Proportionerna av en persons ansikte när man ritar ett porträtt: ett diagram. Idealiska ansiktsproportioner

20. Målarlektion. Oljemålning porträtt.

På lektionerna att måla och rita in skola Nya konstintentioner nybörjare i teckning lärs att "söka" efter siluetten av figuren och huvudet i förhållande till bakgrunden, eftersom endast en exakt och uttrycksfullt funnen siluett ger porträttet större konstnärlig uttrycksförmåga.

För att lära dig hur man ritar ett porträtt av en person (med en penna eller färger) - försök att förstå det unika ansiktsuttrycket och genom detta uttryck, endast inneboende denna person, förmedla sitt inre sinnestillstånd.

På det föregående målarlektion du har fått tillräcklig erfarenhet av bilden av huvudet, har lärt dig att arbeta i färg. Syftet med denna lektion är att lära sig att skapa ett porträtt med maximalt konstnärligt uttryck.

Skiss ritning. Övningen att dra från livet i jämförelse.

I ritlektioner uppmärksammar vi särskilt nybörjarkonstnärer på färgen på en persons kropp. Denna färg skiljer sig från färgen på alla andra föremål i den synliga världen. Blodkärlen ger kroppens färg endast dess inneboende rosa färg, därför är människors hy kroppslig, rosa. Men konstnärens öga, som har erfarenhet av att uppfatta de finaste färgnyanserna, kommer lätt att märka att inga två ansikten är helt identiska till färgen, identiska till formernas karaktär, proportioner och struktur.

Därför, när du övar på att rita ett porträtt från livet, försök att korrekt identifiera köttfärgen. Konstnären i alla separat fall måste direkt se i naturen den inneboende färgen och kunna förmedla den korrekt. För att göra det lättare att märka denna färgskillnad och lära dig hur man korrekt ritar nyanserna av färgåtergivning, rekommenderar vi att du slutför den första övningen i denna målarlektion genom att rita tre olika huvudporträtt. olika människor på en duk. Du kan ställa frågan: "Varför är det nödvändigt att måla olika porträtt på samma duk? Skulle det inte vara bättre att göra detta på tre separata dukar?" Att rita en sådan studie rekommenderas så att du tydligare kan känna skillnaden i färg och karaktär på porträttansikten när du jämför dem.

Låt oss praktiskt taget kolla upp det. Du har målat (eller ritat med penna eller pastell) i en eller två sessioner flickans huvud på vänster kant av din duk. Hennes svarta hår skisserar tydligt formen av en slät, ljus, lätt gulaktig panna, hennes scharlakansröda saftiga läppar formar mjukt formen på hennes mun. De ungdomliga kindernas rosa ekar av röda läppar. Ett ljust gulrosa ansikte ger en behaglig grönlila underton i skuggorna.

Till nästa porträttsession bjuder du in en medelålders man vars huvud saknar hår. I det här fallet avslöjas den anatomiska strukturen av skallen tydligt. Djupa ögonhålor hjälper till att förmedla volymen och karaktären hos denna persons huvud. Innan du ritar det, noterar du omedelbart själv att dess bild kräver helt andra färger än för studien av flickans huvud.

Du kan lätt dra slutsatsen att denna person uppenbarligen sällan exponeras för luften, eftersom hans hy är en blek gulgrön, påminner om pergamentfärgen. De skuggiga delarna av huvudet är också grönaktiga, men de skiljer sig absolut från grönaktigheten i flickans arbetsrum - de är brungröna och de måste lösas, kanske med umbra och wolkonskoite. Du ser omedelbart att det i detta huvud inte finns några trevligt rosa toner med vilka du målade flickans kinder och läppar, och när du förbereder färgglada blandningar för att förmedla färgens natur är du övertygad om att de måste vara gjorda av helt olika färger.

Tredje studien. Rita ett porträtt av huvudet på en gammal man med yvigt skägg, med grått hår. När du börjar skriva det, jämför du detta huvud med två tidigare skrivna studier och ser till att det är helt annorlunda i färg och konsistens från de två tidigare huvudena.

Så en sådan lektion i målning, en sådan teckning från olika naturer i jämförelse kommer att övertyga dig om att allt mänskliga ansikten olika i formerna och proportionerna, och i kroppens struktur och i färgsystemet. Denna övertygelse kommer inte att tillåta dig att måla alla huvuden med samma "kött" färg, men kommer att tvinga dig att noggrant analysera och studera färgerna på en persons kropp varje gång, baserat på plats och ljusförhållanden. Denna ritmetod låter dig träna ditt öga att uppfatta de mest subtila färgfluktuationerna och hjälper dig att förstå hur du lär dig att rita på inledande skede utbildning, samt i vidare självständigt skapande arbete.

Vi ritar ett porträtt.

Iscensättningen av naturen bör tydligt avslöja de huvudsakliga bilddragen i ansiktet och huvudet som helhet, upplyst av ljus framifrån, när små grupper av skuggor bildas. Ett huvud upplyst av direkt ljus kräver en mörkare bakgrund, dock inte nödvändigtvis svart, men matchad i färgen så att bakgrunden inte bara är i ton, utan även i färgkontrast mot naturen.

Denna målarlektion för nybörjare genomförs i flera lektioner, eftersom det är ganska svårt för studenter. Och en nybörjarkonstnär tvingas ibland rita om många gånger.

Den som vill lära sig att rita och skaffa sig rätt färdigheter i målning, beväpna sig med skicklighet, måste utveckla ett arbetssystem för att rita ett porträtt av ett ansikte och huvud. Vi rekommenderar att målarlektionen ovanför huvudporträttet villkorligt delas upp i tre stadier, som är sammankopplade och organiskt övergår till varandra, utvecklar och kompletterar varandra.

Det första steget av porträttmålarlektionen - förberedande ritning huvuden för målning och färgad undermålning (fig. 1);

det andra steget av målningslektionen är studiet av porträttets detaljer, egenskaperna hos deras former och färgdrag (fig. 2);

det tredje steget i målarlektionen är generaliseringen och syntesen av det som har studerats, vilket bringar porträttet till bildlig enhet och konstnärlig uttrycksförmåga(Fig. 3).

Dessa stadier av porträttritningslektionen kommer att göra det möjligt för konstnären att mer medvetet utföra sitt arbete från början till slutet av ritningen och hjälpa honom att bli av med många onödiga, och ibland skadliga, oändliga förändringar. Detta leder vanligtvis till att porträttet blir överbelastat med färg, som inte kan appliceras på måfå, annars börjar det blekna, svartna.

När iscensättningen av naturen är klar går konstnären vidare till det första skedet av denna målarlektion. Samtidigt måste du alltid komma ihåg att utan att rita en modell bör du inte börja måla med färger. Denna bestämmelse verkar tydlig, och många kan hävda att den inte borde ha nämnts. Men praktiken att lära ut målning i vår skola visar att eleverna inte alltid följer denna regel. Nybörjarmålare vill ibland inte slösa tid på en förberedande ritning. Ibland leder detta till ett tråkigt resultat - först visar sig porträttet vara fräscht i färg, och vissa platser är intressanta och pittoreskt lösta, men sedan hittas plötsligt många betydande fel i formen.

Vid efterföljande sessioner (torrt) börjar du korrigera, att arbeta i delar, och det tappar omärkligt charmen och friskheten som det hade i början, det förvandlas till en skiss, torterad i målning och bruten i form. Det blir tråkigt att arbeta, modellen verkar ointressant, det finns en tvekan om deras förmågor - jag vill sluta med porträttet och inte längre ta upp penslar.

För att gå på rätt väg utan sådana erfarenheter, gör först en välkonstruerad och detaljerad ritning. Rita för målning med kol eller mjuk penna. Det är inte nödvändigt att modellera i full ton. Du kan göra en ritning som är ganska lätt i tonen, men helst med en egenskap av porträttets huvudtonala graderingar. Sedan kan ritningen fixeras med lack eller fuktas med vatten från en sprayflaska, om marken på duken är lim eller emulsion, eller lätt borsta av kolet, lämna ritningen i en mycket lätt ljus ton.

Sedan, innan han börjar måla, måste konstnären mentalt analysera modellen beroende på uppgifterna och bestämma vilka blandningar han ska ta för porträttstudien, vilka färgglada kombinationer han hittade i modellen, se varma och kalla toner i naturen.

Efter att nybörjaren porträttmålare "vant sig" vid naturen, mentalt förstått dess färgschema, som om han såg den målad, fortsätter han till att undermåla.

Undermålning (Fig. 1) är en ljus registrering med färgen på hela duken. Undermålning görs ibland utan kalk, som akvarell, ibland introduceras också en liten mängd kalk.

Undermålning för huvudmålning görs på samma sätt som för stilleben och andra övningar. Du har redan fått en idé om detta från de tidigare lektionerna.

Från en lätt undermålning är det senare lättare för konstnären att bestämma rätt ton och färg, medan det är svårare att göra detta på en tom duk. När undermålningen är klar och formen på huvudet är gjuten kan du gå vidare till lösningen av huvudmassorna i naturens fulla kraft. Det är bättre att börja skriva med full kraft från den bit som är mest tydlig för författaren. Anta att konstnären kände styrkan i tonen och färgen på pannan tillsammans med håret och började ta färgen rakt av genom att undermåla. Han börjar måla pannan med all kraft, han tar både håret och bakgrunden och bringar det hela i harmoni. Sedan kommer han att ta resten av huvudet med samma kraft, hela tiden, och jämföra färgrelationer med varandra. Så, efter undermålning, fortsätter författaren att skulptera huvudet, så att säga, i delar, lösa dessa delar rakt av och jämföra dem med varandra.

Men det är inte alltid möjligt för konstnären, som tecknar i delar, att uppfatta hela produktionen som en helhet, hans öga strävar efter att dröja kvar på den del av naturen som avbildas, och vill inte se de omgivande områdena. Detta är den eviga kampen för en helhetssyn på naturen. En nybörjare i teckning måste uppbåda de nödvändiga ansträngningarna av viljan för ständig uppmärksamhet och utveckling av en sådan arbetsprincip som skulle tillåta honom att, när han målar kinden, jämföra inte bara den upplysta delen av kinden med skuggdelen, men jämför kinden med pannan och med halsen och med bakgrunden och med håret. Jämför därför alltid så mycket och så ofta som möjligt när du ritar någon detalj, för hela processen med målning består i jämförelse.

Det är nödvändigt att jämföra inte bara när det gäller form, proportioner och karaktär, utan också när det gäller färgförhållanden.

För att lösa problemet med att måla huvudet behövs erfarenhet, man måste känna hur formen på huvudet byggs av färgförhållanden. Därför, när du räknar ut formen på detaljerna med varje penseldrag, identifiera en viss del av formen och se till att skilja ett drag från de andra med färg.

Efter att ha arbetat igenom formuläret under flera pass ser du att du är ganska nära naturen. Huvudet på porträttet såg ut som en modell. Ögonen ser ut och uttrycker karaktären av modellens utseende. Näsan börjar definieras, huvudets volym är korrekt byggd, till och med kanske en persons orakade kinder förmedlas, det vill säga alla detaljer avbildas kärleksfullt och noggrant. Men tyvärr upptäcker du direkt att ditt porträtt på ett avstånd av 5 - 6 meter har blivit på något sätt trögt, uttryckslöst. Färgerna är inte tillräckligt klangfulla, verket har tappat sin färgstarka charm. Omedelbart upptäcker man att trots detaljerna utskrivna är huvudet inte särskilt voluminöst och tredimensionellt, dessutom är ansiktet på något sätt lutat, ögonen är inte tydligt byggda, det ena kindbenet gled ner i förhållande till det andra, läpparna gick också någonstans åt sidan. Frustrerad börjar du blygt korrigera fel med en liten pensel, jagar efter att korrigera detaljer, men porträttet blir inte bättre av detta.

Du känner dig obekväm när du arbetar med det. Du blev trött.

Allt detta hände för att du under en ganska lång målarlektion, i processen att arbeta med detaljerna, slutade se som en helhet, strävan efter att förmedla detaljer distraherade dig från en holistisk uppfattning.

Sista steget målarlektion. Syftet med detta steg är att föra huvudet, fragmenterat av detaljer, tillbaka till generalisering, för att stärka strukturen av porträttet av huvudet igen, att föra till syntesen av analysen av former som gjordes tidigare. För att uppnå en generalisering och en integrerad bildlösning måste konstnären utstå stora inre spänningar.

I detta ögonblick måste du anstränga all din vilja för att ibland överge många av de detaljer som hittats för en integrerad och mest konstnärlig lösning. Sådana smärtsamma ögonblick fick gå igenom många av de stora porträttmålarna från det förflutna.

Från V. A. Serovs memoarer vet vi hur stor konstnär, som visste hur man arbetade på ett porträtt i sextio eller fler sessioner, efter att ha noggrant studerat modellen och uppnått betydande fynd, sedan hänsynslöst skrapade bort allt skrivet med en palettkniv och, efter att ha samlat sin vilja och kraft, fritt fullbordat arbetet med porträtt i 2-3 sessioner. Under dessa sista sessioner översatte han porträttet till en ny, Toppkvalité, vilket gör det till ett integrerat, generaliserat, mycket konstnärligt verk.

I våra lektioner uppmärksammar vi nybörjare på naturens natur och tillstånd.

Om porträttbild Om en person också inkluderar händer, är det nödvändigt att ägna stor uppmärksamhet åt dem, för ibland kommer händer att berätta ännu mer om en person än ett ansikte. Gester och handrörelser bör vara avgörande, karakteristiska för just denna person i det tillstånd han befinner sig i för tillfället.

I processen att rita ett porträtt, ägna maximal uppmärksamhet åt ögonen på den person som porträtteras, försök att tränga djupare in i en persons själ genom ögonens uttryck. När allt kommer omkring är det inte för inte som de säger att ögonen är själens spegel. Därför, för att lära sig att sända sinnesro person i porträttmålning, var uppmärksam på ögonens natur, på deras uttryck och tveka inte att rita ögonen med all kraft av din borste. Detta betyder inte att du måste rita ögonen noggrant, i detalj med alla ådror och höjdpunkter i pupillen. Men skriv noggrant och noggrant, så att ögonen ser ut, och genom detta utseende överförs en persons sinnestillstånd.

En kreativ person är en otillräcklig person som uppfattar världen annorlunda än alla andra. Dessa människor har alltid varit och kommer att vara, och de inser sin upproriska natur i sin vision av världen.
Topp ca 10 ovanliga artister som tar ett konstigt grepp om att skapa sina målningar.

1. australiensiska Tim Patch,

"Det finns många underbara konstnärer, men bara en målar med en fitta," säger Tim Patcher om sig själv så här, som du förstår här vi pratar om ett underhållande sätt att applicera färger på sina målningar.
även om hans målningar är skapade på ett konstigt sätt, har han redan vunnit sin popularitet, och folk talar mycket väl om hans målningar.

2. Millie Brown är en konstnär som ritar bilder med sina spyor!

Det finns ingen sådan person som inte har kräkts minst en gång i sitt liv. Alla mår ni ibland dåligt, lika mycket som att jag rapar. Men, naturligtvis, få människor kommer att med våld göra detta på sig själva.
Även om det finns undantag: konstnären Millie Brown är redo att spy ut färgglada vätskor ur munnen nästan varje dag. Naturligtvis inte bara så, utan av kärlek till konst!
Även om det som är förvånande här, tecknar hon sina bilder på ett så konstigt sätt. Innan hon börjar arbeta med sitt nya arbete förbereder hon glas med vätska olika färger. Hon kommer sedan att använda dessa ämnen som färger under sin kväljande kreativitet.

3.Hong Yi tjej målar med en boll.

Yi Hong, en ung Shanghai-baserad konstnär, använde en basketboll för att måla ett porträtt av den pensionerade kinesiska basketspelaren Yao Ming.
Enligt hennes åsikt är en basketboll ett lämpligare verktyg än en borste för detta arbete, även om det bara tog henne två timmar att skapa en bild.

4. Vinicius Quesada är en gatukonstnär från Brasilien som målar med blod.

Konst finns i hans blod, tycks det sägas om Vinitsa Quesada, eftersom han i sina målningar använder sitt blod istället för färger.
Även om beundrare av hans talang erbjuder sitt blod för hans arbete, vägrar han artigt. De säger att deras blod kan gå till en god gärning, för att hjälpa andra människor.

5. Rita under vattnet.

I lager, konstnären i genomsnitt cirka 40-60 minuter för allt om allt. För oljemålning är detta väldigt lite – bara rekordtid.
Men det hindrar inte undervattenskonstnärer från att skapa sina egna målningar.

6. En amerikansk kvinna med stora bröst målar bilder med den.

Kira Ain Varsed målar sina tavlor med bröstet. Tur att hon har tofsar rätt storlek. Hur gör hon det, frågar du? Och jag ska svara dig: konstnären sätter målarfärg på sin byst och målar sedan bilder åt dem.
Enligt Kira målar hon landskap av avlägsna okända planeter.

7. Målning gjord med tungan.

Den indiska konstnären Ani skapar sina målningar med hjälp av språket. Han försökte själv många sätt att applicera färg på dukar, men någon hade redan gjort detta före honom.
Och det finns inget språk än, det är det första.

8. Konstnären skapade en panel med 200 000 döda myror.

Kaliforniens konstnär Chris Trueman skapade en väggmålning av 200 000 döda myror.
Författaren till verket konstaterar att det tog honom flera år att skapa panelen. Vid något tillfälle kände han till och med en attack av synd om insekter och avbröt arbetet i ungefär ett år. Det är sant, då insåg han att livet för redan dödade myror inte kunde återlämnas och avslutade arbetet.

9. En konstnär som använder sina ögon.

Chen har en fantastisk förmåga att hålla teckningspenslar mellan ögonlocket och hornhinnan och rita kalligrafiska tecken på arken.
Chen upptäckte sin otroliga talang i sig själv vid 16 års ålder, när han arbetade på en byggarbetsplats, där sand kom in i ögonen. Då märkte den unge mannen att främmande kroppar på hornhinnan inte orsakade honom särskilt obehagliga eller smärtsamma förnimmelser.

10. En konstnär som målar med mänsklig aska.

Val Thompson använder kremerad mänsklig aska som grund för sina färger. Denna idé föreslogs av henne bror, och förklarar för henne att hon kommer att vara den första i den här typen av genre.

Doodle-porträtt 4 augusti 2014

Den malaysiske konstnären Vince Low ritar penna-på-papper-porträtt av kändisar "utan att ta händerna från pappret", säger vissa. Illustratören kunde förmedla ansiktsuttryck och känslor hos Hollywoodstjärnor, sångare, vetenskapsmän och filmhjältar med otrolig noggrannhet. Vince Lowe kallade sin serie målningar okomplicerad - "Ansikten".

Under snittet kommer det att finnas ett verk som kan ses med en stark ökning, då kommer du att förstå vad som är ovanligt och kärnan i detta arbete.

Foto 3.

KLICKBAR

Idén att skapa originalporträtt av kändisar föddes för honom spontant: till en början gillade han, som många, att skissa teckningar i anteckningsbok. Vince Lowe såg att resultatet är ganska imponerande och bestämde sig för att skapa en hel serie ovanliga verk.

Foto 2.


Konstnären säger att det är oerhört viktigt för honom att förmedla själen och karaktären hos personen som avbildas på bilden. Utan att tvivla på sina förmågor bestämde han sig för att bemästra skickligheten att "linje" måla till perfektion. Visst, denna riktning samtida konst inte nytt, bland de erkända mästarna bör vi komma ihåg namnen på Atsushi Takahashi och Pierre Emmanuel Godet, som ritar med "klotter", samt Reddit-amatörillustratören, som skapar målningar med en kontinuerlig linje. Vince Lowe lyckades dock ockupera en mycket speciell nisch inom monokrom porträtt.

Foto 4.

Ofta uppfattas klotter som ren och skär bortskämd, meningslösa linjer som kan prickas med en sida. Men Vince Lowe vet hur man organiserar detta kaos och skapar utifrån det konstnärliga bilder. Hans realistiska porträtt är känslomässiga och uttrycksfulla, konstnären använder skickligt spelet av ljus och skugga, ritar ansiktsdrag i detalj. Ett till synes osystematiskt tillvägagångssätt för att skapa en ritning gör att Vince Lowe kan uppnå utmärkta resultat.

Här är ytterligare ett exempel med en stor ökning för dig. Klicka på bilden.

KLICKBAR

Och ännu en …

KLICKBAR

Foto 5.

Foto 6.

Foto 7.

Foto 8.

Foto 9.

Bild 10.

Bild 11.

Bild 12.

Bild 13.

Bild 14.

Bild 16.

Bild 17.

Bild 18.

Bild 19.

Bild 20.

samtida konstnärer det kommer att göra dig sjuk">

10 samtida artister som kommer att göra dig sjuk

Nu kommer vi att prata om så konstiga kreativa projekt att du kommer att vilja ligga i ett hörn, täckt med en filt, krama Svarta torget och klaga för honom över nedgången i moral, och det är allt.

Parade borstar

"Nytt hopp"

Låt oss börja med en ganska blygsam och till och med söt amerikansk artist Kira Ain Varseji. Hennes teknik är enkel: hon blandar färger, lägger dem på det bara bröstet, trycker mot duken. Du kan köpa hennes abstrakta verk för 200-300 dollar. Kira är en positiv kvinna: hon älskar att fiska, hennes man, datorspel. Ibland låter han sin sköldpadda krypa över färgen, och visar även upp individuella detaljer med leksaker och grönsaker. Bröststorlek, om du undrar, 38DD. Det är mycket.

Minneskort

"Brosfåglar"

Sergio Portillo (USA) målar med vanliga penslar. Hemligheten ligger i färgen. Färgen är aska. Mänsklig. Nej, allt är bra. Anhöriga till de avlidna och kremerade beställer själva sådana målningar av konstnären. Det är bekvämt: du behöver inte spendera pengar på konst i huset och på en plats i kolumbariet. Förresten, Sergio är inte original, en sådan tjänst tillhandahålls av flera artister av det inte blyga dussinet.

Konst och offer

"Porträtt med en pistol"

Chris Truman målade bara en bild som lämpade sig för vår lista, men vad! Han lade upp ett porträtt av sin yngre bror från 200 000 döda myror. Och det var inte så lätt, för konstnären älskar myror och han gillar inte att döda dem. Men folkmordet på insekter lönade sig - målningen köptes för 35 tusen dollar.

Målare

"Jimi Hendrix"

En äldre australiensare Tim Patch arbetar under pseudonymen Pricasso. Detta kan översättas till ryska som Hrenasso. Tja, du har redan förstått vad han ritar. Och det blir förresten ganska bra för ett så trubbigt vapen! Förresten låter konstnären dig observera hans kreativ process, så att han gärna bjuds in till alla möjliga festivaler där barn inte får komma in.

Språket kommer att föra till museet

"Kristus"

För hinduiska Ani Kay är konst inte lätt. På grund av hans kreativ metod han lider alltid av smärta i buken, huvudet, yrsel. Och allt för att han ritar med tungan. Han säger att nu är det fortfarande drägligt, och efter de första bilderna trodde han att han skulle gå till nästa värld. Totalt hällde han upp 20 akvareller, inklusive en tvåmeters kopia av Da Vincis Nattvarden, för att inte säga att den var av särskilt hög kvalitet. En medlem skulle definitivt vara bättre, å andra sidan, det religiösa temat...

Ögonmätare

Konstnären behöver naturligtvis ett noggrant öga, men vi visste inte vad som behövs så bokstavligt talat. Xiang Chen, en kinesisk mästare i kalligrafi, håller en borste med sitt ögonlock och drar den över arket. Generellt sett är resultatet svårt att utvärdera, men arbetet är imponerande. Han vet förresten också hur man håller en pinne med samma öga och spelar den på piano.

Inspiration inifrån

Nexus Vomitus

Konstnären Millie Brown kräks okontrollerat på duken, bokstavligen. För att göra detta dricker hon färgad mjölk och kräks sedan på ett vitt lakan eller på sin klänning. Målningarna är abstrakta, men de kostar mycket. Till exempel gjordes bilden Nexus Vomitus till sång av tre operasångare och framgångsrikt sålt för $2 400.

rött och gult

Brasilianaren Vinicius Quesada målar med blod. Och inte någon sorts gris, utan människa. Känd för sin serie målningar "Blues of urine and blood", skrivet exakt vad som står i titeln. Dessa är realistiska psykedeliska bilder av geishor, apor och zombies. Varför geisha? Varför urin? Varför är allt?

Vänner, jag får ofta samma fråga. Om hur man ritar från fantasin, det vill säga "från huvudet." För att inte upprepa i separata bokstäver kommer jag denna gång att svara på sajten. Jag hoppas att mitt svar kommer att vara användbart för artister som är oroliga för samma problem.

Och jag börjar med sista bokstaven om detta tema.

Hallå!

I höstas skrev jag redan till dig i form av ett "rop från själen", som du till min förvåning till och med svarade på 🙂 Tack för detta!

Jag vill säga att jag har övervunnit de flesta av huvudproblemen i mitt arbete, men ett annat har uppstått som irriterar mig väldigt, väldigt mycket: jag kan (nästan) inte rita "ur mitt huvud". Det vill säga, om du lägger gips framför mig, eller mästarens redskap med frukt, eller till och med ett landskap, så kan jag bilda en mer eller mindre adekvat bild.

Men om jag sätter mig ner och vill rita det som finns i mitt huvud - ... då börjar helvetet. Det är som att jag håller en pensel eller en penna i händerna för första gången. Det vill säga, det som är svårt är att föreställa sig ett träd i huvudet mot bakgrunden av en flod och måla det med vattenfärger även i en färg. Om jag såg den här handlingen framför mig, så tog det ett par minuter och några penseldrag (helst) att skriva en skiss, men att föreställa mig i mitt huvud ser det ut som att jag är 4 år gammal, och mina föräldrar gav mig målar med penslar på Nyår, om jag bara skulle sluta springa genom korridorerna.

Ibland visar det sig förstås, men det är fortfarande mycket lägre nivå än om jag ritade från livet ...

Som jag förstår det är poängen här inte längre i förmågan och inte i teckningstekniken, utan i "talang" eller "hjärna" ... Visst kan man fortsätta att rita från livet, men ibland vill man rita något annat som finns i din själ, men det fungerar inte ...

Enligt min åsikt är den beskrivna situationen inte bara typisk, utan också NORMAL.

"Ur mitt huvud" är bra att skriva abstrakta målningar, det finns ingen gräns för utrymmet för fantasi. Nåväl, åtminstone något fantastiskt. Någon inte känd för vetenskapen Cheburashka eller ett porträtt av en sömngångare.

Men om man vill skildra något som kan finnas i verkliga världen, och till och med göra det rimligt nog, varför tortera ditt huvud och försöka ta dig ur det som inte finns där?!

Ja exakt.

Tror du inte? Som ett experiment ... Föreställ dig någon grönsak eller frukt som du har i ditt kylskåp. Rita ut det ur ditt huvud, så detaljerat du kan föreställa dig. Och ta sedan ut den riktiga ur kylen och rita den från naturen. Vilken av dessa teckningar ser mer sanna ut?

Du förstår, varje föremål i naturen är unikt, det finns bara i ett exemplar.

Vi har en viss generaliserad bild, en uppsättning egenskaper, lagrad i vårt huvud. Morot ser ut som en långsträckt kotte orange färg. Och hon kan vara så här:

Miljön är mycket mer varierande än så vad vi kan föreställa oss...

Det finns andra variabler förutom biologisk mångfald. Skuggor och reflexer som är slumpmässiga. Färg, beroende på den allmänna belysningen. Rouens katedral vid middagstid och Rouen-katedralen i grått väder - två katedraler i olika färger.

Konstnärer har alltid behandlat naturen med stor respekt. Och i själva verket finns det ingen motsägelse i att skriva från naturen eller att skriva det som finns i själen. Du kan skriva vad som finns i din själ från naturen - du måste bara hitta en lämplig natur.

Ta till exempel "The Appearance of Christ to the People" av A. Ivanov.

Det är tydligt att idén med bilden är tagen "från huvudet", och författaren skrev inte denna scen från naturen. Och idén här är verkligen monumental. Så här såg konstnären på sin uppgift: "Det är nödvändigt att i min bild föreställa sig ansiktena från olika klasser, alla sorgliga och otröstliga, en tjusig känsla, en önskan om frihet och oberoende."

Men dessa ansikten är inte fiktiva, som detaljerna i landskapet. Det är känt att Ivanov slutförde cirka 400 preliminära skisser och skisser för denna målning. Arbetet med duken varade i 20 år.

Och skisser skrevs med riktiga människor. Till exempel var prototypen för en av karaktärerna Gogol.

Några av dessa skisser kan ses i Ryska museets samling.

Varje genomförande av en plan involverar insamling av material, och det är inte tillrådligt att hoppa över detta steg. I din spargris kan det finnas skisser, skisser, några passande fotografier på ämnet. Och då blir den förverkligade idén tung och trovärdig.

Men jag vill också göra en liten anmärkning. Att rita "från fantasin" skiljer sig från att rita "från minnet". Från utsidan är skillnaden inte märkbar, konstnären ritar något utan att titta på naturen. Men ur minnet kan du rita något riktigt mer eller mindre övertygande.

Naturligtvis, i det här fallet är det nödvändigt att fantastisk upplevelse. Har du ritat tusen porträtt från livet kommer du att kunna rita ett ansikte som mycket väl kan tillhöra riktig person. Ditt minne kommer att berätta för dig några individuella egenskaper och nyanser av ansikten som du redan har ritat.

Att rita från minnet räcker inte att bara föreställa sig ett välbekant föremål. Det måste noggrant studeras, med en penna i handen, göra skisser och detaljerade ritningar.

Jag ritar ett självporträtt då och då för att värma upp. Som ett resultat kan jag rita ett ansikte som liknar mitt utan att se mig i spegeln... Men jag kan inte rita ansikten på släktingar eller vänner från minnet, särskilt de som jag aldrig har målat förut.

Enligt samtida, många kända artisterägde ett unikt segt minne. Jag tror att detta inte är en medfödd talang, utan resultatet av träning, var och en av dessa konstnärer hade lång erfarenhet av att rita från livet.

Därför, om det finns en önskan att rita "från huvudet" - se till att få erfarenhet av ritningar från livet, gör skisser - ju mer desto bättre. Och snart kommer detta problem att upphöra att vara ett problem för dig)

"Det är ganska uppenbart för mig att vanan att rita exakt vad vi ser ger en motsvarande förmåga att rita exakt vad vi tycker" ...
Joshua Reynolds

Användbar artikel? Dela med vänner: