Hvorfor skal jeg tegne fra naturen, og ikke fra fotografier. For ærlige klassiske malerier som kan forvirre alle naken i verdensmaleriet
Vi er vant til å skylde moderne kunst i mangel på ideer og en forkjærlighet for pornografi. Men er de uskyldige gamle klassiske malerier, kjære til hjertet av esteter og kjennere av kyskhet? Ved nærmere undersøkelse blant lerretene kjente genier maleri, kan du finne mesterverk med ærlige plott som kan få moderne, verdslige kjennere av "jordbær" til å rødme. (Forsiktig! Naken).
"Leda og svanen"
Hvis vi snakker om det mest ubeskjedne klassiske plottet, vil den velfortjente palmen bli gitt til den eldgamle historien om nærheten til guden Zeus og den vakre Leda. I følge legenden dukket en innbygger på Olympus opp for jenta inkognito, i skikkelse av en svane, men klarte likevel å inngå et forhold med henne og til og med få avkom.
I løpet av det siste årtusenet var det bare de late som ikke forpliktet seg til å skildre åstedet for samleie mellom en skjønnhet og en fugl. Denne skjebnen gikk ikke forbi og de store - plottet som satte tennene på spissen ble utnyttet av Boucher, Michelangelo og til og med Leonardo. François Boucher i 1740 tilbød den mest uanstendige tolkningen av historien, og demonstrerte anatomiske trekk som er vanlig å drapere skamfullt.
Tidligere tilbød den store Michelangelo sin visjon av situasjonen, som, selv om han unngikk overdreven detaljrikdom, fortsatt ikke kunne motstå og fremstilte paret rett under unaturlig samleie mellom arter.
På bakgrunn av alt dette ser maleriet av Leonardo da Vinci ut til å være bare en illustrasjon av Pusjkins eventyr for skolebarn. lavere karakterer. På lerretet hans har alt allerede skjedd og Leda, med et kjedelig ansikt, ser på hvordan helt friske ett år gamle babyer klekkes fra eggene hun la.
For oss virker denne idylliske scenen ganske grei, men det var ikke alltid slik. Maleriene til renessansemestrene ble ødelagt på begynnelsen av 1700-tallet av den gamle elskerinnen til Ludvig XIV, Marquise de Maintenon, som usømmelige. I dag kan vi se all denne utskeielsen bare takket være senere kopier.
"Forlatt dukke"
Den franske kunstneren Suzanne Valadon arbeidet på begynnelsen av 1900-tallet. Hun er kjent som forfatteren av mange fantastiske bilder, for det meste forherligende skjønnheten kvinnekropp på det mest vanlige livssituasjoner. Til tross for overfloden av nakne kropper på kunstnerens lerreter, forårsaker bare en av Valadons kreasjoner alvorlig kontrovers blant moralister.
Maleriet «Forlatt dukke» i dag kunne bringe forfatteren alvorlige problemer med pedofile, men Valadon var heldig nok til å dø i 1938, takket være at vi kan betrakte skapelsen hennes som en klassiker. Bildet viser en veldig ung kvinne naken med bryster som har begynt å danne seg og en barnslig frisyre med sløyfe.
Historien har ikke bevart en beskrivelse av dette lerretet for ettertiden, men det er generelt akseptert at det skildrer avskjed med barndommen. En kvinne med et håndkle er mest sannsynlig en bordelleier, og et barn forberedes på et møte med den første klienten i livet hennes. Navnet på bildet ble gitt av en dukke som lå på gulvet, som åpenbart symboliserer en ødelagt skjebne. Imidlertid er det godmodige mennesker som hevder at en mor er avbildet som tørker tenåringsdatteren etter å ha badet.
"Valtekten av døtrene til Leucippus"
Den store nederlenderen Peter Paul Rubens, kjent for sine vakre lerreter med tunge skjønnheter, presenterte i 1618 sin "Voldtekten av Leucippus døtre" for publikum. Ved første øyekast, mellom heltene i bildet er det et eksternt slagsmål uten noen seksuelle overtoner.
Men for de som er kjent med gresk myte om Dioscuri-brødrene er det ganske åpenbart at nakne blondiner ikke er i humør for vitser. Den andre tittelen på mesterverket "The Rape of the Daughters of Leucippus" gjenspeiler handlingen i bildet mer nøyaktig.
I antikkens historie kidnappet sønnene til Zevs og Leda (se historien om deres merkelige fødsel ovenfor), Castor og Pollux, døtrene til kong Leucippus Gilaira og Phoebe, og i henhold til den gode gamle tradisjonen testamentert av faren deres, misbrukte de dem. Det hele endte dårlig - alle døde.
"Munk i kornåkeren"
Hvis du kan forvente noe av Rubens og Boucher, så ble Rembrandt, tilbakeholden og utsatt for religiøse emner, overrasket. Selv om hans lille, men mesterlig utførte tegning "En munk på en kornåker" i prinsippet fortsatt gjenspeiler det åndelige temaet.
I midten av komposisjonen er en katolsk munk og en viss dame avbildet, som hengir seg til synd i en misjonærstilling et sted blant jordbruksland. Handlingens pikantitet er ikke engang i det faktum at munken bryter kyskhetsløftet hans, men i mannen som nærmer seg fra venstre med en sigd, takket være at kvelden er i ferd med å slutte å være sløv.
"Kandavlus uforsiktighet"
Et maleri av William Etty med en beskjedent nøytral tittel, The Indiscretion of Candaules, skildrer en helt uanstendig historie fra Herodots historie. Den fulle tittelen på dette lerretet, malt i 1830, avslører all tvetydigheten i scenen som er avbildet på den: "Kandavl, kongen av Lydia, viser forsømmelig sin kone Giga til en av hans tjenere når hun legger seg i sengen."
Det er vanskelig å si hvorfor "historiens far" bestemte seg for å beskrive denne semi-pornografiske historien i sitt arbeid, men takket være henne fikk vi begrepet candaulisme, som er vanskelig å uttale selv av erfarne sexologer. Essensen av dette seksuelle avviket er behovet for å vise din nakne partner til fremmede.
Det er et slikt øyeblikk at Etty er avbildet på bildet. Kong Kandavl bestemte seg for å vise kona Nisa i hemmelighet til livvakten Giga, men planen hans ble avslørt av en kvinne. Nisa krevde at Giga skulle drepe enten henne eller hennes perverse ektemann, hvoretter Kandavl ble kynisk slaktet rett på soverommet hans.
"Avignon jenter"
Fra lerret "Avignon jenter"» strålende kunstner Pablo Picasso begynner sin overgang til kubisme. Det er kjent at skapelsen av kunstnerens maleri ble inspirert av Paul Cezanne med hans arbeid "Bathers". I utgangspunktet kalte Picasso maleriet "Filosofisk bordell" og mange mener at maestroen skildret en scene fra bordell i Barcelonas gotiske kvarter.
Maleriet viser fem nakne damer som venter på sine klienter i frekke positurer. Vi tenkte lenge på om vi skulle inkludere dette verket i listen over krydrede malerier. Enkelt sagt, hvis de geometriske horene som er avbildet på lerretet vekker ubeskjedne fantasier i deg, så har vi dårlige nyheter for deg. Men du kan ikke kaste bort ordene fra sangen, og handlingen i bildet, for 1907, er fortsatt veldig trassig.
"Arabiske konkubiner marked"
Et utmerket maleri av den franske klassikeren Jean-Leon Gerome, malt i 1866, skildrer en scene i et østlig slavemarked. En gruppe menn i rike klær spør om prisen på en naken slave, og sjekker tilsynelatende riktigheten av bittet hennes.
Jerome selv visste uten tvil mye om slavemarkedene og deres gjengangere, ettersom han forgudet Østen og reiste mer enn en gang i disse delene på jakt etter inspirasjon. Samtidige funnet "Arabisk slavemarked""Et veldig trassig verk og kalte bildet en hymne til en manns lystfulle herredømme over en kvinne.
"Flott onaner"
Den store surrealisten Salvador Dali forgudet uanstendige malerier, og bare måten å skrive maleriene hans på, som spesielt forvrenger handlingen, redder oss fra hans erotomanisme. Her med jobb "Flott onani«Ikke alt er så klart. Dessuten, hvis ikke for tittelen, ville ingen ha forstått hva dette vakre bildet handler om.
Men uansett, det er en tydelig uttrykt seksuell konnotasjon i dette lerretet. Kvinnens ansikt på høyre side av bildet, nesten hvilende på den mannlige torskestykket, irriterte Dalis samtidige og forårsaket til og med fordømmelse. Vel, ingen vet hva surrealismens mester skildret i midten av lerretet – kanskje den mest uhemmede utskeielsen som foregår der.
"Verdens opprinnelse"
Laget i 1866 av Gustave Courbet, har bildet med en enkel hverdagsplott ikke vært utstilt på mer enn 130 år på grunn av overdreven anatomisk nøyaktighet. Dessuten, selv nå, når det i prinsippet er vanskelig å overraske besøkende til museet, er en egen vakt tildelt dette bildet.
I 2013 dukket det opp gode nyheter i media - den andre delen av bildet ble funnet, der ansiktet til modellen er synlig. En grundig studie av biografien til forfatteren og hans indre krets gjorde det mulig å finne ut identiteten til damen. Så det ubarberte skrittet viste seg å være eiendommen til Joanna Hiffernan, elskerinnen til en av Courbets beste studenter, James Whistler. Her er en slik Rørende historie gjenforeninger.
Disse er langt fra de eneste i maleriets historie – til enhver tid elsket klassikerne å pakke inn noe sånt, helt i vår frigjorte tids ånd.
Likte? Vil du være oppmerksom på oppdateringer? Abonner på vår
Naken gjennom hele livet visuell kunst inntok en spesiell plass i den. Dette skjer av flere grunner, som vi vil indikere i artikkelen nedenfor. Det er umiddelbart verdt å understreke at malerier av kjente kunstnere presenteres og beskrives her. sovjetiske kunstnere. Noen av navnene på kunstnerne kan være kjent for deg, mens andre kan være en virkelig oppdagelse for deg, og du vil gjerne bli bedre kjent med arbeidet deres.
Yuri Raksha - Drøm
Nakenmaleri, som skulptur, har eksistert til alle tider og i nesten alle land. Dette skyldes det faktum at denne typen bilder er praktisk talt grunnleggende. Enhver kunstner vet utmerket godt at bildet nakenhet er grunnlaget for det grunnleggende i studiet av den menneskelige strukturen. Før du lærer hvordan du korrekt fremstiller en person i klær, i hvilken som helst form, positur og setting, må du lære å tegne ham helt naken. Bak denne prosessen lærer nybegynnerkunstneren å skildre de riktige proporsjonene av menneskekroppen, så vel som dens forskjellige deler og nyanser.
Zinaida Serebryakova - Bader I motsetning til vurderingene til de som maling kun er for nydelige bilder, naken natur er slett ikke skapt for å vekke menneskets lavere ønsker. Et slikt maleri representerer eller synger til og med om skjønnheten i menneskekroppen, dens perfeksjon, den ekstraordinære skapelsen av naturen eller høyere krefter. Ofte skildrer kunstnere sine karakterer nøyaktig nakne for å vise deres naturlighet og naturlighet, deres tilhørighet til naturen eller til og med den guddommelige verden. En helt annen effekt, mindre signifikant, vil bli observert hvis de samme karakterene er kledd i vakre klær, siden gjenstander som er skapt av menneskelige hender river karakteren bort fra naturligheten.
Alexander Deineka - Badende Nakennatur var også iboende i kunstnere sovjetisk periode. I Sovjetunionens dager skapte kunstnere også malerier med nakne kvinner, og dette ble aldri ansett som vulgært, fordi i en profesjonell, seriøs og høy kunst dette er neppe akseptabelt. Ved å lage et bilde får kunstneren mer rene og dype ideer enn bare å underholde betrakterens ønske om å se noe forbudt. Her kan du se en serie verk av sovjetiske kunstnere for å sette pris på talentet og profesjonaliteten til malere fra nær fortid.
Alexander Gerasimov - sovjetisk offentlig bad 
A. Zavyalov - Modeller på bakgrunn av draperier 
A. Olkhovich - Naken 
Alexander Samokhvalov - Naken 
Alexander Deineka - Modell 
V. Arakcheev - Sittende kvinne 
Vladimir Stozharov - Bath. Vasker kvinne 
Michael of God - Naken 
Ilya Mashkov - Naken
I motsetning til noen stereotypier, Sovjetisk kunst aldri utmerket seg ved spesiell puritanisme, selv på bakgrunn av flertallet vestlige land. En jente var ikke for lat til å samle typiske prøver av sovjetisk naken i maleri og grafikk fra perioden 1918 til 1969 i magasinet hennes. Omtrent slike valg kan gjøres på sovjetisk fotografi, kino, skulptur, monumental kunst.
Original hentet fra catrina_burana i nakennatur i sovjetisk kunst. Del III. 1950-1969
På 1950- og 60-tallet forble sosialistisk realisme hovedtrenden i sovjetisk kunst. Og, akkurat som på 30- og 40-tallet, måtte skildringen av nakenhet samsvare med sine kanoner. Settet med situasjoner der en slik natur kunne belyses var begrenset: en elv- eller havbredd, et badehus, en dusj, et bad og, selvfølgelig, et kunstnerverksted. Men tilbake på 40-tallet begynte en viss variasjon av emner å dukke opp i nakentemaet, enda mer merkbart i maleriet og grafikken på 50-tallet og spesielt 1960-tallet. Her er for eksempel temaet «morgen». Tilsynelatende ble det antatt at en sovjetisk jente eller kvinne kunne gjøre det bra, å våkne om morgenen, for å vise seg toppløs, eller til og med i det moren hennes fødte.
1950. N. Sergeeva. God morgen
1950. A Zavyalov. Modeller mot bakgrunn av draperier
1950. I Arakcheev. Sittende kvinne.
1950. Vl Lebedev. nakenmodell
1950-tallet i Dmitrievsky. Naken
1953. Vsevolod Solodov. Modell
Og nå - vannprosedyrer! Strand, badstue, svømmere, badegjester.
1950. N Eremenko. På Sanden
1950-tallet B Sholokhov. Bad
1950-tallet T Eremina. Svømmere
merkelig bilde Eller rettere sagt, navnet. Vel, til høyre, sikkert, svømmer. Det er tvil om hvem som er i midten: det ser fortsatt ut for meg at dette er en svømmer. Vel, og til venstre i thongs og med bar bunn - vel, definitivt ikke en svømmer ...
Og her er Alexander Deineka, med sine vågale modeller, hvor ville vi vært uten dem!
1951. A. Deineka. Skisse til maleriet "Bather"
1952. A. Deineka. badende
1951. A. Deineka. Modell
1952. A. Deineka. Modell
1953. Deineka. liggende modell
1953. Deineka. Ligger med en ball
De to siste, spesielt den uten ball - ikke så imponerende lettelse. Og den lille mannen er ingenting, bare litt kortbeint.
1955. Deineka. Nakensitter
Flere malerier av kunstneren Andrei Goncharov.
1952. Andrey Goncharov. Naken på en lilla bakgrunn
1952. Andrey Goncharov. Sittende naken
1954. A. Goncharov. Liggende naken med tulipaner
1955. A. Goncharov Naken liggende på rødt
1956. A. Goncharov Naken på en stripete
1958. A. Goncharov. nakenmodell
Og nå er det allerede en rekke tomter. Pimenovs plot, selv om det er knyttet til bading, er ikke helt standard, mens Glazunovs plot er full av erotikk.
1955. Jurij Pimenov. Vinterdag
1956. Ilja Glazunov. Morgen
Noen flere studiomodeller fra 1957-58. Den første og tredje - til misunnelse av Deineka!
1957. A. Olkhovich. Naken
1957. Michael av Gud. Naken
1958. A. Samokhvalov. Naken
1958. R. Podobedov. sittende modell
Her bringer A. Sukhorukih enda mer variasjon til nakenscenene. Både "Middagssol" og "Morgen" er fylt med romantikk...
1958. A. Sukhorukikh. middagssol
1960. A. Sukhorukikh. Morgen
Badescenen er heller ikke helt typisk. I midten av komposisjonen - en kvinne eller en jente - du kan ikke se det bak lakenet - av en eller annen grunn blokkerer nettopp dette arket jenta, som strekker ut hånden, tilsynelatende etter klær. Som, jeg blokkerer deg mens du kler på deg. Men her er mysteriet: fra hvem? Fra kysten kan du se alt, kunstneren spionerte på det! Og fra siden av innsjøen - åpenbart er det ingen, og andre er ikke veldig sjenerte, den til høyre sitter i en fullstendig negligé ... Mystisk bilde.
1958. Chernyshev. Bading på sjøen
Morgen igjen. Vel, ja, det er umulig å kalle et slikt bilde en "løgnaktig modell", det er for smertefullt i en useriøs positur, og så - vel, damen våknet, vel, strukket - hva er galt?
1959. L. Astafiev. Morgen
Nok et nautisk tema. Ikke i det hele tatt Deinekin-former kommer på mote ...
To tegninger av kunstneren Grigory Gordon. En lesejente er også et populært plot i disse årene. Vel, du kan lese i dette skjemaet, om det for eksempel er varmt.
1960. G. Gordon. jente med en bok
1959. G. Gordon. sittende jente
Ytterligere tre malerier med vanntema.
1960. Vladimir Stozharov. Bad. Vasker kvinne
1960-tallet Fedor Samusev. Etter badet
Flere nakenbilder i studio. Urusevsky og Reznikovas modeller er allerede ganske tynne ...
1960. Gennady Trosjkin. Naken
1960. R. Podobedov. ung modell
1960. S.P. Urusevsky. nakenmodell
1961. Evgenia Reznikova. Modell Lisa
Heltene i V. Kholuyevs malerier er lett gjenkjennelige. Det er noe marionett over dem. Settet med motiver er standard: naken i studio, sjø, morgen.
1960-tallet V. Kholuev. Liggende naken
1960-tallet V. Kholuev. Naken
1960-tallet V. Kholuev. født av havet
1960-tallet V. Kholuev. Morgen
1962. V. Kholuev. Naken
"Spring Morning" av A. Sukhorukikh, selv om den kombinerer to typiske plott - morgen og bading, men her er heltinnens nakenhet sekundær; denne "naken" er ikke for "naken", men et ganske sjangerbilde.
1962. A. Sukhorukikh. vårmorgen
Så ser vi: og studioer, og strender, og en annen jente med en bok ... 60-tallet bar et ekko av frihet, fjerning av mange forbud, og jo lenger, jo mer frihet føles både i plott og i ytelse. I tillegg er det lett å se at man nesten aldri finner imponerende former.
1962. Vladimir Lapovok. På et verksted
1962. M. Samsonov. Naken
1963. S. Solovyov. naken jente
1964. A. Samokhvalov. På stranda
1964. V. Skrjabin. Naken
1965. A. Sukhorukih. jente med en bok
1966. A. Sukhorukih. I kunstnerens atelier
1965. N. Ovchinnikov. Kveldsmelodi
1966. Antonov. Badehus i landsbyen Titovo. søstre
1966. Teterin. Naken
1967. Kaparusjkin. Sibirsk
1967. A. Sukhanov. På et verksted
Vel, dette er en ganske useriøs historie. Rett BDSM. Fyren ble tatt for å titte...
1967. A. Tarasenko. Avstraffelse
Ikke svømming, vel å merke, men bare slappe av. En jente i hatt gikk i fjellet, hun var sliten. kledde av seg og satte seg på en rullestein ...
1967. V. Chaus. Hvile
1968. Vladimir Lapovok. sover
1968. May Miturich. Naken
Og dette bildet - generelt sett på grensen. Enten skolebarn eller studenter kom til banken, der, etter tilstedeværelsen av broer, å dømme ikke bare de går, de kledde seg helt av, tok ut maling med staffelier - og vel, tegne hverandre!
1969. M. Tolokonnikova. På skisser
1969. Y. Raksha. august
1969. Y. Raksha. Drøm
Ikke det meste dårlig tid, det virker for meg, dette var selve 1960-tallet ...
Fikk en ny med bilder:
En kommentar.
"krok:
* Kunstnerne er oppriktige og fullstendig håndverkere, papegøyer. Men begge er ikke i stand til å abstrahere fra naturen*
her, virker det for meg, det er ett subtilt poeng ... hva anses som "snillt"?
Jeg husker Nabokovs uttalelse (jeg vil ikke sitere det akkurat nå, men den generelle betydningen) ... tenk deg at en viss "natur" - la oss si et landlig landskap, observeres av tre personer - en tilreisende byboer som nesten for første gang, ser levende gress og trær, en lokal bonde som vokste opp på disse stedene, jobber på landet, plukker sopp i skogen han kjenner, etc.
og en vitenskapsmann-naturforsker, en kjenner av naturen, for hvem en eng eller skog er i høyeste grad differensierte biologiske samfunn, der han også ser mange forskjellige spesifikke planter, insekter, dyr, men han ser ikke bare dem, men også mange de mest kompliserte forbindelsene, ukjent for verken byboeren eller bonden ...
det ser ut til at vi har den samme virkeligheten, naturen, men faktisk er en slik "virkelighet" en abstraksjon ... avhengig av graden av fordypning, oppmerksomhet, erkjennelse - for hver person er dette helt forskjellige virkeligheter, og deres fellesskap gjør det ikke utvide de mest primitive planene, som "gresset er grønt", "blader på treet" ...
og kunstneren ser tross alt også "naturen" med helt andre øyne enn lekmannen (her skriver jeg meg rolig ned i slike - mer enn en gang måtte jeg forholde meg til personlig erfaring hvor mye mer detaljert og subtil kunstnerne ser) - han legger merke til og fremhever mye i former og farger, og dessuten nettopp i den brytningen, konkret og individuell, der kunsten hans kreves ...
de. begrepet "natur" virker for meg veldig ustø i vanlig forstand som er lagt inn i det ... "
Svar.
I. Billedkunstnere.
Nabokov-eksemplet vurderer ulike alternativer tolkning av naturen, avhengig av hva slags fusjon av observasjoner og ideer som dannes i en bestemt person.
Hvis vi tar det bredere, så er tolkningen av naturen dens refleksjon av kunstneren i verkene. refleksjoner der hovedrolle spille av følelsene, observasjonene og representasjonene til kunstneren. Men denne rollen kan spilles i to direkte motsatte retninger.
I den ene, den beste av dem, er det emosjonelle reaksjoner på en slags natur eller skarpe observasjoner av noen av dens kvaliteter. Og her oppnås levende tolkninger av naturen (impresjonister, og forresten gode dyremalere).
I den andre, verre, blir tolkningen responsen til et naturlig motiv på en følelse eller på allerede eksisterende ideer i kunstnerens hode. De sier om et slikt maleri: "de skriver ikke live, men i henhold til ideen", eller de kaller det imiterende, illustrerende, litterært. Eksempler: tyske romantikere, russiske vandrere, franske symbolister, etc. Men i noen tilfeller kan maleri "i henhold til representasjon" ikke være illustrativt, men bærer tendensen, helheten av en slags teknikk. For eksempel ble pointillistene (Seurat, Signac), i motsetning til impresjonistene, etter å ha begynt sine eksperimenter med å fikse noen levende øyeblikk av den optiske oppfatningen av naturen, snart gisler av den utviklede metoden.
Det er interessant å merke seg at illustrativitet kan være helt passende og begrunnet innenfor sjangeren illustrasjon – som vi har hatt gleden av å se i en rekke innlegg fra barnehagen bok grafikk. Men noen kunstnere som har en tendens til å forsterke de dekorative egenskapene i en illustrativ komposisjon, ryster sjangerens grenser og bringer komposisjonen delvis inn i abstrakte billed- og plastoppgaver, det vil si utenfor grensene for enhver naturfortolkning.
To eksempler på dette:
Tatyana Mavrina. Rostov. 1965
(gjengivelse fra livejournal av O. Bukharov)
Lev Bakst. Portrett av Vaslav Nijinsky som en faun (i det koreografiske maleriet " ettermiddagshvile Faun" til musikk av Claude Debussy). 1912.
Wadsworth Atheneum, Hartford
Selv om, strengt tatt, verken Mavrina eller Bakst noen gang beveget seg inn i feltet av staffelimaleri som sådan: denne overgangen samsvarte sannsynligvis ikke med deres begavelse for brukskunst.
II.
Men tilbake til begynnelsen. Kunstnere kan ikke bare være "bilder". Ikke bare reflektere (tolke) naturen på en eller annen måte. Noen av dem kan håndtere det helt fritt og gjøre verkets tema til ikke natur, men noe mer substansielt. Gjennom deformasjon og transformasjon av den visuelt-naturlige objektformen.
Deformasjon av en objektiv form er ikke en måte å tolke den på eller en skarpere konkretisering, men et verktøy for å uttrykke noe utenomnaturlig innhold gjennom naturen, noe som generelt er umulig å formidle med naturlige midler. Dette innholdet er faktisk ting av filosofisk karakter: natur og handlinger menneskelig bevissthet, et uvanlig livsløp, som kalles å være ... Alle disse tingene er veldig "vellykket" illustrert av kunstnere alene i objektiv formspråk. Andre kunstnere, med mye større vanskeligheter, prøver å skape disse tingene på nytt hver gang med nesten samme objektive formspråk.
Historie Europeisk maleri har, kan man si, klassisk skole slik filosofisk skapelse i kunstnerisk kreativitet: kunstikoner. Denne skolen utviklet mange kanoner for komposisjoner av scener i Det nye testamente og det gamle testamente, der generelt objektive former, som gjennomgår noen (langt fra å være like tvungne som hos kubistene) deformasjoner og transformasjoner, blir et uttrykk for både det synlige og usynlige. , symbolsk verden. Men selv denne fantastiske skolen slapp ikke unna "illustrasjonens synd". Jo mer fast kanonen ble introdusert i praksis, desto mer hadde denne praksisen en tendens til eksternt å imitere spesifikke eksempler på utførelsen av denne kanonen (dette er det samme som om musikere ble beordret til å spille, for eksempel, Bach utelukkende i tolkningene av Gould, og Chopin i tolkningene av Horowitz; selv om det er forståelig at kanonen bare er noter, og musikken er et sted "mellom notene"). I tillegg kan ethvert plott av et ikon i vanlig bevissthet blir oppfattet som en illustrasjon av Den hellige skrift, og selv presteskapet var ikke uvillig til å kalle ikoner for «bøker for analfabeter». Så malingen av bilder "under Rublev" eller "under Dionysius" forverret bare den illustrative holdningen til kanoniske former og bidro til degraderingen av ikonmalerkunst.
Det er imidlertid et velkjent synspunkt at ikonet ikke er kunst i det hele tatt. Tenk derfor på eksempler kreativt arbeid malere med emneformen, vi starter tross alt ikke med et ikon, men med et verk av en mester nær denne kunsten, El Greco.
El Greco. døperen Johannes. OK. 1600
Pushkin-museet
Når jeg allerede på en eller annen måte har beskrevet dette arbeidet, ga jeg oppmerksomhet til bena til døperen Johannes: hvis du ser på dem, kan du se at de tydelig "faller over" til høyre. Og samtidig er overkroppen stabil, monumental - plassert langs den sentrale aksen av bildefeltet og innskrevet i sirkelen av himmelen som åpner seg fra skyene (til venstre - nesten geometrisk korrekt). En søyle med komprimerte skyer som stiger til høyre og som "støtter" Johns torso, balanserer komposisjonsmessig "blokkeringen" av figuren til høyre, den "støter bort" Johns skulder og bøyer seg elastisk oppover til venstre , fullfører denne kompensasjonen. Og denne elastiske, kraftige bevegelsen av skyene er et lett og på en eller annen måte forvandlet ekko av den frie tilbøyeligheten til Johns hode til venstre.
Graden av transformasjon av Johns ben er maksimal for alle andre detaljer i dette bildet, og denne transformasjonen er en av de mest betydningsfulle jeg har sett i maleriet i forhold til den naturlige objektformen som vises. Det uttrykker tydelig essensen til døperen Johannes. Og det faktum at billedlig talt ikke bena støtter overkroppen, men tvert imot gir overkroppen stabilitet og monumentalitet til hele John-figuren - dette uttrykker ideen dette bildet. Mannen Johannes reiser en virkelig utrolig vei fra Det gamle til Det nye testamente, en vei som ikke kunne reises på en jordisk, naturlig måte - altså med naturlige føtter. Derfor gjennomgår deres objektive form en så slående, merkelig, ved første øyekast, deformasjon; og derfor hviler ikke døperen Johannes-skikkelsen på hans føtter og jorden, men får en stabilitet av en unaturlig, ujordisk kvalitet, manifestert mot himmelens bakgrunn og som kommer fra den.
Denne avgjørelsen manifesterte både den kreative friheten til El Greco og hans helt individuelle måte å tenke på: ingen skrev slik før eller etter - tross alt er dette på grensen til stygghet!
For ikke å kjede deg, bare to eksempler til.
Amedeo Modigliani. Portrett av Leopold Survage. 1918
Hm. 61,5 x 46. Ateneum-museet, Helsingfors
Her er en artist som det er naturlig å flytte til etter El Greco - Modigliani. Også en stor mester i ikke tolkning, men forvandlingen av naturen. Og i likhet med sin kretisk-spanske forgjenger, likte han å tegne vertikale former. Og for lange, dvelende linjer! Dette er ikke en slags trang "til det sublime" uttrykt i en positur, selve stillingen sier ingenting. Men med alle formkreftene er et sug etter det transcendente satt her. Og hvor intenst de varme, nesten varme fargene i ansiktet og halsen lyder i det kalde miljøet av svart, blått og gråblått, bringer bildet av den avbildede kunstneren ut av den ytre fredelige tilstanden til det sekulære hverdagslivet og inn i øyeblikkets rom av form full av kontrasterende spenning.
Her er det bare én detalj som delvis minner oss om virkemidlene til overfladisk illustrativ symbolikk: motivet av et øye uten pupill. Modigliani utviklet hele tiden dette motivet i ulike kombinasjoner, og tilsynelatende var det for maleriet hans ikke et lånt element, men en slags organisk tilhørighet. Imidlertid er det en maler som fundamentalt sett unngikk slike selv små muligheter for en tvetydig oppfatning av billedformen. Denne "antiillustrative" artisten var Cezanne.
Etter å ha bestått i begynnelsen av hans kreativ måte et segment av et visst avvik til området for symbolske tolkninger av den objektive formen ("Overture til Tannhäuser", se:), i modne år han konsentrerte seg helt om å avsløre det indre, naturlig liv det vi vanligvis kaller natur: et landskap, en person, en gjenstand. Og han avslørte dette indre liv på den vanskeligste og mest direkte måten: å komponere sannferdig med maling på lerret det øyet hans så i naturen. Men faktum er at Cezannes øye kunne fjerne fra synsfeltet alt overflødig som et vanlig blikk bringer inn i naturen. All tregheten til hverdagsoppfatningen.
Cezanne. Fersken og pærer. OK. 1895
Hm. 61 x 90. Pushkin-museet
Hva er naturalisme? (Kjennetegn)
Hva er forskjellen mellom naturalisme og atmosfære?
En annen viktig forskjell er forskjellen mellom naturalisme og atmosfære. Landskapsmaling kan være ekstremt atmosfærisk uten å være naturalistisk. Dette er vanligvis fordi kunstneren har fokusert på å formidle stemningen fremfor de visuelle detaljene. gode eksempler: Nocturne i blått og sølv – Chelsea(1871, Tate Collection, London) av Whistler og inntrykk, soloppgang(1873, Musee Marmottan, Paris) av Claude Monet. Ingen av disse maleriene har tilstrekkelige detaljer til å være naturalistiske. Sammenlign med bilder: Kunstnerverksted(1870, Musée d'Orsay) av Frédéric Bazille; Max Schmidt i en hodeskalle(1871, Metropolitan Museum of Art) av Thomas Eakins; Musikkeleksjon (1877, Kunstgalleri Guildhall, London) Frederic Leighton; Tepidarium (1881, Lever Art Gallery, Storbritannia) av Laurence Alma-Tadema; Syk jente (1881, Nasjonalgalleriet, Oslo) av Christian Krogh: disse er alle utmerkede eksempler på naturalisme, fullstendig blottet for enhver atmosfære.
For en beskrivelse av fransk impresjonisme, se Kjennetegn ved impresjonistisk maleri 1870–1910.
Hva er forskjellen mellom naturalisme og idealisme?
I maleri er idealisme det konseptet som er mest anvendelig for figurmaling og refererer til tradisjonen med å skape en "perfekt" figur - med et attraktivt ansikt, perfekt hår, god kroppsform og ingen ytre defekter. Sjelden, om noen gang, for å tegne eller male fra livet, ville denne typen idealiserte skildringer være egnet for altertavler og andre former for storstilt religiøs kunst, som sto for de fleste oppdragene som ble mottatt av verksteder og studioer i gamle Europa. I hovedsak en "kunstig" malerstil, lignet den ingen likhet med naturalismen til for eksempel Caravaggio, som vanligvis brukte vanlige gatemennesker som modeller for sin spesielle bibelske kunst. Idealisme forble stilen som ble undervist i de store kunstakademiene til minst 1800-tallet, da den til slutt ble erstattet av en mer naturalistisk stil basert på ekte modeller og utendørs maling i friluft.
To typer naturalisme: landskap og figurativ
Som det fremgår av eksemplene ovenfor, er det ikke bare landlige utendørsscener som eksemplifiserer naturalisme: portretter og sjangertegninger av mennesker kan også være utmerkede eksempler.
Begrepet naturalisme kommer imidlertid fra ordet "natur", og dermed er den vanligste sjangeren for naturalisme landskapsmaleri - en sjanger eksemplifisert ved arbeidet til John Constable, som den anglo-sveitsiske maleren Henry Fuseli anså som så realistisk at når han så henne, han følte at han ble kalt til en tur ved frakken og paraplyen.
Imidlertid er ikke alle landskapsmalerier naturalistiske, spesielt der kunstnerens subjektivitet trenger seg inn. For eksempel skapte den spøkelsesaktige religiøse kunstneren John Martin sine spøkelsesaktige apokalyptiske landskap for å illustrere Guds kraft. Den romantiske tyske kunstneren Caspar David Friedrich fylte sin naturskjønn utsikt symbolikk og emosjonell romantikk. Mange av Turners landskap er lite mer enn ekspresjonistiske eksperimenter i skildringen av lys, mens Cezanne malte dusinvis av utsikter over Montaigne Sainte-Victoire, og ofret naturlig presisjon for sine favoritter. geometriske former og fin balanse. Ingen av disse kunstnerne tilhører den naturalistiske skolen fordi de bryr seg mindre om å representere naturen og mer om selvuttrykk.
Naturalisme i tegning
Siden den klassiske antikken har kunsthistorien sett flere store fremskritt innen realistisk tegning og oljemaling. Giotto, en av de tidlige pionerene innen naturalisme, skapte et sett med revolusjonære volumetriske figurer for fresker i Scrovegni-kapellet i Padua. Se for eksempel The Betrayal of Christ (The Kiss of Judas) (1305) og The Lamentation of Christ (1305). Leonardo da Vinci mestret sfumato-kunsten for å skape slående realistiske ansikter i verk som Mona Lisa (1506, Louvre, Paris). Michelangelo brukte sitt unike talent som skulptør for å lage en masse skulpturerte figurer i fresker i det sixtinske kapell (1508-12; og 1536-41). Caravaggio overveldet Roma med sitt naturalistiske maleri, ved å bruke bilder etter modell av folk rekruttert rett fra gaten. Hans virkelige skikkelser var ideelle for den katolske kunsten i motreformasjonen av barokktiden. I gullalderen til nederlandsk realistisk sjangermaleri ledet kunstnere som Jan Vermeer (hjemlig sjangermaleri, interiør og eksteriør), Pieter de Hooch (gårdsplasser), Samuel van Hoogstraten (hjemlig interiør) og Emanuel de Witte (arkitektonisk kirkeinteriør). stilen presis naturalisme, som inkluderte figurative, hverdagslige og sosiale objekter. Mer nylig, på 1800-tallet, skapte russiske kunstnere en rekke mesterverk av billedlig naturalisme i nesten alle sjangre. Eksempler på disse verkene: "Majors ekteskap" (1848, Tretyakov-galleriet, Moskva) Pavel Fedotov; Reparere jernbane (1874, Tretyakov) Konstantin Savitsky; "Portrett av prinsesse Sofya Alekseevna i Novodevitsjy-klosteret" (1879, Tretyakov) og "Svar fra Zaporizhian-kosakkene til sultan Mahmud IV" (1891, Russisk museum, St. Petersburg) av Ilya Repin; Latter ("Hil deg, jødenes konge!")(1882, russisk museum) av Ivan Kramskoy; Kristus og synderen(1887, russisk museum) Vasily Polenov.
Naturalismens historie og utvikling (ca. 500 f.Kr. - 1800)
To sjarmerende eksempler på naturalisme er laget av tysk kunstner Dürer: "Young Hare" (1502) og "Large Piece of Sod" (1503), begge i Albertina, Wien.
Russiske Wanderers (Wanderers) (ca. 1863–90)
Grunnlagt i 1863 av en gruppe unge kunstnere fra Imperial Academy of Arts i St. Petersburg, reiste Wanderers rundt i Russland og malte landskap og sjangermalerier. Ledende medlemmer inkluderte Ivan Kramskoy (1837–1887), Nikolai Ge (1831–1894),
