Anmeldelse av The Cherry Orchard. Anton Chekhov - kirsebærhage

Når du leter etter din plass i den overfylte, som vanlig, MDT-salen før forestillingens start" Kirsebærhagen”, du aner ikke hvilket triks som venter deg fem minutter etter starten av handlingen. Og du kunne gjette. Fordi lysekronen er pakket inn i hvitt tøy, brukes den også til å dekke biljardbordet, som forskjøv halvparten av den femte raden med tilskuerplasser, møblene er plassert foran scenen i flukt med bodene, og ikke på scene, og de mørke dørene til sideutgangene fra salen er erstattet av vektløse, snøhvite med glassinnlegg .

Men først er oppmerksomheten naglet til en figur i et sterkt slitt rødt fløyelsliv, som i scenens tomhet ser ut som et spøkelse - ånden i teatret i kostymetiden, teatret - en fryd for øyet. Firs - Alexander Zavialov, med smell over øynene, med et fluffy skjegg og langsomme bevegelser rett og slett hypnotiserende - som trolig til enhver tid teatret fascinerte, og gjenopplivet fortidens bilder. Så først er det ikke engang veldig tydelig hva slags fremmede stemmer som trenger inn i salen og hvor de kommer fra. "Luft! Hvilken luft! - et helt distinkt utrop høres - og salen, og ikke scenen, er fylt med mennesker: Ksenia Rappoport - Ranevskaya, Liza Boyarskaya - Varya, Igor Chernevich - Gaev, Katya Tarasova - Anya, Tatyana Shestakova - Charlotte Ivanovna, Epikhodov - Sergey Kuryshev, Dunyasha - Polina Prikhodko, Yasha - Stanislav Nikolsky. Og tilskuerne befinner seg plutselig i sentrum av dette gledelige oppstyret, løpende fra en dør til en annen, de føler seg som gjester, ikke fremmede. Dessuten, ikke gjestene til Lyubov Andreevna, men gjestene til Dodin og Chekhov, to store artister som møttes ved universets trange korsvei, hvor tiden komprimeres til en tett ball, slik at begynnelsen av forrige århundre ligger tett opp til begynnelsen av nåtiden.

Hver av karakterene gjennom hele forestillingen vil, som en tosidig Janus, se inn i fortiden og forutse fremtiden. Fortiden vil dukke opp på et stort, fullt speil av den hvite scenen - i rammene til filmen som Lopakhin - Danila Kozlovsky hadde på lager som en overraskelse for de tidligere eierne, en film hvor en blomstrende og endeløs kirsebærhage nær Hamburg, hvor de fleste av skaperne av stykket også dro) omgir, eller rettere sagt, omslutter de fortsatt veldig unge heltene fra alle kanter, og beskytter dem mot alle problemer. Fremtiden vil virke for dem i øyeblikk av fortvilelse, når plutselig, midt i falsk moro, skjult for publikum av samme skjerm, løfter heltene plutselig dette hvite sløret og kikker inn i mørket i salen og venter på nyheter om auksjonen. Og finalen Dodin komponerte og fullstendig hensynsløs: Hvit skjerm vil falle og dekke, som et likklede, de glemte granene, uhuggede brett vil bli funnet bak ham, og de vil allerede bli et lerret for kinoen i moderne tid: alle heltene i undertøy vil gå i en fil på baksiden av hodet foran publikum - bare skudd vil ikke høres, men assosiasjonene vil være entydige.

Faktisk er hele den nesten tre timer lange forestillingen med én pause nåtiden, klemt i en skrustikke mellom fortid og fremtid, som krymper stadig nærmere. Så, i tillegg til alle personlige problemer - mer presist, til hvert personlig drama, blandes en ubønnhørlig fremadstormende historisk katastrofe inn, som gjør dramaer til tragedier. Og dette presset fra publikum, personer XXIårhundrer føles fysisk. Bare en helt i den nye Dodinsky "Cherry Orchard" føler det ikke. Danila Kozlovskys Lopakhin, i motsetning til mange Lopakhins fra forrige århundre, og i motsetning til Igor Ivanovs Lopakhin, som dukket opp på MDT-scenen i Lev Dodins forestilling fra 1994 basert på den samme Kirsebærhagen, skjelver ikke en gang før Ranevskaya. Han er den eneste som ikke faller inn i den generelle tragiske intonasjonen - ganske enkelt fordi han ikke ser noen problemer i tapet av kirsebærhagen: rekkevidden av opplevelser som er tilgjengelige for ham, er smale, medfølelse er helt fraværende i ham. Sånn sett er han ikke forskjellig fra lakeiene til Dunyasha og Yasha - bare de kjenner deres plass, og Lopakhin gjør sitt beste for å komme seg "til rikdom" og er sikker på at han som rik mann har alle muligheter til det. Men Lyubov Andreevna, som ikke vil ha det i det hele tatt, sjarmerende feminin, som Ksenia Rappoport alene i verden kan, setter ham på sin plass: da vil hun glemme navnet hans for tredje gang og selv le av glemselen hennes, og spør deretter, «og foran hvem !?», etter å ha sett Gaevs rop om dekadentene foran sexarbeiderne på tavernaen, vifter hun plutselig med hånden mot Yermolai Alekseevich, som sitter i nærheten, blir flau, kommer seg, men . .. Og med hvilket blikk vil hun måle Lopakhin når han, som svar på hennes anbefaling om å gifte seg, setter seg på en stol ved siden av henne , setter en hatt på hodet hennes og til og med prøver å klemme henne. Og vi må hylle kunstneren Kozlovsky, som går inn i yrket langt fra å være så lett som det kan virke fra utsiden: han spiller sin operettekarakter mer enn verdig, og nekter uselvisk å være en helt.

Generelt plottet til "The Cherry Orchard" av Dodin, som forener alle karakterene - deres felles liv, som en gang var høyt, og nå streber etter å gli inn i en operette. Og de mektigste øyeblikkene i forestillingen er de når karakterene, som befinner seg i oppriktig vulgære, fra utsiden, situasjoner, klatrer ut av den menneskelige ånds siste krefter inn i tragedien. Man må se med hvilken utilslørt glede den betagende vakre Ranevskaya - Ksenia Rappoport leser telegrammer fra Paris (i motsetning til stykkets heltinne, som river dem opp uten å lese dem) - og hvilken angst for ekte kjærlighet som skinner gjennom denne gleden, på alteret til som alt er kastet (og hvordan ellers når det kommer til ekte kjærlighet). Og senere vil hun vise en hel bunt med telegrammer til Petya Trofimov - og han vil umiddelbart tilgi henne for hennes umulige frase om en elskerinne, som man ikke kan unngå å ha på hans alder, løfte henne opp, virvle ... Og bare du vil spre hendene fra hvordan, viser det seg, du kan behandle Tsjekhov - lett og modig, som med en livlig, intelligent, ironisk forfatter, og ikke et idol fra pantheon. Og fra hvordan disse glimtene av fullstendig lykke fremhever den uunngåelige katastrofen. Denne beundring for regissørens fryktløshet avtar ikke bare, men i løpet av handlingen intensiveres alt.

Det er nødvendig å se hvordan Gaev - Igor Chernevich, for første gang på mange år, spiller ikke bare en annen, som alltid, storslått skurk, men et evig barn i å berøre korte filtstøvler, som - ja, kanskje, uten å tenke på Anya , begynner plutselig å snakke om søsterens fordervelse, men etterpå vil han ikke bli flau, og bekrefter dermed at han ikke ble styrt av ønsket om å sladre og, enda mer, å fordømme, men vanen med å si hva han tenker - tilsynelatende fra 80-tallet (som har blitt bemerket mer enn en gang, datoene for periodene med demokrati i Russland faller sammen med nøyaktig et århundre fra hverandre). Troen til denne hermetiserte Gaev i illusjon er så sterk at begge hans elskede jenter (og helten til Chernevich er like lidenskapelig knyttet til begge niesene) umiddelbart vil tro på eventyret hans. Øyeblikket da han, etter å ha skissert planen sin, klemmer Katya Tarasova og Lisa Boyarskaya, allerede ler uforsiktig, er nok et glimt av øyeblikkelig lykke som lyser opp mørket i den nærmer seg avgrunnen.

Det er en fantastisk Charlotte i stykket fremført av Tatyana Shestakova. En bitteliten skapning i et frakkpar, en hvit vest og en topplue, hun - igjen i motsetning til stykket - viser ikke triks, stikker ikke ut og er for det meste stille, sitter et sted blant publikum, men når hun gir en stemme, med ham kan ikke argumentere. Charlotte Ivanovnas avslag på å vise trikset til Lopakhin høres ikke ut som et innfall, men som et stigma. Det er mange russiske hellige dårer i det: ikke i henhold til den eksterne planen, men i henhold til den dypt skjulte essensen, er det - Innfødt søster Shestakovs Lame fra "Demons". Generelt er det nettopp når du tenker på heltinnen Shestakova at du forstår hvor mye av Dodins tidligere verk som er direkte eller indirekte sitert i The Cherry Orchard: tross alt var det slik at salen levde et enkelt liv med karakterene og følte meg ikke som en tilskuer, men en innbygger i Pekashino - i Brothers and Sisters. Og akkurat som Irina Prozorova fra Elizaveta Boyarskaya, forutser hun fra første scene den endelige katastrofen for hennes egen Varya (selv om den nye heltinnen Lisa ellers er helt annerledes). Og som Sonya og Elena Andreevna i "Onkel Vanya", forkaster alt "skuespill", frigjør sin barnslige spontanitet i Guds lys, Anya og Varya åpent om natten. Og akkurat i en slik rekke av selvmordsbombere som artistene på siste video, stilt opp på slutten av "Life and Fate"-fanger i Gulag konsentrasjonsleir. Det vil være et dusin flere slike eksempler - The Cherry Orchard av MDT 2014 ser ut til å konsentrere de mest akutte og intense opplevelsene som tilbys av Dodino-teatret til seeren. Tilsynelatende er det derfor det ser ut som et actionspill når det gjelder hurtigheten til handlingen, i motsetning til alle ideer om den tyktflytende tsjekhoviske hendelsesløsheten.

Og Charlottes «triks» her er av et helt annet slag, de er knusende, uutholdelige med tanke på nivået av desperasjon og smerte som er utsatt. I forestillingen tillates soloer fra feltet "lett sjanger" for to helter - Charlotte Ivanovna og Lopakhin. Lopakhin, etter et mislykket forsøk på å fri til Ranevskaya som frier, kollapser på sofaen og synger Quasimodos arie fra Notre-Dame de Paris - etter å ha brukt opp sin franske forsyning nesten umiddelbart, bytter han til zhu-zhu-zhu. Charlotte, for å uskadeliggjøre den uutholdelig langvarige ventetiden på slutten av auksjonen, vil plutselig rope på fransk med en forferdelig tysk aksent: «Alt er bra, vakker markis”- og hun krøp i tårer, fordi stilen som skuespillerinnen jobber i og som Meyerhold ofte praktiserte kalles tragisk tull. Og hennes hjerteskjærende rop i fjerde akt midt under allmennsamlinger kan bare forstås som døende.

Dodins opptreden er strukturert på en slik måte at Lopakhin i nesten hver episode sammenlignes med andre karakterer, noe som igjen og igjen understreker hans menneskelige inkompetanse med alle pengene. Jeg er sikker på at for det første, på grunn av denne karakteren, kom Dodin tilbake til stykket han allerede hadde iscenesatt. Bokstavelig talt hver utgang fra denne Yermolai er komisk: i stykket, etter å ha sovet for seg, hadde han ikke tid til å komme seg til toget til stasjonen, og her virker han søvnig fra dynen når alle allerede har ankommet. Deretter forlater han Gaeva med en uakseptabelt sur intonasjon før han begynner å uttale sin frelsesplan: "Kom over misliken din." Og i seg selv, en fantastisk idé med en demonstrasjon av filmen, viser det seg, ble utført av Lopakhin for å presentere planen - jeg brukte ordet "presentasjon" ikke ved en tilfeldighet, en stor skjerm der en kirsebærhage fortsatt svever som en magisk sky over bakken, ved bølgen av en hånd (eller rettere sagt, en cue , som helten bruker som en peker) er dekket med rektangler med inskripsjonen "25 acres". Selv om enhver person som forstår i det minste litt om skjønnhet, forstår at denne hagen og målerne er to uforlignelige verdiskalaer. Hvor uforlignelig, ifølge Dodin, teater - og sedler.

Det vil selvfølgelig være onde tunger som vil påpeke at det var billettene til Cherry Orchard som nådde en rekordpris for dette teateret - 10 tusen rubler stykket. Motstandere ønsker umiddelbart å opplyse om det faktum at i Tyskland, for eksempel, kan billetter til gjestfrihetsteatre ikke koste mer enn 39,99 euro. Dette er statens politikk. Men teatre er også finansiert i den grad de ikke trenger å tjene penger på publikum. Så dette er et spørsmål for Lopakhins ved makten, ikke for Dodin. Under forestillingen klarer Lopakhin virkelig å bli et kjent navn - gester, ord, intonasjoner er for gjenkjennelige. Slik gjentar han for eksempel entusiastisk «Dachi! Dachas! Sommerhytter! - og de smelter sammen til noe, i hovedsak lik "zhu-zhu-zhu". Eller hvordan han spør "Hva er det?", uten å forstå ordene til den ekstremt tynne og dirrende Petya Trofimov - Oleg Ryazantsev om at Lyubov Andreevna skulle bli alene etter nyheten om salget av hagen. Eller hvordan han vil klappe i hendene og oppfordre de gamle mesterne til å komme seg raskt ut. Regissøren la til og med ordene i munnen: «Skapet er mitt! Bordet er mitt! (dette er etter et øredøvende rop: «Kirsebærhagen er nå mo-o-o-o-o!»), og de rimer selvfølgelig på øyeblikket fra første akt, hvor Ranevskaya er Rappoport blant dyre bilder fra fortiden blir til en jente og hvisker: "Mitt skap," og berører hendene og til og med kinnet hans til et møbel som en egenskap til et tapt paradis. Det er vanskelig å finne på noe mer dødelig for Lopakhin enn denne parodien på den tidligere elskerinnen.

Men selv dette er ikke nok for Dodin. Gjennom hele handlingen blir Lopakhin overvåket av de intense, ærlige, intelligente øynene til Varya - Liza Boyarskaya. Nonnearbeideren Varya, utført av Boyarskaya, har ikke mistet sin strenghet og beskjedenhet - en strikket grå vest over en rett kjole, et grått skjerf som dekker hodet hele tiden, understreker bare de utrolig vakre øynene til heltinnen. Blikket hennes, som ikke gir slipp på Lopakhin, etterlater ingen tvil om følelsene jenta har for et attraktivt utseende. ung mann. Men denne Varya er så feilfri at hver tåre i øynene hennes bare oppfattes som en setning til den som ringte henne. Og dessuten – jeg gjentar – at Varya kaster usedvanlig kjærlige blikk på Lopakhin. Varya, alene helt til slutten, nekter å tro på elendigheten til hennes utvalgte, og Dodin gir henne beviset på at Tsjekhov ikke gir til heltinnen sin: i stedet for et tilbud, drar Lopakhin Varya bak skjermen, vekk fra nysgjerrige øyne. . Paret kommer tilbake ganske snart, Varyas løse hår og den karakteristiske uryddigheten til Lopakhins kostyme indikerer direkte hva som skjedde. Og her er det bare Lopakhin som snakker. Ikke om ekteskap, selvfølgelig, selv om Varya i dette øyeblikk fortsatt ikke tviler på hans adel. Og om været. Omtrent de tre minusgradene. Fem evighetslange sekunder, mens heltinnen til Lisa Boyarskaya samler krefter for å svare om et ødelagt termometer uten å miste seg selv, er noe av det kraftigste jeg noen gang har sett på scenen, spesielt når fremført av en ung skuespillerinne.

Derimot, det siste ordet vil forbli hos Varya. Og dette vil ikke være en historie med en bølge av en paraply, som Lopakhin vil late som om han viker unna, og Varya vil svare: "Hva er du? Jeg tenkte ikke." Varya - Boyarskaya, i stedet for det siste farvel, vil kaste seg på Lopakhins nakke. Og når han tror at han endelig har vunnet, at minst en av vertene som var utilgjengelige for ham, nedla seg til en forespørsel om hjelp - om ikke med et ord, med en gest (Ranevskaya ber ikke Lopakhin om penger i denne historien, c " est incroyable) - og vil svare med en impuls på impulsen hennes, vil Varvara umiddelbart trekke seg tilbake og ytre i en iskald tone frasen foreskrevet av Tsjekhov.I finalen av denne "Cherry Orchard" vil ingen si at hele Russland er vårt hage, og øm, elsker Anya Katya Tarasova vil ikke finne trøstende ord for moren sin. Bare Lopakhin tror på en vellykket fremtid her. Og det er ingen tvil om at han vil lykkes – og før 1917 vil han fortsatt spare opp millioner til et komfortabelt liv i Paris. Og broren og søsteren - heltene til Rappoport og Chernevich - vil ta med seg til ingensteds bare runde metallbokser med film, som Lopakhin ganske frekt vil overlevere til dem som svar på deres forespørsel om å se filmen igjen. Og de vil umiddelbart være like de som forlot Russland med en koffert, som Olga Knipper-Chekhova, og de som dro til leirene med en bunt.

Lev Dodin satte opp en forestilling om det faktum at ikke bare elegant kostymeteater er borte, men også Tsjekhovs teater, som dominerte hele 1900-tallet - atmosfærisk, sofistikert, hvor ekte plott er gjemt bak åpenbare, tale høres ut som musikk, og mennesker hver. balansere over sin egen avgrunn med utrolig gammeldags ynde. Dodins Kirsebærhagen er et grusomt teater, som fra begynnelse til slutt i økende grad river stoffet i Tsjekhovs tekst, og skuespillerne i den er profeter-martyrer som spiller på en slik måte at dikterens replikker om den fullstendige død ikke seriøst virker som en metafor.

Anmeldelse av stykket av A.P. Chekhov "The Cherry Orchard"

"The Cherry Orchard" - den mest interessant arbeid A.P. Tsjekhov.

Da jeg kom inn i salen, trakk jeg umiddelbart oppmerksomheten til scenen, som var veldig vakkert dekorert. Jeg likte spesielt denne tilnærmingen til dekorasjon: i midten av scenen var det en stol som dukken satt på, og hvite gjennomsiktige lerreter strakte seg fra taket til gulvet. I fremtiden ble det vist skygger fra trær på dem, noe som skapte en koselig atmosfære på scenen.

Jeg hadde lest denne boken før, men den var fortsatt veldig interessant og interessant å se.

Stykket forteller om avskjeden til de tidligere eierne, som nettopp har kommet fra utlandet, med hjem. Disse vertene er Ranevskaya Lyubov Andreevna, hennes datter Anya og guvernør Charlotte, sære og morsomme. De husker fortiden, for eksempel en gammel garderobe, som er spesielt kjær for Ranevskayas bror Gaev Leonid Andreevich, som også fulgte med dem. Anya husker barndommen. Men de husker alle med glede og kjærlighet kirsebærhagen, som ligger på eiendommen deres. På tidspunktet for Ranevskys avgang bodde Lopakhin Ermolai Alekseevich og hans adopterte datter Lyubov Andreevna Varya der. Plutselig skjer det uhell: Nyheten kommer om at på grunn av manglende betaling av gjeld må boet selges. Alle er forvirret. Lopakhin tilbyr å overlate tomten til sommerhus. Men avslaget til Ranevskaya fører til at hagen er solgt. Og Lopakhin kjøper den. Nå han ny eier. Til tross for at begivenheter ender så trist for heltene, prøver de å starte nytt liv skal til utlandet igjen.

Jeg synes skuespillerne gjorde en utmerket jobb med å formidle tilstanden til skuespillere. Jeg ble overrasket over at skuespillerne under hele forestillingen, etter å ha kommet uvanlig inn i karakteren, satte seg på stoler, som de hadde gjort før, og ikke glemte. Mest av alt likte jeg skuespillerinnene som spilte rollene som Anya og Vari. Men spesielt vil jeg merke meg kostymene. De var veldig egnet for karakterene og bidro på en eller annen måte til å avsløre bildet mer fullstendig. Det så ut til at heltene hadde på seg disse kostymene hele livet.

Jeg likte forestillingen veldig godt, og jeg håper inntrykkene jeg har fått vil forbli i minnet i lang tid. Jeg tror at Tsjekhovs Kirsebærhagen fortsatt er aktuell i dag. Tross alt har hver av oss et sted vi elsker, husker og aldri vil glemme.

Skuespillernes diksjon var så tydelig at den var behagelig å høre på. Generelt hørte jeg på hele forestillingen uten å stoppe. Mest av alt likte jeg stemmen til skuespilleren som spilte Lopakhin.

Det finnes bøker som er enkle å lese. De er veldig saftige, appetittvekkende og godt skreddersydde. Deres les med interesse, med glede, med skjelvende hender - men oftest bare én gang. Og så glemmer de. Og de blir akseptert for nye, som også da blir glemt. Hva snakker jeg om? Det er nok av gode og spennende bøker på denne jord. Men bare noen få av dem overlever tiden sin og blir klassikere. Og det er bare én grunn – ikke alle bøker er like dype og mangefasetterte. Dybde- dette er noe som ikke kan gjøres til en vakker stil, det kommer fra dybden til skaperen selv, og det er umulig å forfalske det. Det er slike bøker – mangefasetterte, komplekse og urokkelige som kan lære deg å tenke – dette er hovedoppgaven til ekte litteratur.

Tsjekhovs siste drama

I 1903 skrev den store Tsjekhov, allerede dødssyk, sin siste spill. Han kalte den "The Cherry Orchard". Snart satte Stanislavsky det på scenen til Moskva kunstteater, og det ble ledemotivet i sin tid - tiden for ødeleggelsen av det edle Russland.

Spille vanskelig. Jeg advarer umiddelbart elskere av litterære eventyr - slå av stasjonen, slå på analytisk tenkning. Det blir verken episke konfrontasjoner eller brennende lidenskaper i dette stykket. Egentlig er handlingen i verket ganske beskjeden - en gang veldig rik adelig familie sløst bort alle pengene hans, og eiendommen deres vil snart bli solgt for gjeld. Hovedgrunneieren Gaev prøver å finne penger til å betale ned gjelden. Hans egen søster, Ranevskaya, venter hjelpeløst på at katastrofen nærmer seg og gråter stille og håpløst om sin elskede kirsebærhage. Mens begge fortsetter sløse dine siste penger. Alt ender naturlig og veldig symbolsk. Det ser ut til at det ikke er noe spesielt, men det er Tsjekhovs storhet, det å ta et lite plott, investert inn i det hele eget land. Kirsebærhagen er et symbol på det gamle tsar-Russland som er døende. Sammen med henne dør alle de som ble født av henne - tidligere livegne og slaveeiere. Gårsdagens mestere er hjelpeløse i møte med sosiale og økonomiske endringer. Og dobbelt symbolsk er det at den tidligere livegen blir ny eier av adelsgodset.

Sitater fra boken "Kirsebærhagen" av Tsjekhov

• Du må bare begynne å gjøre noe for å forstå hvor få ærlige, anstendige mennesker det er.
• Å natur, vidunderlig, du skinner med evig utstråling, vakker og likegyldig, du, som vi kaller mor, kombinerer liv og død, du lever og ødelegger ...
• Vi i Russland har fortsatt svært få mennesker som jobber. Det store flertallet av intelligentsiaen jeg kjenner, leter etter ingenting, gjør ingenting og er ennå ikke i stand til å jobbe. De kaller seg intelligentsia, men de studerer dårlig, de leser ikke noe seriøst, de gjør absolutt ingenting, de snakker bare om vitenskapene, de forstår lite om kunst.
• Din far var bonde, min er farmasøyt, og absolutt ingenting følger av dette.

Han så det riktig

Et år etter skrivingen begynte stykket Første russiske revolusjon. Og slutten gamle Russland beskrevet i stykket er blitt et faktum. Tsjekhov klarte å formidle stemningen fra tiden. Som ønsker å lære synes at Les Kirsebærhagen. Les klassikerne.

© «Klubb God litteratur”, ved hel eller delvis kopiering av materialet kreves en lenke til kilden.

"The Cherry Orchard" ("Kolyada-Theatre")

"Hvis det er noe interessant, til og med bemerkelsesverdig, i hele provinsen, er det bare vår kirsebærhage."

"Vel, nå har jeg sett alt!" – Jeg ville si mest av alt etter å ha sett forestillingen «The Cherry Orchard» brakt på turné av Jekaterinburg-teatret «Kolyada-Theater», iscenesatt av skuespill med samme navn Anton Pavlovich Tsjekhov. Selv om "ifølge stykket" er et sterkt ord. Jeg vil til og med heller si at ideen til stykket utvilsomt var tilstede i stykket, men jeg vil ikke argumentere for at folk kom til produksjonen av Tsjekhovs Kirsebærhagen. Det viste seg å være en svært uvanlig og fullstendig tvetydig forestilling. Aldri før har jeg vært borti en slik tolkning av klassikerne, og for å være ærlig, en slik handling!
Alt er blandet her - farse, komedie, drama, folkesanger og dans, grotesk, modernisme, minimalisme og den mest levende symbolikken jeg noen gang har sett!
Generelt var min første reaksjon etter starten av forestillingen: "#$% [e-postbeskyttet]!!" og bred åpne øyne med kjeven falt i gulvet. Selv om imidlertid den andre og tredje - også. Hjernen min eksploderte i en flerfarget regnbue og rant ut av en sprukket hodeskalle, og sprutet stjerner og rosa ponnier over hele bodene. Jeg ville løpe rundt i sirkler, rope høyt sammen med skuespillerne og banke hodet i veggen, mot døren, mot naboene. Og først i begynnelsen av andre akt begynte sinnet endelig å ta det som skjedde på scenen med fullt alvor og returnerte den tapte kjeven til stedet som fysiologisk var beregnet for det.
Og det var virkelig en grunn til det. Jeg tror ingen iscenesatte The Cherry Orchard så hardt, kompromissløst, dynamisk og sinnsykt som Nikolai Vladimirovich Kolyada gjorde. I hans produksjon av Tsjekhovs stykke glitrer det av helt nye og helt uventede farger! I stedet for en melankolsk trist, rolig og til og med noen ganger lat historie, full av kjedelige samtaler, halvtoner og endeløse refleksjoner, kaster regissøren betrakteren ut i en ufattelig grotesk, inn i en hemningsløs russisk fest, fest, evig sprit, mettet med uordnede gjester, uansvarlig. handlinger, meningsløse samtaler og endeløse rop, sanger, danser, klagesanger, latter og tårer. Og til tross for at handlingsstedet og Kolyada-æraen ble bevart, ser stykket likevel ganske moderne og veldig relevant ut. Det er som om ingenting har endret seg på et århundre. Epoken erstatter epoken, men Moder Russland er fortsatt den samme. Og alle de samme menneskene som i stedet for å handle, endrer livene og virkeligheten til de de vil, bare drikker, går og snakker, snakker, snakker. Og midt i dette kaoset utfolder seg dette galeasylet, velkjent for oss alle skolebenk arrangementer. Gå tilbake til den innfødte barmen, nostalgien, konkursen, salget av kirsebærhagen, og det ser ut til at det er på tide å starte et nytt liv.
Når det gjelder produksjonen, fant Nikolai Vladimirovich noe å overraske. Alt er fantastisk - fra tilnærmingen til stykket til rekvisittene og kostymene. Forestillingen tar ut bevisstheten fra de første sekundene. Og når publikum strømmer ut på scenen, henger hjernen rett og slett et skilt "Ikke forstyrr!" og senker seg et sted ned i magen, hvor alt er enkelt, forståelig og varmt. Jeg tror dette er den mest støyende ytelsen jeg noen gang har sett. Og mest folklore. En veldig tvetydig tolkning av arbeidet til Anton Pavlovich, og spesielt begynnelsen, men, jeg må innrømme, det er ganske interessant og verdig oppmerksomhet. Med alle vitsene og kaoset som skjer på scenen, formidles den generelle stemningen i stykket veldig nøyaktig, og følelsene til karakterene er slående i sin dybde. Ja, de spiller helt skamløst om, river seg opp og grimaserer, men en slik grotesk tilnærming hjelper snarere enda bedre med å formidle stemningen til hendelser, med å formidle den sanne stemningen i verket. Jeg vil si med en gang - jeg likte ikke begynnelsen, og jeg prøvde til og med ærlig å forlate dette "sirkuset", men noe holdt meg tilbake, og jeg angret ikke. Det er verdt å gjennomsyre atmosfæren i produksjonen, absorbere energien til skuespillerne, og alt faller på plass. Inkludert hjernen.
Jeg var veldig fornøyd med de vanvittig vakre, uvanlige, morsomme og interessante kostymene. Det var virkelig produksjonsdesigneren som kom ut av dem, så av! Og dette er ikke bare kostymer – de er symbolske og spesifikke som ingen andre steder! Generelt er symbolikken i denne produksjonen mer enn nok. Han er her i alt. I hver frase, i hver bevegelse av skuespillerne, i scenedesignet, i rekvisittene. Ja, til og med i taket! Forresten, om rekvisitter. Å dekorere en kirsebærhage med hvite plastkopper... nei – hundrevis av hvite plastkopper som trerekkverk "blomstrer" med er kraftig! Interessant. Frisk. Opprinnelig. Uforglemmelig. Og dette må sees. Dette bildet kan ikke uttrykkes med ord. Og ikke kutt ut senere fra minnet. Dette er en slags polypropylen-ekstravaganza av vårjevndøgn. ferie kjemisk industri provinsiell fordeling. Verdig funn! Spesielt - "bladfall"!
Og, selvfølgelig, helter! Fargerike, uvanlige og originale karakterer, der vi til å begynne med knapt kan gjette Lyubov Andreevna, Leonid Andreevich, Ermolai Alekseevich og andre besøkende til kirsebærhagen, kjent for oss fra barndommen. Den aller første tanken: "Jeg vil aldri finne ut hvem som er i dette, generelt, hvem!". Selv om, bokstavelig talt på en halvtime, blir hver av karakterene nesten kjente og så nærme som mulig. En uvanlig, men veldig, veldig interessant løsning!
Jeg vil ikke dvele ved hver av karakterene i detalj - fordi jeg oppriktig tror at de er bedre å se - og vil bare kort notere noen av skuespillerne som jeg husker mest.
Først av alt, selvfølgelig, må jeg merke meg Vasilina Makovtseva, som spilte rollen som Ranevskaya selv. Jeg synes det er den mest emosjonelle, lyse og dramatiske rollen til produksjonen. Vasilina klarte på en bemerkelsesverdig måte å formidle ikke bare alle fasettene til karakteren til heltinnen hennes, men ganske enkelt skildre den samme følelsen av nostalgisk hjemlengsel og byrden av en ny berøvelse, ser det ut til, av et nylig funnet innfødt hjørne. Helt fantastisk spill og veldig livlig bilde! Bravo!!
Overrasket og Oleg Yagodin, som utførte rollen som Lopakhin i produksjonen. Han forandret seg hele tiden under forestillingen, presenterte helten sin for publikum i et eller annet bilde og byttet veldig enkelt fra en komisk karakter til en dramatisk karakter og tilbake.
Jeg kan ikke unngå å legge merke til det veldig lyse og minneverdige spillet til Sergei Fedorov og hans Gaev. En helt fantastisk karakter som forårsaket et hav av blaughting og følelser, selv om det var veldig kontroversielt laget av en homofil.
Jeg vil også nevne Alisa Kravtsova og Irina Yermolova, som spilte Anechka og Varya. De var i stand til å bringe sin egen spesielle smak til produksjonen og så veldig kule ut i rollene sine!
En veldig morsom karakter kom ut av Anton Makushin - den uforglemmelige "evige studenten" Trofimov i sin evige baseballcap og endeløse filosofering med eller uten grunn. Virkelig kraftige monologer og veldig livlig skuespill!
Det er umulig å ikke legge merke til det lyse spillet til Vera Tsvitkis med Dunyasha og Evgeny Chistyakov med Yasha. Dette er absolutt uforglemmelige, om enn mindre karakterer.
Men hvem fortjener definitivt en helt egen nominasjon og universell anerkjennelse - dette er Firs Alexander Zamuraeva! Sannsynligvis den mest originale, fargerike og minneverdige karakteren til hele produksjonen! Alexander - stående applaus! Bravo!! Beste spillet!
Forresten, tilbake til symbolikken i produksjonen, vil jeg spesielt merke meg de konstante referansene til resten av verkene til Anton Pavlovich, og de er laget av så høy kvalitet, nøyaktige, tidsriktige og om emnet at du ufrivillig spør deg selv : "Hvordan i helvete gjorde de det?!"
Generelt vil jeg si at jeg likte forestillingen, selv om den viste seg å være veldig tvetydig. Men absolutt verdt å se. Verdig eksempel Moderne kunst og en av de mest originale forestillingene jeg var så heldig å se.! Solid 7/10 og min anbefaling er å ikke gå glipp av neste tur til "Kolyada-Teatr"!

"Lopakhin. De sier at du har blitt mye eldre!
Firs. Jeg har levd lenge."

Når du ser at et sted legger de en annen "Kirsebærhagen", blir det umiddelbart interessant hvordan det vil skille seg fra andre. I teateret "Studio.project" regissør Yuliana Laikova laget klassisk produksjon, bare ifølge Tsjekhov. Showet har sine styrker, men det har også sine svakheter. Denne teksten er ikke for de som aldri har sett dette stykket. I så fall, lukk anmeldelsen, gå til produksjonen, du vil definitivt like den. Hvis du har sett mye "kirsebærhager" og tenk om du skal gå hit, så les videre ...

Det første jeg vil snakke om er plass. Ideen om å lage en forestilling i herskapshuset er fantastisk i seg selv, men implementeringen var ikke veldig bra. Salen er ubehagelig, du må hele tiden snu deg for å se scenen (med mindre du selvfølgelig sitter på første rad). Men bekvemmeligheten til seeren er ikke det viktigste. Det kan sees at skuespillerne føler seg ukomfortable, de føler seg trange. I noen scener vet de ikke hvor de skal sette seg, hvordan de skal reise seg for ikke å blokkere kollegene. Plassen er veldig liten og det ser ut til at intimitet burde skapes, fordi betrakteren er så nær skuespillerne, men nei, det skapes bare stramhet.

La oss kort huske handlingen til stykket: grunneieren Lyubov Andreevna Ranevskaya, sammen med datteren Anya, kom fra Paris til huset hennes, som de skal selge for gjeld. Det er håp om at huset blir værende hos dem, men det er for lite. Beboere må forlate sin hjemlige eiendom med sin elskede kirsebærhage, som en gang var en kilde til stolthet. Alle ser ut til å være klare til å dra, noe som understrekes av rotet rundt: en overfylt, shabby garderobe, stoler opp ned, gardiner på en eller annen måte kastet over gesimsen, ingen holder orden i huset. En byggefilm er strukket over veggene, noen møbler er dekket med filler. Ranevskaya, vant til et liv i luksus, aksepterer ikke det faktum at hun er ødelagt, og herlige oppførsel forblir i henne. Det er i hvert fall slik historien skal være. Skuespillerinnen Nadezhda Larina Ranevskaya lyktes ikke. Det er ingen aristokratisk nåde, holdning, væremåte. Jeg vil gjerne se en kjærlig kvinne med et sjarmerende smil, men dessverre, dette bildet viste seg å være tomt.

Yermolai Lopakhin, som vokste opp på eiendommen, siden faren var en livegne med Ranevskayas forfedre, elsker Lyubov Andreevna som sin egen. Han vil oppriktig hjelpe og foreslår en plan: å kutte ned hagen og leie den ut som sommerhytter. Ingen likte denne ideen. På auksjonsdagen kjøpte Lopakhin kirsebærhagen.

«Kirsebærhagen er min nå! Min! (ler.) Min Gud, Herre, min kirsebærhage! Fortell meg at jeg er full, ute av meg, at alt dette virker for meg ... (tramper med føttene.) Ikke le av meg! Hvis min far og bestefar hadde stått opp fra gravene sine og sett på hele hendelsen, som deres Yermolai, slåtte, analfabeter, som løp barbeint om vinteren, hvordan denne samme Yermolai kjøpte en eiendom, vakrere enn det det ikke er noe i verden av. . Jeg kjøpte en eiendom hvor bestefar og far var slaver, hvor de ikke en gang fikk komme inn på kjøkkenet. Jeg sover, det virker bare for meg, det virker bare for meg ... "

Denne monologen var det lyseste punktet i forestillingen. Talen, levert uttrykksfullt, med et kraftfullt energibudskap, bokstavelig talt spikret til stolen og fikk meg til å stirre på scenen med øynene.

Etter regissørens intensjon skulle det bli en klassiker "Kirsebærhagen". Det er ganske dristig å lage en produksjon der det praktisk talt ikke er noen regissører "chips". Tross alt faller alt på skuldrene til skuespillerne. Skuespillet mislyktes i dette showet. Selvfølgelig ikke helt. Men foruten den tomme Ranevskaya, var det også en absolutt hjelpeløs Petya, en evig student, fremført av Daniel Andrushchuk. Karakteren hans er fullstendig tapt blant andre. Prestasjonen var ganske bra på grunn av resten av skuespillerne. Jeg vil gjerne nevne Nikita Borisov (Firs), Vasily Molodtsov (Lopakhin), Alexander Turavinin (Gaev), Alisa Efremov-Lisichkina (Anya). Disse skuespillerne knyttet til karakterene sine, forsto dem, rettferdiggjorde dem og slo seg derfor sammen til en enkelt helhet. Du tror på dem, du sympatiserer. Arbeidet til komponisten Kirill Arkhipov er også på topp. Den musikalske komponenten er svært viktig i forestillingen, og disse pianomelodiene, som berørte sjelens strenger, fylte de atmosfæriske tomrommene og vekket følelser.

Nå er de første visningene i gang, så jeg håper skuespillerne vil venne seg til denne historien, slutte å snakke og forstå karakterene sine. En forestilling kan bli bra hvis den for det første overføres til en vanlig scene, og for det andre jobbes det litt mer med bildene.

Regissør: Yuliana Laikova
Artist: Ziliya Kanchurina
Komponist: Kirill Arkhipov
Skuespillere: Nadezhda Larina, Alisa Efremova-Lisichkina, Daniel Andrushchuk, Vasily Molodtsov, Valentina Selezneva, Andrey Vanin, Nadezhda Kuvshinova, Alexander Turavinin, Alina Turavinina, Alexander Mishunin, Dmitry Dembrovsky, Nikita Borisov

Sted: Studio.project teater
Varighet: 1 time 45 minutter