"Nocturnes. Debussy
Debussy. "Nocturnes"
"Skyer"
Orkestersammensetning: 2 fløyter, 2 oboer, cor anglais, 2 klarinetter, 2 fagotter, 4 horn, pauker, harpe, strykere.
"Feiringer"
Orkestersammensetning: 3 fløyter, piccolo, 2 oboer, cor anglais, 2 klarinetter, 3 fagotter, 4 horn, 3 trompeter, 3 tromboner, tuba, 2 harper, pauker, skarptromme (fjern), cymbaler, strykere.
"Sirener"
Orkestersammensetning: 3 fløyter, 2 oboer, cor anglais, 2 klarinetter, 3 fagotter, 4 horn, 3 trompeter, 2 harper, strykere; kvinnekor (8 sopraner og 8 mezzosopraner).
skapelseshistorie
Ennå ikke ferdig med sitt første modne symfoniske verk." En fauns ettermiddag”, unnfanget Debussy i 1894 “Nocturnes”. 22. september skrev han i et brev: «Jeg jobber med tre Nocturnes for solo fiolin og orkester; orkesteret til den første er representert av strenger, den andre - av fløyter, fire horn, tre rør og to harper; orkesteret til den tredje kombinerer begge deler. Generelt er dette et søk etter ulike kombinasjoner som samme farge kan gi, som for eksempel ved å male en studie i gråtoner. Dette brevet er adressert til Eugène Ysaye, den berømte belgiske fiolinisten, grunnleggeren av strykekvartetten, som var den første som spilte Debussy-kvartetten året før. I 1896 hevdet komponisten at "Nocturnes" ble skapt spesielt for Izaya - "personen som jeg elsker og beundrer ... Bare han kan fremføre dem. Hvis Apollo selv spurte meg om dem, ville jeg nektet ham! Imidlertid allerede i neste år ideen endres, og i tre år har Debussy jobbet med tre «Nocturnes» for Symfoniorkester.
Han rapporterer om deres fullføring i et brev datert 5. januar 1900, og skriver samme sted: «Mademoiselle Lily Texier endret sitt dissonante navn til den mye mer harmoniske Lily Debussy ... Hun er utrolig blond, vakker, som i legender, og legger til disse gavene at hun på ingen måte er i "moderne stil". Hun elsker musikk... bare i henhold til fantasien hennes er favorittsangen runddans, hvor vi snakker om en liten grenader med rødt ansikt og hatt på den ene siden. Komponistens kone var en motemodell, datteren til en mindreårig ansatt fra provinsene, som han oppildnet en lidenskap for i 1898 som nesten drev ham til selvmord året etter, da Rosalie bestemte seg for å skille seg fra ham.
Premieren på «Nocturnes», som fant sted i Paris på Lamoureux-konsertene 9. desember 1900, var ikke fullført: da, under stafettpinnen av Camille Chevillard, hørtes bare «Clouds» og «Festivities», og «Sirens» ble med dem et år senere, den 27. desember 1901. Denne praksisen med separat fremføring ble bevart et århundre senere - den siste "Nocturne" (med et kor) høres mye sjeldnere ut.
Nocturnes-programmet er kjent fra Debussy selv:
Tittelen "Nocturnes" har en mer generell betydning, og spesielt en mer dekorativ. Her er ikke poenget i den vanlige formen av nocturne, men i alt som dette ordet inneholder av inntrykk og følelse av lys.
"Skyer" er et ubevegelig bilde av himmelen med grå skyer sakte og melankolsk svevende og smeltende; vikende, de går ut, forsiktig tonet med hvitt lys.
"Feiringer" er en bevegelse, en dansende rytme av atmosfæren med eksplosjoner av plutselig lys, det er også en episode av en prosesjon (blendende og kimærisk visjon) som går gjennom høytiden og smelter sammen med den; men bakgrunnen forblir hele tiden - dette er en ferie, dette er en blanding av musikk med lysende støv, som er en del av den generelle rytmen.
«Sirener» er havet og dets uendelig varierte rytme; blant bølgene forsølvet av månen oppstår, smuldrer opp av latter og den mystiske sangen av sirenene fjernes.
Samtidig er andre forfatters forklaringer bevart. Når det gjelder skyer, fortalte Debussy vennene sine at det var «et blikk fra en bro på skyer drevet av et tordenvær; bevegelsen til en dampbåt langs Seinen, hvis fløyte er gjenskapt av et kort kromatisk tema av et engelsk horn. "Feiringer" gjenoppliver "minnet om de tidligere forlystelsene til folket i Bois de Boulogne, opplyst og oversvømmet med en folkemengde; trompettrioen er musikken til den republikanske garde som spiller morgengry." I følge en annen versjon gjenspeiles inntrykkene fra møtet med den russiske keiseren Nicholas II i 1896 av parisere her.
Mange paralleller oppstår med maleriene til franske impresjonistiske kunstnere som elsket å male rennende luft, glansen av sjøbølger og variasjonen til den festlige mengden. Selve tittelen "Nocturnes" stammer fra navnet på landskapene til den engelske prerafaelittiske kunstneren James Whistler, som komponisten ble interessert i i sine yngre år, da han, etter at han ble uteksaminert fra konservatoriet med Roma-prisen, bodde i Italia , på Villa Medici (1885-1886). Denne lidenskapen fortsatte til slutten av livet hans. Veggene på rommet hans var dekorert med fargegjengivelser av Whistlers malerier. På den andre siden, franske kritikere skrev at de tre "Nocturnes" av Debussy er et lydopptak av tre elementer: luft, ild og vann, eller et uttrykk for tre tilstander - kontemplasjon, handling og raptur.
Musikk
« Skyer” er malt med tynne impresjonistiske farger av et lite orkester (kun horn brukes fra kobber). Den ustø, dystre bakgrunnen er skapt av den avmålte svaiingen av treblåserne, og danner fancy glidende harmonier. Den særegne klangen til det engelske hornet forsterker den modale uvanligheten til det korte hovedmotivet. Fargen lyser opp i midtpartiet, der harpen kommer inn for første gang. Sammen med fløyten leder hun et pentatonisk tema inn i oktaven, som mettet med luft; det gjentas av solo fiolin, bratsj, cello. Så kommer engelskhornets dystre melodi tilbake, ekko av andre motiver oppstår – og alt ser ut til å flyte bort i det fjerne, som smeltende skyer.
« Festligheter» danner en skarp kontrast - musikken er heftig, full av lys og bevegelse. Den flygende lyden av strenge- og treinstrumenter blir avbrutt av klangfulle utrop av messing, tremolo pauker og spektakulære glissandoer av harper. Et nytt bilde: på den samme dansende bakgrunnen til den strengede oboen leder et inderlig tema, plukket opp av andre blåseinstrumenter i en oktav. Plutselig går alt i stykker. En prosesjon nærmer seg langveis fra (tre trompeter med stumme). Den hittil tause skarptrommen (i det fjerne) og de lave messingene kommer inn og bygger seg opp til et øredøvende klimaks av tutti. Så kommer lyspassasjer av det første temaet tilbake, og andre motiver flimrer, til lydene fra festivalen forsvinner.
IN " Sirener"igjen, som i "Skyer", dominerer sakte tempo, men stemningen her er ikke skumring, men opplyst av lys. Brenningene spruter stille, bølger renner inn, og i dette plasken kan man skille sirenens forlokkende stemmer; gjentatte akkorder uten små gruppeord kvinnekor kompletter lyden til orkesteret med en annen bisarr farge. De minste motivene til to toner varierer, vokser, flettes polyfonisk sammen. De gjengir temaene fra de forrige Nocturnes. I midtseksjonen blir sirenenes stemmer mer insisterende, melodien deres mer utvidet. Varianten ved trompetene nærmer seg uventet temaet for det engelske hornet fra Clouds, og likheten er enda sterkere i navneoppropet til disse instrumentene. På slutten avtar sirenenes sang, mens skyene smelter og festivallydene forsvinner i det fjerne.
A. Koenigsberg
MKOU "Novousmanskaya ungdomsskole nr. 4"
Musikktime
i 7. klasse
Symfonisk maleri "Celebrations" av C. Debussy.
Instrumental konsert.
MKOU "Novousmanskaya ungdomsskole nr. 4"
Makukhina Marina Nikolaevna
Med. Ny Usman
år 2014
Tema for leksjonen: Symfonisk bilde "Celebrations" av C. Debussy.
SLIDE 1
Hensikten med denne leksjonen:
Berikelse av kulturelle og åndelig verden barn, gjennom den musikalske, litterære og kunstneriske arven til verdens folk.
Oppgaver:
Ved bruk av informasjonsteknologier avsløre mangfoldet og rikdommen i folkekulturen.
Utvikling av allsidige interesser innen ulike kunstfelt, utdanning av kjærlighet og respekt for musikalsk, litterær og kunstnerisk arv andre folkeslag, for å legge grunnlaget for den estetiske oppfatningen av livet rundt.
Berikelse av barns åndelige verden. Utdannelse av deres musikalske, kunstneriske og estetiske smak.
SLIDE 2
Timeplan:
nr. p / s
Stadier av leksjonen
Tid, min.
Forberedelse for aktiv og bevisst assimilering av nytt materiale.
Dannelse av kunnskap. Presentasjon av nytt materiale, både musikalsk og litterært
Praktisk jobb
Konsolidering av ny kunnskap
Sangen "Orange Summer"
Oppsummering
SLIDE 3
Lærer: Gutter, hva ser dere på skjermen?
Elever: Ramme
Lærer: Hva er hensikten med denne rammen?
Elever: Dette er en bilderamme.
Lærer: Hvordan kan du kalle bildene annerledes?
Elever: Maling
Lærer: Hva kan du kalle maleri og musikk?
Elever: Kunst.
Lærer: Gi en definisjon: hva er kunst?
Elever: Kunst er prosessen og resultatet av et meningsfylt uttrykk for følelser i et bilde.
Kunst er en av formene for sosial bevissthet, en integrert del av...
Musikk kan sees og kunst kan høres. Maleri vil uttrykke det som ikke kan sies med ord, vil avsløre de mest subtile nyanser av den menneskelige sjelen. Lærer: Så, leksjonen vår kan kalles, ikke bare musikk?
SLIDE 4
Elever: "Pitorisk musikk"
SLIDE 5
Mål og målsettinger; skape en atmosfære av engasjement og interesse i klasserommet. Utvikle ferdighetene til holistisk musikalsk analyse. Be barna uttrykke sitt humør fra musikken de hørte på. Fremhev intonasjoner for å avsløre bildet av verket. Vekk kreativiteten.
Å danne hos elevene en følelsesmessig bevisst oppfatning av det musikalske bildet.
Lærer: Musikk har forskjellige retninger. Hvilke MUSIKKSTILER kjenner du til?
Studenter:
2 Hellig musikk
3 indisk klassisk musikk
4 Arabisk klassisk musikk
5 Europeisk klassisk musikk
6 latinamerikansk musikk
7 Blues
8 R&B
9 Jazz
10 Land
13 Rock
14 Pop
15 Rap (Hip-hop)
16. Folklore
17. Klassisk osv.
SLIDE 6
Lytte til musikken "Celebrations" - Claude Debussy
SLIDE 7
Lærer: Hvem kjenner dette verket og forfatteren7
Elever: "Celebrations" av Claude Debussy
Lærer: Achille-Claude Debussy - fransk komponist, musikkritiker.
I 1872, i en alder av ti år, gikk Claude inn på konservatoriet i Paris. I pianoklassen studerte han med kjent pianist og lærer Albert Marmontel, i den elementære solfeggio-klassen - med den eminente tradisjonalisten Albert Lavignac, og Cesar Franck selv lærte ham orgelet. Debussy studerte ganske vellykket ved konservatoriet, selv om han som student ikke strålte med noe spesielt. Først i 1877 satte professorene pris på Debussys pianotalent, og ga ham en andrepris for fremføringen av Schumanns sonate.
Debussy begynte å systematisk studere komposisjon først i desember 1880 med en professor, et medlem av Academy of Fine Arts, Ernest Guiraud. Seks måneder før han begynte i Guiros klasse, reiste Debussy til Sveits og Italia som hjemmepianist og musikklærer i familien til en velstående russisk filantrop Nadezhda von Meck. Debussy tilbrakte somrene 1881 og 1882 nær Moskva, på eiendommen hennes Pleshcheyevo. Kommunikasjon med von Meck-familien og opphold i Russland hadde en gunstig effekt på utviklingen av den unge musikeren. I huset hennes ble Debussy kjent med den nye russiske musikken til Tchaikovsky, Borodin, Balakirev og komponister nær dem.
SLIDE 8
Debussys komposisjon "Moonlight" skinner av kjærlighet. Claude Debussy elsket generelt lyset fra jordens sølvfargede satellitt. Han skrev bedre på månelyse netter.
Komponist N. Ya. Moskovsky skrev om Debussys verk: "... I de øyeblikkene han (Debussy) påtar seg å fange sin oppfatning av naturen, skjer det noe uforståelig: en person forsvinner, som om den er oppløst eller blir til et unnvikende støvkorn. , og hersker over alt som den evige, uforanderlige, uforanderlige, rene og stille, altoppslukende naturen selv, alle disse tause, glidende "skyene", myke overløp og oppturer av "spillende bølger", raslingen og raslingen av "vårens runddanser". ", milde hvisking og sløve sukk fra vinden som snakker til havet - Er ikke dette naturens sanne pust! Og er ikke kunstneren som gjenskaper naturen i lyder en stor kunstner, en eksepsjonell poet?
Musikken hans er basert på visuelle bilder, fylt med spill av chiaroscuro, transparente, som om vektløse farger som skaper følelsen av lydflekker.
Maleriets innflytelse på komponister var så stor at han ga mange av komposisjonene sine navn knyttet til kunst: "Trykk", "Skisser" osv. Forståelsen av hvordan et orkester kan tegne pittoreske bilder kom til C. Debussy i stor grad fra den russiske komponisten N. Rimsky-Korsakov.
Debussy var ikke bare en av de mest betydningsfulle franske komponistene, men også en av de mest betydningsfulle skikkelsene innen musikk på begynnelsen av 1800- og 1900-tallet; musikken hans representerer en overgangsform fra senromantisk musikk til modernisme i musikken på 1900-tallet.
Lærer: Gutter, hvilke andre komponister kjenner dere:
Elever: Tsjaikovskij, Liszt, Glinka, Bach, Beethoven, Chopin, Mozart, Sjostakovitsj, Schnittke og andre.
Lærer? Hva vet du musikalske verk?
Elever: "Svanesjøen", "Nøtteknekkeren", Leningrad-symfonien - "invasjonen av nazistene under den store Patriotisk krig", "Måneskinn", "Årstider". "Waltz" og andre.
Lærer: Kan du definere musikk?
Elever: Musikk er rytme, lyd, tempo... Musikk er nødvendig for sjelen.
SLIDE 9
Lytter til musikken "Moonlight" av Claude Debussy
SLIDE 10 - 16
Lærer: Da du hørte på musikk, forestilte du deg noe? Kanskje du så farger, maling eller noe annet?
Svarene er varierte. Fra varme toner til de kaldeste, fra hvitt til svart.
Lærer: Gutter, kan alt som vi har hørt akkurat nå, skildres?
Studenter: Ja.
Lærer: NÅ SKAL VI GJØRE LITT PRAKTISK ARBEID. Skildre det du nå har HØRT. La oss dele inn i tre grupper. Noen jobber med gouache. Andre jobber med blekk og tråd. Atter andre jobber med farget papir, papp og lim. La oss gå på jobb.
Arbeidsvern.
SLIDE 17
Melodeclamation av dikt til musikken til C. Debussy
"I måneskinnet"
I øyeblikk av tristhet i nattens time
Lei av motgang
Ikke i forfengelighet av verdslige gleder,
I fred søker du lykke.
Glem, smelter sammen med stillhet,
Kaster alt jordisk
Alene med tristhet alene
Snakk med Luna.
Luna, det er derfor jeg elsker deg
Det som bare er i måneskinnet
Jeg glemmer vinteren
Og jeg tenker på Lethe.
Min sinns bøddel
Alvorlig, men vakker - månen!
Jeg ser på henne,
Jeg blir gal.
Månen forstyrrer og tiltrekker,
Og smelter i måneskinnet,
Jeg hviler fra bekymringer
Å glemme fortiden.
Nattelyset morer blikket
Jeg er full av drømmer
Og i drømmenes stoff måneskinn
Det strømmer inn, flettes sammen -
Veving til et tynt slør
Fra vektløse blonder...
Bråk. Dører knirker.
Jeg ble sittende fast igjen, og fant ikke meg selv.
"Måneskinn"
Vladimir Vodnev
Gi meg en månestein
Gi meg måneskinn!
Litt merkbare slag
Jeg tegner måneskinn
Det som strømmer på bakken i århundrer
Den som er nærmest alle planetene.
La det allerede synges mer enn én gang,
Men lokker fortsatt
Og fenger alle poetene
Den bleke fargen på kinnene hennes.
Bare hvis vi er alene
(Allerede sjekket mer enn én gang!) -
Stemningen vil løfte seg
Lyset fra de kalde øynene hennes.
Og drevet av søvnløshet
Både kunstner og poet
Tegn for din elskede
Sølv måneskinn.
Det finnes ingen bedre gave
Om natten til en kort vår
Stjernehimmel under buen -
Blikket til den fortryllende månen...
"NATT MÅNE"
Og igjen erstatter kvelden natten,
Mørket omgir verden
Og himmelens vei begynner
Night Wanderer Moon.
Fra år til år, gjenspeiler den samme veien,
Hun lyser svakt opp mørket,
Og lyset hennes blir bare forstått av noen få,
Hvem kunne forstå skjønnheten i naturen.
Månens lys er svakt, men vi er ikke verdt det
Å klandre henne uskyldig for den synden,
Mørk jordisk natt, men likevel,
I den, uten månen, kan du ikke se noe i det hele tatt.
Vi ble så vant til det at vi stoppet
Hennes himmelske kampanje å legge merke til
Bare de utvalgte som ringer med dem i det fjerne,
Hun sluttet aldri å overraske.
Og det er noe i måneskinnet,
At jeg ikke kunne forstå
Ikke rart elskere elsker så mye
Å utnevne datoer i måneskinnet.
SLIDE 18 - 19
Lærer:
Og klokken ti, og klokken syv og klokken fem
Alle barn elsker å tegne.
Og alle tegner frimodig
Alt som interesserer ham.
Alt er interessant:
Langt rom, nær skog,
Blomster, biler, eventyr, danser...
La oss tegne alt!
Det ville være farger
Ja, et stykke papir på bordet
Ja, fred i familien og på jorden.
SLIDE 20 - 21
Lærer: La oss ha en quiz. La oss finne ut det riktige svaret.
Lærer: Gutter, nå vil jeg virkelig gjerne vite: hva nytt lærte dere i dag i leksjonen?
Elevens svar.
Lærer: Kan du se sangen?
Studenter: Ja.
Lærer: Hva er penny?
SLIDE 22
Elever: En sang er en bro mellom poesi og musikk.
SLIDE 23 - 31
Lærer: La oss gjøre en liten oppvarming med deg. Og vi vil avslutte leksjonen vår med en fantastisk sang. "Oransje planet"
Oppsummering.
SLIDE 32
Lærer: Takk for leksjonen.
Claude Achille Debussy ble født 22. august 1862 i Saint-Germain, Paris. Foreldrene hans – småborgerlige – elsket musikk, men var langt fra ekte profesjonell kunst. Tilfeldige musikalske inntrykk fra tidlig barndom bidro lite kunstnerisk utvikling fremtidig komponist. Det mest slående av disse var sjeldne besøk i operaen. Først i en alder av ni begynte Debussy å lære å spille piano. Etter insistering fra en pianist nær familien deres, som anerkjente Claudes ekstraordinære evner, sendte foreldrene ham i 1873 til konservatoriet i Paris.
De flittige studiene de første årene ga Debussy årlige solfeggio-priser. I solfeggio- og akkompagnement-klassene viste han sin interesse for nye harmoniske svinger, varierte og komplekse rytmer.
Debussys talent utviklet seg ekstremt raskt. Allerede i studieårene ble hans spill preget av sitt indre innhold, emosjonalitet, sjeldne variasjon og rikdom i lydpaletten. Men originaliteten til hans utøvende stil, blottet for fasjonabel ytre virtuositet og glans, fikk ikke behørig anerkjennelse verken fra konservatorielærerne eller fra hans jevnaldrende. For første gang ble talentet hans tildelt en pris først i 1877 for fremføringen av Schumanns sonate.
De første alvorlige sammenstøtene med de eksisterende metodene for konservatorieundervisning skjedde med Debussy i harmoniklassen. Bare komponisten E. Guiraud, som Debussy studerte komposisjon for, virkelig gjennomsyret av ambisjonene til studenten sin og oppdaget deres likhet i kunstneriske og estetiske synspunkter og musikksmak.
Nocturnes
"Skyer"
Orkestersammensetning: 2 fløyter, 2 oboer, cor anglais, 2 klarinetter, 2 fagotter, 4 horn, pauker, harpe, strykere.
"Feiringer"
Orkestersammensetning: 3 fløyter, piccolo, 2 oboer, cor anglais, 2 klarinetter, 3 fagotter, 4 horn, 3 trompeter, 3 tromboner, tuba, 2 harper, pauker, skarptromme (fjern), cymbaler, strykere.
"Sirener"
Orkestersammensetning: 3 fløyter, 2 oboer, cor anglais, 2 klarinetter, 3 fagotter, 4 horn, 3 trompeter, 2 harper, strykere; kvinnekor (8 sopraner og 8 mezzosopraner).
skapelseshistorie
Etter å ennå ikke ha fullført sitt første modne symfoniske verk, The Afternoon of a Faun, unnfanget Debussy Nocturnes i 1894. 22. september skrev han i et brev: «Jeg jobber med tre Nocturnes for solo fiolin og orkester; orkesteret til den første er representert av strenger, den andre - av fløyter, fire horn, tre rør og to harper; orkesteret til den tredje kombinerer begge deler. Generelt er dette et søk etter ulike kombinasjoner som samme farge kan gi, som for eksempel ved å male en studie i gråtoner. Dette brevet er adressert til Eugène Ysaye, den berømte belgiske fiolinisten, grunnleggeren av strykekvartetten, som var den første som spilte Debussy-kvartetten året før. I 1896 hevdet komponisten at "Nocturnes" ble skapt spesielt for Izaya - "personen som jeg elsker og beundrer ... Bare han kan fremføre dem. Hvis Apollo selv spurte meg om dem, ville jeg nektet ham! Men neste år endres ideen, og i tre år har Debussy jobbet med tre «Nocturnes» for et symfoniorkester.
Han rapporterer om deres fullføring i et brev datert 5. januar 1900, og skriver samme sted: «Mademoiselle Lily Texier endret sitt dissonante navn til den mye mer harmoniske Lily Debussy ... Hun er utrolig blond, vakker, som i legender, og legger til disse gavene at hun på ingen måte er i "moderne stil". Hun elsker musikk ... bare i henhold til fantasien hennes er favorittsangen en runddans, som snakker om en liten grenader med rødt ansikt og en hatt på den ene siden. Komponistens kone var en motemodell, datteren til en mindreårig ansatt fra provinsene, som han oppildnet en lidenskap for i 1898 som nesten drev ham til selvmord året etter, da Rosalie bestemte seg for å skille seg fra ham.
Premieren på «Nocturnes», som fant sted i Paris på Lamoureux-konsertene 9. desember 1900, var ikke fullført: da, under stafettpinnen av Camille Chevillard, hørtes bare «Clouds» og «Festivities», og «Sirens» ble med dem et år senere, den 27. desember 1901. Denne praksisen med separat fremføring ble bevart et århundre senere - den siste "Nocturne" (med et kor) høres mye sjeldnere ut.
Nocturnes-programmet er kjent fra Debussy selv:
Tittelen "Nocturnes" har en mer generell betydning, og spesielt en mer dekorativ. Her er ikke poenget i den vanlige formen av nocturne, men i alt som dette ordet inneholder av inntrykk og følelse av lys.
"Skyer" er et ubevegelig bilde av himmelen med grå skyer sakte og melankolsk svevende og smeltende; vikende, de går ut, forsiktig tonet med hvitt lys.
"Feiringer" er en bevegelse, en dansende rytme av atmosfæren med eksplosjoner av plutselig lys, det er også en episode av en prosesjon (blendende og kimærisk visjon) som går gjennom høytiden og smelter sammen med den; men bakgrunnen forblir hele tiden - dette er en ferie, dette er en blanding av musikk med lysende støv, som er en del av den generelle rytmen.
«Sirener» er havet og dets uendelig varierte rytme; blant bølgene forsølvet av månen oppstår, smuldrer opp av latter og den mystiske sangen av sirenene fjernes.
Samtidig er andre forfatters forklaringer bevart. Når det gjelder skyer, fortalte Debussy vennene sine at det var «et blikk fra en bro på skyer drevet av et tordenvær; bevegelsen til en dampbåt langs Seinen, hvis fløyte er gjenskapt av et kort kromatisk tema av et engelsk horn. "Feiringer" gjenoppliver "minnet om de tidligere forlystelsene til folket i Bois de Boulogne, opplyst og oversvømmet med en folkemengde; trompettrioen er musikken til den republikanske garde som spiller morgengry." I følge en annen versjon gjenspeiles inntrykkene fra møtet med den russiske keiseren Nicholas II i 1896 av parisere her.
Mange paralleller oppstår med maleriene til franske impresjonistiske kunstnere som elsket å male rennende luft, glansen av sjøbølger og variasjonen til den festlige mengden. Selve tittelen "Nocturnes" stammer fra navnet på landskapene til den engelske prerafaelittiske kunstneren James Whistler, som komponisten ble interessert i i sine yngre år, da han, etter at han ble uteksaminert fra konservatoriet med Roma-prisen, bodde i Italia , på Villa Medici (1885-1886). Denne lidenskapen fortsatte til slutten av livet hans. Veggene på rommet hans var dekorert med fargegjengivelser av Whistlers malerier. På den annen side skrev franske kritikere at de tre «Nokturnene» av Debussy er et lydopptak av tre elementer: luft, ild og vann, eller et uttrykk for tre tilstander – kontemplasjon, handling og henrykkelse.
Musikk
« Skyer” er malt med tynne impresjonistiske farger av et lite orkester (kun horn brukes fra kobber). Den ustø, dystre bakgrunnen er skapt av den avmålte svaiingen av treblåserne, og danner fancy glidende harmonier. Den særegne klangen til det engelske hornet forsterker den modale uvanligheten til det korte hovedmotivet. Fargen lyser opp i midtpartiet, der harpen kommer inn for første gang. Sammen med fløyten leder hun et pentatonisk tema inn i oktaven, som mettet med luft; det gjentas av solo fiolin, bratsj, cello. Så kommer engelskhornets dystre melodi tilbake, ekko av andre motiver oppstår – og alt ser ut til å flyte bort i det fjerne, som smeltende skyer.
« Festligheter» danner en skarp kontrast - musikken er heftig, full av lys og bevegelse. Flylyd av strenger og treverktøy avbrutt av klangfulle utrop av messing, tremolo pauker og spektakulære glissandos av harper. Et nytt bilde: på den samme dansende bakgrunnen til den strengede oboen leder et inderlig tema, plukket opp av andre blåseinstrumenter i en oktav. Plutselig går alt i stykker. En prosesjon nærmer seg langveis fra (tre trompeter med stumme). Den hittil tause skarptrommen (i det fjerne) og de lave messingene kommer inn og bygger seg opp til et øredøvende klimaks av tutti. Så kommer lyspassasjer av det første temaet tilbake, og andre motiver flimrer, til lydene fra festivalen forsvinner.
IN " Sirener"Igjen, som i skyene, råder et sakte tempo, men stemningen her er ikke skumring, men opplyst av lys. Brenningene spruter stille, bølger renner inn, og i dette plasken kan man skille sirenens forlokkende stemmer; gjentatte akkorder uten ord fra en liten gruppe kvinnekor komplementerer lyden av orkesteret med en annen finurlig farge. De minste motivene til to toner varierer, vokser, flettes polyfonisk sammen. De gjengir temaene fra de forrige Nocturnes. I midtseksjonen blir sirenenes stemmer mer insisterende, melodien deres mer utvidet. Varianten ved trompetene nærmer seg uventet temaet for det engelske hornet fra Clouds, og likheten er enda sterkere i navneoppropet til disse instrumentene. På slutten avtar sirenenes sang, mens skyene smelter og festivallydene forsvinner i det fjerne.
A. Koenigsberg
Prelude à l "après-midi d" un faune
Orkestersammensetning: 3 fløyter, 2 oboer, cor anglais, 2 klarinetter, 2 fagotter, 4 horn, antikke cymbaler, 2 harper, strykere.
skapelseshistorie
The Afternoon of a Faun er Debussys første symfoniske verk, der hans individuelle impresjonistiske stil er perfekt uttrykt; den er inspirert av eklogen med samme navn av Stéphane Mallarmé (1842-1898). Den franske poeten, lederen av den symbolistiske skolen, som forente unge poeter og impresjonistiske kunstnere rundt seg, skrev dette lange diktet på en gammel mytologisk handling tilbake i 1865-1866 (det ble utgitt 10 år senere), muligens inspirert av et maleri av den franske kunstneren fra 1700-tallet Boucher fra London National Gallery. Mallarmes poetiske stil - bevisst kompleks, uforståelig, allegorisk - utmerker seg samtidig av bildenes sensuelle lysstyrke, smakens eleganse, den raffinerte og gledelige oppfatningen av livet. Mallarme selv sammenlignet poesien sin med musikk: han strebet etter at frasene hans, arrangert på en bestemt måte, skulle poetisk påvirke leseren, som lyden av musikk på lytteren.
Eklogen "Afternoon of a Faun" var beregnet på den berømte franske skuespilleren Coquelin Sr. - for resitasjon, illustrert med danser. Debussy, som ble kjent med eklogen i 1886, bestemte seg for å supplere lesningen med en tredelt komposisjon: preludium, mellomspill og finale (parafrase). Men meningen med diktet var fullstendig uttømt allerede i opptakten, uten at det krevde fortsettelse. Da Mallarme hørte det for første gang i forfatterens forestilling på piano, ble Mallarme glad: «Jeg hadde ikke forventet noe lignende! Denne musikken fortsetter stemningen i diktet mitt og utfyller det mer levende enn farger.
Det overlevende programmet er trolig Debussys: «Musikken til dette Preludium er en veldig fri illustrasjon av Mallarmes vakre dikt. Det hevder på ingen måte å være en syntese av diktet. Snarere er dette landskap som følger etter hverandre, blant hvilke ønsker og drømmer om en faun svever i ettermiddagsvarmen. Så, utmattet av jakten på skytende flyktende nymfer, gir han seg selv til en deilig søvn, full av endelig realiserte drømmer om fullheten av besittelse i en altomfattende natur.
Og i et brev skrevet et år etter fullføringen av The Afternoon of a Faun (1894), forklarte Debussy prinsippet for programmeringen sin i en spøkefull tone: "Dette er det generelle inntrykket av diktet, siden hvis du prøvde å følge mer nøyaktig det ville musikken kveles som en drosjehest som konkurrerer med en renraset om hovedprisen."
Premieren fant sted 22. desember 1894 i Paris, i en konsert Nasjonalsamfunnet regissert av Gustave Doré. Som dirigenten senere husket, følte han plutselig allerede under forestillingen at lytterne ble fullstendig betatt av denne musikken, og rett etter slutten ble den spilt igjen. Dette var Debussys første virkelige suksess.
I 1912, til musikken til "Afternoon of a Faun" i Parisisk teater Chatelet ble iscenesatt en enakters ballett. Koreografen og utøveren av rollen som Faun var den berømte russiske danseren Vaslav Nijinsky, som ikke likte komponisten i det hele tatt, som kalte Nijinsky et ungt vill og ondskapsfullt geni.
Musikk
Fløytesoloen introduserer umiddelbart både til den lyse pastorale antikkens fjerne verden og til Debussys musikkverden, den er så typisk for komponisten. Kromatisert sensuell melodi utfolder seg på en fri improvisasjonsmåte i sivklangene til høye treblåseinstrumenter. Harpenes glissando og franske horns navnerop, de eneste messing som brukes i opptakten, gir en spesiell smak til musikken. I den sentrale delen dukker et bredere, melodiøst tema opp, som opplyst av solen, i den rike lyden av tutti. Når hun tar en pause ved solofiolinen, kommer fløytemelodien til fløyten tilbake igjen mot bakgrunnen av den overfylte harpen. Utstillingen hans blir avbrutt av korte ertende motiver. Musikken får, ifølge forfatterens definisjon, karakteren av "enda større sløvhet", glansen forsterkes ved inkludering av antikke plater. Deres pianissimo mot bakgrunnen av harpeharmonikk og pizzicato av lave strykere fullfører verket - som om et vakkert syn har løst seg opp i en lett middagsdis.
Allerede i de første vokalkomposisjonene til Debussy, som dateres tilbake til slutten av 1870- og begynnelsen av 1880-tallet ("Wonderful Evening" til Paul Bourgets ord og spesielt "Mandolin" til Paul Verlaines ord), ble originaliteten til talentet hans manifestert.
Allerede før han ble uteksaminert fra konservatoriet, tok Debussy sin første utenlandsreise til Vest-Europa på invitasjon fra den russiske filantropen N.F. von Meck, som i mange år var en nær venn av P.I. Tsjaikovskij. I 1881 kom Debussy til Russland som pianist for å delta i von Mecks hjemmekonserter. Denne første turen til Russland (så dro han dit to ganger til - i 1882 og 1913) vakte komponistens store interesse for russisk musikk, som ikke ble svekket før på slutten av livet.
Etter tre sommersesonger snudde studenten Sonya (femten år) hodet. Han ba om tillatelse til å gifte seg med henne fra moren hennes - Nadezhda Filaretovna Frolovskaya von Meck ... Og han ble umiddelbart, veldig vennlig, bedt om å forlate Wien, hvor de var i det øyeblikket.
Da han kom tilbake til Paris, viste det seg at hjertet og talentet hans var modent for følelser for Madame Vanier, som definerte typen "kvinnen i hans liv": hun var eldre enn ham, en musiker og regjerte i en uvanlig attraktiv hus.
Han møtte henne og begynte å følge henne på sangkursene til Madame Moreau-Sainty, der Gounod var formann.
Siden 1883 begynte Debussy å delta som komponist i konkurranser om Romas store pris. Året etter ble han tildelt henne for kantaten " Fortapte sønn". Dette essayet, skrevet under påvirkning av franskmennene lyrisk opera, skiller seg ut for det virkelige dramaet i individuelle scener. Debussys opphold i Italia (1885-1887) viste seg å være fruktbart for ham: han ble kjent med den eldgamle italienske kormusikken på 1500-tallet og samtidig med Wagners verk.
Samtidig ble perioden for Debussys opphold i Italia preget av et skarpt sammenstøt med de offisielle kunstnerkretsene i Frankrike. Rapportene til prisvinnerne før akademiet ble presentert i form av verk som ble vurdert i Paris av en spesiell jury. Anmeldelser av komponistens verk - den symfoniske oden "Zuleima", den symfoniske suiten "Spring" og kantaten "The Chosen One" - oppdaget denne gangen et uoverkommelig gap mellom Debussys innovative ambisjoner og treghet som hersket i den største kunstnerisk institusjon Frankrike. Debussy uttrykte tydelig sitt ønske om innovasjon i et brev til en venn i Paris: «Jeg kan ikke lukke musikken min i for korrekte rammer ... jeg vil jobbe for å skape et originalt verk, og ikke falle hele tiden på det samme stier ...» Da Debussy kom tilbake fra Italia til Paris, bryter Debussy til slutt med akademiet. På det tidspunktet hadde følelsene for Madame Vanier avkjølt seg betraktelig.
Ønsket om å komme nærmere nye trender innen kunst, ønsket om å utvide sine forbindelser og bekjentskaper i kunstverdenen førte Debussy tilbake på slutten av 1880-tallet til salongen til en stor fransk poet på slutten av 1800-tallet og symbolistenes ideologiske leder. - Stefan Mallarmé. Her møtte Debussy forfattere og poeter, hvis verk dannet grunnlaget for mange av hans vokale komposisjoner, skapt på 1880- og 1890-tallet. Blant dem skiller seg ut: "Mandolin", "Arietta", "Belgiske landskap", "Akvareller", "Måneskinn" til ordene til Paul Verlaine, "Songs of Bilitis" til ordene til Pierre Louis, "Fem dikt" til ord fra den største franske poeten 1850-1860 av Charles Baudelaire (spesielt Balcony, Evening Harmonies, At the Fountain) og andre.
Den klare preferansen gitt vokalmusikk i den første perioden med kreativitet, skyldes i stor grad komponistens lidenskap for symbolistisk poesi. Imidlertid prøver Debussy i de fleste av disse årenes verker å unngå både symbolistisk usikkerhet og underdrivelse når han uttrykker tankene sine.
1890-tallet - den første perioden av Debussys kreative oppblomstring innen ikke bare vokal, men også piano ("Bergamas Suite", "Little Suite" for piano firehender), kammerinstrumental (strykekvartett) og spesielt symfonisk musikk. På dette tidspunktet to av de mest betydningsfulle symfoniske verk- Preludium "Afternoon of a Faun" og "Nocturnes".
Forspillet "Afternoon of a Faun" ble skrevet på grunnlag av et dikt av Stéphane Mallarmé i 1892. Mallarmes verk tiltrakk komponisten først og fremst den lyse pittoreskheten til en mytologisk skapning som drømmer på en varm dag om vakre nymfer.
I forspillet, som i Mallarmés dikt, er det ingen utviklet handling, ingen dynamisk utvikling av handlingen. I kjernen av komposisjonen ligger i hovedsak ett melodisk bilde av "languor", bygget på "krypende" kromatiske intonasjoner. Debussy bruker til sin orkestrale inkarnasjon nesten hele tiden den samme spesifikke instrumentelle klangen – en fløyte i et lavt register.
Hele den symfoniske utviklingen av opptakten kommer ned til å variere teksturen i presentasjonen av temaet og dets orkestrering. Den statiske utviklingen rettferdiggjøres av selve bildets natur.
Funksjonene i Debussys modne stil dukket opp i dette verket først og fremst i orkestreringen. Den ekstreme differensieringen av orkestergrupper og deler av individuelle instrumenter innenfor grupper gjør det mulig å kombinere orkesterfarger og skape de fineste nyanser. Mange av prestasjonene til orkesterskriving i dette verket ble senere typiske for de fleste av Debussys symfoniske verk.
Først etter fremføringen av «Faun» i 1894 talte komponisten Debussy i brede musikalske kretser i Paris. Men isolasjonen og visse begrensninger i det kunstneriske miljøet som Debussy tilhørte, samt den originale stilen til komposisjonene hans, hindret komponistens musikk fra å dukke opp på konsertscenen.
Selv et så enestående symfonisk verk av Debussy som Nocturnes-syklusen, skapt i 1897-1899, ble mottatt med tilbakeholdenhet. I «Nocturnes» ble Debussys ønske om livsvirkelige kunstneriske bilder manifestert. For første gang i Debussys symfoniske verk fikk et livlig sjangermaleri (den andre delen av Nocturnes - "Feiringer") og bilder av naturen rik på farger (første del - "Skyer") en levende musikalsk legemliggjøring.
I løpet av 1890-årene arbeidet Debussy med sin eneste fullførte opera, Pelléas et Mélisande. Komponisten lette lenge etter et plott nær ham og slo seg til slutt på dramaet til den belgiske symbolistforfatteren Maurice Maeterlinck "Pelléas et Mélisande". Handlingen til dette verket tiltrakk Debussy, med hans ord, av det faktum at "karakterene ikke krangler, men tåler liv og skjebne." Overfloden av undertekst gjorde det mulig for komponisten å oppfylle sitt motto: «Musikk begynner der ordet er maktesløst».
Debussy bevarte i operaen et av hovedtrekkene i mange av Maeterlincks dramaer - karakterenes fatale undergang før den uunngåelige fatale oppløsningen, en persons vantro på sin egen lykke. Debussy klarte til en viss grad å dempe den håpløst pessimistiske tonen i dramaet med subtil og behersket lyrikk, oppriktighet og sannhet i den musikalske legemliggjørelsen av den virkelige tragedien av kjærlighet og sjalusi.
Det nye i stilen til operaen skyldes i stor grad at den er skrevet inn prosatekst. De vokale delene av Debussys opera legemliggjør de subtile nyansene i fransk tale. Den melodiske utviklingen av operaen er en uttrykksfull melodiøs-deklamatorisk linje. Det er ingen betydelig følelsesmessig oppsving i melodilinjen selv i de dramatiske klimaepisodene i operaen. Det er en rekke scener i operaen der Debussy klarte å formidle et komplekst og rikt spekter av menneskelige opplevelser: scenen med ringen ved fontenen i andre akt, scenen med Mélisandes hår i tredje, scenen ved fontenen. fontene i fjerde og åstedet for Mélisandes død i femte akt.
Premieren på operaen fant sted 30. april 1902 på teatret " Komisk opera". Til tross for den praktfulle forestillingen, hadde ikke operaen reell suksess med et bredt publikum. Kritikken var generelt uvennlig og tillot seg skarpe og frekke angrep etter de første forestillingene. Bare noen få store musikere har satt pris på fordelene ved dette arbeidet.
Da Pelléas ble iscenesatt, fant betydelige hendelser sted i Debussys liv. 19. oktober 1899 gifter han seg med Lily Texier. Fagforeningen deres varer bare i fem år. Og i 1901 begynte han sin karriere som profesjonell musikkritiker. Dette bidro til dannelsen av Debussys estetiske synspunkter, hans kunstneriske kriterier. Hans estetiske prinsipper og synspunkter kommer ekstremt tydelig til uttrykk i Debussys artikler og bok. Han ser musikkens kilde i naturen: «Musikk er nærmest naturen ...» «Bare musikere har privilegiet av å omfavne poesien til natt og dag, jord og himmel – gjenskape atmosfæren og rytmen til naturens majestetiske skjelving. "
Debussys stil var sterkt påvirket av arbeidet til store russiske komponister - Borodin, Balakirev, og spesielt Mussorgsky og Rimsky-Korsakov. Debussy var mest imponert over glansen og maleriskheten i Rimsky-Korsakovs orkesterforfatterskap.
Men Debussy oppfattet bare visse aspekter av stilen og metoden til de største russiske kunstnerne. Han var fremmed for de demokratiske og sosiale anklagende tendensene i Mussorgskys verk. Debussy var langt fra de dypt humane og filosofisk betydningsfulle plottene i Rimsky-Korsakovs operaer, fra den konstante og uatskillelige forbindelsen mellom disse komponistenes arbeid og folkeopprinnelsen.
I 1905 giftet Debussy seg for andre gang. Hun var på samme alder som Claude Achille, gift med Sigismund Bardak, en parisisk bankmann. «Madame Bardak hadde forførbarheten til noen sekulære kvinner på begynnelsen av århundret,» skrev en av vennene hennes om henne.
Debussy studerte komposisjon med sønnen og akkompagnerte snart Madame Bardac, som fremførte romansene hans. «This is a languid ecstasy»... og samtidig er det et lynnedslag med alle dets konsekvenser. Snart har de en nydelig jente, Claude - Emme.
Begynnelsen av århundret er det høyeste stadiet i komponistens kreative aktivitet. Verkene skapt av Debussy i denne perioden snakker om nye trender innen kreativitet og først av alt Debussys avgang fra symbolismens estetikk. Mer og mer blir komponisten tiltrukket av sjangerscener, musikalske portretter og naturbilder. Sammen med nye temaer og plott dukker det opp trekk ved en ny stil i arbeidet hans. Bevis på dette er pianoverk, som "An Evening in Grenada" (1902), "Gardens in the Rain" (1902), "Isle of Joy" (1904). I disse verkene finner Debussy en sterk sammenheng med musikkens nasjonale opprinnelse.
Blant de symfoniske komposisjonene skapt av Debussy i løpet av disse årene, skiller "Sea" (1903-1905) og "Images" (1909) seg ut, som inkluderer den berømte "Iberia".
Den klangfargede orkesterpaletten, modal originalitet og andre trekk ved "Iberia" gledet mange komponister. «Debussy, som egentlig ikke kjente Spania, skapte spontant, vil jeg si, ubevisst spansk musikk som kunne vekke misunnelse hos så mange andre, som kjenner landet bra nok...» - skrev den kjente spanske komponisten Falla. Han mente at hvis Claude Debussy "brukte Spania som grunnlag for å avsløre en av de vakreste fasettene av arbeidet hans, så betalte han for det så sjenerøst at nå står Spania i gjeld."
"Hvis jeg blant alle verkene til Debussy," sa komponisten Honegger, "må velge ett partitur slik at noen som var helt ukjent med det fra før kunne få en ide om musikken hans ved å bruke eksemplene, ville ta triptyken "Sjø" for dette formålet. . Dette er etter min mening det mest typiske verket, i det er forfatterens individualitet innprentet med den største fullstendighet. Om musikken i seg selv er bra eller dårlig er hele poenget med spørsmålet. Og Debussy er strålende. Alt i «Havet» hans er inspirert: alt ned til de minste orkestrasjonsslagene - hvilken som helst tone, hvilken som helst klang - alt er gjennomtenkt, følt og bidrar til den emosjonelle animasjonen som dette lydstoffet er fullt av. "Sea" er et sant mirakel av impresjonistisk kunst ... "
Det siste tiåret i Debussys liv er preget av ustanselig kreativ og utøvende aktivitet frem til utbruddet av første verdenskrig. Konsertreiser som dirigent til Østerrike-Ungarn brakte komponisten berømmelse i utlandet. Det ble spesielt varmt mottatt i Russland i 1913. Konserter i St. Petersburg og Moskva ble en stor suksess. Debussys personlige kontakt med mange russiske musikere styrket hans tilknytning til russisk musikkkultur ytterligere.
Spesielt store er de kunstneriske prestasjonene til Debussy i det siste tiåret av hans liv i pianoarbeid: "Children's Corner" (1906-1908), "Lekekasse" (1910), tjuefire preludier (1910 og 1913), "Seks antikke epigrafer" på fire hender (1914), tolv studier (1915).
Pianosuiten «Children's Corner» er dedikert til Debussys datter. Ønsket om å avsløre verden i musikk gjennom øynene til et barn i bildene som er kjent for ham - streng lærer, dukker, en liten gjeter, en lekelefant – gjør at Debussy mye bruker både hverdagsdans og sangsjangre, og profesjonelle musikksjangre i en grotesk, karikert form.
Debussys tolv etuder henger sammen med hans lange eksperimenter innen pianostil, jakten på nye typer teknikk og uttrykksmidler. Men selv i disse verkene streber han etter å løse ikke bare rent virtuose, men også lydproblemer.
To notatbøker av hans preludier for piano bør betraktes som en verdig avslutning på hele Debussys kreative vei. Her er så å si de mest karakteristiske og typiske sidene ved det kunstneriske verdensbildet konsentrert, kreativ metode og komponistens stil. Syklusen fullførte i hovedsak utviklingen av denne sjangeren i vesteuropeisk musikk, hvor de viktigste fenomenene så langt har vært opptaktene til Bach og Chopin.
I Debussy oppsummerer denne sjangeren hans kreativ måte og er et slags oppslagsverk over alt det mest karakteristiske og typiske innen musikalsk innhold, kretsen av poetiske bilder og stilen til komponisten.
Begynnelsen av krigen fikk Debussy til å reise seg i patriotiske følelser. I trykte uttalelser kaller han seg ettertrykkelig: «Claude Debussy – fransk musiker». Hele linjen verk fra disse årene inspirert av patriotisme. Hans hovedoppgave .. han vurderte å synge skjønnhet i motsetning til de forferdelige krigshandlingene, lamme kroppen og sjelen til mennesker, ødelegge kulturens verdier. Debussy var dypt deprimert av krigen. Siden 1915 var komponisten alvorlig syk, noe som også påvirket arbeidet hans. Inntil de siste dagene av sitt liv – han døde 26. mars 1918 under tyskernes bombing av Paris – til tross for en alvorlig sykdom, stoppet ikke Debussy sitt kreative søk.
Musikalsk impresjonisme har som forløper fremfor alt impresjonismen i fransk maleri. De har ikke bare felles røtter, men også årsak-virkning-forhold. Og hovedimpresjonisten i musikk, Claude Debussy, og spesielt Eric Satie, hans venn og forgjenger på denne veien, og Maurice Ravel, som tok over etter Debussy, lette etter og fant ikke bare analogier, men også uttrykksmiddel i verkene til Claude Monet, Paul Cezanne, Puvis de Chavannes og Henri de Toulouse-Lautrec.
Selve begrepet "impresjonisme" i forhold til musikk er ettertrykkelig betinget og spekulativt (spesielt protesterte Claude Debussy selv gjentatte ganger mot det, men uten å gi noe bestemt tilbake). Det er klart at malemidlene, assosiert med syn og musikkkunstens virkemidler, hovedsakelig basert på hørsel, kan kobles til hverandre bare ved hjelp av spesielle, subtile assosiative paralleller som bare eksisterer i sinnet. Enkelt sagt har det vage bildet av Paris "i høstregnet" og de samme lydene, "dempet av støyen fra fallende dråper" i seg selv egenskapen til et kunstnerisk bilde, men ikke en reell mekanisme. Direkte analogier mellom virkemidlene for maleri og musikk er kun mulig gjennom komponistens personlighet som opplevde den personlige innflytelsen fra kunstnere eller deres malerier. Hvis en artist eller komponist benekter eller ikke gjenkjenner slike sammenhenger, så blir det i det minste vanskelig å snakke om dem. Imidlertid har vi tilståelser som en viktig gjenstand og, (som er det viktigste) verkene til hovedpersonene i den musikalske impresjonismen selv. Det var Erik Satie som uttrykte denne ideen tydeligere enn resten, og fokuserte hele tiden på hvor mye han skylder kunstnere i sitt arbeid. Han tiltrakk seg Debussy med originaliteten til sin tenkning, uavhengige, frekke karakter og etsende vidd, som ikke sparte noen autoriteter i det hele tatt. Dessuten interesserte Satie Debussy med sine innovative piano- og vokalkomposisjoner, skrevet i en dristig, men ikke helt profesjonell hånd. Her, nedenfor er ordene som Satie i 1891 henvendte seg til sin nyfunne venn, Debussy, og fikk ham til å gå videre til dannelsen av en ny stil:
Puvis de Chavannes (1879) "Jenter ved kysten" (favorittbilde av Sati i ungdommen)
Da jeg møtte Debussy, var han full av Mussorgsky og lette iherdig etter måter som ikke er så lette å finne. I denne forbindelse har jeg for lengst overgått ham. Jeg ble ikke tynget av verken den romerske prisen eller noen andre, for jeg var som Adam (fra Paradise), som aldri mottok noen premier - definitivt lat!...
På den tiden skrev jeg Stjernenes sønn til en libretto av Péladan og forklarte Debussy behovet for at franskmannen skulle frigjøre seg fra påvirkningen fra Wagnerske prinsipper, som ikke samsvarer med våre naturlige ambisjoner. Jeg sa også at selv om jeg på ingen måte er noen anti-wagnerist, synes jeg fortsatt at vi bør ha vår egen musikk og om mulig uten «tysk surkål». Men hvorfor ikke bruke de samme visuelle midlene til disse formålene som vi ser hos Claude Monet, Cezanne, Toulouse-Lautrec og andre? Hvorfor ikke overføre disse midlene til musikk? Det er ikke noe enklere. Er det ikke det ekte uttrykksfullhet er?
- (Erik Satie, "Claude Debussy", Paris, 1923).
Men hvis Satie hentet sin gjennomsiktige og gjerrige impresjonisme fra det symbolske maleriet til Puvis de Chavannes, så opplevde Debussy (gjennom samme Satie) den kreative innflytelsen fra de mer radikale impresjonistene, Claude Monet og Camille Pissarro.
Det er nok bare å liste opp navnene på de mest slående verkene til Debussy eller Ravel for å få et fullstendig bilde av virkningen på arbeidet deres av både visuelle bilder og landskap av impresjonistiske kunstnere. Så i de første ti årene skrev Debussy "Clouds", "Prints" (den mest figurative, en akvarellskisse - "Gardens in the rain"), "Images" (hvorav den første, et av mesterverkene til pianoimpresjonisme, "Reflections on the water", fremkaller direkte assosiasjoner til det berømte maleriet av Claude Monet "Inntrykk: soloppgang")… Av kjent uttrykk Mallarme, impresjonistiske komponister studerte "hør lyset", formidle i lyder bevegelsen av vannet, svingningene i bladverket, vindens pust og brytningen av solstrålene i kveldsluften. Den symfoniske suiten «The Sea from Dawn to Noon» oppsummerer Debussys landskapsskisser tilstrekkelig.
Til tross for hans ofte annonserte personlige avvisning av begrepet "impresjonisme", har Claude Debussy gjentatte ganger uttalt seg som en ekte impresjonistisk kunstner. Så når vi snakker om de tidligste av hans berømte orkesterverk, Nocturnes, innrømmet Debussy at ideen om den første av dem (skyer) kom til ham på en av de overskyede dagene da han så på Seinen fra Pont de la Concorde ... Vel Når det gjelder prosesjonen i den andre delen ("Celebrations"), ble denne ideen født av Debussy: "... mens han tenkte på rytteravdelingen av soldater fra den republikanske garde som passerte i det fjerne, hvis hjelmer glitret under strålene fra solnedgangen ... i skyer av gullstøv” . På samme måte kan verkene til Maurice Ravel tjene som en slags materiell bevis på direkte koblinger fra maleri til musikk som eksisterte innenfor den impresjonistiske bevegelsen. Den berømte lydvisuelle "Play of water", syklusen av stykker "Reflections", pianosamlingen "Rustle of the Night" - denne listen er langt fra komplett og kan fortsettes. Sati skiller seg noe fra hverandre, som alltid, et av verkene som kan kalles i denne forbindelse er kanskje "The Heroic Prelude to the Gates of Heaven".
Omverdenen i impresjonismens musikk avsløres gjennom et forstørrelsesglass av subtile psykologiske refleksjoner, subtile fornemmelser født fra kontemplasjonen av mindre endringer som finner sted rundt omkring. Disse trekkene gjør impresjonismen relatert til en annen kunstnerisk bevegelse som eksisterte parallelt - litterær symbolikk. Eric Satie var den første som henvendte seg til verkene til Josephine Péladan. Litt senere fant arbeidet til Verlaine, Mallarme, Louis og spesielt Maeterlinck direkte implementering i musikken til Debussy, Ravel og noen av deres tilhengere.
Ramon Casas (1891) "Money Mill" (Impresjonistisk maleri med figuren til Satie)
Til tross for den åpenbare nyheten til det musikalske språket, gjenskaper impresjonisme ofte noen ekspressive teknikker som er karakteristiske for kunsten fra forrige tid, spesielt musikken til franske cembalospillere på 1700-tallet, rokokkotiden. Man trenger bare å minne om slike kjente billedskuespill av Couperin og Rameau som "Little Windmills" eller "The Hen".
På 1880-tallet, før han møtte Eric Satie og hans arbeid, ble Debussy fascinert av arbeidet til Richard Wagner og var helt i kjølvannet av hans musikalsk estetikk. Etter å ha møtt Satie og fra det øyeblikket han skapte sine første impresjonistiske opuser, beveget Debussy seg med overraskende skarphet til posisjonene til militant anti-Wagnerisme. Denne overgangen var så brå og brå at en av Debussys nære venner (og biograf), den berømte musikologen Émile Vuyermeaux, direkte uttrykte sin forvirring:
Debussys anti-Wagnerisme er blottet for storhet og adel. Det er umulig å forstå hvordan en ung musiker, hvis hele ungdom er beruset av Tristans rus, og som i dannelsen av språket sitt, i oppdagelsen av en endeløs melodi, utvilsomt skylder så mye til dette nyskapende partituret, latterliggjør foraktelig. geniet som ga ham så mye!
- (Emile Vuillermoz, "Claude Debussy", Geneve, 1957.)
Samtidig nevnte ikke Vuyermeaux, internt forbundet med forhold av personlig fiendtlighet og fiendskap til Eric Satie, ham spesifikt og løslot ham som det manglende leddet i skapelsen komplett bilde. Faktisk, fransk kunst på slutten av 1800-tallet, knust av Wagnerianske musikalske dramaer, hevdet seg gjennom impresjonismen. I lang tid var det nettopp denne omstendigheten (og nasjonalismen som vokste frem mellom de tre krigene med Tyskland) som gjorde det vanskelig å snakke om den direkte påvirkningen av Richards stil og estetikk.
Den andre "nokturnen" - "Celebrations" - skiller seg ut blant andre verk av Debussy med en lys sjangersmak. I et forsøk på å bringe musikken til "Celebrations" nærmere en livescene fra folkeliv komponisten vendte seg til hverdagsmusikalske sjangere. Det er på kontrasten mellom de to hovedmusikalske bildene - dans og marsj - at den tredelte komposisjonen "Celebrations" bygges (i motsetning til "Clouds").
Den gradvise og dynamiske distribusjonen av disse bildene gir komposisjonen en mer spesifikk programmatisk betydning. Komponisten skriver i forordet: «Feiringer» er en bevegelse, en dansende rytme av atmosfæren med eksplosjoner av plutselig lys, det er også en episode av en prosesjon (en blendende og kimærisk visjon) som går gjennom høytiden og smelter sammen med den; men bakgrunnen forblir hele tiden - dette er en ferie; det er en blanding av musikk med lysende støv, som er en del av den overordnede rytmen.
Allerede fra første takt skapes en følelse av festivitas av en spenstig energisk rytme: (som er et slags rytmisk skjelett av hele andre del av Nocturnes), de karakteristiske kvarto-femte konsonansene til fiolinene på ff i et høyt register, som gir en lys solrik farge til begynnelsen av satsen.
Mot denne fargerike bakgrunnen dukker hovedtemaet i første del av «Feiringer» opp, som minner om en tarantella. Melodien er bygget på trinnvise bevegelser med mange referanselyder, men trippelrytmen som er typisk for tarantellaen og det raske tempoet gir letthet og hurtighet til bevegelsen til temaet:
I sin avsløring bruker Debussy ikke teknikkene for melodisk utvikling (rytmen og konturene av temaet endres nesten ikke gjennom hele satsen), men tyr i stedet til en slags variasjon, der hver påfølgende implementering av temaet er betrodd til nye instrumenter, akkompagnert av en annen harmonisk farge.
Komponistens forkjærlighet for «rene» klangfarger viker denne gangen for subtilt blandede orkesterfarger (lyden av temaet ved det engelske hornet med klarinett er erstattet av dets klimring på fløyter med oboer, deretter på celloer med fagott). I harmonisk akkompagnement vises durtriader av fjerne tonaliteter og kjeder av ikke-akkorder (som ligner et tett overlagret penselstrøk på et malerilerret). I en av fremføringene av temaet er dets melodiske mønster basert på heltoneskalaen, som gir den en ny modal nyanse (augmented mode), ofte brukt av Debussy i kombinasjon med dur og moll.
Gjennom den første delen av "Celebrations"-episoden musikalske bilder(for eksempel for en obo på to lyder - la Og før). Men en av dem, innasjonalt knyttet til tarantellaen og samtidig kontrasterende figurativt og rytmisk med den, begynner ved slutten av bevegelsen gradvis å innta en stadig mer dominerende posisjon. Den tydelige punkterte rytmen til det nye temaet gir hele siste del av første del av «Celebrations» en dynamisk og viljesterk karakter:
Debussy overlater nesten all gjennomføringen av dette temaet til treblåseinstrumenter, men på slutten av første del kommer strykegruppen til orkesteret inn, som til nå hovedsakelig har utført rollen som akkompagnement. Introduksjonen hennes gir det nye bildet et betydelig uttrykk og forbereder den kulminerende episoden av hele første del.
Sjelden for Debussy, en lang økning i dynamikk på slutten av første del av "Celebrations", oppnådd ved gradvis tilkobling av alle nye instrumenter (unntatt messing og perkusjon), en økende virvelvindbevegelse, skaper inntrykk av en spontant dukker opp massedans.
Det er interessant å merke seg at i klimaksøyeblikket dominerer triplettrytmen og den intonasjonale kjernen i det første temaet, tarantellaen igjen. Men denne toppepisoden av det hele musikalsk bilde den første satsen ender noe impresjonistisk. Følelsen av en tydelig uttrykt fullføring av delen skapes ikke. Den renner direkte, uten cesurer, inn i den midtre delen av høytidene.
Den største, nesten teatralske kontrasten (ekstremt sjelden i Debussy) ligger i Nocturnes nettopp i den brå overgangen til andre del av Festlighetene – marsjen. Tarantellaens heftige bevegelse erstattes av en avmålt og sakte bevegelig ostinato femtebass i en marsjerende rytme. Hovedtemaet for marsjen lyder for første gang ved tre trompeter med stumme (som om det var bak kulissene):
Effekten av en gradvis nærmer seg "prosesjon" skapes av en økning i lydstyrke og en endring i orkester.
presentasjon og harmoni. Orkestreringen av denne delen av "Nocturnes" involverer nye instrumenter - trompeter, tromboner, tuba, pauker, skarptromme, cymbaler - og en mye mer konsekvent og streng logikk for orkesterutvikling råder enn i "Clouds" (temaet fremføres først med trompeter med stumme, deretter av hele en gruppe treblåsere og, ved kulminasjonen, trompeter med tromboner).
Hele denne delen av "Celebrations" utmerker seg ved en harmonisk utvikling som overrasker for Debussy i spenning og integritet (sentrert rundt toneartene D-dur og A-dur). Den er skapt av langsiktig akkumulering av modal ustabilitet ved hjelp av en rekke elliptiske revolusjoner, opprettholdt over en lang periode av orgelpunktet og det lange fraværet av tonikken til hovedtonen.
I den harmoniske dekningen av temaet for marsjen, bruker Debussy rike farger: kjeder av septimakkorder og deres appeller i forskjellige tonearter, som inkluderer ostinato-bassen En leilighet eller sol-skarp.
I øyeblikket for den kulminerende utviklingen av den midtre delen av "Feiringen", når temaet for marsjen er storslått og høytidelig. trompeter og tromboner er akkompagnert av pauker, militærtrommer og cymbaler; strengeinstrumenter har en tarantella i form av en slags polyfon undertone. Opptoget får gradvis karakter av en festlig feiring, gnistrende moro, og plutselig, like uventet som det var under overgangen til midtpartiet, stopper utviklingen brått opp, og igjen ett tarantella-tema, mykt i konturene og klangen av to fløyter, lyder.
Fra det øyeblikket det dukker opp, begynner intensiv forberedelse av reprise, der temaet for tarantella gradvis erstatter marsjen. Sonoriteten vokser, det harmoniske akkompagnementet blir rikere og mer mangfoldig (inkludert ikke-akkorder med forskjellige tonearter). Selv temaet for marsjen, etter å ha dukket opp ved trompetene i øyeblikket av det andre klimakset av midtsatsen, får en ramlende (rask) rytme. Nå er alle forutsetninger lagt til rette for begynnelsen av den tredje, reprise-delen av «Celebrations».
Denne delen av skjemaet, akkurat som i "The Clouds", inneholder nesten alle de melodiske bildene av delen av syklusen og er ekstremt komprimert. Reprisen, sammen med codaen, skaper komponistens favoritteffekt med å «slette» prosesjonen. Nesten alle temaene til «Feiringer» passerer her, men bare som ekko. Hovedtemaene til "Feiringer" - tarantellaen og marsjen - gjennomgår spesielt store endringer på slutten av satsen. Den første av dem, mot slutten av codaen, minner om seg selv bare med individuelle intonasjoner og trippel-akkompagnement-rytmen til celloer med kontrabasser, og den andre med marsjrytmen slått ut av en militærtromme på s og korte tertsovy-trompeter med stumme, som låter som et fjernt signal.
Sirener
Den tredje "nokturnen" - " Sirener"- er i poetisk utforming nær "Skyer". I den litterære forklaringen avsløres bare pittoreske landskapsmotiver og elementet som er introdusert i dem. eventyrfiksjon(denne kombinasjonen ligner vagt på "Sunken Cathedral"): "Sirener" er havet og dets uendelig mangfoldige rytme; blant bølgene forsølvet av månen oppstår, smuldrer opp av latter og den mystiske sangen av sirenene fjernes.
All komponistens kreative fantasi i dette bildet er ikke rettet mot å skape et lyst melodisk bilde som vil danne grunnlaget for hele bevegelsen eller dens seksjon, men på et forsøk på å formidle ved hjelp av musikk de rikeste lyseffektene og kombinasjonene av fargekombinasjoner som oppstå til sjøs under ulike lysforhold.
Den tredje «nokturnen» er like statisk i sin presentasjon og utvikling som «Skyer». Mangelen på lyse og kontrastfylte melodiske bilder i den blir delvis oppveid av den koloristiske instrumenteringen, der kvinnekoret (åtte sopraner og åtte mezzosopraner) deltar og synger med lukket munn. Denne særegne og utrolig vakre klangen brukes av komponisten gjennom hele satsen, ikke så mye som en melodisk funksjon, men som en harmonisk og orkestral "bakgrunn" (i likhet med bruken strenggruppe i skyene"). Men denne nye, uvanlige orkesterfargen spiller her den uttrykksfulle hovedrollen i å skape et illusorisk, fantastisk bilde av sirenene, hvis sang kommer som fra dypet av et stille hav som glitrer med uendelig varierte nyanser.
Impresjonisme i musikk
På slutten av 1800-tallet dukket det opp en ny trend i Frankrike, kalt "impresjonisme". Dette ordet, oversatt fra fransk, betyr "inntrykk". Impresjonismen oppsto blant kunstnere.
På 70-tallet dukket det opp ulike parisiske utstillinger originale malerier C. Monet, C. Pissarro, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley. Kunsten deres skilte seg kraftig fra de glatte og ansiktsløse verkene til akademiske malere.
Impresjonistene kom ut av verkstedene sine ut i den frie luften, lærte å gjengi spillet av naturens levende farger, gnisten fra solstrålene, det flerfargede gjenskinnet på vannoverflaten, mangfoldet i den festlige folkemengden. De brukte en spesiell teknikk med punkt-slag, som virket kaotisk på nært hold, og på avstand ga opphav til en ekte følelse av et livlig fargespill. Friskheten til et øyeblikkelig inntrykk i lerretene deres ble kombinert med subtiliteten til psykologiske stemninger.
Senere, på 80- og 90-tallet, kom impresjonismens ideer til uttrykk i fransk musikk. To komponister - C. Debussy og M. Ravel - representerer tydeligst impresjonisme i musikk. I deres piano- og orkesterskissestykker uttrykkes sensasjonene forårsaket av kontemplasjonen av naturen med spesiell nyhet. Lyden av sjøens surfe, sprutingen av bekken, suset fra skogen, morgenkvitteren fra fugler smelter sammen i verkene deres med de personlige opplevelsene til musikeren-poeten, forelsket i skjønnheten i omverdenen.
Achille-Claude Debussy regnes som grunnleggeren av musikalsk impresjonisme, som beriket alle aspekter av komponeringsferdigheter - harmoni, melodi, orkestrering, form. Samtidig omfavnet han ideene til det nye franske maleriet og poesien.
Claude Debussy
Claude Debussy er en av de mest betydningsfulle franske komponistene som påvirket utviklingen av musikken på 1900-tallet, både klassisk og jazz.
Debussy bodde og arbeidet i Paris, da denne byen var Mekka for den intellektuelle og kunstneriske verden. Komponistens fengslende og fargerike musikk bidro sterkt til utviklingen av fransk kunst.
Biografi
Achille-Claude Debussy ble født i 1862 i Saint-Germain-en-Laye, litt vest for Paris. Faren Manuel var en fredelig butikkeier, men etter å ha flyttet til en storby kastet han seg ut i de dramatiske hendelsene 1870-1871, da han som følge av Fransk-prøyssisk krig det var et opprør mot regjeringen. Manuel sluttet seg til opprørerne og ble fengslet. I mellomtiden begynte den unge Claude å ta leksjoner fra Madame Mote de Fleurville og sikret seg en stilling ved Paris Conservatoire.
Ny trend innen musikk
Etter å ha gått gjennom en så bitter opplevelse, viste Debussy seg som en av de mest talentfulle studentene ved konservatoriet i Paris. Debussy var også en såkalt "revolusjonær", ofte sjokkerende lærere med sine nye ideer om harmoni og form. Av samme grunner var han en stor beundrer av arbeidet til den store russiske komponisten Modest Petrovich Mussorgsky - en hater av rutiner, som det ikke fantes noen autoriteter for i musikken, og han ga liten oppmerksomhet til reglene for musikalsk grammatikk og så for hans nye musikalske stil.
I løpet av studieårene ved konservatoriet i Paris møtte Debussy Nadezhda von Meck, en berømt russisk millionær og filantrop, en nær venn av Pjotr Iljitsj Tsjaikovskij, på hvis invitasjon i 1879 han foretok sin første utenlandsreise i Vest-Europa. Sammen med von Meck besøkte de Firenze, Venezia, Roma og Wien. Etter å ha reist gjennom Europa foretok Debussy sin første reise til Russland, hvor han opptrådte på «hjemmekonserter» av von Meck. Her lærte han først arbeidet til så store komponister som Tchaikovsky, Borodin, Rimsky-Korsakov, Mussorgsky. Da han kom tilbake til Paris, fortsatte Debussy studiene ved konservatoriet.
Snart mottok han den etterlengtede Prix de Rome for kantaten Den fortapte sønn og studerte i hovedstaden i Italia i to år. Der møtte han Liszt og hørte Wagners opera for første gang. På verdensutstillingen i Paris i 1889 vekket lydene fra den javanske gamelan hans interesse for eksotisk musikk. Denne musikken var vanvittig langt unna den vestlige tradisjonen. Den østlige pentatoniske skalaen, eller skalaen med fem trinn, som skiller seg fra skalaen som ble tatt i bruk i vestlig musikk, tiltrakk seg alle Debussy. Fra denne uvanlige kilden trakk han mye, og skapte sitt fantastiske og fantastiske nye musikalske språk.
Disse og andre opplevelser formet Debussys egen stil. To nøkkelen fungerer: The Afternoon of a Faun, skrevet i 1894, og operaen Pelléas et Melisande (1902), var bevis på hans fulle modenhet som komponist og åpnet en ny trend innen musikk.
konstellasjon av talenter
Paris i de første årene av det 20. århundre var et fristed for kubistiske kunstnere og symbolistiske poeter, og Diaghilev Ballets Russes tiltrakk seg en hel konstellasjon av strålende komponister, kostymedesignere, dekoratører, dansere og koreografer. Dette er danseren-koreografen Vatslav Nijinsky, den berømte russiske bassen Fjodor Chaliapin, komponisten Igor Stravinsky.
I denne verden var det et sted for Debussy. Hans fantastiske symfoniske skisser "The Sea", hans mest fantastiske notebøker med preludier og notatbøker "Images" for piano, hans sanger og romanser - alt dette snakker om den ekstraordinære originaliteten som skiller hans verk fra andre komponister.
Etter stormfull ungdom og første ekteskap, i 1904 giftet han seg med sangeren Emma Bardak og ble far til en datter, Claude-Emma (Shusha), som han forgudet.
skjebnes vri
Den uendelig milde og raffinerte musikalske stilen til Debussy ble dannet i lang tid. Han var allerede i trettiårene da han fullførte sitt første betydningsfulle verk, opptakten The Afternoon of a Faun, inspirert av et dikt av vennen hans, den symbolistiske forfatteren Stéphane Mallarmé. Verket ble første gang fremført i Paris i 1894. Under prøvene gjorde Debussy stadig endringer i partituret, og etter første forestilling hadde han nok mye arbeid å gjøre.
Får berømmelse
Til tross for alle vanskelighetene og det faktum at opptakten ble fremført på slutten av et langt og kjedelig program, følte publikum at de hørte noe utrolig nytt når det gjelder form, harmoni og instrumentalfarge, og etterlyste umiddelbart et ekstranummer av stykke. Fra det øyeblikket ble navnet til komponisten Debussy kjent for alle.
Uanstendig satyr
I 1912 bestemte den store russiske impresarioen Sergei Diaghilev seg for å vise en ballett til musikken til The Afternoon of a Faun, koreografert og fremført av den berømte Vaslav Nijinsky. Den erotiske skildringen av bildet av en faun, eller satire, forårsaket en skandale i samfunnet. Debussy, av natur en lukket og beskjeden person, var sint og flau over det som hadde skjedd. Men alt dette ga bare ære til verket, som satte det i spissen for komponister. samtidsmusikk, og ballett vant en fast plass i det klassiske verdensrepertoaret.
Med starten av krigen
Det intellektuelle livet i Paris ble rystet av utbruddet av første verdenskrig i 1914. På den tiden var Debussy allerede alvorlig syk av kreft. Men han skapte fortsatt en ny enestående musikk som piano-etuder. Begynnelsen av krigen forårsaket et oppsving av patriotiske følelser i Debussy, i pressen kalte han seg ettertrykkelig en "fransk musiker". Han døde i Paris i 1918 under bombardementet av byen av tyskerne, bare noen måneder før den endelige allierte seieren.
Lyder av musikk
Nocturne (nocturne), oversatt fra fransk - natt.
I det XVIII århundre. - en syklus av små stykker (en slags suite) for et ensemble av blåseinstrumenter eller i kombinasjon med strykere. De ble fremført om kvelden, om natten i friluft (som en serenade). Slik er natturene til W. Mozart, Michael Haydn.
Fra det nittende århundre - et musikalsk stykke av melodiøs, for det meste lyrisk, drømmende karakter, som om det var inspirert av nattens stillhet, nattbilder. Nocturne er skrevet i et sakte eller moderat tempo. Midtseksjonen står noen ganger i kontrast til sitt mer livlige tempo og opprørte karakter. Sjangeren nocturne som et pianostykke ble skapt av Field (hans første nocturnes ble utgitt i 1814). Denne sjangeren ble mye utviklet av F. Chopin. Nocturne er også skrevet for andre instrumenter, samt for et ensemble, et orkester. Nocturne finnes også i vokalmusikk.
"Nocturnes"
Debussy fullførte tre symfoniske verk, samlet kalt Nocturnes, helt på begynnelsen av 1900-tallet. Han lånte navnet fra artisten James McNeill Whistler, som han var fan av. Noen graveringer og malerier av kunstneren ble bare kalt "nocturnes".
I denne musikken fungerte komponisten som en ekte impresjonist, som var på utkikk etter spesielle lydmidler, utviklingsmetoder, orkestrering for å formidle de umiddelbare opplevelsene forårsaket av kontemplasjonen av naturen, de følelsesmessige tilstandene til mennesker.
Komponisten selv skrev i en forklaring til Nocturnes-suiten at dette navnet har en rent "dekorativ" betydning: "Vi snakker ikke om den vanlige formen for en natturn, men om alt som dette ordet inneholder, fra inntrykk til spesielt lys sensasjoner." Debussy innrømmet en gang at den naturlige drivkraften for opprettelsen av Nocturnes var hans egne inntrykk av samtidens Paris.
Suiten har tre deler - "Skyer", "Feiringer", "Sirener". Hver del av suiten har sitt eget program skrevet av komponisten.
"Skyer"
Triptyken «Nocturnes» åpner med orkesterstykket «Clouds». Ideen om å navngi komponistens verk på denne måten var ikke bare inspirert av de virkelige skyene han observerte mens han sto på en av de parisiske broene, men også av Turners album, bestående av syttini skystudier. I dem formidlet kunstneren de mest forskjellige nyanser av den overskyede himmelen. Skissene hørtes ut som musikk, glitrende med de mest uventede, subtile fargekombinasjoner. Alt dette ble levende i musikken til Claude Debussy.
"Skyer," forklarte komponisten, "er et bilde av en ubevegelig himmel med sakte og melankolske forbipasserende skyer, flytende bort i grå smerte, forsiktig farget med hvitt lys."
Når vi lytter til «Clouds» av Debussy, ser det ut til at vi befinner oss hevet over elven og ser på den monotont sløve overskyet himmel. Men i denne monotonien er det en masse farger, nyanser, overløp, umiddelbare endringer.
Debussy ønsket å reflektere i musikken "skyenes langsomme og høytidelige marsj over himmelen". Det svingete temaet på treblåserne maler et vakkert, men melankolsk bilde av himmelen. Bratsj, fløyte, harpe og kor anglais - en dypere og mørkere slektning av oboen i klangfarge - alle instrumenter tilfører sin egen klangfarge til helhetsbildet. Musikk i dynamikk overskrider bare litt pianoet og løses til slutt helt opp, som om skyer forsvinner på himmelen.
"Feiringer"
De rolige lydene fra den første delen erstattes av en fest av farger i neste stykke "Celebrations".
Stykket er bygget av komponisten som en scene der to musikalsk sjanger- dans og marsj. I forordet til den skriver komponisten: "Celebrations" er en bevegelse, en dansende rytme av atmosfæren med eksplosjoner av plutselig lys, det er også en episode av en prosesjon ... som går gjennom en høytid og smelter sammen med den, men bakgrunnen forblir hele tiden - dette er en ferie ... dette er en blandingsmusikk med lysende støv, som er en del av den generelle rytmen. Sammenhengen mellom maleri og musikk var åpenbar.
Den lyse pittoreske av det litterære programmet gjenspeiles i den pittoreske musikken til "Celebrations". Lytterne er fordypet i en verden full av lydkontraster, intrikate harmonier og orkesterets instrumentelle klangfarger. Mesterskapet til komponisten kommer til uttrykk i hans fantastiske gave til symfonisk utvikling.
Festligheter” er fylt med blendende orkesterfarger. Den lyse rytmiske introduksjonen av strengene maler et livlig bilde av ferien. I den midtre delen høres tilnærmingen til paraden, akkompagnert av messingblåsere og treblåsere, deretter vokser lyden av hele orkesteret gradvis og strømmer ut i en kulminasjon. Men nå forsvinner dette øyeblikket, spenningen går over, og vi hører bare en liten hvisking av de siste lydene i melodien.
I "Feiringer" skildret han bilder av folkefornøyelser i Bois de Boulogne.
"Sirener"
Tredje stykke av triptyken "Nocturnes" - "Sirener", for orkester med damekor.
"Dette er havet og dets utallige rytmer," avslørte komponisten selv programmet, "så, midt i bølgene, forsølvet av månen, oppstår den mystiske sangen av sirenene, smuldrer opp av latter og avtar."
Mange poetiske linjer er viet til disse mytiske skapningene - fugler med hodene til vakre jenter. Til og med Homer beskrev dem i sin udødelige Odyssey.
Med fortryllende stemmer lokket sirener reisende til øya, og skipene deres omkom på kystskjær, og nå kan vi høre sangen deres. Damekoret synger – synger med lukket munn. Det er ingen ord - bare lyder, som om de ble født av bølgenes spill, svevende i luften, forsvinne så snart de dukker opp, og gjenfødt på nytt. Ikke engang melodier, men bare et snev av dem, som streker på impresjonistiske kunstneres lerret. Og som et resultat smelter disse klangene sammen til en fargerik harmoni, der det ikke er noe overflødig, tilfeldig.
