Edouard Manet bar foley bergere descrição. pinturas impressionistas

"... No Salão de 1881, Manet espera um prêmio há muito esperado - a segunda medalha pelo retrato de Pertuise, o caçador de leões. Agora Manet se torna um artista "fora de competição" e tem o direito de expor suas obras sem o consentimento do júri do Salão.

Manet espera fazer "algo" para o Salão de 1882 - para o primeiro Salão, onde suas telas aparecerão com a marca "V.K." ("fora de competição"). Ele não vai perder isso!

Mas agora, quando finalmente a glória conquistada com tanta dificuldade chegou a ele, os presentes dela cairão em mãos impotentes? É realmente justo quando ele finalmente será recompensado por seus trabalhos e dificuldades. será que tudo vai acabar?... A doença de Manet avança inexoravelmente; ele sabe disso, e a angústia o atormenta, e seus olhos ficam nublados com lágrimas. Ao vivo! Ao vivo! Mané resiste. Sua vontade não poderia vencer a doença?..

Manet reúne toda a sua vontade. Eles querem enterrá-lo cedo demais. E agora você pode encontrá-lo no café "New Athens", perto de Tortoni, no café Bad, no Folies Bergère; em amigos, darei meio mundo. E ele sempre brinca, ironicamente, se diverte com sua perna dolorida, suas "enfermidades". Manet quer realizar um novo plano: nova cena vida parisiense, uma vista do bar do Folies Bergère - a adorável Suzon atrás de um bar forrado de garrafas de vinho; Suzon, que é bem conhecido de todos os visitantes regulares deste lugar.

O Bar do Folies Bergère é uma obra de delicadeza pitoresca e ousadia extraordinária: a loira Suzon no balcão; atrás - um grande espelho, que reflete o salão e o público que o preencheu. Ela tem o mesmo veludo preto em volta do pescoço que Olympia tinha, ela é tão fascinantemente imóvel, seu olhar é frio, excita com sua indiferença ao ambiente.

Esse o trabalho mais complexo avança com dificuldade. Mane bate nele, refazendo repetidamente. Em maio de 1882, ele conhece a felicidade, contemplando no Salão "Primavera" e "Bar no Folies Bergère", acompanhado por uma placa "V.K." Eles não riem mais de suas telas. Se algumas pessoas ainda se permitem criticá-los, se, por exemplo, a construção do "Bar" com seu espelho e o jogo de reflexos é muito complicada, eles chamam de "rebus", então mesmo assim, as pinturas de Mane são considerados com seriedade, cuidado, são discutidos como obras, que devem ser levadas em consideração. No entanto, o sinal "V.K." coloca o público em uma posição de respeito. Pela vontade dessas duas cartas, Manet torna-se um artista reconhecido; estas cartas apelam à reflexão, encorajam a simpatia (antes não se atreviam a expressá-la em voz alta), calam bocas hostis..."

“Em sua última grande obra, O Bar do Folies Bergère, o artista parecia se despedir da vida que tanto estimava, na qual tanto pensava e que nunca se cansava de admirar. Talvez nunca antes o mestre visão de mundo se expressou em um trabalho separado com tal plenitude. Contém amor por uma pessoa, por sua poesia espiritual e pictórica, e atenção à sua visão superficial complexa e imperceptível das relações com os outros, e um senso de fragilidade do ser, e um sentimento de alegria brilhante ao entrar em contato com o mundo, e a ironia que surge ao observá-lo. " O bar do Folies Bergère "absorveu tudo o que Manet, com tanta perseverança e convicção, procurou, encontrou e afirmou em uma vida banal. melhores looks, incluídos em sua obra, entrelaçados para se corporificarem nessa jovem parada atrás do balcão de uma barulhenta taverna parisiense. Aqui, onde as pessoas buscam a alegria no contato com seus semelhantes, onde reina a aparente diversão, um mestre sensível redescobre a imagem vida jovem imerso em triste solidão. O mundo que cerca a garota é vaidoso e multifacetado. Manet entende isso e, para ouvir apenas uma voz especialmente próxima a ele, ele faz este mundo soar novamente "sob o mudo" - para se tornar um reflexo trêmulo no espelho, para se transformar em uma névoa obscura e borrada de silhuetas, rostos, pontos e luzes. A dualidade ilusória da visão, que se revela ao artista, fisicamente, por assim dizer, introduz a menina na atmosfera de ouropel do bar, mas não por muito tempo. Mane não permite que ela se funda com este mundo, se dissolva nele. Ele a faz desligar internamente até mesmo de uma conversa com um visitante aleatório, cuja aparência prosaica também ganha um espelho localizado logo atrás do balcão, onde a própria garçonete é vista em ângulo pelas costas. Como se partisse dessa reflexão, Manet nos devolve à única realidade verdadeira de todo esse fantasmagórico espetáculo do mundo. Uma figura esguia envolta em veludo preto é cercada pelo brilho luminoso de espelhos, balcão de mármore, flores, frutas, garrafas cintilantes. Só ela, nesta cintilação de cor-luz-ar, permanece o mais tangivelmente real, o valor mais belo e irrefutável. O pincel do artista desacelera seu movimento e fica mais denso na tela, a cor engrossa, os contornos se definem. Mas a sensação que finalmente surgiu da estabilidade física da heroína da tela não é finita: o olhar triste, ligeiramente distraído e perplexo da menina, imersa em sonhos e desligada de tudo ao seu redor, evoca novamente uma sensação de fragilidade e indefinição de seu estado. O valor de sua doação concreta, ao que parecia, deveria ser reconciliado com a dualidade do mundo que a cercava. Mas não, a estrutura da sua imagem, longe de esgotada até ao fim, continua a excitar a imaginação, a evocar associações poéticas em que a tristeza se mistura com a alegria.

É difícil acreditar que "Bar" foi criado por um moribundo, a quem cada movimento trazia sofrimento severo. Mas é assim. Edouard Manet permaneceu um lutador mesmo antes de sua morte, pois em vida foi um lutador contra a vulgaridade burguesa, a preguiça filisteu de pensamentos e sentimentos, um homem de rara alma e mente. Ele passou por um caminho difícil antes de descobrir a verdadeira beleza que procurava em vida moderna: quis abri-lo e abriu-o em pessoas simples e discretas, encontrando nelas aquela riqueza interior a que deu o seu coração.

Baseado nos materiais do livro de A. Perryusho "Eduard Manet" e posfácio de M. Prokofieva. - M.: TERRA - clube do Livro. 2000. - 400 p., 16 p. doente.

A pintura de Jacques Louis David "O Juramento dos Horatii" é um ponto de virada na história pintura europeia. Estilisticamente, ainda pertence ao classicismo; é um estilo orientado para a Antiguidade e, à primeira vista, essa orientação é mantida por David. O Juramento dos Horatii é baseado na história de como os patriotas romanos, os três irmãos Horácio, foram escolhidos para lutar contra os representantes da cidade hostil de Alba Longa, os irmãos Curiatii. Titus Livius e Diodorus Siculus têm essa história; Pierre Corneille escreveu uma tragédia em seu enredo.

“Mas é precisamente o juramento dos Horácios que falta nesses textos clássicos.<...>É David quem transforma o juramento no episódio central da tragédia. O velho está segurando três espadas. Ele fica no centro, ele representa o eixo da imagem. À sua esquerda estão três filhos que se fundem em uma figura, à sua direita estão três mulheres. Esta imagem é incrivelmente simples. Antes de David, o classicismo, apesar de toda a sua orientação para Rafael e para a Grécia, não poderia encontrar uma forma tão severa e simples língua masculina expressar valores cívicos. David parecia ouvir o que Diderot estava dizendo, que não teve tempo de ver esta tela: “Você deve escrever como eles disseram em Esparta”.

Ilya Doronchenkov

No tempo de Davi, a Antigüidade tornou-se tangível pela primeira vez através descoberta arqueológica Pompéia. Antes dele, a Antiguidade era a soma dos textos de autores antigos - Homero, Virgílio e outros - e algumas dezenas ou centenas de esculturas imperfeitamente preservadas. Agora tornou-se tangível, até móveis e contas.

“Mas nada disso está na foto de David. Nela, a Antiguidade é notavelmente reduzida não tanto ao ambiente (capacetes, espadas irregulares, togas, colunas), mas ao espírito de simplicidade primitiva e furiosa.

Ilya Doronchenkov

David encenou cuidadosamente a aparência de sua obra-prima. Ele pintou e exibiu em Roma, recebendo críticas entusiásticas lá, e então enviou uma carta a um patrono francês. Nele, o artista relatou que em algum momento parou de pintar para o rei e passou a pintar para si mesmo e, em particular, decidiu torná-lo não quadrado, como exigido pelo Salão de Paris, mas retangular. Como o artista esperava, os rumores e a carta alimentaram a empolgação do público, a pintura foi reservada para um lugar vantajoso no Salão já inaugurado.

“E assim, tardiamente, a imagem se instala e se destaca como a única. Se fosse quadrado, seria pendurado em uma fileira de outros. E ao mudar o tamanho, David o transformou em um único. Foi um gesto artístico muito poderoso. Por um lado, ele se declarou o principal na criação da tela. Por outro lado, ele atraiu a atenção de todos para esta foto.

Ilya Doronchenkov

A foto tem mais um significado importante o que o torna uma obra-prima para todos os tempos:

“Esta tela não apela ao indivíduo - refere-se à pessoa que está nas fileiras. Isso é uma equipe. E este é um comando para uma pessoa que primeiro age e depois pensa. David mostrou muito corretamente dois mundos que não se cruzam, absolutamente tragicamente separados - o mundo dos homens atuantes e o mundo das mulheres que sofrem. E essa justaposição - muito enérgica e bonita - mostra o horror que realmente está por trás da história dos Horácios e por trás dessa imagem. E como esse horror é universal, o "Juramento dos Horatii" não nos deixará em lugar nenhum.

Ilya Doronchenkov 

Abstrato

Em 1816, a fragata francesa Medusa naufragou na costa do Senegal. 140 passageiros deixaram o brigue em uma jangada, mas apenas 15 escaparam; eles tiveram que recorrer ao canibalismo para sobreviver aos 12 dias vagando nas ondas. Um escândalo estourou na sociedade francesa; o capitão incompetente, monarquista por convicção, foi considerado culpado do desastre.

“Para a sociedade liberal francesa, a catástrofe da fragata Medusa, o naufrágio do navio, que para um cristão simboliza a comunidade (primeiro a igreja e agora a nação), tornou-se um símbolo, um sinal muito ruim do começo de um novo regime de Restauração”.

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Em 1818, o jovem artista Théodore Géricault, em busca de um tema digno, leu o livro dos sobreviventes e começou a trabalhar em sua pintura. Em 1819, a pintura foi exposta no Salão de Paris e fez sucesso, símbolo do romantismo na pintura. Géricault rapidamente abandonou sua intenção de retratar a cena mais sedutora do canibalismo; ele não demonstrou esfaqueamento, desespero ou o próprio momento da salvação.

“Aos poucos, ele escolheu o único momento certo. Este é o momento de máxima esperança e máxima incerteza. Este é o momento em que as pessoas que sobreviveram na jangada veem pela primeira vez no horizonte o brigue Argus, que passou pela jangada pela primeira vez (ele não percebeu).
E só então, entrando em rota de colisão, tropeçou nele. No esboço, onde a ideia já foi encontrada, “Argus” é perceptível, e na foto ele se transforma em um pequeno ponto no horizonte, desaparecendo, o que atrai o olhar, mas, por assim dizer, não existe.

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Géricault renuncia ao naturalismo: em vez de corpos emaciados, ele tem em seu quadro belos e corajosos atletas. Mas isso não é idealização, é universalização: a imagem não é sobre passageiros específicos da Meduza, é sobre todos.

"Géricault se espalha primeiro plano o morto. Ele não inventou: a juventude francesa delirou com os corpos mortos e feridos. Excitou, deu nos nervos, destruiu as convenções: um classicista não pode mostrar o que é feio e terrível, mas nós o faremos. Mas esses cadáveres têm outro significado. Veja o que está acontecendo no meio da imagem: há uma tempestade, há um funil para o qual o olho é atraído. E sobre os corpos, o espectador, parado bem na frente da imagem, sobe nessa jangada. Estamos todos lá."

Ilya Doronchenkov

A pintura de Géricault funciona de uma maneira nova: dirige-se não a um exército de espectadores, mas a cada pessoa, todos são convidados para a jangada. E o oceano não é apenas um oceano de esperanças perdidas em 1816. Este é o destino do homem.

Abstrato

Em 1814, a França estava cansada de Napoleão e a chegada dos Bourbons foi recebida com alívio. No entanto, muitas liberdades políticas foram abolidas, a Restauração começou e, no final da década de 1820, a geração mais jovem começou a perceber a mediocridade ontológica do poder.

“Eugène Delacroix pertencia a esse estrato da elite francesa que se ergueu sob Napoleão e foi afastado pelos Bourbons. Mas, no entanto, ele foi favorecido: ele recebeu medalha de ouro para sua primeira pintura no Salon, Dante's Boat, em 1822. E em 1824, ele fez a pintura “Massacre em Chios”, retratando a limpeza étnica, quando a população grega da ilha de Chios foi deportada e destruída durante a Guerra da Independência da Grécia. Este é o primeiro sinal de liberalismo político na pintura, que atingiu países ainda muito distantes.

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Em julho de 1830, Carlos X aprovou várias leis que restringiam severamente as liberdades políticas e enviou tropas para saquear a gráfica de um jornal da oposição. Mas os parisienses responderam atirando, a cidade foi coberta por barricadas e durante os "Três Dias Gloriosos" o regime Bourbon caiu.

Sobre pintura famosa Delacroix dedicado aos acontecimentos revolucionários de 1830, diferentes estratos sociais estão representados: um dândi de cartola, um menino vagabundo, um trabalhador de camisa. Mas o principal, claro, é jovem uma linda mulher peito e ombros nus.

Delacroix consegue aqui o que quase nunca consegue artistas do século 19 século, pensamento cada vez mais realista. Ele consegue em uma imagem - muito patética, muito romântica, muito sonora - combinar realidade, fisicamente tangível e brutal (veja os cadáveres em primeiro plano amados pelos românticos) e símbolos. Porque essa mulher de sangue puro é, claro, a própria Liberdade. O desenvolvimento político desde o século XVIII tornou necessário que os artistas visualizassem o que não pode ser visto. Como você pode ver a liberdade? Os valores cristãos são transmitidos a uma pessoa por meio de algo muito humano - por meio da vida de Cristo e de seu sofrimento. E abstrações políticas como liberdade, igualdade, fraternidade não têm forma. E agora Delacroix, talvez o primeiro e, por assim dizer, não o único que, em geral, lidou com sucesso com essa tarefa: agora sabemos como é a liberdade.

Ilya Doronchenkov

Um dos símbolos políticos da pintura é o gorro frígio na cabeça da menina, um símbolo heráldico permanente da democracia. Outro tema falado é a nudez.

“A nudez tem sido associada à naturalidade e à natureza, e no século 18 essa associação foi forçada. A história da Revolução Francesa conhece até uma performance única quando na catedral Notre-Dame de Paris nu teatro francês natureza retratada. E natureza é liberdade, é naturalidade. E é isso que, ao que parece, este tangível, sensual, mulher atraente significa. Significa liberdade natural."

Ilya Doronchenkov

Embora esta pintura tenha tornado Delacroix famoso, ela logo foi removida de vista por um longo tempo, e está claro o porquê. A espectadora que está à sua frente encontra-se na posição de quem é atacado pela Liberdade, que é atacado pela revolução. É muito desconfortável olhar para o movimento imparável que vai te esmagar.

Abstrato

Em 2 de maio de 1808, uma rebelião anti-napoleônica estourou em Madri, a cidade estava nas mãos dos manifestantes, mas na noite do dia 3, nas proximidades da capital espanhola, ocorreram execuções em massa de rebeldes. Esses eventos logo levaram guerra de guerrilha, que durou seis anos. Quando terminar, duas pinturas serão encomendadas ao pintor Francisco Goya para comemorar o levante. O primeiro é "A revolta de 2 de maio de 1808 em Madri".

“Goya realmente retrata o momento em que o ataque começou – aquele primeiro ataque Navajo que iniciou a guerra. É essa compacidade do momento que é extremamente importante aqui. Ele parece aproximar a câmera, do panorama para o qual se desloca exclusivamente fechar plano, que também não existia tanto antes dele. Há outra coisa emocionante: a sensação de caos e esfaqueamento é extremamente importante aqui. Não há ninguém aqui de quem você sinta pena. Há vítimas e há assassinos. E esses assassinos de olhos injetados, os patriotas espanhóis, em geral, estão envolvidos na carnificina.

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Na segunda foto, os personagens trocam de lugar: os que são cortados na primeira foto, na segunda foto, os que os cortam são fuzilados. E a ambivalência moral da briga de rua é substituída pela clareza moral: Goya está do lado dos que se rebelaram e morreram.

“Os inimigos agora estão divorciados. À direita estão aqueles que viverão. É uma série de pessoas fardadas com armas, exatamente iguais, ainda mais iguais que os irmãos Horace de David. Seus rostos são invisíveis e seus shakos os fazem parecer máquinas, como robôs. Estas não são figuras humanas. Eles se destacam em uma silhueta negra na escuridão da noite tendo como pano de fundo uma lanterna que inunda uma pequena clareira.

À esquerda estão os que morrem. Eles se movem, giram, gesticulam e, por algum motivo, parecem ser mais altos que seus carrascos. Embora o principal personagem central- um madrilenho de calça laranja e camisa branca - está de joelhos. Ele ainda é mais alto, ele está um pouco em uma colina.

Ilya Doronchenkov

O rebelde moribundo fica na pose de Cristo e, para maior persuasão, Goya retrata estigmas nas palmas das mãos. Além disso, o artista faz você passar por uma experiência difícil o tempo todo - veja o último momento antes da execução. Por fim, Goya muda o entendimento evento histórico. Antes dele, um acontecimento era retratado pelo seu lado ritual, retórico; em Goya, um acontecimento é um instante, uma paixão, um grito não literário.

Na primeira foto do díptico, pode-se ver que os espanhóis não estão massacrando os franceses: os cavaleiros que caem sob as patas do cavalo estão vestidos com trajes muçulmanos.
O fato é que nas tropas de Napoleão havia um destacamento de mamelucos, cavaleiros egípcios.

“Parece estranho que o artista transforme os combatentes muçulmanos em um símbolo da ocupação francesa. Mas isso permite a Goya transformar um acontecimento contemporâneo em um elo da história da Espanha. Para qualquer nação que forjou sua autoconsciência durante as Guerras Napoleônicas, foi extremamente importante perceber que esta guerra faz parte de uma guerra eterna por seus valores. E essa guerra mitológica para o povo espanhol foi a Reconquista, a reconquista da Península Ibérica dos reinos muçulmanos. Assim, Goya, mantendo-se fiel ao documentário, à modernidade, relaciona esse acontecimento com o mito nacional, obrigando-o a perceber a luta de 1808 como luta eterna Espanhóis para o nacional e o cristão.

Ilya Doronchenkov

O artista conseguiu criar uma fórmula iconográfica de execução. Cada vez que seus colegas - seja Manet, Dix ou Picasso - abordavam o tema da execução, eles seguiam Goya.

Abstrato

A revolução pictórica do século XIX, ainda mais palpável do que na fotografia de evento, deu-se na paisagem.

“A paisagem muda completamente a ótica. O homem muda de escala, o homem se experimenta de uma maneira diferente no mundo. Uma paisagem é uma representação realista do que está ao nosso redor, com uma sensação de ar carregado de umidade e detalhes cotidianos nos quais estamos imersos. Ou pode ser uma projeção de nossas experiências, e então na encenação do pôr do sol ou em uma alegre dia ensolarado vemos o estado de nossa alma. Mas há paisagens marcantes que pertencem a ambos os modos. E é muito difícil saber, realmente, qual é o dominante."

Ilya Doronchenkov

Essa dualidade é claramente vista em artista alemão Caspar David Friedrich: suas paisagens nos falam sobre a natureza do Báltico e, ao mesmo tempo, representam uma afirmação filosófica. Há uma persistente sensação de melancolia nas paisagens de Friedrich; uma pessoa raramente os penetra além do fundo e geralmente vira as costas para o espectador.

Em sua última pintura, Ages of Life, uma família é retratada em primeiro plano: filhos, pais, um velho. E além disso, atrás da lacuna espacial - o céu do pôr do sol, o mar e os veleiros.

“Se observarmos como essa tela é construída, veremos uma chamada marcante entre o ritmo figuras humanas em primeiro plano e o ritmo dos veleiros no mar. Aqui estão figuras altas, aqui estão figuras baixas, aqui estão grandes veleiros, aqui estão barcos à vela. A natureza e os veleiros - é o que se chama a música das esferas, é eterna e não depende do homem. O homem em primeiro plano é seu ser finito. O mar em Friedrich é muitas vezes uma metáfora para a alteridade, a morte. Mas a morte para ele, um crente, é uma promessa vida eterna sobre o qual não sabemos. Essas pessoas em primeiro plano - pequenas, desajeitadas, escritas não muito atraentes - seguem o ritmo de um veleiro com seu ritmo, como um pianista repete a música das esferas. este é o nosso música humana, mas tudo rima com a própria música que para Friedrich preenche a natureza. Portanto, parece-me que nesta tela Friedrich promete - não um paraíso após a morte, mas que nosso ser finito ainda está em harmonia com o universo.

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Abstrato

depois do grande revolução Francesa as pessoas perceberam que têm um passado. O século XIX, através dos esforços de estetas românticos e historiadores positivistas, criou ideia moderna histórias.

“O século XIX criou a pintura histórica como a conhecemos. Heróis gregos e romanos não distraídos, agindo em um ambiente ideal, guiados por motivos ideais. História XIX século torna-se teatral e melodramático, aproxima-se da pessoa, e agora podemos simpatizar não com grandes feitos, mas com infortúnios e tragédias. Cada nação européia criou sua própria história no século XIX e, construindo a história, ela, em geral, criou seu próprio retrato e planos para o futuro. Nesse sentido, a pintura histórica europeia do século XIX é terrivelmente interessante de estudar, embora, na minha opinião, não tenha saído, quase não tenha deixado obras verdadeiramente grandes. E entre essas grandes obras, vejo uma exceção, da qual nós, russos, podemos nos orgulhar com razão. Esta é a "Manhã da Execução de Streltsy" de Vasily Surikov.

Ilya Doronchenkov

A pintura histórica do século XIX, orientada para a plausibilidade externa, geralmente fala de um único herói que dirige a história ou falha. A pintura de Surikov aqui é uma notável exceção. Seu herói é uma multidão em trajes coloridos, que ocupa quase quatro quintos da imagem; por causa disso, a imagem parece estar surpreendentemente desorganizada. Atrás da multidão animada, parte da qual morrerá em breve, fica a colorida e agitada Catedral de São Basílio. Atrás do Peter congelado, uma linha de soldados, uma linha de forca - uma linha de ameias da parede do Kremlin. A imagem é mantida pelo duelo das visões de Peter e o arqueiro de barba ruiva.

“Muito pode ser dito sobre o conflito entre a sociedade e o Estado, o povo e o império. Mas parece-me que esta coisa tem mais alguns significados que a tornam única. Vladimir Stasov, propagandista da obra dos Wanderers e defensor do realismo russo, que escreveu muitas coisas supérfluas sobre eles, falou muito bem sobre Surikov. Ele chamou pinturas desse tipo de "corais". Na verdade, eles não têm um herói - eles não têm um motor. As pessoas são a força motriz. Mas nesta foto o papel das pessoas é claramente visível. Joseph Brodsky em sua palestra do Nobel disse perfeitamente que a verdadeira tragédia não é quando o herói morre, mas quando o coro morre.

Ilya Doronchenkov

Os eventos ocorrem nas pinturas de Surikov como se contra a vontade de seus personagens - e nisso o conceito da história do artista é obviamente próximo ao de Tolstoi.

“A sociedade, as pessoas, a nação nesta foto parecem estar divididas. Soldados de Pedro em um uniforme que parece preto e arqueiros em branco são contrastados como bons e maus. O que conecta essas duas partes desiguais da composição? Este é um arqueiro de camisa branca, indo para a execução, e um soldado de uniforme, que o segura pelo ombro. Se removermos mentalmente tudo o que os cerca, nunca poderemos supor que essa pessoa está sendo levada à execução. São dois amigos que estão voltando para casa, e um apoia o outro de forma amigável e calorosa. Quando Petrush Grinev em " filha do capitão“Os pugachevitas desligaram, disseram:“ Não bata, não bata ”, como se realmente quisessem torcer. Esse sentimento de que um povo dividido pela vontade da história é ao mesmo tempo fraterno e unido é a incrível qualidade da tela de Surikov, que também não conheço em nenhum outro lugar.”

Ilya Doronchenkov 

Abstrato

Na pintura, o tamanho importa, mas nem todos os assuntos podem ser retratados em uma tela grande. Diferentes tradições pictóricas retratavam os aldeões, mas na maioria das vezes não em pinturas enormes, mas este é precisamente o “Funeral at Ornans” de Gustave Courbet. Ornan é uma próspera cidade provinciana, de onde vem o próprio artista.

“Courbet mudou-se para Paris, mas não se tornou parte do meio artístico. Ele não recebeu uma educação acadêmica, mas tinha uma mão poderosa, um olhar muito tenaz e uma grande ambição. Ele sempre se sentiu como um provinciano, e era melhor ficar em casa, em Ornan. Mas viveu quase toda a sua vida em Paris, lutando com a arte que já morria, lutando com a arte que idealiza e fala do geral, do passado, do belo, sem perceber o presente. Essa arte, que elogia, que encanta, via de regra, encontra uma demanda muito grande. Courbet foi, sim, um revolucionário na pintura, embora agora não esteja muito claro para nós esse seu caráter revolucionário, porque ele escreve a vida, ele escreve em prosa. O principal revolucionário nele foi que ele parou de idealizar sua natureza e começou a escrevê-la exatamente como vê, ou como acreditava ver.

Ilya Doronchenkov

Na foto gigante, quase altura toda cerca de cinquenta pessoas são retratadas. Todos eles são pessoas reais e os especialistas identificaram quase todos os participantes do funeral. Courbet pintou seus compatriotas, e eles ficaram satisfeitos em entrar na foto exatamente como são.

“Mas quando esta pintura foi exibida em 1851 em Paris, ela criou um escândalo. Ela foi contra tudo o que o público parisiense estava acostumado naquele momento. Ela ofendeu os artistas com a falta de uma composição clara e uma pintura empastada áspera e densa, que transmite a materialidade das coisas, mas não quer ser bonita. Ela assustou a pessoa comum pelo fato de que ele realmente não conseguia entender quem era. Impressionante foi a desintegração das comunicações entre o público da França provinciana e os parisienses. Os parisienses tomaram a imagem dessa respeitável multidão rica como a imagem dos pobres. Um dos críticos disse: “Sim, isso é uma vergonha, mas essa é a vergonha da província, e Paris tem sua própria vergonha”. Sob a feiúra, de fato, compreendia-se a veracidade última.

Ilya Doronchenkov

Courbet recusou-se a idealizar, o que o tornou um verdadeiro artista de vanguarda do século XIX. Ele se concentra nas gravuras populares francesas e nas gravuras holandesas. retrato de grupo, e antiga solenidade. Courbet nos ensina a perceber a modernidade em sua originalidade, em sua tragédia e em sua beleza.

“Os salões franceses conheciam as imagens do árduo trabalho camponês, camponeses pobres. Mas o modo de imagem foi geralmente aceito. Os camponeses precisavam ser lamentados, os camponeses precisavam ser simpatizados. Era uma visão de cima. Uma pessoa que simpatiza está, por definição, em posição de prioridade. E Courbet privou seu espectador da possibilidade de tal empatia paternalista. Seus personagens são majestosos, monumentais, ignoram seus espectadores e não permitem que você estabeleça com eles um contato que os torne parte do mundo familiar, eles quebram os estereótipos com muita força.

Ilya Doronchenkov 

Abstrato

O século XIX não gostou de si mesmo, preferindo buscar a beleza em outra coisa, seja na Antiguidade, na Idade Média ou no Oriente. Charles Baudelaire foi o primeiro a aprender a ver a beleza da modernidade, e ela foi incorporada na pintura por artistas que Baudelaire não estava destinado a ver: por exemplo, Edgar Degas e Edouard Manet.

“Manet é um provocador. Manet é ao mesmo tempo um pintor brilhante, cujo encanto de cores, cores muito paradoxalmente combinadas, faz com que o espectador não se pergunte perguntas óbvias. Se olharmos atentamente para suas pinturas, muitas vezes seremos forçados a admitir que não entendemos o que trouxe essas pessoas aqui, o que estão fazendo uma ao lado da outra, por que esses objetos estão conectados na mesa. A resposta mais simples é: Manet é principalmente um pintor, Manet é principalmente um olho. Ele se interessa pela combinação de cores e texturas, e a conjugação lógica de objetos e pessoas é a décima coisa. Essas imagens muitas vezes confundem o espectador que procura conteúdo, que procura histórias. Mane não conta histórias. Ele poderia ter permanecido um aparato óptico incrivelmente preciso e refinado se não tivesse criado sua última obra-prima já naqueles anos em que estava possuído por uma doença fatal.

Ilya Doronchenkov

A pintura "O Bar no Folies Bergère" foi exibida em 1882, a princípio ganhou o ridículo dos críticos e depois foi rapidamente reconhecida como uma obra-prima. Seu tema é o café-concerto, fenômeno marcante da vida parisiense na segunda metade do século. Parece que Manet capturou de forma vívida e confiável a vida do Folies Bergère.

“Mas quando começarmos a olhar de perto o que Manet fez em sua foto, entenderemos que há um grande número de inconsistências que são inconscientemente perturbadoras e, em geral, não recebem uma resolução clara. A moça que vemos é uma vendedora, ela deve, com seus atrativos físicos, fazer os visitantes pararem, flertar com ela e pedir mais bebidas. Enquanto isso, ela não flerta conosco, mas olha através de nós. Há quatro garrafas de champanhe na mesa, quentes, mas por que não com gelo? EM reflexo do espelho essas garrafas não estão na borda da mesa em que estão em primeiro plano. O copo com rosas é visto de um ângulo diferente do qual todos os outros objetos sobre a mesa são vistos. E a menina do espelho não se parece exatamente com a menina que nos olha: é mais corpulenta, tem formas mais arredondadas, inclina-se para o visitante. Em geral, ela se comporta como aquele que estamos olhando deveria se comportar.

Ilya Doronchenkov

A crítica feminista chamou a atenção para o fato de que a garota com seus contornos lembra uma garrafa de champanhe em pé no balcão. Esta é uma observação certeira, mas dificilmente exaustiva: a melancolia do quadro, o isolamento psicológico da heroína se opõem a uma interpretação direta.

“Essa trama ótica e enigmas psicológicos pinturas que parecem não ter uma resposta definitiva nos fazem abordá-la novamente e fazer essas perguntas todas as vezes, inconscientemente saturados com aquele sentimento da vida moderna bela, triste, trágica e cotidiana que Baudelaire sonhou e que Manet nos deixou para sempre.

Ilya Doronchenkov 

Edouard Manet - Bar no Folies Berger 1882

Bar no Folies Berger
1882 96x130cm óleo/tela
Courtauld Institute of Art, Londres, Reino Unido

Do livro de Rewald John. "História do Impressionismo" No Salão de 1882, Manet, já fora de competição, expôs foto grande"Bar at the Folies Bergère", uma composição imponente escrita com extraordinário virtuosismo. Ele mostrou mais uma vez a força do pincel, a sutileza da observação e a coragem de não seguir o padrão. Como Degas, ele continuou a mostrar um interesse infalível por temas contemporâneos (até escreveria um maquinista), mas os abordou não como um observador frio, mas com o entusiasmo ardente de um pesquisador de novos fenômenos da vida. A propósito, Degas não gostou dele Última foto e chamou de "chato e sofisticado". "O bar do Folies Bergère" custou muito esforço a Manet, pois ele começou a sofrer gravemente de ataxia. Ele ficou desapontado quando o público novamente se recusou a entender sua pintura, percebendo apenas o enredo, e não a habilidade de execução.
Em carta a Albert Wolf, ele não pôde deixar de dizer, meio brincando, meio sério: "Afinal, nada me oporia a ler, em vida, o magnífico artigo que você escreverá depois de minha morte."

Após o fechamento do Salão, Manet foi finalmente declarado oficialmente Cavaleiro da Legião de Honra. Por maior que fosse sua alegria, misturava-se com alguma amargura. Quando o crítico Shesno o parabenizou e também lhe deu atenciosamente Conde Riuwerkerke, Manet respondeu bruscamente: "Quando você escrever para o conde Riuwerkerke, pode dizer a ele que aprecio sua terna atenção, mas que ele mesmo teve a oportunidade de me dar este prêmio. Ele poderia me fazer feliz, e agora é tarde demais para compensar vinte anos de fracasso...

O tão esperado segundo prêmio para o retrato de um caçador de leões é apresentado. Pertuise. A partir daí, Manet sai da competição e pode expor suas pinturas, sem qualquer autorização do júri do Salão.
Mannet decide fazer algo completamente inusitado para o Salão de Arte, no início de 1882, onde suas pinturas aparecerão com uma marca especial “V. PARA".
Você acredita em astrologia e previsões estelares? Milhões de pessoas confiam nas previsões feitas por vários astrólogos. Guru entre esses preditores é Pavel Globa. Ninguém sabe mais sobre o que as estrelas nos prometem do que a Globa.
A tão esperada glória finalmente chega até ele, mas sua doença avança inexoravelmente e ele sabe disso e, portanto, a saudade o atormenta. Mane tenta resistir a uma doença grave. Ele não pode superar a doença?
Manet decide reunir todas as suas forças e vontade, eles ainda estão tentando enterrá-lo cedo. Ele pode ser visto no café "New Athens", no café Bad, em Tortoni, no Folies Bergère e em seus amigos. Ele sempre tenta brincar e ser irônico, se diverte com suas "fraquezas" e brinca com sua perna. Manet decide implementar sua nova ideia: desenhar uma cena da vida cotidiana parisiense e retratar a vista do famoso bar Folies Bergère, no qual a adorável garota Suzon está atrás do balcão, em frente a inúmeras garrafas. A garota é conhecida por muitos frequentadores regulares do bar.
Pintura "Bar no Folies Bergère” é uma obra de extraordinária coragem e sutileza pitoresca: uma garota loira está atrás do bar, atrás dela há um grande espelho, que reflete Grande salão estabelecimentos com o público sentado nele. Ela tem um enfeite de veludo preto em volta do pescoço, seu olhar é frio, ela é fascinantemente imóvel, ela olha com indiferença para os que estão ao seu redor.
Este enredo complexo da tela está avançando com grande dificuldade. O artista luta com ela e a refaz muitas vezes. No início de maio de 1882, Manet termina a pintura e fica feliz em contemplá-la no Salão. Ninguém mais ri de suas pinturas, todas as suas pinturas são consideradas com muita seriedade, começam a ser discutidas como verdadeiras obras de arte.
Ter Último trabalho“Bar in the Folies Bergère” criado como se estivesse se despedindo da vida que ele tanto amava, tanto admirava e tanto pensava. A obra absorveu tudo o que o artista buscou e encontrou por tanto tempo em uma vida banal. As melhores imagens são tecidas juntas para serem incorporadas nesta jovem que está em uma barulhenta taverna parisiense. Nesta instituição, as pessoas procuram a alegria pelo contacto com a sua própria espécie, parecendo que aqui reinam a diversão e o riso, um jovem e sensível mestre revela a imagem de uma vida jovem imersa na tristeza e na solidão.
É difícil acreditar que esta obra tenha sido escrita por um artista moribundo, a quem qualquer movimento da mão causava dor e sofrimento. Mas mesmo antes de sua morte, Edouard Manet continua sendo um verdadeiro lutador. Ele teve que passar por dificuldades caminho da vida antes que ele descobrisse a verdadeira beleza que ele estava procurando por toda a sua vida e a encontrasse em pessoas comuns, encontrando em suas almas a riqueza interior à qual deu seu coração.

Trama

A maior parte da tela é ocupada por um espelho. Não é apenas um item interior que dá profundidade à imagem, mas está ativamente envolvido no enredo. Em sua reflexão, vemos o que está acontecendo com personagem principal na realidade: o barulho, o jogo de luzes, o homem que se dirige a ela. O mesmo que Manet mostra como realidade é o mundo dos sonhos de Suzon: ela está imersa em seus pensamentos, desligada da agitação do cabaré - como se o presépio ao redor não a preocupasse em nada. Realidade e sonho trocaram de lugar.

esboço de uma pintura

O reflexo da garçonete é diferente de seu corpo real. No espelho, a menina parece mais cheia, ela se inclinou para o homem, ouvindo-o. A cliente, por sua vez, considera como produto não apenas o que está exposto no balcão, mas também a própria menina. Isso é sugerido por garrafas de champanhe: elas devem ser colocadas em um balde de gelo, mas Manet as deixou para que possamos ver como sua forma é semelhante à figura de uma menina. Você pode comprar uma garrafa, pode comprar um copo, ou pode também aquele que vai abrir essa garrafa para você.

O balcão do bar lembra naturezas-mortas do gênero vanitas, que se distinguia por um clima moralista e lembrava que tudo o que é mundano é transitório e perecível. Frutas - um símbolo da queda, uma rosa - prazeres carnais, garrafas - declínio e fraqueza, flores murchas - morte e beleza desbotada. Garrafas de cerveja com rótulos Bass dizem que os ingleses eram frequentadores assíduos deste estabelecimento.

Bar no Folies Bergère, 1881

A iluminação elétrica, tão brilhante e claramente escrita na imagem, é talvez a primeira dessas imagens. Essas lâmpadas naquela época só se tornaram parte da vida cotidiana.

Contexto

Folies Bergère é um lugar que reflete o espírito da época, o espírito da nova Paris. Eram cafés-concerto, homens vestidos decentemente e mulheres vestidas de maneira indecente reuniam-se aqui. Na companhia das damas do submundo, os cavalheiros bebiam e comiam. Nesse ínterim, uma performance acontecia no palco, os números se sucediam. Mulheres decentes em tais estabelecimentos não podiam aparecer.

A propósito, o Folies-Bergere foi inaugurado com o nome de Folies-Trevize - isso deu a entender aos clientes que “na folhagem de Trevize” (como o nome é traduzido) você pode se esconder de olhares indiscretos e se divertir e se divertir. Guy de Maupassant chamava as garçonetes locais de "vendedoras de bebidas e amor".

Folies Bergère, 1880

Manet frequentava regularmente o Folies Bergère, mas pintou o quadro não no café-concerto em si, mas na oficina. No cabaré, ele fez vários esboços, Suzon (aliás, ela realmente trabalhava em um bar) e um amigo, o artista militar Henri Dupré, posou no estúdio. O resto foi restaurado da memória.

"Bar in the Folies Bergère" foi o último foto grande um artista que morreu um ano após sua conclusão. Desnecessário dizer que o público viu apenas inconsistências, deficiências, acusou Manet de amadorismo e considerou sua tela no mínimo estranha?

O destino do artista

Manet, que pertencia à alta sociedade, era um enfant terrible. Ele não queria aprender nada, o sucesso era medíocre em tudo. O pai ficou desapontado com o comportamento do filho. E tendo aprendido sobre seu desejo de pintar e as ambições do artista, ele estava completamente à beira do desastre.

Um compromisso foi encontrado: Edward fez uma viagem, que deveria ajudar o jovem a se preparar para a admissão no escola marítima(onde, devo dizer, ele não conseguiu da primeira vez). No entanto, Manet voltou de uma viagem ao Brasil não com as qualidades de um marinheiro, mas com esboços e esboços. Desta vez, o pai, que gostou dessas obras, apoiou a paixão do filho e o abençoou pela vida de artista.

, 1863

Os primeiros trabalhos falavam de Manet como promissor, mas faltava-lhe um estilo próprio, enredos. Edward logo se concentrou no que mais conhecia e amava - a vida de Paris. Caminhando, Manet fez esboços de cenas da vida. Tais esboços não eram percebidos pelos contemporâneos como pintura séria, acreditando que tais desenhos eram adequados apenas para ilustrações de revistas e reportagens. Isso mais tarde seria chamado de Impressionismo. Nesse ínterim, Manet, junto com pessoas afins - Pissarro, Cézanne, Monet, Renoir, Degas - estão provando seu direito à criatividade livre no âmbito da escola de Batignolles que criaram.

, 1863

Alguma aparência de confissão a Manet apareceu na década de 1890. Suas pinturas começaram a ser adquiridas em coleções particulares e públicas. No entanto, nessa época, o artista não estava mais vivo.