Kunstneriske symboler for verdens folk - verdens menneskeskapte underverker! Kunstneriske symboler for verdens folk. Kunstneriske symboler for verdens folk - hva er de? Tenk deg at du har kommet til et ukjent land

Tema 2: MHC. Kunstneriske symboler (lysbilde 1)

Vi fant ut at kultur er født i sivilisasjonen og kan eksistere utenfor den.

Kultur er delt inn i nasjonal og verden. (lysbilde 2)

I dag skal vi se på hva begrepet verdenskunstnerisk kultur inkluderer. (lysbilde 3)

Verdenskunst- Dette er et sett med kulturer av verdens folk som har utviklet seg i forskjellige regioner gjennom den historiske utviklingen av menneskelig sivilisasjon.

Kunstnerisk kultur er oftest representert i kunstverk som kreativt gjengir virkeligheten i kunstneriske bilder. (lysbilde 4)

En kunstner er en spesiell person; han skaper verden i samsvar med sine personlige ideer om den. Følelser, tanker og opplevelser, brutt i hans sinn, gir opphav til unike kunstneriske bilder.

De er skapt som et resultat av refleksjon, evaluering, utvalg det nødvendige materialet fra de mange tingene som er sett og hørt. Kunstneren ser partisk på livet, han ser i det etter det som kan vekke gjensidige følelser og opplevelser i menneskesjelen. Fantasien hans kjenner ingen grenser, den er i stand til å skape mirakler ...

På 1400-tallet bodde kunstneren Hieronymus Bosch i Nederland. (lysbilde 5)

Barn leser

1. Uansett hva han fant på for maleriene sine! (klikk)De mest utrolige skapningene opptrer i dem: dyr med fuglehoder og menneskebein, noen til og med med sommerfuglvinger. Heltene i verkene hans er mennesker med menneskelig hode, sammensatt av stammen og grenene til et tre eller fra det tomme skallet av en mystisk frukt. (klikk)(klikk)Inne i et så fantastisk hode fester små mennesker seg over en flaske vin.

2. Alt her er blandet sammen, forvirret, forvrengt på den mest utrolige måte. Men samtidig virker det noe den forferdelige sannheten som hentet fra livet. (klikk)(klikk)Kanskje det var akkurat det som skjedde? Sett i livet, og deretter omtolket i henhold til lovene i kunstnerens fantasi? Tilsynelatende likte ikke Bosch sin tid og samfunnets onde moral. Men han visste hvordan han skulle skrive med kjærlighet, vakkert og i samsvar med virkeligheten. (klikk)(klikk)Han ga bare sin kjærlighet til naturen, til de endeløse vidder av sletter, glatte innsjøer og kuperte avstander. Der fant han hvile og glede for seg selv.

Vår hovedsamtale under studiet av emnet MHC handler om fremragende verk fra verdens kunstneriske kultur.

Hver nasjon har sine egne kunstneriske symboler.

Det er mer enn 250 land på planeten vår, hjem til flere tusen mennesker, som hver har sine egne tradisjoner og egenskaper. Du har sikkert hørt mer enn en gang slike kombinasjoner av ord som "tysk ryddighet", "fransk tapperhet", "kinesiske seremonier", "afrikansk temperament", "britenes kulde", "italienernes varme temperament", "gjestfrihet av georgierne» osv. Bak hver av dem ligger egenskaper og trekk som har utviklet seg blant et bestemt folk over mange år.

- Vel, og inn kunstnerisk kultur?

-Er det lignende stabile bilder og trekk hos henne?

Utvilsomt. Hver nasjon har sine egne symboler som gjenspeiler kunstneriske ideer om verden.

Tenk deg at du har kommet til et ukjent land.

Hva vil interessere deg først??

Selvfølgelig, hvilket språk snakkes her? Hvilke attraksjoner vises først? Hva tilber og tror de på? Hvilke historier, myter og legender fortelles? Hvordan danser og synger de? Og mange mange andre.

Hva vil de for eksempel vise deg hvis du besøker Egypt?

Selvfølgelig, de gamle pyramidene (lysbilde 6)) regnes som et av verdens underverker og har lenge blitt et kunstnerisk symbol på dette landet.

Barn leser

3. På det steinete platået i ørkenen, som kaster klare skygger på sanden, har det i mer enn førti århundrer vært tre enorme geometriske kropper - upåklagelig regelmessige tetraedriske pyramider, gravene til faraoene Cheops, Khafre og Mykerin. (klikk)

4. Deres opprinnelige kledning har for lengst gått tapt, gravkamrene med sarkofager er plyndret, men verken tid eller mennesker har vært i stand til å forstyrre deres ideelt stabile form. Trekantene til pyramidene mot bakgrunnen av den blå himmelen kan sees fra overalt, som en påminnelse om evigheten.

Hvis du har et møte med Paris, vil du definitivt ønske å klatre til toppen av det berømte Eiffeltårnet, (lysbilde 7) ble også et kunstnerisk symbol på denne fantastiske byen.

Barn leser

5. Bygget i 1889 som dekorasjon for verdensutstillingen, designet av Alexandre Gustave Eiffel (klikk)det vakte i utgangspunktet indignasjon og indignasjon blant pariserne. Samtidige som kjempet med hverandre ropte:

«Vi protesterer mot denne søylen dekket med boltet platejern, mot denne latterlige og svimlende fabrikkskorsteinen installert i industrihærverkets glans. Byggingen av dette ubrukelige og monstrøse Eiffeltårnet i sentrum av Paris er ikke noe mer enn en profanasjon...” (lysbilde 8)

5. Det er interessant at denne protesten ble signert av svært kjente figurer kulturer: komponist Charles Gounod, forfattere Alexandre Dumas, Guy de Maupassant... Poeten Paul Verlaine sa at dette «skjeletttårnet ikke vil stå lenge», men hans dystre prognose var ikke bestemt til å gå i oppfyllelse. Eiffeltårnet står fortsatt og er et vidunder av ingeniørkunst. (klikk)Forresten, på den tiden var det den høyeste bygningen i verden, høyden var 320 meter!

6. De tekniske dataene til tårnet er fortsatt fantastiske i dag: femten tusen metalldeler, (klikk)forbundet med mer enn to millioner nagler, danner en slags "jernkniplinger". Syv tusen tonn hviler på fire støtter og utøver ikke mer press på bakken enn en person som sitter på en stol. (klikk)Det var planlagt å bli revet mer enn én gang, men det reiser seg stolt over Paris, og gir en mulighet til å beundre severdighetene i byen fra et fugleperspektiv... (klikk)

Frihetsgudinnen for USA har lenge blitt de samme kunstneriske symbolene. (lysbilde 9+2 klikk) Himmelens tempel og Stor vegg for Kina, (lysbilde 10) Kreml for Russland. (lysbilde 11+5 klikk)

Men mange folkeslag har også sine egne spesielle, poetiske symboler.

Bisarre buede grener av et lavt voksende kirsebærtre - sakura (lysbilde 12)- et poetisk symbol på Japan.

Hvis du spør:

Hva er sjelen

Øyene i Japan?(klikk)

I duften av fjellkirsebær

Ved daggry.(klikk)

Norinaga (Sanovich)

Hva er det som tiltrekker japanerne så mye med kirsebærblomster? (lysbilde 13) Kanskje en overflod av hvite og blekrosa sakura-blader på nakne grener som ennå ikke har rukket å bli dekket av grønt? Nei, de er tiltrukket av skjønnheten i forgjengelighet, livets skjørhet og flyktighet. (klikk) En sakura-blomst er en levende skapning som er i stand til å oppleve de samme følelsene som en person.

Har blomstenes skjønnhet falmet så raskt?

Og ungdommens sjarm var så flyktig!

Livet har gått forgjeves...

Jeg ser på det lange regnet

Og jeg tenker: hvordan i all verden varer ikke alt for alltid!(klikk)

Komati (Gluskina)

Sakura-bladene falmer ikke. (lysbilde 14) De snurrer lystig og flyr til bakken ved det minste vindpust og dekker bakken med blomster som ennå ikke har rukket å visne. Selve øyeblikket, blomstringens skjørhet, er viktig. Dette er nettopp kilden til skjønnhet. (klikk)

Vårtåke, hvorfor gjemte du deg

Kirsebærblomster som nå flyr rundt

I fjellskråningene?

Ikke bare glansen er kjær for oss, -

Og visnende øyeblikk er verdig beundring!(klikk)

Tsurayuki (Markova)

-Et kunstnerisk poetisk symbol på Russland?

ble en hvitstammet bjørk (lysbilde 15) Men vokser den ikke ved foten av Kaukasus og Alpene, i tåkete England og i det fjerne Canada? Det vokser, selvfølgelig. Men bare i Rus' ble bjørka elsket og sunget på en spesiell måte, ærbødig og med inspirasjon. (klikk)

Artist I. Grabar () (lysbilde 16) sa:

«Hva kan være vakrere enn en bjørk,(klikk)det eneste treet i naturen hvis stamme er blendende hvit, mens alle andre trær i verden har mørke stammer.(klikk)Fantastisk, overnaturlig tre, eventyrtre. Jeg ble lidenskapelig forelsket i russisk bjørk og i lang tid malte jeg nesten bare den.»(klikk)

Og han er ikke den eneste. Det berømte maleriet av Kuindzhi (lysbilde 17)"Birch Grove" (klikk) Mange kunstnere, poeter og komponister komponerte verk til ære for bjørka. Hun ble den sanne legemliggjørelsen og symbolet på Russland. (lysbilde 18)

Rus min, jeg elsker bjørkene dine,

Fra de første årene jeg bodde og vokste opp med dem,

Det er derfor tårene kommer

På øyne avvent fra tårer!

N. Rubtsov

Og den berømte poesien til Sergei Yesenin, (lysbilde 19) du er også utvilsomt kjent (klikk)

Barn leser.

7. Mer enn én ferieskjønnhet har fått den hvitstammede og blonde håret til å forelske seg (lysbilde 20) bjørk for russisk folk. Siden antikken har hun vært et vennetre. (klikk)Kurver, esker og bastsko ble laget av bønder av bjørkebark. (klikk)Bjørkebark (bjørkebark) var hovedmaterialet i Russland som de lærte å skrive bokstaver på, skrive bokstaver ... (lysbilde 21)

8. Etter en lang vinter var bjørka den første som våknet, (lysbilde 22) og derfor ble det oppfattet som et symbol på skjønnhet og blomstrende natur. I Russland trodde de at bjørk (klikk)kan redde deg fra trolldomsbesværgelser på Trinity (lysbilde 23) laget bjørkesmykker som beskyttet fra ondt øye. To dager før treenigheten, på Semik - en jentes ferie - ble hus dekorert med bjørkegrener, og kranser ble krøllet på grenene i skogen, (klikk)de flettet flettene hennes med bånd, bandt toppen av to bjørketrær på en slik måte at det ble dannet en port - en symbolsk, magisk sirkel. (klikk)I skyggen av bjørketrær danset de i sirkler, sang sanger, spilte spill, kastet bjørkekranser i vannet og brukte dem til å fortelle lykke. Der kransen flyter, skal jenta gifte seg. I folkeordspråk, sanger, danser og verk av dekorativ og brukskunst ble dette poetiske bildet spesielt ofte tatt opp.

Produkter laget av bjørkebark og bjørkeved. (lysbilde 24+19 klikk)

(lysbilde 25) Hjemmelekser:

Fortell oss om de kunstneriske symbolene til verdens folk som ikke ble nevnt i leksjonen vår.

En vesentlig variasjon, eller semantisk modifikasjon, av et kunstnerisk bilde, men også dets åndelige kjerne, er kunstnerisk symbol, handler i estetikken til en av de betydelige kategoriene. Inne i bildet representerer det den essensielle komponenten, vanskelig å isolere på analytisk nivå, som målrettet reiser seg mottakerens ånd åndelig virkelighet, ikke inneholdt i selve kunstverket. For eksempel, i den allerede nevnte "Solsikker" av Van Gogh, er selve det kunstneriske bildet først og fremst dannet rundt det visuelle bildet av en bukett med solsikker i en keramikkmugge, og for de fleste seere kan det være begrenset til dette. På et dypere nivå av kunstnerisk oppfatning hos mottakere med økt kunstnerisk og estetisk følsomhet, begynner dette primærbildet å utfolde seg til et kunstnerisk symbol som fullstendig trosser verbal beskrivelse, men det er det som åpner portene for betrakterens ånd til noen andre virkeligheter, fullt implementering hendelse av estetisk oppfatning av dette bildet. Et symbol som den dype fullføringen av et bilde, dets essensielle kunstneriske og estetiske (ikke-verbaliserbare!) innhold vitner om verkets høye kunstneriske og estetiske betydning, det høye talentet eller til og med genialiteten til mesteren som skapte det. Utallige kunstverk på et gjennomsnittlig (om enn godt) nivå har som regel bare et kunstnerisk bilde, men ikke et symbol. De tar ikke mottakeren til de høyeste nivåene av åndelig virkelighet, men er begrenset til de emosjonelle, psykologiske og til og med fysiologiske nivåene i mottakerens psyke. Praktisk talt de fleste verkene til realistiske og naturalistiske bevegelser, komedier, operetter og all massekunst er på dette nivået - de har kunstneriske bilder, men er blottet for kunstnerisk symbolikk. Det er typisk kun for høy kunst av noe slag og hellig-kult verk av høy kunstnerisk kvalitet.

Sammen med dette er det i verdenskunsten hele klasser av kunstverk (og noen ganger hele enorme epoker - for eksempel kunsten i det gamle Egypt), der det kunstneriske bildet praktisk talt er redusert til symbolsk. Absolutte eksempler på slik kunst er gotisk arkitektur, bysantinsk-russisk ikon perioden for dens storhetstid (XIV-XV århundrer for Rus') eller musikken til Bach. Man kan sitere mange andre spesifikke kunstverk fra nesten alle dens typer og perioder av historien der symbolsk kunstnerisk bilde, eller kunstnerisk symbol. Her representerer den en konkret formet, sanselig oppfattet virkelighet, mer rettet enn et bilde, og refererer mottakeren til åndelig virkelighet i prosessen med ikke-utilitær, åndelig aktiv kontemplasjon av verket. I prosessen med estetisk kommunikasjon med et symbol oppstår en unik supertett figurativ-semantisk substans av estetisk vesen-bevissthet, som har til hensikt å utfolde seg inn i en annen virkelighet, inn i et integrert åndelig kosmos, til et fundamentalt ikke-verbaliserbart multi- nivå semantisk rom, sitt eget betydningsfelt for hver mottaker, fordypning i som gir ham estetisk nytelse, åndelig glede, en følelse av nytelse fra følelsen av en dyp, ikke-sammenslått fusjon med dette feltet, oppløsning i det samtidig som personlig selvbevissthet opprettholdes og intellektuell avstand.

I det kunstnerisk-semiotiske feltet er et symbol et sted mellom et kunstnerisk bilde og et tegn. Deres forskjell er observert i graden av isomorfisme og semantisk frihet, i orientering mot ulike nivåer oppfatning av mottakeren, i nivået av åndelig og estetisk energi. Graden av isomorfisme angår hovedsakelig ytre form tilsvarende semantiske strukturer og reduksjoner fra mimetikken (i begrepets snever betydning mimesis) kunstnerisk bilde (her når hun høyeste grense i det som er betegnet som likheten) gjennom et kunstnerisk symbol til et konvensjonelt tegn, som som regel generelt er blottet for isomorfisme i forhold til det betegnede. Graden av semantisk frihet er den høyeste for et symbol og bestemmes i stor grad av en viss "identitet" (Schelling), "balanse" (Losev) av "ideen" og det ytre "bildet" av symbolet. I et tegn og et kunstnerisk bilde er det lavere, fordi i et tegn (= i et filosofisk symbol, og på kunstnivå - i en funksjon som er identisk med et tegn allegorier) det er i hovedsak begrenset av en abstrakt, abstrakt idé som råder over bildet, og i det kunstneriske bildet er det omvendt. Med andre ord, i et tegn (lik en allegori) er det en rasjonell idé, og i bildene av (klassisk) kunst begrenser en ganske høy grad av isomorfisme med prototypen den semantiske friheten til disse semiotiske formasjonene sammenlignet med en kunstnerisk symbol.

Følgelig er de orientert mot forskjellige nivåer av persepsjon: et tegn (allegori) - til det rent rasjonelle, og et kunstnerisk bilde og symbol - til det åndelig-estetiske. I dette tilfellet er symbolet (overalt, som i tilfellet med bildet, vi snakker om kunstnerisk symbol) har et skarpere fokus på de høyere nivåene av åndelig virkelighet enn et bilde, hvis kunstneriske og semantiske felt er mye bredere og mer mangfoldig. Til slutt er nivået av åndelig-estetisk (meditativ) energi til et symbol høyere enn et bilde; det er som om han samler seg mytens energi, en av emanasjonene som som regel vises. Symbolet er mer designet for mottakere med økt åndelig og estetisk følsomhet, noe som ble godt følt og uttrykt i deres tekster av symbolteoretikere og russiske religiøse tenkere fra det tidlige tjuende århundre, som vi allerede har sett gjentatte ganger og som vi vil dvele ved. her.

Symbolet inneholder i seg selv i en kollapset form og åpenbarer for bevisstheten noe som i seg selv er utilgjengelig for andre former og metoder for kommunikasjon med verden, å være i den. Derfor kan den ikke på noen måte reduseres til begrepene fornuft eller til noen andre (forskjellig fra den selv) formaliseringsmetoder. Betydningen i et symbol er uatskillelig fra dets form, det eksisterer bare i det, skinner gjennom det, utfolder seg fra det, fordi det bare i det, i dets struktur, inneholder noe organisk iboende (tilhører essensen) av det som symboliseres . Eller, som A.F. formulerte Losev, «betegneren og det betegnede er gjensidig reversible her. Ideen er gitt konkret, sanselig, det er ingenting visuelt i den som ikke ville vært i bildet, og omvendt» 276.

Hvis et kunstnerisk symbol skiller seg fra et filosofisk symbol (= tegn) på det semantiske nivået, så er det til en viss grad forskjellig fra kulturelle, mytologiske og religiøse symboler i essens, eller vesentlig. Et kunstnerisk eller estetisk symbol er en dynamisk, kreativ formidler mellom det guddommelige og det menneskelige, sannhet og utseende (utseende), idé og fenomen på nivået av åndelig og estetisk erfaring, estetisk bevissthet (dvs. på det semantiske nivået). I lys av et kunstnerisk symbol blir integrerte åndelige verdener åpenbart for bevisstheten, ikke utforsket, ikke avslørt, ikke talt ut og ikke beskrevet på noen annen måte.

På sin side har religiøst-mytologiske symboler (eller allmennkulturelle, arketypiske) i tillegg til dette, betydelig i det minste energi fellesskap med det symboliserte. Kristen tankegang har nærmet seg essensen av denne forståelsen av symbolet siden patristikkens tid, men den ble tydeligst uttrykt og formulert av Fr. Pavel Florensky, stole på erfaringen fra patristikk, på den ene siden, og på teoriene til hans symbolistiske samtidige, spesielt hans lærer Vyach. Ivanov, på den andre.

Han var overbevist om "at i et navn er det det som heter, i et symbol er det det som er symbolisert, i et bilde er det virkeligheten til det som er avbildet." tilstede, og det er derfor symbolet Det er symbolisert" 277. I sitt arbeid "Imeslavie as a philosophical premiss" ga Florensky en av de mest kortfattede definisjonene av et symbol, som viser dets doble natur: "Å være som er større enn seg selv - dette er hoveddefinisjonen av et symbol. A symbol er noe som representerer noe det han selv ikke er, større enn ham, og likevel i hovedsak erklært gjennom ham La oss utvide denne formelle definisjonen: et symbol er en slik essens, hvis energi, smeltet sammen eller mer presist, oppløst med energien til en annen, mer verdifull i denne henseende, essens, bærer dermed denne siste i deg selv» 278.

Et symbol, ifølge Florensky, er grunnleggende antinomisk, de. samler ting som utelukker hverandre fra endimensjonal diskursiv tenkning. Derfor er dens natur vanskelig å forstå av en person med moderne europeisk kultur. Men for tenkningen til eldgamle mennesker ga symbolet ingen problemer, og var ofte hovedelementet i denne tenkningen. De personifiseringene av naturen i folkediktingen og i antikkens poesi, som nå oppfattes som metaforer, er på ingen måte slike, mente Florensky, disse er nettopp symboler i forstanden ovenfor, og ikke "utsmykninger og smakstilsetninger", ikke retoriske figurer. "...For den gamle dikteren var ikke elementenes liv et stilistisk fenomen, men et forretningsmessig uttrykk for essensen." For en moderne poet, bare i øyeblikk av spesiell inspirasjon "bryter disse dype lagene av åndelig liv gjennom skorpen av det fremmede verdensbildet til vår modernitet, og i et forståelig språk forteller dikteren oss om et liv som er uforståelig for oss med alle skapninger av vår egen sjel» 279 .

Symbolet, i forståelsen av Fr. Paulus har "to terskler for mottakelighet" - øvre og nedre, innenfor hvilke han fortsatt er et symbol. Den øvre beskytter symbolet fra å "overdrive materiens naturlige mystikk", fra "naturalisme", når symbolet er fullstendig identifisert med arketypen. Antikken falt ofte i denne ekstremen. New Age kjennetegnes ved å gå utover den nedre grensen, når den objektive forbindelsen mellom symbolet og arketypen brytes, deres felles substans-energi ignoreres og symbolet oppfattes kun som et tegn på arketypen, og ikke et material- energibærer.

Et symbol, er Florensky overbevist om, er «opptredenen utenfor den innerste essensen», oppdagelsen av selve vesenet, dets legemliggjøring i eksternt miljø. Det er i denne forstand at for eksempel i hellig og sekulær symbolikk, fungerer klær som et symbol på kroppen. Vel, den ultimate manifestasjonen av et slikt symbol i kunsten er, ifølge Florensky og de gamle kirkefedrene, ikon som et ideelt hellig-kunstnerisk fenomen utstyrt med energien til en arketype.

Resultatet i feltet filosofiske søken etter å forstå det kunstneriske symbolet ble oppsummert i en rekke verk A.F. Losev, akkurat som Florensky, som betraktet seg selv symbolist. I "Dialectics of Artistic Form" viser han, som vi har sett, ontologien til utfoldelsen av en ekspressiv serie fra den første til eidos – myte – symbol – personlighet etc. Symbolet, således, i den tidlige Losev vises som en utstråling, eller uttrykk, myte. "Til slutt, under symbol Jeg forstår den siden myte, som er spesifikt uttrykke. Et symbol er den semantiske uttrykksevnen til en myte, eller mytens ansikt utad"280. Ved hjelp av et symbol når det essensielle uttrykket for første gang nivået av ytre manifestasjon. Myten som grunnlag og dypt bevissthetsliv manifesterer seg utad i symbolet og utgjør det faktisk (symbolet) livsgrunnlag, dens betydning, dens essens. Losev føler dypt denne dialektikken av myter og symboler og streber etter å fange den så nøyaktig som mulig på det verbale nivået. «Symbolet er mytens eidos, myten som eidos, livets ansikt. Myten er det indre livet til et symbol - elementet i livet som føder dets ansikt og ytre utseende" 281. Så i myten fant den essensielle betydningen, eller eidos, dyp legemliggjøring i "livets element", og i symbolet fikk det en ytre uttrykk, de. avslørte seg faktisk i kunstnerisk virkelighet.

Losev tok for seg symbolproblemet gjennom hele livet. I et av hans senere arbeider, "The Problem of Symbol and Realistic Art" (1976), gir han følgende detaljerte oppsummering av sin forskning:

"1) Symbolet på en ting er egentlig dens betydning. Dette er imidlertid meningen som konstruerer den og genererer den i en modell. Samtidig er det umulig å dvele ved det faktum at symbolet på en ting er dets refleksjon, eller på det faktum at symbolet til en ting genererer tingen selv. Og i begge tilfeller går symbolets spesifisitet tapt, og dets forhold til tingen tolkes i stil med metafysisk dualisme eller logikk, lenge gått inn i historien. Symbolet på en ting er dens refleksjon, men ikke passiv, ikke død, men en som bærer styrke og kraft selve virkeligheten, siden når refleksjonen er mottatt, blir den behandlet i bevissthet, analysert i tanken, renset for alt tilfeldig og uviktig og når refleksjonen av ikke bare den sensoriske overflaten av ting, men deres indre mønstre. I denne forstand må vi forstå at symbolet på en ting føder en ting "Genererer" betyr i dette tilfellet "forstår samme objektive ting, men i dens indre lovlighet, og ikke i kaoset av tilfeldige ansamlinger." Denne generasjonen er bare penetrasjon inn i det dype og naturlige grunnlaget for tingene selv, presentert i sanserefleksjon, bare veldig vagt, vagt og kaotisk.

2) Symbolet på en ting er dens generalisering. Imidlertid er denne generaliseringen ikke død, ikke tom, ikke abstrakt og ikke steril, men en som lar, eller rettere sagt, til og med kommandoer gå tilbake til tingene som generaliseres, og introduserer et semantisk mønster i dem. Med andre ord, fellesskapet som er i symbolet inneholder allerede implisitt alt som er symbolisert, selv om det er uendelig.

3) Symbolet på en ting er dens lov, men en slik lov som gir opphav til ting på en semantisk måte, og lar hele deres empiriske konkretitet være intakt.

4) Symbolet for en ting er den naturlige ordenen til en ting, men gitt i form av et generelt prinsipp for semantisk konstruksjon, i form av en modell som genererer den.

5) Symbolet for en ting er dens indre-eksterne uttrykk, men utformet i henhold til det generelle prinsippet for dens utforming.

6) Symbolet på en ting er dens struktur, men ikke ensom eller isolert, men ladet med en begrenset eller uendelig serie av tilsvarende individuelle manifestasjoner av denne strukturen.

7) Symbolet på en ting er dens tegn, men ikke dødt og ubevegelig, men som gir opphav til tallrike, og kanskje utallige, regelmessige og individuelle strukturer, utpekt av den i generelt syn som et abstrakt gitt ideologisk bilde.

8) Symbolet for en ting er dens tegn, som ikke har noe å gjøre med det direkte innholdet i de enhetene som er utpekt her, men disse forskjellige og motstridende utpekte enhetene er definert her av det generelle konstruktive prinsippet som gjør dem til en enkelt helhet , regissert på en bestemt måte.

9) Symbolet for en ting er identitet, gjensidig gjennomtrenging av den betegnede ting og det ideologiske bildet som betegner det, men denne symbolske identiteten er en enkelt integritet, definert av ett eller annet enkelt prinsipp som genererer den og gjør den til en endelig eller uendelige rekker av forskjellige naturlig oppnådde enheter, som smelter sammen til den generelle identiteten til prinsippet eller modellen som ga opphav til dem som noe felles for dem grense ". 282

I den estetiske tankehistorien ble det klassiske symbolbegrepet mest utviklet av symbolistene på slutten av 1800- og begynnelsen av 1900-tallet, som vi allerede har diskutert ovenfor. På 1900-tallet symbolbegrepet inntar en fremtredende plass i hermeneutisk estetikk. Spesielt, G.G. Gadamer mente at symbolet til en viss grad var identisk spill; den refererer ikke oppfatteren til noe annet, slik mange symbolister trodde, men den legemliggjør selv sin mening, den avslører selv sin mening, som kunstverket basert på den, dvs. representerer en «økning i væren». Dermed markerer Gadamer ødeleggelsen av den tradisjonelle klassiske forståelsen av symbolet og skisserer nye ikke-klassiske tilnærminger til det, på de semantiske variasjonene som postmodernismens estetikk og mange kunstpraksiser i andre halvdel av det tjuende århundre vil være basert på.

I ikke-klassisk estetikk, tradisjonelle kategorier av kunstnerisk bilde Og symbol blir ofte helt erstattet og erstattet av konseptet simulacrum- "likhet", som ikke har noen prototype, arketype. Noen tenkere av postmoderne orientering beholder begrepene symbol og symbolikk, men fyller dem med ukonvensjonelt innhold i ånden til strukturell-psykoanalytisk teori. Spesielt, J. Lacan forstår det symbolske som en primær universal i forhold til væren og bevissthet, og genererer hele det semantiske universet av symbolsk tale, som den eneste virkelige og tilgjengelige for menneskelig oppfatning, og genererer personen selv ved å navngi ham.

Canon

For en rekke tidsepoker og bevegelser i kunsten, hvor det kunstneriske symbolet snarere enn bildet var dominerende, spilte kanonisk kunstnerisk tenkning, normatisering av kreativitet og kanonisering av systemet med visuelle og uttrykksfulle virkemidler og prinsipper en fremtredende rolle i det kreative. prosess. Derfor, først av alt, på nivået av implisitt estetikk kanon ble en av de essensielle kategoriene innen klassisk estetikk, og definerte en hel klasse fenomener i kunsthistorien. Vanligvis betyr det et system av interne kreative regler og normer som dominerer kunst i en viss historisk periode eller i en bestemt kunstnerisk retning og som etablerer de grunnleggende strukturelle og konstruktive mønstrene til bestemte typer kunst.

Kanonisitet er først og fremst iboende i antikk og middelalderkunst. I plastisk kunst fra det gamle Egypt ble det etablert en kanon av proporsjoner av menneskekroppen, som ble omtolket av de antikke greske klassikerne og teoretisk konsolidert av billedhuggeren Polycletus (5. århundre f.Kr.) i avhandlingen "Canon" og praktisk talt nedfelt i statuen "Doriphoros", også kalt "Canon" " Systemet med ideelle proporsjoner av menneskekroppen utviklet av Polycletus ble normen for antikken og, med noen endringer, for kunstnerne fra renessansen og klassisismen. Vitruvius brukte begrepet "kanon" på et sett med regler for arkitektonisk kreativitet. Cicero brukte det greske ordet "kanon" for å betegne et mål på talestilen. I patristikk kanon var navnet gitt til den hellige skrifts tekster, legitimert av kirkemøter.

I den østlige og europeiske middelalderens skjønne kunster, spesielt i kulten, ble det etablert en ikonografisk kanon. De viktigste komposisjonsskjemaene og de tilsvarende elementene i bildet av visse karakterer, deres klær, positurer, gester, detaljer om landskap eller arkitektur er utviklet i prosessen med århundrer gammel kunstnerisk praksis siden 900-tallet. ble etablert som kanoniske og fungerte som modeller for kunstnere i landene i det østlige kristne området frem til 1600-tallet. Sangen og den poetiske kreativiteten til Byzantium adlød også dens kanoner. Spesielt ble en av de mest komplekse formene for bysantinsk hymnografi (8. århundre) kalt "kanon". Den besto av ni sanger, som hver hadde en bestemt struktur. Det første verset i hver sang (irmos) ble nesten alltid komponert på grunnlag av temaer og bilder hentet fra Det gamle testamente, i de resterende versene ble temaene til Irmos utviklet poetisk og musikalsk. I vesteuropeisk musikk fra XII-XIII århundrer. under navnet "kanon" utvikles en spesiell form for polyfoni. Elementene ble bevart i musikk til det tjuende århundre. (i P. Hindemith, B. Bartok, D. Shostakovich og andre). Den kanoniske normatiseringen av kunst i klassisismens estetikk er velkjent, og utvikler seg ofte til å formalisere akademiskismen.

Problemet med kanon ble løftet til et teoretisk nivå i estetisk og kunsthistorisk forskning først på 1900-tallet; mest produktivt i verkene til P. Florensky, S. Bulgakov, A. Losev, Yu. Lotman og andre russiske forskere. Florensky og Bulgakov vurderte problemet med kanonen i forhold til ikonmaleriet og viste at den ikonografiske kanonen nedfelte menneskehetens århundrer gamle åndelig-visuelle erfaring (de kristnes kollektive erfaring) med å trenge inn i den guddommelige verden, som maksimalt frigjorde "denne kunstnerens kreative energi for nye prestasjoner, for kreative oppsving” 283 . Bulgakov så kanonen som en av de essensielle formene for «kirketradisjon».

Losev definerte kanonen som "en kvantitativ og strukturell modell av et kunstverk av en slik stil, som, som en viss sosiohistorisk indikator, tolkes som et prinsipp for å konstruere et kjent sett med verk" 284. Lotman var interessert i det informasjonssemiotiske aspektet ved kanonen. Han mente at den kanoniserte teksten ikke er organisert etter modellen for naturlig språk, men "i henhold til prinsippet om musikalsk struktur", og fungerer derfor ikke så mye som en kilde til informasjon, men snarere som en kilde til informasjon. Den kanoniske teksten omorganiserer informasjonen som er tilgjengelig for subjektet på en ny måte, "omkoder hans personlighet" 285.

Kanonens rolle i prosessen med kunstens historiske eksistens er dobbel. Som bærer av tradisjonene til en viss kunstnerisk tenkning og tilsvarende kunstnerisk praksis, uttrykte kanonen på det strukturelle og konstruktive nivået det estetiske idealet for en bestemt epoke, kultur, mennesker, kunstnerisk bevegelse, etc. Dette er hans produktive rolle i kulturhistorien. Da det estetiske idealet og hele systemet for kunstnerisk tenkning endret seg, med endringen av kulturelle og historiske epoker, ble kanonen fra den svunne tiden en bremse for utviklingen av kunsten, og hindret den i å uttrykke den åndelige og praktiske situasjonen til sin kunst. tid. I prosessen med kulturell og historisk utvikling blir denne kanonen overvunnet av ny kreativ erfaring. I et spesifikt kunstverk er det kanoniske skjemaet ikke bæreren av den faktiske kunstneriske betydningen som oppstår på grunnlag av det (i den "kanoniske" kunsten - takket være den) i enhver handling av kunstnerisk kreativitet eller estetisk oppfatning, i prosessen med dannelse av et kunstnerisk bilde.

Den kunstneriske og estetiske betydningen av kanonen ligger i det faktum at det kanoniske opplegget, på en eller annen måte materielt eller kun eksisterer i kunstnerens sinn (og i oppfatningen til bærerne av en gitt kultur), er det konstruktive grunnlaget for et kunstnerisk symbol, som om det provoserer en talentfull mester til konkret å overvinne det i seg selv ved systemet med lite merkbare, men kunstnerisk betydningsfulle avvik fra det i nyansene til alle elementer av figurativt og ekspressivt språk. I oppfatterens psyke vekket det kanoniske opplegget et stabilt informasjonskompleks som er tradisjonelt for hans tid og kultur, og spesifikke kunstnerisk organiserte variasjoner av formelementene fikk ham til å se i dybden på et tilsynelatende kjent, men alltid noe nytt bilde, å strebe etter å trenge inn i dets essensielle, arketypiske grunnlag, til oppdagelsen av noen fortsatt ukjente åndelige dybder.

Kunsten i moderne tid, fra renessansen, har aktivt beveget seg bort fra kanonisk tenkning mot en personlig og individuell type kreativitet. Den "konsiliære" opplevelsen erstattes av kunstnerens individuelle opplevelse, hans opprinnelige personlige syn på verden og evnen til å uttrykke den i kunstneriske former. Og bare i fort-kultur, starter med popkunst, konseptualisme, poststrukturalisme og postmodernisme, prinsipper nær kanoniske er etablert i systemet for kunstnerisk og humanitær tenkning, noen simulacra kanon på nivå med konvensjonelle prinsipper for kreativitet, når i kunstproduksjonens sfærer og dens verbale beskrivelse (den nyeste kunsthermeneutikken) tar unike kanoniske teknikker og typer av å skape kunstprodukter og deres verbale støtte form. I dag kan vi snakke om "kanoner", mer presist kvasi-kanoner av popkunst, konseptualisme, "ny musikk", "avansert" kunstkritikk, filosofisk og estetisk diskurs, etc., hvis betydning bare er tilgjengelig for de "initierte ” i «regelspillene» innenfor disse kanonisk-konvensjonelle rommene og er stengt fra alle andre medlemmer av fellesskapet, uansett hvilket nivå av åndelig-intellektuell eller estetisk utvikling de måtte være på.

Stil

En annen betydelig kategori i kunstfilosofien og kunsthistorien er stil. Faktisk er det mer gratis i former for manifestasjon og særegne modifikasjoner kanon, mer presist - ganske stabil for en viss periode av kunsthistorien, en bestemt retning, bevegelse, skole eller én kunstner, vanskelig å beskrive flernivåsystem av prinsipper for kunstnerisk tenkning, metoder for figurativt uttrykk, visuelle og ekspressive teknikker, konstruktive og formelle strukturer og så videre. I XIX-XX århundrer. denne kategorien ble energisk utviklet av mange historikere og kunstteoretikere, estetikere og filosofer. Skolen for kunsthistorikere G. Wölfflin, A. Riegl og andre forsto stil som et ganske stabilt system av formelle trekk og elementer i organiseringen av et kunstverk (flathet, volum, pittoresk, grafisk, enkelhet, kompleksitet, åpen eller lukket form , etc.) og på denne bakgrunn mente det er mulig å betrakte hele kunsthistorien som en overindividuell stilhistorie ("historie om kunst uten navn" - Wölfflin). A.F. Losev definerte stil som "prinsippet om å konstruere hele potensialet til et kunstverk på grunnlag av dets ulike overstrukturelle og ekstrakunstneriske forutsetninger og dets primære modeller, som imidlertid føles immanente i selve de kunstneriske strukturene til kunstverket. arbeid» 286.

U. Spengler i «The Decline of Europe» ga han spesiell oppmerksomhet til stil som et av de viktigste og vesentlige kjennetegnene ved kulturen, dens visse epokefaser. For ham er stil en "metafysisk formsans", som bestemmes av "åndelig atmosfære" i en bestemt epoke. Det er ikke avhengig av personligheter, eller materialer eller typer kunst, eller til og med kunstbevegelser. Som et slags metafysisk element i et gitt kulturstadium, skaper den "store stilen" i seg selv personligheter, trender og epoker i kunsten. Samtidig forstår Spengler stil i en mye bredere forstand enn den kunstneriske og estetiske betydningen. "Stiler følger hverandre, som bølger og pulsslag. De har ingenting til felles med personligheten til individuelle artister, deres vilje og bevissthet. Tvert imot er det stilen som skaper mest type kunstner. Stil, i likhet med kultur, er et hovedfenomen i den strengeste gotiske forstand, likevel, stilen til kunst, religioner, tanker eller selve livsstilen. Som «natur» er stil en stadig ny opplevelse av en våken person, hans alter ego og speilbilde i omverdenen. Det er derfor i det generelle historiske bildet av enhver kultur kan det bare være en stil - stilen til denne kulturen" 287 . Samtidig er ikke Spengler enig i den ganske tradisjonelle klassifiseringen av «store stiler» i kunsthistorien. Han mener for eksempel at gotisk og barokk ikke er forskjellige stiler: «de er ungdom og alderdom av samme sett av former: Vestens modne og modne stil» 288. Moderne russisk kunstkritiker V.G. Vlasov definerer stil som "den kunstneriske betydningen av form", som følelse"en kunstner og betrakter av den omfattende integriteten til prosessen med kunstnerisk dannelse i historisk tid og rom. Stil er en kunstnerisk opplevelse av tid.» Han forstår stil som en "kategori av kunstnerisk oppfatning" 289. Og denne serien med ganske forskjellige definisjoner og forståelser av stil kan fortsettes 290.

Hver av dem har noe til felles og noe som motsier andre definisjoner, men generelt oppleves det at alle forskere er ganske tilstrekkelige føle(internt forstå) den dype essensen av dette fenomenet, men kan ikke uttrykke det nøyaktig med ord. Dette viser nok en gang at stil, i likhet med mange andre fenomener og fenomener i den kunstneriske og estetiske virkeligheten, er en relativt subtil sak slik at den kan defineres mer eller mindre adekvat og entydig. Her er bare noen sirkulære beskrivende tilnærminger mulige, som til slutt vil skape i leserens oppfatning en ganske tilstrekkelig ide om hva det faktisk handler om. vi snakker om.

På nivået kulturelle epoker og kunsttrender, forskere snakker om kunststilene i det gamle Egypt, Byzantium, romansk, gotisk, klassisisme, barokk, rokokko og moderne. I perioder med uskarphet av de globale stilene i en epoke eller en stor bevegelse, snakker de om stilene til individuelle skoler (for eksempel for renessansen: stilene til Siena, venetianske, florentinske og andre skoler) eller stilene til spesifikke kunstnere (Rembrandt, Van Gogh, Gauguin, Bergman, etc.).

I kunsthistorien oppsto store stilarter som regel i syntetiske epoker, da hovedkunsten til en viss grad ble dannet etter prinsippet om en slags forening rundt og på grunnlag av den ledende kunsten, som vanligvis var arkitektur. Maleri, skulptur, brukskunst, og noen ganger musikk var orientert mot det, dvs. om systemet med prinsipper for å jobbe med form og kunstnerisk bilde (spesielt prinsipper for organisering av rom), som dukker opp i arkitekturen. Det er tydelig at stil i arkitektur og andre former for kunst (akkurat som en livsstil eller en tankestil – de snakker også om slike stiler) ble formet historisk og intuitivt, ubevisst. Ingen har noen gang satt seg en spesifikk oppgave: å skape en slik og en stil, preget av slike og slike egenskaper og egenskaper. Faktisk er den "store" stilen en komplekst mediert optimal kunstnerisk representasjon og uttrykk på makronivå (nivået til en hel epoke eller en stor kunstnerisk bevegelse) visse essensielle åndelige, estetiske, ideologiske, religiøse, sosiale, fag-praktiske kjennetegn ved et visst historisk fellesskap av mennesker, et spesifikt etnohistorisk kulturstadium; en slags makrostruktur av kunstnerisk tenkning, tilstrekkelig til et visst sosiokulturelt, etnohistorisk fellesskap av mennesker. Spesifikke kunstmaterialer, teknikker og teknologi for å bearbeide dem i den kreative prosessen kan også ha en viss innflytelse på stilen.

Stil er til en viss grad et materielt fast, relativt bestemt system av visuelle og ekspressive prinsipper for kunstnerisk tenkning, godt og ganske nøyaktig oppfattet av alle mottakere som har et visst nivå av kunstnerisk teft, estetisk sensitivitet, «stilsans»; dette er en viss mer eller mindre tydelig følt tendens til holistisk kunstnerisk dannelse, som uttrykker dype åndelig-plastiske intuisjoner (kollektiv kunstnerisk ubevisst, plastiske arketyper, prototyper, katedralopplevelser osv.) fra en spesifikk epoke, historisk periode, retning, kreativ personlighet som har steget til å føle tidsånden; dette er billedlig talt estetisk stil epoker; optimal for en gitt epoke (retning, skole, personlighet) estetisk skjermmodell(system av karakteristikk prinsipper for organisering kunstneriske virkemidler og uttrykksmetoder), internt åndeliggjort ikke-verbaliserte prinsipper, idealer, ideer og kreative impulser fra de høyeste nivåene av virkeligheten som er avgjørende for en gitt tidsalder. Hvis denne spiritualiteten er fraværende, forsvinner stilen. Bare dets ytre spor gjenstår: måte, system av teknikker.

Til tross for all merkbarheten til en høyt utviklet estetisk følelse av tilstedeværelsen i visse kunstverk, selv for "store" stilistiske fenomener, er ikke noe absolutt bestemt og "rent". Gitt tilstedeværelsen og overvekt av et komplett sett av visse dominerende stilistiske egenskaper i nesten alle verk av en gitt stil, er det alltid elementer og funksjoner som er tilfeldige for det, fremmede for det, som ikke bare ikke forringer "stilen" av et gitt verk, men tvert imot forsterker dets kunstneriske kvalitetsaktivitet, dets spesifikke vitalitet som et estetisk fenomen i en bestemt stil. For eksempel understreker tilstedeværelsen av mange romanske elementer i monumenter av gotisk arkitektur bare uttrykket for den gotiske originaliteten til disse monumentene.

For å avslutte samtalen om stil, vil jeg prøve å gi Kort beskrivelse en av de "store" stilene, som samtidig viser at en slik verbal beskrivelse er utilstrekkelig. La oss ta for eksempel gotisk– en av de største internasjonale stilene innen utviklet europeisk kunst (korte karakteristikker av stilistiske trekk klassisisme Og barokk finnes ovenfor (Seksjon 1. Kapittel I. § 1), hvor de fremstår som beskrivelser av trekkene ved den kunstneriske og estetiske bevisstheten til de tilsvarende trendene i kunsten).

Gotisk (begrepet kommer fra "goter" - et generalisert navn gitt av romerne til de europeiske stammene som erobret Romerriket på 3.-5. århundre, et synonym for "barbarer"; som et kjennetegn ved kunst begynte renessansetenkere å gjelde for middelalderkunst i en hånlig nedsettende forstand), som dominerte vesteuropeisk kunst i XIII-XV århundrer, oppstod som den høyeste, ultimate og mest adekvate stilistiske form for kunstnerisk uttrykk for selve ånden. Kristen kultur i sin vestlige modifikasjon (i øst - i det ortodokse området - ble et lignende uttrykk den bysantinske stilen, som blomstret i Bysans og landene med dens åndelige innflytelse - spesielt aktivt blant de sørslaviske folkene og i det gamle Russland). Den ble først og fremst dannet i arkitektur og spredte seg til andre typer kunst, hovedsakelig assosiert med kristen tilbedelse og levemåten til middelalderske kristne byfolk.

Den dype betydningen av denne stilen er det konsekvente kunstneriske uttrykket for essensen av det kristne verdensbildet, som består i å bekrefte prioriteringen av det åndelige prinsippet i mennesket og universet over det materielle, med en indre dyp respekt for materien som bærer av åndelig, uten og uten hvilken den ikke kan eksistere på jorden. Gothic har oppnådd i denne forbindelse, kanskje best mulig i kristen kultur. Overvinnelsen av materie, materiell, ting ved ånd, spiritualitet ble realisert her med utrolig styrke, uttrykk og konsistens. Dette var spesielt vanskelig å oppnå i steinarkitektur, og det var her de gotiske mesterne nådde høyden av perfeksjon. Av møysommelig arbeid Mange generasjoner av byggherrer, ledet av en enkelt katedrals kunstneriske sinn i sin tid, fant konsekvent måter å fullstendig dematerialisere de tunge steinstrukturene til tempelhvelvene i prosessen med overgangen fra korshvelvet til ribbehvelvet, der uttrykket av konstruktivt tektonikk ble fullstendig erstattet av kunstnerisk plastisitet.

Som et resultat er tyngden av materialet (stein) og konstruksjonsteknikker som tar sikte på å overvinne dets fysiske egenskaper fullstendig skjult for de som kommer inn i templet. Det gotiske tempelet, med rent kunstneriske midler, ble transformert (ved å organisere det indre rommet og det ytre plastiske utseendet) til et spesielt skulpturelt og arkitektonisk fenomen av den essensielle transformasjonen (transformasjonen) av det jordiske rom-tidskontinuumet til et helt annet rom - mer sublimt, ekstremt åndelig, irrasjonelt-mystisk i sin indre orientering. Til syvende og sist virker alle de grunnleggende kunstneriske og ekspressive (og de er også konstruktive og kompositoriske) teknikkene og elementene som sammen skaper den gotiske stilen mot dette målet.

Disse inkluderer tynne, grasiøse, komplekst profilerte søyler (i motsetning til massive romanske søyler), som stiger til nesten utilgjengelige høyder til gjennombrutte vektløse lansetthvelv, som hevder overvekt av det vertikale over det horisontale, dynamikk (oppstigning, ereksjon) over statikk, uttrykk over fred. Utallige spisse buer og hvelv fungerer i samme retning, på grunnlag av hvilke det indre rommet i templet faktisk er dannet; store lansettvinduer fylt med farget glass, skaper en ubeskrivelig konstant vibrerende og skiftende lys surrealistisk atmosfære i tempelet; langstrakte skip som leder betrakterens ånd langs en smal, visuelt oppadgående og fjern vei til alteret (åndelig bidrar de også til oppstigning, heving oppover, inn i et annet rom); utskårne lansett-flerblads-lukkealtere med gotiske bilder av sentrale evangeliebegivenheter og karakterer og åpne lansettaltertavler - retables (fransk: Retable - bak bordet). Setene i alteret og templet, tjenestegjenstander og tempelredskaper er laget i samme spisse, langstrakte form.

Gotiske kirker, innvendig og utvendig, er fylt med en enorm mengde tredimensjonal skulptur, laget, som gotisk maleri, på en måte nær naturalistisk, som også ble understreket i middelalderen av den realistiske fargeleggingen av skulpturer. Dermed ble det skapt en viss romlig-miljømessig motsetning mellom den ekstremt irrasjonelle arkitekturen, som strever etter mystiske avstander, og jordisk skulptur og maleri, som organisk flyter inn i den konstruktivt, men er i motsetning til den i ånden. På det kunstneriske nivået (og dette er et karakteristisk trekk ved den gotiske stilen) ble kristendommens vesentlige antinomi uttrykt: enheten av motsatte prinsipper i mennesket og den jordiske verden: ånd, sjel, åndelig og materie, kropp, kroppslig.

Samtidig kan man ikke snakke bokstavelig om naturalismen til gotisk skulptur og maleri. Dette er en spesiell, kunstnerisk inspirert naturalisme, fylt med subtil kunstnerisk materie, som løfter oppfatterens ånd inn i åndelige og estetiske verdener. Med den særegne naturalismen til ansiktsuttrykkene og gestene til de tilsynelatende statuar-lignende rekkene av gotiske statuer, blir man slått av rikdommen og kunstneriske plastisiteten til foldene på klærne, underlagt noen fysisk ubetingede krefter; eller den utsøkte kurven av kroppene til mange gotiske stående figurer - den såkalte gotiske kurven (S-formet bøy av figuren). Gotisk maleri er underlagt noen særegne lover for spesielle farge-formuttrykk. Mange nesten naturalistiske (eller illusorisk-fotografiske) avbildede ansikter, figurer og klær i altermaleriene forbløffer med sin supervirkelige, overjordiske kraft. Et enestående eksempel i denne forbindelse er kunsten til den nederlandske kunstneren Rogier van der Weyden og noen av hans elever.

De samme stiltrekkene er karakteristiske for utseende Gotiske templer: skulpturelle, oppadgående aspirasjon av hele utseendet på grunn av de spisse formene av buer, hvelv, alle små arkitektoniske elementer, og til slutt, de enorme pilene som kroner de gjennombrutte templene, som om de er vevd av blonder, tårn for rent dekorative og arkitektoniske formål; geometrisk presise vindusrosetter og dekorative, utallige dekorative dekorasjoner, som kontrasterer i en enkelt hel arkitektonisk organisme med den semi-naturalistiske plastisiteten til skulpturer og hyppige plantemønstre av grener og blader. Organisk natur og en matematisk verifisert og geometrisk definert form danner i gotisk et helhetlig, svært kunstnerisk og svært åndelig bilde som orienterer, dirigerer og løfter ånden til en troende eller estetisk subjekt til andre realiteter, til andre nivåer av bevissthet (eller væren) . Hvis vi legger til dette lydatmosfæren (akustikken i gotiske kirker er utmerket) til orgelet og kirkekoret som for eksempel fremfører gregoriansk sang, vil bildet av noen av de vesentlige trekkene i den gotiske stilen være mer eller mindre komplett , selv om det er langt fra tilstrekkelig.

MHC 8. klasse LEKSJON nr. _5_

Emne: Kunstneriske symboler for verdens folk.

Mål: 1) Å introdusere elevene til de kunstneriske symbolene til verdens folk, avsløre betydningen av bildet av den russiske bjørken i poesi, maleri og musikk

2) Forbedre språksansen og uttrykksfulle leseferdigheter.

3) Dyrk en kjærlighet til det poetiske ordet, evnen til å behandle ordet forsiktig og omtenksomt når du leser poetiske verk, dyrke en følelse av kjærlighet til fedrelandet og naturen.

I løpet av timene:

Organisering av tid

Oppdatering av elevenes kunnskap om emnet:

Ikke egentlig

A) Romanen «Livet og fantastiske eventyr Robinson Crusoe" skrev engelsk forfatter D. Defoe? (Ja).

B) ordet "sivilisasjon" oversatt fra gammelgresk høres ut som "sivil, offentlig, stat"? (nei, fra latin og andre romere).

C) Sivilisasjon - nivået av materiell og åndelig utvikling samfunnet (ja).

D) Kultur er assosiert med ordet "kult" og betyr ære, tilbedelse (ja).

E) I Ozhegovs ordbok har ordet "kultur" følgende betydning: Bearbeiding, omsorg, kultivering og "mental og moralsk utdanning" (nei, i V. Dahls ordbok)

E) Begrepet "sivilisasjon" er bredere enn begrepet "kultur" (ja)

G) Kultur er et midlertidig konsept, men sivilisasjonen er universell (nei, tvert imot)

H) Vi kaller en kulturperson noen som handler i samsvar med aksepterte normer for tenkning og atferd i samfunnet (ja)

I) Bilde kulturperson tilbake i antikken prøvde Pythagoras å gjenskape den (nei, Platon)

K) Konfucius er en japansk tenker? (nei, kinesisk)

K) Bodde kunstneren Hieronymus Bosch på 1400-tallet i Nederland? (Ja)

Definer begrepet MHC

Hvilken gud var kunstens beskytter, hva het assistentene hans?

Studentmeldinger om I. Bosch

III. Studerer nytt emne:

Jeg kan ikke forestille meg Russland uten bjørk, -
hun er så flink på slavisk,
det kanskje i andre århundrer
fra bjørketreet - hele Rus' ble født.
Oleg Shestinsky

1. Kommuniser emnet og målene for leksjonen. I dag i timen skal vi gjøre litt reise rundt i verden og bli kjent med de kunstneriske symbolene til verdens folk, gå gjennom "bjørkekintzens land" og selvfølgelig stupe inn i de innfødte Kalmyk-viddene som er kjent for oss fra barndommen.

2. Lære nytt stoff.

Lærer: Det er mer enn 250 land på planeten vår, hjem til flere tusen forskjellige folkeslag, som hver har sine egne tradisjoner og kjennetegn. Du har sikkert hørt følgende kombinasjoner mer enn en gang: «tysk ryddighet», «fransk tapperhet», «afrikansk temperament», «britenes kulde», «italienernes varme temperament», «gjestfrihet hos georgiere» osv. Bak hver av dem er egenskaper og egenskaper som har utviklet seg blant et bestemt folk gjennom årene.

Vel, hva med kunstnerisk kultur? Er det lignende stabile bilder og funksjoner i den? Utvilsomt. Hver nasjon har sin egen simokser, som reflekterer kunstneriske ideer om verden.

Tenk deg at du har kommet til et ukjent land. Hva vil først og fremst interessere deg? Selvfølgelig, hvilket språk snakkes her? Hvilke attraksjoner vises først? Hva tilber og tror de på? Hvilke historier, myter og legender fortelles? Hvordan danser og synger de? Og mange mange andre.

Hva vil de for eksempel vise deg hvis du besøker Egypt?

Student: Gamle pyramider, regnet som et av verdens underverker og har lenge blitt et kunstnerisk symbol på dette landet.

Student: På det steinete platået i ørkenen, som kastet klare skygger på sanden, har det i mer enn førti århundrer vært tre enorme geometriske kropper - upåklagelig regelmessige tetraedriske pyramider, gravene til faraoene Cheops, Khafre og Mikerin. Deres opprinnelige kledning har for lengst gått tapt, gravkamrene med sarkofager er plyndret, men verken tid eller mennesker har vært i stand til å forstyrre deres ideelt stabile form. Trekantene til pyramidene mot bakgrunnen av den blå himmelen kan sees fra overalt, som en påminnelse om evigheten.

Lærer: Hvis du har et møte med Paris, vil du definitivt ønske å klatre til toppen av det berømte Eiffeltårnet, som også har blitt det kunstneriske symbolet på denne fantastiske byen. Hva vet du om henne?

Student: Bygget i 1889 som en dekorasjon for verdensutstillingen, forårsaket det i utgangspunktet forargelse og indignasjon blant parisere. Samtidige som kjempet med hverandre ropte:

Student: Forresten, på den tiden var det den høyeste bygningen i verden, høyden var 320 meter! De tekniske dataene til tårnet er fortsatt fantastiske i dag: femten tusen metalldeler forbundet med mer enn to millioner nagler danner en slags "jernkniplinger". Syv tusen tonn hviler på fire støtter og utøver ikke mer press på bakken enn en person som sitter på en stol. Det var planlagt å bli revet mer enn én gang, men det reiser seg stolt over Paris, og gir en mulighet til å beundre severdighetene i byen fra et fugleperspektiv...

Lærer: Hva er de kunstneriske symbolene til USA, Kina, Russland?

Student: Frihetsgudinnen for USA, keiserlige palass"Forbidden City" for Kina, Kreml for Russland.

Lærer: Men mange folkeslag har også sine egne spesielle, poetiske symboler. Fortell oss om en av dem?

Student: De fantasifullt buede grenene til et lavtvoksende kirsebærtre - sakura - er et poetisk symbol på Japan.

Hvis du spør:

Hva er sjelen

Øyene i Japan?

I duften av fjellkirsebær

Ved daggry.

Lærer: Hva er det som tiltrekker japanerne så mye med kirsebærblomster? Kanskje en overflod av hvite og blekrosa sakura-blader på nakne grener som ennå ikke har rukket å bli dekket av grønt?

Skjønnheten til blomstene bleknet så fort!

Og ungdommens sjarm var så flyktig!

Livet har gått forgjeves...

Jeg ser på det lange regnet

Og jeg tenker: hvordan i all verden varer ikke alt evig!

Komati (oversettelse av A. Gluskina)

Student: Poeten tiltrekkes av skjønnheten i forgjengelighet, skjørhet og flyktighet i livet. Kirsebærblomstene falmer raskt og ungdommen er flyktig.

Lærer: Hvilken kunstnerisk redskap bruker forfatteren?

Student: Personifisering. For dikteren er en sakura-blomst en levende skapning som er i stand til å oppleve de samme følelsene som en person.

Lærer:

Vårtåke, hvorfor gjemte du deg

Kirsebærblomster som nå flyr rundt

I fjellskråningene?

Ikke bare glansen er kjær for oss, -

Og visnende øyeblikk er verdig beundring!

Tsurayuki (Oversettelse av V. Markova)

Lærer: Kommenter ut linjene.

Student: Sakura-bladene falmer ikke. De snurrer lystig og flyr til bakken ved det minste vindpust og dekker bakken med blomster som ennå ikke har rukket å visne. Selve øyeblikket, blomstringens skjørhet, er viktig. Dette er nettopp kilden til skjønnhet.

Lærer: Den hvitstammede bjørken har blitt et kunstnerisk poetisk symbol på Russland.

Jeg elsker russisk bjørk
Noen ganger lys, noen ganger trist,
I en bleket solkjole,
Med lommetørklær i lommene,
Med vakre spenner
Med grønne øredobber.
Jeg elsker hvor elegant hun er
Så klart, sprudlende,
Så trist, gråtende.
Jeg elsker russisk bjørk.
Bøyer lavt i vinden
Og den bøyer seg, men går ikke i stykker!
A. Prokofiev.

Lærer: Allerede i voksen alder sa Igor Grabar: «Hva kan være vakrere enn bjørka, det eneste treet i naturen hvis stamme er blendende hvit, mens alle andre trær i verden har mørke stammer. Fantastisk, overnaturlig tre, eventyrtre. Jeg ble lidenskapelig forelsket i russisk bjørk, og i lang tid skrev jeg nesten utelukkende om den.»

Lærer: Temaet for moderlandet er tett sammenvevd med bildet av bjørken. Hver Yesenin-linje varmes opp av en følelse av grenseløs kjærlighet til Russland.

bjørk

Hvit bjørk

Under vinduet mitt.

Dekket med snø

Akkurat sølv.

På luftige greiner

Snøgrense

Børstene har blomstret

Hvite frynser.

Og bjørketreet står

I søvnig stillhet,

Og snøfnuggene brenner

I gyllen ild.

Og daggry er lat

Gå rundt

Å kaste grener

Nytt sølv. 1913

Lærer. Hvite bjørker berører ikke bare vår sjel, men også utlendinger. Etter å ha besøkt Moskva, ble den kjente fotballspilleren Pele spurt om hva som imponerte og likte ham mest ved Russland. Han svarte: "Bjørketrær."

Lærer: Hundrevis av år vil gå, men bjørketreet vil symbolisere vårt udødelige og mektige hjemland.

Og la oss nå vende oss til de kunstneriske symbolene til vårt lille hjemland - Kalmykia.

Hva tror du vil være symbolet på Kalmyka?...

Kaspisk rose fra Russland

2010 har blitt erklært Saigaens år i Kalmykia

Tabell: fylles ut etter hvert som timen skrider frem.

Et land

Kunstnerisk symbol

Hjemmelekser– skrive en melding om ethvert kunstnerisk bilde av verdens folk.

PYRAMIDENE

Elev: På det steinete platået i ørkenen, som kastet klare skygger på sanden, har det i mer enn førti århundrer vært tre enorme geometriske kropper - upåklagelig regelmessige tetraedriske pyramider, gravene til faraoene Cheops, Khafre og Mikerin. Deres opprinnelige kledning har for lengst gått tapt, gravkamrene med sarkofager er plyndret, men verken tid eller mennesker har vært i stand til å forstyrre deres ideelt stabile form. Trekantene til pyramidene mot bakgrunnen av den blå himmelen kan sees fra overalt, som en påminnelse om evigheten.

EIFFEL TÅRNET 1

Student: Bygget i 1889 som en dekorasjon for verdensutstillingen, forårsaket det i utgangspunktet forargelse og indignasjon blant parisere. Samtidige som kjempet med hverandre ropte:

«Vi protesterer mot denne søylen dekket med boltet platejern, mot denne latterlige og svimlende fabrikkskorsteinen installert i industrihærverkets glans. Byggingen av dette ubrukelige og monstrøse Eiffeltårnet i sentrum av Paris er ikke noe mer enn en profanasjon...”

Det er interessant at denne protesten ble signert av svært kjente kulturpersonligheter: komponisten Charles Gounod, forfatterne Alexandre Dumas, Guy de Maupassant... Poeten Paul Verlaine sa at dette "skjeletttårnet ikke vil stå lenge," men hans dystre prognose var ikke bestemt til å gå i oppfyllelse. Eiffeltårnet står fortsatt og er et vidunder av ingeniørkunst.

EIFFEL TÅRNET 2

Elev: Forresten, på den tiden var det den høyeste bygningen i verden, høyden var 320 meter! De tekniske dataene til tårnet er fortsatt fantastiske i dag: femten tusen metalldeler forbundet med mer enn to millioner nagler danner en slags "jernkniplinger". Syv tusen tonn hviler på fire støtter og utøver ikke mer press på bakken enn en person som sitter på en stol. Det var planlagt å bli revet mer enn én gang, men det reiser seg stolt over Paris, og gir en mulighet til å beundre severdighetene i byen fra et fugleperspektiv...

SAKURA

Elev: De fantasifullt buede grenene til et lavtvoksende kirsebærtre - sakura - er et poetisk symbol på Japan.

Hvis du spør:

Hva er sjelen

Øyene i Japan?

I duften av fjellkirsebær

Ved daggry.

Norinaga (oversettelse av V. Sanovich)

BJØRK

Jeg elsker russisk bjørk
Noen ganger lys, noen ganger trist,
I en bleket solkjole,
Med lommetørklær i lommene,
Med vakre spenner
Med grønne øredobber.
Jeg elsker hvor elegant hun er
Så klart, sprudlende,
Så trist, gråtende.
Jeg elsker russisk bjørk.
Bøyer lavt i vinden
Og den bøyer seg, men går ikke i stykker!

A. Prokofiev.

BJØRK

Hvit bjørk

Under vinduet mitt.

Dekket med snø

Akkurat sølv.

På luftige greiner

Snøgrense

Børstene har blomstret

Hvite frynser.

Og bjørketreet står

I søvnig stillhet,

Og snøfnuggene brenner

I gyllen ild.

Og daggry er lat

Gå rundt

Å kaste grener

Nytt sølv.

TULIPANER

Kom til Kalmykia i april og du vil se hvordan steppen blomstrer. Den er dekket med et sammenhengende teppe av tulipaner. Gul, rød, rosa og til og med svart! Og lukten... svimlende.

Som lokalbefolkningen sier: "Tulipaner er som hester; de vokser ikke på ett sted. I år her, neste år på et annet sted. Noen ganger må du til og med lete etter dem."

Tulipanfestivalen er oppvåkningen av steppen. Denne ferien er veldig kort: tulipaner blomstrer i 10 dager, ikke mer, og så begynner den brennende, lune sommeren.

I Kalmykia er april tulipanernes tid. Jorden får styrke, våkner til liv, fylles med nye farger og lyder.

Solens og varmens seier ble kronet med en skarlagenrød tulipankrone.

LOTUS

Det er en utrolig ting, når de alltid snakker om Lotus, tror de at det er en blomst fra Egypt, og det er til og med en legende om at solguden Ra dukket opp fra Lotusblomsten, og ga jorden lys og varme. Legendene om lotusen er basert på menneskehetens ideer om fruktbarhet og liv, lang levetid og helse. Men likevel kan Kalmykia skryte av at det har store områder hvor og "elvenes dronning" Volga, hvor denne blomsten, kalt "Kaspisk rose", blomstrer vakkert og gleder øyet.

Lotus

Henger det søvnige hodet mitt
Under ilden av dagens stråler,
Stille duftende lotus
Venter på de blinkende nettene.

Og det bare flyter ut
Den milde månen er på himmelen,
Han løfter hodet
Våkner fra søvnen.

Glitrer på duftende blader
Hans dugg er rene tårer,
Og han skjelver av kjærlighet,
Ser trist inn i himmelen.

G. Heine

SAIGAS

I Kalmykia ble 2010 erklært Saigaens år. Dekretet om dette ble signert på høstens siste dag av republikkens overhode, Kirsan Ilyumzhinov.
Formålet med det er å bevare befolkningen i den europeiske saigaen - en av de eldste overlevende representantene for reliktfaunaen, å intensivere aktivitetene til miljøstrukturer på territoriet til republikken Kalmykia, samt å utvikle et sett med tiltak for å øke effektiviteten til saiga-beskyttelse.

Kalmykia - sentrum for buddhismen i Europa

Den 27. desember 2005 ble et nytt buddhisttempel med den høyeste statuen av Buddha Shakyamuni i Europa åpnet i sentrum av Elista. Dette tempelet, bygget takket være innsatsen til sjefen for republikken Kalmykia, Kirsan Ilyumzhinov, Shajin Lama fra Kalmykia, Telo Tulku Rinpoche, samt hele befolkningen i Kalmykia, vil i de kommende årene bli et senter for studien av tibetansk buddhisme, samt et pilegrimssted for mange tilhengere av denne religionen i Russland og europeiske land. Templet ble reist på et sted velsignet av Hans Hellighet Dalai Lama under hans besøk i Kalmykia i november 2004.

Forfatterinformasjon

Vafina Oksana Nikolaevna

Arbeidssted, stilling:

MOU"SOSH 28"

Belgorod-regionen

Ressursegenskaper

Utdanningsnivåer:

Grunnleggende allmennutdanning

Klasse(r):

Vare(r):

Litteratur

Målgruppen:

Lærer (lærer)

Ressurstype:

Didaktisk materiale

Kort beskrivelse av ressursen:

Leksjonsutvikling

Integrert leksjon av litteratur og MHC.

Emne: Kunstneriske symboler for verdens folk. "I land av bjørk chintz."

Mål:1) Å introdusere elevene til de kunstneriske symbolene til verdens folk, avsløre betydningen av bildet av den russiske bjørken i poesi, maleri og musikk; vis det lyse originale talentet til Sergei Yesenin; å utvikle evnen til å finne figurative og uttrykksfulle språkmidler, bestemme deres rolle i tekster.

2) Forbedre språksansen og uttrykksfulle leseferdigheter.

3) Å dyrke en kjærlighet til det poetiske ordet, evnen til å behandle ordet forsiktig og omtenksomt når du leser poetiske verk, dyrke en følelse av kjærlighet til fedrelandet og naturen.

I løpet av timene

Jeg kan ikke forestille meg Russland uten bjørk, -
hun er så flink på slavisk,
det kanskje i andre århundrer
fra bjørketreet - hele Rus' ble født.
Oleg Shestinsky

1. Psykologisk holdning. (Sangen "Det var et bjørketre på marken")

2. Kommuniser emnet og målene for leksjonen. I dag, i en litteratur- og kunstleksjon, skal vi ta en kort tur rundt i verden og bli kjent med de kunstneriske symbolene til verdens folk, gå gjennom "bjørkekintzens land" og avsløre betydningen av det poetiske symbolet av Russland i poesi, maleri og musikk.

3. Lære nytt stoff.

Lærer:Det er mer enn 250 land på planeten vår, hvor flere tusen forskjellige folkeslag bor,som hver har sine egne tradisjoner og egenskaper.Du har sikkert hørt slike kombinasjoner mer enn én gang: "tysk ryddighet", "fransk galanteri","Afrikansk temperament", "kulde av engelskLichan", "italienernes varme temperament", "gjestfriheten til georgierne", etc.Bak hver av dem ligger egenskaper og egenskaper som har utviklet seg blant et bestemt folk over mange år.

Vel, hva med kunstnerisk kultur? Finnes det lignendestabile bilder og egenskaper? Utvilsomt. Hver nasjon har sitt eget symbolokser, som reflekterer kunstneriske ideer om verden.

Tenk deg at du har kommet til et ukjent land. Hva, først og fremst,vil du være interessert? Selvfølgelig, hvilket språk snakkes her? Hvilke attraksjoner vises først? Hva tilber og tror de på? Hvilke historier, myter og legender fortelles? Hvordan danseog synge? Og mange mange andre.

Hva vil de for eksempel vise deg hvis du besøker Egypt?

Student: D sjalu pyramider, ansett som et av verdens underverker og har lenge blitt detshiye kunstneriske symbol på dette landet.

Student:På et steinete platåørkener, kastet klare skygger på sanden, i mer enn førti århundrerdet er tre enorme geometriske kropper - upåklagelig korrekttetraedrisk pyramider, gravene til faraoene Cheops, Khafre og Mikerina. Deres originale foring har lenge gått tapt, de ble plyndretrokammer med sarkofager, men verken tid eller mennesker kunne forstyrre deres ideelt stabile form. Trekanter av pyramider mot bakgrunnen avblå himmel er synlig fra overalt, som en påminnelse om evigheten.

Lærer: Hvis du har et møte med Paris, vil du garantert klatre til toppen av det berømte Eiffeltårnet, ble ogsået stolt symbol på denne fantastiske byen. Hva vet du om henne?

Student:Bygget i 1889år som en dekorasjon av verdensutstillingen, forårsaket det i utgangspunktet indignasjon og indignasjon blant parisere. Samtidige som kjempet med hverandre ropte:

«Vi protesterer mot denne søylen dekket med boltet platejern, mot denne latterlige og svimlende fabrikkskorsteinen installert i industrihærverkets glans. Byggingen av dette ubrukelige og monstrøse Eiffeltårnet i sentrum av Paris er ikke noe mer enn en profanasjon...”

Det er interessant at denne protesten ble signert av svært kjente kulturpersonligheter: komponisten Charles Gounod, forfatterne Alexandre Dumas, Guy de Maupassant... Poeten Paul Verlaine sa at denne "skjelettkalanchaen ikke vil vare lenge," men hans dystre prognose var ikke bestemt til å gå i oppfyllelse. Eiffeltårnet står fortsatt og er et vidunder av ingeniørkunst.

Student:Forresten, på den tiden var det den høyeste bygningen i verden, høyden var 320 meter! De tekniske dataene til tårnet er fortsatt fantastiske i dag: femten tusen metalldeler forbundet med mer enn to millioner nagler danner en slags "jernkniplinger". Syv tusen tonn hviler på fire støtter og utøver ikke mer press på bakken enn en person som sitter på en stol. De skulle rive den mer enn én gang, men den hever seg stolt over Paris, og gir en mulighet til å beundre severdighetene i byen fra et fugleperspektiv...

Lærer:Hva er de kunstneriske symbolene til USA, Kina, Russland?

Student:Frihetsgudinnen for USA, keiserpalasset "Forbudt by" for Kina, Kreml for Russland.

Lærer:Men mange folkeslag har også sine egne spesielle, poetiske symboler. Fortell oss om en av dem?

Student:De fantasifullt buede grenene til et lavtvoksende kirsebærtre - sakura - er et poetisk symbol på Japan.

Hvis du spør:

Hva er sjelen

Øyene i Japan?

I duften av fjellkirsebær

Ved daggry.

Norinaga (oversettelse av V. Sanovich)

Lærer:Hva er det som tiltrekker japanerne så mye med kirsebærblomster? Kan være, en overflod av hvite og blekrosa sakura-blader på nakne grener som ennå ikke har rukket å bli dekket av grønt?

Student:Skjønnheten til blomstene bleknet så fort!

Og ungdommens sjarm var så flyktig!

Livet har gått forgjeves...

Jeg ser på det lange regnet

Og jeg tenker: hvordan i all verden varer ikke alt evig!

Komati (oversettelse av A. Gluskina)

Student:Poeten tiltrekkes av skjønnheten i forgjengelighet, skjørhet og livets flyktighet. Kirsebærblomstene falmer raskt og ungdommen er flyktig.

Lærer:Hvilken kunstnerisk teknikk bruker forfatteren?

Student:Personifisering. For dikteren er en sakura-blomst en levende skapning som er i stand til å oppleve de samme følelsene som en person.

Student:

Vårtåke, hvorfor gjemte du deg

Kirsebærblomster som nå flyr rundt

I fjellskråningene?

Ikke bare glansen er kjær for oss, -

Og visnende øyeblikk er verdig beundring!

Tsurayuki (Oversettelse av V. Markova)

Lærer:Kommenter linjene.

Student:Sakura-bladene falmer ikke. Svirrende lystig flyr de motbakken fra den minste vindpust og dekk bakken før den i det hele tatt rekkervisne blomstene. Selve øyeblikket, blomstringens skjørhet, er viktig. Navn-men dette er kilden til skjønnhet.

Lærer:Belostvol ble et kunstnerisk poetisk symbol på RusslandNei bjørk.

Jeg elsker russisk bjørk
Noen ganger lys, noen ganger trist,
I en bleket solkjole,
Med lommetørklær i lommene,
Med vakre spenner
Med grønne øredobber.
Jeg elsker hvor elegant hun er
Så klart, sprudlende,
Så trist, gråtende.
Jeg elsker russisk bjørk.
Bøyer lavt i vinden
Og den bøyer seg, men går ikke i stykker!
A. Prokofiev.

Lærer:Kommer nok aldri til å stoppe Russisk hjerteå bli overrasket over den uventede og innfødte skjønnheten til det tilsynelatende kjente bjørketreet. Allerede i voksen alder sa Igor Grabar: «Hva kan være vakrere enn bjørka, det eneste treet i naturen hvis stamme er blendende hvit, mens alle andre trær i verden har mørke stammer. Fantastisk, overnaturlig tre, eventyrtre. Jeg ble lidenskapelig forelsket i russisk bjørk, og i lang tid skrev jeg nesten utelukkende om den.»

En elevs historie om I. Grabars maleri «February Azure».

Skrev min " februar blå"I. Grabar om vinteren - våren 1904, da han besøkte venner i Moskva-regionen. Under en av sine vanlige morgenturer ble han truffet av høytiden til den våkne våren, og deretter, som allerede en ærverdig kunstner, fortalte han veldig levende historien om opprettelsen av dette lerretet. «Jeg sto i nærheten av et fantastisk eksemplar av bjørk, sjelden i den rytmiske strukturen til grenene. Da jeg så på henne, slapp jeg pinnen og bøyde meg ned for å ta den opp. Da jeg så på toppen av bjørken nedenfra, fra overflaten av snøen, ble jeg lamslått av skuespillet av fantastisk skjønnhet som åpnet seg foran meg: noen klokkespill og ekko av alle regnbuens farger, forent av den blå emaljen av himmelen. Naturen så ut til å feire en enestående festival med asurblå himmel, perlbjørker, korallgrener og safirskygger på lilla snø.» Det er ikke overraskende at kunstneren lidenskapelig ønsket å formidle "minst en tidel av denne skjønnheten."

Lærer: Gutter, ikke bare Grabar vendte seg til bildet av en vakker bjørk, før du er en utstilling med verk av kunstnere, hvor heltinnen er dette vakre treet. Hvilken stemning utstråler disse artistenes reproduksjoner?

Hva kan du si om kunstnernes malerier?

Student:Blide, fulle av lys, bjørketreet i dem er åndelig.

Student: Kuindzhi " Birch Grove” (1879), - er gjennomsyret av sunn og munter optimisme. Kunstneren fanget jublende, regnvasket natur, i sin beste, mest luksuriøse sommertid. Sammensetningen av maleriet er original, harmonien i de rene fargene er fantastisk.

Lærer.Bjørk. Hva slags tre er dette?

«Bjørk er et tre med hvit bark, hardt tre og hjerteformede blader», rapporterer The Explanatory Dictionary of the Russian Language lidenskapelig.

Kan være, forklarende ordbok Du skal være lidenskapelig.

Men når det gjelder det russiske språket, så har kanskje ikke et eneste tre fortjent et så stort antall epitet, sammenligninger, kjærlige fraser, eller har blitt assosiert med så entusiastiske ord som bjørk. Dette kan sees verbalt. folkekunst, og mest av alt - i russisk poesi, der bjørketreet slo seg ned for lenge siden, fast og, ser det ut til, for alltid.

Yesenins "land av bjørk chintz" er unikt vakkert og kjært til alles hjerte. Et land hvor du kan vandre i timevis i en furuskog, drukne i et mykt teppe av grå mose. I et land hvor det vokser høye einerkratt. Og på sumpen blomstrer tyttebær og tyttebær. Et land der mystiske innsjøer lurer i dypet av skogen. Et land hvor alt rundt deg kommer til live. Den naturlige verden er ikke bare fylt med farger, lyder, bevegelse, men også animert.

Student: God morgen

De gyldne stjernene blundet,

Bakvannets speil skalv,

Lyset går opp på bakvannene i elven

Og rødmer himmelnettet.

De søvnige bjørketrærne smilte,

Silkefletter er rufsete,

Grønne øredobber rasler

Og sølvduggene brenner.

Gjerdet er bevokst med brennesle

Kledd i lys perlemor

Og svaiende hvisker lekent:

"God morgen!"

Lærer: Hvilke bilder så du i diktet?

Student:Stjerne, bjørk, brennesle.

Lærer:Hvilke figurative og uttrykksfulle midler brukes for å lage bildet av en bjørk?

Student:personifisering (bjørkene smilte, flettene var rufsete), epitet (søvnige bjørker, silkefletter, sølvdugg), metaforer (duggene brant, flettene var rufsete).

Lærer:Fargemaling er en av karakteristiske trekk Yesenins dikt. Hvilke farger bruker han for å beskrive bjørk? Hva trengs "fargede deler" til?

Student:Sølv, grønn, andre - perlemor. "Fargerike detaljer" hjelper til med å forstå dikterens humør, skjerpe følelser og tanker og avsløre deres dybde.

Lærer:Hvilken stemning er diktet gjennomsyret av?

Student:Romantisk, optimistisk, glad, spent.

Lærer:I diktet "Grønn frisyre". (1918) når menneskeliggjøringen av utseendet til bjørketreet i Yesenins verk full utvikling.

Student:Leser et dikt

Lærer: Hvem handler diktet om? Hvordan ser bjørk ut?

Student: Bjørketreet blir som en kvinne.

Grønn frisyre,

Jenteaktige bryster,

Å tynne bjørketre,

Hvorfor så du inn i dammen?

Lærer: Hva er bjørketreet symbolisert i russisk poesi?

Student: Dette er et symbol på skjønnhet, harmoni, ungdom; hun er lys og kysk.

Lærer: I eldgamle hedenske ritualer fungerte den ofte som en «maypol», et symbol på våren. Yesenin, når han beskriver folkelige vårferier, nevner bjørketreet i betydningen av dette symbolet i diktene "Trinity Morning..." (1914) og "Sivet raslet over bakvannet ..." (1914)

Lærer: Om hva folkeskikk det diskuteres i diktet "Sivene raslet over bakvannene ..."

Student: Diktet "Sivet raslet over bakevjet" snakker om en viktig og fascinerende begivenhet i den semittiske treenighetsuken - spåfortelling med kranser.

Den vakre jenta fortalte lykke ved syvtiden.

En bølge raknet opp en krans av dodder.

Jentene vevde kranser og kastet dem i elven. Ved kransen som fløt langt borte, skylt i land, stoppet eller sank, dømte de skjebnen som ventet dem (fjernt eller nærliggende ekteskap, jenteskap, forlovelsens død).

Å, en jente vil ikke gifte seg om våren,

Han skremte henne med skogskilt.

Lærer: Hva overskygger vårens møte?

Lærer: Ved hjelp av hvilke bilder forsterkes ulykkesmotivet?

Kunstneriske symboler for verdens folk - hva er de? Tenk deg at du har kommet til et ukjent land. Hva vil interessere deg først? Hvilke severdigheter vil de vise deg først? Hva tilber og tror folket i dette landet på? Hvilke historier, myter og legender fortelles? Hvordan danser og synger de? Og mange mange andre. Og mange mange andre.

Egypt - PYRAMIDENE Pyramidene ble bygget på den venstre vestlige bredden av Nilen (Vest, de dødes rike) og ruvet over alt de dødes by utallige graver, pyramider, templer. EGYPTISKE PYRAMIDER, graver til egyptiske faraoer. Den største av dem, pyramidene til Cheops, Khafre og Mikerin i El Giza, ble betraktet som et av verdens syv underverk i antikken. Byggingen av pyramiden, der grekerne og romerne allerede så et monument over kongers enestående stolthet og grusomhet som dømte hele folket i Egypt til meningsløs konstruksjon, var den viktigste kulthandlingen og var ment å uttrykke, tilsynelatende, mystiske identiteten til landet og dets hersker.

Den største av de tre Den største av de tre er Cheops-pyramiden. Keopspyramiden. Høyden var opprinnelig 147 m, høyden var opprinnelig 147 m, og lengden på siden av basen var 232 m. og lengden på siden av basen var 232 m. For dens konstruksjon, 2 millioner 300 tusen stor stein blokker var nødvendig, gjennomsnittsvekt hvorav det er 2,5 t. Platene ble ikke holdt sammen med mørtel, kun ekstremt presis montering holdt dem på plass. I gamle tider ble pyramidene møtt med polerte plater av hvit kalkstein, toppene deres var dekket med kobberplater som glitret i solen (bare Cheops-pyramiden beholdt kalksteinshylsteret; araberne brukte dekket av andre pyramider i konstruksjonen av Den hvite moskeen i Kairo). Konstruksjonen krevde 2 millioner 300 tusen enorme steinblokker, med en gjennomsnittsvekt på 2,5 tonn. Platene ble ikke holdt sammen med mørtel, bare ekstremt presis montering holdt dem på plass. I gamle tider ble pyramidene møtt med polerte plater av hvit kalkstein, toppene deres var dekket med kobberplater som glitret i solen (bare Cheops-pyramiden beholdt kalksteinshylsteret; araberne brukte dekket av andre pyramider i konstruksjonen av Den hvite moskeen i Kairo).

I nærheten av Khafre-pyramiden står en av antikkens og vår tids største statuer, en klippeskåret figur av en liggende sfinks med portretttrekkene av farao Khafre selv. I nærheten av Khafre-pyramiden står en av antikkens og vår tids største statuer, en klippeskåret figur av en liggende sfinks med portretttrekkene av farao Khafre selv. Pyramiden til Khafre Khafre

America - Statue of Liberty Frihetsgudinnen - fugleperspektiv FRITIDSTUDIEN er en kolossal skulpturell struktur som ligger på Liberty Island i New York Harbor. Statuen i form av en kvinne med en brennende fakkel i løftet høyre hånd symboliserer frihet. Forfatter av statuen fransk billedhugger F. Bartholdi. Statuen ble gitt av Frankrike til USA i 1876 for å markere hundreårsdagen for amerikansk uavhengighet.

Japan - sakura SAKURA, en type kirsebær (kirsebærserrata). Vokser og dyrkes som prydplante hovedsakelig på Langt øst(tresymbol for Japan). Blomstene er rosa, doble, bladene er lilla om våren, grønne eller oransje om sommeren, lilla eller brune om høsten. Fruktene er uspiselige. SAKURA, en type kirsebær (kirsebærserrata). Den vokser og dyrkes som en prydplante hovedsakelig i Fjernøsten (treet er et symbol på Japan). Blomstene er rosa, doble, bladene er lilla om våren, grønne eller oransje om sommeren, lilla eller brune om høsten. Fruktene er uspiselige.

Sakura regnes som det kunstneriske symbolet på Japan. Sakura regnes som det kunstneriske symbolet på Japan. Vakre blomster rosa, doble blader lilla om våren, grønne eller oransje om sommeren, lilla eller brune om høsten. Vakre blomster er rosa, doble, bladene er lilla om våren, grønne eller oransje om sommeren, lilla eller brune om høsten. Elskere gir ønsker og kysser under sakura-grenene. Elskere gir ønsker og kysser under sakura-grenene. Blomsterbilde kirsebærblomster Den brukes også på nasjonale japanske kostymer. Bildet av en kirsebærblomst brukes også på japanske nasjonaldrakter. En sakura-blomst er en levende skapning som er i stand til å oppleve de samme følelsene som en person. En sakura-blomst er en levende skapning som er i stand til å oppleve de samme følelsene som en person.

Kina - Den kinesiske mur, en festningsmur i Nord-Kina; et grandiost arkitektonisk monument fra det gamle Kina. KINAS STORMUR, en festningsmur i Nord-Kina; et grandiost arkitektonisk monument fra det gamle Kina. Lengde, ifølge noen antakelser, ca. 4 tusen km, ifølge andre over 6 tusen km, Lengde, ifølge noen antakelser, ca. 4 tusen km, ifølge andre over 6 tusen km, høyde 6,6 m, i noen områder opp til 10 m. Bygget hovedsakelig i det 3. århundre f.Kr. e. En del av den kinesiske mur nær Beijing er fullstendig restaurert. høyde 6,6 m, i enkelte områder inntil 10 m. Bygget hovedsakelig på 300-tallet f.Kr. e. En del av den kinesiske mur nær Beijing er fullstendig restaurert.

Novodevichy-klosteret Til ære for fødselen av arvingen, den fremtidige tsaren Ivan IV, ble Kristi Himmelfartskirken reist i 1532 i Kolomenskoye nær Moskva på den høye, bratte bredden av Moskva-elven. Konstruksjonen markerer fremveksten av nye tenttempler i asentrisk stein, dynamisk rettet oppover. I nærheten, i landsbyen Dyakovo, ble kirken for halshugging av døperen Johannes bygget, preget av sin uvanlige arkitektur. Til ære for fødselen til arvingen, den fremtidige tsaren Ivan IV, ble Kristi himmelfartskirke reist i 1532 i Kolomenskoye nær Moskva på den høye, bratte bredden av Moskva-elven. Konstruksjonen markerer fremveksten av nye tenttempler i asentrisk stein, dynamisk rettet oppover. I nærheten, i landsbyen Dyakovo, ble kirken for halshugging av døperen Johannes bygget, preget av sin uvanlige arkitektur. Arrangementet var byggingen av forbønnskatedralen på vollgraven, bedre kjent som St. Basil's Cathedral, på sørsiden av Den røde plass. Arrangementet var byggingen av forbønnskatedralen på vollgraven, bedre kjent som St. Basil's Cathedral, på sørsiden av Den røde plass.

St. Basil's Cathedral En av de mest kjente kirkene i Moskva, bygget under navnet Intercession Cathedral til ære for seieren over Kazan Khanate på festen for Jomfruens forbønn. Deretter ga den nye St. Basil-kirken navnet til hele tempelet. Den brokete fargen gjenspeiler smaken fra senere tid (1600-tallet). Templet ble opprinnelig malt rødt og hvit maling. Forbønnskatedralen ble unnfanget som den første byomfattende katedralen bygget utenfor Kremls murer, og skulle symbolisere tsarens enhet med folket. En av de mest kjente kirkene i Moskva, bygget under navnet Intercession Cathedral til ære for seieren over Kazan Khanate på festen for Jomfruens forbønn. Deretter ga den nye St. Basil-kirken navnet til hele tempelet. Den brokete fargen gjenspeiler smaken fra senere tid (1600-tallet). Templet ble opprinnelig malt rødt og hvitt. Forbønnskatedralen ble unnfanget som den første byomfattende katedralen bygget utenfor Kremls murer, og skulle symbolisere tsarens enhet med folket.

Spasskaya-tårnet i Moskva Kreml Den gamle delen av Moskva har en radiell ringlayout. Den historiske kjernen i Moskva er ensemblet til Moskva Kreml, ved siden av den er Røde plass. Den gamle delen av Moskva har en radiell ringlayout. Den historiske kjernen i Moskva er ensemblet til Moskva Kreml, ved siden av den er Røde plass.

Klokketårn "Ivan den store" En viktig begivenhet begynte byggingen av nye murvegger og tårn i Kreml, som ble bygget i Seks av de atten tårnene hadde gangporter. Kreml ble omgjort til en av de mektigste europeiske festningene. En viktig begivenhet var byggingen av nye murvegger og tårn i Kreml, som ble bygget i Seks av de atten tårnene hadde gangporter. Kreml ble omgjort til en av de mektigste europeiske festningene.