Konstnärer i Japan - från antiken till idag. School Encyclopedia Art Japan

Artelino

« En stor våg i Kanagawa" av Katsushiki Hokusai (1760-1849) är en av de mest kända gravyrerna och det första arket i serien Thirty-six Views of Fuji. I början av 1830-talet började Katsushika Hokusai, på uppdrag av Eijudo-förlaget, skapa en serie på 46 ark (36 huvudblad och 10 ytterligare), och Den stora vågen utanför Kanagawa var en gravyr som öppnar hela serien.

Sådana samlingar av gravyrer fungerade för den tidens stadsbor som ett slags " virtuella resor”, ett sätt att tillfredsställa nyfikenhet - bekvämt och billigt. Fuji-liknande tryck kostar cirka 20 månader - ungefär lika mycket som en dubbel portion nudlar på ett dåtida japanskt matställe. Framgången var dock så stor att 1838 hade kostnaden för Hokusais ark växt till nästan 50 månader, och efter mästarens död trycktes bara "Wave" om från nya tavlor mer än 1000 gånger.

Det är förvånande att, trots det uttalade temat för hela serien, Fuji i The Wave spelar som mindre roll. chef" skådespelare”på denna gravyr finns en våg, och i förgrunden utspelar sig en dramatisk scen av en mans kamp med elementen. Kanterna på skumkammen ser ut som de vridna fingrarna på en fantastisk arg demon, och ansiktslösheten och inaktiviteten hos de mänskliga figurerna i båtarna lämnar inga tvivel om vem som kommer att bli vinnaren i denna kamp. Det är dock inte denna konfrontation som är konflikten som skapar intrigen i gravyren.
Genom att stoppa ögonblicket efter vilket båtarna kraschar låter Hokusai betraktaren se Fuji ett ögonblick mot den grå himlen som mörknar mot horisonten. Även om japanska gravörer redan var bekanta med principerna för europeiskt linjärt och flygperspektiv vid den tiden, kände de inte behovet av denna teknik. Den mörka bakgrunden, liksom ögats långa resa från förgrunden med båtar genom vågens rörelse till Fuji, övertygar ögat om att heligt berg skilt från oss av havet.

Fuji reser sig långt från stranden som en symbol för stabilitet och beständighet, i motsats till de stormiga elementen. Motsatsernas enhet och ömsesidiga beroende ligger till grund för idén om kosmisk ordning och absolut harmoni i världsbilden i Fjärran Östern, och det var de som blev huvudtemat för gravyren "The Great Wave off Kanagawa", som inledde serien av Katsushika Hokusai.

"Beauty Nanivaya Okita" av Kitagawa Utamaro, 1795-1796

Art Institute of Chicago

Kitagawa Utamaro (1753-1806) kan med rätta kallas sångare kvinnlig skönhet i japanskt tryck ukiyo-e: han skapade ett antal kanoniska bilder av japanska skönheter ( bijinga) - invånarna i tehus och det berömda nöjeskvarteret Yoshiwara i Japans huvudstad, Edo edo — namnet Tokyo före 1868..

I bijingagravyr är allt inte riktigt vad det verkar för den moderna betraktaren. Rikt klädda adliga damer sysslade i regel med ett skamligt hantverk och tillhörde underklassen, och gravyrer med skönhetsporträtt hade en öppet reklamfunktion. Samtidigt gav gravyren ingen uppfattning om flickans utseende, och även om Okita från Nanivaya-tehuset nära Asakusa-templet ansågs vara den första skönheten i Edo, är hennes ansikte i gravyren helt utan individualitet.

Sedan 900-talet har kvinnliga bilder i japansk konst varit föremål för minimalismens kanon. "Linje-öga, krok-näsa" - teknik hikime-kagihana tillät konstnären bara att indikera att en viss kvinna var avbildad: i japansk traditionell kultur utelämnades ofta frågan om fysisk skönhet. Hos kvinnor av ädel börd värderades "hjärtats skönhet" och utbildning mycket mer, och invånarna i de glada kvarteren strävade efter att imitera de högsta exemplen i allt. Enligt Utamaro var Okita verkligen vacker.

Arket "Beauty Nanivaya Okita" trycktes 1795-1796 i serien "Famous Beauties Likened to Six Immortal Poets", där en av författarna från 900-talet motsvarade varje skönhet. På arket med ett porträtt av Okita i det övre vänstra hörnet finns en bild av Arivara no Narihira (825-880), en av de mest vördade poeterna i Japan, till vilken romanen Ise Monogatari traditionellt tillskrivs. Denne ädle adelsman och lysande poet blev också känd för sina kärleksaffärer, av vilka några låg till grund för romanen.

Detta ark är en speciell användning av tekniken mitate(jämförelser) i japansk gravyr. Kvaliteterna hos en auktoritativ "prototyp" överförs till den avbildade skönheten, och den eleganta kurtisanen, med ett fridfullt ansikte som serverar gästen en kopp te, läses redan av betraktaren som en dam som är skicklig i poesi och kärleksgärningar. Jämförelsen med Arivara no Narihira var verkligen ett erkännande av hennes överlägsenhet bland Edo-skönheterna.

Samtidigt skapar Utamaro en överraskande lyrisk bild. Genom att balansera mörka och ljusa fläckar på bladet och skissera formen med melodiska, eleganta linjer, skapar han en verkligt perfekt bild av nåd och harmoni. "Reklam" avtar, och skönheten som Utamaro fångade förblir tidlös.

Skärm "Irises" av Ogata Korin, 1710-talet

Wikimedia Commons / Nezu Museum, Tokyo

Ett par irisskärmar med sex paneler - nu en nationell skatt i Japan - skapades av Ogata Korin (1658-1716) runt 1710 för Nishi Hongan-ji-templet i Kyoto.

Sedan 1500-talet har målning på väggpaneler och pappersdukar blivit en av de ledande genrerna inom dekorativ konst i Japan, och Ogata Korin, grundaren av Rinpa konstskola, var en av dess största mästare.

Skärmar i den japanska interiören spelade en viktig roll. De rymliga palatslokalerna skilde sig inte strukturellt från bostäderna hos en enkel japan: de hade nästan inga inre väggar, och utrymmet var zonerat med vikskärmar. Bara drygt en och en halv meter höga var skärmarna designade för den gemensamma japanska traditionen för alla klasser att leva på golvet. I Japan användes barnstolar och bord inte förrän på 1800-talet, och skärmens höjd, liksom kompositionen av dess målning, är utformad för att se en person som sitter på knä. Det är med denna synvinkel som en fantastisk effekt uppstår: irisarna verkar omge den sittande personen - och en person kan känna sig själv på stranden av floden, omgiven av blommor.

Iris är målade på ett icke-konturmässigt sätt - nästan impressionistiska, breda streck av mörkblått, lila och lila tempera förmedlar den frodiga storheten hos denna blomma. Den pittoreska effekten förstärks av det dova skimret av guld, mot vilket iris avbildas. Skärmarna föreställer ingenting annat än blommor, men deras kantiga växtlinje antyder att blommorna böjer sig runt flodens slingrande lopp eller sicksackarna från träbroar. Det skulle vara naturligt för japanerna att se en bro saknas på skärmen, en speciell "bro med åtta plankor" ( yatsuhashi lyssna)), förknippas med iris i klassisk japansk litteratur. Romanen Ise Monogatari (800-talet) beskriver den sorgliga resan för en hjälte som fördrivits från huvudstaden. Efter att ha slagit sig ner med sitt följe för att vila på flodstranden nära Yatsuhashi-bron, minns hjälten, som ser iris, sin älskade och komponerar dikter:

min älskade i kläder
Graciöst där, i huvudstaden,
Kärlek kvar...
Och jag tänker med längtan hur mycket
Jag är långt ifrån henne... Översättning av N.I. Konrad.

"Så han vek sig, och alla fällde tårar på sitt torkade ris, så att det svällde av fukt", tillägger författaren och lyrisk hjälte till berättelsen, Arivara no Narihira.

För en utbildad japaner var kopplingen mellan iris vid bron och Ise monogatari, iris och temat avskild kärlek tydlig, och Ogata Korin undviker verbositet och illustrativitet. Med hjälp av dekorativt måleri skapar han bara ett idealiskt utrymme fyllt av ljus, färg och litterära konnotationer.

Kinkakuji Golden Pavilion, Kyoto, 1397

Yevgen Pogoryelov / flickr.com, 2006

Det gyllene templet är en av symbolerna för Japan, som ironiskt nog förhärligades mer av dess förstörelse än av dess konstruktion. 1950 satte en mentalt instabil munk i Rokuonji-klostret, som denna byggnad tillhör, eld på en damm som stod på ytan av
paviljong Under en brand 1950 förstördes templet nästan. Restaureringsarbetet i Kinkaku-ji började 1955, 1987 var återuppbyggnaden som helhet klar, men ersättningen av den helt förlorade heminredning fortsatte till 2003.. De verkliga motiven för hans handling förblev oklara, men i tolkningen av författaren Yukio Mishima var det den ouppnåeliga, nästan mystiska skönheten i detta tempel att skylla. Under flera århundraden ansågs Kinkakuji faktiskt vara symbolen för japansk skönhet.

År 1394 gick Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), som underkastade nästan hela Japan sitt testamente, formellt pension och bosatte sig i en specialbyggd villa i norra Kyoto. Den trevåningsbyggnaden vid den konstgjorda sjön Kyokoti ("sjöspegel") spelade rollen som ett slags eremitage, en avskild paviljong för avkoppling, läsning och bön. Den innehöll en samling målningar av shogunen, ett bibliotek och en samling buddhistiska reliker. Beläget på vattnet nära stranden, hade Kinkakuji endast båtkommunikation med stranden och var samma ö som de konstgjorda öarna med stenar och tallar utspridda runt Kyokoti. Idén om "de himmelska ön" lånades från kinesisk mytologi, där ön Penglai, de odödligas ö, tjänade som bilden av den himmelska bostaden. Speglingen av paviljongen i vattnet väcker redan buddhistiska associationer till idéer om den dödliga världens illusoriska natur, vilket bara är en blek återspegling av den buddhistiska sanningens prakt.

Även om alla dessa mytologiska övertoner är spekulativa, ger platsen för paviljongen den en fantastisk harmoni och harmoni. Reflektion döljer byggnadens squatness, vilket gör den högre och smalare; samtidigt är det höjden på paviljongen som gör det möjligt att se den från vilken strand som helst av dammen, alltid mot en mörk bakgrund av grönska.

Det är dock fortfarande inte helt klart hur gyllene denna paviljong var i originalform. Förmodligen, under Ashikaga Yoshimitsu, var det verkligen täckt med bladguld och ett skyddande lager av lack. Men om man tror på fotografierna från 1800- och början av 1900-talet och Yukio Mishima, så hade förgyllningen i mitten av 1900-talet nästan skalat av och dess rester var synliga endast på den övre delen av byggnaden. Vid den här tiden berörde han snarare själen med ödslighetens charm, tidens spår, obönhörlig till och med de vackraste sakerna. Denna melankoliska charm motsvarade den estetiska principen sabi mycket vördad i japansk kultur.

På ett eller annat sätt var prakten i denna byggnad inte alls i guld. Den utsökta strängheten i Kinkakujis former och dess oklanderliga harmoni med landskapet gör den till ett av mästerverken inom japansk arkitektur.

Skål "Iris" i stil med karatsu, XVI-XVII århundraden

Diane Martineau /pinterest.com/Metropolitan Museum of Art, New York

Ordet meibutsu- en sak med ett namn. Endast namnet på denna kopp har verkligen överlevt, eftersom varken den exakta tidpunkten och platsen för dess tillkomst eller mästarens namn har bevarats. Ändå är det klassificerat som en nationell skatt i Japan och är en av tydliga exempel keramik i nationell stil.

I slutet av 1500-talet, teceremonin cha-no-yuövergav det sofistikerade kinesiskt porslin och keramik med glasyrer som påminner om dyrbara material. Deras spektakulära skönhet verkade för konstlad och uppriktig för temästarna. Perfekta och dyra föremål - skålar, vattenkärl och tecaddies - motsvarade inte zenbuddhismens nästan asketiska andliga kanoner, i vilken anda teceremonin utvecklades. En verklig revolution inom te-action var vädjan till japansk keramik, mycket enklare och konstlös i en tid när verkstäderna i Japan precis hade börjat bemästra tekniken för kontinental keramik.

Formen på Iris-skålen är enkel och oregelbunden. Väggarnas lätta krökning, krukmakarens bucklor som syns över hela kroppen ger skålen en nästan naiv lätthet. Lerskärvan är täckt med ljus glasyr med ett nätverk av sprickor - craquelure. På framsidan, som tilltalar gästen under teceremonin, appliceras en bild av en iris under glasyren: teckningen är naiv, men utförd med en energisk pensel, exakt, som i en rörelse, i zens anda kalligrafi. Det verkar som att både formen och dekoren hade kunnat göras spontant och utan ansträngning av specialstyrkor.

Denna spontanitet speglar idealet wabi- enkelhet och konstlöshet, vilket ger upphov till en känsla av andlig frihet och harmoni. Varje person eller till och med ett livlöst föremål enligt japanska anhängare av zenbuddhismen har Buddhas upplysta natur, och adeptens ansträngningar syftar till att upptäcka denna natur i sig själv och världen omkring honom. De saker som användes i teceremonin borde, trots all sin klumpighet, ha framkallat en djup upplevelse av sanningen, varje ögonblicks relevans, tvingad att titta in i de mest vanliga former och se sann skönhet i dem.

Kontrasten till skålens grova konsistens och dess enkelhet är restaureringen med en liten flisad guldlack (denna teknik kallas kintsugi). Restaureringen genomfördes på 1700-talet och visar den vördnad med vilken japanska temästare behandlade redskap för teceremonin. Så teceremonin ger deltagarna ett "sätt" att upptäcka den sanna skönheten i saker, såsom Iris-skålen. Underförstått, sekretess har blivit grunden för det estetiska begreppet wabi och en viktig del av den japanska världsbilden.

Porträtt av munken Gandzin, Nara, 763

Toshodaiji, 2015

Under VIII-talet blev skulptur den huvudsakliga formen av konstnärligt uttryck för eran, Nara-eran (710-794), förknippad med bildandet av japanskt statsskap och stärkandet av buddhismen. Japanska mästare har redan passerat lärlingsstadiet och blind imitation av kontinentala tekniker och bilder och började fritt och levande uttrycka sin tidsanda i skulptur. Spridningen och tillväxten av buddhismens auktoritet orsakade uppkomsten av ett buddhistiskt skulpturporträtt.

Ett av mästerverken i denna genre är porträttet av Gandzin, skapat 763. Tillverkad i tekniken torr lack (genom att bygga upp lager av lack på en träram täckt med tyg), är skulpturen nästan naturlig storlek var realistiskt målad, och i templets halvmörker satt Ganjin i en meditationsställning "som om han levde". Denna naturtrogna karaktär var den huvudsakliga kultfunktionen för sådana porträtt: läraren var tvungen att alltid befinna sig inom väggarna i Todaiji-klostret i staden Nara och vara närvarande vid de viktigaste gudstjänsterna.

Senare, på 1000-1200-talen, nådde skulpturala porträtt en nästan skoningslös illusionism, som skildrade vördnadsvärda lärares senila svaghet, deras insjunkna munnar, slappa kinder och djupa rynkor. Dessa porträtt ser på buddhismens anhängare med levande ögon, inlagda med bergskristall och trä. Men Gandzins ansikte verkar suddigt, det finns inga tydliga konturer och tydliga former i det. Ögonlocken på halvslutna och okrossade ögon verkar svullna; den spända munnen och de djupa nasolabialvecken uttrycker vanemässig försiktighet snarare än koncentrationen av meditation.

Alla dessa funktioner avslöjar den dramatiska biografin om denna munk, historien om fantastisk askes och tragedier. Ganjin, en kinesisk buddhistmunk, bjöds in till Japan för invigningsceremonin av Naras största kloster, Todaiji. Skeppet tillfångatogs av pirater, ovärderliga rullar och buddhistiska skulpturer som var avsedda för ett avlägset japanskt tempel gick förlorade i elden, Ganjin brände hans ansikte och förlorade synen. Men han lämnade inte lusten att predika i civilisationens avlägsna utkanter – nämligen hur Japan uppfattades av kontinenten vid den tiden.

Flera försök att korsa havet slutade på samma misslyckade sätt, och först vid det femte försöket når den redan medelålders, blinde och sjuka Ganjin den japanska huvudstaden Nara.

I Japan lärde Ganjin inte ut buddhistisk lag på länge: de dramatiska händelserna i hans liv undergrävde hans hälsa. Men hans auktoritet var så hög att det antagligen redan före hans död beslutades att skapa hans skulptur. Utan tvekan sökte konstnärsmunkarna ge skulpturen så mycket likhet med modellen som möjligt. Men detta gjordes inte för att rädda utseende av en person, utan för att fånga hans individuella andliga upplevelse, den svåra väg som Ganjin gick igenom och som den buddhistiska läran kallade.

Daibutsu - Stora Buddha från Todaiji-templet, Nara, mitten av 700-talet

Todd/flickr.com

I mitten av 800-talet drabbades Japan av naturkatastrofer och epidemier, och intrigerna från den inflytelserika familjen Fujiwara och det uppror de reste tvingade kejsar Shoma att fly från huvudstaden, staden Nara. I exil lovade han att följa buddhistiska läror och beordrade 743 byggandet av landets huvudtempel och gjutning av en kolossal bronsstaty av Buddha Vairochana (Buddhas stora sol eller allt upplysande ljus). Denna gudom ansågs vara den universella inkarnationen av Buddha Shakyamuni, grundaren av buddhistiska läror, och var tänkt att bli garanten för skyddet av kejsaren och hela landet under perioden av oroligheter och uppror.

Arbetet började 745 och var modellerat efter den gigantiska Buddha-statyn i Longmen-grottans tempel nära den kinesiska huvudstaden Luoyang. Statyn i Nara, som vilken bild som helst av Buddha, var tänkt att visa "stora och små tecken på Buddha". Denna ikonografiska kanon inkluderade långsträckta örsnibbar, som påminner om det faktum att Buddha Shakyamuni kom från en furstlig familj och från barndomen bar tunga örhängen, en förhöjning på toppen av huvudet (ushnisha), en prick i pannan (urna).

Statyns höjd var 16 meter, ansiktets bredd var 5 meter, längden på den utsträckta handflatan var 3,7 meter och urnan var större än ett mänskligt huvud. Konstruktionen tog 444 ton koppar, 82 ton tenn och en enorm mängd guld, sökandet efter detta gjordes speciellt i norra delen av landet. Runt statyn restes en hall - Daibutsuden, designad för att skydda helgedomen. I sitt lilla utrymme fyller en lätt böjd sittande Buddha-figur hela utrymmet, vilket illustrerar ett av buddhismens huvudpostulat - tanken att gudomen är allestädes närvarande och allt genomträngande, den omfattar och fyller allt. Det transcendentala lugnet i ansiktet och gesten av gudomens hand (mudra, gesten att ge skydd) kompletterar känslan av Buddhas lugna storhet och kraft.

Men idag finns bara ett fåtal fragment kvar av den ursprungliga statyn: bränder och krig orsakade enorma skador på statyn på 1100- och 1500-talen, och den moderna statyn är huvudsakligen en gjutning från 1700-talet. Vid restaureringen av 1700-talet var bronsfiguren inte längre täckt med guld. Kejsar Shomus buddhistiska iver under 700-talet tömde praktiskt taget statskassan och förblödde det redan chockade landet, och de senare härskarna hade inte längre råd med sådana omåttliga utgifter.

Ändå ligger betydelsen av Daibutsu inte i guld och inte ens i tillförlitlig äkthet - själva idén med en sådan storslagen förkroppsligande av buddhistiska läror är ett monument över en era när japansk monumentalkonst upplevde en genuin blomning, frigjorde sig från blindkopiering av kontinentala prover och uppnådde integritet och uttrycksfullhet, som senare gick förlorade.

Japanerna upptäckte skönheten som gömdes i saker på 800-1100-talen, under Heian-eran (794-1185) och till och med utsåg den med ett speciellt koncept " mono no avare"(japanska: 物の哀れ (もののあわれ)), vilket betyder "sakers sorgliga charm." "Tingens charm" är en av de tidigaste definitionerna av skönhet i japansk litteratur, det är förknippat med shintotron att varje sak har sin egen gudom - kami - och sin egen unika charm. Avare är tingens inre väsen, det som orsakar glädje, spänning.

- Washi (wasi) eller wagami (wagami).
Manuell papperstillverkning. Medeltida japanska värderade washi inte bara för sina praktiska egenskaper utan också för sin skönhet. Hon var känd för sin subtilitet, nästan transparens, som dock inte berövade henne styrka. Washi är gjord av barken från kozo-trädet (mullbärsträdet) och några andra träd.
Washi-papper har bevarats i århundraden, bevis på detta är album och volymer av forntida japansk kalligrafi, målningar, skärmar, gravyrer som har kommit ner genom århundradena fram till idag.
Vasyas papper är fibröst, om du tittar genom ett mikroskop kommer du att se sprickor genom vilka luft och solljus tränger in. Denna kvalitet används vid tillverkning av skärmar och traditionella japanska lyktor.
Washi-souvenirer är mycket populära bland européer. Många små och användbara föremål är gjorda av detta papper: plånböcker, kuvert, fläktar. De är ganska hållbara men ändå lätta.

- Gohei.
Maskot från pappersremsor. Gohei - en rituell stav av en shintopräst, till vilken sicksackremsor av papper är fästa. Samma pappersremsor hängs vid ingången till en Shinto-helgedom. Pappers roll i shinto har traditionellt sett varit mycket stor, och produkter gjorda av det har alltid fästs esoterisk betydelse. Och tron ​​att varje sak, varje fenomen, till och med ord, innehåller en kami - en gudom - förklarar utseendet av detta slag brukskonst som gohei. Shintoismen påminner lite om vår hedendom. För shintoister är kami särskilt villiga att bosätta sig i allt som är utöver det vanliga. Till exempel på papper. Och ännu mer i en gohei vriden till en intrikat sicksack, som idag hänger framför ingången till Shinto-helgedomarna och indikerar närvaron av en gudom i templet. Det finns 20 sätt att vika gohei, och de som är särskilt ovanligt vikta lockar kami. Gohei är övervägande vit till färgen, men guld, silver och många andra nyanser finns också. Sedan 900-talet har det funnits en sed i Japan att stärka gohei på sumobrottares bälten innan kampen börjar.

- Anesama.
Detta är tillverkning av pappersdockor. På 1800-talet tillverkade samurajfruar pappersdockor som barn lekte med och klädde dem i olika kläder. I tider när det inte fanns några leksaker var anesama den enda samtalspartnern för barn, och "utförde" rollen som mamma, äldre syster, barn och vän.
Dockan är vikt av japanskt washipapper, håret är gjort av skrynkligt papper, färgat med bläck och täckt med lim, vilket ger det en glans. Särskiljande dragär en fin liten näsa på ett avlångt ansikte. Idag fortsätter denna enkla leksak, som inte kräver annat än skickliga händer, traditionell i formen, att tillverkas på samma sätt som tidigare.

- Origami.
Den antika konsten att vika papper (折り紙, lit.: "vikt papper"). Konsten att origami har sina rötter i Gamla Kina där papper uppfanns. Ursprungligen användes origami i religiösa ceremonier. Under lång tid var denna typ av konst endast tillgänglig för representanter för överklassen, där ett tecken på god smak var innehavet av pappersvikningstekniker. Först efter andra världskriget gick origami bortom öst och kom till Amerika och Europa, där den omedelbart hittade sina fans. Klassisk origami viks från ett fyrkantigt pappersark.
Det finns en viss uppsättning konventionella symboler som krävs för att skissa vikningsschemat för även den mest komplexa produkten. De flesta av de konventionella tecknen sattes i praktiken i mitten av 1900-talet av den berömda japanska mästaren Akira Yoshizawa.
Klassisk origami föreskriver användningen av ett fyrkantigt jämnt färgat papper utan lim och sax. Samtida konstformer avviker ibland från denna kanon.

- Kirigami.
Kirigami är konsten att klippa olika former från ett pappersark som är vikt flera gånger med hjälp av en sax. En typ av origami som tillåter användning av sax och pappersklippning i processen att göra modellen. Detta är huvudskillnaden mellan kirigami och andra pappersvikningstekniker, vilket betonas i namnet: 切る (kiru) - klipp, 紙 (gami) - papper. Vi älskade alla att skära snöflingor i barndomen - en variant av kirigami, du kan skära inte bara snöflingor utan också olika figurer, blommor, girlanger och andra söta papperssaker med denna teknik. Dessa produkter kan användas som schabloner för tryck, albumdekorationer, vykort, fotoramar, modedesign, inredning och andra olika dekorationer.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生け花 eller いけばな) översatt från japanska språket- ike" - livet, "bana" - blommor eller "blommor som lever". Den japanska konsten att arrangera blommor är en av det japanska folkets vackraste traditioner. Vid sammanställning av ikebana används tillsammans med blommor avskurna grenar, löv och skott. Grundprincipen är utsökt enkelhet, för att uppnå vilket de försöker betona naturlig skönhet växter. Ikebana är skapandet av en ny naturlig form, där skönheten i en blomma och skönheten i själen hos mästaren som skapar kompositionen kombineras harmoniskt.
Idag finns det fyra stora ikebanaskolor i Japan: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Utöver dem finns det ungefär tusen olika riktningar och trender som ansluter sig till en av dessa skolor.

- Oribana.
I mitten av 1600-talet utgick två skolor av ohara (huvudformen av ikebana - oribana) och koryu (huvudformen - sek) från ikenobo. Förresten, ohara-skolan studerar fortfarande bara oribanu. Som japanerna säger är det väldigt viktigt att origami inte förvandlas till origami. Gomi betyder skräp på japanska. När allt kommer omkring, som det händer, vek du ett papper, och vad ska du göra med det? Oribana erbjuder många idéer för buketter för att dekorera inredningen. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Misstag.
En typ av konst född ur blomsterhandel. Blomsterhandel dök upp i vårt land för åtta år sedan, även om det har funnits i Japan i mer än sexhundra år. Någon gång under medeltiden förstod samurajer vägen för en krigare. Och oshibana var en del av den vägen, precis som att skriva hieroglyfer och använda ett svärd. Innebörden av misstaget var att i tillståndet av total närvaro i ögonblicket (satori) skapade mästaren en bild av torkade blommor (pressade blommor). Då kan den här bilden fungera som en nyckel, en guide för dem som var redo att gå in i tystnaden och uppleva samma satori.
Kärnan i konsten att "oshibana" är att genom att samla och torka blommor, örter, löv, bark under tryck och fästa dem på basen, skapar författaren med hjälp av växter ett verkligt verk av "målning". Det är med andra ord fel att måla med växter.
Konstnärlig kreativitet florister bygger på bevarandet av formen, färgen och strukturen hos torkat växtmaterial. Japanerna har utvecklat en teknik för att skydda "oshibana"-målningar från att blekna och mörkna. Dess essens är att luft pumpas ut mellan glaset och bilden och det skapas ett vakuum som förhindrar att växterna förstörs.
Det lockar inte bara det okonventionella i denna konst, utan också möjligheten att visa fantasi, smak, kunskap om växternas egenskaper. Florister skapar ornament, landskap, stilleben, porträtt och berättelsemålningar.

- Bonsai.
Bonsai, som ett fenomen, dök upp för mer än tusen år sedan i Kina, men denna kultur nådde sin utvecklingstopp bara i Japan. (bonsai - japanska 盆栽 lit. "plantera i en kruka") - konsten att odla en exakt kopia av ett riktigt träd i miniatyr. Dessa växter odlades av buddhistiska munkar flera århundraden före vår tideräkning och blev därefter en av den lokala adelns verksamhet.
Bonsai prydde japanska hem och trädgårdar. Under Tokugawa-eran fick parkdesign en ny impuls: odlingen av azaleor och lönnar blev ett tidsfördriv för de rika. Dvärgväxtodling (hachi-no-ki - "träd i en kruka") utvecklades också, men dåtidens bonsai var mycket stora.
Nu används vanliga träd till bonsai, de blir små på grund av konstant beskärning och olika andra metoder. Samtidigt motsvarar förhållandet mellan storleken på rotsystemet, begränsat av skålens volym, och den markerade delen av bonsai proportionerna av ett vuxet träd i naturen.

- Mizuhiki.
Macrame analog. Detta är en gammal japansk brukskonst att knyta olika knutar från speciella snören och skapa mönster av dem. Sådana konstverk hade en extremt stor räckvidd - från presentkort och brev till frisyrer och handväskor. För närvarande används mizuhiki extremt flitigt i presentbranschen - för varje händelse i livet är det meningen att en gåva ska slås in och knytas på ett mycket specifikt sätt. Det finns extremt många knutar och kompositioner i konsten att mizuhiki, och inte alla japaner kan dem alla utantill. Naturligtvis finns det de vanligaste och enkla knutarna som används oftast: för gratulationer till ett barns födelse, för ett bröllop eller åminnelse, en födelsedag eller universitetsantagning.

- Kumihimo.
Kumihimo är ett japanskt flätat snöre. Vid vävning av trådar erhålls band och spetsar. Dessa snören är vävda på speciella maskiner - Marudai och Takadai. Marudai-maskinen används för att väva runda snören och Takadai för platta. Kumihimo på japanska betyder "väva rep" (kumi - väva, vika ihop, himo - rep, spets). Trots det faktum att historiker envist insisterar på att liknande vävning kan hittas bland skandinaverna och invånarna i Anderna, är den japanska konsten kumihimo verkligen en av de äldsta typerna av vävning. Det första omnämnandet av det går tillbaka till 550, då buddhismen spreds över hela Japan och speciella ceremonier krävde speciella dekorationer. Senare började kumihimo-snören användas som fixare för obi-bältet på en damkimono, som rep för att "packa" hela samurajerna av vapen (samurajerna använde kumihimo i dekorativa och funktionella syften för att knyta deras rustningar och hästrustningar) och även för att binda tunga föremål.
En mängd olika mönster av modern kumihimo vävs mycket enkelt på hemgjorda kartongvävstolar.

- Komono.
Vad finns kvar av en kimono efter att den har avtjänat sin tid? Tror du att det slängs? Inget sånt här! Japanerna kommer aldrig att göra det. Kimonos är dyra. Det är otänkbart och omöjligt att bara slänga det så... Tillsammans med andra typer av kimonoåtervinning gjorde hantverkarna små souvenirer av små strimlor. Det är små leksaker för barn, dockor, broscher, girlanger, damsmycken och andra produkter, den gamla kimonon används vid tillverkning av små söta saker, som tillsammans kallas "komono". Små saker som kommer att få sitt eget liv, som fortsätter på kimononens väg. Detta är vad ordet "komono" betyder.

- Kanzashi.
Konsten att dekorera hårspännen (oftast dekorerad med blommor (fjärilar etc.) gjorda av tyg (främst siden). Japansk kanzashi (kanzashi) är en lång hårnål för en traditionell japansk kvinnlig frisyr. De var gjorda av trä, lack, silver, sköldpaddsskal som används i traditionella kinesiska och japanska frisyrer. För cirka 400 år sedan, i Japan, förändrades stilen på kvinnors frisyrer: kvinnor slutade kamma sitt hår i den traditionella formen - taregami (långt rakt hår) och började styla det i intrikata och bisarra former - nihongami. använde olika föremål - hårnålar, pinnar, kammar.Det var då som även en enkel kushi kam-kam förvandlas till ett elegant tillbehör av extraordinär skönhet, som blir ett riktigt konstverk.Japanska kvinnors traditionella dräkt tillät inte handledssmycken och halsband, så var frisyrer främsta skönhet och ett fält för självuttryck - samt att demonstrera smaken och tjockleken på ägarens plånbok. På gravyrerna kan man se - om man tittar noga - hur japanska kvinnor lätt hängde upp till tjugo dyra kanzashi i sina frisyrer.
Det finns nu ett uppsving i traditionen att använda kanzashi bland unga japanska kvinnor som vill lägga till sofistikering och elegans till sina frisyrer, moderna hårspännen kan prydas med bara en eller två läckra handgjorda blommor.

- Kinusaiga.
En fantastisk typ av handarbete från Japan. Kinusaiga (絹彩画) är en korsning mellan batik och lapptäcke. Huvudtanken är att nya målningar samlas in från gamla sidenkimonos bit för bit - verkliga verk konst.
Först gör konstnären en skiss på papper. Sedan överförs denna ritning till en träskiva. Konturen av mönstret skärs igenom med räfflor, eller räfflor, och sedan skärs små strimlor, matchande i färg och ton, från den gamla sidenkimonon, och kanterna på dessa strimlor fyller spåren. När man tittar på en sådan bild får man en känsla av att man tittar på ett fotografi, eller till och med bara tittar på landskapet utanför fönstret, de är så realistiska.

- Temari.
Dessa är traditionella japanska geometriska broderade bollar gjorda med enkla sömmar som en gång var en barnleksak och som nu har blivit en konstform med många fans, inte bara i Japan utan över hela världen. Man tror att dessa produkter för länge sedan tillverkades av samurajfruar för underhållning. I början användes de verkligen som en boll för ett bollspel, men så småningom började de förvärva konstnärliga element, förvandlades senare till dekorativa ornament. Den känsliga skönheten hos dessa bollar är känd i hela Japan. Och idag är färgglada, noggrant tillverkade produkter en av de typer av folkhantverk i Japan.

- Yubinuki.
Japanska fingerborg, när man syr eller broderar för hand, sätts de på mittfalangen på långfingret på den arbetande handen, med hjälp av fingertopparna får nålen den önskade riktningen och nålen trycks genom ringen på mitten finger i jobbet. Till en början gjordes japanska yubinuki fingerborgsringar helt enkelt - en remsa av tjockt tyg eller läder ca 1 cm bred i flera lager lindades hårt runt fingret och fästes ihop med några enkla dekorativa stygn. Eftersom yubinuki var ett nödvändigt föremål i varje hem började de dekoreras med geometriska broderier med sidentrådar. Från sammanflätningen av stygn, färgglada och invecklade mönster. Yubinuki från ett enkelt hushållsföremål har också förvandlats till ett föremål för att "beundra", dekoration av vardagen.
Yubinuki används fortfarande i sömnad och broderi, men de kan också hittas enkelt bäras på händerna på vilket finger som helst, som dekorativa ringar. Broderi i Yubinuki-stil används för att dekorera olika föremål i form av en ring - servettringar, armband, temari-ställ, dekorerade med yubinuki-broderier, och det finns också broderade nålsängar i samma stil. Yubinuki-mönster kan vara en bra inspiration för temari obi-broderi.

- Suibokuga eller sumie.
Japansk tuschmålning. Detta kinesisk stil målning lånades av japanska konstnärer på 1300-talet och i slutet av 1400-talet. blev huvudströmmen av måleri i Japan. Suibokuga är monokrom. Det kännetecknas av användningen av svart bläck (sumi), en fast form träkol eller gjord av sot av kinesiskt bläck, som mals i en bläckkruka, späds med vatten och appliceras med en pensel på papper eller siden. Monokrom erbjuder mästaren ett oändligt urval av tonala alternativ, som kineserna för länge sedan kände igen som bläckets "färger". Suibokuga tillåter ibland användning av riktiga färger, men begränsar det till tunna, genomskinliga streck som alltid förblir underordnade bläcklinjen. Bläckmålning delar kalligrafikonsten sådana väsentliga egenskaper som hårt kontrollerat uttryck och teknisk formbehärskning. Kvaliteten på bläckmålning beror, som i kalligrafi, på integriteten och motståndskraften mot sönderrivning av linjen som dragits med bläck, som liksom håller konstverket om sig självt, precis som ben håller vävnader om sig själva.

- Etegami.
Ritade vykort (e - bild, taggade - brev). Gör-det-själv-vykortstillverkning är i allmänhet en mycket populär aktivitet i Japan, och före semestern ökar dess popularitet ännu mer. Japanerna älskar att skicka vykort till sina vänner, och de älskar att ta emot dem också. Detta är en typ av snabbbrev på speciella ämnen, det kan skickas med post utan kuvert. Inte i etegami särskilda regler eller en tekniker, det kan vara vilken person som helst utan särskild utbildning. Etagami hjälper till att exakt uttrycka stämningen, intrycken, detta är ett handgjort vykort som består av en bild och ett kort brev, som förmedlar avsändarens känslor, såsom värme, passion, omsorg, kärlek, etc. De skickar dessa vykort för semestern och bara som det, som visar årstiderna, aktiviteterna, grönsaker och frukter, människor och djur. Ju enklare den här bilden är ritad, desto mer intressant ser den ut.

- Furoshiki.
Japansk inslagningsteknik eller konsten att vika tyg. Furoshiki kom in i japanernas liv under lång tid. Gamla rullar från Kamakura-Muromachi-perioden (1185 - 1573) har bevarats med bilder av kvinnor som bär buntar kläder insvepta i tyg på huvudet. Denna intressanta teknik har sitt ursprung så tidigt som 710 - 794 AD i Japan. Ordet "furoshiki" översätts bokstavligen till "badmatta" och är ett fyrkantigt tygstycke som användes för att slå in och bära föremål av alla former och storlekar.
Förr i tiden var det brukligt att gå i japanska bad (furo) i lätta bomullskimonos, som besökarna hade med sig hemifrån. Badaren hade också med sig en speciell matta (shiki) som han stod på när han klädde av sig. Efter att ha bytt om till en "badande" kimono, slog besökaren in sina kläder i en matta och efter badet lindade han in en våt kimono i en matta för att ta hem den. Därmed har badmattan blivit en multifunktionell väska.
Furoshiki är väldigt lätt att använda: tyget tar formen av föremålet som du slår in, och handtagen gör det lätt att bära lasten. Dessutom får en present som inte är inslagen i hårt papper, utan i ett mjukt, flerskiktigt tyg, en speciell uttrycksfullhet. Det finns många system för att vika furoshiki för alla tillfällen, vardagliga eller festliga.

- Amigurumi.
Den japanska konsten att sticka eller virka små gosedjur och humanoida varelser. Amigurumi (編み包み, lit.: "stickad-lindad") är oftast söta djur (som björnar, kaniner, katter, hundar etc.), små män, men de kan också vara livlösa föremål som har mänskliga egenskaper. Till exempel cupcakes, hattar, handväskor och annat. Amigurumi är stickad eller stickad eller virkad. På senare tid har virkade amigurumi blivit mer populära och vanligare.
stickad av garn i en enkel stickmetod - i en spiral och, till skillnad från den europeiska stickmetoden, är cirklarna vanligtvis inte sammankopplade. De är också virkade i en mindre storlek i förhållande till garntjockleken för att skapa ett mycket tätt tyg utan några mellanrum för att fyllningen ska komma ut. Amigurumi görs ofta av delar och sätts sedan ihop, med undantag för vissa amigurumi, som inte har lemmar, utan bara har ett huvud och en bål, som är en helhet. Lemmarna är ibland fyllda med plastbitar för att ge dem levande vikt, medan resten av kroppen är fylld med fiberfill.
Spridningen av amigurumi-estetik underlättas av deras söthet ("kawaii").

Han skapade sina målningar under Taise-perioden (1912-26) och tidiga Showa. Han föddes 1891
år i Tokyo, var son till journalisten Kishida Ginko. 1908 tog han examen från skolan, vid en ålder av
Vid 15 års ålder blev han kristen och ägnade sig åt kyrklig verksamhet, då Kishida
Ryūsei studerade västerländska konststilar i Hakubakai-studion under
Seiki Kuroda (1866-1924), som var en av grundarna av Academy of Arts i Japan.
Redan 1910 började den unge konstnären ställa ut sina verk på den årliga
Bantens statliga utställning. Hans tidiga verk, särskilt landskap, målades
starkt influerad och återspeglar stilen hos sin lärare Kuroda Seiki.

Reiko porträtt

Senare träffade artisten och blev vän med Musanoka Saneatsu (Mushanokoji Saneatsu),
som introducerade konstnären till samhället Sirakaba (Vit björk) och introducerade honom till det europeiska
Fauvism och kubism. Bildandet av Kishida Ryūsei som konstnär skedde i den första
decennium av 1900-talet, då många japanska unga konstnärer lämnade för att studera
målning utomlands, främst till Paris. Kishida Ryūsei har aldrig varit i Europa och
studerade inte med europeiska mästare, utan den europeiska postimpressionismens inflytande på honom
var enorm, särskilt Van Goghs och Cezannes arbete. Från slutet av 1911 till början
1912 inspirerades han av verk av samtida franska konstnärer, med vars arbete
Han träffades i tidningen Shirakaba och genom illustrerade böcker. Hans tidiga arbete är tydligt
skapad under inflytande av Henri Matisse och fauvisterna.

Självporträtt med hatt, 1912
stil: fauvism

1912, vid tjugoett års ålder, debuterade Kishida Ryūsei som
professionell konstnär, hans första separatutställning ägde rum i
Rokando konstgalleri. Samma år organiserade konstnären sitt
Fyizankai Art Circle för att studera och främja
postimpressionism.

Trädgård för presidenten för South Manchurian Railway Company 1929

Kretsen upplöstes snart pga interna konflikter efter två utställningar.
Från omkring 1914 övergav konstnären fauvismen, hans tidiga stil. År 1915
år skapade Kishida Reisai Shodosa-gruppen, där hans huvudkamrat, student
och konstnären Michisai Kono var en efterföljare.

Vägen försommaren 1917
stil: yoga-ka

Sedan dess har han utvecklat sin egen unika stil av en stor mästare, på japanska
på språket kallas det "shajitsu" eller "shasei", vanligtvis översatt till ryska som realism.
Konstnären förenklar former, hittar en unik färg, allt detta kommer från konsten
Cezanne. Även om Kishida Reisai uppskattade konsten i Frankrike mycket, men i den senare perioden han
anses orientalisk konst vida överlägsen västerländsk konst.

Road Cut Through a Hill, 1915
stil: yoga-ka

Porträtt av Bernard Leach, 1913
stil: fauvism

Självporträtt, 1915,
stil: yoga-ka

Självporträtt, 1913,
stil: yoga-ka

Självporträtt, 1917,
stil: yoga-ka

Porträtt av en man
stil: yoga-ka

Från och med 1917 flyttade konstnären till Kugenuma Fujisawa i Kanagawa-området. Han började
studera nordeuropeiska renässanskonstnärers stilar och tekniker som t.ex
Dürer och Van Dyck. Under denna period målade han sin berömda serie målningar av Reikos dotter,
som kombinerar nästan fotografisk realism med surrealistiskt
dekorativa element. I början av 1920-talet intresserade sig Kishida Ryūsei
element av orientalisk konst, i synnerhet, till de kinesiska målningarna "Sånger" och
"Yuandynastin".

"Porträtt av Sanada Hisakichi"

Under den stora jordbävningen i Kanto 1923 var konstnärens hem i Kugenum
förstört flyttade Kishida Ryūsei till Kyoto för en kort period, varefter i februari
1926 återvände för att bo i Kamakura. På 1920-talet målade konstnären många
artiklar om det japanska måleriets estetik och historia.

Tekopp Teskål och tre gröna äpplen, 1917
stil: sezanism

Stilleben, 1918,
stil: sezanism

Två röda äpplen, tekopp, teskål och en flaska, 1918
stil: sezanism

1929, med hjälp av South Manchurian Railway, gjorde Kishida Ryūsei
den enda utlandsresan i mitt liv, att besöka Dalian, Harbin och Fengtian
i Manchuriet. På vägen hem gjorde han ett stopp i staden Tokuyama, ett distrikt
Yamaguchi, där han plötsligt dog av akut självförgiftning av kroppen. Kishida Ryusei
skapade sina porträtt, landskap och stilleben fram till sin tidiga död vid en ålder av
38 år. Konstnärens grav ligger på Tama Reien-kyrkogården i Tokyo. Efter döden
Kishida Ryūsei till två av hans målningar Japanese Government Agency for Cultural Affairs
belönades med titeln "Nationell kulturellt värde". I december 2000, en av
hans porträtt av sin dotter Reiko med en näsduk på axlarna såldes för 360 miljoner yen, vilket
blev det högsta priset på japanska måleriauktioner.

Den vidsträckta regionen, konventionellt kallad Fjärran Östern, omfattar Kina, Japan, Korea, Mongoliet och Tibet – länder som har ett antal likheter, men samtidigt betydande skillnader i kultur.

Alla länder i Fjärran Östern var influerade av de antika civilisationerna i Kina och Indien, där det redan under 1:a årtusendet f.Kr. uppstod filosofiska och religiösa läror som lade grunden för begreppet naturen som ett omfattande kosmos - ett levande och andligt organism som lever enligt sina egna lagar. Naturen visade sig vara i centrum för filosofiska och konstnärliga sökningar under hela medeltiden, och dess lagar ansågs vara universella och bestämde människors liv och relationer. Människans inre värld jämfördes med naturens olika manifestationer. Detta påverkade utvecklingen av den symboliska metoden inom bildkonsten och definierade dess allegoriska poetiska språk. I Kina, Japan och Korea, under påverkan av en sådan inställning till naturen, bildades typer och genrer av konst, arkitektoniska ensembler byggdes, nära besläktade med det omgivande landskapet, trädgårdskonst och äntligen var det landskapsmåleriets gryning. Under inflytande av forntida indisk civilisation började buddhismen spridas, och hinduismen började även spridas i Mongoliet och Tibet. Dessa religiösa system förde inte bara med sig nya idéer till länderna i Fjärran Östern, utan hade också en direkt inverkan på konstens utveckling. Tack vare buddhismen dök ett tidigare okänt nytt konstnärligt språk för skulptur och målning upp i alla länder i regionen, ensembler skapades, vars karakteristiska drag var samspelet mellan arkitektur och konst.

Drag av bilden av buddhistiska gudar i skulptur och målning utvecklades under många århundraden som ett speciellt symbolspråk som uttryckte idéer om universum, moraliska lagar och människans öde. Därmed befästes och bevarades många folks kulturella erfarenheter och andliga traditioner. Bilderna av buddhistisk konst förkroppsligade idéerna om konfrontationen mellan gott och ont, barmhärtighet, kärlek och hopp. Alla dessa egenskaper bestämde originaliteten och den universella betydelsen av de enastående skapelserna av den konstnärliga kulturen i Fjärran Östern.

Japan ligger på öarna i Stilla havet och sträcker sig längs det asiatiska fastlandets östkust från norr till söder. japanska öar ligger i ett område som är utsatt för frekventa jordbävningar och tyfoner. Invånarna på öarna är vana vid att ständigt vara på sin vakt, vara nöjda med ett blygsamt liv, snabbt återställa sina hem och hushåll efter naturkatastrofer. Trots de naturliga elementen som ständigt hotar människors välbefinnande, återspeglar japansk kultur önskan om harmoni med omvärlden, förmågan att se naturens skönhet i stort och smått.

I japansk mytologi ansågs de gudomliga makarna, Izanagi och Izanami, vara förfäderna till allt i världen. Från dem kom en triad av stora gudar: Amaterasu - solens gudinna, Tsukiyomi - månens gudinna och Susanoo - stormens och vindens gud. Enligt de gamla japanernas idéer hade gudarna inte ett synligt utseende, utan var förkroppsligade i naturen själv - inte bara i solen och månen, utan också i berg och klippor, floder och vattenfall, träd och gräs, som var vördade som andar-kami (slovaker i översättning från japanska betyder gudomlig vind). Denna gudomliggörande av naturen höll i sig under hela medeltiden och kallades Shinto - gudarnas väg, som blev den japanska nationalreligionen; Européer kallar det shinto. Ursprunget till japansk kultur har sina rötter i antiken. De tidigaste konstverken går tillbaka till det 4:e...2:a årtusendet f.Kr. Den längsta och mest fruktbara för japansk konst var medeltiden (6...1800-talet).

Designen av ett traditionellt japanskt hus utvecklat av 1600-1700-talen. Det är en träram med tre flyttbara väggar och en fast. Väggarna har inte funktionerna som ett stöd, så de kan flyttas isär eller till och med tas bort och fungerar samtidigt som ett fönster. Under den varma årstiden var väggarna en gallerstruktur, klistrade över med genomskinligt papper som släppte igenom ljuset, och under den kalla och regniga årstiden täcktes de eller ersattes med träpaneler. Med hög luftfuktighet i det japanska klimatet måste huset ventileras underifrån. Därför höjs den över marknivån med 60 cm. För att skydda stödpelarna från förfall installerades de på stenfundament.

Den lätta träramen hade den nödvändiga flexibiliteten, vilket minskade den destruktiva kraften av trycket under frekventa jordbävningar i landet. Taket, tegel eller vass, hade stora skärmtak som skyddade husets pappersväggar från regn och stekande sommarsol, men höll inte tillbaka lågt solljus på vintern, tidig vår och sen höst. Under taktaket fanns en veranda.

Golvet i vardagsrummen var täckt med mattor - tatamimattor, som de mest satt på, stod inte. Därför var husets alla proportioner fokuserade på en sittande person. Eftersom det inte fanns några permanenta möbler i huset sov de på golvet, på speciella tjocka madrasser, som lades undan i garderoberna under dagen. De åt, sittande på mattor, vid låga bord, serverade de också till olika yrken. Skjutbara inre skiljeväggar, täckta med papper eller siden, kunde dela upp de interna lokalerna beroende på behoven, vilket gjorde det möjligt att använda det mer mångsidigt, men det var omöjligt för var och en av dess invånare att helt dra sig tillbaka inuti huset, vilket påverkade intra -familjerelationer i den japanska familjen, och i en mer allmän mening - om egenskaperna hos japanernas nationella karaktär. Viktig detalj hemma - en nisch som ligger nära en fast vägg - tokonama, där en bild kunde hänga eller en sammansättning av blommor - ikebana kunde stå. Det var husets andliga centrum. I dekorationen av nischen manifesterades de individuella egenskaperna hos invånarna i huset, deras smaker och konstnärliga böjelser.

En fortsättning på det traditionella japanska huset var en trädgård. Han spelade rollen som ett staket och kopplade samtidigt ihop huset med miljö. När husets ytterväggar flyttades isär försvann gränsen mellan husets inre utrymme och trädgården och en känsla av närhet till naturen skapades en direkt kommunikation med den. Det var viktig funktion nationella stämningen. Men de japanska städerna växte, trädgårdens storlek minskade, ofta ersattes den av en liten symbolisk sammansättning av blommor och växter, som tjänade samma roll som kontakt mellan bostaden och naturen. japansk mytologi hus ikebana netsuke

Konsten att arrangera blommor i vaser - ikebbna (blommornas liv) - går tillbaka till den gamla seden att placera blommor på en gudoms altare, som spred sig till Japan med buddhismen på 600-talet. Oftast bestod kompositionen i den tidens stil - rikka (planterade blommor) - av en tall- eller cypressgren och lotusblommor, rosor, påskliljor, installerade i gamla bronskärl.

Med utveckling sekulär kultur på 10-...1100-talet installerades blomsterarrangemang i palats och bostadskvarter för representanter för den aristokratiska klassen. Vid det kejserliga hovet blev speciella tävlingar i att arrangera buketter populära. Under andra hälften av 1400-talet dök en ny riktning inom ikebanakonsten upp, vars grundare var mästaren Ikenobo Sen'ei. Ikenobo-skolans verk kännetecknades av sin speciella skönhet och sofistikering, de installerades vid hemaltare och presenterades som gåvor. På 1500-talet, med spridningen av teceremonier, bildades en speciell typ av ikebana för att dekorera tokonoma-nischen i tepaviljongen. Kravet på enkelhet, harmoni, återhållsamt färgschema, presenterat för alla föremål i tekulten, utvidgades till utformningen av blommor - tyabana (ikebana för teceremonin). Den berömda temästaren Senno Rikyu skapade en ny, friare stil - nageire (vårdslöst placerade blommor), även om det var i den skenbara oordningen som den speciella komplexiteten och skönheten i bilderna i denna stil låg. En av typerna av nageire var den så kallade tsuribanan, då plantorna placerades i ett upphängt kärl i form av en båt. Sådana kompositioner erbjöds en person som tillträdde eller tog examen från skolan, eftersom de symboliserade "att gå ut i livets öppna hav". På 1600-...1800-talet blev ikebanakonsten utbredd, och det uppstod en sed för obligatorisk träning av flickor i konsten att göra buketter. Men på grund av ikebanas popularitet förenklades kompositionerna, och de strikta reglerna för stylerikka måste överges till förmån för nageire, från vilken en annan ny stil av seika eller shoka (levande blommor) uppstod. I slutet av 1800-talet skapade mästaren Ohara Usin moribana-stilen, vars främsta innovation var att blommorna placerades i breda kärl.

I sammansättningen av ikebana finns det som regel tre obligatoriska element, som betecknar de tre principerna: himmel, jord och människa. De kan förkroppsligas som en blomma, gren och gräs. Deras relation till varandra och ytterligare element skapar verk av olika stil och innehåll. Konstnärens uppgift är inte bara att skapa en vacker komposition, utan också att fullt ut förmedla i den sina egna tankar om en persons liv och hans plats i världen. Verken av enastående ikebanamästare kan uttrycka hopp och sorg, andlig harmoni och sorg.

Enligt traditionen i ikebana reproduceras säsongen nödvändigtvis, och kombinationen av växter bildar symboliska lyckönskningar som är välkända i Japan: tall och ros - livslängd; pion och bambu - välstånd och fred; krysantemum och orkidé - glädje; magnolia - andlig renhet, etc.

Miniatyrskulptur - netsuke blev utbredd under 18-19-talen som en av typerna av konst och hantverk. Dess utseende beror på det faktum att den nationella japanska dräkten - kimono - inte har några fickor och alla nödvändiga små föremål (pipa, påse, medicinlåda) är fästa på bältet med hjälp av en motviktsnyckelring. Netsuke har därför nödvändigtvis ett hål för en spets, med hjälp av vilket det önskade föremålet är fäst vid det. Nyckelringar i form av pinnar och knappar användes tidigare, men sedan slutet av 1700-talet har välkända mästare redan arbetat med skapandet av netsuke och satt sin signatur på verken.

Netsuke är stadsklassens konst, massa och demokratisk. Enligt netsukes planer kan man bedöma stadsbornas andliga behov, vardagliga intressen, seder och seder. De trodde på andar och demoner, som ofta avbildades i miniatyrskulpturer. De älskade figurerna av de "sju lyckans gudar", bland vilka de mest populära var rikedomens gud Daikoku och lyckans gud Fukuroku. De konstanta tomterna för netsuken var följande: en sprucken aubergine med många frön inuti - en önskan om en stor manlig avkomma, två ankor - en symbol familjelycka. Ett stort antal netsuke är dedikerade till vardagliga ämnen och det dagliga livet i staden. Dessa är vandrande skådespelare och magiker, gatuförsäljare, kvinnor som gör olika aktiviteter, vandrande munkar, brottare, till och med holländarna i sin exotiska, ur japanernas synvinkel, kläder - bredbrättade hattar, camisoles och byxor. Utmärkt av tematisk mångfald behöll netsuke sin ursprungliga funktion som en nyckelring, och detta syfte dikterade hantverkarna en kompakt form utan ömtåliga utstickande detaljer, rundade, behagliga att ta på. Valet av material är också kopplat till detta: inte särskilt tung, hållbar, bestående av ett stycke. De vanligaste materialen var olika träslag, elfenben, keramik, lack och metall.

Japansk målning är mycket varierande, inte bara i innehåll utan också i form: dessa är väggmålningar, skärmmålningar, vertikala och horisontella rullar, utförda på siden och papper, albumblad och fläktar.

HANDLA OM gammal målning kan endast bedömas genom hänvisningar i skriftliga handlingar. De tidigaste bevarade framstående verken går tillbaka till Heian-perioden (794-1185). Dessa är illustrationer av den berömda "Sagan om Prins Genji" av författaren Murasaki Shikibu. Illustrationerna gjordes på flera horisontella rullar och kompletterades med text. De tillskrivs borsten av konstnären Fujiwara Takayoshi (första hälften av 1100-talet).

Ett karakteristiskt drag i kulturen från den eran, skapad av en ganska smal krets av den aristokratiska klassen, var skönhetskulten, önskan att i alla manifestationer av materiellt och andligt liv finna sin inneboende charm, ibland svårfångad och svårfångad. Den tidens målning, senare kallad yamato-e (bokstavligen japansk målning), förmedlade inte en handling, utan ett sinnestillstånd. När de hårda och modiga företrädarna för militärklassen kom till makten började kulturen från Heian-eran att avta. I målningen på rullarna fastställdes den narrativa principen: det här är legender om mirakel fulla av dramatiska episoder, biografier om buddhistisk tros predikanter, scener av krigares strider. Under 14-15 århundraden, under inflytande av Zen-sektens läror, med sin speciella uppmärksamhet på naturen, började landskapsmålning utvecklas (till en början under påverkan av kinesiska modeller).

I ett och ett halvt sekel behärskade japanska konstnärer det kinesiska konstsystemet, vilket gjorde monokrom landskapsmålning till nationell konsts egendom. Dess högsta blomning är förknippad med namnet på den enastående mästaren Toyo Oda (1420...1506), mer känd under pseudonymen Sesshu. I sina landskap, med endast de finaste nyanserna av svart bläck, lyckades han återspegla naturens hela mångfärgade natur och dess otaliga tillstånd: den tidiga vårens fuktmättade atmosfär, den osynliga men kände vinden och det kalla höstregnet, orörlig vinterstillhet.

1500-talet öppnar eran för den så kallade senmedeltiden varade i tre och ett halvt århundrade. Vid den här tiden blev väggmålningar utbredda och dekorerade palatsen för landets härskare och stora feodalherrar. En av grundarna av den nya riktningen inom måleri var den berömda mästaren Kano Eitoku, som levde under andra hälften av 1500-talet. Trägravyr (xylografi), som blomstrade under 18-19-talen, blev en annan typ av konst under medeltiden. Gravyr, liksom genremåleri, kallades ukiyo-e (bilder av den vardagliga världen). Förutom konstnären som skapade teckningen och skrev sitt namn på det färdiga arket, skapades gravyren av en ristare och en tryckare. Till en början var gravyren monofonisk, den målades för hand av konstnären själv eller av köparen. Sedan uppfanns tryck i två färger, och 1765 använde konstnären Suzuki Harunobu (1725-1770) först flerfärgstryck. För att göra detta placerade snidaren ett spårpapper med ett mönster på en speciellt förberedd längsgående sågad bräda (från päron, körsbär eller japansk buxbom) och skar ut det erforderliga antalet tryckta brädor, beroende på gravyrens färgschema. Ibland var de fler än 30 stycken. Efter det gjorde skrivaren, genom att välja rätt nyanser, utskrifter på specialpapper. Hans skicklighet var att uppnå en exakt matchning av konturerna av varje färg, erhållen från olika träskivor. Alla gravyrer var uppdelade i två grupper: teatraliska, som föreställde japanska skådespelare. klassisk teater Kabuki i olika roller, och vardagsliv, tillägnad bilden av skönheter och scener från deras liv. Den mest kända mästaren av teatertryck var Toshushai Syaraku, som närbild porträtterade skådespelarnas ansikten och betonade egenskaperna hos rollen de spelade, karaktärsdrag en person reinkarnerad som karaktär i en pjäs: ilska, rädsla, grymhet, bedrägeri.

Sådana enastående konstnärer som Suzuki Harunobu och Kitagawa Utamaro blev kända i vardagsgravyr. Utamaro var skaparen kvinnliga bilder förkroppsligar det nationella skönhetsidealet. Hans hjältinnor verkar ha frusit ett ögonblick och kommer nu att fortsätta sin mjuka graciösa rörelse. Men denna paus är det mest uttrycksfulla ögonblicket när huvudets lutning, handens gest, figurens silhuett förmedlar de känslor de lever i.

Den mest kända gravören var den lysande konstnären Katsushika Hokusai (1776-1849). Hokusais verk är baserat på den månghundraåriga bildkulturen i Japan. Hokusai gjorde över 30 000 teckningar och illustrerade cirka 500 böcker. Redan sjuttio år gammal skapade Hokusai ett av de mest betydelsefulla verken - en serie "36 Views of Fuji", som gör att han kan ställas i paritet med de mest framstående konstnärerna inom världskonsten. Genom att visa Mount Fuji - den nationella symbolen för Japan - från olika platser, avslöjar Hokusai för första gången bilden av fosterlandet och bilden av människorna i deras enhet. Konstnären såg livet som en enda process i alla dess mångfald av manifestationer, allt från en persons enkla känslor, hans dagliga aktiviteter och slutar med omgivande natur med dess element och skönhet. Hokusai's verk, som absorberade den månghundraåriga erfarenheten av hans folks konst, är den sista toppen i konstnärlig kultur medeltida Japan, dess anmärkningsvärda resultat.

Japan har alltid kännetecknats av sin vördnadsfulla inställning till bevarandet och reproduktionen av sina gamla traditioner, och detta anmärkningsvärda drag gör landet stigande sol en unik plats där moderna innovationer harmoniskt kombineras med månghundraåriga kulturella traditioner i vanliga japaners liv.

Om du har varit i Japan tidigare har du utan tvekan stött på röda och svarta soppskålar, brickor, ätpinnar och mer. lackerade föremål(deras ganska lågkvalitativa motsvarigheter finns i vårt land). Lackkonst är ett av de traditionella japanska hantverken som har sitt ursprung i antiken - de första produkterna upptäcktes i Japan redan under Jomon-perioden (14 000-300 f.Kr.) - och har överlevt till denna dag. I modern tid exporterades japanska lackvaror aktivt och blev ett slags "varumärke" i landet - det är ingen slump att ordet "japan" i västvärlden fick en andra betydelse - "lack, lack, applicera lack."

Japansk lack är organiskt material gjord av saften från urushi-trädet (漆), som utvinns genom att skrapa trädet. Den resulterande lacken kallas också. Man tror att detta ord kommer från två andra japanska ord: uruwashii (麗しい), som betyder "vacker, vacker", och uruosu (潤す), som betyder "fukta". Hieroglyfen urushi själv, till skillnad från andra namn på träd, som är skrivna med nyckeln "träd" [木] (桜 - sakura, 梅 - plommon, 松 - tall, etc.), har nyckeln "vatten" [氵], vilket betonar att detta träd är mer uppskattat på grund av vattnet, det vill säga saften som finns i det. På japanska kallas lackvaror shikki (漆器: 漆 "lack, lackträ" + 器 "verktyg, tillbehör") eller nurimono (塗物: 塗る "applicera, måla" + 物 "sak, föremål").

Det härdade lacket bildar en skyddande beläggning som avvisar vatten och förhindrar att föremålet ruttnar, samt gör det mindre känsligt för angrepp av syror, alkalier, salter och alkohol. Som material för produkter används trä (det vanligaste materialet), läder, papper, keramik, glas, metall och även plast. Det finns många sätt att skapa och dekorera lack. Låt oss prata lite idag om de mest kända typerna av detta japanska hantverk.

Ouchi lack

Ouchi lackkonst har sitt ursprung i Yamaguchi Prefecture (山口県) genom ansträngningar av krigsherren Ouchi Hiroyo (1325-1380). I ett försök att förvandla sina ägodelar till ett slags dåtidens huvudstad, Kyoto (京都), bjöd han aktivt in olika mästare och hantverkare, vilket resulterade i en kombination av kunskaper och idéer från Kyoto-hantverkare med lokala traditioner skapade en ny unik kultur.

Kishu lack

Ungefär på 1300-1500-talen. Buddhistiska munkar i Negoroji-templet (i området för den moderna staden Iwade (岩出市), Wakayama Prefecture (和歌山県) började produktionen av utilitaristisk lack - ätpinnar, brickor, religiösa skålar, såväl som kult - föremål för böner och mantran Eftersom deras hantverk inte var perfekt fanns det på vissa ställen fläckar på de färdiga föremålen. speciell stil produkterna fick namnet Negoro. På 1600-talet, med stöd av myndigheterna i furstendömet Kishu, blev munkarnas lacker berömda, och namnet på detta område tilldelades dem.

Lackade Wakasa Sticks

Dessa lackerade köksredskap är tillverkade i Obama City (小浜市), Fukui Prefecture (福井県). Mer än 80 % av alla lackerade ätpinnar i Japan produceras här. Sådana trollstavar av extraordinär skönhet och nåd är en populär bröllopsgåva i Land of the Rising Sun.

Odawara lack

Kanagawa Prefecture (神奈川県). Denna typ av lackkonst går tillbaka till Kamakura-perioden (1185-1333), då den starka och inflytelserika Hojo-klanen aktivt främjade utvecklingen av hantverket och förvandlade staden Odawara (小田原市) till ett centrum för tillverkning av lack. Under Edo-perioden (1603-1868) exporterades ett stort antal sådana produkter till Edo (dagens Tokyo) - skålar, brickor och till och med lackerade rustningar.

Kagawa lack

Kagawa Prefecture (香川県). År 1638 kom Daimyo Yorishige Matsudaira till dessa platser på utnämningen av shogunatet. Han kännetecknades av sin kärlek till lack och skulpturer, så han började utveckla dessa typer av konst och hantverk inom sitt område. Två århundraden senare, tack vare mästaren Tsukoku Tamakajis (1807-1869) arbete, blev Kagawa-lacken känd i hela landet. Användningen av speciella metoder för slipning och polering mättar produkterna med extraordinär briljans.

Wajima lack

Prefekturen Ishikawa (石川県). Det äldsta bevarade exemplet på denna typ av konst är den lackerade porten till Shigezo-templet i Wajima City (輪島市), byggd omkring 1397. Under Edo-perioden (1603-1868) uppfanns zinokopulver, tillverkat av krossad bakad lera, vilket gjorde dessa lackvaror otroligt hållbara, vilket i hög grad påverkade deras efterfrågan bland befolkningen.

Aizu lack

Aizu ware är en av de traditionella konsterna i Fukushima Prefecture (福島県). Utseendet på detta hantverk går tillbaka till 1590, när den lokala feodalherren Gamo Ujisato började sammankalla mästare från sina tidigare ägodelar och sedan passerade dem senaste teknologin dåtidens hantverk. Som ett resultat blev Aizu en av de största tillverkarna av lackvaror. Utvidgningen av produktionen ledde till möjligheten att exportera produkter till Kina och Holland, vilket förhärligade regionen i andra länder.

Tsugaru lack

Tsugaru är namnet på den västra delen av Aomori Prefecture (青森県). Tsugaru-lackkonsten har sitt ursprung på 1600- och 1700-talen, då industriell utveckling uppmuntrades i städerna under Edo-perioden. Tsugaru-stilen växte fram ur detta uppsving, eftersom områdets hantverkare och hantverkare fick drivkraft och möjligheter att vidareutveckla sina färdigheter. När man skapar produkter används metoden som användes för mer än 300 år sedan än idag.

Vi har tittat på flera av de viktigaste stilarna inom japansk lackkonst. Det finns utan tvekan många fler av dem, och många kompletteras med nya tekniker och förbättras.

Det japanska hantverket att skapa lack har sitt ursprung i antiken och har överlevt till denna dag, eftersom det är en av de mest eleganta, harmoniska, spektakulära typerna av konst och hantverk i världen. Detta är en av de kulturella traditionerna, utan att ta hänsyn till vilken vi inte helt kommer att kunna uppfatta världsvisionen, de estetiska principerna och det japanska folkets karaktär.

Det kan vara svårt för en oerfaren person att först förstå alla typer av lack. Därför är det bättre att gå runt i butikerna där de säljs, titta på dem live, chatta med säljaren och, om du vill köpa något till dig själv och dina vänner i present, välja en vara som du gillar.

Om du ska besöka Land of the Rising Sun kan våra kurser komma väl till pass: följ och anmäl dig nu!