Rokotov, Fedor Stepanovich. Portrett av A.P. Struyskaya. 1772. Tretjakov-galleriet
Lerret, olje. 59,8 x 47,5

Kvinnen i portrettet ser ut til å komme ut av mørket, han er halvt oppslukt i disen. Bare uttrykksfulle øyne er tydelig definert - lyse, iøynefallende. Spesielt vellykket i portrettet av Struyskaya, øynene er alltid interessante i Rokotovs portretter. De uttrykker en rekke følelser, de er alltid spesielt lyse og danner sentrum av portrettet. De snakker til og med om «Rokotovs øyne» som en spesiell «know-how».
Portrettet ble bestilt av Nikolai Struysky, Alexandra Petrovnas ektemann. Samtidig malte Rokotov også et portrett av selveste Nikolai Struysky. Fremført på samme måte er Nikolai Struysky fortsatt mye mindre kjent. Dette portrettet kan også sees i Tretjakovgalleriet, i et annet rom.
Antagelig ble det bestilt sammenkoblede portretter til bryllupet, og i dette tilfellet er Alexandra Struyskaya ikke mer enn 18 år gammel i portrettet.
Rokotov forble i mange år en venn av Struysky-familien, og Nikolai Struysky var nesten den eneste beundrer av Rokotovs talent, og han var den første som samlet en samling av verkene hans.
Det fortelles mange motstridende historier om Nikolai Struysky. Tar en stor interesse for maleri og litteratur, gjør publisering, han forble fortsatt en tyrann i husholdningen sin, for livegne - en småtyrann.
Den «merkelige herremannen» fant seg forresten en poet og viet hauger med klønete tungvinte vers til sin forgudede kone. Ironisk nok gikk ingen av dem ned i historien, men diktet dedikert ikke til skjønnheten selv, men til Rokotovs portrett, ble en lærebok.
Dette er det berømte "portrettet" av Nikolai Zabolotsky, malt på 1900-tallet, etter døden til alle tre karakterene: kunstneren og begge modellene hans.
Elsker å male, poeter!
Bare hun, den eneste, er gitt
Sjel av foranderlige tegn
Overfør til lerret.
Husker du hvordan fra fortidens mørke,
Knapt pakket inn i sateng
Fra portrettet av Rokotov igjen
Så Struyskaya på oss?
Øynene hennes er som to skyer
Halvt smil, halvt gråt
Øynene hennes er som to løgner
Dekket av tåke av feil.
Kombinasjon av to mysterier
Halvt glede, halvt skrekk
Et anfall av vanvittig ømhet,
Forventningen av dødspine.
Når mørket kommer
Og stormen kommer
Fra bunnen av min sjel flimrer
Hennes vakre øyne.

Borovikovsky Vladimir Lukich
Portrett av M.I. Lopukhina
1797
Lerret, olje
72 x 53,5

«Hun har gått for lengst, og det er ikke lenger de øynene
Og det er ikke noe smil som stilles til uttrykk
Lidelse er skyggen av kjærlighet, og tanker er skyggen av sorg,
Men Borovikovsky reddet skjønnheten hennes.
Så en del av sjelen hennes flyktet ikke fra oss,
Og det vil være dette utseendet og denne skjønnheten til kroppen
For å tiltrekke likegyldige avkom til henne,
Lær ham å elske, lide, tilgi, være stille"
(Y. Polonsky)

Borovikovsky har en mystisk ting - et portrett av M. I. Lopukhina, uten tvil, hans beste verk, hans mesterverk. Først av alt er lyset som en kvinnes figur oversvømmes med slående, som T. Alekseeva treffende bemerket, det "absorberer fargens lysstyrke" og fargeflekker (vi vil bruke hennes bemerkning, som imidlertid forteller, imidlertid til et annet portrett av Borovikovsky) oppstår "som fra dypet av luftbakgrunnen". Lopukhina er nedsenket i denne luftstrømmen.
Som alltid med Borovikovsky er hun i en hvit kjole og et farget skjerf, som alltid er hun litt flyttet til høyre slik at vi kan se landskapet. Hun er litt flørtende i en sving, ekstremt uavhengig og suveren, ser med en viss trass ut. Men dette lyset som glir over et ungt ansikt, disse flygende krøllene, disse leppene så ømt omrisset (de skjelver bare ikke) - alt i dette fengslende ansiktet er fullt av mykhet og lyrikk - selve godtroenhet som inspirerer perfekt selvtillit. Men følelsen av letthet, lyrikk og godtroenhet forsvinner med en gang, man trenger bare å se henne inn i øynene - de har den harde grønne av en drue. Nei, enda mer: de er fremmedgjorte, nesten fiendtlige. I alle fall er barrieren enda mer distinkt og skarp enn Rokotovs modeller. Med hvilken realistisk dyktighet Lopukhinas ansikt er skrevet ut, og likevel viser den høyeste virkeligheten seg å være en ukjent dyp opplevelse som vi gjetter på (som vi mer presist prøver å nøste opp). Uansett hvor forskjellige begge kunstnerne er, selv polare, i skrivemåte, i stil, i forhold til modellen, i verdensbildet - fortsatt deres eget den beste tingen Borovikovsky nærmer seg Rokotov, og det felles grunnlaget for tilnærming er nærhet til det ukjente og følelsen av et slør.
Chaikovskaya O.G. "Like a Curious Scythian...": Russisk portrett og memoarer fra andre halvdel av 1700-tallet. - M.: Bok, 1990. S.267.
(

Valentin Alexandrovich Serov
Jente opplyst av solen (Portrett av M.Ya.Simonovich)
Lerret, olje. 89,5x71 cm.
Stat Tretyakov-galleriet, Moskva.

Maria Yakovlevna Simonovich (1864-1955), hans fetter, poserte for kunstneren. Originaliteten til komposisjonen ble uttrykt i det faktum at modellen er plassert under baldakinen av trær. Med brøkslag formidler Serov spillet solstråler, flimrende fargede skygger. Varme, milde stråler forstyrrer ikke den trollbundne tilstanden til den unge heltinnen. Hennes avslappede holdning forsterker inntrykket av oppløsning i lysrefleksjoner og iriserende blink. Bare ansiktet, den hvite blusen og hendene til jenta er dekket med fargeimpresjonistiske reflekser, og detaljene som rammer inn figuren hennes er malt i mørke farger. Kunstnerens dyktighet i å skildre modellens øyne er slående, som det ser ut til å flyte fra stille lys. Dermed oppstår et bilde av inntrengningen av sollys og lyset fra den menneskelige sjelen.

Somov Konstantin Andreevich
(1869-1939)
Portrett av E.P. Nosova. 1911
Lerret, olje. 138,5 x 88 cm
Statens Tretyakov-galleri

I 1910, i dagene da Somov ankom Moskva og begynte arbeidet med portrettet av Evfemia Pavlovna Nosova, skrev han i brev: "En blond, tynn, med et blekt ansikt, et stolt utseende og veldig smart, god smak hvori".
Evfimiya Pavlovna er kjent for å ha vært datter av en av Ryabushinskyene, kjente kjøpmenn og industrimenn i tredje generasjon, direkte deltakere, ledet av arkitekten Shekhtel, i utviklingen av russisk jugendstil. Hun ble født i 1883 (de indikerer også 1881, men dødsåret er i tvil). I alle fall i boken «K.A. Somov. Kunstnerens verden. Bokstaver. Dagbøker. Samtidens dommer. Moskva, 1979, som jeg holdt i hendene samme 1979, ble det rapportert at E.P. Nosova bor i Roma.
Portrettet ble bestilt fra Somov, som kom til Moskva for å male et portrett av G. L. Girshman, tilsynelatende i forbindelse med et kommende eller tidligere bryllup i samme 1910. Med fødsels- og dødsdato er det fortsatt full uenighet. Hvis Evfimiya Pavlovna (navn fra en bestemor fra en gammeltroende familie) ble født i 1883, er det rart at hun gifter seg først når hun er 27 år gammel. Hun studerte musikk og maleri, var glad i teater, kanskje hun drømte om en scene? Og ifølge andre kilder ble hun født i 1881, hun døde i 1970. Så hun giftet seg først 29 år gammel? Er dette en vakker og rik brud?
Det finnes også data om fødsel og død: 1886-1976. Til og med dagene og månedene er oppført. Det ser ut til at disse er de mest trofaste. Hun gifter seg som 24-åring, og vi ser en ung kvinne ved et vendepunkt i livet hennes, stolt og sta i ungdommen. Boken jeg nevnte var klar for utgivelse to eller tre år før utgivelsen, om ikke tidligere, etter planen, ble bøker utgitt på den tiden, og Evfemia Pavlovna kunne fortsatt bo i Roma.
Og portrettet hennes av Somov havnet i Tretyakov-galleriet sammen med samlingen hennes, hvor hun overførte det i 1917 for lagring. Samlingen hennes inkluderte malerier av Rokotov, helt glemt på den tiden, Borovikovsky, Kiprensky, Venetsianov. Rart, jeg husker ikke om jeg så et portrett av E.P. Nosova på veggene til Tretjakovgalleriet? Jeg vet kanskje ikke noe om artisten ennå, men typen skjønnhet til modellen hans ville absolutt ha fanget min oppmerksomhet.
Somov skrev: "Hun sitter i en hvit satengkjole, dekorert med svarte blonder og koraller, den er fra Lamanova, hun har 4 perlesnorer rundt halsen, håret hennes er fantastisk ... som en slags stor bille på hodet. ." Det kan også sees av gjengivelsen i boken: Evfimiya Pavlovna er faktisk en ekstraordinær modell. Og dette er ikke bare i rikdom, men i stil, et barn av russisk modernitet, dets levende modell, mens det ikke er en skygge av dekadanse, men skjønnhet og kraften til livsbekreftelse.
Somov skrev: "Jeg var i esken til Nosova, som var betagende kledd, en knallblå satengkjole, brodert med perlemorsilke med rosa tyllskuldre, på halsen en riviera med lange hengende ender av diamant-trefler, forbundet med diamanter..."
Euphemia Pavlovna, sosialist og samler av russiske malerier kunstnere fra XVIII - tidlig XIXårhundrer, 27 år. La oss anta 24. Den beste alderen kvinnelig skjønnhet når ungdommen fortsatt titter gjennom moden femininitet, men ikke en skygge av lettsindighet og forfengelighet, men gjennomtenkt alvor og den mest naturlige stoltheten til en enestående personlighet.
"Hun er veldig vakker. Men hvilken pine kjolen hennes er, ingenting kommer ut ... ”- kunstneren blir direkte fortvilet. Men å posere for en strålende skjønnhet dag etter dag er ikke en lett oppgave. Det skal også bemerkes at kjolen fra Lamanova ikke var lett for henne. Ikke på grunn av prisen. Nadezhda Pavlovna Lamanova (1861-1941) skapte kjoler som et kunstverk og ikke generelt, men under en modell, og flyttet fra en mannequin til en levende modell, endringer og bearbeiding, som en maler, førte henne ofte til å besvime. Damene holdt ut, fordi de visste: hun ville slites ut, men kjolen ville komme ut som fra Paris. Fra et historisk perspektiv er det klart – bedre enn fra Paris.
Somov noterer seg: "Jeg tilsto min feil, hun styrker meg, sier at hun er sta og tålmodig."
Med kunstnerisk smak visste hun at både kjolen av Lamanova og portrettet hennes av Somov ville være mesterverk, og hun søkte hardnakket og tålmodig for sin del det samme som disse kunstnerne, hver i sin sfære, og hennes egen sfære var selve livet i dens høyeste manifestasjoner.
Somov, alltid misfornøyd med seg selv, alltid fortvilet i løpet av arbeidet, arbeidet møysommelig der andre ikke ville ha funnet hva annet kunne gjøres, og skapte noe unikt. Portrettet ble fullført i 1911. En interessant vurdering av Mikhail Nesterov, som så ut til å ikke ha sett den velkjente skjønnheten i Moskva, en deltaker i møtene til Society of Free Aesthetics.
Fra et brev fra M. Nesterov datert 3. mars 1911 (Moskva):
"Vel, for å avslutte forfatterskapet mitt med verdighet, vil jeg fortelle deg om det nye store portrettet av Somov med en viss Nosova utstilt her på World of Art - her, bror, er et sant mesterverk! - et etterlengtet arbeid, som du slapper av. Så den er gjennomtrengende, behersket-edel, mesterlig ferdig. Dette er ikke Levitsky og ikke Kramskoy, men noe i skjønnhet nær den første og i alvor til den andre. Umiddelbart vokste mannen til en veldig stor mester.
Kunstneren ser først av alt kunstnerens arbeid, i mellomtiden er det klart: grunnlaget for suksess er en ekstraordinær modell med hennes interesse for kunst, spesielt på russisk maleri XVIII- begynnelsen av 1800-tallet. Og til renessansen i Italia.
Evfimia Pavlovna, etter å ha giftet seg med V.V. Nosov, sønn av en tekstilprodusent, slo seg ned i et herskapshus på Vvedenskaya-plassen, hvis interiør umiddelbart ble endret til hennes smak. Hun tiltrakk seg kjente arkitekter og kunstnere til ideen sin, til og med Valentin Serov, som de sier hun ikke kom overens med, men mest sannsynlig døde han snart, og sendte til og med Mstislav Dobuzhinsky til Italia, sannsynligvis for å besøke der hun allerede hadde vært, og han. Da han kom tilbake, skapte han en freskomaleri i ånden til de som ble sett i palasset til Cosimo Medici: på en koboltbakgrunn med forgylling, er et mytologisk plot gjengitt med inkludering av portretter av eierne av herskapshuset. De snakker om nyklassisisme når det er samme renessanseestetikk som Sandro Botticellis.
Endringer i det indre av herskapshuset, opprettelsen av en freske i renessansens ånd gikk hånd i hånd med Somovs arbeid med portrettet av E.P. Faktisk et mesterverk, et verdensmesterverk av russisk kunst. Somov har ingenting av det slaget. En ren klassiker blant hans romantiske fantasier.
Petr Kile

Serebryakova Zinaida Evgenievna. Bak toalettet. Selvportrett. 1909.
Statens Tretyakov-galleri, Moskva
Lerret på papp, olje.
75x65 cm

Komposisjonen presenteres som en refleksjon i et speil, som er tradisjonelt for selvportrettsjangeren. Denne teknikken gir et snev av intimitet og skaper samtidig den nødvendige løsrivelsen. Kunstneren bak morgentoalettet ser ut til å se på seg selv fra siden, som på en poserende modell. Motivet "gjennom glasset" fremkaller ikke en følelse av mystikk. Selv stearinlys, som vanligvis symboliserer tidens forgjengelighet i maleriet, ser ut til å glemme betydningen i bildets lyse atmosfære. Rommet i rommet er fylt med nyanser av hvitt. Fra de enorme skinnende brune øynene utstråler det vennlige ansiktet til heltinnen varme. Hender og hår skaper en ramme for ansiktet. I stedet for attributtene til maleri, er det attributter av kvinnelig skjønnhet på toalettbordet. Serebryakova demonstrerer ikke på noen måte at hun tilhører sine medkunstnere. Det er en følelse av at selvportrettet ble skrevet for nære personer i familiekretsen.

ALTMAN Natan Isaevich (1889-1970)

"... Altman ble slått av utseendet hennes, hennes fantastiske evne til å bære byrden av hennes plutselige berømmelse, som allerede ga denne unge kvinnen på hans alder noe kongelig. Da Altman ba Akhmatova om å posere for ham, sa hun ja, selv om hun var allerede eieren av en fantastisk tegning av Modigliani, som imidlertid Altman ikke kunne se: Anna Andreevna, den unge kona til Lev Gumilyov, kunne ikke vise den til noen. Først laget N. Altman en vennlig karikatur med ett slag , lite kjent i dag. Det berømte portrettet dukket opp senere, da lange økter begynte på loftsstudioet på Vasilyevsky Island, hvor Anna Akhmatova bodde i en studenthybel. Natan Altman bodde i nærheten, enten i det "møblerte huset New York", som Akhmatova senere tilbakekalt, eller i de møblerte rommene "Knyazhy Dvor", som han selv husket Altman malte en kvinne fra den futuristiske æra , som er beslektet med urban rytme, skrev han i det selvtillit, helse, nesten akrobatisk fleksibilitet av figuren. Ethvert portrett har sin egen undertekst og skjulte dramaturgi. Og man kan bare gjette om motivene som tvang Altman til å revurdere bildet av Akhmatova. Da dette portrettet ble malt, bodde Anna Andreevna alene i St. Petersburg, etter å ha forlatt Tsarskoje Selo og Gumilevs hus. Hennes siste brudd med Gumilyov kom, og det var som om et annet liv begynte, hun opplevde en følelse av en ny fødsel, og sannsynligvis hadde hun selv ingen anelse om hvordan hun ville bli. I det minste kan en slik konklusjon trekkes fra Akhmatovs dikt om dette portrettet av seg selv:

Som i et speil så jeg bekymret
På et grått lerret, og hver uke
Desto mer bitter og merkelig var likheten
Min med mitt nye bilde...

Dette er en av beste portretter Altman, en av dem der hans forkjærlighet for å koble det usammenhengende ga opphav til en uventet effekt. Hvis vi utelater de lyriske overtonene, så er portrettet av Akhmatova et typisk sekulært portrett og samtidig et avantgardeportrett. Det er både skarphet og estetisk begrunnelse i en slik blanding av stiler. Portrettet av Akhmatova ble en sensasjon på en av de kunstutstillinger Petersburg i 1915. Den kjente kritikeren L. Bruni skrev at «dette er ikke en ting, men en milepæl i kunsten» ... Kraften til Altmans portrett festet ikke bare bildet av Akhmatova i samtidens sinn, men viste seg å være hypnotisk. mange år senere, da andre portretter av henne allerede eksisterte, og Akhmatova selv var allerede annerledes. Portrettet ble husket selv fem år etter at det dukket opp: "Jeg kjenner deg og elsker deg fra den dagen jeg så portrettet ditt av Akhmatova," skrev Vyach. Ivanov i artistens album i 1920. Huskes tjue år senere. M.V. Alpatov, som først så Akhmatova på 1930-tallet, husket det samme portrettet: "I det øyeblikket åpnet døren seg, og hun selv kom inn i rommet, uhørlig og lett, som om hun hadde gått av Altmans portrett." Det er interessant at Akhmatova selv aldri likte Altmans portrett, og gjentar igjen og igjen at hun ikke liker Altmans portrett "som enhver stilisering i kunsten." Hun var intolerant overfor mytologisk bilde, som tok form tilbake på 1910-tallet og som fulgte Akhmatova hele livet, selv om hennes egen skjebne slett ikke var etter dette portrettet.
(

Marina Tsvetaeva "Anna Akhmatova"
Smal, ikke-russisk leir -
Over folioene.
Sjal fra tyrkiske land
Falt som en kappe.

Du vil bli overlevert til en
Brudd svart linje.
Kulde - i moro, varme -
I din fortvilelse.

Hele livet ditt er en frysning
Og det vil ende - hva er det?
Overskyet - mørkt - panne
Ung demon.

Hver av de jordiske
Du spiller - en bagatell!
Og et ubevæpnet vers
Sikter mot hjertet vårt.

Om morgenen søvnig time
- Jeg tror klokken er kvart over fem, -
jeg elsket deg
Anna Akhmatova.

Russisk maleri er med rette skilt ut fra verden Kunst. Faktum er at inntil det syttende århundre var innenlandsk maleri utelukkende forbundet med et religiøst tema. Situasjonen endret seg da tsar-reformatoren - Peter den store kom til makten. Takket være reformene hans begynte russiske mestere å engasjere seg i sekulært maleri, og ikonmaleri skilte seg ut som en egen retning. Det syttende århundre er tiden for slike kunstnere som Simon Ushakov og Iosif Vladimirov. Så på russisk kunstverdenen Portrettet ble født og ble raskt populært. På 1700-tallet dukket de første kunstnerne opp som gikk over fra portrett- til landskapsmaleri. Mesternes uttalte sympati for vinterpanoramaer er merkbar. Det attende århundre ble også husket for fødselen til hverdagsmaleriet. På det nittende århundre ble tre trender populær i Russland: romantikk, realisme og klassisisme. Som før fortsatte russiske kunstnere å vende seg til portrettsjangeren. Det var da verdensberømte portretter og selvportretter av O. Kiprensky og V. Tropinin dukket opp. I andre halvdel av det nittende århundre skildrer kunstnere oftere og oftere det enkle russiske folket i deres undertrykte stat. Realisme blir den sentrale trenden i maleriet i denne perioden. Det var da Wanderers dukket opp, og skildret bare det virkelige, virkelige livet. Vel, det tjuende århundre er selvfølgelig avantgarden. Kunstnerne på den tiden påvirket både tilhengerne deres i Russland og rundt om i verden betydelig. Maleriene deres ble forløperne til abstraksjonismen. Russisk maleri er et stort fantastisk verden talentfulle artister som glorifiserte Russland med sine kreasjoner

Gutter, vi legger sjelen vår i siden. Takk for det
for å oppdage denne skjønnheten. Takk for inspirasjon og gåsehud.
Bli med oss ​​kl Facebook Og I kontakt med

For det første vet vi to ting om maleriet: dets forfatter og, muligens, historien til lerretet. Men om skjebnen til de som ser på oss fra lerreter, vet vi ikke så mye.

nettsted Jeg bestemte meg for å snakke om kvinner hvis ansikter er kjent for oss, men historiene deres er det ikke.

Jeanne Samary
Auguste Renoir, Portrett av skuespillerinnen Jeanne Samary, 1877

Skuespillerinnen Jeanne Samary, selv om hun ikke kunne bli scenestjerne (hun spilte hovedsakelig hushjelper), var heldig i noe annet: i noen tid bodde hun ikke langt fra verkstedet til Renoir, som malte fire portretter av henne i 1877-1878, dermed glorifisere mye mer enn det kunne gjøre henne skuespillerkarriere. Zhanna spilte i forestillinger fra hun var 18 år, som 25-åring giftet hun seg og fikk tre barn, og skrev til og med en barnebok. Men denne sjarmerende damen levde dessverre ikke lenge: i en alder av 33 ble hun syk av tyfoidfeber og døde.

Cecilia Gallerani
Leonardo da Vinci, Dame med en hermelin
1489-1490

Cecilia Gallerani var en jente fra en adelig italiensk familie som allerede var forlovet i en alder av 10 (!) år. Men da jenta var 14 år, ble forlovelsen kansellert av ukjente årsaker, og Cecilia ble sendt til et kloster, hvor hun møtte (eller det hele ble satt opp) hertugen av Milano, Ludovico Sforza. En affære begynte, Cecilia ble gravid og hertugen bosatte jenta i slottet hans, men så var det på tide å inngå et dynastisk ekteskap med en annen kvinne, som selvfølgelig ikke likte tilstedeværelsen til hennes elskerinne i huset deres. Så, etter fødselen av Gallerani, tok hertugen sønnen for seg selv og giftet henne med en fattig greve.

I dette ekteskapet fødte Cecilia fire barn, holdt nesten den aller første litterære salongen i Europa, besøkte hertugen og lekte med glede med barnet sitt fra en ny elskerinne. Etter en stund døde Cecilias mann, krigen brøt ut, hun mistet velvære og fant ly i huset til søsteren til samme kone til hertugen - i et så fantastisk forhold klarte hun å være sammen med mennesker. Etter krigen vendte Gallerani tilbake til eiendommen hennes, hvor hun bodde til sin død i en alder av 63.

Zinaida Yusupova
V.A. Serov, "Portrett av prinsesse Zinaida Yusupova", 1902

Den rikeste russiske arvingen, den siste av Yusupov-familien, prinsesse Zinaida var utrolig pen, og til tross for at høytstående personer, blant andre, søkte hennes gunst, ønsket hun å gifte seg for kjærlighet. Hun oppfylte ønsket sitt: ekteskapet var lykkelig og brakte to sønner. Yusupova brukte mye tid og krefter på veldedige aktiviteter, og etter revolusjonen fortsatte den i eksil. Den elskede eldste sønnen døde i en duell da prinsessen var 47 år gammel, og hun kunne knapt bære dette tapet. Med begynnelsen av uroen forlot Yusupovs St. Petersburg og slo seg ned i Roma, og etter ektemannens død flyttet prinsessen til sønnen i Paris, hvor hun tilbrakte resten av dagene.

Maria Lopukhina
V.L. Borovikovsky, "Portrett av M.I. Lopukhina", 1797

Borovikovsky malte mange portretter av russiske adelskvinner, men denne er den mest sjarmerende. Maria Lopukhina, et medlem av Tolstoy-grevefamilien, er avbildet her i en alder av 18 år. Portrettet ble bestilt av ektemannen Stepan Avraamovich Lopukhin kort tid etter bryllupet. Enkelhet og et litt hovmodig utseende ser ut til å være enten den vanlige posituren for et slikt portrett av sentimentalismens epoke, eller tegn på en melankolsk og poetisk disposisjon. skjebnen til dette mystisk jente viste seg å være trist: bare 6 år etter å ha malt bildet, døde Maria av forbruk.

Giovannina og Amacilia Pacini
Karl Bryullov, rytter, 1832

"Hestekvinne" Bryullov - strålende formelt portrett, der alt er luksuriøst: lysstyrken til farger, og prakten av draperier, og skjønnheten til modeller. Den skildrer to jenter som bar etternavnet Pacini: den eldste Giovannina sitter på en hest, den yngste Amacilia ser på henne fra verandaen. Bildet til Karl Bryullov - hennes mangeårige kjæreste - ble bestilt av deres adoptivmor, grevinne Yulia Pavlovna Samoilova, en av vakre kvinner Russland og arving til en kolossal formue. Grevinnen garanterte en stor medgift til sine voksne døtre. Men det viste seg at hun i alderdommen praktisk talt hadde gått konkurs, og deretter samlet de adopterte døtrene til Jovanin og Amacilia, gjennom domstolene, de lovede pengene og eiendommene fra grevinnen.

Simonetta Vespucci
Sandro Botticelli, Venus' fødsel
1482–1486

Det berømte maleriet av Botticelli skildrer Simonetta Vespucci, den første skjønnheten i den florentinske renessansen. Simonetta ble født inn i en velstående familie, i en alder av 16 giftet hun seg med Marco Vespucci (en slektning av Amerigo Vespucci, som "oppdaget" Amerika og ga kontinentet navnet hans). Etter bryllupet slo de nygifte seg ned i Firenze, ble mottatt ved hoffet til Lorenzo Medici, i disse årene kjent for overdådige fester og mottakelser.

Vakker, samtidig veldig beskjeden og velvillig Simonetta ble raskt forelsket i florentinske menn. Herskeren av Firenze, Lorenzo selv, prøvde å ta vare på henne, men broren Giuliano var den mest aktive i å søke henne. Skjønnheten til Simonetta inspirerte mange kunstnere på den tiden, blant dem var Sandro Botticelli. Det antas at fra det øyeblikket de møttes, var Simonetta modellen for alle Madonnaer og Venuser av Botticelli. I en alder av 23 døde Simonetta av forbruk, til tross for innsatsen fra de beste rettslegene. Etter det avbildet kunstneren sin muse bare fra minnet, og i sin alderdom testamenterte han å bli gravlagt ved siden av henne, noe som ble gjort.

Vera Mamontova
V.A. Serov, "Jente med fersken", 1887

Det meste kjent maleri portrettmester Valentin Serov ble skrevet i boet til en velstående industrimann Savva Ivanovich Mamontov. Hver dag i to måneder poserte datteren hans, 12 år gamle Vera, for artisten. Jenta vokste opp og ble sjarmerende jente, gift for gjensidig kjærlighet Alexander Samarin, som tilhører den berømte adelig familie. Etter en bryllupsreise til Italia bosatte familien seg i byen Bogorodsk, hvor tre barn ble født etter hverandre. Men uventet i desember 1907, bare 5 år etter bryllupet, døde Vera Savvishna av lungebetennelse. Hun var bare 32 år gammel, og mannen hennes giftet seg aldri på nytt.

Alexandra Petrovna Struyskaya
F.S. Rokotov, "Portrett av Struyskaya", 1772

Dette portrettet av Rokotov er som et luftig hint. Alexandra Struyskaya var 18 år da hun ble gift med en veldig rik enkemann. Det er en legende om at mannen hennes ga henne intet mindre enn en ny kirke til bryllupet. Og hele livet skrev han poesi til henne. Hvorvidt dette ekteskapet var lykkelig er ikke kjent med sikkerhet, men alle som har vært i huset deres tok hensyn til hvor forskjellige ektefellene er. I 24 års ekteskap fødte Alexandra mannen sin 18 barn, hvorav 10 døde som spedbarn. Etter ektemannens død levde hun ytterligere 40 år, forvaltet eiendommen godt og overlot en anstendig formue til barna.

Sammen med mannen sin oppdro Lisa fem barn, og mest sannsynlig var ekteskapet hennes basert på kjærlighet. Da mannen hennes døde av pesten og Lisa også ble rammet av denne alvorlige sykdommen, var en av døtrene ikke redd for å ta moren til henne og la henne gå. Mona Lisa ble frisk og bodde en tid sammen med døtrene sine, og døde i en alder av 63.

Publikasjoner av museumsseksjonen

Tatyana før og etter Pushkin: portretter av tre århundrer

Det er trodd at populært navn Tatyana ble etter utgivelsen av romanen "Eugene Onegin". Men selv før det var dette navnet ikke uvanlig blant adelen. Vi husker portrettene av Tatyana fra 1700- til 1900-tallet sammen med Sofia Bagdasarova.

A. Antropov. Portrett av prinsesse Tatyana Alekseevna Trubetskoy. 1761. Tretjakov-galleriet

A. Peng. Portrett av prinsesse Tatyana Borisovna Kurakina. 1. etasje XVIII århundre, GE

Ukjent artist. Portrett av Anastasia Naryshkina med døtrene Tatyana og Alexandra. Tidlig på 1710-tallet, State Tretyakov Gallery

Jenter fra Romanov-familien ble døpt Tatyana tilbake på 1600-tallet: det var for eksempel navnet på søsteren til den første tsaren Mikhail Fedorovich og hans yngste datter. Så dette navnet fra kongedynasti forsvant, og den neste Tatyana dukket opp i den keiserlige familien på 1890-tallet. Men i de adelige familiene på 1600- og 1700-tallet forble navnet populært. En av de mest kjente Tatyana er Tatyana Shuvalova. Hennes sønn, keiserinne Elizabeths favoritt Ivan Shuvalov, valgte sin mors navnedag for å signere et dekret om grunnleggelsen av Moskva-universitetet. Så Tatyanas dag ble studentdagen. Portrettet av Tatyana Shuvalova er ikke bevart.

Det eldste russiske portrettet med Tatyana ble tilsynelatende familie portrett Naryshkins på 1710-tallet. Den skildrer datteren til den første kommandanten i St. Petersburg, Moskva-guvernøren Kirill Naryshkin med sin mor og søster. En ukjent kunstner utarbeidet ikke ansiktene veldig subtilt, men skrev nøye ut mønstrene på stoffet og den fasjonable blondefontangen (hodeplagget) til moren.

For å male et portrett av datteren til prins Boris Kurakin - og niesen til keiserinne Evdokia Lopukhina - inviterte de hoffmaleren til den prøyssiske kongen Antoine Pen. Direktøren for Berlin Academy of Arts, i tradisjonen med klassisisme, utarbeidet chiaroscuro, folder av klær, og til og med formidlet de mest subtile overløpene av dyrt stoff på skuldrene til prinsesse Tatyana Kurakina.

Prinsesse Tatyana Trubetskaya, søsteren til poeten Fjodor Kozlovsky, ser slående ut i et portrett fra 1761: kunstneren Alexei Antropov avbildet henne i et antrekk utsmykket med røde og grønne buer og blomster. Prinsessen med full sminke: i disse årene var det moteriktig ikke bare å pudre, men også å bruke rødme, tegne øyenbryn.

D. Levitsky. Portrett av Tatyana Petrovna Raznatovskaya. 1781. Stat Kunstmuseum Hviterussland

N. Argunov. Portrett av ballerinaen Tatyana Vasilievna Shlykova-Granatova. 1789. Kuskovo

E. Vigée-Lebrun. Portrett av Tatyana Vasilievna Engelhardt. 1797. Fuji-museet, Tokyo

Tjue år senere skrev Dmitry Levitsky Tatyana Raznatovskaya. En ung kvinne med en stolt holdning ser edel og elegant ut. Hennes lyseblå kjole og hvite silkekappe står i kontrast til den mørke dype bakgrunnen i de årenes billedtradisjoner.

En av de rikeste kvinnene i Russland, niesen til prins Potemkin, Tatyana Engelhardt, giftet seg med en av Yusupovs og brakte en gigantisk formue og det arvelige navnet Tatyana til familien deres. I portrettet av den besøkende franske portrettmaleren Vigée-Lebrun, vever Tatiana Engelhardt en krans av roser og er allerede kledd på en ny måte – i en høyt midjet kjole.

Forskere mener at blant bøndene var navnet Tatiana i XVIII-XIX århundrer tre ganger mer populært enn blant adelen. Sjeremetevs livegnemaler Nikolai Argunov portretterte en bondekvinne, Tatyana Shlykova, en skuespillerinne i et livegneteater, i et elegant scenekostyme. Senere plukket greven opp "dyrebare" etternavn for sine vakre skuespillerinner. Shlykova ble Granatova, og hennes "kolleger" - Zhemchugova og Turkis.

A. Bryullov. Portrett av Tatyana Borisovna Potemkina. 1830-årene VMP

V. Tropinin. Portrett av Tatyana Sergeevna Karpakova. 1818. Museum of Fine Arts of the Republic of Tatarstan

K. Reichel. Portrett av Tatyana Vasilievna Golitsyna. 1816, RM

Blant de udødeliggjorte på lerretene til Tatyana er det andre skuespillerinner. I 1818 portretterte Vasily Tropinin den unge danseren Karpakova. Foreldrene hennes spilte i de keiserlige teatrene, og hun var selv glad i ballett siden barndommen. Tatyana Karpakova har danset på scenen til Bolshoi Theatre siden hun var 12 år gammel, hennes samtidige beundret hennes uttrykksfulle ansiktsuttrykk, enkle danse og upåklagelig teknikk.

Samme år ble et portrett av prinsesse Tatyana Golitsyna laget. Svigerdatteren til Natalia Golitsyna, prototypen til Pushkins Spardame, avbildet i en svart beret. I den første tredjedelen av 1800-tallet ble disse hodeplaggene tradisjonelt båret av gifte damer. Riktignok foretrakk oftere mote kvinner lyse farger - bringebær, grønn, skarlagen.

«Beretens bredde strekker seg opp til tolv tommer; den øvre delen av dem er en, den nedre delen er en annen farge. Materialene som slike bareter er laget av er også forskjellige: sateng og fløyel. Disse baretene er satt på hodet så skjevt at den ene kanten nesten berører skulderen.

Utdrag fra et motemagasin fra 1800-tallet

En akvarell fra 1830-tallet av Alexander Bryullov skildrer Tatyana Potemkina. På den er modellen kledd i et antrekk som dekker ikke bare skuldrene, men også nakken, ørene og håret til prinsessen: Potemkina var veldig religiøs. Etter å ha blitt den åndelige datteren til St. Ignatius (Bryanchaninov), tok hun seg av spredningen av ortodoksien, bygde kirker, ga mye penger til veldedighet og tillot seg selvfølgelig ikke å ha en utringning.

V. Vasnetsov. Portrett av Tatyana Anatolyevna Mamontova (1884, State Tretyakov Gallery)

I. Repin. Portrett av Tatyana Lvovna Tolstaya (1893, Yasnaya Polyana)

F. Winterhalter. Portrett av Tatyana Alexandrovna Yusupova (1858, GE)

I 1825–1837 ble Alexander Pushkins Eugene Onegin utgitt i deler. Tatyana Larina ble den "første Tatyana" av russisk litteratur - før det foretrakk forfattere andre navn. Etter utgivelsen av romanen ble navnet mye mer populært - mange oppkalte døtrene sine etter den romantiske og dydige heltinnen til Pushkin.

Men ikke så mange portretter av Tatyana fra disse årene er bevart. Blant dem er et lerret der den fasjonable portrettmaleren Franz Xaver Winterhalter portretterte Tatyana Yusupova. Portrettets heltinne arvet det fra bestemoren Tatyana Engelhardt, og Yusupova kalte også en av døtrene hennes.

Portretter av døtrene til Leo Tolstoj og Anatoly Mamontov ble laget på 1880- og 1890-tallet av B. Kustodiev. Portrett av Tatyana Nikolaevna Chizhova. 1924. Ivanovo regionale kunstmuseum

M. Vrubel. Portrett av Tatyana Spiridonovna Lyubatovich som Carmen. 1890-årene GTG

Ved begynnelsen av det 20. århundre, i Moskva og Moskva-provinsen, ble navnet Tatiana det femte mest populære etter Maria, Anna, Catherine og Alexandra.

Portrettet av en av Tatyanas tilhører også børsten til Mikhail Vrubel. Opera sanger Tatyana Lubatovich er avbildet som Carmen - på begynnelsen av 1900-tallet var det et veldig populært bilde blant kunstnere og heltinnene til maleriene deres.

I 1908 malte Saratov-kunstneren Alexander Savinov lerretet "Harpist". Hans heltinne var kona til den berømte filosofen Semyon Frank, Tatyana Frank (nee Bartseva). Savinov skapte et dekorativt portrett med en teksturert tone og dempede farger i tradisjonene til den nye stilen som får fart - modernismen.

I denne kunstneriske kretsen til Tatyana er "Portrettet av kunstneren Tatyana Chizhova" bemerkelsesverdig, malt av Boris Kustodiev i 1924. Tittelen på bildet er en unøyaktighet. Etter Kustodievs død ble portrettet overført til det russiske museet, og forkortelsen i signaturen "arkitekt". dechiffrert som "kunstner". Faktisk var Tatyana Chizhova en arkeolog. I portrettet er hun avbildet i favorittkjolen og med bestemors ring på fingeren.

Nøyaktigheten i å skrive individuelle detaljer og motiver av mønstre vevd av hendene til russiske broderere, eller klare ornamenter på utskårne begre og boller, overrasker og gleder seere fra fortid og nåtid.

Luksuriøse klær brodert med perler, utrolig vakre hodeplagg fra den tiden, vakre hagtorn utsmykket med dyrebare halskjeder, gutter i brokade kaftaner - alt føles med hvilken kjærlighet til russisk nasjonal skjønnhet og kultur, for den rike arven til våre forfedre, disse bildene ble malt . Du kan stå i nærheten av hver av dem i lang tid - beundre de russiske mønstrene og føle stolthet over deg selv og samtidig tristhet, tristhet over at mye har gått tapt, ikke er blitt bevart og ikke er bevart i dag. Derfor er slike malerier, der unike bevis på kulturen i det russiske landet forble, spesielt verdifulle for oss.

Biografi om kunstneren Konstantin Makovsky

Og Konstantin Yegorovich, etter å ha arvet farens lidenskap, samlet alle mesterverkene av russisk gammelt håndverk, men det var "vakker antikken." Han tilførte dyktig noe til stuer og verksteder, og brukte det deretter i maleriene sine, og noe han ganske enkelt la inn i sitt gamle store ibenholt skap, slik at han senere kunne beundre og beundre skjønnheten og dyktigheten til russiske mestere.

På peisens gesims sto gamle husgeråd: sølvsleiver, kopper, servanter, vifter - gjenstander fra guttetiden. Gamle boyarbrokadekostymer, fargerike solkjoler, rekkverk besatt med perler, kokoshniks brodert med perleblonder - alt dette kan sees i kunstnerens malerier. Og foruten tingene som ble kjærlig samlet av Konstantin Yegorovich, deltok også folk som samlet seg rundt ham i maleriene hans. Noen ganger spilte de scener fra guttelivet, som deretter ble overført til lerretet. Og dette vakte utvilsomt publikums store interesse, fordi de gjennom Makovskys malerier var knyttet til kunnskapen om Rus historie og deres forfedres kultur.

Kunstnerens datter fortalte i memoarene hvordan "... luksuriøse" levende bilder "fra guttenes liv ble iscenesatt ...". Noen ganger var det opptil 150 personer invitert til disse kveldene, blant dem var representanter for eldgamle familier, etterkommere av de som er avbildet av kunstneren. De "... behendig og vakkert kledd i brokade- og fløyelsklær ..." for i dem å gjengi scenen unnfanget av kunstneren. Slik fremsto maleriene - "Bryllupsfesten", "Brudens valg" og mange andre malerier.

Malerier av Konstantin Makovsky

Samler gjenstander fra russisk antikke K.E. Makovsky fortsatte å studere hele livet. Ved å samle mesterverk av russiske mestere, ble kunstneren kjent med Russlands historie og, beundret dem, ble inspirert av nye ideer. Nå vekker lerretene hans i oss ikke bare beundring for den rikeste arven til våre forfedre, men også et ønske om å lære mer og mer om vårt hjemland.

Om hvordan K.E. Makovsky brukte samlingen sin i sitt arbeid, skrev forfatteren E.I. Fortunato, som var heldig nok til å være hans modell.

KE Makovsky var ikke bare en kunstner. Han kommuniserte med fremtredende historikere og ble selv en stor spesialist innen russisk antikken. K.E. Makovsky forsøkte å bevare Russlands kunstneriske arv. Derfor er det ingen tilfeldighet at han i 1915 ble medlem av Renessanseforeningen kunstnerisk russ, hvis hovedoppgave var å bevare, studere og fremme den russiske antikken.

Det er bittert og trist at samlingen, som har vært samlet i et halvt århundre, som har inntatt en så viktig plass i kunstnerens liv, som har blitt en refleksjon av en hel epoke i russisk kultur, vil bli satt opp for auksjon bare seks måneder etter hans død. I september 1915 ble K.E. Makovsky truffet av en gatedrosje i en av Petrograds gater. Etter å ha mottatt seriøs skade hodet døde kunstneren to dager senere. Plutselig død ødela alle planer...

Mer enn 1000 gjenstander ble oppført på auksjonen, noen av dem gikk til hovedstadens museer: det russiske museet, Eremitasjen, museet for skolen for teknisk tegning av baron Stieglitz og museene i Moskva. Mange gjenstander ble kjøpt opp av representanter for antikvitetsfirmaer i Moskva. Autentiske kostymer, sølvbegre, øser, glass gikk i hendene på fremtredende Moskva-samlere.

Men ikke alle beundret maleriene til K. Makovsky og hans måte å jobbe på.

I begynnelsen av hans kreativ måte K. Makovsky delte Wanderers synspunkter, han malte bondebarn ("Barn som løper fra et tordenvær", "Date"), men allerede på 1880-tallet flyttet kunstneren ugjenkallelig bort fra dem og begynte å arrangere separatutstillinger.

I 1883 laget han maleriet "Boyar bryllupsfest i XVII århundre”, etterfulgt av “The Choice of the Bride by Tsar Alexei Mikhailovich” (1886), “The Death of Ivan the Terrible” (1888), “Dressing the Bride to the Crown” (1890), “Kissing Rite” (1895, ). Maleriene ble en suksess, både i Russland og videre internasjonale utstillinger. For noen av dem ble K. Makovsky tildelt en gullmedalje på verdensutstillingen i 1889 i Paris.

Prisene for maleriene hans var alltid høye. P.M. Tretyakov kunne noen ganger ikke få dem. Men utenlandske samlere kjøpte villig lerret av "boyar" -syklusen, så de fleste av kunstnerens verk forlot Russland.

Takket være denne suksessen ble K.E. Makovsky en av de rikeste menneskene. Gjennom hele livet var han omgitt av luksus, som ingen russisk kunstner drømte om. Makovsky oppfylte enhver ordre om ethvert emne med samme glans. Det var sistnevnte som forårsaket mange misforståelser, og til og med fordømmelse. Noen, tilsynelatende, misunnet suksess, andre trodde at folket med sine egne hverdagen. Men slike malerier ble utsolgt ikke så villig, og mange trodde at Makovsky skrev om de emnene som var etterspurt, det vil si for sin egen berikelse.

Han levde imidlertid alltid som han ville og skrev det han ville. Hans syn på skjønnhet falt ganske enkelt sammen med kravene og kravene til de menneskene som var villige til å betale mye penger for maleriene hans. Hans enkle suksess var hovedårsaken til den negative holdningen til ham og hans arbeid til Wanderers. Han ble anklaget for å bruke kunsten og hans talent for materiell vinning.

K.E. Makovsky begynte sin kunstnerisk vei sammen med Vandrerne, stiller ut malerier med temaet folkelivet. Imidlertid endret interessene seg over tid, og fra 1880-årene ble han en suksessfull salongportrettmaler. Det faktum at dette skjedde for den materielle rikdommens skyld, er ikke til å tro. Tross alt er dette bevist av hans mange samlinger og mangefasetterte talent. Men det kan ikke nektes at Makovsky ikke søkte anerkjennelse i utlandet. I tillegg var europeere interessert i russisk historie, så arbeidet hans ble raskt solgt.

I sitt personlige liv var Makovsky også lykkelig. Hans hyggelige utseende, omgjengelighet, alltid åpne og smilende blikk med klare øyne gjorde Konstantin Yegorovich alltid til en velkommen gjest. Han var gift tre ganger. Hans første kone Lenochka Burkova, skuespillerinne Alexandrinsky teater bodde hos ham kort liv. En sjarmerende og blid jente brakte mye glede og varme inn i livet hans. Men sykdom førte henne tidlig vekk fra jordelivet.

Bekymringsløs og grådig etter livets gleder, trøstet Konstantin Yegorovich seg raskt da han så en jente med ekstraordinær skjønnhet på ballen - Yulenka Letkova. Jenta var bare seksten år gammel, og den sjarmerende maleren var trettiseks. Bryllupet fant sted like etter. Etter å ha levd tjue år med et lykkelig familieliv, malte Konstantin Yegorovich mange malerier, hvorav de fleste inneholder et søtt bilde av hans unge kone. I mange år var Yulia Pavlovna Makovskaya hans muse og modell for portretter.

I 1889 dro Konstantin Makovsky til verdensutstillingen i Paris, hvor han stilte ut flere av maleriene sine. Der ble han interessert i den unge Maria Alekseevna Matavtina (1869-1919). Født i 1891 uekte sønn Konstantin. Jeg måtte tilstå alt for min kone. Yulia Pavlovna tilga ikke svik. Noen år senere ble det søkt om skilsmisse. Og Konstantin Yegorovich fortsatte et lykkelig familieliv med sin tredje kone, som han også brukte som modell. Han skildret også ofte barna fra både sitt andre og tredje ekteskap på lerretene sine.