Semangat dalam Plastik: Mentafsir Seni Jepun Kontemporari. Seni Kontemporari Jepun

Orang Jepun menemui keindahan yang tersembunyi dalam perkara-perkara pada abad ke-9-12, pada era Heian (794-1185) dan juga menetapkannya dengan konsep istimewa "mono tidak sedar" (物の哀れ (もののあわれ)), yang bermaksud " pesona sedih perkara. The Charm of Things adalah antara yang terawal kesusasteraan Jepun definisi kecantikan, ia dikaitkan dengan kepercayaan Shinto bahawa setiap benda mempunyai dewanya sendiri - kami - dan daya tarikannya yang tersendiri. Avare adalah intipati dalaman sesuatu, yang menyebabkan kegembiraan, keseronokan.

- Washi (wasi) atau wagami (wagami).
Pembuatan kertas manual. Jepun zaman pertengahan menghargai washi bukan sahaja untuk kualiti praktikalnya, tetapi juga untuk kecantikannya. Dia terkenal dengan kehalusannya, hampir ketelusan, yang, bagaimanapun, tidak menghilangkan kekuatannya. Washi diperbuat daripada kulit pokok kozo (mulberi) dan beberapa pokok lain.
Kertas washi telah dipelihara selama berabad-abad, bukti ini adalah album dan jilid kaligrafi Jepun kuno, lukisan, skrin, ukiran yang telah turun selama berabad-abad hingga ke hari ini.
Kertas Vasya berserabut, jika anda melihat melalui mikroskop, anda akan melihat retakan di mana udara dan cahaya matahari menembusi. Kualiti ini digunakan dalam pembuatan skrin dan tanglung tradisional Jepun.
Cenderamata Washi sangat popular di kalangan orang Eropah. Banyak barangan kecil dan berguna dibuat daripada kertas ini: dompet, sampul surat, kipas. Mereka agak tahan lama tetapi ringan.

- Gohei.
Maskot daripada jalur kertas. Gohei - kakitangan ritual seorang paderi Shinto, di mana jalur zigzag kertas dilampirkan. Jalur-jalur kertas yang sama digantung di pintu masuk ke kuil Shinto. Peranan kertas dalam Shinto secara tradisinya sangat hebat, dan makna esoterik sentiasa dilampirkan pada produk yang dibuat daripadanya. Dan kepercayaan bahawa setiap perkara, setiap fenomena, malah perkataan, mengandungi kami - dewa - menjelaskan kemunculan jenis seni gunaan seperti gohei. Shintoisme agak serupa dengan paganisme kita. Bagi penganut Shinto, kami amat bersedia untuk menetap dalam apa jua perkara yang di luar kebiasaan. Sebagai contoh, di atas kertas. Dan lebih-lebih lagi dalam gohei yang dipintal menjadi zigzag yang rumit, yang tergantung hari ini di hadapan pintu masuk ke kuil Shinto dan menunjukkan kehadiran dewa di kuil. Terdapat 20 cara untuk melipat gohei, dan kaedah yang dilipat secara luar biasa menarik minat kami. Gohei kebanyakannya berwarna putih, tetapi emas, perak dan banyak lagi warna lain turut ditemui. Sejak abad ke-9, terdapat adat di Jepun untuk menguatkan gohei pada tali pinggang ahli gusti sumo sebelum permulaan pertarungan.

- Anesama.
Ini adalah pembuatan anak patung kertas. Pada abad ke-19, isteri samurai membuat anak patung kertas yang dimainkan oleh kanak-kanak, memakaikan mereka dengan pakaian yang berbeza. Pada masa-masa ketika tidak ada mainan, anesama adalah satu-satunya teman bicara untuk kanak-kanak, "melaksanakan" peranan ibu, kakak, anak dan kawan.
Anak patung itu dilipat dari kertas washi Jepun, rambut diperbuat daripada kertas berkerut, dicelup dengan dakwat dan ditutup dengan gam, yang memberikannya kilauan. Ciri tersendiri ialah hidung kecil yang bagus pada muka yang memanjang. Hari ini, mainan mudah ini, yang tidak memerlukan apa-apa selain tangan yang mahir, dalam bentuk tradisional, terus dibuat dengan cara yang sama seperti dahulu.

- Origami.
Seni kuno melipat kertas (折り紙, lit.: "kertas berlipat"). Seni origami berakar umbi China purba tempat kertas dicipta. Pada mulanya, origami digunakan dalam upacara keagamaan. Untuk masa yang lama, jenis seni ini hanya tersedia untuk wakil kelas atasan, di mana tanda rasa yang baik adalah pemilikan teknik lipatan kertas. Hanya selepas Perang Dunia Kedua, origami melangkaui Timur dan datang ke Amerika dan Eropah, di mana ia segera menemui peminatnya. Origami klasik dilipat dari sehelai kertas persegi.
Terdapat satu set simbol konvensional tertentu yang diperlukan untuk melakar skema lipatan walaupun produk yang paling kompleks. Kebanyakan tanda-tanda konvensional telah diamalkan pada pertengahan abad ke-20 oleh tuan Jepun yang terkenal Akira Yoshizawa.
Origami klasik menetapkan penggunaan satu helaian kertas berwarna sama rata tanpa gam dan gunting. Bentuk seni kontemporari kadangkala menyimpang daripada kanun ini.

- Kirigami.
Kirigami ialah seni memotong pelbagai bentuk daripada helaian kertas yang dilipat beberapa kali dengan bantuan gunting. Sejenis origami yang membolehkan penggunaan gunting dan pemotongan kertas dalam proses membuat model. Ini adalah perbezaan utama antara kirigami dan teknik lipatan kertas lain, yang ditekankan dalam nama: 切る (kiru) - potong, 紙 (gami) - kertas. Kita semua suka memotong kepingan salji pada zaman kanak-kanak - varian kirigami, anda boleh memotong bukan sahaja kepingan salji, tetapi juga pelbagai figura, bunga, kalungan dan benda kertas comel lain menggunakan teknik ini. Produk ini boleh digunakan sebagai stensil untuk cetakan, hiasan album, poskad, bingkai foto, reka bentuk fesyen, reka bentuk dalaman dan pelbagai hiasan lain.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生け花 atau いけばな) diterjemahkan daripada bahasa Jepun - "ike" - kehidupan, "bana" - bunga, atau "bunga yang hidup". Seni gubahan bunga Jepun merupakan salah satu tradisi terindah masyarakat Jepun. Apabila menyusun ikebana, bersama-sama dengan bunga, dahan potong, daun dan pucuk digunakan.Prinsip asasnya adalah kesederhanaan yang indah, untuk mencapainya mereka cuba menekankan keindahan semula jadi tumbuhan. Ikebana adalah penciptaan bentuk semula jadi yang baru, di mana keindahan bunga dan keindahan jiwa tuan mencipta komposisi digabungkan secara harmoni.
Hari ini di Jepun terdapat 4 sekolah utama ikebana: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Sebagai tambahan kepada mereka, terdapat kira-kira seribu arah dan aliran berbeza yang mematuhi salah satu sekolah ini.

- Oribana.
Pada pertengahan abad ke-17, dua sekolah ohara (bentuk utama ikebana - oribana) dan koryu (bentuk utama - sek) bertolak dari ikenobo. By the way, sekolah ohara masih belajar hanya oribanu. Seperti yang orang Jepun katakan, adalah sangat penting bahawa origami tidak berubah menjadi origami. Gomi bermaksud sampah dalam bahasa Jepun. Lagipun, seperti yang berlaku, anda melipat sekeping kertas, dan kemudian apa yang perlu dilakukan dengannya? Oribana menawarkan banyak idea untuk karangan bunga untuk menghias pedalaman. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Kesilapan.
Lihat seni visual, bunga lahir. Floristri muncul di negara kita lapan tahun yang lalu, walaupun ia telah wujud di Jepun selama lebih daripada enam ratus tahun. Suatu ketika pada Zaman Pertengahan, samurai memahami cara seorang pahlawan. Dan oshibana adalah sebahagian daripada laluan itu, sama seperti menulis hieroglif dan menghunus pedang. Maksud kesilapan itu ialah dalam keadaan kehadiran total pada masa itu (satori), tuan mencipta gambar bunga kering (bunga ditekan). Kemudian gambar ini boleh berfungsi sebagai kunci, panduan bagi mereka yang bersedia untuk memasuki kesunyian dan mengalami satori yang sama.
Intipati seni "oshibana" ialah, dengan mengumpul dan mengeringkan bunga, herba, daun, kulit kayu di bawah tekanan dan melekatkannya di pangkalan, pengarang mencipta dengan bantuan tumbuhan sebuah karya "lukisan" yang benar-benar. Dalam erti kata lain, salah adalah melukis dengan tumbuhan.
Kreativiti artistik kedai bunga adalah berdasarkan pemeliharaan bentuk, warna dan tekstur bahan tumbuhan kering. Orang Jepun telah membangunkan teknik untuk melindungi lukisan "oshibana" daripada pudar dan gelap. Intipatinya ialah udara dipam keluar antara kaca dan gambar dan vakum dicipta yang menghalang tumbuhan daripada rosak.
Ia menarik bukan sahaja ketidakkonvensionalan seni ini, tetapi juga peluang untuk menunjukkan imaginasi, rasa, pengetahuan tentang sifat tumbuhan. Kedai bunga mencipta perhiasan, landskap, masih hidup, potret dan lukisan cerita.

- Bonsai.
Bonsai, sebagai fenomena, muncul lebih daripada seribu tahun yang lalu di China, tetapi budaya ini mencapai kemuncak pembangunannya hanya di Jepun. (bonsai - Jepun 盆栽 lit. "tanam dalam pasu") - seni menanam salinan tepat pokok sebenar dalam bentuk kecil. Tumbuhan ini ditanam oleh sami Buddha beberapa abad sebelum era kita dan seterusnya menjadi salah satu aktiviti golongan bangsawan tempatan.
Bonsai menghiasi rumah dan taman Jepun. Pada era Tokugawa, reka bentuk taman menerima dorongan baru: penanaman azalea dan maple menjadi hobi untuk orang kaya. Pengeluaran tanaman kerdil (hachi-no-ki - "pokok dalam pasu") juga berkembang, tetapi bonsai pada masa itu sangat besar.
Sekarang pokok biasa digunakan untuk bonsai, ia menjadi kecil kerana pemangkasan berterusan dan pelbagai kaedah lain. Pada masa yang sama, nisbah saiz sistem akar, terhad oleh jumlah mangkuk, dan bahagian tanah bonsai sepadan dengan perkadaran pokok dewasa dalam alam semula jadi.

- Mizuhiki.
Analog Macrame. Ini adalah seni terapan Jepun purba untuk mengikat pelbagai simpulan daripada kord khas dan mencipta corak daripadanya. Karya seni sedemikian mempunyai skop yang sangat luas - daripada kad hadiah dan surat kepada gaya rambut dan beg tangan. Pada masa ini, mizuhiki digunakan secara meluas dalam industri hadiah - untuk setiap peristiwa dalam kehidupan, hadiah sepatutnya dibungkus dan diikat dengan cara yang sangat khusus. Terdapat banyak simpulan dan gubahan dalam seni mizuhiki, dan tidak semua orang Jepun mengetahui semuanya dengan hati. Sudah tentu, terdapat simpulan yang paling biasa dan mudah yang paling kerap digunakan: untuk ucapan tahniah atas kelahiran anak, untuk perkahwinan atau peringatan, ulang tahun atau kemasukan universiti.

- Kumihimo.
Kumihimo ialah tali jalinan Jepun. Apabila menenun benang, reben dan tali diperolehi. Tali ini ditenun pada mesin khas - Marudai dan Takadai. Mesin Marudai digunakan untuk menganyam tali bulat, dan Takadai untuk yang rata. Kumihimo dalam bahasa Jepun bermaksud "menenun tali" (kumi - menganyam, melipat bersama, himo - tali, renda). Walaupun fakta bahawa ahli sejarah berdegil menegaskan bahawa tenunan seperti itu boleh didapati di kalangan orang Scandinavia dan penduduk Andes, seni jepun Kumihimo sememangnya salah satu jenis tenunan yang paling kuno. Sebutan pertama mengenainya bermula pada tahun 550, apabila agama Buddha tersebar di seluruh Jepun dan upacara khas memerlukan hiasan khas. Kemudian, tali kumihimo mula digunakan sebagai pengancing untuk tali pinggang obi pada kimono wanita, sebagai tali untuk "membungkus" seluruh senjata samurai (samurai menggunakan kumihimo untuk tujuan hiasan dan berfungsi untuk mengikat perisai dan perisai kuda mereka) dan juga untuk mengikat objek berat.
Pelbagai corak kumihimo moden ditenun dengan mudah pada alat tenun kadbod buatan sendiri.

- Komono.
Apakah yang tinggal pada kimono selepas ia habis pada zamannya? Adakah anda fikir ia dibuang? Tiada yang seperti ini! Orang Jepun tidak akan berbuat demikian. Kimono mahal. Tidak terfikir dan mustahil untuk membuangnya begitu sahaja... Bersama-sama dengan jenis kitar semula kimono yang lain, tukang-tukang membuat cenderahati kecil daripada serpihan kecil. Ini adalah mainan kecil untuk kanak-kanak, anak patung, kerongsang, kalungan bunga, barang kemas wanita dan produk lain, kimono lama digunakan dalam pembuatan perkara comel kecil, yang secara kolektif dipanggil "komono". Perkara-perkara kecil yang akan menjalani kehidupan mereka sendiri, meneruskan laluan kimono. Inilah maksud perkataan "komono".

- Kanzashi.
Seni menghias klip rambut (paling kerap dihiasi dengan bunga (rama-rama, dll.) diperbuat daripada kain (terutamanya sutera). Kanzashi Jepun (kanzashi) ialah jepit rambut panjang untuk gaya rambut wanita Jepun tradisional. Ia diperbuat daripada kayu, lakuer, perak, kulit kura-kura yang digunakan dalam gaya rambut tradisional Cina dan Jepun. Kira-kira 400 tahun yang lalu, di Jepun, gaya gaya rambut wanita berubah: wanita berhenti menyikat rambut mereka dalam bentuk tradisional - taregami (rambut lurus panjang) dan mula menggayakannya dengan rumit. dan bentuk pelik – nihongami.digunakan pelbagai barangan- penyepit rambut, tongkat, sikat. Pada masa itu, sisir kushi yang ringkas pun bertukar menjadi aksesori elegan kecantikan luar biasa, yang menjadi karya seni yang sebenar. Pakaian tradisional wanita Jepun tidak membenarkan perhiasan pergelangan tangan dan rantai, jadi perhiasan rambut adalah kecantikan utama dan medan untuk ekspresi diri - serta menunjukkan rasa dan ketebalan dompet pemilik. Pada ukiran yang anda boleh lihat - jika anda melihat dengan teliti - bagaimana wanita Jepun dengan mudah menggantung sehingga dua puluh kanzashi mahal dalam gaya rambut mereka.
Kini terdapat kebangkitan semula dalam tradisi penggunaan kanzashi di kalangan wanita muda Jepun yang ingin menambah kecanggihan dan keanggunan pada gaya rambut mereka, barret moden boleh dihiasi dengan hanya satu atau dua bunga buatan tangan yang cantik.

- Kinusiga.
Jenis jahitan yang menakjubkan dari Jepun. Kinusiga (絹彩画) ialah kacukan antara batik dan kain perca. Idea utama ialah lukisan baharu dikumpul daripada kimono sutera lama sekeping demi sekeping - karya yang benar seni.
Pertama, artis membuat lakaran di atas kertas. Kemudian lukisan ini dipindahkan ke papan kayu. Kontur corak dipotong dengan alur, atau alur, dan kemudian carik kecil, padanan warna dan ton, dipotong daripada kimono sutera lama, dan tepi carik ini memenuhi alur. Apabila anda melihat gambar sedemikian, anda mendapat perasaan bahawa anda sedang melihat gambar, atau walaupun hanya melihat landskap di luar tingkap, ia sangat realistik.

- Temari.
Ini adalah bola bersulam geometri Jepun tradisional yang dibuat dengan jahitan ringkas yang dahulunya merupakan mainan kanak-kanak dan kini telah menjadi satu bentuk seni dengan ramai peminat bukan sahaja di Jepun tetapi di seluruh dunia. Adalah dipercayai bahawa satu masa dahulu produk ini dibuat oleh isteri samurai untuk hiburan. Pada awalnya, mereka benar-benar digunakan sebagai bola untuk permainan bola, tetapi secara beransur-ansur mereka mula memperoleh unsur artistik, kemudian bertukar menjadi perhiasan hiasan. Keindahan halus bola ini diketahui di seluruh Jepun. Dan hari ini, produk yang berwarna-warni dan dibuat dengan teliti adalah salah satu jenis kraf rakyat di Jepun.

- Yubinuki.
Bidal Jepun, apabila menjahit atau menyulam tangan, ia diletakkan pada phalanx tengah jari tengah tangan yang bekerja, dengan bantuan hujung jari jarum diberikan arah yang dikehendaki, dan jarum ditolak melalui cincin di tengah. jari dalam kerja. Pada mulanya, bidal yubinuki Jepun dibuat dengan ringkas - jalur kain padat atau kulit selebar kira-kira 1 cm dalam beberapa lapisan dililitkan pada jari dan diikat bersama dengan beberapa jahitan hiasan ringkas. Sejak yubinuk adalah subjek yang diperlukan di setiap rumah, mereka mula dihiasi dengan sulaman geometri dengan benang sutera. Daripada jalinan jahitan, berwarna-warni dan corak yang rumit. Yubinuki dari barang rumah yang ringkas juga telah bertukar menjadi objek untuk "mengkagumi", hiasan Kehidupan seharian.
Yubinuki masih digunakan dalam jahitan dan sulaman, tetapi ia juga boleh didapati hanya dipakai pada tangan pada mana-mana jari, seperti cincin hiasan. Sulaman gaya Yubinuki digunakan untuk menghiasi pelbagai objek dalam bentuk cincin - cincin serbet, gelang, berdiri temari, dihiasi dengan sulaman yubinuki, dan terdapat juga katil jarum bersulam dalam gaya yang sama. Corak Yubinuki boleh menjadi inspirasi hebat untuk sulaman temari obi.

- Suibokuga atau sumie.
Lukisan dakwat Jepun. ini gaya cina lukisan telah dipinjam oleh artis Jepun pada abad ke-14, dan pada akhir abad ke-15. menjadi aliran utama seni lukis di Jepun. Suibokuga ialah monokrom. Ia dicirikan oleh penggunaan dakwat hitam (sumi), sejenis arang keras atau dakwat Cina yang dihasilkan daripada jelaga, yang dikisar dalam periuk dakwat, dicairkan dengan air, dan disapu pada kertas atau sutera. Monokrom menawarkan tuan pilihan pilihan tonal yang tidak berkesudahan, yang dahulu dikenali oleh orang Cina sebagai "warna" dakwat. Suibokuga kadangkala membenarkan penggunaan warna sebenar, tetapi mengehadkannya kepada sapuan nipis dan telus yang sentiasa berada di bawah garisan dakwat. Lukisan dakwat berkongsi dengan seni kaligrafi ciri-ciri penting seperti ekspresi dikawal ketat dan penguasaan teknikal bentuk. Kualiti lukisan dakwat turun, seperti dalam kaligrafi, kepada integriti dan ketahanan terhadap koyak garis yang dilukis dalam dakwat, yang, seolah-olah, memegang karya seni pada dirinya sendiri, seperti tulang memegang tisu pada diri mereka sendiri.

- Etegami.
Poskad yang dilukis (e - gambar, ditandakan - huruf). Membuat poskad sendiri secara amnya merupakan aktiviti yang sangat popular di Jepun, dan sebelum cuti popularitinya semakin meningkat. Orang Jepun suka menghantar poskad kepada rakan mereka, dan mereka juga suka menerimanya. Ini adalah jenis surat cepat pada kosong khas, ia boleh dihantar melalui pos tanpa sampul surat. Tiada peraturan atau teknik khas dalam etegami, sesiapa sahaja boleh melakukannya tanpa latihan khas. Etagami membantu dengan tepat menyatakan perasaan, kesan, ini adalah poskad buatan tangan yang terdiri daripada gambar dan surat pendek, menyampaikan emosi pengirim, seperti kemesraan, keghairahan, penjagaan, cinta, dll. Mereka menghantar poskad ini untuk cuti dan begitu sahaja, menggambarkan musim, aktiviti, sayur-sayuran dan buah-buahan, manusia dan haiwan. Lebih mudah gambar ini dilukis, lebih menarik ia kelihatan.

- Furoshiki.
Teknik membalut Jepun atau seni melipat kain. Furoshiki memasuki kehidupan orang Jepun untuk masa yang lama. Skrol kuno dari zaman Kamakura-Muromachi (1185 - 1573) telah dipelihara dengan imej wanita yang membawa berkas pakaian yang dibalut dengan kain di atas kepala mereka. Teknik menarik ini bermula seawal 710 - 794 Masihi di Jepun. Perkataan "furoshiki" secara literal diterjemahkan kepada "permaidani mandi" dan merupakan sehelai kain persegi yang digunakan untuk membungkus dan membawa objek dari semua bentuk dan saiz.
Pada zaman dahulu, adalah kebiasaan untuk berjalan di mandi Jepun (furo) dengan kimono kapas ringan, yang dibawa oleh pelawat dari rumah. Pemandian itu juga membawa permaidani (shiki) khas untuk dia berdiri semasa membuka pakaian. Setelah bertukar menjadi kimono "mandi", pelawat itu membungkus pakaiannya dengan permaidani, dan selepas mandi membungkus kimono basah dalam permaidani untuk dibawa pulang. Oleh itu, tikar mandi telah menjadi beg pelbagai fungsi.
Furoshiki sangat mudah digunakan: fabrik mengambil bentuk objek yang anda balut, dan pemegang memudahkan untuk membawa beban. Di samping itu, hadiah yang dibalut bukan dengan kertas keras, tetapi dalam kain lembut, berbilang lapisan, memperoleh ekspresi istimewa. Terdapat banyak skim untuk melipat furoshiki untuk sebarang majlis, setiap hari atau perayaan.

- Amigurumi.
Seni Jepun mengait atau mengait haiwan boneka kecil dan makhluk humanoid. Amigurumi (編み包み, lit.: "berbalut rajutan") adalah haiwan yang paling kerap comel (seperti beruang, arnab, kucing, anjing, dll.), lelaki kecil, tetapi mereka juga boleh menjadi objek tidak bernyawa yang dikurniakan harta manusia. Contohnya kek cawan, topi, beg tangan dan lain-lain. Amigurumi dikait atau dikait atau dirajut. Baru-baru ini, amigurumi mengait telah menjadi lebih popular dan lebih biasa.
rajutan daripada benang dengan cara yang mudah mengait - dalam lingkaran dan, tidak seperti kaedah mengait Eropah, bulatan biasanya tidak disambungkan. Mereka juga dirajut pada saiz yang lebih kecil berbanding dengan ketebalan benang untuk menghasilkan fabrik yang sangat padat tanpa sebarang celah untuk pemadat terkeluar. Amigurumi selalunya dibuat daripada bahagian dan kemudian disatukan, kecuali beberapa amigurumi, yang tidak mempunyai anggota badan, tetapi hanya mempunyai kepala dan badan, yang merupakan satu keseluruhan. Anggota badan kadangkala diisi dengan kepingan plastik untuk memberi mereka berat hidup, manakala bahagian badan yang lain dipenuhi dengan serat.
Penyebaran estetika amigurumi dipermudahkan oleh kecomelan mereka ("kawaii").

Yang merangkumi banyak teknik dan gaya. Sepanjang sejarahnya, ia telah mengalami sejumlah besar perubahan. Tradisi dan genre baharu telah ditambah, dan prinsip asal Jepun kekal. Bersama dengan cerita yang menakjubkan Lukisan Jepun juga sedia mempersembahkan banyak fakta unik dan menarik.

jepun purba

Gaya pertama muncul dalam tempoh sejarah paling kuno di negara ini, bahkan sebelum Kristus. e. Pada masa itu, seni adalah sangat primitif. Pertama, pada 300 B.C. e., pelbagai bentuk geometri muncul, yang dibuat pada tembikar dengan bantuan kayu. Penemuan sedemikian oleh ahli arkeologi sebagai hiasan pada loceng gangsa adalah milik suatu masa kemudian.

Tidak lama kemudian, sudah dalam 300 Masihi. e., lukisan gua muncul, yang jauh lebih pelbagai hiasan geometri. Ini sudah pun imej lengkap dengan imej. Mereka ditemui di dalam kubur, dan mungkin orang yang dilukis di atasnya telah dikebumikan di tanah perkuburan ini.

Pada abad ke-7 M. e. Jepun mengamalkan skrip yang berasal dari China. Pada masa yang sama, lukisan pertama datang dari sana. Kemudian lukisan muncul sebagai sfera seni yang berasingan.

edo

Edo jauh dari lukisan pertama dan bukan lukisan terakhir, tetapi dialah yang membawa banyak perkara baharu kepada budaya itu. Pertama, ia adalah kecerahan dan kecemerlangan yang ditambahkan pada teknik biasa, dilakukan dalam ton hitam dan kelabu. Paling artis cemerlang Gaya ini dianggap Sotasu. Dia mencipta lukisan klasik, tetapi wataknya sangat berwarna-warni. Kemudian, dia beralih kepada alam semula jadi, dan kebanyakan landskap dibuat dengan latar belakang penyepuhan.

Kedua, semasa zaman Edo, eksotik, genre namban, muncul. Ia menggunakan teknik Eropah dan Cina moden, yang dikaitkan dengan gaya tradisional Jepun.

Dan ketiga, sekolah Nang muncul. Di dalamnya, para seniman terlebih dahulu meniru atau meniru karya-karya tuan Cina. Kemudian muncul cabang baru, yang dipanggil bunjing.

Zaman modenisasi

Zaman Edo menggantikan Meiji, dan kini lukisan Jepun terpaksa memasuki peringkat baru pembangunan. Pada masa ini, genre seperti barat dan seumpamanya semakin popular di seluruh dunia, maka pemodenan seni menjadi satu keadaan biasa. Walau bagaimanapun, di Jepun, sebuah negara di mana semua orang menghormati tradisi, di diberi masa perkara sangat berbeza daripada apa yang berlaku di negara lain. Di sini, persaingan antara juruteknik Eropah dan tempatan semakin memuncak.

Kerajaan pada peringkat ini memberi keutamaan kepada artis muda yang menunjukkan janji besar untuk meningkatkan kemahiran mereka dalam gaya Barat. Oleh itu, mereka menghantar mereka ke sekolah-sekolah di Eropah dan Amerika.

Tetapi ini hanya pada permulaan tempoh. Hakikatnya ialah pengkritik terkenal cukup banyak mengkritik seni Barat. Untuk mengelakkan kekecohan besar mengenai isu ini, gaya dan teknik Eropah mula dilarang daripada pameran, paparan mereka dihentikan, serta popularitinya.

Kemunculan gaya Eropah

Kemudian datang zaman Taisho. Pada masa ini, artis muda yang pergi belajar di sekolah luar negara kembali ke tanah air mereka. Sememangnya, mereka membawa gaya baru bersama mereka. lukisan Jepun yang hampir sama dengan Eropah. Impresionisme dan pasca-impresionisme muncul.

Pada peringkat ini, banyak sekolah dibentuk di mana gaya Jepun kuno sedang dihidupkan semula. Tetapi tidak mungkin untuk menyingkirkan sepenuhnya kecenderungan Barat. Oleh itu, adalah perlu untuk menggabungkan beberapa teknik untuk menggembirakan kedua-dua pencinta klasik dan peminat lukisan Eropah moden.

Sesetengah sekolah dibiayai oleh kerajaan, yang mana banyak tradisi kebangsaan dipelihara. Peniaga persendirian pula terpaksa mengikut telunjuk pengguna yang mahukan sesuatu yang baru, mereka sudah bosan dengan yang klasik.

lukisan WWII

Selepas bermulanya masa perang, lukisan Jepun kekal menyendiri daripada peristiwa untuk beberapa lama. Ia dibangunkan secara berasingan dan bebas. Tetapi ia tidak boleh berterusan seperti ini selama-lamanya.

Lama kelamaan, apabila keadaan politik tanah air semakin meruncing, tokoh-tokoh tinggi dan disegani menarik ramai artis. Sebahagian daripada mereka, walaupun pada awal perang, mula mencipta gaya patriotik. Selebihnya memulakan proses ini hanya dengan arahan pihak berkuasa.

Sehubungan itu, seni halus Jepun semasa Perang Dunia Kedua tidak dapat berkembang terutamanya. Oleh itu, untuk lukisan ia boleh dipanggil bertakung.

Suibokuga Abadi

Lukisan sumi-e Jepun, atau suibokuga, bermaksud "lukisan dakwat". Ini mentakrifkan gaya dan teknik seni ini. Ia berasal dari China, tetapi Jepun memutuskan untuk memberikan nama mereka sendiri. Dan pada mulanya teknik itu tidak mempunyai sebarang sisi estetik. Ia digunakan oleh sami-sami untuk memajukan diri semasa mempelajari Zen. Lebih-lebih lagi, pada mulanya mereka melukis gambar, dan kemudian mereka melatih tumpuan mereka semasa melihatnya. Para sami percaya bahawa garis yang ketat, nada samar-samar dan bayang-bayang membantu penambahbaikan - semua yang dipanggil monokrom.

Lukisan dakwat Jepun, walaupun pelbagai jenis lukisan dan teknik, tidaklah begitu rumit seperti yang kelihatan pada pandangan pertama. Ia berdasarkan hanya 4 plot:

1. Krisan.
2. Orkid.
3. Cawangan plum.
4. Buluh.

Sebilangan kecil plot tidak menjadikan perkembangan teknologi pantas. Sesetengah sarjana percaya bahawa pembelajaran berlangsung seumur hidup.

Walaupun fakta bahawa sumi-e muncul lama dahulu, ia sentiasa mendapat permintaan. Lebih-lebih lagi, hari ini anda boleh bertemu dengan tuan sekolah ini bukan sahaja di Jepun, ia juga meluas jauh di luar sempadannya.

Zaman moden

Pada akhir Perang Dunia Kedua, seni di Jepun hanya berkembang di bandar-bandar besar, penduduk kampung dan penduduk kampung mempunyai kebimbangan yang cukup. Untuk sebahagian besar, artis cuba membelakangkan kekalahan perang dan menggambarkan kehidupan bandar moden dengan semua hiasan dan ciri-cirinya di atas kanvas. Idea Eropah dan Amerika berjaya diterima pakai, tetapi keadaan ini tidak bertahan lama. Ramai sarjana mula beransur-ansur menjauhi mereka ke sekolah Jepun.

Ia sentiasa kekal bergaya. Oleh itu, lukisan Jepun moden boleh berbeza hanya dalam teknik pelaksanaan atau bahan yang digunakan dalam proses itu. Tetapi kebanyakan artis tidak melihat pelbagai inovasi dengan baik.

Apatah lagi bergaya subkultur moden seperti anime dan gaya yang serupa. Ramai artis cuba mengaburkan garis antara klasik dan apa yang menjadi permintaan hari ini. Untuk sebahagian besar, keadaan ini adalah disebabkan oleh perdagangan. Genre klasik dan tradisional sebenarnya tidak dibeli, oleh itu, adalah tidak menguntungkan untuk bekerja sebagai artis dalam genre kegemaran anda, anda perlu menyesuaikan diri dengan fesyen.

Kesimpulan

Tidak dinafikan, lukisan Jepun adalah khazanah seni halus. Mungkin negara berkenaan kekal sebagai satu-satunya yang tidak mengikut trend Barat, tidak menyesuaikan diri dengan fesyen. Walaupun banyak pukulan pada masa kemunculan teknik baru, artis Jepun masih berjaya mempertahankan tradisi kebangsaan dalam banyak genre. Ini mungkin sebabnya, pada zaman moden, lukisan yang dibuat dalam gaya klasik sangat dihargai di pameran.

Dunia hari ini sering dipersalahkan kerana krisis rohani, kemusnahan hubungan dengan tradisi, globalisasi, yang tidak dapat tidak menyerap asas negara. Semuanya diperibadikan dan dinyahperibadi pada masa yang sama. Jika yang dipanggil seni klasik boleh kita bahagikan kepada sekolah kebangsaan dan bayangkan di sana seni itali apakah seni Jerman dan apa itu Perancis; maka bolehkah kita membahagikan seni kontemporari kepada "sekolah" yang sama?

Sebagai jawapan kepada soalan ini, saya ingin mempersembahkan seni kontemporari Jepun untuk perhatian anda. Pada persidangan di Muzium Seni Mori mengenai topik antarabangsaisme dalam seni kontemporari tahun lepas, profesor Universiti Tokyo, Michio Hayashi mencadangkan bahawa persepsi popular "ke Jepunan" di Barat telah diperkukuh pada tahun 1980-an oleh triniti "kitsch", "keaslian" dan "kerumitan teknologi. ”. Hari ini, seni kontemporari Jepun yang popular, dan terutamanya popular secara komersial masih boleh diletakkan dalam segi tiga ini. Bagi penonton Barat, ia kekal misteri dan asli kerana ciri khusus yang hanya wujud dalam seni Tanah Matahari Terbit. Pada bulan Ogos, Barat dan Timur bertemu di tiga tempat seni serentak: sehingga 8 Ogos, pameran "Dualiti Kewujudan - Pasca-Fukushima" telah diadakan di Manhattan (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan), pameran "teamLab: Ultra Ruang Subjektif” yang berlangsung sehingga 15 Ogos adalah berdekatan (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); dan "Kitaran Arhat" oleh Takashi Murakami di Palazzo Reale, di Milan, masih terus menakluk dan memukau pengunjung.

Semua karya seni yang ditunjukkan telah dicipta selepas 11 Mac 2011, apabila tsunami melanda Jepun. Bencana nuklear di loji janakuasa nuklear Fukushima memupuk negara, menjadikannya perlu untuk menimbang semula keutamaan dan nilai, dan kembali kepada tradisi yang telah lama dilupakan. Seni tidak boleh mengetepikan dan mempersembahkan dunia dengan jenis artis baru, memberi tumpuan kepada keperluan penonton moden, dan pada masa yang sama menghormati asas dan nilai sejarah.

Takashi Murakami - komersial artis berjaya, yang mempopularkan techno kitsch dan mencipta superflat bahasa visual baharu, berdasarkan tradisi lukisan nihonga Jepun dan spesifikasi anime dan manga. Ideologi arca replika dan pemasangannya yang keterlaluan adalah untuk menunjukkan perubahan di Jepun selepas perang, apabila kepenggunaan menjadi berleluasa. Tetapi 11 Mac 2011 membahagikan kehidupan Jepun kepada "sebelum" dan "selepas", seperti dua hari yang mengerikan pada Ogos 1945, apabila bom nuklear dijatuhkan di Hiroshima dan Nagasaki. Selepas gempa bumi yang kuat itu, yang membawa kepada akibat yang dahsyat, Murakami memulakan jalan memikirkan semula Buddhisme dan estetika Jepun, mengambil langkah ke arah kembali kepada asal usul dan kerohanian. Karya pertama yang memulakan kitaran Arhats ialah 500 Arhats, yang ditunjukkan di pameran solo Takashi Murakami di Doha, Qatar, pada tahun 2012. Kembali kepada tema Buddha dijelaskan oleh pengarang sebagai percubaan untuk menyedari bahawa di dunia ini bukan sahaja ada kita, terdapat kuasa yang bebas daripada kita, dan kita mesti memperbaiki setiap masa untuk berhenti bergantung kepada kita. keinginan dan kesan sendiri. Dinding arhat yang padat, seolah-olah melindungi penonton daripada unsur-unsur yang mengamuk sepanjang 100 meter kanvas, menanamkan kedamaian dan ketenangan dalam jiwa semua orang. Tetapi Murakami tidak mengehadkan dirinya kepada hanya satu karya dan meneruskan kitaran lukisan, menambah dan mengembangkan naratif, seolah-olah menggunakan teknik manga dan bercerita dalam reka bentuk visual. Bahagian kedua kitaran telah dibentangkan di Galeri Blum & Poe (Los Angeles) pada tahun 2013. Hari ini, di Milan, para arhat mengembara dunia untuk kali ketiga, menyebarkan idea kembali kepada kerohanian dan penolakan nafsu. Walaupun peneguhan dan kedalaman makna, lukisan itu mudah dilihat kerana keputusan warna yang berani dan terang, bahasa artistik itu sendiri. Unsur-unsur manga membawa kepada mereka bahagian popularisasi yang diperlukan supaya idea penyiaran agama Buddha mudah dibaca dan diterima walaupun oleh orang ramai yang tidak tahu.

Wakil seterusnya lukisan Jepun moden boleh dipanggil Kazuki Umezawa, pelajar Murakami, yang membawa kita kembali kepada persoalan sekolah dan kesinambungan. Dia mencipta rendering digital watak anime dengan melukisnya di atas pelekat untuk mencipta kedalaman tambahan dan huru-hara visual. Daripada imej rawak dan bertaburan di seluruh Internet, dia membina kolaj, memecahkan latar belakang, mencipta mandala yang mencerminkan struktur dan kandungan imaginasi otaku (peminat anime dan manga). Rayuan kepada simbol Buddha meningkatkan nilai semantik karya artis muda, menghubungkan, di satu pihak, yang suci dan yang mapan dalam budaya, sebaliknya, isu kontemporari, tetapi sekali lagi dengan kemasukan fenomena Jepun tertentu - anime.

Takashi Murakami dan Kazuki Umezawa dengan mahir mengimbangi antara kaitan dan tradisi, kitsch dan gaya.

Anehnya, selepas gempa bumi pada 11 Mac 2011 di Jepun, seorang budak lelaki berusia 16 tahun yang terperangkap di bawah runtuhan rumahnya selama sembilan hari dan diselamatkan, apabila ditanya oleh seorang wartawan mengenai impian masa depannya, menjawab: “Saya nak jadi artis.”

Pemandangan seni Jepun moden nampaknya telah menjadi global sepenuhnya. Artis mengembara antara Tokyo dan New York, hampir semua menerima pendidikan Eropah atau Amerika, mereka bercakap tentang kerja mereka dalam seni antarabangsa Inggeris. Namun, gambar ini masih jauh dari lengkap.

Bentuk dan trend kebangsaan terbukti menjadi salah satu barangan yang paling dicari Jepun yang ditawarkan kepada pasaran dunia. idea seni dan berfungsi.

operasi kapal terbang. Bagaimana superflat menggabungkan budaya geek Amerika dan lukisan tradisional Jepun

Takashi Murakami. "Tang Tan Bo"

Jika di dunia Barat untuk hampir semua orang (kecuali mungkin ahli teori pascamoden yang paling bersemangat) sempadan antara tinggi dan budaya popular masih relevan, walaupun bermasalah, di Jepun dunia ini benar-benar bercampur-campur.

Contohnya ialah Takashi Murakami, yang berjaya menggabungkan pameran di galeri terbaik dunia dan pengeluaran penstriman.

Rakaman lawatan pameran Murakami "Akan turun hujan lembut"

Walau bagaimanapun, hubungan Murakami dengan budaya popular - dan bagi Jepun ini terutamanya budaya peminat manga dan anime (otaku) - lebih rumit. Ahli falsafah Hiroki Azuma mengkritik pemahaman otaku sebagai fenomena Jepun yang asli. Otaku menganggap diri mereka berkaitan secara langsung dengan tradisi zaman Edo abad ke-17-19 - era pengasingan dan penolakan pemodenan. Azuma berhujah bahawa gerakan otaku - berdasarkan manga, animasi, novel grafik, permainan komputer - hanya mungkin timbul dalam konteks pendudukan Amerika selepas perang akibat import budaya Amerika. Seni Murakami dan pengikutnya mencipta semula otaku dengan teknik seni pop dan menafikan mitos nasionalis tentang keaslian tradisi itu. Ia mewakili "pemerintahan semula budaya Amerika Jepun."

Dari sudut pandangan artistik, superflat paling hampir dengan lukisan ukiyo-e Jepun awal. Karya yang paling terkenal dalam tradisi ini ialah ukiran " Ombak besar di Kanagawa" oleh Katsushiki Hokusai (1823-1831).

Bagi modenisme Barat, penemuan lukisan Jepun adalah satu kejayaan. Ia memungkinkan untuk melihat gambar sebagai pesawat dan berusaha untuk tidak mengatasi keanehan ini, tetapi untuk bekerja dengannya.

Katsushiki Hokusai. "Gelombang Hebat di Kanagawa"

Perintis prestasi. Apakah maksud seni Jepun tahun 1950-an hari ini

Dokumentasi proses kreatif Akira Kanayama dan Kazuo Shiraga

Superflat terbentuk hanya pada tahun 2000-an. Tetapi tindakan artistik yang penting untuk seni dunia bermula di Jepun lebih awal - dan lebih awal daripada di Barat.

Giliran persembahan dalam seni berlaku pada permulaan 60-an dan 70-an abad yang lalu. Di Jepun, persembahan itu muncul pada tahun lima puluhan.

Buat pertama kalinya, Kumpulan Gutai telah mengalihkan tumpuannya daripada penciptaan objek berdikari kepada proses pengeluaran mereka. Dari sini - satu langkah untuk meninggalkan objek seni yang memihak kepada acara yang tidak kekal.

Walaupun artis individu dari Gutai (dan terdapat 59 daripada mereka dalam tempoh dua puluh tahun) secara aktif wujud dalam konteks antarabangsa, memahami bagaimana aktiviti kolektif seni pasca perang Jepun secara amnya bermula di Barat baru-baru ini. Ledakan itu berlaku pada 2013 dengan beberapa pameran di galeri kecil di New York dan Los Angeles, Tokyo 1955-1970: The New Avant-Garde di MoMA, dan Gutai retrospektif sejarah yang besar: Taman Permainan Splendid di Muzium Guggenheim. Import seni Jepun di Moscow nampaknya merupakan kesinambungan trend ini yang hampir terlewat.

Sadamasa Motonaga. Bekerja (Air) di Muzium Guggenheim

Sungguh mengagumkan betapa modennya pameran retrospektif ini. Sebagai contoh, objek utama eksposisi di Muzium Guggenheim ialah pembinaan semula Kerja (Air) oleh Sadamasa Motonaga, di mana paras rotunda muzium disambungkan dengan paip polietilena dengan air berwarna. Ia mengingatkan sapuan berus yang telah tercabut dari kanvas dan menjadi contoh tumpuan utama Gutai pada "kekonkretan" (diterjemahkan daripada nama Jepun kumpulan), materialiti objek yang digunakan oleh artis.

Ramai ahli Gutai menerima pendidikan yang berkaitan dengan lukisan nihonga klasik, ramai yang secara biografi dilampirkan pada konteks agama Buddhisme Zen, dengan ciri kaligrafi Jepunnya. Kesemua mereka menemui pendekatan baru, prosedur atau penyertaan kepada tradisi kuno. Kazuo Shiraga telah merakam video bagaimana dia melukis monokrom anti-Rauschenberg dengan kakinya, dan juga mencipta lukisan di khalayak ramai.

Minoru Yoshida menukar bunga dari cetakan Jepun menjadi objek psychedelic - contohnya ialah Bunga Biseksual, salah satu arca kinetik (bergerak) pertama di dunia.

Kurator pameran di Muzium Guggenheim bercakap tentang kepentingan politik karya-karya ini:

"Gutai menunjukkan kepentingan tindakan individu yang bebas, merobohkan jangkaan penonton, dan juga kebodohan sebagai cara untuk menentang kepasifan dan kepatuhan sosial yang, selama beberapa dekad, membenarkan kerajaan ketenteraan memperoleh pengaruh yang besar, menyerang China, dan kemudiannya. menyertai Perang Dunia II."

Baik dan bijak. Mengapa Artis Meninggalkan Jepun ke Amerika pada 1960-an

Gutai adalah pengecualian kepada peraturan di Jepun selepas perang. Kumpulan avant-garde kekal terpinggir, dunia seni sangat berhierarki. Cara utama untuk mendapat pengiktirafan ialah penyertaan dalam pertandingan yang diadakan oleh persatuan artis klasik yang diiktiraf. Oleh itu, ramai yang lebih suka pergi ke Barat dan mengintegrasikan ke dalam sistem seni berbahasa Inggeris.

Ia amat sukar untuk wanita. Malah di Gutai yang progresif, bahagian kehadiran mereka tidak mencapai walaupun seperlima. Apa yang boleh kita katakan tentang institusi tradisional, untuk akses yang diperlukan pendidikan Khas. Menjelang tahun enam puluhan, kanak-kanak perempuan telah memperoleh hak untuk itu, bagaimanapun, belajar seni (jika ia bukan tentang hiasan, yang merupakan sebahagian daripada set kemahiran ryosai kenbo- isteri yang baik dan ibu yang bijak) adalah seorang yang bermasam muka dengan pekerjaan.

Yoko Ono. potong sekeping

Kisah penghijrahan lima artis wanita Jepun yang berkuasa dari Tokyo ke Amerika Syarikat menjadi subjek kajian Midori Yoshimoto "Into Performance: Japanese Women Artists in New York". Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi dan Shigeko Kubota pada permulaan kerjaya mereka memutuskan untuk berlepas ke New York dan bekerja di sana, termasuk pemodenan tradisi seni Jepun. Hanya Yoko Ono yang dibesarkan di AS - tetapi dia juga sengaja enggan kembali ke Jepun, kerana kecewa dengan hierarki seni Tokyo semasa tinggal singkatnya pada 1962-1964.

Ono menjadi yang paling terkenal daripada lima - bukan sahaja sebagai isteri John Lennon, tetapi juga sebagai pengarang persembahan proto-feminis yang didedikasikan untuk objektif. badan perempuan. Terdapat persamaan yang jelas antara Cut Piece It, di mana penonton boleh memotong pakaian artis, dan "Rhythm 0" oleh "nenek persembahan" Marina Abramović.

Pada kaki pendek. Bagaimana untuk lulus latihan lakonan penulis Tadashi Suzuki

Dalam kes Ono dan Gutai, kaedah dan tema karya mereka, dipisahkan daripada pengarang, menjadi penting di peringkat antarabangsa. Terdapat bentuk eksport lain - apabila karya artis dilihat dengan minat di arena antarabangsa, tetapi peminjaman kaedah sebenar tidak berlaku kerana kekhususannya. Kes yang paling menarik ialah sistem latihan lakonan Tadashi Suzuki.

Teater Suzuki disayangi walaupun di Rusia - dan ini tidak menghairankan. Kali terakhir dia bersama kami ialah pada 2016 dengan persembahan The Trojan Women berdasarkan teks Euripides, dan pada tahun 2000-an dia datang beberapa kali dengan produksi Shakespeare dan Chekhov. Suzuki memindahkan aksi drama itu ke konteks Jepun semasa dan menawarkan tafsiran teks yang tidak jelas: dia menemui anti-Semitisme di Ivanov dan membandingkannya dengan sikap menghina orang Jepun terhadap orang Cina, memindahkan tindakan Raja Lear kepada suaka gila Jepun.

Suzuki membina sistemnya bertentangan dengan sekolah teater Rusia. Pada penghujung abad ke-19, semasa zaman Meiji yang dipanggil, empayar Jepun yang memodenkan mengalami kebangkitan gerakan pembangkang. Hasilnya ialah pembaratan besar-besaran budaya yang sebelum ini sangat tertutup. Antara bentuk yang diimport ialah sistem Stanislavsky, yang masih kekal di Jepun (dan di Rusia) salah satu kaedah pengarah utama.

Senaman Suzuki

Pada tahun enam puluhan, apabila Suzuki memulakan kerjayanya, tesis itu semakin tersebar kerana ciri-ciri tubuh mereka, pelakon Jepun tidak dapat membiasakan diri dengan peranan dari teks Barat yang mengisi repertoir ketika itu. Pengarah muda itu berjaya menawarkan alternatif yang paling meyakinkan.

Sistem latihan Suzuki, yang dipanggil tatabahasa kaki, termasuk berpuluh-puluh cara untuk duduk, dan lebih banyak lagi untuk berdiri dan berjalan.

Pelakonnya biasanya bermain tanpa alas kaki dan seolah-olah, dengan menurunkan pusat graviti, diikat seketat mungkin ke tanah, berat. Suzuki mengajar mereka dan penghibur asing tekniknya di kampung Toga, di rumah Jepun purba yang dipenuhi dengan peralatan moden. Rombongannya hanya memberikan kira-kira 70 persembahan setahun, dan selebihnya dia hidup, hampir tanpa meninggalkan kampung dan tidak mempunyai masa untuk urusan peribadi - hanya bekerja.

Pusat Toga muncul pada tahun 1970-an dan direka bentuk atas permintaan pengarah oleh arkitek terkenal dunia Arata Isozaka. Sistem Suzuki mungkin kelihatan patriarki dan konservatif, tetapi dia sendiri bercakap tentang Toga dari segi desentralisasi moden. Malah pada pertengahan tahun 2000-an, Suzuki memahami kepentingan mengeksport seni dari ibu kota ke wilayah dan mengatur pusat pengeluaran tempatan. Menurut pengarah, peta teater Jepun dalam banyak cara menyerupai peta Rusia - seni tertumpu di Tokyo dan beberapa kurang. pusat-pusat utama. teater Rusia sebuah syarikat yang kerap mengadakan lawatan di bandar-bandar kecil dan berpangkalan jauh dari ibu kota juga tidak akan rugi.

Pusat Syarikat SCOT di Toga

Jejak bunga. Apakah sumber yang ditemui teater moden dalam sistem noh dan kabuki

Kaedah Suzuki berkembang daripada dua tradisi Jepun purba - tetapi juga kabuki. Bukan sahaja jenis teater ini sering dicirikan sebagai seni berjalan, tetapi juga dalam butiran yang lebih jelas. Suzuki sering mengikut peraturan tentang prestasi semua peranan oleh lelaki, menggunakan penyelesaian spatial ciri, sebagai contoh, hanamichi ("jalan bunga") sampel kabuki - platform memanjang dari pentas ke kedalaman auditorium. Dia juga mengeksploitasi simbol yang agak dikenali seperti bunga dan skrol.

Sudah tentu, dalam dunia global tidak timbul persoalan tentang keistimewaan orang Jepun untuk menggunakan bentuk kebangsaan mereka.

Teater salah seorang pengarah paling penting pada zaman kita, Robert Wilson dari Amerika, dibina atas pinjaman daripada tetapi.

Dia bukan sahaja menggunakan topeng dan solekan yang mengingatkan khalayak ramai di Jepun, tetapi juga meminjam cara bertindak berdasarkan kelembapan maksimum pergerakan dan ekspresi diri yang mencukupi bagi isyarat itu. Menggabungkan bentuk tradisional dan ritual dengan skor pencahayaan canggih dan muzik minimalis (salah satu yang paling karya terkenal Wilson - pengeluaran opera Philip Glass "Einstein on the Beach"), Wilson pada asasnya menghasilkan sintesis asal usul dan perkaitan yang banyak diperjuangkan oleh seni moden.

Robert Wilson. "Einstein di Pantai"

Daripada noh dan kabuki, salah satu tonggak tarian moden telah berkembang - butoh, secara harfiah diterjemahkan - tarian kegelapan. Dicipta pada tahun 1959 oleh koreografer Kazuo Ono dan Tatsumi Hijikata, yang juga menggunakan pusat graviti rendah dan tumpuan pada kaki, butoh adalah tentang membawa refleksi dari pengalaman perang traumatik ke dalam dimensi tubuh.

“Mereka menunjukkan mayat itu sakit, rebah, bahkan dahsyat, dahsyat.<…>Pergerakan sama ada perlahan, atau sengaja tajam, meletup. Untuk ini, teknik khas digunakan, apabila pergerakan dilakukan seolah-olah tanpa melibatkan otot utama, disebabkan oleh tuas tulang rangka, "sejarawan tarian Irina Sirotkina menulis butoh dalam sejarah pembebasan badan, menghubungkan. ia dengan berlepas dari normativiti balet. Dia membandingkan butoh dengan amalan penari dan koreografer pada awal abad ke-20 - Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, bercakap tentang pengaruh pada tarian "postmodern" kemudian.

Serpihan tarian Katsura Kana, penerus moden tradisi butoh

Hari ini, butoh dalam bentuk asalnya bukan lagi amalan avant-garde, tetapi pembinaan semula sejarah.

Walau bagaimanapun, perbendaharaan kata pergerakan yang dibangunkan oleh Ono, Hijikata dan pengikut mereka kekal sebagai sumber penting untuk koreografer moden. Di Barat, ia digunakan oleh Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky dan juga dalam video untuk "Belong To The World" oleh The Weekend. Di Jepun, penerus tradisi butoh adalah, contohnya, Saburo Teshigawara, yang akan datang ke Rusia pada bulan Oktober. Walaupun dia sendiri menafikan persamaan dengan tarian kegelapan, pengkritik mendapati tanda-tanda yang agak dikenali: badan yang kelihatan tidak bertulang, kerapuhan, langkah tanpa suara. Benar, mereka sudah diletakkan dalam konteks koreografi pascamoden - dengan tempo tinggi, larian, bekerja dengan muzik bunyi pasca industri.

Saburo Teshigawara. metamorfosis

Global tempatan. Bagaimanakah seni Jepun kontemporari serupa dengan seni Barat?

Karya Teshigawara dan ramai rakan sekerjanya secara organik sesuai dengan program festival tarian kontemporari Barat terbaik. Jika anda menyemak huraian persembahan dan persembahan yang ditunjukkan di Festival / Tokyo - pertunjukan tahunan terbesar teater Jepun, maka sukar untuk melihat perbezaan asas daripada aliran Eropah.

Salah satu tema utama ialah kekhususan tapak - artis Jepun meneroka ruang Tokyo, daripada rumpun kapitalisme dalam bentuk bangunan pencakar langit hingga ke kawasan kecil tumpuan otaku.

Tema lain ialah kajian tentang salah faham antara generasi, teater sebagai tempat pertemuan langsung dan komunikasi teratur orang yang berbeza umur. Projek yang didedikasikan untuknya oleh Toshika Okada dan Akira Tanayama telah dibawa ke Vienna selama beberapa tahun berturut-turut ke salah satu festival seni persembahan utama Eropah. Tiada perkara baharu dalam pemindahan bahan dokumentari dan cerita peribadi ke pentas menjelang penghujung tahun 2000-an, tetapi kurator Festival Vienna mempersembahkan projek-projek ini kepada orang ramai sebagai peluang untuk berhubung secara langsung, dari titik ke titik dengan yang lain. budaya.

Satu lagi baris utama bekerja melalui pengalaman traumatik. Bagi orang Jepun, ia tidak dikaitkan dengan Gulag atau Holocaust, tetapi dengan pengeboman Hiroshima dan Nagasaki. Teater merujuk kepadanya secara berterusan, tetapi kenyataan paling kuat tentang letupan atom sebagai momen genesis semua budaya Jepun moden masih menjadi milik Takashi Murakami.

ke pameran "Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture"

"Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture" ialah tajuk projek pilihan beliau yang ditayangkan di New York pada tahun 2005. "Little Boy" - "bayi" dalam bahasa Rusia - nama salah satu bom yang dijatuhkan di Jepun pada tahun 1945. Mengumpul ratusan komik manga daripada ilustrator terkemuka, mainan vintaj yang tersendiri, barangan yang diilhamkan oleh anime terkenal daripada Godzilla hingga Hello Kitty, Murakami telah menolak kepekatan kecomelan - kawaii - ke had dalam ruang muzium. Secara selari, beliau melancarkan pilihan animasi di mana imej pusat terdapat gambar letupan, bumi kosong, bandar-bandar yang musnah.

Penentangan ini merupakan kenyataan utama pertama tentang pemansuhan budaya Jepun sebagai cara untuk mengatasi gangguan tekanan selepas trauma.

Sekarang kesimpulan ini nampaknya sudah jelas. Kajian akademik kawaii oleh Inuhiko Yomota dibina di atasnya.

Terdapat juga pencetus traumatik kemudiannya. Antara yang paling penting - peristiwa 11 Mac 2011, gempa bumi dan tsunami yang membawa kepada kemalangan besar di loji tenaga nuklear Fukushima. Di Festival/Tokyo-2018, keseluruhan program enam persembahan dikhaskan untuk memahami akibat bencana alam dan teknologi; mereka juga menjadi tema untuk salah satu karya yang dibentangkan di Solyanka. Contoh ini jelas menunjukkan bahawa senjata kaedah kritikal Seni Barat dan Jepun pada asasnya tidak berbeza. Haruyuki Ishii mencipta pemasangan tiga set televisyen yang mengulangi rakaman yang disunting dan digelung berkelajuan tinggi daripada program televisyen tentang gempa bumi.

"Karya itu terdiri daripada 111 video yang ditonton artis setiap hari dalam berita sehingga saat semua yang dilihatnya tidak lagi dianggap sebagai fiksyen," jelas kurator. "Jepun Baru" ialah contoh ekspresif bagaimana seni tidak menentang tafsiran berdasarkan mitos kebangsaan, tetapi pada masa yang sama mata kritikal mendapati bahawa tafsiran yang sama mungkin relevan untuk seni dari mana-mana asal usul. Para kurator bercakap tentang kontemplasi sebagai asas tradisi Jepun, menggunakan petikan dari Lao Tzu. Pada masa yang sama, seolah-olah meninggalkan kurungan bahawa hampir semua seni kontemporari tertumpu pada "kesan pemerhati" (seperti yang dipanggil pameran) - sama ada dalam bentuk mewujudkan konteks baru untuk persepsi fenomena biasa atau dalam meningkatkan persoalan tentang kemungkinan persepsi yang mencukupi seperti itu.

Komuniti Terbayang - satu lagi karya artis video Haruyuki Ishii

Permainan

Walau bagaimanapun, seseorang tidak sepatutnya berfikir bahawa Jepun pada tahun 2010-an adalah kepekatan progresif.

Tabiat tradisionalisme lama yang baik dan kecintaan terhadap eksotisme orientalis belum lagi dihidupkan. "The Theatre of Virgins" adalah tajuk artikel yang agak mengagumi tentang teater Jepun "Takarazuka" dalam majalah konservatif Rusia "PTJ". Takarazuka muncul pada penghujung abad ke-19 sebagai projek perniagaan untuk menarik pelancong ke bandar terpencil dengan nama yang sama, yang secara tidak sengaja menjadi terminal sebuah syarikat swasta. kereta api. Hanya gadis yang belum berkahwin bermain di teater, yang menurut pemilik kereta api, sepatutnya memikat penonton lelaki ke bandar. Hari ini, Takarazuka berfungsi sebagai industri - dengan saluran TVnya sendiri, padat program konsert, malah taman hiburan tempatan. Tetapi hanya gadis yang belum berkahwin yang masih mempunyai hak untuk berada dalam rombongan - semoga mereka tidak memeriksa keperawanan sekurang-kurangnya.

Walau bagaimanapun, Takarazuka tidak begitu baik jika dibandingkan dengan kelab Toji Deluxe di Kyoto, yang orang Jepun juga panggil teater. Mereka menunjukkan sangat liar, berdasarkan penerangan Kolumnis New Yorker Ian Buruma, pertunjukan striptis: beberapa gadis berbogel di atas pentas mengubah demonstrasi kemaluan menjadi ritual awam.

Seperti kebanyakan amalan artistik, persembahan ini berdasarkan legenda purba (dengan bantuan lilin dan kaca pembesar, lelaki dari penonton boleh bergilir-gilir meneroka "rahsia ibu dewi Amaterasu"), dan penulis sendiri diingatkan daripada tradisi noh.

Cari rakan sejawat Barat untuk "Takarazuki" dan Toji kami akan menyerahkannya kepada pembaca - tidak sukar untuk mencarinya. Kami hanya ambil perhatian bahawa sebahagian besar seni moden ditujukan tepat untuk memerangi amalan penindasan sedemikian - kedua-dua Barat dan Jepun, daripada tarian superflat hingga butoh.

Walaupun Jepun dianggap sebagai negara teknologi yang semakin meningkat di seluruh dunia, seni kontemporari kontemporari tidak tergesa-gesa untuk memutuskan hubungan dengan tradisi. Pameran “Mono no Avare. The Charm of Things” adalah kisah sedih tentang keadaan manusia pada zaman plastik.

Mono tidak sedar - ciri prinsip estetik budaya Jepun, yang memberi nama kepada pameran itu, bermaksud pesona menyedihkan sesuatu, perasaan terpesona dengan keindahan perkara dan fenomena yang jelas dan tersirat, dengan naungan wajib kesedihan tanpa sebab yang disebabkan dengan rasa sifat khayalan dan kelemahan segala yang kelihatan. Ia berkait rapat dengan agama Shintoisme tradisional Jepun. Shintoists percaya bahawa semua perkara dikurniakan dengan intipati rohani "kami". Ia wujud dalam mana-mana objek: dalam kayu dan dalam batu. "Kami" adalah abadi dan termasuk dalam kitaran hidup dan mati, di mana segala-galanya di dunia sentiasa dikemas kini.

Dan walaupun seni kontemporari bercakap dalam bahasa antarabangsa, seni kontemporari Jepun yang dipersembahkan dalam pameran ini lebih baik dilihat dari perspektif tradisi mereka.

Pemasangan pengenalan oleh artis Hiraki Sawa mengambil seluruh bilik, dan merupakan teater bayangan di mana pelakonnya adalah peralatan rumah. Ia dibina berdasarkan prinsip kereta api kanak-kanak. Kereta api dengan lampu suluh melalui landskap yang dicipta oleh artis, sinar cahaya melahirkan dunia makro dari dunia mikro perkara. Dan sekarang sudah Hutan Birch dan bukan menegak pensel berdiri; dan ini adalah talian elektrik di ladang, dan bukan penyepit pakaian; dan besen plastik terbalik dengan pemegang ialah terowong. Karya itu dipanggil "Inside", ia telah ditunjukkan di Venice Biennale sebelum ini.

Lukisan Shinishiro Kano boleh dipanggil surrealisme primitif. Semasa Kano masih hidup, bola keranjang, planet Bumi dan buah-buahan berada dalam satu pinggan.

Tiada lukisan itu sendiri dalam lukisan itu, tetapi hanya bingkai yang dicat dengan minyak. Pada satu kanvas, sosok dewa dalam kimono merah digabungkan dengan tuala merah yang digantung pada cangkuk di sebelah yang lain. Bukankah siri bergambar ini tentang alam ilusi dunia? Atau mungkin setiap perkara ada kami.

Dalam lukisan oleh Masaya Chiba, berlatarbelakangkan hutan yang indah, terdapat dua sosok: makhluk antropomorfik yang uzur dari bahan putih, hampir tidak menyerupai lelaki dan wanita. Ia dipasang pada kayu seperti boneka teater oriental. Materi adalah fana, ia hanya cangkang - seolah-olah penulis ingin memberitahu kita. Karya lukisannya yang lain "Sleeping Man" adalah lebih kurang sama. Tiada orang dalam gambar itu, hanya segelintir perkara pada ottoman: gambar lama dan poskad, kaktus yang telah ditanam, sarung tangan, pita kegemaran, balang rempah dan satu set alatan.

Artis Teppei Kanueji "mengukir" (objek binaan) orangnya mengikut prinsip yang sama: dia melekatkan sampah rumah dalam bentuk makhluk antropomorfik dan menutupnya dengan cat putih.

Mandala besar dipenuhi dengan garam di atas lantai; ini adalah ritual kuil tradisional untuk Jepun, nampaknya berasal dari agama Buddha. Sekeping perhiasan sedemikian menangkap semangat sama ada labirin atau peta tanah misteri, dan betapa baiknya tiada angin di muzium. Pemasangan ini unik, artis membuatnya selama beberapa hari di dalam dinding muzium. Terdapat juga tradisi Jepun yang menarik: sebelum pertarungan, ahli gusti sumo menaburkan garam di atas tanah.

Pemasangan Hiroaki Morita "Dari Evian ke Volvik" dibuka agak lama topik yang menarik moden untuk Jepun - pemprosesan plastik. Di atas rak kaca terletak sebotol air Evian, bayang daripadanya betul-betul jatuh ke leher botol Volvik lain yang berdiri di atas lantai. Ia mencipta ilusi bahawa air mengalir dari botol ke botol. Tidak masuk akal pada pandangan pertama. Bagi orang Jepun, karya konseptual ini bukan sahaja melambangkan kitaran "kami", iaitu intipati rohani, tetapi juga dalam secara literal prinsip kitar semula - kitar semula. Sebagai sebuah negara kepulauan, Jepun adalah antara negara pertama yang mempelajari cara mengumpul, menyusun dan mengitar semula sisa plastik. Daripada bahan yang dihasilkan, bukan sahaja botol dan kasut baru dibuat semula, malah pulau buatan juga dicipta.

Pemasangan Teppei Kuneuji pada pandangan pertama menyerupai stesen pengasingan sampah. Objek plastik dibentangkan di sini dalam urutan yang berbeza: sudu, acuan, pelbagai mainan, penyangkut, berus gigi berwarna, hos, cermin mata dan lain-lain. Ditabur dengan serbuk putih, nampaknya mereka berbaring di sini untuk selama-lamanya. Apabila anda berjalan di antara objek yang biasa ini, tetapi kini tidak digunakan, memikirkan mereka sudah terpisah, seseorang mendapat perasaan seperti meditasi di taman batu. Dalam kolaj fotonya, Teppei Kuneuji "secara mental" membina menara daripada serpihan pembinaan. Tetapi ini bukanlah rantai kinetik seperti pasangan artistik Fishli dan Weiss, tetapi seperti bangunan suci Buddha di mana batu diletakkan di atas batu tanpa bahan ikatan.

Artis Suda Yoshihiro meletakkan bunga mawar merah jambu kayu yang dibuat dengan mahir dengan satu kelopak yang jatuh di antara anak tetingkap di tingkap muzium yang menghadap ke Moika. Melihat campur tangan yang sangat halus dan puitis di muzium ini, saya ingin mula bercakap dalam ayat Jepun dalam genre haiku, seperti: “Musim sejuk. Malah sekuntum mawar di muzium akan mekar selama-lamanya.”

Satu lagi karya puitis yang tidak kurang, The Opposite of Volume, oleh Onishi Yasuaki merujuk kepada karya pelukis zaman pertengahan dan sami Zen Toyo Sesshu. Klasik Jepun ini terkenal untuk dibawa ke negara ini matahari terbit Lukisan dakwat monokrom Cina.

Pemasangan Yasuaki ialah siluet tiga dimensi polietilena kelabu gunung, dengan jet (seperti hujan) plastik cecair beku jatuh ke atasnya dari siling. Mereka berkata untuk membuat gunung "kosong" di bawah hujan lebat, seolah-olah dengan monokrom Lukisan Toyo Sessu, artis itu terpaksa membina segunung kotak, menutupnya dengan polietilena nipis, dan kemudian menitiskan plastik panas dari siling.

Akhirnya, pemasangan Kengo Kito: kalungan gelung sukan plastik berwarna tergantung, seolah-olah "salam Jepun", dibawa ke Rusia untuk Sukan Olimpik. Adalah pelik bahawa pameran "The Charm of Things" menggunakan plastik sebagai bahan yang dengannya artis Jepun menyentuh bukan sahaja isu alam sekitar tetapi juga kerohanian.