Rapport om den nya medeltidens musikstilar. Tidig musik och medeltid

musik medeltiden - utvecklingsperiodmusikalisk kultur, som spänner över en tidsperiod från ca 5:e till 1300-talen e.Kr .
Under medeltiden i Europa en ny typ av musikkultur håller på att växa fram - feodal- som kombinerar professionell konst, amatörmusik och folklore. Sedan kyrkan dominerar inom alla områden av det andliga livet, grunden för professionell musikkonst är musikernas verksamhet inom tempel och kloster . Sekulär professionell konst representerades ursprungligen endast av sångare som skapade och framförde episka berättelser vid hovet, i adelns hus, bland krigare, etc. ( barder, skalder och så vidare.). Med tiden utvecklas amatörer och semiprofessionella former av musikskapande. ridderlighet: i Frankrike - trubadurernas och trubadurernas konst (Adam de la Halle, XIII-talet), i Tyskland - minnesångare ( Wolfram von Eschenbach, Walther von der Vogelweide, XII - XIII århundraden ), såväl som urbana hantverkare. I feodala slott och i städerna odlas alla slags släkten, genrer och former av sånger (episkt, "gryning", rondo, le, virele, ballader, canzones, laudor, etc.).
Nya människor kommer in i livetmusikinstrumentinklusive de som kom ifrån East (viola, lut etc.), uppstår ensembler (av instabila kompositioner). Folktroen blomstrar bland bönderna. Det finns också "folkets proffs": berättare , ambulerande syntetiska artister ( jonglörer, mimare, minstreler, shpilmans, buffons ). Musiken fyller återigen huvudsakligen tillämpade och andligt-praktiska funktioner. Kreativitet agerar i enhet medprestanda(vanligtvis i en person).
Och i musikens innehåll, och i dess form dominerar kollektivitet ; den individuella början lyder generalen utan att sticka ut från den (musikermästaren är den bästa representanten samhällen ). Strikt styre i allt tradition och kanonitet . Konsolidering, bevarande och spridning traditioner och normer.
Gradvis, om än långsamt, blir musikens innehåll, dess genrer, former , uttrycksmedel. I Västeuropa från 600- 700-talen . ett strikt reglerat system monofonisk (monodisk ) kyrkomusik baserad diatoniska lägen ( gregoriansk sång), som kombinerar recitation (psalmodi) och sång (psalmer ). Vid 1:a och 2:a årtusendet, polyfoni . Ny sång (kör ) och vokal-instrumental (kör och orgel) genrer: organum, motett, uppförande, sedan mässa. Frankrike på 1100-talet den första tonsättare (kreativ) skola vid Notre Dame-katedralen(Leonin, Perotin). Vid renässansskiftet (ars nova-stil i Frankrike och Italien, XIV-talet) in professionell musikmonofonin tvingas bort polyfoni , musik börjar gradvis frigöra sig från rent praktiska funktioner (tjänstgörande kyrkan riter ), ökar det värdet sekulär genrer, inklusive sång Guillaume de Machaux).

Renässans.

Musik under perioden av XV-XVII-talen.
På medeltiden var musik kyrkans prerogativ, så de flesta musikaliska verk var heliga, de byggde på kyrkans psalmer(Gregoriansk sång), som har varit en del av trosbekännelsen sedan kristendomens början. I början av 1600-talet kanoniserades kultmelodier, med direkt deltagande av påven Gregorius I, slutligen. Den gregorianska sången framfördes av professionella sångare. Efter att kyrkomusiken bemästrat polyfonin förblev den gregorianska sången den tematiska grunden för polyfoniska kultverk (mässor, motetter, etc.).

Medeltiden följdes av renässansen, som för musiker var en era av upptäckter, innovation och utforskning, en renässans av alla lager av kulturella och vetenskapliga uttryck för livet från musik och måleri till astronomi och matematik.
Även om musiken till stor del förblev religiös, öppnade försvagningen av kyrkans kontroll över samhället större frihet för kompositörer och artister att visa sina talanger.
I och med tryckpressens uppfinning blev det möjligt att trycka och distribuera notblad och från det ögonblicket börjar det vi kallar klassisk musik.
Under denna period dök det upp nya musikinstrument. De mest populära var instrumenten på vilka musikälskare kunde spela enkelt och enkelt, utan att kräva speciella färdigheter.
Det var vid den här tiden som violan, violinens föregångare, dök upp. Banden (träband över greppbrädan) gjorde det lätt att spela, och ljudet var tyst, mjukt och spelade bra i små lokaler.
Blåsinstrument var också populära - blockflöjt, flöjt och horn. Den mest komplexa musiken skrevs för det nyskapade cembalo, virginal (engelsk cembalo, kännetecknad av liten storlek) och orgel. Samtidigt glömde musikerna inte att komponera enklare musik, som inte krävde höga prestationsförmåga. Samtidigt skedde förändringar i det musikaliska skrivandet: tunga tryckblock av trä ersattes av mobila metallbokstäver som uppfanns av italienaren Ottaviano Petrucci. Publicerade musikverk sålde snabbt slut, fler och fler började gå med i musiken.
Slutet på renässansen präglades av den viktigaste händelsen i musikalisk historia- operans födelse. En grupp humanister, musiker och poeter samlades i Florens under överinseende av sin ledare, greve Giovanni De Bardi (1534 - 1612). Gruppen kallades "kamerata", dess huvudmedlemmar var Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (far till astronomen Galileo Galilei), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri och Ottavio Rinuccini i deras yngre år.
Det första dokumenterade mötet med gruppen ägde rum 1573, och de mest aktiva åren av arbete "Florentinska Camerata "var 1577 - 1582. De trodde att musiken var "bortskämd" och försökte återgå till form och stil antikens Grekland, som tror att musikkonsten kan förbättras och att samhället därmed också kommer att förbättras. Camerata kritiserade den befintliga musiken för dess överdrivna användning av polyfoni på bekostnad av textens förståelighet och förlusten av den poetiska komponenten i verket, och föreslog skapandet av en ny musikstil där texten i monodisk stil ackompanjerades av instrumental musik. Deras experiment ledde till skapandet av en ny vokal-musikalisk form - recitativ, som först användes av Emilio de Cavalieri, därefter direkt relaterad till operans utveckling.
Den första officiellt erkändaopera , som motsvarar modern standard, var operan "Daphne" (Daphne), som först presenterades 1598. Författarna till "Daphne" var Jacopo Peri och Jacopo Corsi, libretto av Ottavio Rinuccini. Denna opera har inte överlevt. Den första bevarade operan är "Eurydice" (1600) av samma författare - Jacopo Peri och Ottavio Rinuccini. Denna kreativa förening skapade fortfarande många verk, varav de flesta har gått förlorade.

Tidig barockmusik (1600-1654)

Skapandet av hans recitativa stil av den italienske kompositören Claudio Monteverdi (1567-1643) och den konsekventa utvecklingen av italiensk opera kan betraktas som en villkorlig övergångspunkt mellan barocken och renässansen. Början av operaföreställningar i Rom och särskilt i Venedig innebar redan erkännandet och spridningen av den nya genren över hela landet. Allt detta var bara en del av en större process som fångade alla konster, och särskilt tydligt manifesterade sig i arkitektur och måleri.
Renässanskompositörer ägnade uppmärksamhet åt utarbetandet av varje del av ett musikaliskt verk, och ägnade liten eller ingen uppmärksamhet åt att dessa delar placerades samman. Var för sig kunde varje del låta utmärkt, men det harmoniska resultatet av tillägget var mer en fråga om slumpen än regelbundenhet. Utseendet på den figurerade basen indikerade en betydande förändring i musikaliskt tänkande - nämligen att harmoni, som är "tillsatsen av delar till en helhet", är lika viktig som de melodiska delarna (polyfonin) själva. Fler och mer såg polyfoni och harmoni ut som två sidor av samma idé att komponera välljudande musik: när man komponerade harmoniska sekvenser ägnades samma uppmärksamhet åt tritoner när man skapade dissonans. Harmoniskt tänkande fanns även hos vissa tonsättare från den tidigare eran, som Carlo Gesualdo, men under barocktiden blev det allmänt accepterat.
De delar av verken där det är omöjligt att tydligt skilja modalitet från tonalitet, markerade han som blandad dur, eller blandad moll (senare för dessa begrepp introducerade han termerna "monal dur" respektive "monal moll"). Tabellen visar hur tonal harmoni redan under den tidiga barocken nästan ersätter harmonin från den tidigare eran.
Italien blir centrum för en ny stil. Påvedömet, även om det tillfångatogs av kampen mot reformationen, men ändå hade enorma ekonomiska resurser som fylldes på av habsburgarnas militära kampanjer, letade efter sätt att sprida den katolska tron ​​genom utvidgningen av kulturellt inflytande. Med arkitekturens, konstens och musikens prakt, storslagenhet och komplexitet argumenterade katolicismen så att säga med asketisk protestantism. De rika italienska republikerna och furstendömena konkurrerade också kraftigt inom de sköna konsterna. En av viktiga centra musikalisk konst var Venedig, som vid den tiden stod under både sekulärt och kyrkligt beskydd.
Giovanni Gabrieli var en betydande figur under den tidiga barocken, vars ställning var på katolicismens sida, som motsatte sig protestantismens växande ideologiska, kulturella och sociala inflytande. Hans verk tillhör stilen "Högrenässansen" (renässansens storhetstid). Några av hans innovationer inom instrumentering (tilldelningen av specifika uppgifter till ett visst instrument) indikerar dock tydligt att han var en av kompositörerna som påverkade uppkomsten av en ny stil.
Ett av de krav som kyrkan ställde på kompositionen av sakral musik var att texterna i verk med sång var läsbara. Detta krävde en övergång från polyfoni till musikaliska tekniker, där orden kom fram förgrund. Sången blev mer komplex, utsmyckad jämfört med ackompanjemanget. Det var så homofonin utvecklades.
Monteverde Claudio(1567-1643), italiensk kompositör. Ingenting lockade honom som exponeringen av det inre, sinnesro en person i sina dramatiska kollisioner och konflikter med omvärlden. Monteverdi är den sanna grundaren av konfliktdramaturgin i den tragiska planen. Han är en sann sångare av mänskliga själar. Han strävade ihärdigt efter musikens naturliga uttrycksfullhet. "Mänskligt tal är harmonins älskarinna och inte dess tjänare."
"Orpheus" (1607) - Operans musik är fokuserad på att avslöja inre värld tragisk hjälte. Hans del är utomordentligt mångfacetterad, olika känslomässiga och uttrycksfulla strömningar och genrelinjer smälter samman i den. Han ropar entusiastiskt till sina inhemska skogar och kuster eller sörjer förlusten av sin Eurydike i konstlösa folkvisor.

Musik från den mogna barocken (1654-1707)

Perioden av centralisering av den högsta makten i Europa kallas ofta för absolutism. Absolutismen nådde sin zenit under den franske kungen Ludvig XIV. För hela Europa var Ludvigs hov en förebild. Inklusive musiken framförd vid hovet. Den ökade tillgången på musikinstrument (särskilt klaviatur) satte fart på utvecklingen av kammarmusik.
Den mogna barocken skiljer sig från den tidiga barocken i den nya stilens överallt och i den ökade separationen av musikaliska former, särskilt inom opera. Liksom i litteraturen ledde tillkomsten av strömmande tryckning av musikverk till en expansion av publiken; utbytet mellan musikkulturens centra intensifierades.
En enastående representant för hovkompositörerna vid Ludvig XIV:s hov var Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Redan vid 21 års ålder fick han titeln "hovkompositör av instrumentalmusik". kreativt arbete Lully var starkt förknippad med teatern från första början. Efter organiseringen av hovkammarmusiken och sammansättningen av "airs de cour" började han skriva balettmusik. Ludvig XIV dansade själv i baletter, som då var hovadelns favoritunderhållning. Lully var en utmärkt dansare. Han råkade delta i produktioner och dansade med kungen. Han är känd för sitt samarbete med Molière, vars pjäser han skrev musik till. Men det viktigaste i Lullys arbete var fortfarande att skriva operor. Lully skapade överraskande en komplett typ fransk opera; den så kallade lyriska tragedin i Frankrike (fr. tragedie lyrique), och nådde otvivelaktig kreativ mognad under de allra första åren av sitt arbete i operahus. Lully använde ofta kontrasten mellan orkesterdelens majestätiska klang och de enkla recitativen och ariorna. musikaliskt språk Lully är inte särskilt komplicerad, men säkerligen ny: harmonins klarhet, rytmisk energi, klarheten i artikulationen av formen, texturens renhet talar om segern för principerna för homofoniskt tänkande. Till stor del underlättades hans framgång också av hans förmåga att välja ut musiker till orkestern, och hans arbete med dem (han genomförde själv repetitioner). En integrerad del av hans arbete var uppmärksamhet på harmoni och soloinstrumentet.
I England präglades den mogna barocken av Henry Purcells (1659-1695) briljanta geni. Han dog ung, 36 år gammal, efter att ha skrivit ett stort antal verk och blivit vida känd under sin livstid. Purcell var bekant med Corellis och andra italienska barockkompositörers arbete. Men hans beskyddare och kunder var av en annan sort än den italienska och franska sekulära och kyrkliga adeln, så Purcells skrifter skiljer sig mycket från den italienska skolan. Purcell arbetade inom ett brett spektrum av genrer; från enkla religiösa psalmer till marschmusik, från storformatsvokalkompositioner till iscensatt musik. Hans katalog innehåller över 800 verk. Purcell blev en av de första kompositörerna av keyboardmusik, vars inflytande sträcker sig till nutid.
Till skillnad från ovanstående kompositörer, Dietrich Buxtehude (1637-1707) var inte hovkompositör. Buxtehude arbetade som organist, först i Helsingborg (1657-1658), sedan i Helsingör (1660-1668), och sedan från 1668 vid St. Maria i Lübeck. Han tjänade inte pengar på att ge ut sina verk, utan genom att framföra dem, och han föredrog att komponera musik framför kyrkliga texter och framföra egna orgelverk framför adelns beskydd. Tyvärr har inte alla verk av denna kompositör bevarats. Buxtehudes musik är till stor del byggd på skalan av idéer, rikedom och fantasifrihet, en förkärlek för patos, dramatik och något oratorisk intonation. Hans verk hade ett starkt inflytande på kompositörer som J. S. Bach och Telemann.

Senbarockmusik (1707-1760)

Den exakta gränsen mellan mogen och sen barock är en fråga om debatt; den ligger någonstans mellan 1680 och 1720. Mycket av komplexiteten i dess definition är det faktum att i olika länder har stilar förändrats ur synk; innovationer som redan accepterats som regel på en plats var nya upptäckter på en annan
De former som upptäckts av den föregående perioden har nått mognad och stor variation; konserten, sviten, sonaten, concerto grosso, oratoriet, operan och baletten hade inte längre skarpt uttryckta nationella särdrag. Allmänt accepterade scheman av verk har etablerats överallt: en repeterande tvådelad form (AABB), en enkel tredelad form (ABC) och en rondo.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - Italiensk kompositör, född i Venedig. 1703 fick han rang av katolsk präst. Det var till dessa, som vid den tiden fortfarande utvecklade instrumentala genrer (barocksonat och barockkonsert), som Vivaldi gjorde sin viktigaste insats. Vivaldi komponerade över 500 konserter. Han gav också programmatiska titlar till några av sina verk, som de berömda The Four Seasons.
Domenico Scarlatti (1685-1757) var en av sin tids ledande keyboardkompositörer och artister. Men den kanske mest kända hovkompositören var Georg Friedrich Handel (1685-1759). Han föddes i Tyskland, studerade i Italien i tre år, men lämnade London 1711, där han började sin lysande och kommersiella karriär. framgångsrik karriär en oberoende operakompositör som utför uppdrag åt adeln. Med outtröttlig energi omarbetade Händel andra kompositörers material och omarbetade ständigt sitt egna kompositioner. Han är till exempel känd för att ha omarbetat det berömda oratoriet "Messias" så många gånger att det nu inte finns någon version som kan kallas "äkta".
Efter sin död erkändes han som en ledande europeisk kompositör och studerades av musiker från den klassiska eran. Händel blandade i sin musik de rika traditionerna av improvisation och kontrapunkt. Konsten att musikaliska ornament nådde en mycket hög utvecklingsnivå i hans verk. Han reste över hela Europa för att studera andra tonsättares musik, i samband med vilket han hade en mycket bred bekantskapskrets bland tonsättare av andra stilar.
Johann Sebastian Bach Född 21 mars 1685 i Eisenach, Tyskland. Under sin livstid komponerade han över 1 000 verk i olika genrer, förutom opera. Men under sin livstid nådde han ingen nämnvärd framgång. Bach flyttade många gånger och ändrade den ena inte alltför höga positionen efter den andra: i Weimar var han hovmusiker vid Weimar-hertigen Johann Ernst, och blev sedan vaktmästare av orgeln i kyrkan St. Bonifatius i Arnstadt, accepterade några år senare tjänsten som organist i kyrkan St. Vlasia i Mühlhausen, där han endast arbetade i ungefär ett år, varefter han återvände till Weimar, där han tog plats som hovorganist och arrangör av konserter. Han hade denna position i nio år. 1717 anställde Leopold, hertig av Anhalt-Köthen, Bach som kapellmästare och Bach började bo och arbeta i Köthen. 1723 flyttade Bach till Leipzig, där han stannade till sin död 1750. Under de sista åren av hans liv och efter Bachs död började hans berömmelse som kompositör minska: hans stil ansågs gammaldags jämfört med den spirande klassicismen. Han var mer känd och ihågkommen som artist, lärare och far till Bachs Jr., främst Carl Philipp Emmanuel, vars musik var mer känd.
Endast utförandet av Passionen enligt Matteus av Mendelssohn, 79 år efter J.S. Bachs död, återupplivade intresset för hans verk. Nu är J.S. Bach en av de mest populära kompositörerna
Klassicism
Klassicism - stil och riktning i konst XVII - tidiga XIXårhundraden
Detta ord kommer från latinets classicus - exemplariskt. Klassicismen byggde på tron ​​på rationaliteten i att vara, på det faktum att den mänskliga naturen är harmonisk. De såg sitt ideal om klassikerna i antik konst, som ansågs vara den högsta formen av perfektion.
På 1700-talet börjar ett nytt skede i utvecklingen av det sociala medvetandet - upplysningstiden. Den gamla samhällsordningen förstörs; idéer om respekt för mänsklig värdighet, frihet och lycka är av största vikt; individen förvärvar självständighet och mognad, använder sitt sinne och kritiskt tänkande. Barocktidens ideal med dess pompa, storslagenhet och högtidlighet ersätts av en ny livsstil baserad på naturlighet och enkelhet. Det är dags för Jean-Jacques Rousseaus idealistiska åsikter, som kräver en återgång till naturen, till naturlig dygd och frihet. Tillsammans med naturen idealiseras antiken, eftersom man trodde att det var under antiken som människor lyckades förkroppsliga alla mänskliga strävanden. Forntida konst kallas klassisk, den är erkänd som exemplarisk, den mest sanningsenliga, perfekta, harmoniska och, till skillnad från konsten från barocktiden, anses den vara enkel och förståelig. I centrum för uppmärksamheten, tillsammans med andra viktiga aspekter, är utbildning, vanligt folks position i den sociala strukturen, genialitet som en persons egendom.

Förnuftet råder också i konsten. Den franske filosofen och pedagogen Denis Diderot, som ville betona konstens höga syfte, dess sociala och medborgerliga roll, skrev: "Varje skulptur eller målning bör uttrycka någon stor levnadsregel, bör undervisa."

Teatern var samtidigt en lärobok om livet och livet självt. Dessutom är handlingen på teatern högst ordnad, mätt; den är uppdelad i akter och scener, som i sin tur är uppdelade i separata kopior av karaktärer, vilket skapar ett konstideal som är så kärt för 1700-talet, där allt är på sin plats och är föremål för logiska lagar.
Klassicismens musik är extremt teatralisk, den verkar kopiera teaterns konst och imitera den.
Uppdelningen av en klassisk sonat och en symfoni i stora sektioner - delar, i vilka det finns många musikaliska "händelser", är som att dela upp en pjäs i handlingar och scener.
I den klassiska tidens musik antyds ofta en handling, en viss handling som utspelar sig inför publiken på samma sätt som den teatrala handlingen utspelar sig inför publiken.
Lyssnaren behöver bara sätta på fantasin och känna igen karaktärerna i en klassisk komedi eller tragedi i "musikaliska kläder".
Teaterkonsten hjälper till att förklara de stora förändringarna i musikframförandet som ägde rum på 1700-talet. Tidigare var den huvudsakliga platsen där musik lät templet: i det var en person under, i ett stort utrymme, där musiken tycktes hjälpa honom att titta upp och ägna sina tankar åt Gud. Nu, på 1700-talet, hörs musik i en aristokratisk salong, i balsalen på en adelsgård eller på ett torg. Lyssnaren från upplysningstiden tycks ge musik "till dig" och upplever inte längre den glädje och skygghet som hon inspirerade honom när hon lät i templet.
Orgelns kraftfulla, högtidliga klang finns inte längre i musiken, körens roll har minskat. musik klassisk stil det låter lätt, det har mycket mindre ljud, som om det "väger mindre" än den tunga, skiktade musiken från det förflutna. Klangen av orgel och kör ersattes av klangen av en symfoniorkester; sublima arior gav vika för ljus, rytmisk och dansmusik.
Tack vare den gränslösa tron ​​på det mänskliga sinnets möjligheter och kunskapens kraft började 1700-talet kallas förnuftets tidsålder eller upplysningstiden.
Klassicismens storhetstid kommer på 80-talet av 1700-talet. År 1781 skapade J. Haydn flera innovativa verk, inklusive hans stråkkvartett op. 33; premiären av operan av V.A. Mozarts "Abduction from the Seraglio"; F. Schillers drama "Rövare" och "Kritik rent sinne» I. Kant.

De ljusaste representanterna för den klassiska perioden är kompositörerna från Wiens klassiska skola Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart och Ludwig van Beethoven. Deras konst njuter av den perfekta kompositionstekniken, den humanistiska inriktningen av kreativitet och önskan, särskilt märkbar i W. A. ​​Mozarts musik, att visa perfekt skönhet med hjälp av musik.

Själva konceptet med Wiens klassiska skola uppstod kort efter L. Beethovens död. Klassisk konst kännetecknas av en hårfin balans mellan känslor och förnuft, form och innehåll. Renässansens musik återspeglade andan och andan från dess era; under barocktiden blev mänskliga tillstånd föremål för reflektion i musiken; musiken från klassicismens era sjunger om en persons handlingar och handlingar, känslorna och känslorna som upplevs av honom, det uppmärksamma och holistiska mänskliga sinnet.

Ludwig van Beethoven (1770–1827)
Tysk kompositör, ofta betraktad som den största kompositören genom tiderna.
Hans verk tillskrivs både klassicism och romantik.
Till skillnad från sin föregångare Mozart komponerade Beethoven med svårighet. Beethovens anteckningsböcker visar hur gradvis, steg för steg, en grandios komposition växer fram ur osäkra skisser, präglad av övertygande konstruktionslogik och sällsynt skönhet. Det är logiken huvudkälla Beethovens storhet, hans ojämförliga förmåga att organisera kontrasterande element till en monolitisk helhet. Beethoven raderar traditionella caesuror mellan formsektioner, undviker symmetri, slår samman delar av kretsloppet, utvecklar utvidgade konstruktioner från tematiska och rytmiska motiv, som vid första anblicken inte innehåller något intressant. Med andra ord, Beethoven skapar musikaliskt utrymme genom kraften i sitt sinne, av sin egen vilja. Han förutsåg och skapade de konstnärliga trender som blev avgörande för 1800-talets musikkonst.

Romantik.
omfattar villkorligt 1800-1910
Romantiska kompositörer försökte uttrycka djupet och rikedomen i en persons inre värld med hjälp av musikaliska medel. Musiken blir mer präglad, individuell. Låtgenrer utvecklas, inklusive balladen.
De främsta representanterna för romantiken i musik är: inÖsterrike - Franz Schubert ; i Tyskland - Ernest Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann , Ludwig Spohr ; V
etc.................

Den professionella musikkulturen under medeltiden i Europa är främst förknippad med kyrkan, det vill säga med området kultmusik. Full av religiositet är konsten kanonisk och dogmatisk, men den har inte desto mindre frusit, den har vänts från världsligt krångel till den fristående världen att tjäna Herren. Men tillsammans med sådan "högre" musik fanns det också folklore och ambulerande musikers verk, samt en ädel ridderlighetskultur.

Den tidiga medeltidens andliga musikkultur

På eran tidig medeltid professionell musik lät bara i katedralerna och de sångskolor som var knutna till dem. Centrum för medeltidens musikkultur i Västeuropa var Italiens huvudstad - Rom - själva staden där de "högsta kyrkliga myndigheterna" låg.

Åren 590-604 genomförde påven Gregorius I en reformering av kultsången. Han beställde och samlade olika ramsor i samlingen "Gregorian Antiphonary". Tack vare Gregory I formas en riktning som kallas gregoriansk sång i västeuropeisk sakral musik.

kör- detta är som regel en monofonisk sång, som återspeglar de hundraåriga traditionerna hos europeiska och mellanösternländska folk. Det var denna smidiga monofoniska melodi som var avsedd att vägleda församlingsmedlemmarna att förstå grunderna för katolicismen och acceptera ett enda testamente. I grund och botten framfördes koralen av kören, och endast vissa delar av solister.

Grunden för den gregorianska sången var en gradvis rörelse längs ljuden av diatoniska lägen, men ibland förekom i samma sång också långsamma, stränga psalmoder och melismatisk sång av enskilda stavelser.

Framförandet av sådana melodier var inte betrodda för vem som helst, eftersom det krävde professionella sångfärdigheter från sångarna. Precis som musik väcker psalmtexten på det latinska språket, obegriplig för många församlingsbor, ödmjukhet, verklighetslöshet och kontemplation. Ofta var musikens rytmiska utformning också beroende av att man följde texten. Gregoriansk sång kan inte tas som idealmusik, det är snarare en sång av en böntext.

Massa – huvudgenre tonsättarmusik från medeltiden

katolsk mässa är kyrkans huvudsakliga liturgi. Hon kombinerade sådana typer av gregoriansk sång som:

• antifonal (när två körer sjunger i tur och ordning);
• responsorial (växelvis sjungande solister och kör).

Samhället deltog endast i att sjunga gemensamma böner.
Senare, på XII-talet. psalmer (psalmer), sekvenser och troper förekom i mässan. De var ytterligare texter som hade ett rim (till skillnad från huvudkoralen) och en speciell låt. Dessa religiösa rimtexter kom mycket bättre ihåg av församlingsmedlemmarna. De sjöng tillsammans med munkarna och varierade melodin, och element av folk började sippra in i helig musik och fungerade som ett tillfälle för författarens kreativitet (Notker Zaika och Tokelon-munken - klostret St. Golene). Senare ersatte dessa låtar i allmänhet de psalmodiska delarna och berikade avsevärt klangen av den gregorianska sången.

De första proverna av polyfoni kommer från kloster, som organum - rörelse i parallella kvarts eller kvint, gimel, foburdon - rörelse i sjätte ackord, uppförande. Representanter för sådan musik är kompositörerna Leonin och Perotin (katedralen Notre Dame i Paris- XII-XIII århundraden).

Medeltidens sekulära musikkultur

Den sekulära sidan av medeltidens musikkultur representerades av: i Frankrike - jonglörer, mimare, sångare , i Tyskland - shpilmans, i Spanien - hoglars, i Ryssland' - buffar. Alla var ambulerande konstnärer och kombinerade i sitt arbete instrument, sång, dans, magi, dockteater, cirkuskonst.

En annan del av sekulär musik var ridderlig, den så kallade hövisk kultur . En speciell riddarkod bildades, som slog fast att var och en av riddarna inte bara måste ha mod och tapperhet, utan också raffinerade sätt, utbildning och vara hängiven den vackra damen. Alla dessa aspekter av riddarlivet återspeglas i verket trubadurer(södra Frankrike - Provence), Trouvers(norra Frankrike), minnesångare(Tyskland).

Deras verk presenteras huvudsakligen i kärlekstexter, dess vanligaste genre var canzona (albs - "Morning Songs" bland minnesångarna). Genom att använda trubadurernas erfarenhet brett, skapade truvurerna sina egna genrer: "majsånger", "vävsånger".

Det viktigaste området för musikgenrer för representanter för den höviska kulturen var sång- och dansgenrer, såsom rondo, virele, ballad, heroiskt epos. Instrumentens roll var mycket obetydlig, den reducerades till att rama in vokalmelodierna med en inledning, mellanspel, postludium.

Mogen medeltid XI-XIII århundraden.

Ett utmärkande drag för den mogna medeltiden är utvecklingen borgarkultur . Dess fokus var antikyrkligt, fritt tänkande, koppling till komisk och karnevalsfolklore. Nya genrer av polyfoni dyker upp: motett, som kännetecknas av melodisk olikhet mellan röster, dessutom sjunger de samtidigt i en motett olika texter och även på olika språk; madrigal - sång modersmål(italienska), caccia är ett sångstycke med texter som beskriver en jakt.

Från 1100-talet till folkkonst vaganterna och goliarderna anslöt sig, som till skillnad från de övriga var läskunniga. Universiteten blev bärare av medeltidens musikkultur. Eftersom medeltidens modala system utvecklades av representanter för helig musik, började de kallas kyrkolägen (joniskt läge, eoliskt läge).

Läran om hexachords lades också fram - endast 6 steg användes i band. Munken Guido Aretinsky gjorde ett mer perfekt system för att spela in noter, som bestod av närvaron av 4 rader, mellan vilka det fanns ett tertianskt förhållande och nyckeltecken eller linjefärgning. Han introducerade också det syllabiska namnet på stegen, det vill säga höjden på stegen började indikeras med bokstäver.

Ars Nova XIII-XV århundraden

Övergångsperioden mellan medeltiden och renässansen var XIV-talet. Denna period i Frankrike och Italien kallades Ars Nova, det vill säga "ny konst". Det är dags för nya experiment inom konsten. Kompositörer började komponera verk, vars rytm blev mycket mer komplicerad än de tidigare (Philippe de Vitry).

Också till skillnad från helig musik introducerades halvtoner här, som ett resultat av vilka slumpmässiga upp- och nedgångar av toner började inträffa, men detta är ännu inte modulering. Som ett resultat av sådana experiment erhölls verk som var intressanta, men långt ifrån alltid välljudande. Solage var den tidens smartaste experimenter-musiker. musikalisk kultur Medeltiden är mer utvecklad i jämförelse med kulturen antika världen, trots begränsningar av medel och innehåller förutsättningarna för musikens blomstring under renässansen.

medeltida musiker. Manuskript från 1200-talets musik från medeltiden Den period då musikkulturen utvecklades, som täcker en tidsperiod från omkring 500-talet till 1300-talet e.Kr. ... Wikipedia

Inkluderar en mängd levande och historiska genrer av folkmusik, populärmusik, pop och klassisk musik. indiska klassisk musik, representerad av traditionerna från Karnataka och Hindustani, går tillbaka till Sama Veda och beskrivs som komplex och mångsidig ... Wikipedia

En grupp musiker i Montmartre Fransk musik är en av de mest intressanta och inflytelserika europeiska musikkulturerna, som hämtar sitt ursprung från ... Wikipedia

Innehåll 1 Folkmusik 2 Klassisk musik, opera och balett 3 Populärmusik ... Wikipedia

Den här artikeln handlar om musikstilen. För en grupp filosofiska åsikter, se artikeln New Age Se även kategorin: New Age Music New Age (new age) Direction: Elektronisk musik Ursprung: jazz, etnisk, minimalism, klassisk musik, konkret musik ... Wikipedia

I Music (av grekiskans musike, bokstavligen musernas konst) är en typ av konst som speglar verkligheten och påverkar en person genom meningsfulla och speciellt organiserade ljudsekvenser, huvudsakligen bestående av toner ... ... Stor sovjetisk uppslagsverk

- (grekiska moysikn, av mousa muse) en typ av dräkt som speglar verkligheten och påverkar en person genom ljudsekvenser som är meningsfulla och speciellt organiserade i höjd och tid, huvudsakligen bestående av toner ... ... Musikuppslagsverk

En serie artiklar om kroater ... Wikipedia

Belgisk musik hämtar sitt ursprung från musikaliska traditioner flamlänningarna, som bebodde norra delen av landet, och vallonernas traditioner, som bodde i söder och var influerade av franska traditioner. Bildandet av belgisk musik fortsatte i komplexa historiska ... ... Wikipedia

Böcker

• Illustrerad konsthistoria. Arkitektur, skulptur, måleri, musik, Lyubke V. Livstidsutgåva. St Petersburg, 1884. Upplaga av A. S. Suvorin. Upplaga med 134 teckningar. Ägarbindning med läderrygg och hörn. Bandage ryggrad. Säkerheten är bra...
• Illustrerad konsthistoria. Arkitektur, skulptur, måleri, musik (för skolor, självstudier och information), Lübke. Livsupplaga. St Petersburg, 1884. Upplaga av A. S. Suvorin. Bok med 134 teckningar. Typografiskt omslag. Säkerheten är god. Små revor på omslaget. Rikt illustrerad...

Under den tidiga medeltidens förhållanden reduceras hela musikkulturen till två huvudsakliga "termer". Vid en av dess poler finns professionell liturgisk musik legaliserad av kyrkan, vilket i princip är lika för alla folk som har antagit kristendomen (språkets enhet är latin, sångens enhet är den gregorianska sången). Å andra sidan - folkmusik förföljd av kyrkan på olika lokala språk, kopplat till folklivet, med kringvandrande musikers verksamhet.

Trots krafternas absoluta ojämlikhet (i fråga om stöd från staten, materiella förhållanden etc.) utvecklades folkmusiken intensivt och trängde till och med delvis in i kyrkan i form av olika insatser i den kanoniserade gregorianska sången. Bland dem till exempel troper och sekvenser skapade av begåvade musiker.

stigar - dessa är text och musikaliska tillägg som infogas i mitten av koralen. Ett slags spår är en sekvens. Medeltidasekvenser Dessa är undertexter av komplexa vokaliseringar. En av anledningarna till att de uppstod var den betydande svårigheten att komma ihåg långa melodier som sjöngs i en vokal. Med tiden började sekvenserna baseras på folkmagasinets melodier.

En munk är namngiven bland författarna till de första sekvenserna.Notker med smeknamnet Zaika från klostret St. Gallen (i Schweiz, nära Bodensjön). Notker (840-912) varkompositör, poet, musikteoretiker, historiker, teolog. Han undervisade på klosterskolan och var trots sin stamning känd som en utmärkt lärare. För sina sekvenser använde Notker delvis kända låtar, delvis komponerad av honom själv.

Genom dekret av konciliet i Trent (1545-63) uteslöts nästan alla sekvenser från gudstjänst, med undantag för fyra. Bland dem var den mest kända sekvensenDör irae ("Vredens dag"), berättar om domens dag . Senare släpptes den femte sekvensen till katolsk kyrka,Stabat mater ("Det fanns en sörjande mamma").

Den världsliga konstens anda fördes in i kyrkolivet ochpsalmer - andliga sånger, nära folkvisor till den poetiska texten.

Från slutet XIårhundrade in musiklivet Västeuropa innehåller nya typer av kreativitet och musikskapande förknippade med riddarkulturen. Singers-knights, i huvudsak markerade början på sekulär musik. Deras konst var i kontakt med den folkliga vardagliga musiktraditionen (användningen av folksångsintonationer, praktiken av samarbete med folkmusiker). I ett antal fall valde trubadurerna troligen ut vanliga folkmelodier till sina texter.

Den största bedriften av medeltidens musikkultur var födelsen av en professionell europépolyfoni . Dess början syftar påIXårhundradet, när det unisona framförandet av gregoriansk sång ibland ersattes av en tvåstämmig. Den tidigaste typen av tvåröst var parallellorganum , där den gregorianska sången dubbades till en oktav, quart eller femte. Sedan dök ett icke-parallellt organum upp med indirekt (när endast en röst rörde sig) och motsatt rörelse. Gradvis blev rösten som ackompanjerade den gregorianska sången mer och mer självständig. Denna stil av dubbelröst kallasdiskant (i översättning - "pe-nie apart").

För första gången började sådana organum skrivasLeonin , den första kända kompositör-polyfonisten (XIIårhundrade). Han tjänstgjorde som regent i den berömda katedralen Notre Dame, där en stor polyfonisk skola utvecklades.

Leonins arbete var förknippat medars antikva (ars antiqua, vilket betyder " gammal konst"). Detta namn gavs till kultpolyfoninXII- XIIIårhundradens musiker tidig renässans, som motsatte sig detars nova ("ny konst").

I början XIIIårhundraden fortsatte Leonins traditionPerotin , enligt smeknamnet Great. Han komponerade inte längre tvåstämmigt, utan 3 x och 4 x - röstorgan. Perotins övre röster bildar ibland en kontrasterande två-röst, ibland använder han skickligt imitation.

Vid tiden för Perotin bildas och ny typ polyfoni -dirigent , vars grund inte längre var gregoriansk sång, utan en populär vardagsmelodi eller fritt komponerad melodi.

En ännu djärvare polyfonisk form varmotett - en kombination av melodier med olika rytmer och olika texter, ofta även på olika språk. Motetten var den första musikalisk genre, lika vanligt i kyrkan som i domstolslivet.

Utvecklingen av polyfoni, avvikelsen från det samtidiga uttalet av varje stavelse i texten i alla röster (i motetter), krävde en förbättring av notationen, den exakta beteckningen av varaktigheter. Visasmensnotation (från latin mensura - mått; bokstavligen - mätt notation), vilket gjorde det möjligt att fastställa både höjden och den relativa varaktigheten av ljud.

Parallellt med utvecklingen av polyfonin skedde en bildningsprocessmassor - ett polyfoniskt cykliskt verk om texten till den katolska kyrkans huvudsakliga gudstjänst. Mässritualen tog form under många århundraden. Den fick sin slutliga form endast för attXIve-ku. Hur holistisk musikalisk komposition Mässan tog form även senare, iXIVårhundradet och blev renässansens ledande musikgenre.

Medeltiden är en stor era av mänsklighetens historia, tiden för det feodala systemets dominans.

Periodisering av kultur:

tidig medeltid - 5-10-talen

Mogen medeltid - XI - XIV århundraden.

År 395 delades det romerska riket i två delar: västra och österländska. I den västra delen på ruinerna av Rom på 400-800-talen fanns barbarstater: östgoter, västgoter, franker etc. På 800-talet bildades här tre stater till följd av Karl den Stores kollaps. : Frankrike, Tyskland, Italien. Huvudstaden i den östra delen var Konstantinopel, grundad av kejsar Konstantin på platsen för den grekiska kolonin Bysans - därav namnet på staten.

§ 1. Västeuropeisk medeltid

Den materiella grunden för medeltiden var feodala relationer. Medeltida kultur bildas i förhållandena lantegendom. Ytterligare social grund kultur blir stadsmiljö - borgare. Med bildandet av stater bildas huvudstånden: prästerskapet, adeln, folket.

Medeltidens konst är nära förbunden med kyrka . kristen trosbekännelse- grunden för filosofin, etiken, estetiken, hela den här tidens andliga liv. Fylld av religiös symbolik strävar konsten från det jordiska, övergående till det andliga, eviga.

Tillsammans med officiella kyrkan kultur (hög) existerade sekulär kultur (gräsrötterna) - folklore(lägre samhällsklasser) och ridderlig(hövisk).

Huvudfokus professionell musik från tidig medeltid - katedraler, sångskolor knutna till dem, kloster - de enda utbildningscentra på den tiden. De studerade grekiska och latin, aritmetik och musik.

Kyrkomusikens främsta centrum i Västeuropa Rom var på medeltiden. I slutet av VI - början av VII-talet. huvudvarianten av västeuropeisk kyrkomusik håller på att bildas - gregoriansk sång , uppkallad efter påven Gregorius I, som genomförde reformen av kyrkosången och sammanförde och effektiviserade olika kyrkosånger. gregoriansk sång - monofonisk Katolsk sång, där de månghundraåriga sångtraditionerna från olika folk från Mellanöstern och Europa (syrianer, judar, greker, romare, etc.) har smält samman. Det var den mjuka monofoniska utvecklingen av en enda melodi som var avsedd att personifiera en enda vilja, församlingsmedlemmarnas uppmärksamhet i enlighet med katolicismens grundsatser. Musikens natur är strikt, opersonlig. Koralen framfördes av kören (därav namnet), några avsnitt av solisten. Stegvis rörelse baserad på diatoniska lägen råder. Den gregorianska sången tillät många graderingar, allt från mycket långsamma körpsalmodi och slut årsdagar(melismatisk sång av en stavelse), som kräver virtuosa sångfärdigheter för sitt framförande.

Gregoriansk sång alienerar lyssnaren från verkligheten, orsakar ödmjukhet, leder till kontemplation, mystisk avskildhet. Texten på latin, oförstående massa församlingsbor. Sångens rytm bestämdes av texten. Det är vagt, obestämt, på grund av arten av accenterna i reciteringen av texten.

De olika typerna av gregoriansk sång sammanfördes i den katolska kyrkans huvudgudstjänst - massa, där fem stabila delar etablerades:

Kyrie eleison(Herre förbarma)

Gloria(ära)

Credo(tro)

Sanctus(helig)

Agnus Dei(Guds lamm).

Allt eftersom tiden går börjar element sippra in i den gregorianska sången. folkmusik genom psalmer, sekvenser och troper. Om psalmodin framfördes av en professionell kör av sångare och präster, så framfördes psalmerna till en början av församlingsmedlemmar. De var insatser i den officiella gudstjänsten (de hade drag av folkmusik). Men snart började mässans psalmdelar ersätta de psalmodiska, vilket ledde till framträdandet polyfonisk massa.

De första sekvenserna var en undertext till årsdagens melodi så att ett ljud av melodin skulle ha en separat stavelse. Sekvensen blir en vanlig genre (den mest populära « Veni, sancte spiritus» , « Dör irae», « Stabat mater» ). "Dies irae" användes av Berlioz, Liszt, Tchaikovsky, Rachmaninov (mycket ofta som en symbol för döden).

De första proverna av polyfoni kommer från kloster - organum(rörelse i parallella femtedelar eller fjärdedelar), gimel, fobourdon(parallella sjätte ackord), dirigent. Kompositörer: Leonin och Perotin (12-13 århundraden - Notre Dame-katedralen).

transportörer sekulärt folk musik under medeltiden mimare, jonglörer, sångare i Frankrike, shpilmans- i länder tysk kultur, hoglars - i Spanien, buffar - i Ryssland. Dessa ambulerande artister var universella mästare: de kombinerade sång, dans, spela olika verktyg med magi, cirkuskonst, dockteater.

den andra sidan sekulär kultur var riddarlig (hov)kultur (kultur av sekulära feodalherrar). Nästan alla ädla människor var riddare - från fattiga krigare till kungar. En speciell riddarkod håller på att bildas, enligt vilken en riddare, tillsammans med mod och tapperhet, måste ha raffinerat uppförande, vara utbildad, generös, storsint, troget tjäna den vackra damen. Alla aspekter av riddarlivet återspeglas i den musikaliska och poetiska konsten trubadurer(Provence - södra Frankrike) , trovers(norra Frankrike), minnesångare(Tyskland). Trubadurkonsten förknippas främst med kärlekstexter. Den mest populära genren av kärlekstexter var kanzon(bland minnesångarna - "Morgonlåtar" - albs).

Trouvers, som i stor utsträckning använder trubadurernas erfarenhet, skapade sina egna originalgenrer: väva sånger», « maj sånger". Ett viktigt område av musikgenrer av trubadurer, truvers och minnesångare var sång- och dansgenrer: rondo, ballad, virele(refrängformer), samt heroiskt epos(Franskt epos "Song of Roland", tyska - "Song of the Nibelungs"). Minnesingare var vanliga korsfararlåtar.

Karakteristiska särdrag för konsten att trubadurer, truvers och minnesångare:

monofoni- är en följd av det oskiljaktiga sambandet mellan melodin och den poetiska texten, som följer av själva essensen av den musikaliska och poetiska konsten. Monofonin motsvarade också inställningen till det individualiserade uttrycket av de egna upplevelserna, till en personlig bedömning av uttalandets innehåll (ofta inramades uttrycket för personliga upplevelser av naturbilder).

Huvudsakligen sångprestanda. Instrumentens roll var inte signifikant: den reducerades till framförandet av introduktioner, mellanspel och postludier som inramade vokalmelodin.

Det är fortfarande omöjligt att tala om ridderlig konst som professionell, men för första gången under förhållanden sekulär musikskapande skapades en kraftfull musikalisk och poetisk riktning med ett utvecklat komplex av uttrycksfulla medel och relativt perfekt musikaliskt skrivande.

En av de viktiga framgångarna mogen medeltid från X-XI århundradena, var Urban utveckling(borgarkultur) . Huvuddragen i stadskulturen var anti-kyrklig, frihetsälskande orientering, koppling till folklore, dess komiska och karnevalskaraktär. Den gotiska byggnadsstilen utvecklas. Nya polyfoniska genrer bildas: från 1200-1300 till 1500-talen. - motett(från franska - "ord". För en motett är en melodisk olikhet mellan röster typisk, som intar olika texter samtidigt - ofta även på olika språk), madrigal(från italienska - "sång på modersmålet", dvs italienska. Texter är kärlekslyriska, pastorala), caccha(från italienska - "jakt" - ett sångstycke baserat på en text som skildrar jakt).

Folkvandringsmusiker går från en nomadisk livsstil till en stillasittande, befolkar hela stadskvarter och bildar ett slags "musikerverkstäder". Från och med XII-talet anslöt sig folkmusiker vaganter och goliarder- avklassade människor från olika klasser (skoleelever, förrymda munkar, vandrande präster). Till skillnad från analfabeter som jonglörer - typiska representanter för den muntliga traditionens konst - var vaganter och goliarder läskunniga: de kunde det latinska språket och reglerna för klassisk versifiering, komponerad musik - sånger (bildutbudet är förknippat med skolvetenskap och studentliv) och även komplexa kompositioner som dirigeringar och motetter.

Ett betydande centrum för musikkultur har blivit universitet. Musik, närmare bestämt - musikalisk akustik - tillsammans med astronomi, matematik, fysik var en del av kvadrium, d.v.s. en cykel av fyra discipliner studerade vid universitet.

Sålunda fanns det i den medeltida staden centra för musikalisk kultur, olika i karaktär och social inriktning: sammanslutningar av folkmusiker, hovmusik, musik från kloster och katedraler, universitetsmusikaliska praktik.

Medeltidens musikteori var nära förknippad med teologi. I de få musikteoretiska avhandlingar som kommit ner till oss ansågs musiken vara en "kyrkans tjänare". Bland den tidiga medeltidens framstående avhandlingar utmärker sig 6 böcker ”Om musik” av Augustinus, 5 böcker av Boethius ”Om musikens upprättande” etc. En stor plats i dessa avhandlingar gavs åt abstrakta skolastiska frågor, bl.a. läran om musikens kosmiska roll osv.

Det medeltida modala systemet utvecklades av representanter för kyrkans professionella musikalisk konst- därför tilldelades namnet "kyrkliga lägen" till de medeltida banden. Joniska och eoliska blev etablerade som huvudsätten.

Den musikaliska teorin från medeltiden lade fram läran om hexachords. I varje band användes 6 steg i praktiken (till exempel: do, re, mi, fa, salt, la). Xi undvek då, eftersom. bildade tillsammans med F:et en övergång till en förstorad quart, som ansågs mycket dissonant och som bildligt talat kallades "djävulen i musiken".

Icke-obligatorisk notation användes flitigt. Guido Aretinsky förbättrat notsystemet. Kärnan i hans reform var följande: närvaron av fyra linjer, ett tertiärt förhållande mellan enskilda linjer, ett nyckeltecken (ursprungligen bokstavligt) eller färgning av linjer. Han introducerade också syllabisk notation för de första sex stegen i läget: ut, re, mi, fa, salt, la.

Introducerad mensnotation, där en viss rytmisk takt tilldelades varje ton (latin mensura - takt, mått). Namn på varaktigheter: maxim, longa, brevis, etc.

XIVårhundradet - övergångsperioden mellan medeltiden och renässansen. Frankrikes och Italiens konst på 1400-talet kallades " Ars nova"(från latin - ny konst), och i Italien hade den alla egenskaper från den tidiga renässansen. Huvuddrag: vägran att uteslutande använda kyrkomusikgenrer och vända sig till sekulära sång- och instrumentalkammargenrer (ballad, kachcha, madrigal), närmande till vardagssång, användning av olika musikinstrument. Ars nova är motsatsen till den sk. ars antiqua (lat. ars antiqua - gammal konst), vilket innebär musikkonsten före början av XIV-talet. De största representanterna ars nova var Guillaume de Macho (1300-talet, Frankrike) och Francesco Landino (1300-talet, Italien).

Medeltidens musikkultur representerar således, trots de relativt begränsade medlen, en högre nivå i jämförelse med den antika världens musik och innehåller förutsättningarna för musikkonstens blomstring under renässansen.