hjem › Chassis › Hva inspirerte Munch til å male bildet skrik. Den eksistensielle gruen til Edvard Munchs "Skriket"

Hva inspirerte Munch til å male bildet skrik. Den eksistensielle gruen til Edvard Munchs "Skriket"

Det kjente maleriet av Edvard Munch «Skriket» i dag for første gang dukket opp foran øynene til London-borgerne. I lang tid maleri av en norsk ekspresjonist var inne privat samling landsmannen Edvard Munch, forretningsmannen Petter Olsen, hvis far var kunstnerens venn, nabo og kunde. Interessant, bruker forskjellige kunstnerisk teknikk, skrev Munch fire alternativer malerier kalt "Hyle".

Særpreget trekk Maleriet «The Scream», som presenteres i London, er den originale rammen som verket er plassert i. Rammen er malt av Edvard Munch selv, noe som bekreftes av forfatterens inskripsjon som forklarer handlingen i bildet: "Vennene mine fortsatte, jeg ble etterlatt, skjelvende av angst, jeg kjente naturens store rop." I Oslo, på Edvard Munch-museet, finnes det ytterligere to versjoner av Skriket – den ene er laget i pastell og den andre i olje. Den fjerde versjonen av maleriet er på norsk nasjonalt museum kunst, arkitektur og design. "Skriket", av Olsen, er det første maleriet i serien, malt i pasteller, og skiller seg fra de tre andre maleriene i et uvanlig lyst farge palett. Edvard Munchs maleri «Skriket» legemliggjør isolasjonen av en person, desperat ensomhet, tapet av meningen med livet. Spenningen i scenen gir en dramatisk kontrast mellom den ensomme skikkelsen i forgrunnen og fremmede i det fjerne, som er opptatt med seg selv.

Hvis du vil ha høykvalitets gjengivelse av et maleri av Edvard Munch i samlingen din, bestill deretter en reproduksjon av maleriet "Skriket" på lerret. Den unike teknologien for utskrift av reproduksjoner på lerret gjengir de originale fargene, takket være bruken av europeisk kvalitetsblekk med falmingsbeskyttelse. Canvas, som grunnlag for en gjengivelse av Munchs «Skriket», vil formidle den naturlige strukturen til det kunstneriske lerretet, og din gjengivelse vil se ut som et ekte kunstverk. Alle reproduksjoner er innrammet på en spesiell galleribåre, som til slutt gir gjengivelsen en likhet med originalt verk Kunst. Bestill en reproduksjon av Edvard Munchs maleri på lerret, så garanterer vi deg den beste fargegjengivelsen, bomullsduken og trebåren som profesjonelle kunstgallerier bruker.

Hvorfor skriker de? Ja, selv med et vridd ansikt, klemte hodet, dekker for ørene? Fra frykt, fra håpløshet, fra fortvilelse. Det var dette Munch ønsket å formidle i bildet sitt. Den forvrengte figuren på den er legemliggjørelsen av lidelse. Den nedgående solen inspirerte ham til dette bildet, og malte himmelen i blodige farger. Den røde, flammende himmelen over den svarte byen ga Munch følelsen av et skrik som gjennomboret alt rundt.

Det skal legges til at han i sitt arbeid skildret skriket mer enn en gang (det er andre versjoner av "Skrik"). Men naturens rop var egentlig en refleksjon av hans eget indre rop. Det hele endte med behandling i klinikken (det er bevis på at Munch led av manisk-depressiv psykose).

Men når det gjelder den blodige himmelen, så han ikke noe her, det er ingen metafor i disse ordene. Ifølge astronomer brøt Krakatoa ut i 1883. I flere måneder kastet vulkanen ut enorme støvskyer, som forårsaket de «blodige» solnedgangene i Europa.

Og det er også en helt fantastisk versjon av dette bildet. Tilhengerne mener at Munch hadde en sjanse til å komme i kontakt med utenomjordisk intelligens (tilsynelatende minnet figuren på bildet noen om et romvesen). Her er hans inntrykk av denne kontakten, skildret han.

En av de mest betydningsfulle, talentfulle og gåtefulle kunstnerne på 1800-tallet er Vincent van Gogh. Maleriet «Skriket» tilhører også denne perioden. Den dag i dag er den kanskje den mest gjenkjennelige kunstverk forrige århundre. Hva har en stor kunstner og et stort kunstverk til felles? La oss prøve å finne ut av det.

Biografi om Van Gogh

Vincent van Gogh ble født i 1853. Maleriet «Skriket» ble malt i 1893, da kunstneren allerede var død. Men i stil og stemning ligner den på mange av verkene hans. Hvorfor er de så like og hvem har egentlig malt det berømte maleriet? Om alt i orden.

Van Gogh ble født i den lille landsbyen Grot-Zundert i Nederland. Grensen til Belgia lå rett ved siden av. Faren hans var en protestantisk pastor og moren hans var datter av en suksessfull bokhandler fra Haag.

Den fremtidige kunstneren var det andre barnet i familien, han ble oppkalt etter sin farfar. Da gutten var 7 år gammel, gikk han på en landsbyskole, men studerte der i bare ett år. Han fortsatte å motta utdanning hjemme med søsteren. 11 år gammel gikk han på internat i Zevenbergen. Og selv om institusjonen ikke var langt fra hans hjem, forårsaket separasjon fra sine kjære Van Gogh alvorlige lidelser.

På internatet viste han et sug etter språk og tegning, noe som ikke er overraskende. 15 år gammel forlot gutten internatet midt i skoleåret og reiste hjem. Dette var slutten på hans formelle utdannelse.

Første skritt i voksen alder

Van Gogh jobbet fra han var 16 år. Han begynte i onkelens kunst- og handelsbedrift, hvor han mestret yrket som forhandler. Til å begynne med gikk alt bra i tjenesten, Vincent jobbet så hardt at han snart ble overført til et mer prestisjefylt kontor i London. Hver dag møtte Van Gogh de beste fungerer sin tids kunst, takket være at han snart begynte å bli godt bevandret i maleri.

Han ledet rikt liv på jobb, besøkte jevnlig utstillinger og museer. Men ulykkelig kjærlighet spilte med ham dårlig spøk. Avvist (det er fortsatt ikke kjent nøyaktig hvem han var forelsket i), mistet Van Gogh gradvis interessen for tjenesten, leste Bibelen mye.

I 1875 ble han overført til Paris-kontoret. Parallelt begynte han å prøve å tegne seg selv. Like etter det mistet han endelig interessen for arbeidet sitt og bestemte seg for at kunsthandlerne, som han faktisk tilhørte, - verste fiender Kunst. Som et resultat ble han sparket.

Å bli kunstner

I kampen mot depresjonen som grep ham, stupte Van Gogh inn kunstnerisk kreativitet. Deltok på kurs ved Royal Academy kunst i Brussel, med hjelp av broren Theo. Imidlertid studerte han ikke der lenge, forlot alt og dro til foreldrene. På den tiden mente han at det ikke var nødvendig for en mester å ha utdannelse, det var nok bare å ha talent og flid.

Og igjen opplevde artisten et kjærlighetssjokk og ble avvist. Etter det var han alltid skuffet over å prøve å ordne sitt personlige liv.

Arbeidet med maleriene sine studerte han livet til de fattigste byblokkene, oppnådde fantastiske farger og nyanser, blandet forskjellige farger på lerretet og kombinerte maleteknikker.

Van Goghs storhetstid

Storhetstiden til Van Goghs kreativitet kom på 80-tallet av XIX århundre. I verkene sine viste han et kunstnerisk temperament, samt en dyrisk frykt for menneskefiendtlige krefter. Alt dette gjenspeiles i lerretene hans "Det gule huset", "Røde vingårder i Arles", "Van Goghs soverom i Arles".

På det tidspunktet var han i nærkontakt med en annen kjent kunstner den gangen - Paul Gauguin. I 1888 foretok Gauguin en spesiell tur til Arles, hvor Van Gogh da bodde, for å diskutere med ham ideen om å lage et malerverksted i sør. Det hele endte imidlertid i skandale og konflikt. Gauguin ble irritert over Van Goghs uforsiktighet, mens helten i artikkelen vår forble på et tap på grunn av det faktum at Gauguin ikke kunne akseptere ideen om en kollektiv retning for maleri i fremtidens navn.

Konflikt med Gauguin

Konflikten med Gauguin kom til toppen en uke før nyttår 1889. Van Gogh angrep en kollega med en barberhøvel, og kun ved et mirakel klarte Gauguin å rømme.

Årsakene og omstendighetene til konflikten er fortsatt ikke kjent med sikkerhet. Det er en versjon om at Van Gogh angrep Gauguin da han sov, sistnevnte ble reddet bare av det faktum at han våknet i tide.

Det er bare kjent med sikkerhet at etter et mislykket attentat, kuttet Van Gogh av øreflippen. Men heller ikke her er det enighet om hvorfor han gjorde det. Noen mener at dette skjedde i et anfall av anger, andre mener at det var en manifestasjon av galskap, hvis angrep i økende grad besøkte kunstneren på grunn av regelmessig bruk av absint.

Neste morgen ble Van Gogh ført til en psykiatrisk klinikk.

Siste verk

I perioder med opplysning ba Van Gogh om å bli løslatt fra klinikken for å fortsette å jobbe med maleriene, men innbyggerne i byen Arles ba om å ikke gjøre dette, i frykt for hans galskapsutbrudd.

Som et resultat bosatte kunstneren seg på en klinikk for psykisk syke i Saint-Remy-de-Provence. Der jobbet han flittig med nye lerreter i et helt år. Arbeidet til Van Gogh fra denne perioden er best preget av maleriet " Stjernelys natt", der den enorme nervøse spenningen og dynamikken kommer tydeligst til uttrykk. Totalt i denne perioden malte postimpresjonisten rundt 150 lerreter.

I 1890 slo han seg ned i nærheten av Paris, hvor han fortsatte å jobbe. Her skrev han sin berømte "Hvetemark med kråker". Kort tid etter ble livet hans tragisk forkortet.

Da han gikk en tur med maling og lerret, skjøt han seg selv i brystet med en revolver som han hadde kjøpt kort tid før for å skremme bort fugler. Kulen passerte under hjertet, han klarte å komme seg til hotellet på egen hånd, men de klarte ikke å redde ham. Vincent van Gogh døde 29. juli 1890. Han så aldri bildet "The Scream", han møtte ikke forfatteren, selv om de bodde på samme tid, i samme del av planeten.

Historien til maleriet "Skrik"

Maleriet "The Scream" ble laget mellom 1893 og 1910. Faktisk var det ikke ett, men en hel serie verk. Forfatteren av maleriet «Skriket» er den norske ekspresjonisten Edvard Munch. Med bare ett blikk på lerretet forstår kunstkjennere at den nederlandske maleren hadde en merkbar innflytelse på kunstneren.

«Skriket» er blitt et slags emblem for ekspresjonismen, et forspill til den nye kunsten på 1900-tallet. Munch forutså i sitt arbeid mange av modernismens hovedpunkter, som det var svært lite tid igjen til. Det er verdt å merke seg at Van Gogh også spilte en viss rolle i dette. Maleriet "Skriket" minner mange om verkene til den nederlandske maleren. Den dekker temaer som har blitt mainstream på 1900-tallet. Det er ensomhet, fortvilelse og fremmedgjøring.

Edvard Munch

Forfatteren av maleriet "Skriket" Edvard Munch ble født i Hedmark i 1863. Han var ikke bare kjent kunstner men også kunstteoretiker. En av de første representantene for en slik retning som ekspresjonisme. Arbeidene hans hadde stor innflytelse på kunsten på 1900-tallet. Temaene som står forfatteren nær er død og ensomhet, som er ledsaget av en umettelig livstørst.

En av hans første kjente verk ble "Sick Girl", skrevet i 1886. Han malte et stort lerret basert på hans egne minner om sykdommen og døden til sin eldre søster Sophie. Han søkte å kaste ut sine innerste følelser på lerretet, mens kritikere reagerte kaldt på verket. Å skrive så ærlig, snu sjelen ut og inn, var ennå ikke akseptert på den tiden.

Maleri "Skrik"

Edvard Munchs Skriket antas å ha blitt malt i 1893. Figur på lerret skrikende mann. Dessuten er den så primitiv at den har blitt brakt til nivået av et skjelett, en sædcelle eller et embryo.

Beskrivelsen av maleriet "The Scream" er umulig uten å nevne de bølgende landskapene, som så å si gjentar de avrundede konturene til hovedpersonens hode og hans maksimale bredde. åpne munnen. Det ser ut til at skriket kommer fra overalt. Det er en lys negative følelser, på grunn av hvilket mange til å begynne med ikke kunne forstå hvem som skrev dette verket - Munch eller Van Gogh.

Den negative følelsen som bryter ut fra den eneste karakteren i dette verket, knuser hele verden og får et ganske enkelt universelt omfang.

Men noen kritikere gir en annen beskrivelse av maleriet «Skriket». De legger merke til en person på den, som plages på grunn av "naturens rop", som forfatteren selv kalte ham. Dette ropet etter Munch ble hørt fra overalt.

Bildet av Edvard Munch så ut til å kunne se inn i det kommende århundre. Forutsi alle krigene, epidemiene, miljøkatastrofene og revolusjonene som har rammet menneskeheten i disse hundre årene. Samtidig, ifølge mange kritikere, nekter forfatteren bokstavelig talt enhver, selv den minste mulighet til å motstå dem og overvinne motgang. De er uunngåelige, og de må adlyde. Forfatteren ser ingen vei ut av denne situasjonen.

Versjoner av "The Scream"

Det er kjent at det finnes flere versjoner av maleriet «Skriket» av norske Munch. Minst fire. Den berømte ekspresjonisten malte dem ved hjelp av ulike teknikker og måter å skrive på.

Maleriet «Skriket», hvor originalen står i Munchmuseet i norsk hovedstad Oslo, presentert i galleriet i to versjoner. Den ene er i olje, den andre er i pastell.

Et annet verk av forfatteren under samme navn er lagret i Nasjonalmuseet. Det er denne versjonen som regnes som den mest kjente i verden. Ifølge beretningen ble den skrevet nummer to. For å lage den brukte kunstneren også olje.

En annen versjon av «Skrik» er fortsatt ikke inne statlig galleri men i private hender. Lerretet, skrevet i pastell, tilhørte den norske forretningsmannen og milliardæren Petter Olsen. I 2012 stilte han den ut på åpen auksjon. Som et resultat ble maleriet solgt til den amerikanske forretningsmannen Leon Black. Kostnadene beløp seg til nesten 120 millioner amerikanske dollar. På den tiden var det rekord for kostnadene for et kunstverk.

En slik interesse for Munchs arbeid gjorde henne til et mål for inntrengere mer enn en gang, som forsøkte å stjele eller forfalske maleriet. Det berømte tyveriet av Skriket fra Nasjonalmuseet fant sted i 1994. Det var bare noen måneder senere at hun kunne vende tilbake til plassen sin.

Den polske kritikeren St. Przybyshevsky skrev om maleriet "Skriket": "Det er umulig engang å gi en ide om dette maleriet - all dets uhørte kraft er i farger. Himmelen ble rasende av ropet fra den stakkars sønnen til Eva. Hver lidelse er en avgrunn av gammelt blod, hvert utstrakt hyl av lidelse er klubber av bånd, ujevne, grovt forskjøvet, som kokende atomer fra fremvoksende verdener... Og himmelen skriker, hele naturen er konsentrert i en forferdelig orkan av skrik, og foran, på perrongen, er en mann og skriker og klemmer hodet med begge hender, for av slike skrik sprekker årene og håret blir grått.

Skriket av Edvard Munch er et emblem og utstillingsvindu for ekspresjonismen, selv om maleriet ble malt før ekspresjonismen ble utbredt. Edvard Munch(som Van Gogh) skapte ikke bare grafiske og fargerike verk, men fylte dem også med livlige følelser. Når det gjelder bildet "Hyle"- overveldende følelser. "Hyle" ble et forspill til modernismen og det 20. århundres kunst, reflekterer den de sentrale modernistiske temaene ensomhet, fortvilelse og fremmedgjøring.

Dette bildet er et av de mest mystiske mesterverk verdensmaleri. Kunstnerens kraft Munch ikke bare i kunstnerisk dyktighet, men i mesterens spesielle filosofi, i hans evne til å tvetydig se og tolke verden rundt seg. Meg selv Munch sa at han ikke bare skildret det han så, men det som vekket en filosofisk reaksjon hos ham. Og i dette bildet er det reaksjonen som kommer i forgrunnen, eller rettere sagt, de gjenskapte følelsene.

På tegningen fra 1892 "Fortvilelse" Munch laget følgende oppføring:

«Jeg gikk langs veien med to kamerater. Solen var i ferd med å gå ned. Himmelen ble plutselig blodrød, og jeg kjente en eksplosjon av melankoli, gnagende smerte under hjertet mitt. Jeg stoppet og lente meg mot gjerdet, dødstrøtt. Over den blåsvarte fjorden og byen lå blod og flammer. Vennene mine fortsatte å gå, og jeg ble værende bak, skjelvende av frykt, og jeg hørte et endeløst skrik gjennomtrengende natur.

Litt senere vil han legemliggjøre denne følelsen i bildet. "Hyle" Eller rettere sagt i flere bilder.

Tross alt "Hyle" er en serie ekspresjonistiske malerier av en norsk kunstner Edvard Munch, som viser en desperat skikkelse mot en blodrød himmel. i bakgrunnslandskapet "Hyle" man kan gjette utsikten over Oslofjorden fra Ekebergbakken i Christiania. Opprinnelig navn på tysk, gitt Munk bildet, var "Der Schrei der Natur" ("Cry of Nature").

Edvard Munch, "Skriket". 1893

Kartong, olje, tempera, pastell. 91 × 73,5 cm

Nasjonalgalleriet, Oslo

"Placert i midten av komposisjonen tiltrekker figuren til en desperat skrikende mann seerens oppmerksomhet. På et ansikt som er upersonlig til det primitive, leses fortvilelse og gru, på grensen til galskap. Forfatteren klarte å formidle de mektigste menneskelige følelsene med gjerrige midler. I lidelsens øyne gjør en vidåpen munn selve skriket gjennomtrengende og virkelig håndgripelig. Hevede hender som dekker ørene snakker om et refleks ønske fra en person om å stikke av fra seg selv, for å stoppe dette angrepet av frykt og håpløshet. Ensomheten til hovedpersonen, hans skjørhet og sårbarhet fyller hele verket med en spesiell tragedie og energi.

Munch laget fire versjoner "Hyle", hver laget med en annen teknikk.

I museet Munch presentert en av to alternativer, laget i olje, og en pastell.

Den mest kjente, andre versjonen, er utstilt på Nasjonalmuseet. Den er malt i oljer.

Den eneste versjonen av plottet som forblir i private hender er laget i pastell. Den var eid av den norske milliardæren Petter Olsen, som la den ut på auksjon i mai 2012. Som et resultat ble maleriet solgt til Leon Black for 119 millioner 922 tusen 500 dollar, som på den tiden representerte en rekord for kunstverk.

På tampen av auksjonen sa David Norman, medformann i styret i Sotheby's:

« "Hyle" refererer til det kollektive ubevisste. Uansett nasjonalitet, trosbekjennelse eller alder, må du ha opplevd den samme eksistensielle redselen minst én gang, spesielt i en tid med vold og selvdestruksjon, når alle kjemper for å overleve.»

Han mener også at lerretet Munch ble et profetisk verk som forutså det 20. århundre med sine to verdenskriger, Holocaust, miljøkatastrofer og atomvåpen.

Forresten, denne versjonen "Hyle" er et av de mest gjenkjennelige kunstverkene i historien, på nivå med Van Goghs Solsikker eller Malevichs.

Skrik - Edvard Munch. 1893. Papp, olje, tempera, pastell. 91 x 73,5

ekspresjonistisk mønster, maleri "Skrik", som sine mange varianter, er fortsatt et av verdensmaleriets mest mystiske mesterverk. Mange kritikere mener at plottet til bildet er frukten av en syk fantasi om en mentalt usunn person. Noen ser i verket en forutanelse om en økologisk katastrofe, noen løser spørsmålet om hva slags mumie som inspirerte forfatteren til å gjøre dette arbeidet. Bak alle filosofiene forsvinner det viktigste - følelsene som dette bildet vekker, atmosfæren det formidler og ideen om at hver betrakter kan formulere seg selv uavhengig.

Hva representerte forfatteren? Hvilken mening la han i sitt tvetydige arbeid? Hva ville du si til verden? Svarene på disse spørsmålene kan være forskjellige, men alle er enige om én felles mening - "skrik" får seeren til å kaste seg ut i vanskelige tanker om seg selv og det moderne livet.

Analyse av maleriet "The Scream"

Den røde, brennhete himmelen dekket den kalde fjorden, som igjen gir opphav til en fantastisk skygge, lik en viss sjømonster. Spenning forvrenger rommet, linjer bryter, farger stemmer ikke, perspektivet blir ødelagt.

Bare broen som bildets helter står på er uforgjengelig jevn. Det er i motsetning til kaoset som verden stuper inn i. En bro er en barriere som skiller mennesket fra naturen. Beskyttet av sivilisasjonen har folk glemt hvordan de skal føle, se og høre. To likegyldige skikkelser i det fjerne, som ikke reagerer på noen måte på det som skjer rundt omkring, understreker bare tragedien i handlingen.

Figuren av en desperat skrikende mann plassert i midten av komposisjonen tiltrekker seg oppmerksomheten til betrakteren i utgangspunktet. På et ansikt som er upersonlig til det primitive, leses fortvilelse og gru, på grensen til galskap. Forfatteren klarte å formidle de mektigste menneskelige følelsene med gjerrige midler. I lidelsens øyne gjør en vidåpen munn selve skriket gjennomtrengende og virkelig håndgripelig. Hevede hender som dekker ørene snakker om et refleks ønske fra en person om å stikke av fra seg selv, for å stoppe dette angrepet av frykt og håpløshet.

Ensomheten til hovedpersonen, hans skjørhet og sårbarhet, fyller hele verket med en spesiell tragedie og energi.

Forfatteren bruker en kompleks teknikk, i ett verk ved hjelp av og oljemaling og tempera. Samtidig er fargeleggingen av verket enkel, til og med gjerrig. Faktisk to farger - rød og blå, samt en blanding av disse to fargene - og skaper alt arbeidet. Intrikate, urealistiske kurver av linjer i bildet av den sentrale figuren og naturen fyller komposisjonen med energi og drama.

Betrakteren bestemmer selv spørsmålet: hva kommer først i verket - et rop eller en deformasjon. Hva er kjernen i arbeidet? Kanskje, fortvilelsen og redselen manifestert i ropet og ga opphav til deformasjon rundt, reagerer på menneskelige følelser, reagerer naturen på en lignende måte. Du kan også se "ropet" i deformasjonen.

Historisk informasjon om maleriet

Overraskende nok ble dette verket til Munch stjålet flere ganger av angripere. Og det er ikke så mye den kolossale kostnaden for "Skrik". Poenget er den unike og uforklarlige innvirkningen dette verket har på betrakteren. Bildet er emosjonelt rikt og i stand til å fremkalle sterke følelser. På den annen side, på den mest ukjente måten, etter å ha skapt sitt mesterverk helt på slutten av 1800-tallet, var forfatteren i stand til å forutsi tragedien og overfloden av katastrofer i det tjuende århundre.

Det skal legges til at det var dette verket som inspirerte mange filmregissører og manusforfattere til å lage filmer av ulike slag. Ingen av filmene kom imidlertid tragediemessig og følelsesmessig i nærheten av Edvard Munchs mesterverk.

For 150 år siden, ikke langt fra Oslo, ble Edvard Munch født – en norsk maler, hvis verk, grepet av fremmedgjøring og gru, få mennesker kan la være likegyldige. Munchs malerier vekker følelser selv blant folk som ikke vet lite om kunstnerens biografi og omstendighetene som gjør at lerretene hans nesten alltid er malt i dystre farger. Men i tillegg til de stadige motivene om ensomhet og død, kan man også føle lysten til å leve i maleriene hans.

"Syk jente" (1885-1886)

"Syk jente" tidlig bilde Munch, og en av de første som ble presentert av kunstneren på høsten kunstutstilling 1886. Maleriet viser en sykelig rødhåret jente som ligger i sengen, og en kvinne i en svart kjole holder henne i hånden og bøyer seg. Halvmørket hersker i rommet, og det eneste lyspunktet er ansiktet til en døende jente, som ser ut til å være opplyst. Selv om 11 år gamle Betsy Nielsen poserte for maleriet, var lerretet basert på kunstnerens minner knyttet til hans elskede storesøster Sophie. Da den fremtidige maleren var 14 år, døde hans 15 år gamle søster av tuberkulose, og dette skjedde 9 år etter at familiens mor, Laura Munch, døde av samme sykdom. En vanskelig barndom, overskygget av to nære menneskers død og farprestens overdrevne fromhet og strenghet, gjorde seg gjeldende gjennom hele Munchs liv og preget hans verdensbilde og kreativitet.

"Faren min var veldig kvikk og besatt av religion - fra ham arvet jeg galskapens spirer. Åndene av frykt, sorg og død omringet meg fra fødselsøyeblikket," minnes Munch om barndommen.

Kvinnen som er avbildet ved siden av jenta på maleriet er kunstnerens tante Karen Bjelstad, som tok seg av søsterens barn etter hennes død. Noen uker der Sophie Munch holdt på å dø av konsum ble en av de mest forferdelige periodene i Munchs liv - spesielt allerede da tenkte han først på betydningen av religion, som senere førte til avvisning fra den. Ifølge kunstnerens memoarer, på den skjebnesvangre natten, hans far, som i alle problemer vendte seg til Gud, "gikk opp og ned i rommet og foldet hendene i bønn," og kunne ikke hjelpe datteren på noen måte .

I fremtiden kom Munch tilbake til den tragiske natten mer enn én gang – i førti år malte han seks malerier som skildrer sin døende søster Sophie.

Lerretet til den unge kunstneren, selv om det ble stilt ut sammen med malerier av mer erfarne malere, fikk ødeleggende anmeldelser fra kritikere. Så "Syk jenta" ble kalt en parodi på kunst, og den unge Munch ble bebreidet for å våge å presentere et uferdig, ifølge eksperter, bilde. «Den beste tjenesten som kan ytes til Edvard Munch, er å gå stille forbi maleriene hans», skrev en av journalistene og la til at lerretet senket utstillingens overordnede nivå.

Kritikk endret ikke oppfatningen til kunstneren selv, for hvem "The Sick Girl" forble et av hovedmaleriene til slutten av livet. Maleriet kan nå sees i Nasjonalgalleriet Oslo.

"Skrik" (1893)

I arbeidet til mange kunstnere er det vanskelig å skille ut den mest betydningsfulle og kjent maleri, men i tilfellet Munch er det ingen tvil - hans "Skrik" er kjent selv for folk som ikke har en svakhet for kunst. Som mange andre lerreter gjenskapte Munch Skriket i løpet av flere år, og skrev den første versjonen av maleriet i 1893 og den siste i 1910. I tillegg arbeidet kunstneren i disse årene med stemningsliknende malerier, for eksempel på "Alarm" (1894), som skildrer mennesker på samme bro over Oslofjorden, og "Aften på Karl Johns gate" (1892). I følge noen kunsthistorikere prøvde kunstneren på denne måten å bli kvitt "Skriket" og var i stand til å gjøre dette først etter et behandlingsforløp i klinikken.

Munchs forhold til maleriet, så vel som dets tolkninger, er et yndet tema blant kritikere og eksperter. Noen tror at en mann sammenkrøpet i skrekk reagerer på "Cry of Nature" som kommer fra overalt (den originale tittelen på bildet - red.). Andre mener at Munch forutså alle katastrofene og omveltningene som venter menneskeheten på 1900-tallet, og skildret fremtidens redsel og samtidig umuligheten av å overvinne den. Uansett, det følelsesladede maleriet ble et av ekspresjonismens første verk og forble for mange dets emblem, og temaene fortvilelse og ensomhet reflektert i det viste seg å være de viktigste i modernismens kunst.

Om hva som dannet grunnlaget for "Skrik", skrev kunstneren selv i dagboken sin. En oppføring med tittelen "Nice 01/22/1892" sier: "Jeg gikk langs stien med to venner - solen gikk ned - plutselig ble himmelen blodrød, jeg stoppet, følte meg utmattet og lente meg mot gjerdet - jeg så ved blodet og flammene over blåsvart fjord og by - vennene mine fortsatte, og jeg sto og skalv av begeistring og kjente det endeløse skriket som gjennomtrengte naturen.

Munchs "Skrik" påvirket ikke bare kunstnerne på 1900-tallet, men ble også sitert i popkulturen: Den mest åpenbare hentydningen til maleriet er det berømte.

"Madonna" (1894)

Munchs maleri, som i dag er kjent som "Madonna", ble opprinnelig kalt " kjærlig kvinne". I 1893 poserte Dagny Jul, kona til forfatteren og vennen til Munch Stanislav Pshibyszewski og musen til samtidskunstnere, for kunstneren for henne: i tillegg til Munch ble Jul-Pshibyszewska malt av Wojciech Weiss, Konrad Krzhizhanovsky, Julia Volftorn.

Slik Munch unnfanget, skulle lerretet reflektere hovedsyklusene i en kvinnes liv: unnfangelsen av et barn, produksjonen av avkom og døden. Det antas at den første fasen skyldes stillingen til Madonnaen, den andre Munch reflektert i en litografi laget i 1895 - i nedre venstre hjørne er det en figur i stillingen til et embryo. At kunstneren assosierte maleriet med døden, bevises av hans egne kommentarer til det, og det faktum at kjærligheten etter Munchs syn alltid har vært uløselig knyttet til døden. I tillegg, enig med Schopenhauer, mente Munch at funksjonen til en kvinne er oppfylt etter fødselen av et barn.

Det eneste som forener den nakne svarthårede Madonna av Munch med den klassiske Madonna er en glorie over hodet hennes. Som i resten av maleriene sine brukte Munch her ikke rette linjer – kvinnen er omgitt av myke «bølgete» stråler. Til sammen har kunstneren laget fem versjoner av lerretet, som nå er lagret i Munch-museet, Nasjonalmuseet for kunst, arkitektur og design i Oslo, i Kunsthalle i Hamburg og i private samlinger.

"Avskjed" (1896)

I nesten alle maleriene sine gjennom 1890-årene brukte Munch de samme bildene, og kombinerte dem på forskjellige måter: en lysstripe på overflaten av havet, en lyshåret jente i kysten, en eldre kvinne i svart, en lidende Mann. I slike malerier portretterte Munch vanligvis hovedpersonen på forgrunnen og noe som minner ham om fortiden er bak ham.

I "Avskjeden" hovedperson- en forlatt mann hvis minner ikke tillater ham å bryte med fortiden. Munch viser dette med langt hår jenter som utvikler seg og tar på mannens hode. Bildet av en jente - ømt og som om det ikke er fullt skrevet - symboliserer en lys fortid, og figuren til en mann, hvis silhuett og ansiktstrekk er avbildet mer nøye, tilhører den dystre nåtiden.

Munch oppfattet livet som en konstant og konsekvent avskjed med alt som er kjært for en person, på veien til den endelige avskjeden med selve livet. Silhuetten til jenta på lerretet smelter delvis sammen med landskapet - på denne måten vil det være lettere for hovedpersonen å overleve tapet, hun vil bare bli en del av alt som han uunngåelig vil skille seg av med i løpet av livet.

"Jenter på broen" (1899)

"Jenter på broen" er et av få malerier av Munch som fikk berømmelse etter skapelsen - anerkjennelse fikk Munch og de fleste av hans kreasjoner først i siste tiåret kunstnerens liv. Kanskje skjedde dette, fordi dette er et av få malerier av Munch, mettet med fred og ro, der pikefigurene og naturen er avbildet i muntre farger. Og selv om kvinner i Munchs malerier, så vel som i verkene til Henrik Ibsen og Johan August Strindberg, som han forgudet, alltid symboliserer livets skjørhet og den tynne linjen mellom liv og død, reflekterte «Jentene på broen» en sjelden tilstand av åndelig glede for kunstneren.

Munch skrev så mange som syv versjoner av maleriet, hvorav den første er datert 1899 og oppbevares nå i Oslo Nasjonalgalleri. En annen versjon, skrevet i 1903, kan sees i Pushkin-museet im. A.S. Pushkin. Maleriet ble brakt til Russland av samleren Ivan Morozov, som kjøpte maleriet på Paris Salon of Independents.

Populær i kategorien: