepape, Erte, Kenneth Paul Block 등도 이 장르의 발전에 특별한 공헌을 했습니다.

1930년대부터 Vogue는 표지에 사진을 게재하기 시작했으며 이는 패션 일러스트레이션에 해로운 영향을 미쳤습니다. 1960년대에 디렉션은 자신의 입장을 "항복"하고 사진에 양보했지만 결코 사라지지 않고 계속 발전했습니다.

패션 일러스트의 새로운 라운드

웹 기반 잡지, 패션 블로그 및 소셜 네트워크패션 일러스트레이션의 장르를 부활시켰습니다. 사실 사진은 사람의 상상력을 제한하고 스스로 이미지를 완성하는 것을 허용하지 않기 때문입니다. 시청자는 이상적인 모델과 함께 전체 그림을 봅니다.

의류 및 액세서리 브랜드는 점점 일러스트레이터에게 도움을 요청하고 있으며, 그림을 인쇄용으로 사용하고 직물 패턴을 사용합니다. 많은 브랜드는 브랜드 매장에서 고객의 관심을 끌기 위해 손으로 그린 ​​배너와 포스터를 선호합니다.

패션 잡지와 디자이너들은 광고 캠페인을 만들기 위해 일러스트레이션을 선택하는데, 이는 매우 자연스러운 일이기 때문입니다. 그림을 통해 구매자는 상상력을 발휘하고 생성된 이미지를 시도하고 이야기를 생각할 수 있습니다. 모델과 함께 사진을 사용할 때 항상 가능한 것은 아닙니다.

패션 산업에 대해 글을 쓰는 인기 블로거들도 삽화로 눈을 돌렸습니다. 그들은 미래의 트렌드를 반영하는 그림을 만들고 손으로 그린 ​​사본과 함께 활을 동반합니다. 그들 중 많은 사람들이 잘 알려진 잡지 나 패션 하우스에서 주목하여 협력을 제공합니다. 그래서 그려진 토끼 Fifi Lapin은 전체 브랜드로 변했습니다.

소셜 네트워크는 콘텐츠를 갈망하고 "따뜻한"콘텐츠를 원합니다. 사실 사용자는 강한 정서적 공명을 일으키지 않고 상상력을 차단하지 않는 제품의 직접 광고에 지쳤습니다. 삽화는 또한 트롤링과 부정적인 댓글을 피하는 데 도움이 되므로 사용자가 "포토샵"된 모델과 그 인물에 대해 불만을 쏟아낼 이유가 없습니다.

패션 일러스트레이터의 작품

현대 일러스트레이터들은 패션 드로잉을 되살리고 있습니다. 풍부한 역사패션 삽화. 그들은 수채화에서 아크릴에 이르기까지 다양한 기술로 작업하며 프리핸드 드로잉과 컴퓨터 기술을 훌륭하게 결합합니다.

패션 아티스트는 패션쇼에서 스케치를 만들고(그것 없이는 단일 패션 위크가 완료되지 않음) 거리 스타일을 종이로 옮기고 활을 그리고 직물 패턴을 만들고 의류 디자이너가 컬렉션을 만드는 데 도움을 줍니다. 그들은 패션 잡지, 책, 영화, 광고, 웹사이트, 소셜 네트워크의 일러스트레이션 작업을 하고 의류, 화장품, 액세서리 및 명품 브랜드, 광고 대행사, 출판사 및 디자인 사무소와 협력합니다.

일러스트레이터는 손으로 빠르게 스케치할 수 있어야 하고 전문 프로그램으로 작업할 수 있어야 합니다( 어도비 일러스트레이터, Photoshop 등), 정시에 작업에 대처하고 가장 중요한 것은 식별 가능한 개별 스타일과 무한한 영감의 원천을 갖는 것입니다.

패션 일러스트레이터 양성

21세기의 시작은 우리의 시간, 우리 모두가 살고 있는 시간, 기술의 발전과 예술의 새로운 경향의 시간입니다. 이미 중생, 르네상스, 패션 일러스트레이션, 패션 일러스트레이션의 시대라고 불립니다. 같은 오래된 좋은 그림, 20세기에는 사진으로 대체되었습니다.

패션 잡지의 표지와 페이지에서 사진을 보는 것은 너무나 흔한 일이지만, 지금은 사진 옆에 삽화가 꽤 잘 공존하고 있습니다. 일반적으로 동일한 기능을 수행합니다. 이미지를 보여주고 전송합니다. 모습이러저러한 것을 광고합니다. 사진은 현대적이며 일러스트레이션은 오래되었습니다. 그 당시 세상이 아직 카메라가 무엇인지 몰랐을 때 사진의 기능을 매우 성공적으로 수행했기 때문입니다. 그러나 그들 사이에는 차이점도 있습니다. 삽화에는 재능, 개성, 무언가에 대한 아이디어, 창의성, 따라서 작가 자신보다 훨씬 더 많은 것을 표현할 여지가 훨씬 더 많습니다. 결국 오늘날 거의 모든 사람들이 사진을 찍을 줄 알지만 그림을 그릴 줄은 모릅니다. 그리고 이것은 또한 패션 일러스트레이션에 특정한 마법을 부여합니다.

최초의 패션 일러스트레이션의 원형은 신사 숙녀 여러분, 패셔니스타 및 패션 여성을 묘사한 16세기 판화 및 동판화로 간주할 수 있습니다. 그러나 패션 일러스트레이션 자체는 19세기에 등장한다. XIX - XX 세기의 상반기 - 전성기의 시간. 프랑스 패션 디자이너 Paul Poiret는 패션 일러스트레이터를 적극적으로 지원하고 패션 일러스트레이션과 함께 작업합니다. 20세기 초, 흔히 '시금치'라고 불렸던 수많은 꽃장식들이 패션 일러스트레이션의 배경이 되었다. 그런 다음 배경이 완전히 제거되거나 더 다양해집니다.

다른 시대의 패션 일러스트

20세기 전반기에는 삽화를 전문으로 하는 협소한 전문가들뿐만 아니라 많은 저명한 예술가들이 패션 일러스트레이션 작업을 하고 있습니다. 그래서 작품의 패션 드로잉이 Vogue에 등장합니다. 그리고 러시아 예술가 Roman Tyrtov(Erte로 더 잘 알려짐)는 1914년 두 패션 잡지인 Vogue와 Harper's Bazaar에서 동시에 협력 제안을 받았습니다. 그들은 Erte가 완전히 진부한 행동을했다고 말합니다. 선택 문제로 고통받지 않기 위해 그는 단순히 "머리 또는 꼬리"라는 동전을 던졌습니다. 그리고 동전 형태의 운명은 Harper's Bazaar를 가리켰다.

패션 일러스트레이션은 1930년대까지 패션 잡지의 표지와 페이지에서 번창했습니다. 이때 사진이 그녀를 대체하기 시작했습니다.

그러나 패션 일러스트레이션의 새로운 숨결, 작은 부활은 프랑스 패션 일러스트레이터 Rene Gruault의 작품입니다. 그뤼오 오랫동안 House of Dior와 협력하여 카탈로그, 포장(향수), 광고 및 초대장까지 디자인했습니다. Rene Gruault는 40년대, 50년대, 60년대, 70년대에 Dior와 함께 일했습니다. House of Dior의 이미지는 무엇보다도 Rene Gruault에 의해 결정되었다고 말할 수 있습니다. 그러나 그는 패션 그래픽뿐만 아니라 광고, 특히 광고 분야에서 일했습니다. 60년대에 Gruault는 Valentino와도 협력했습니다. 그의 삽화는 Vogue 및 L'Officiel 잡지에 실렸습니다. 사실 20세기 중반에 그뤼오의 삽화가 사진을 이겼지만 이것은 규칙이라기보다는 유쾌한 예외에 불과했습니다. 패션 일러스트레이션에 대한 관심은 21세기 초에야 다시 일깨워졌습니다.

이 수업은 건축의 기초를 가르쳐 줄 것입니다. 비례항 날씬한 체형 fahion 스케치용. 다양한 포즈의 모델을 보여주는 다른 수업의 기초가 될 기본 지식이 포함되어 있습니다. 기본적으로 몸통 자체와 다리를 다룰 것입니다. 내가 보여줄게, 모델 피규어를 그리는 방법 8, 9 및 10 목표의 높이. 머리와 얼굴을 그리는 방법을 배우고 싶다면 이것을 확인하십시오.

우선, 모델 스케치는 사실주의의 일부가 아닙니다. 물론 모델 스케치는 보통 사람들, 대부분의 경우 실제 옷을 보여주는 역할을 하기 때문에 인물. 그러나 스케치의 비율은 실제 신체 비율과 거리가 멀다. 따라서 패션 스케치에 대한 "진짜 여성은 이렇게 보이지 않습니다"와 같은 댓글은 "그건 비현실적인 세계”, Salvador Dali의 그림에 대한 주소. 패션 스케치는 추상화입니다.

개발하기 전에 자기 스타일드로잉 fahion 일러스트, 대부분의 패션 일러스트레이터가 사용하는 "표준" 신체 비율로 작업하는 연습을 할 수 있습니다. 그래서 일하러 가자!

패션 스케치를 위해 소녀의 모습을 그립니다.

아래 이미지를 보세요. 이 세 인물 다른 비율그리고 그들은 다른 인상을줍니다. 첫 번째 그림은 정말 길쭉하고 믿을 수 없어 보입니다. 세 번째 스케치가 가장 자연스럽게 보입니다. 그러나 세 그림은 모두 같은 방식으로 만들어집니다.

원칙적으로 2.5 X 1.5 cm 크기의 머리를 그립니다. 이 예이 숫자. 따라서 머리의 길이는 2.5cm입니다(세 번째 예에서는 2.2cm). 세 가지 예 모두에서 몸통 길이(턱에서 비키니 라인까지)는 머리 세 개의 높이와 동일합니다.

머리 길이 x 3 + 1cm = 몸통 길이

2.5 x 3 + 1 = 8.5cm

1. 머리

1. 목과 어깨

Step 1. 턱에서 1 또는 1.5cm를 세어 목과 쇄골 사이의 간격인 목선을 찾습니다. 두 줄을 그립니다.

2단계. 두 개 그리기 수직선목에 (폭은 그림의 유형에 따라 다름 - 얇은 또는 운동) 및 2 수평선어깨용(어깨 너비 = 4cm).

3 단계. 곡선으로 몸의 윤곽을 그립니다.

1. 가슴

1단계. 겨드랑이를 정의합니다. 견갑골 각도와 겨드랑이 사이에 작은 원이 들어갈 수 있는 충분한 공간이 있어야 합니다.

Step 2. 네크라인에서 1cm 아래로 셉니다. 가슴의 아래쪽 윤곽을 그리기 시작합니다. 나에게 그것은 텐트 ️⛺처럼 보입니다. 그러나 이것은 물론 유방의 한 유형일 뿐이며 모양과 크기는 다양합니다. 외부 윤곽은 문자 S처럼 보입니다.

1. 허리와 엉덩이

계산에 따르면 턱에서 엉덩이까지의 몸 길이는 8.5cm이고 엉덩이 너비는 어깨 너비와 같습니다.

모래시계 체형을 그리기 위해서는 어깨의 점과 허벅지의 반대쪽 점을 연결하는 두 개의 교차 사선을 그립니다. 이런 식으로 이미지와 같이 몸의 모양을 설명합니다.

음, 세 개의 인물과 머리가 있는 이미지로 돌아갑니다. 보시다시피 세 모델의 다리 길이는 각각 6, 5, 4 헤드입니다. 계산하기만 하면 됩니다.

머리 길이 x N = 다리 길이

패턴 1: 2.5 x 6 = 15cm

그림 2: 2.5 x 5 = 12.5cm

패턴 3: 2.5 x 4 = 10cm

이 길이를 2로 나누면 무릎이 됩니다. 우리의 경우 이것은 15cm / 2 = 7.5cm입니다.

Step 1. 가랑이에서 7.5cm 아래로 계산하여 무릎을 찾습니다. 간격이 가까운 두 개의 원으로 그려야 합니다. 아래 그림과 같이 무릎의 안쪽 윤곽선을 그립니다(녹색).

Step 2. 사타구니 양쪽에 조금 더 높게 두 개의 원을 그립니다. 무릎에 연결하십시오.

STEP 3. 허벅지 안쪽 근육을 그리기 위해 사타구니 아래에 원을 하나 그리고 무릎 위에 원을 하나 더 그립니다(그림에서 3과 3'로 표시).

4단계 아래와 같이 엉덩이의 외곽선을 그립니다.

Step 5. 발목을 찾으려면 무릎 지점에서 7.5cm 아래로 셉니다. 더 작은 원으로 레이블을 지정할 수 있습니다. 그들의 위치는 약간 친한 친구무릎보다 친구에게.

6단계. 송아지의 외곽선을 그립니다. 위에 표시된 근육의 모양에 주의하십시오.

1. 피트

"발 길이"는 발목에서 엄지발가락 끝까지의 전체 길이를 의미합니다.

머리 길이 = 발 길이

2.5cm = 2.5cm

1단계. 발목 안쪽 뼈가 바깥쪽 뼈보다 높다는 것을 기억하세요.

2단계. 발의 안쪽 윤곽선을 그립니다. 그것은 외부보다 더 두드러집니다. 이 예에서는 굽이 높은 다리를 그립니다. 길이 3/4 헤드 길이.

3단계. 발의 외곽선을 그립니다.

Step 4. 신발 코 모양에 따라 다리를 그립니다.

패션 스케치용 템플릿 사용

세 가지 유형의 도형 모두에 대한 템플릿을 다운로드하여 프로젝트에 사용할 수 있습니다. 다음 수업 fahion-일러스트입니다.

비디오 교육

이 비디오 자습서는 8개의 머리가 있는 그림을 그리는 방법에 관한 것입니다. 그러나 여기서는 다른 접근 방식을 취합니다. 더 편하다고 생각하는지 확인하십시오.

삽화: David Downton: Vogue Australia의 표지에 등장한 Cate Blanchett

저는 항상 패션이 예술의 정당한 주제라고 생각했습니다… Eric, Antonio 또는 René Gruault와 같은 패션 일러스트레이터가 우리가 살고 있는 시대를 정의하는 데 도움을 준 방식을 살펴보십시오. 그들은 우리가 어떻게 보이고 싶은지, 어떻게 살고 싶은지 생각하는 데 있어서 여느 사진작가와 같았습니다.

우리 시대의 가장 유명하고 재능 있는 일러스트레이터 중 한 명인 David Downton은 말합니다.카메라가 등장하기 훨씬 전이었기 때문에 이것은 사실입니다. 새로운 패션 트렌드를 소개하고 새로운 의상과 트렌드를 선보였습니다.

패션 일러스트레이션의 역사

패션 일러스트레이션의 역사는 500년이 넘었습니다. 그 프로토 타입은 그 세기의 주요 (그리고 일반적으로 유일한) 패셔니 스타와 패셔니 스타 인 궁녀와 신사를 묘사 한 16 세기의 조각과 에칭으로 간주 될 수 있습니다. 예를 들어, 16세기 말에 스페인에서는 옷의 이미지와 재봉 지침이 담긴 책이 등장했습니다.

바츨라프 홀라르

당시 최초의 패션 일러스트레이터 중 한 명은 1640년부터 런던에서 일했던 체코의 그래픽 아티스트이자 예술가인 Wenceslaus Hollar(1607년 7월 13일 - 1677년 3월 28일)로 간주됩니다. Hollar는 에칭 기술에서 일했으며 약 2740 개의 판화를 만들었습니다. 다양한 주제, 그중에는 여성 의상 이미지가 있습니다.

1679 년 프랑스 리옹에서 세련된 광택의 역사가 시작되는 잡지 "Mercure Galant"가 등장하기 시작했습니다. 잡지는 유명 작가의 손으로 그린 ​​그림으로 장식되었습니다. 프랑스 예술가: Abraham Bosse, Pierre Bonnard 등.

그 이후로 패션 프린트를 특징으로 하는 출판물이 보편화되었고 전 세계의 패셔니스타들은 최신판을 간절히 기다리고 있습니다. 최초의 진정한 패션 잡지는 18세기 후반에 생겨났고, 패션 일러스트레이션이 활발히 발전하기 시작했으며, 그 새벽은 19세기에서 20세기 전반에 걸쳐 시작됩니다. 이번에는 예술로서의 패션에 대한 인식에 큰 영향을 미친 가장 재능있는 일러스트레이터를 세상에 선보였습니다.

1850-1900년 에서 주목할만한 인물 패션계이탈리아 화가 Giovanni Boldini(1842-1931)와 미국의 그래픽 아티스트 Charles Dana Gibson(1867-1944)이었습니다.

조반니 볼디니

조반니 볼디니(Giovanni Boldini)는 당대 최고의 초상화가였습니다. XIX 후반- XX 세기의 시작, 결국 최초의 패션 일러스트레이터 중 한 명으로 역사에 기록되었습니다. 상류 사회의 자신감 넘치는 여성들이 절묘한 이브닝 드레스를 입고 그의 그림에 등장했습니다. 100년도 더 전에 여성의 아름다움의 이상에 대한 새로운 인식에 손을 댄 사람은 조반니 볼디니였습니다. Dame Boldini는 평균보다 키가 크고 발목이 가늘고 가슴이 작으며 특히 날씬합니다.

오늘날의 패션/광택 세계에서 패션 일러스트레이션의 역할은 무엇입니까?

러시아 시장에서 일러스트레이션은 추진력을 얻고 있으며 마음을 사로잡기 시작했습니다. 사진의 예술은 더 이해하기 쉽고 더 잘 팔리기 때문에 광택의 세계 전체에서 지배적입니다. 이는 상업화된 세계에서 중요합니다. 러시아 패션 시장은 아직 젊고 패션 일러스트레이션의 문화와 역사가 없습니다. 그러나 Murzilka와 Crocodile에서 양육된 아이디어의 비 유적 표현에 대한 사랑이 있습니다. 러시아 이민자 예술가 Erte와 다른 많은 사람들의 삽화로 표지와 페이지를 장식한 세계의 광택 잡지에는 거장의 작품에 대한 방대한 기록 보관소가 있습니다. 광택은 훨씬 나중에 우리에게 왔으며 이미 사진 형식입니다. 그러나 웹 버전의 잡지, 인스타그램, 블로그 덕분에 패션을 설명하는 프레젠테이션에 대한 수요가 증가하고 있습니다.

패션 일러스트레이터가 갖춰야 할 5가지 아이템은?

스케치 패드와 끝없는 A3 용지 묶음, Moleskine 포트폴리오 폴더 또는 A3 클립이 있는 태블릿으로 작업을 저장하고 어디서나 딱딱한 표면에 앉아서 그림을 그릴 수 있습니다. 당신이 보수적이고 한 가지 기술을 좋아한다면 연필을 좋아하고, 실험을 하고 싶다면 멋진 재료가 담긴 가방 전체를 좋아합니다. 예를 들어 저는 출장을 갈 때 Faber-Castell 연필과 Winsor & Newton 마커, 잉크, 브러시 및 기타 좋은 물건을 여행 가방 반으로 가져가는 경우가 많지만 각 쇼마다 한 가지 재료를 가지고 최대한 작업합니다. .

또한 사진 촬영 및 기본 처리를 위해 휴대 전화가 필요합니다. 나는 수년 동안 iPhone을 사용해 왔으며 카메라를 좋아합니다. 그건 그렇고, 새로운 iPhone 7에는 광학 안정화 기능이 있으므로 RAW 형식으로 사진을 찍고 예를 들어 Adobe Lightroom 응용 프로그램에서 즉시 편집 할 수 있습니다. 매우 편리합니다. 그리고 전체 이미지 처리를 위해 MacBook Pro와 Photoshop을 사용합니다.

패션 일러스트레이션은 종종 매우 빠른 작업을 포함합니다. 아이디어에서 출판까지의 프로세스는 어떤 모습입니까?

제 경우에는 정확히 그렇습니다. 저는 빨리 일하는 것을 좋아합니다. 쇼의 30-60 초 스케치에서 "긴"작업 (60 분 이하, 누군가의 경우 프로세스에 수십 시간이 걸립니다-모두 기술에 따라 다름)까지. 만약 우리가 예를 들어파리 패션 위크의 일환으로 작업하는 과정은 다음과 같습니다.

백 스테이지로 갈 수 있다면 이것은 행복입니다. 모델에게 5-10 분 동안 필요한 위치에서 정지하고 스케치를 그리고 iPhone에서 사진을 찍도록 요청할 수 있기 때문입니다. 추가 작업에 필요한 각도.

나중에 최종 그림을 그릴 수 있도록 스케치 사이에 사진과 비디오를 찍기도 합니다.

공연이 끝난 저녁이나 이른 아침에 사진/동영상/스케치를 검토하고 최적의 앵글을 선택하여 최종 일러스트 작업을 합니다.

좋은 일광 HD 형식으로 사진을 찍고 좋아하는 응용 프로그램에서 즉시 편집할 수 있습니다.