Plan över renässansens idealiska stad. Konstnärliga bilder av renässansen
Renässanskonst
Renässans- detta är storhetstid för all konst, inklusive teatern, litteraturen och musiken, men utan tvekan var den främsta bland dem, som mest fullständigt uttryckte sin tids anda, de sköna konsterna.
Det är ingen slump att det finns en teori om att renässansen började med det faktum att konstnärer inte längre var nöjda med ramarna för den dominerande "bysantinska" stilen och, på jakt efter modeller för sitt arbete, var de första att vända sig till till antiken. Termen "renessans" (renässans) introducerades av tänkaren och konstnären från själva eran, Giorgio Vasari ("Biografi över kända målare, skulptörer och arkitekter"). Så han kallade tiden från 1250 till 1550. Ur hans synvinkel var detta tiden för antikens väckelse. För Vasari framstår antiken på ett idealiskt sätt.
I framtiden har innehållet i termen utvecklats. Väckelsen började betyda vetenskapens och konstens frigörelse från teologin, en kylning mot kristen etik, födelsen av nationella litteraturer, människans önskan om frihet från den katolska kyrkans restriktioner. Det vill säga, renässansen, i huvudsak, började betyda humanism.
REVIVAL, RENAISSANCE(Fransk renais sance - återfödelse) - en av de största epoker, en vändpunkt i utvecklingen av världskonsten mellan medeltiden och den nya tiden. Renässansen täcker XIV-XVI-talen. i Italien, XV-XVI århundraden. i andra europeiska länder. Denna period i kulturens utveckling fick sitt namn - renässans (eller renässans) i samband med återupplivandet av intresset för antik konst. Men dåtidens konstnärer kopierade inte bara gamla mönster, utan lade också in ett kvalitativt nytt innehåll i dem. Renässansen bör inte betraktas som en konstnärlig stil eller riktning, eftersom det i denna tid fanns olika konstnärliga stilar, trender, strömningar. Renässansens estetiska ideal bildades utifrån en ny progressiv världsbild - humanismen. Den verkliga världen och människan utropades till det högsta värdet: Människan är alla tings mått. Den kreativa personens roll har särskilt ökat.
Tidens humanistiska patos förkroppsligades bäst i konsten, som liksom under tidigare århundraden syftade till att ge en bild av universum. Det nya var att man försökte förena det materiella och det andliga till en helhet. Det var svårt att hitta en person som var likgiltig för konst, men företräde gavs åt konst och arkitektur.
Italiensk målning från 1400-talet mestadels monumentala (fresker). Måleriet intar en ledande plats bland olika typer av konst. Det överensstämmer till fullo med renässansprincipen om att "imitera naturen". Ett nytt visuellt system bildas på grundval av studiet av naturen. Konstnären Masaccio gjorde ett värdigt bidrag till utvecklingen av en förståelse för volym, dess överföring med hjälp av chiaroscuro. Upptäckten och det vetenskapliga belägget för lagarna för linjärt och luftperspektiv påverkade avsevärt det europeiska måleriets vidare öde. Ett nytt plastspråk för skulptur håller på att bildas, dess grundare var Donatello. Han återupplivade den fristående runda statyn. Hans bästa verk är skulpturen av David (Florens).
Inom arkitekturen återuppstår principerna för det antika ordningssystemet, vikten av proportioner höjs, nya typer av byggnader bildas (stadspalats, lantvilla etc.), arkitekturteorin och konceptet om en idealstad är utvecklas. Arkitekten Brunelleschi byggde byggnader där han kombinerade den antika förståelsen av arkitektur och den sena gotikens traditioner, vilket uppnådde en ny figurativ andlighet av arkitektur, okänd för de gamla. Under högrenässansen förkroppsligades den nya världsbilden bäst i verk av konstnärer som med rätta kallas genier: Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione och Titian. De sista två tredjedelarna av 1500-talet kallas senrenässansen. Vid den här tiden omfattar krisen konst. Det blir reglerat, hövligt, tappar sin värme och naturlighet. Men enskilda stora artister - Titian, Tintoretto fortsätter att skapa mästerverk under denna period.
Den italienska renässansen hade en enorm inverkan på konsten i Frankrike, Spanien, Tyskland, England och Ryssland.
Uppgången i utvecklingen av konsten i Nederländerna, Frankrike och Tyskland (XV-XVI århundraden) kallas den norra renässansen. Målarna Jan van Eycks, P. Brueghel den äldres arbete är denna periods höjdpunkt i konstens utveckling. I Tyskland var A. Dürer den tyska renässansens största konstnär.
De upptäckter som gjordes under renässansen inom området andlig kultur och konst var av stor historisk betydelse för utvecklingen av europeisk konst under de följande århundradena. Intresset för dem fortsätter än i dag.
Renässansen i Italien gick igenom flera stadier: tidig renässans, högrenässans, sen renässans. Florens blev renässansens födelseplats. Grunden till den nya konsten utvecklades av målaren Masaccio, skulptören Donatello och arkitekten F. Brunelleschi.
Den första som skapade målningar istället för ikoner var proto-renässansens största mästare Giotto. Han var den första som strävade efter att förmedla kristna etiska idéer genom skildringen av verkliga mänskliga känslor och upplevelser, och ersatte symbolik med skildringen av verklig rymd och specifika föremål. På Giottos berömda fresker i Arenakapellet i Padua du kan se ganska ovanliga karaktärer bredvid helgonen: herdar eller en spinnare. Varje enskild person i Giotto uttrycker ganska bestämda upplevelser, en bestämd karaktär. 
På eran tidig renässans inom konsten sker utvecklingen av det antika konstnärliga arvet, nya etiska ideal bildas, konstnärer vänder sig till vetenskapens landvinningar (matematik, geometri, optik, anatomi). Den ledande rollen i bildandet av de ideologiska och stilistiska principerna för konsten från den tidiga renässansen spelas av Florens. I bilderna skapade av sådana mästare som Donatello, Verrocchio, dominerar ryttarstatyn av condottiere Gattamelata David av Donatello de heroiska och patriotiska principerna ("St. George" och "David" av Donatello och "David" av Verrocchio). 
Masaccio var grundaren av renässansmåleriet.(väggmålningar i Brancacci-kapellet, "Trenity"), kunde Masaccio förmedla rymdens djup, kopplade ihop figuren och landskapet med en enda kompositionsidé och gav individer porträttexpressivitet.
Men bildandet och utvecklingen av det bildliga porträttet, som återspeglade renässanskulturens intresse för människan, är förknippade med namnen på konstnärerna i Umrbi-skolan: Piero della Francesca, Pinturicchio.
Konstnärens verk skiljer sig från den tidiga renässansen Sandro Botticelli. Bilderna han skapade är andliga och poetiska. Forskare noterar abstraktionen och den förfinade intellektualismen i konstnärens verk, hans önskan att skapa mytologiska kompositioner med komplicerat och krypterat innehåll ("Våren", "Venus födelse").En av Botticellis biografer sa att hans Madonnor och Venuser ger intryck av att förlust, vilket orsakar oss en känsla av outplånlig sorg... Vissa av dem förlorade himlen, andra - jorden. 
"Vår" "Venus födelse"
Kulmen i utvecklingen av den italienska renässansens ideologiska och konstnärliga principer är Högrenässans. Grundaren av högrenässansens konst är Leonardo da Vinci, en stor konstnär och vetenskapsman.
Han skapade ett antal mästerverk: "Mona Lisa" ("La Gioconda") Strängt taget kännetecknas Giocondans själva ansikte av återhållsamhet och lugn, det leende som skapade hennes världsberömmelse och som senare blev en oumbärlig del av verken av Leonardo-skolan märks knappt i den. Men i det mjukt smältande diset som omsluter ansiktet och figuren lyckades Leonardo få känna den gränslösa variationen hos mänskliga ansiktsuttryck. Även om ögonen på Gioconda tittar uppmärksamt och lugnt på betraktaren, på grund av skuggan av hennes ögonhålor, kan man tycka att de rynkar en aning; hennes läppar är sammanpressade, men knappt märkbara skuggor är skisserade nära deras hörn, vilket får dig att tro att de varje minut kommer att öppnas, le, tala. Själva kontrasten mellan hennes blick och halvleendet på hennes läppar ger en uppfattning om den motsägelsefulla karaktären av hennes upplevelser. Det var inte förgäves som Leonardo torterade sin modell med långa sessioner. Som ingen annan lyckades han förmedla skuggor, nyanser och halvtoner i denna bild, och de ger upphov till en känsla av darrande liv. Inte konstigt att Vasari trodde att man på halsen på Mona Lisa kan se hur en ven slår.
I porträttet av Gioconda förmedlade Leonardo inte bara kroppen och luftmiljön som omsluter den perfekt. Han lade också in en förståelse för vad ögat behöver för att en bild ska ge ett harmoniskt intryck, varför allt ser ut som om formerna naturligt föds ur varandra, som händer i musik när en spänd dissonans löses upp. med ett harmoniskt ackord. Gioconda är perfekt inskriven i en strikt proportionell rektangel, hennes halvfigur bildar något helt, vikta händer ger hennes bild fullständighet. Nu kunde det naturligtvis inte vara fråga om de bisarra lockarna från den tidiga bebådelsen. Men oavsett hur mjuka alla konturer är, är det vågiga locket i Giocondas hår i samklang med den genomskinliga slöjan, och det hängande tyget som kastas över axeln finner ett eko i de mjuka slingrarna på den avlägsna vägen. I allt detta visar Leonardo sin förmåga att skapa enligt lagarna för rytm och harmoni. ”Teknikmässigt har Mona Lisa alltid ansetts vara något oförklarligt. Nu tror jag att jag kan svara på den här gåtan”, säger Frank. Enligt honom använde Leonardo tekniken han utvecklade "sfumato" (italienska "sfumato", bokstavligen - "försvann som rök"). Tricket är att föremålen i målningarna inte ska ha tydliga gränser, allt ska gå smidigt från det ena till det andra, föremålens konturer mjukas upp med hjälp av den lätta luftdisen som omger dem. Den största svårigheten med denna teknik ligger i de minsta slagen (cirka en kvarts millimeter) som inte är tillgängliga för igenkänning vare sig i mikroskop eller med röntgenstrålar. Det tog alltså flera hundra sessioner att måla en da Vinci-målning. Bilden av Mona Lisa består av cirka 30 lager flytande, nästan genomskinlig oljefärg. För sådant smyckesarbete var konstnären tydligen tvungen att använda ett förstoringsglas. Kanske förklarar användningen av en så mödosam teknik den långa tiden som ägnas åt att arbeta på porträttet - nästan 4 år. 
, "Sista måltiden" gör ett bestående intryck. På väggen, som om man skulle övervinna den och ta med betraktaren in i en värld av harmoni och majestätiska visioner, utspelar sig det uråldriga evangeliedramat om vilseledd tillit. Och detta drama finner sin upplösning i en allmän impuls riktad mot huvudpersonen - en make med ett sorgset ansikte, som accepterar det som händer som oundvikligt. Kristus hade just sagt till sina lärjungar: "En av er kommer att förråda mig." Förrädaren sitter med de andra; de gamla mästarna avbildade Judas sittande separat, men Leonardo tog fram sin dystra isolering mycket mer övertygande och höljde sina ansikten med en skugga. Kristus är undergiven sitt öde, full av medvetenhet om offret av sin bedrift. Hans lutande huvud med sänkta ögon, hans händers gest är oändligt vacker och majestätisk. Ett charmigt landskap öppnar sig genom fönstret bakom hans gestalt. Kristus är centrum för hela kompositionen, i all den där virveln av passioner som rasar runt. Hans sorg och lugn är så att säga eviga, naturliga - och detta är den djupa innebörden av dramat som visas. Han letade efter källorna till perfekta former av konst i naturen, men N. Berdyaev anser honom vara ansvarig för den kommande processen av mekanisering och mekanisering av mänskligt liv, som slet en person från naturen.
Målning uppnår klassisk harmoni i kreativitet Raphael. Hans konst utvecklas från de tidiga kyliga umbriska bilderna av Madonnas (Madonna Conestabile) till världen av "glad kristendom" av florentinska och romerska verk. "Madonna med en guldfink" och "Madonna i en fåtölj" är mjuka, humana och till och med vanliga i sin mänsklighet. 
Men bilden av den "sixtinska madonnan" är majestätisk och förbinder symboliskt de himmelska och jordiska världarna. Mest av allt är Raphael känd som skaparen av milda bilder av Madonnor. Men i måleriet förkroppsligade han både renässansens universella människas ideal (porträtt av Castiglione) och dramat av historiska händelser. Den sixtinska madonnan (ca 1513, Dresden, konstgalleri) är ett av konstnärens mest inspirerade verk. Skrivet som en altartavla för kyrkan i klostret St. Sixtus in Piacenza, denna målning, när det gäller design, komposition och tolkning av bilden, skiljer sig väsentligt från Madonnorna under den florentinska perioden. Istället för en intim och jordisk bild av en vacker ung jungfru som nedlåtande följer två spädbarns nöjen, har vi här en underbar vision som plötsligt dök upp på himlen på grund av en gardin som drogs tillbaka av någon. Omgiven av en gyllene strålglans, högtidlig och majestätisk, går Maria genom molnen och håller Kristusbarnet framför sig. Vänster och höger knä framför hennes St. Sixtus och St. Barbara. Den symmetriska, strikt balanserade kompositionen, silhuettens klarhet och den monumentala generaliseringen av formerna ger den sixtinska madonnan en speciell storhet.
I den här bilden lyckades Raphael, kanske i större utsträckning än någon annanstans, kombinera bildens verklighetstrogna sanning med drag av idealisk perfektion. Bilden av Madonnan är komplex. Den rörande renheten och naiviteten hos en mycket ung kvinna kombineras i honom med fast beslutsamhet och heroisk beredskap för offer. Detta hjältemod gör bilden av Madonnan relaterad till den italienska humanismens bästa traditioner. Kombinationen av det ideala och det verkliga i den här bilden för tankarna till Rafaels välkända ord från ett brev till sin vän B. Castiglione. "Och jag ska säga dig," skrev Raphael, "att för att skriva en skönhet behöver jag se många skönheter ... men på grund av bristen ... hos vackra kvinnor använder jag en idé som kommer till mig . Om det har någon perfektion vet jag inte, men jag försöker mycket hårt för att uppnå det. Dessa ord kastar ljus över kreativ metod konstnär. Utgår från verkligheten och förlitar sig på den, samtidigt strävar han efter att höja bilden över allt som är oavsiktligt och övergående.
Michelangelo(1475-1564) - utan tvekan en av de mest inspirerade konstnärerna i konsthistorien och, tillsammans med Leonardo da Vinci, den mäktigaste figuren i den italienska högrenässansen. Som skulptör, arkitekt, målare och poet hade Michelangelo ett enormt inflytande på sin samtid och på efterföljande västerländsk konst i allmänhet.
Han ansåg sig vara en florentinare – även om han föddes den 6 mars 1475 i den lilla byn Caprese nära staden Arezzo. Michelangelo älskade djupt sin stad, dess konst, kultur och bar denna kärlek till sina dagars slut. Han tillbringade större delen av sina mogna år i Rom och arbetade för påvarna; dock lämnade han ett testamente, i enlighet med vilket hans kropp begravdes i Florens, i en vacker grav i kyrkan Santa Croce.
Michelangelo färdigställde marmorskulpturen Pieta(Kristi klagan) (1498-1500), som fortfarande finns på sin ursprungliga plats - i Peterskyrkan. Detta är ett av de mest kända verken i världskonstens historia. Pietan färdigställdes förmodligen av Michelangelo innan han var 25 år gammal. Detta är det enda verk han har skrivit på. Den unga Maria avbildas med den döde Kristus på knä, en bild lånad från nordeuropeisk konst. Marys blick är inte så ledsen som högtidlig. Detta är den högsta kreativiteten hos den unge Michelangelo. 
Inte mindre betydande verk av den unge Michelangelo var en gigantisk (4,34 m) marmorbild David(Academy, Florens), avrättad mellan 1501 och 1504, efter att ha återvänt till Florens. Gamla testamentets hjälte avbildas av Michelangelo i form av en stilig, muskulös, naken ung man som oroligt tittar i fjärran, som om han bedömer sin fiende - Goliat, som han måste slåss med. Det livliga, spända uttrycket i Davids ansikte är karakteristiskt för många av Michelangelos verk - detta är ett tecken på hans individuella skulpturala sätt. David, Michelangelos mest kända skulptur, har blivit en symbol för Florens och placerades ursprungligen på Piazza della Signoria framför Palazzo Vecchio, det florentinska rådhuset. Med denna staty bevisade Michelangelo för sin samtid att han inte bara överträffade alla samtida konstnärer, utan också antikens mästare.
Målning på Sixtinska kapellets valv 1505 kallades Michelangelo till Rom av påven Julius II för att uppfylla två order. Den viktigaste var freskmålningen av Sixtinska kapellets valv. När han arbetade liggande på höga byggnadsställningar precis under taket, skapade Michelangelo de vackraste illustrationerna till några bibliska berättelser mellan 1508 och 1512. På det påvliga kapellets valv avbildade han nio scener ur Första Moseboken, som började med Ljusets Separation från Mörkret och inkluderade Adams Skapelse, Evas Skapelse, Adams och Evas frestelse och fall och syndafloden. . Runt huvudmålningarna växlar bilder av profeter och sibyllor på marmortroner, andra Gamla testamentets karaktärer och Kristi förfäder.
För att förbereda sig för detta fantastiska arbete gjorde Michelangelo ett stort antal skisser och kartonger, på vilka han avbildade figurerna av sittarna i en mängd olika poser. Dessa kungliga, kraftfulla bilder bevisar konstnärens mästerliga förståelse av mänsklig anatomi och rörelse, vilket gav impulser till en ny riktning i västeuropeisk konst. 
Två andra utmärkta statyer, Bunden fånge och en slavs död(båda ca 1510-13) finns i Louvren, Paris. De visar Michelangelos inställning till skulptur. Enligt hans åsikt är figurerna helt enkelt inneslutna i marmorblocket, och det är konstnärens uppgift att befria dem genom att ta bort den överflödiga stenen. Ofta lämnade Michelangelo skulpturerna ofullbordade, antingen för att de inte längre behövdes eller helt enkelt för att de tappade intresset för konstnären. 
San Lorenzos bibliotek Projektet med Julius II:s grav krävde arkitektoniska studier, men Michelangelos seriösa arbete på det arkitektoniska området började först 1519, då han beordrades att fasadera biblioteket St. Lawrence i Florens, dit konstnären återvände igen ( detta projekt genomfördes aldrig). På 1520-talet ritade han också den eleganta entréhallen till biblioteket som gränsar till kyrkan San Lorenzo. Dessa strukturer färdigställdes bara några decennier efter författarens död.
Michelangelo, en anhängare av den republikanska fraktionen, deltog under åren 1527-29 i kriget mot Medici. Hans ansvar omfattade byggandet och återuppbyggnaden av Florens befästningar. 
Medici kapell. Efter att ha bott i Florens under en ganska lång period slutförde Michelangelo mellan 1519 och 1534 familjen Medicis uppdrag att uppföra två gravar i den nya sakristian i kyrkan San Lorenzo. I en sal med ett högt kupolvalv reste konstnären två magnifika gravar mot väggarna, avsedda för Lorenzo De Medici, hertig av Urbino och för Giuliano De Medici, hertig av Nemours. Två komplexa gravar tänktes som representationer av motsatta typer: Lorenzo - en person innesluten i sig själv, en eftertänksam, tillbakadragen person; Giuliano är tvärtom aktiv, öppen. Ovanför Lorenzos grav placerade skulptören allegoriska skulpturer av morgon och kväll, och ovanför Giulianos grav - allegorier om dag och natt. Arbetet med Medici-gravarna fortsatte efter att Michelangelo återvänt till Rom 1534. Han besökte aldrig sin älskade stad igen.
Sista domen
Från 1536 till 1541 arbetade Michelangelo i Rom med att måla altarväggen i Sixtinska kapellet i Vatikanen. Renässansens största fresk föreställer den yttersta domens dag.Kristus delar med en brinnande blixt i handen obönhörligen alla jordens invånare i de frälsta rättfärdiga, avbildade på kompositionens vänstra sida, och syndare som stiger ned till Dantes helvete (vänster sida av fresken). Strikt efter sin egen tradition målade Michelangelo ursprungligen alla figurerna nakna, men ett decennium senare "klädde" någon puritansk konstnär dem när det kulturella klimatet blev mer konservativt. Michelangelo lämnade sitt eget självporträtt på fresken - hans ansikte är lätt att gissa på huden sliten från den helige martyraposteln Bartolomeus.
Även om Michelangelo under denna period hade andra bilduppdrag, som att måla apostelns kapell (1940), försökte han först och främst ägna all sin kraft åt arkitektur.
Kupolen av Peterskyrkan. 1546 utsågs Michelangelo till huvudarkitekt för Peterskyrkan i Vatikanen, som var under uppbyggnad. Byggnaden byggdes enligt Donato Bramantes plan, men Michelangelo blev i slutändan ansvarig för byggandet av altarabsiden och för utvecklingen av den tekniska och konstnärliga lösningen för katedralens kupol. Slutförandet av byggandet av Peterskyrkan var den florentinska mästarens högsta prestation inom arkitekturområdet. Under sitt långa liv var Michelangelo en nära vän med prinsar och påvar, från Lorenzo de Medici till Leo X, Clement VIII och Pius III, samt många kardinaler, målare och poeter. Konstnärens karaktär, hans position i livet är svår att entydigt förstå genom hans verk - de är så olika. Förutom kanske i poesi, i sina egna dikter, vände sig Michelangelo oftare och djupare till frågor om kreativitet och sin plats i konsten. En stor plats i hans dikter ges till de problem och svårigheter som han hade att möta i sitt arbete, och personliga relationer med de mest framstående representanterna från den tiden.En av renässansens mest kända poeter, Lodovico Ariosto skrev ett epitafium för detta känd konstnär: "Michele är mer än en dödlig, han är en gudomlig ängel." 
Renässanskonst i Italien (XIII-XVI århundraden).
MATERIAL I RESURSEN http://artclassic.edu.ru VI ANVÄNDE I SAMMANSTÄLLNING AV SIDA
Funktioner av renässansens konst i Italien.
Renässansens konst uppstod på basis av humanism (från latinets humanus - "människa") - en trend av socialt tänkande som har sitt ursprung på 1300-talet. i Italien, och sedan under andra hälften av 1400- och 1500-talen. spridas till andra europeiska länderÅh. Humanismen förkunnade människans högsta värde och hennes bästa. Anhängarna av denna trend trodde att varje person har rätt att fritt utvecklas som person och förverkliga sina förmågor. Humanismens idéer är mest fullständigt och levande förkroppsligade i konsten, huvudtema som blev en vacker, harmoniskt utvecklad person med obegränsade andliga och kreativa möjligheter. Humanisterna inspirerades av antiken, som fungerade för dem som en källa till kunskap och en modell för konstnärlig kreativitet. Italiens stora förflutna, som ständigt påminde om sig själv, uppfattades på den tiden som den högsta perfektion, medan medeltidens konst verkade oduglig och barbarisk. Termen "väckelse", som uppstod på 1500-talet, innebar födelsen av en ny konst som återupplivade klassisk antik kultur. Men renässansens konst har mycket att tacka för medeltidens konstnärliga tradition. Det gamla och det nya var oupplösligt förenade och konfronterade. Med all den motsägelsefulla mångfalden av dess ursprung präglas renässanskonsten av en djup och grundläggande nyhet. Det lade grunden till den europeiska kulturen i modern tid. Alla större konstformer - måleri och grafik, skulptur, arkitektur - har förändrats enormt.
Inom arkitekturen, de kreativt omarbetade principerna från antiken beställningssystem ,
nya typer av offentliga byggnader uppstod. Måleriet berikades med ett linjärt och luftperspektiv, kunskap om människokroppens anatomi och proportioner. Jordiskt innehåll penetrerade konstverkens traditionella religiösa teman. Ökat intresse för antik mytologi, historia, vardagliga scener, landskap, porträtt. Tillsammans med de monumentala väggmålningarna som prydde arkitektoniska strukturer dök en målning upp; oljemålning uppstod.
Konst har ännu inte upphört att vara ett hantverk, men konstnärens kreativa individualitet, vars aktiviteter vid den tiden var mycket olika, hade redan tagit första platsen. Den universella talangen hos renässansmästarna är fantastisk - de arbetade ofta samtidigt inom arkitektur, skulptur och målning, kombinerade sin passion för litteratur, poesi och filosofi med studiet av de exakta vetenskaperna. Konceptet med en kreativt rik, eller "renässans" personlighet blev senare ett känt ord.
I renässansens konst var vägarna för vetenskaplig och konstnärlig förståelse av världen och människan nära sammanflätade. Dess kognitiva innebörd var oupplösligt förenad med sublim poetisk skönhet, i sin strävan efter naturlighet gick den inte ner i det småaktiga vardagslivet. Konst har blivit ett universellt andligt behov.
Bildandet av renässanskulturen i Italien skedde i ekonomiskt oberoende städer. I uppkomsten och blomstringen av renässansens konst, kyrkan och de okrönta suveränernas magnifika domstolar - spelade de härskande förmögna familjerna, som var de största beskyddarna och kunderna av verk av målning, skulptur och arkitektur, en viktig roll. De viktigaste centra för renässanskulturen var först städerna Florens, Siena, Pisa, sedan Padua, Ferrara, Genua, Milano och senare, under andra hälften av 1400-talet, den rika handelsmannen Venedig. På XVI-talet. Rom blev huvudstad i den italienska renässansen. Sedan dess har alla andra kulturcentra, utom Venedig, förlorat sin tidigare betydelse.
Under den italienska renässansen är det vanligt att särskilja flera perioder:
Proto-renässans (andra hälften av XIII-XIV-talen),
Tidig renässans (XV-talet),
Högrenässans (slutet av 1400-talet - första tredjedelen av 1500-talet)
Sen renässans (sista två tredjedelar av 1500-talet).
Proto-renässans
I italiensk kultur XIII-XIV århundraden Mot bakgrund av fortfarande starka bysantinska och gotiska traditioner började drag av en ny konst dyka upp, som senare skulle kallas renässansens konst. Därför kallades denna period av dess historia Proto-renässans(från grekiskan "protos" - "först", d.v.s. förberedde början av renässansen). Det fanns ingen liknande övergångsperiod i något av de europeiska länderna. I själva Italien uppstod och utvecklades proto-renässanskonst endast i Toscana och Rom.
I den italienska kulturen var egenskaperna hos det gamla och det nya sammanflätade. Medeltidens sista poet och den nya erans första poet, Dante Alighieri (1265-1321), skapade det italienska litterära språket. Det Dante startade fortsatte med andra stora florentinare på 1300-talet - Francesco Petrarch (1304-1374), grundaren av europeisk lyrisk poesi, och Giovanni Boccaccio (1313-1375), grundaren av romangenren (novell) i världen litteratur. Erans stolthet är arkitekterna och skulptörerna Niccolo och Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio och målaren Giotto di Bondone .
Arkitektur
Italiensk arkitektur följde under lång tid medeltida traditioner, vilket främst tog sig uttryck i användningen av ett stort antal gotiska motiv. Samtidigt var den italienska gotiken i sig mycket annorlunda än den gotiska arkitekturen i norra Europa: den drogs mot lugnet stora former, jämna ljusa, horisontella indelningar, breda väggytor. År 1296 började bygget i Florens Santa Maria del Fiore-katedralen. Arnolfo di Cambio ville kröna katedralens altare med en enorm kupol. Men efter arkitektens död 1310 försenades bygget, det var färdigt redan under den tidiga renässansen. År 1334, enligt Giottos design, påbörjades byggandet av katedralens klocktorn, den så kallade campanile - ett smalt rektangulärt torn med horisontella indelningar efter golv och eleganta gotiska fönster, vars lansettbågform var bevarad i italiensk arkitektur under lång tid.
Bland de mest kända stadspalatsen är Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) i Florens. Man tror att den byggdes av Arnolfo di Cambio. Det är en tung kub med ett högt torn, kantad med hård stenrustikation. Fasaden i tre våningar är dekorerad med parade fönster inskrivna i halvcirkelformade bågar, vilket ger hela byggnaden ett intryck av återhållsam åtstramning. Byggnaden definierar utseendet på den gamla stadskärnan och invaderar torget med en hård bulk.
Skulptur
Tidigare än inom arkitektur och måleri skisserades konstnärliga sökningar i skulptur, och framför allt i den pisanska skolan, vars grundare var Niccolò Pisano (cirka 1220 - mellan 1278 och 1284). Niccolo Pisano föddes i Apulien, i södra Italien. Man tror att han studerade skulptur i de södra skolorna, där andan av återupplivandet av antikens klassiska traditioner blomstrade. Utan tvekan studerade Niccolo den skulpturala utsmyckningen av senromerska och tidiga kristna sarkofager. Det tidigaste kända verk av skulptören är en sexkantig marmor predikstol, gjord av honom för dopkapellet i Pisa (1260), - blev ett enastående verk av renässansskulptur och hade en enorm inverkan på dess vidare utveckling. Skulptörens huvudsakliga prestation är att han lyckades ge volym och uttrycksfullhet till formerna, och varje bild har kroppslig kraft.
Från verkstaden hos Niccolò Pisano kom de anmärkningsvärda skulpturmästarna från proto-renässansen - hans son Giovanni Pisano och Arnolfo di Cambio, även känd som arkitekt. Arnolfo di Cambio (cirka 1245 - efter 1310) drogs mot monumental skulptur, där han använde sina livsobservationer. Ett av de bästa verk han gjorde tillsammans med sin far och son Pisano - Fontän på Piazza Perugia(1278). Fonte Maggiore, dekorerad med många statyer och reliefer, har blivit stadens stolthet. Det var förbjudet att dricka djur av den, att ta vatten i vintunnor eller i otvättad disk. Stadsmuseet har bevarat fragment av liggande figurer gjorda av Arnolfo di Cambio för fontänen. I dessa figurer lyckades skulptören förmedla all rikedomen i människokroppens rörelser.
Målning
I den italienska renässansens konst intog väggmålning en dominerande plats. Den gjordes i freskteknik. Med färger beredda på vatten skrev de antingen på våt gips (egentligen en fresk) eller på torr - denna teknik kallas "a secco" (översatt från italienska - "torr"). Det huvudsakliga bindemedlet för gips är kalk. Därför att kalk tar lite tid att torka, freskmålning måste göras snabbt, ofta i delar, mellan vilka det fanns förbindande sömmar. Från andra hälften av XV-talet. fresktekniken började kompletteras med att måla en secco; den senare möjliggjorde långsammare arbete och tillät efterbehandling av delar. Arbetet med väggmålningarna föregicks av produktionen av sinopia - hjälpritningar applicerade under fresken på det första lagret av gips. Dessa ritningar gjordes med röd ockra, som bröts från lera nära staden Sinop, belägen vid Svarta havets kust. Enligt stadens namn kallades färgen Sinop, eller sinopia, senare började själva ritningarna kallas på samma sätt. Sinopia användes i italiensk måleri från 1200-talet till mitten av 1400-talet. Men inte alla målare tog hjälp av sinopia - till exempel, Giotto di Bondone, den mest framstående representanten för eran av proto-renässansen, klarade sig utan dem. Gradvis övergavs synopien. Från mitten av XV-talet. Kartonger användes i stor utsträckning i målning - förberedande ritningar gjorda på papper eller på tyg i storleken på framtida verk. Ritningens konturer överfördes till våt gips med hjälp av koldamm. Den blåstes genom hålen som borrades i konturen och pressades in i gipsen med något vasst verktyg. Ibland förvandlades synopia från en skiss till en färdig monumental ritning, och kartonger fick värdet av självständiga målningsverk.
Grundaren av den nya italienska målarstilen är Cimabue (egentligen Cenny di Pepo, ca 1240 - ca 1302). Cimabue var känd i Florens som en mästare av högtidliga altarmålningar och ikoner. Hans bilder präglas av abstraktion och statisk karaktär. Och även om Cimabue följde bysantinska traditioner i sitt arbete, försökte han i sina verk uttrycka jordiska känslor, mjuka upp den bysantinska kanonens stelhet.
Piero Cavallini (mellan 1240 och 1250 – omkring 1330) bodde och verkade i Rom. Han är författare till mosaikerna i kyrkan Santa Maria in Trastevere (1291), samt fresker av kyrkan Santa Cecilia in Trastevere (cirka 1293). Cavallini gav i sina verk formerna volym och påtaglighet.
Prestationer Cavallini antog och fortsatte Giotto di Bondone(1266 eller 1267 - 1337), proto-renässansens största konstnär. Namnet Giotto är förknippat med en vändning i utvecklingen av italiensk måleri, dess brytning med medeltida konstnärliga kanoner och traditionerna för italiensk-bysantinsk konst på 1200-talet. De mest kända verken av Giotto är målningarna av Arenakapellet i Padua (1304-06). Freskerna utmärker sig genom sin klarhet, okomplicerade berättelse, närvaron av vardagliga detaljer som ger vitalitet och naturlighet åt de avbildade scenerna. Giotto förkastar den kyrkokanon som dominerade dåtidens konst och skildrar sina karaktärer som liknar verkliga människor: med proportionella, hukiga kroppar, runda (snarare än långsträckta) ansikten, rätt skärning av ögonen, etc. Hans helgon svävar inte över marken, utan står stadigt på den med båda fötterna. De tänker mer på det jordiska än på det himmelska och upplever helt mänskliga känslor och känslor. För första gången i den italienska målningens historia förmedlas sinnestillståndet hos hjältarna i en målning genom ansiktsuttryck, gester, hållning. Istället för den traditionella gyllene bakgrunden avbildar Giottos fresker landskap, interiörer eller skulpturella grupper på basilikans fasader.
Under andra hälften av XIV-talet. den pittoreska skolan i Siena kommer i förgrunden. Den största och mest raffinerade mästaren i Sienesisk målning på XIV-talet. var Simone Martini (ca 1284-1344). Penseln av Simone Martini är den första i konsthistorien som skildrar en specifik historisk händelse med ett porträtt av en samtida. Denna bilden " Condottiere Guidoriccio da Fogliano"i rummet Mappamondo (World Maps) i Palazzo Publico (Siena), som var prototypen för många framtida ryttarporträtt. Altartavlan The Annunciation av Simone Martini, som nu förvaras i Uffizierna i Florens, åtnjuter välförtjänt berömmelse.
Funktioner av renässansen. Proto-renässans
Funktioner av renässansen
Tidig renässans
På XV-talet. Italiens konst intog en dominerande ställning i Europas konstnärliga liv. Grunden till en humanistisk sekulär (d.v.s. inte kyrklig) kultur lades i Florens, vilket drev Siena och Pisa i bakgrunden. Den politiska makten här tillhörde köpmän och hantverkare, det starkaste inflytandet på stadens angelägenheter utövades av flera förmögna familjer, som ständigt konkurrerade med varandra. Denna kamp slutade i slutet av 1300-talet. Medicis bankhus seger. Dess huvud, Cosimo de' Medici, blev den outtalade härskaren över Florens. Författare, poeter, vetenskapsmän, arkitekter, konstnärer strömmade till Cosimo Medicis hov. Renässanskulturen i Florens nådde sin höjdpunkt under Lorenzo de' Medici, med smeknamnet den magnifika. Lorenzo var en stor beskyddare av konsterna och vetenskaperna, skaparen av den platonska akademin, där Italiens framstående sinnen, poeter och filosofer samlades, där raffinerade debatter hölls som lyfte andan och sinnet.
Arkitektur
Under Cosimo och Lorenzo Medici ägde en verklig revolution rum i Florens arkitektur: omfattande konstruktioner lanserades här, vilket avsevärt förändrade stadens ansikte. Förfadern till renässansarkitekturen i Italien var Filippo Brunelleschi(1377-1446) - arkitekt, skulptör och vetenskapsman, en av skaparna av den vetenskapliga teorin om perspektiv. Brunelleschis största ingenjörsprestation var konstruktionen av kupolen. Santa Maria del Fiore-katedralen i Florens. Tack vare sitt matematiska och tekniska geni lyckades Brunelleschi lösa sin tids svåraste problem. Den största svårigheten som befälhavaren mötte orsakades av den gigantiska spännvidden på mittkorset (42 m), vilket krävde särskilda ansträngningar för att underlätta spridningen. Brunelleschi löste problemet genom att tillämpa en genialisk design: en lätt ihålig kupol bestående av två skal, ett ramsystem av åtta bärande ribbor förbundna med ringar som omger dem, en ljus lykta som stängde och belastade bågen. Kupolen på katedralen Santa Maria del Fiore blev föregångaren till många kupolförsedda kyrkor i Italien och andra europeiska länder.
Brunelleschi var en av de första i Italiens arkitektur som kreativt förstod och ursprungligen tolkade det gamla ordningssystemet ( Ospedale degli Innocenti (Sky för hittebarn), 1421-44), markerade början på skapandet av kupolförsedda kyrkor baserade på den antika ordningen ( San Lorenzos kyrka ). En sann pärla från den tidiga renässansen skapades av Brunelleschi på uppdrag av en rik florentinsk familj Pazzi kapell(börjad 1429). Humanismen och poesin i Brunelleschis verk, den harmoniska proportionen, lättheten och elegansen i hans byggnader, att hålla kontakten med gotikens traditioner, den kreativa friheten och vetenskapliga giltigheten av hans idéer bestämde Brunelleschis stora inflytande på den efterföljande utvecklingen av renässansens arkitektur.
En av de viktigaste resultaten av italiensk arkitektur på XV-talet. var skapandet av en ny typ av stadspalats, palatset, som fungerade som förebild för senare tiders offentliga byggnader. Funktioner från 1400-talets palats är en tydlig uppdelning av byggnadens slutna volym i tre våningar, en öppen innergård med sommargolvsarkader, användning av rost (sten med en grovt fasad eller konvex frontyta) för fasadbeklädnad, samt en kraftigt utdragen dekorativ taklist . Ett slående exempel på denna stil är huvudbyggnaden av Brunelleschis student Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), hovarkitekten för familjen Medici, - Palazzo Medici - Riccardi (1444-60), som fungerade som en modell för byggandet av många florentinska palats. Skapandet av Michelozzo är nära Palazzo Strozzi(grundad 1481), vilket förknippas med namnet på arkitekten och skulptören Benedetto da Maiano (1442-97).
En speciell plats i den italienska arkitekturens historia upptas av Leon Battista Alberti(1404-72). En mycket begåvad och brett utbildad man, han var en av de mest lysande humanisterna på sin tid. Omfånget av hans intressen var ovanligt varierande. Den omfattade moral och juridik, matematik, mekanik, ekonomi, filosofi, poesi, musik, måleri, skulptur, arkitektur. Alberti, en lysande stylist, lämnade många verk på latin och italienska. I Italien och utomlands gjorde Alberti berömmelse som en framstående konstteoretiker. De berömda avhandlingarna "Tio böcker om arkitektur" (1449-52), "Om målning", "Om statyn" (1435-36) hör till hans penna. Men arkitekturen var Albertis främsta yrke. I arkitektoniskt arbete drog Alberti till modiga, experimentella lösningar, innovativt med hjälp av det gamla konstnärliga arvet. Alberti skapade ny typ stadspalats ( Palazzo Rucellai ). Inom religiös arkitektur, i strävan efter storhet och enkelhet, använde Alberti motiv av romerska triumfbågar och arkader i utformningen av fasader ( Kyrkan Sant'Andrea i Mantua 1472-94). Namnet Alberti anses med rätta vara en av de första bland de stora skaparna av den italienska renässansens kultur.
Skulptur
På XV-talet. Italiensk skulptur, som har fått en självständig betydelse oberoende av arkitektur, blomstrar. Beställningar för utsmyckning av offentliga byggnader börjar komma in i det konstnärliga livets praktik; konsttävlingar hålls. En av dessa tävlingar - för tillverkning av brons av de andra norra dörrarna till det florentinska dopkapellet (1401) - anses vara en betydande händelse som öppnade ny sida i den italienska renässansskulpturens historia. Segern vanns av Lorenzo Ghiberti (1381-1455).
En av de mest utbildade människorna på sin tid, den första historikern av italiensk konst, en lysande tecknare, Ghiberti ägnade sitt liv åt en typ av skulptur - relief. Huvudprincipen för hans konst Ghiberti ansåg balansen och harmonin mellan alla delar av bilden. Toppen av Ghibertis arbete var östra dörrarna till dopkapellet i Florens (1425-52), som förevigade mästarens namn. Dörrarnas dekoration inkluderar tio fyrkantiga kompositioner gjorda av förgylld brons (" Skapelsen av Adam och Eva”), med sin ovanliga uttrycksfullhet som påminner om pittoreska målningar. Konstnären lyckades förmedla rymdens djup, mättad med bilder av naturen, figurer av människor, arkitektoniska strukturer. Med Michelangelos lätta hand började de östra dörrarna till det florentinska dopkapellet kallas "Paradises portar".
Ghiberti-verkstaden blev en skola för en hel generation konstnärer, i synnerhet den berömda Donatello, den stora reformatorn av italiensk skulptur, arbetade där. Donatellos verk (ca 1386-1466), som absorberade de demokratiska traditionerna för kulturen i Florens på 1300-talet, är en av topparna i utvecklingen av konsten från den tidiga renässansen. Den förkroppsligade sökandet efter nya, realistiska sätt att skildra verkligheten, karakteristiska för renässanskonsten, extra uppmärksamhet till människan och hennes andliga värld. Inflytandet från Donatellos arbete på utvecklingen av italiensk renässanskonst var enormt.
Den andra generationen av florentinska skulptörer drogs mot mer lyrisk, fridfull, sekulär konst. Den ledande rollen i den tillhörde familjen skulptörer della Robbia. Familjens överhuvud, Lucca della Robbia (1399/1400 - 1482), blev känd för sitt användande av glasyrtekniken i rund skulptur och relief. Tekniken med glasyr (majolica), känd från antiken för folken i Mindre Asien, fördes till den iberiska halvön och ön Mallorca (därav dess namn) under medeltiden och spreds sedan brett i Italien. Lucca della Robbia skapade medaljonger med reliefer på en djupblå bakgrund för byggnader och altare, girlander av blommor och frukter, majolikabyster av Madonnan, Kristus och helgon. Denna mästares glada, eleganta, vänliga konst fick ett välförtjänt erkännande av sina samtida. Stor perfektion i majolikatekniken uppnåddes också av hans brorson Andrea della Robbia (1435-1525) ( reliefer på fasaden av Ospedale degli Innocenti).
Målning
Den enorma roll som Brunelleschi spelade i den tidiga renässansens arkitektur, och Donatello i skulpturen, tillhörde Masaccio (1401-1428) i måleriet. Masaccio dog ung, innan han nådde 27 års ålder, och ändå hann han göra mycket inom måleriet. Den berömda konsthistorikern Vipper sa: "Masaccio är ett av de mest självständiga och konsekventa genierna i den europeiska måleriets historia, grundaren av en ny realism ..." Masaccio fortsätter sökandet efter Giotto och bryter modigt med medeltida konstnärliga traditioner. I fresk "Trinity"(1426-27), skapad för kyrkan Santa Maria Novella i Florens, Masaccio använder fullt perspektiv för första gången i väggmålning. I väggmålningarna av Brancacci-kapellet i kyrkan Santa Maria del Carmine i Florens (1425-28) - huvudskapandet av hans korta liv - ger Masaccio bilderna en aldrig tidigare skådad vitalitet, betonar fysiskheten och monumentaliteten hos hans karaktärer, förmedlar mästerligt det känslomässiga tillståndet i bildernas psykologiska djup. I Fresk "Expulsion from Paradise" konstnären löser sin tids svåraste uppgift att avbilda en naken människofigur. Masaccios hårda och modiga konst hade en enorm inverkan på renässansens konstnärliga kultur.
Utvecklingen av målningen från den tidiga renässansen var tvetydig: konstnärerna gick sina egna, ibland på olika sätt. Den sekulära början, önskan om en fascinerande berättelse, den lyriska jordiska känslan fick ett levande uttryck i verk av Fra Filippo Lippi (1406-69), en munk av karmelitorden. Charmig mästare, författare till många altarkompositioner, bland vilka bilden anses vara den bästa « Tillbedjan av barnet » skapat för kapellet i Palazzo Medici - Riccardi, lyckades Filippo Lippi förmedla mänsklig värme och poetisk kärlek till naturen i dem.
I mitten av XV-talet. målningen av centrala Italien upplevde en snabb blomning, ett utmärkt exempel som kreativitet kan tjäna Piero della Francesca(1420-92), renässansens största konstnär och konstteoretiker. Den mest anmärkningsvärda skapelsen av Piero della Francesca - cykel av fresker i kyrkan San Francesco i Arezzo, som är baserade på legenden om det livgivande korset. Tre skiktade fresker spår historia livgivande kors från allra första början, när det heliga trädet växer från fröet av paradisets träd av kunskapen om gott och ont på Adams grav ("Adams död") till slutet, när den bysantinske kejsaren Heraclius högtidligt återlämnar den kristna reliken till Jerusalem (« Strid mellan Heraclius och Chosroes » ). Piero della Francescas arbete gick utöver lokala målarskolor och bestämde utvecklingen av italiensk konst i allmänhet.
Under andra hälften av 1400-talet arbetade många begåvade hantverkare i norra Italien i städerna Verona, Ferrara och Venedig. Bland den här tidens målare är den mest kända Andrea Mantegna (1431-1506) - en mästare i staffli och monumentalmålning, tecknare och gravör, skulptör och arkitekt. Konstnärens bildmässiga sätt kännetecknas av jakten på former och teckningar, rigoriteten och sanningshalten hos generaliserade bilder. Tack vare figurernas rumsliga djup och skulpturala karaktär får Mantegna intrycket av en verklig scen som är frusen för ett ögonblick - hans karaktärer ser så voluminösa och naturliga ut. Större delen av sitt liv bodde Mantegna i Mantua, där han skapade sitt mest kända verk - väggmålning "Chamber degli Sposi" i markisen L. Gonzagas lantslott. Enbart med hjälp av målning skapade han här en lyxig renässansinteriör, en plats för ceremoniella mottagningar och helgdagar. Mantegnas konst, som åtnjöt stor berömmelse, påverkade hela det norditalienska måleriet.
En speciell plats i målningen av den tidiga renässansen tillhör Sandro Botticelli(egentligen Alessandro di Mariano Filipepi), som föddes 1445 i Florens i familjen till en förmögen lädergarvare. År 1459-64. den unge mannen studerar målning med den berömde florentinske mästaren Filippo Lippi. 1470 öppnade han sin egen verkstad i Florens, och 1472 blev han medlem i St. Lukas-gillet.
Botticellis första skapelse var kompositionen "Strength", som han framförde för handelsdomstolen i Florens. Den unga konstnären fick snabbt kundernas förtroende och fick berömmelse, vilket lockade uppmärksamheten från Lorenzo den magnifika, den nya härskaren i Florens, blev hans hovmästare och favorit. Botticelli utförde de flesta av sina målningar för hertigens och andra adliga florentinska familjers hus, såväl som för kyrkor, kloster och offentliga byggnader i Florens.
Andra hälften av 1470- och 1480-talen blev för Botticelli en period av kreativ blomning. För huvudfasaden av kyrkan Santa Maria Novella skriver han kompositionen " Tillbedjan av Magi"- ett slags mytologiserat gruppporträtt familjen Medici. Några år senare skapar konstnären sin berömda mytologiska allegori "Våren".
År 1481 beordrade påven Sixtus IV en grupp målare, bland vilka var Botticelli, att dekorera hans kapell med fresker, som senare fick namnet "Sixtinska". Fresker i Sixtinska kapellet av Botticelli Kristi frestelse », « Scener ur Moses liv », « Bestraffning av Korea, Dathan och Aviron". Under de närmaste åren färdigställde Botticelli en serie av 4 fresker baserade på noveller från Boccaccios Decameron, skapade hans mest kända mytologiska verk ("The Birth of Venus", " Pallas och Kentaur”), samt flera altarkompositioner för florentinska kyrkor (“ Jungfru Marias kröning », « San Barnabas altare"). Många gånger vände han sig till bilden av Madonnan (" Madonna del Magnificat », « Madonna med granatäpple », « Madonna med en bok”), arbetade också i porträttgenren (“ Porträtt av Giuliano Medici”, ”Porträtt av en ung kvinna”, ”Porträtt av en ung man”).
På 1490-talet, under perioden av sociala rörelser som skakade Florens och munken Savonarolas mystiska predikningar, uppträdde moraliserande anteckningar och dramatik i Botticellis konst ("Förtal", " Klagoång för Kristus », « mystisk jul"). Under inflytande av Savonarola, i ett anfall av religiös upphöjelse, förstörde konstnären till och med några av sina verk. I mitten av 1490-talet, med Lorenzo den magnifikas död och utvisningen av hans son Pietro från Florens, förlorade Botticelli sin berömmelse som en stor konstnär. Bortglömd lever han tyst ut sitt liv i brodern Simons hus. År 1510 dog konstnären.
Botticellis utsökta konst med inslag av stilisering (dvs generalisering av bilder med konventionella tekniker - förenkling av färg, form och volym) anses vara en av höjdpunkterna i utvecklingen av målning. Botticellis konst, till skillnad från de flesta av de tidiga renässansmästarna, var baserad på personlig erfarenhet. Exceptionellt känslig och uppriktig gick Botticelli igenom en svår och tragisk väg av kreativt sökande - från den poetiska uppfattningen av världen i sin ungdom till mystik och religiös upphöjelse i vuxen ålder.
TIDIG VÄCKELSE
TIDIG VÄCKELSE
Högrenässans
Högrenässansen, som gav mänskligheten så stora mästare som Leonardo Da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione, Titian, Bramante, täcker en relativt kort tidsperiod - slutet av 1400-talet och den första tredjedelen av 1500-talet. Endast i Venedig fortsatte konstens blomstring fram till mitten av seklet.
Grundläggande förändringar förknippade med de avgörande händelserna i världshistorien, framgångarna för avancerade vetenskapliga tankar, utökade oändligt människors idéer om världen - inte bara om jorden utan också om rymden. uppfattning om världen och mänsklig personlighet som förstorad; i konstnärlig kreativitet återspeglades detta inte bara i den majestätiska omfattningen av arkitektoniska strukturer, monument, högtidliga freskcykler och målningar, utan också i deras innehåll, uttrycksfullhet i bilder. Högrenässansens konst är en livlig och komplex konstnärlig process med bländande ljusa uppgångar och efterföljande kriser.
Donato Bramante.
Rom blev centrum för högrenässansarkitekturen, där en enda klassisk stil bildades på grundval av tidigare upptäckter och framgångar. Mästare använde kreativt det antika ordningssystemet och skapade strukturer, vars majestätiska monumentalitet var i samklang med eran. Donato Bramante (1444-1514) blev den största representanten för högrenässansarkitekturen. Bramantes byggnader kännetecknas av monumentalitet och storhet, harmonisk perfektion av proportioner, integritet och klarhet i kompositionella och rumsliga lösningar och fri, kreativ användning av klassiska former. det högsta kreativ prestation Bramante är en rekonstruktion av Vatikanen (arkitekten skapade faktiskt en ny byggnad, organiskt inklusive utspridda gamla byggnader i den). Bramante skrev också utformningen av Peterskyrkan i Rom. Med sitt arbete bestämde Bramante arkitekturens utveckling på 1500-talet.
Leonardo Da Vinci.
I mänsklighetens historia är det inte lätt att hitta en annan person som är så briljant som grundaren av högrenässansens konst. Leonardo Da Vinci(1452-1519). Den omfattande karaktären av aktiviteterna för denna store konstnär, skulptör, arkitekt, vetenskapsman och ingenjör blev tydlig först när spridda manuskript från hans arv undersöktes, som numrerade över sju tusen ark med vetenskapliga och arkitektoniska projekt, uppfinningar och skisser. Det är svårt att nämna det kunskapsområde som hans geni inte skulle ha berört. Leonardos universalism är så obegriplig att den berömda biografen över renässansfigurerna, Giorgio Vasari, inte kunde förklara detta fenomen på annat sätt än genom himlens ingripande: "Vad denne man än vänder sig till, varje handling bär gudomlighetens stämpel."
I sin berömda "Treatise on Painting" (1498) och andra anteckningar ägnade Leonardo stor uppmärksamhet åt studiet av människokroppen, information om anatomi, proportioner, förhållandet mellan rörelser, ansiktsuttryck och en persons känslomässiga tillstånd. Leonardo var också upptagen med problemen med chiaroscuro, volymetrisk modellering, linjärt och flygperspektiv. Leonardo hyllade inte bara konstteorin. Han skapade ett antal magnifika altartavlor och porträtt. Leonardos pensel tillhör ett av världens mest kända verk - "Mona Lisa" ("La Gioconda"). Leonardo skapade monumentala skulpturala bilder, designade och byggde arkitektoniska strukturer. Leonardo är fortfarande en av renässansens mest karismatiska personligheter än i dag. Ett stort antal böcker ägnas åt honom, hans liv studeras på det mest detaljerade sättet. Och ändå förblir mycket i hans arbete ett mysterium och fortsätter att väcka människors sinnen.
Rafael Santi.
Raphael Santis (1483-1520) konst hör också till den italienska renässansens höjder. Idén om sublim skönhet och harmoni är förknippad med Rafaels arbete i världskonstens historia. Det är allmänt accepterat att i konstellationen av lysande mästare från högrenässansen var det Raphael som var den främsta bäraren av harmoni. Den obevekliga strävan efter en ljus, perfekt början genomsyrar alla Rafaels verk, utgör hans inre mening. Hans verk är utomordentligt attraktivt i sin naturliga elegans (" Sixtinska Madonna"). Kanske var det därför som mästaren fick en sådan extraordinär popularitet hos allmänheten och hade många anhängare bland artister hela tiden. Raphael var inte bara en fantastisk målare, porträttmålare, utan också en muralist som arbetade i fresktekniken, en arkitekt och en dekoratör. Alla dessa talanger manifesterades med särskild kraft i hans målningar av påven Julius II:s lägenheter i Vatikanen ("Athens skola"). I konst lysande konstnär en ny bild av en renässansman föddes - vacker, harmonisk, perfekt fysiskt och andligt.
Michelangelo Buonarotti.
Samtida Leonardo Da Vinci och Rafael var deras eviga rival - Michelangelo Buonarroti, högrenässansens största mästare - skulptör, målare, arkitekt och poet. Mina kreativt sätt denna renässansens titan började med skulptur. Hans kolossala statyer har blivit en symbol för en ny man - en hjälte och en kämpe ("David"). Mästaren uppförde många arkitektoniska och skulpturala strukturer, varav den mest kända är Medici-kapellet i Florens. Glansen i dessa verk bygger på den kolossala spänningen i karaktärernas känslor ( Sarkofag av Giuliano de' Medici). Men särskilt kända är målningarna av Michelangelo i Vatikanen, i Sixtinska kapellet, där han visade sig vara en lysande målare. Kanske har ingen i konstens värld, varken före eller efter Michelangelo, skapat karaktärer så starka i kropp och själ (“ Adams skapelse"). Den enorma, otroligt komplexa fresken i taket gjordes av konstnären ensam, utan assistenter; än i dag är det ett oöverträffat monumentalt verk av italiensk målning. Men förutom väggmålningarna i taket i Sixtinska kapellet skapade mästaren, redan på sin ålderdom, den starkt inspirerande "Sista domen" - en symbol för kollapsen av idealen från hans stora tid.
Michelangelo arbetade mycket och fruktbart inom arkitekturen, i synnerhet övervakade han byggandet av Peterskyrkan och ensemblen Capitol Square i Rom. Den store Michelangelos verk utgjorde en hel era och var långt före sin tid, det spelade en kolossal roll i världskonsten, i synnerhet påverkade det utformningen av barockens principer.
Giorgione och Titian.
I historien om högrenässansens konst gick Venedig in på en ljus sida, där målningen är på topp. Giorgione anses vara den första mästaren under högrenässansen i Venedig. Hans konst är väldigt speciell. Andan av klar harmoni och någon speciell intim kontemplation och drömmar härskar i den. Han skrev ofta förtjusande skönheter, riktiga gudinnor. Vanligtvis är detta en poetisk fiktion - förkroppsligandet av en pipdröm, beundran för en romantisk känsla och en vacker kvinna. I hans målningar finns en antydan till sensuell passion, söt njutning, ojordisk lycka. Med Giorgiones konst fick det venetianska måleriet en helitaliensk betydelse och hävdade dess konstnärliga drag.
Titian in gick till den italienska konstens historia som en titan och chef för den venetianska skolan, som en symbol för dess storhetstid. I denna konstnärs arbete manifesterades andedräkten från en ny era med speciell kraft - stormig, tragisk, sensuell. Titians verk kännetecknas av en exceptionellt bred och mångsidig täckning av typer och genrer av måleri. Tizian var en av grundarna av den monumentala altarmålningen, landskap som oberoende genre, olika typer av porträtt, inklusive högtidliga ceremoniella. I sitt arbete perfekta bilder sida vid sida med ljusa karaktärer, tragiska konflikter - med scener av jublande glädje, religiösa kompositioner - med mytologiska och historiska målningar.
Titian utvecklade en ny målarteknik som hade ett exceptionellt inflytande på den fortsatta utvecklingen av världskonsten, fram till 1900-talet. Tizian tillhör världsmåleriets största färgare. Hans målningar lyser av guld och ett komplext utbud av vibrerande lysande färgtoner. Tizian, som levde i nästan ett sekel, överlevde renässansens ideals kollaps, mästarens verk tillhör hälften av senrenässansen. Hans hjälte, som går in i kampen mot fientliga styrkor, dör, men behåller sin storhet. Inflytandet från Tizians stora verkstad påverkade all venetiansk konst.
HÖG VÄCKLING
HÖG VÄCKLING
Sen renässans
Under andra hälften av XVI-talet. i Italien växte nedgången i ekonomin och handeln, katolicismen gick in i en kamp med den humanistiska kulturen, konsten var i djup kris. Det stärkte antirenässanstendenser, förkroppsligade i mannerism. Manierismen påverkade dock nästan inte Venedig, som under andra hälften av 1500-talet blev det huvudsakliga centrumet för den sena renässansens konst. I linje med den höghumanistiska renässanstraditionen, under de nya historiska förhållandena i Venedig, utvecklades arbetet av de stora mästarna under senrenässansen, berikade med nya former - Palladio, Veronese, Tintoretto.
Andrea Palladio
Verket av den norditalienska arkitekten Andrea Palladio (1508-80), baserat på en djup studie av antik och renässansarkitektur, är en av höjdpunkterna i konsten under senrenässansen. Palladio utvecklade arkitekturens principer, som utvecklades i den europeiska klassicismens arkitektur på 1600- och 1700-talen. och fick namnet palladianismen. Arkitekten beskrev sina idéer i det teoretiska verket Four Books on Architecture (1570). Byggnaderna i Palladio (främst urbana palats och villor) är fulla av graciös skönhet och naturlighet, harmonisk fullständighet och strikt ordning, de kännetecknas av klarhet och ändamålsenlighet i planering och en organisk koppling med miljön ( Palazzo Chiericati). Förmågan att harmonisera arkitekturen med det omgivande landskapet manifesterade sig med särskild kraft i Palladio-villorna, genomsyrade av en elegisk och upplyst naturkänsla och präglad av klassisk klarhet och enkelhet i former och komposition ( Villa Capra (Rotonda)). Palladio skapade den första monumentala teaterbyggnaden i Italien, Teatro Olimpico. Palladios inflytande på arkitekturens utveckling under de följande århundradena var enormt.
Veronese och Tintoretto..
Den venetianska renässansens festliga, livsbejakande karaktär manifesterades tydligast i Paolo Veroneses verk. En monumental konstnär skapade han magnifika dekorativa ensembler av vägg- och takmålningar med många karaktärer och underhållande detaljer. Veronese skapade egen stil: hans spektakulära, spektakulära målningar är fulla av känslor, passion och liv, och hjältarna, den venetianska adeln, finns vanligtvis i patricierpalats eller mot bakgrund av lyxig natur. De bärs med av storslagna fester eller förtrollande festligheter ("Marriage at Cana"). Veronese var mästaren på det glada Venedig, dess triumfer, poeten över dess gyllene briljans. Veronese hade en exceptionell gåva som kolorist. Hans färger genomsyras av ljus, intensiva och ger inte bara föremål färg, utan de förvandlas själva till ett föremål, förvandlas till moln, tyg, en människokropp. På grund av detta multipliceras den verkliga skönheten hos figurer och föremål med skönheten i färg och textur, vilket ger en stark känslomässig påverkan på betraktaren.
Den totala motsatsen till Veronese var hans samtida Tintoretto (1518-94) - den italienska renässansens sista stora mästare. Överflödet av yttre konstnärliga influenser upplöstes i Tintorettos unika kreativa individualitet. I sitt arbete var han en gigantisk gestalt, skaparen av vulkaniskt temperament, våldsamma passioner och heroisk intensitet. Hans verk var en stor framgång både bland samtida och efterföljande generationer. Tintoretto kännetecknades av en verkligt omänsklig förmåga att arbeta, outtröttligt sökande. Han kände sin tids tragedi skarpare och djupare än de flesta av sina samtida. Mästaren gjorde uppror mot de etablerade traditionerna inom bildkonsten - iakttagandet av symmetri, strikt balans, statisk; utökade rymdens gränser, mättade den med dynamik, dramatisk handling, började uttrycka mänskliga känslor mer levande. 1590 . Manierismens konst avviker från renässansens ideal om den harmoniska uppfattningen av världen. Människan är utlämnad till övernaturliga krafter. Världen verkar instabil, skakig, i ett tillstånd av förfall. Manieristiska bilder är fulla av ångest, rastlöshet, spänningar. Konstnären går bort från naturen, strävar efter att överträffa den, och följer i sitt verk det subjektiva " inre idé”, vars grund inte är den verkliga världen, utan kreativ fantasi; medlet för prestation är det "vackra sättet" som summan av vissa tekniker. Bland dem är figurernas godtyckliga förlängning, den komplexa serpentinrytmen, overkligheten i fantastiskt utrymme och ljus, och ibland kalla genomträngande färger.
Jacopo Pontormo (1494-1556) var manérismens största och mest begåvade mästare, en målare av komplext kreativt öde. I hans berömda målning Nedstigning från korset» kompositionen är instabil, figurerna är pretentiöst trasiga, de ljusa färgerna är skarpa. Francesco Mazzola, med smeknamnet Parmigianino (1503-40) älskade att imponera på tittaren: till exempel skrev han sin " Självporträtt i en konvex spegel". Avsiktlig medvetenhet utmärker hans berömda målning " Madonna med lång hals ».
Medici-hovmålaren Agnolo Bronzino (1503-72) är känd för sina ceremoniella porträtt. De ekade den era av blodiga illdåd och moraliskt förfall som grep de högsta kretsarna i det italienska samhället. Bronzinos ädla kunder är så att säga åtskilda från betraktaren på ett osynligt avstånd; styvheten i deras poser, obehagligheten i deras ansikten, rikedomen i deras kläder, gesterna av deras vackra framhänder - allt detta är som ett yttre skal som döljer ett inre bristfälligt liv. I porträttet av Eleanor av Toledo med sin son (ca 1545) förstärks den kalla, distanserade bildens otillgänglighet av att betraktarens uppmärksamhet helt absorberas av det platta stora mönstret av hertiginnans magnifika brokadkläder. Den typ av hovporträtt som skapades av manieristerna påverkade porträttkonsten på 1500-1600-talen. i många andra europeiska länder.
Manierismens konst var övergångsmässig: renässansen höll på att försvinna in i det förflutna, tiden var inne för en ny alleuropeisk konstnärlig stil- barock.
Konst från den norra renässansen.
Länderna i Nordeuropa hade inte sitt gamla förflutna, men renässansen sticker ut i deras historia: från börjanXV – XVIför andra halvlekXVIIårhundrade. Denna tid kännetecknas av renässansens ideals penetration i olika kultursfärer och den gradvisa förändringen i dess stil. Som i renässansens födelseplats, i den nordliga renässansens konst, intresse för verkliga världenändrade konstens form. Men konsten i de nordliga länderna präglades inte av det italienska måleriets patos, som glorifierade man-titanens makt. Borgarna (de så kallade förmögna stadsborna) värderade mera integritet, trohet mot plikt och ord, äktenskapslöftets helighet och härden. I borgerliga kretsar utvecklades deras eget ideal om en person - ett tydligt, nyktert, fromt och affärsmässigt. Borgarnas konst poetiserar den vanliga genomsnittsmänniskan och hans värld - vardagslivets och enkla tings värld.
Renässansmästare i Nederländerna.
Nya drag i renässanskonsten dök upp främst i Nederländerna, som var ett av de rikaste och mest industrialiserade länderna i Europa. På grund av dess omfattande internationella förbindelser antog Nederländerna nya upptäckter mycket snabbare än andra nordiska länder.
Renässansstil i Nederländerna öppnade Jan Van Eyck(1390-1441). Hans mest kända verk är Gent altartavla, på vilken konstnären började arbeta med sin bror och fortsatte att arbeta efter hans död på egen hand i ytterligare 6 år. Gentaltaret, skapat för stadens katedral, är ett tvåvåningsveck, på 12 brädor varav bilder av vardagen, vardagen (på de yttre brädorna, som var synliga när folden stängdes) och festlig, jublande, förvandlad liv (på de inre dörrarna, som visades öppna under kyrkliga helgdagar). Detta är ett konstmonument som glorifierar det jordiska livets skönhet. Van Eycks känslomässiga känsla - "världen är som ett paradis", vars varje partikel är vacker - uttrycks klart och tydligt. Konstnären förlitade sig på många observationer från naturen. Alla figurer och föremål har tredimensionell volym och vikt. Bröderna Van Eyck var bland de första som upptäckte oljemålningens möjligheter; från denna tidpunkt börjar den gradvisa förskjutningen av tempera därav.
Under andra halvan av XVårhundradet, fullt av politiska och religiösa stridigheter, i konsten i Nederländerna, sticker en komplex, säregen konst ut Hieronymus Bosch(1450?-1516). Detta är en mycket nyfiken konstnär med en extraordinär fantasi. Han levde i sin egen och hemska värld. I Boschs målningar finns en kondensering av medeltida folkloreframställningar, groteska montage av det levande och det mekaniska, det fruktansvärda och det komiska. I hans kompositioner, som inte hade ett centrum, finns ingen huvudperson. Utrymmet i flera lager är fyllt med många grupper av figurer och föremål: monstruöst överdrivna reptiler, paddor, spindlar, fruktansvärda varelser där delar av olika varelser och föremål kombineras. Syftet med Boschs kompositioner är moralisk uppbyggelse. Bosch finner inte harmoni och perfektion i naturen, hans demoniska bilder påminner om livskraften och allestädes närvarande av världens ondska, om kretsloppet av liv och död.
Mannen i Boschs målningar är patetisk och svag. Så, i triptyken Transport av hö» konstnären avslöjar mänsklighetens historia. Den vänstra flygeln berättar historien om Adam och Evas fall, den högra skildrar Helvetet och alla fasor som väntar syndare här. Den centrala delen av bilden illustrerar det folkliga ordspråket "Världen är en höstack, var och en tar ur den vad han lyckas greppa." Bosch visar hur människor slåss om en fläck hö, dör under hjulen på en vagn, försöker klättra på den. På toppen av vagnen, som avsäger sig världen, sjunger och kysser älskare. På ena sidan av dem finns en ängel och på den andra djävulen: vem vinner? Läskiga varelser drar vagnen till underjorden. Bakom alla människors handlingar ser Gud förvirrad. En ännu dystrare stämning genomsyras av bilden " Att bära korset”: Kristus bär sitt tunga kors, omgiven av vidriga människor med utbuktande ögon och gapande munnar. För deras skull offrar Herren sig själv, men hans död på korset kommer att lämna dem likgiltiga.
Bosch hade redan dött när en annan berömd holländsk konstnär föddes - Pieter Brueghel den äldre(1525-1569), med smeknamnet Muzhitsky för många målningar som skildrar böndernas liv. Brueghel tog folkliga ordspråk och vanliga människors vardagliga bekymmer som grund för många intriger. Fullständigheten av bilderna av målningarna " bondbröllop"och" bonddans"bär kraften av folkets element. Till och med Brueghels målningar på bibliska scener är bebodda av Nederländerna, och händelserna i det avlägsna Judéen äger rum mot bakgrund av snötäckta gator under hans mörka himmel. hemland (« Johannes Döparens predikan"). Visar till synes oviktigt, mindre, konstnären talar om det viktigaste i människors liv, återskapar andan i sin tid.
En liten duk Jägare i snön” (januari) från serien ”Årstider” anses vara ett av världsmåleriets oöverträffade mästerverk. Trötta jägare med hundar återvänder hem. Tillsammans med dem går betraktaren in i kullen, från vilken ett panorama av en liten stad öppnar sig. Snötäckta flodens stränder, taggiga träd frös i den klara frostiga luften, fåglar flyger, sitter på trädgrenar och hustak, människor är upptagna med sina dagliga aktiviteter. Alla dessa till synes småsaker, tillsammans med himlens blå, svarta träd, vit snö, skapar i bilden ett panorama av världen som konstnären passionerat älskar.
Brueghels mest tragiska målning Liknelsen om de blinda"Skrivet av konstnären strax före hans död. Hon illustrerar evangelieberättelse"Om en blind leder den blinde, kommer de båda att falla i gropen." Kanske är detta en bild av mänskligheten, förblindad av dess begär, på väg mot sin död. Brueghel dömer dock inte, utan förstår lagarna för människors förhållande till varandra, med miljö, som tränger in i den mänskliga naturens väsen, avslöjar för människorna själva deras plats i världen.
Målning i Tyskland under renässansen.
Funktioner av renässansen i konsten i Tyskland visas senare än i Nederländerna. Den tyska humanismens, sekulära vetenskapens och kulturens storhetstid faller på de första årenXVIV. Det var en kort period då tysk kultur gav världen det högsta konstnärliga värdet. Först och främst bör de inkludera verk Albrecht Dürer(1471-1528) - den tyska renässansens viktigaste konstnär.
Durer är en typisk representant för renässansen, han var en målare, en gravör, en matematiker och en ingenjör, han skrev avhandlingar om befästning och konstteori. På självporträtt han framstår som intelligent, ädel, koncentrerad, full av djupa filosofiska reflektioner. I målningarna nöjer sig Dürer inte med formell skönhet, utan försöker ge ett symboliskt uttryck för abstrakta tankar.
En speciell plats i Dürers kreativa arv tillhör Apocalypse-serien, som omfattar 15 stora träsnitt. Dürer illustrerar förutsägelserna från "Johannes teologens uppenbarelse", till exempel arket " fyra ryttare"symboliserar fruktansvärda katastrofer - krig, pest, svält, orättfärdig dom. Föraningarna om förändringar, hårda prövningar och katastrofer, uttryckta i gravyrer, visade sig vara profetiska (reformationen och bönderna och religionskrig som följde på den började snart).
En annan stor konstnär på den tiden var Lucas Cranach den äldre(1472-1553). Eremitaget rymmer hans målningar Madonna och barn under äppelträdet"och" Kvinnligt porträtt". I dem ser vi en kvinnas ansikte, fångat i många av mästarens målningar (det kallas till och med "Cranach"): en liten haka, en smal ögonslits, gyllene hår. Konstnären skriver noggrant ut smycken och kläder, hans målningar är en fröjd för ögat. Bildernas renhet och naivitet får dig återigen att titta in i dessa målningar. Cranach var en underbar porträttmålare, han skapade bilder av många kända samtida - Martin Luther (som var hans vän), hertig Henrik av Sachsen och många andra.
Men den mest kända porträttmålaren från den nordliga renässansen kan utan tvekan erkännas som en annan tysk målare. Hans Holbein den yngre (1497-1543). Under en lång tid han var den engelske kungen Henriks hovmålareVIII. I sitt porträtt förmedlar Holbein perfekt kungens imponerande natur, som inte är bekant med tvivel. Små intelligenta ögon på ett köttigt ansikte förråder en tyrann i honom. Porträtt av Heinrich VIII var så pålitlig att han skrämde folk som kände kungen. Holbein målade porträtt av många kända personer från den tiden, i synnerhet statsmannen och författaren Thomas More, filosofen Erasmus av Rotterdam och många andra.
Utvecklingen av renässanskulturen i Tyskland, Nederländerna och några andra europeiska länder avbröts av reformationen och de religionskrigen som följde den. Efter detta kom tiden för bildandet av nya principer inom konsten, som gick in i nästa steg i dess utveckling.
Sergey Khromov
Även om inte en enda ideal stad förkroppsligades i sten, fann deras idéer liv i riktiga städer renässans...
Fem århundraden skiljer oss från den period då arkitekter först tog upp frågorna om att återuppbygga staden. Och samma frågor är akuta för oss idag: hur skapar man nya städer? Hur bygger man om de gamla - för att passa in separata ensembler i dem eller riva och bygga om allt? Och viktigast av allt - vilken idé att ligga i en ny stad?
Renässansens mästare förkroppsligade de idéer som redan hade klingat i antik kultur och filosofi: humanismens idéer, naturens och människans harmoni. Människor vänder sig åter till Platons dröm om en idealstat och en idealstad. Den nya bilden av staden föds först som en bild, som en formel, som en idé, vilket är ett djärvt anspråk på framtiden - som många andra uppfinningar av italienska Quattrocento.
Byggandet av teorin om staden var nära kopplat till studiet av antikens arv och framför allt hela avhandlingen "Tio böcker om arkitektur" av Mark Vitruvius (andra hälften av 1:a århundradet f.Kr.), en arkitekt och ingenjör i Julius Caesars armé. Denna avhandling upptäcktes 1427 i ett av klostren. Vitruvius auktoritet betonades av Alberti, Palladio, Vasari. Den största kännaren av Vitruvius var Daniele Barbaro, som 1565 publicerade sin avhandling med sina kommentarer. I ett verk tillägnat kejsar Augustus sammanfattade Vitruvius erfarenheterna av arkitektur och stadsplanering i Grekland och Rom. Han övervägde det redan klassiska frågor val av ett gynnsamt område för grundandet av staden, placering av stadens viktigaste torg och gator, typologi av byggnader. Ur en estetisk synvinkel rådde Vitruvius att följa ordination (efter arkitektoniska order), rimlig planering, observera enhetligheten i rytm och ordning, symmetri och proportionalitet, formens överensstämmelse med syftet och fördelningen av resurser. |
I renässansens stadsplanering utvecklas teori och praktik parallellt. Nya byggnader byggs och gamla byggs om, arkitektoniska ensembler bildas och avhandlingar skrivs samtidigt, tillägnad arkitektur, planering och befästning av städer. Bland dem är de berömda verken av Alberti och Palladio, system idealiska städer Filarete, Scamozzi och andra. Författarnas idé ligger långt före behoven av praktisk konstruktion: de beskriver inte färdiga projekt som kan användas för att planera en specifik stad, utan en grafiskt avbildad idé, begreppet en stad. Resonemang om stadens läge ur ekonomi, hygien, försvar, estetik ges. Man söker efter optimala planer för bostadsområden och tätorter, trädgårdar och parker. Frågor om komposition, harmoni, skönhet, proportioner studeras. I dessa idealkonstruktioner präglas planeringen av staden av rationalism, geometrisk klarhet, centrisk sammansättning och harmoni mellan helheten och delarna. Och slutligen, det som skiljer renässansens arkitektur från andra epoker är personen som står i centrum, i hjärtat av alla dessa konstruktioner. Uppmärksamheten på den mänskliga personligheten var så stor att även arkitektoniska strukturer liknades människokropp som en standard för perfekta proportioner och skönhet.
Teori
På 50-talet av XV-talet. Avhandlingen "Tio böcker om arkitektur" av Leon Alberti dyker upp. Det var i huvudsak den nya erans första teoretiska arbete om detta ämne. Den behandlar många frågor om stadsplanering, allt från platsval och stadsplanering till byggnadstypologi och inredning. Av särskilt intresse är hans argument om skönhet. Alberti skrev att "skönhet är en strikt proportionell harmoni av alla delar, förenad av vad de tillhör - så att ingenting kan läggas till, subtraheras eller ändras utan att göra det värre." Faktum är att Alberti var den första som proklamerade de grundläggande principerna för renässansens urbana ensemble, och kopplade ihop det gamla sinnet för proportioner med den rationalistiska början på en ny era. Det givna förhållandet mellan byggnadens höjd och utrymmet framför den (från 1:3 till 1:6), konsistensen av de arkitektoniska skalorna för huvud- och sekundärbyggnaderna, balansen i kompositionen och frånvaron av dissonanta kontraster - det här är renässansens stadsplanerares estetiska principer.
Den idealiska staden gladde många fantastiska människor från tiden. Tänkte på honom och Leonardo da Vinci. Hans idé var att skapa en stad i två våningar: den övre våningen var avsedd för gång- och ytvägar, och den nedre var för tunnlar och kanaler förbundna med huskällare, genom vilka godstransporter rör sig. Känd för sina planer för återuppbyggnaden av Milano och Florens, samt projektet med en spindelstad.
En annan framstående stadsteoretiker var Andrea Palladio. I sin avhandling "Fyra böcker om arkitektur" reflekterar han över den urbana organismens integritet och förhållandet mellan dess rumsliga element. Han säger att "staden är inget annat än en viss stort hus, och vice versa, huset är en slags liten stad. Om den urbana ensemblen skriver han: ”Skönhet är resultatet av vacker form och överensstämmelsen mellan helheten och delarna, delarnas motsvarighet till varandra, och även delarnas motsvarighet till helheten. En framträdande plats i avhandlingen ges till det inre av byggnader, deras dimensioner och proportioner. Palladio försöker organiskt koppla ihop gatornas yttre rymden med det inre av hus och innergårdar.
Nära slutet av 1500-talet. många teoretiker attraherades av frågorna om butiksytor och befästningar. Så, Giorgio Vasari Jr. i sin idealiska stad ägnar mycket uppmärksamhet åt utvecklingen av torg, shoppinggallerior, loggier, palats. Och i Vicenzo Scamozzis och Buanayuto Lorrinis projekt upptar frågor om befästningskonst en betydande plats. Detta var ett svar på tidens ordning - med uppfinningen av explosiva granater, ersattes fästningens murar och torn av jordbastioner, togs ut från stadsgränserna, och staden började likna en flerstrålande stjärna i sina konturer . Dessa idéer förkroppsligades i den faktiskt byggda fästningen Palmanova, vars skapelse tillskrivs Scamozzi.
Öva
Även om inte en enda idealstad förkroppsligades i sten, med undantag för små fästningsstäder, förkroppsligades många av principerna för dess konstruktion i verkligheten redan på 1500-talet. På den tiden, i Italien och andra länder, anlades raka breda gator som förenade viktiga delar av den urbana ensemblen, nya torg skapades, gamla byggdes om och senare uppträdde parker och palatsensembler med en regelbunden struktur.
| Ideal City av Antonio Filarete Staden var en åttakantig stjärna i plan, bildad av skärningspunkten i en vinkel på 45 ° av två lika kvadrater med en sida på 3,5 km. I stjärnans utsprång fanns det åtta runda torn, och i "fickorna" - åtta stadsportar. Portarna och tornen var förbundna med centrum av radiella gator, av vilka några var sjöfartskanaler. I den centrala delen av staden, på en kulle, fanns det huvudsakliga rektangulära torget, på vars kortsidor prinsens palats och stadens katedral skulle ligga, och på långsidorna - rättsliga och stadsinstitutioner. I mitten av torget fanns en damm och ett vakttorn. Två andra gränsar till huvudtorget, med husen till de mest framstående invånarna i staden. Ytterligare sexton torg låg i skärningspunkten mellan radiella gator och ringgatan: åtta shopping och åtta för församlingscentra och kyrkor. |
Trots att renässanskonsten var tillräckligt emot medeltidens konst passade den lätt och organiskt in i medeltida städer. I sin praktiska verksamhet använde renässansarkitekter principen att "bygga en ny utan att förstöra det gamla". De lyckades skapa överraskande harmoniska ensembler inte bara av byggnader i samma stil, som man kan se på torgen i Annuziata i Florens (ritad av Filippo Brunelleschi) och Capitolium i Rom (ritad av Michelangelo), utan också att kombinera byggnader från olika tider till en komposition. Så på torget i St. Mark i Venedig, medeltida byggnader kombineras till en arkitektonisk och rumslig ensemble med nya byggnader från 1500-talet. Och i Florens, från Piazza della Signoria med det medeltida Palazzo Vecchio, följer Uffizigatan, designad av Giorgio Vasari, harmoniskt. Dessutom kombinerar ensemblen av den florentinska katedralen Santa Maria del Fiore (Brunelleschis rekonstruktion) perfekt tre arkitektoniska stilar samtidigt: romansk, gotisk och renässans.
Medeltidens stad och renässansens stad
Renässansens idealstad framstod som en slags protest mot medeltiden, uttryckt i utvecklingen av antika stadsplaneringsprinciper. Till skillnad från den medeltida staden, som uppfattades som en snäll, om än ofullkomlig, likhet med det "himmelska Jerusalem", förkroppsligandet av inte en mänsklig, utan en gudomlig plan, skapades renässansens stad av en mänsklig skapare. Människan kopierade inte bara det som redan fanns, hon skapade något mer perfekt och gjorde det i enlighet med den "gudomliga matematiken". Renässansens stad skapades för människan och måste motsvara den jordiska världsordningen, dess verkliga sociala, politiska och vardagliga struktur.
Den medeltida staden är omgiven av kraftfulla murar, inhägnad från världen, dess hus är mer som fästningar med några kryphål. Renässansens stad är öppen, den försvarar sig inte från omvärlden, den kontrollerar den, underkuver den. Byggnadernas väggar, som avgränsar, förenar utrymmena på gator och torg med gårdar och rum. De är genomsläppliga - de har många öppningar, arkader, pelargångar, uppfarter, fönster.
Om den medeltida staden är placeringen av arkitektoniska volymer, så är renässansens stad i större utsträckning fördelningen av arkitektoniska utrymmen. Centrum av den nya staden är inte byggnaden av katedralen eller rådhuset, utan det fria utrymmet på det stora torget, öppet både uppåt och åt sidan. De går in i byggnaden och går ut på gatan och torget. Och om den medeltida staden kompositionsmässigt dras till sitt centrum - den är centripetal, då är renässansens stad centrifugal - den är riktad mot yttre världen.
| Platons idealiska stad I plan var den centrala delen av staden en växling av vatten och jordringar. Den yttre vattenringen var förbunden med havet med en 50 stadia lång kanal (1 stadia - ca 193 m). Jordringarna som skiljer vattenringarna åt hade underjordiska kanaler nära broarna anpassade för passage av fartyg. Den största vattenringen i omkrets var tre stadier bred, likaså den jord som följde efter den; de följande två ringarna, vatten och jord, var två stadier breda; slutligen var vattenringen som omgav ön i mitten en stadia bred. |
Den medeltida staden följer det naturliga landskapet och använder det för sina egna syften. Renässansens stad är snarare ett konstverk, ett "geometrispel". Arkitekten modifierar terrängen genom att lägga ett geometriskt rutnät av ritade utrymmen på den. En sådan stad har en tydlig form: en cirkel, en fyrkant, en oktagon, en stjärna; även floderna rätas ut i den.
Den medeltida staden är vertikal. Här är allt riktat uppåt, till himlen - avlägset och otillgängligt. Renässansens stad är horisontell, huvudsaken här är perspektiv, strävan i fjärran, mot nya horisonter. För en medeltida person är vägen till himlen en uppstigning, som kan uppnås genom omvändelse och ödmjukhet, försakelse av allt jordiskt. För människorna i renässansen är detta en uppstigning genom att få sin egen erfarenhet och förstå de gudomliga lagarna.
Drömmen om en idealisk stad gav impulser till många arkitekters kreativa sökningar, inte bara från renässansen utan också från senare tider, den ledde och belyste vägen till harmoni och skönhet. Den ideala staden finns alltid inuti den verkliga staden, lika skild från den som tankevärlden från faktavärlden, som fantasins värld från fantasins värld. Och om du vet hur man drömmer så som renässansens mästare gjorde, då kan du se denna stad - Solens stad, guldstaden.
Originalartikeln finns på platsen för tidningen "New Acropolis".
Italiensk arkitektur från den tidiga renässansen (Quattrocento) öppnade ny period i utvecklingen av europeisk arkitektur, överge det dominerande i Europa gotisk konst och genom att godkänna nya principer som byggde på ordersystemet.
Under denna period studerades antik filosofi, konst och litteratur målmedvetet och medvetet. Således var antiken skiktad på medeltidens starka månghundraåriga traditioner, särskilt på kristen konst, på grund av vilka den specifikt komplexa karaktären hos renässansens kultur är baserad på omvandlingen och sammanvävningen av hedniska och kristna ämnen.
Quattrocento är tiden för experimentella sökningar, när inte intuition, som i proto-renässansen, utan exakt vetenskaplig kunskap kom i förgrunden. Nu spelade konst rollen som universell kunskap om omvärlden, om vilken många vetenskapliga avhandlingar från 1400-talet skrevs.
Den första teoretikern inom arkitektur och måleri var Leon Batista Alberti, som utvecklade teorin linjärt perspektiv, baserat på en sann bild i bilden av rymdens djup. Denna teori låg till grund för nya principer för arkitektur och stadsplanering som syftade till att skapa en idealisk stad.
Renässansens mästare började återigen vända sig till Platons dröm om en idealisk stad och en idealstat och förkroppsligade de idéer som redan var de viktigaste i antikens kultur och filosofi - idéerna om harmoni mellan människa och natur, humanismens idéer. Så den nya bilden av den ideala staden var till en början en viss formel, en idé, ett djärvt anspråk på framtiden.
Teorin och praktiken inom renässansens stadsplanering utvecklades parallellt med varandra. Gamla byggnader byggdes om, nya byggdes samtidigt som det skrevs avhandlingar om arkitektur, befästning och ombyggnad av städer. Författarna till avhandlingarna (Alberti och Palladio) var långt före behoven av praktisk konstruktion, och beskrev inte färdiga projekt, utan presenterade ett grafiskt avbildat koncept, idén om en idealisk stad. De förde också resonemang om hur staden skulle ligga vad gäller försvar, ekonomi, estetik och hygien.
Alberti var faktiskt den första att proklamera de grundläggande principerna för renässansens idealiska urbana ensemble, utvecklad genom att syntetisera den gamla känslan för proportioner och den nya erans rationalistiska tillvägagångssätt. Så de estetiska principerna för renässansens stadsplanerare var:
- konsekvens av de arkitektoniska skalorna för huvud- och sekundärbyggnaderna;
- förhållandet mellan byggnadens höjd och utrymmet framför den (från 1:3 till 1:6);
- brist på dissonanta kontraster;
- sammansättning balans.
Den idealiska staden var mycket spännande för många av renässansens stora mästare. Leonardo da Vinci funderade också på det, vars idé var att skapa en stad i två plan, där godstransporter rörde sig längs det nedre planet, och mark- och gångvägar var belägna på det övre planet. Da Vincis planer var också förknippade med återuppbyggnaden av Florens och Milano, samt med utformningen av spindelstaden.
I slutet av 1500-talet var många teoretiker inom stadsplanering förbryllade över frågan om defensiva strukturer och kommersiella områden. Så fästningens torn och murar ersattes av jordbastioner, som togs ut från stadsgränserna, på grund av vilka städerna i sina konturer började likna en flerstrålande stjärna.
Och även om inte en enda ideal stad byggdes i sten (förutom små fästningsstäder), blev många principer för att bygga en sådan stad verklighet redan på 1500-talet, när raka breda gator började läggas i Italien och många andra länder som sammankopplade viktiga delar av den urbana ensemblen.
Problemet med att skapa en idealisk stad, trots dagens relevans, var särskilt akut i den avlägsna eran av renässansen (XIV - XVI århundraden). Detta tema, genom antropocentrismens filosofis prisma, blir det ledande inom stadsplaneringskonsten under denna period. En man med sina behov av lycka, kärlek, lyx, komfort, bekvämlighet, med sina tankar och idéer, blir dåtidens mått, en symbol för den återuppväxande forntida ande, kallad att sjunga om just denna man med stor bokstav. Han flyttar renässansens kreativa tanke till sökandet efter unika, ibland utopiska, arkitektoniska och filosofiska lösningar på problemet med stadens bildande. Den senare börjar spela en ny roll, den uppfattas som ett slutet helt sammankopplat utrymme, inhägnat och annorlunda från naturen, där hela livet för en person passerar.
I detta utrymme bör både fysiska och estetiska behov och önskemål hos en person beaktas fullt ut, sådana aspekter av mänsklig vistelse i staden som komfort och säkerhet bör vara helt genomtänkta. De nya skjutvapnen gjorde de medeltida stenbefästningarna försvarslösa. Detta förutbestämde till exempel utseendet på murar med jordbastioner längs städernas omkrets och bestämde, verkar det som, en bisarr stjärnformad linje av stadsbefästningar. En allmän väckelseidé om den "ideala staden" håller på att bildas - den stad som är mest bekväm och säker att leva på. Med ett ord, sådana trender är inte främmande för den moderna arkitekten, men renässansen markerade då en ny gräns, en ny fläkt av liv i skaparens sinne och etablerade vissa okända. tidigare kriterier, standarder och stereotyper, vars konsekvenser märks i sökandet efter en idealisk stad idag.
De första studierna i denna anda utfördes av Mark Vitruvius (andra hälften av 1:a århundradet f.Kr.), en arkitekt och ingenjör i Julius Caesars armé, - i sin avhandling Tio böcker om arkitektur ställde Vitruvius problemet med den gyllene medelvägen mellan teori och praktik, beskrev de grundläggande begreppen estetik, byggnadens och personens proportionalitet, för första gången i historien undersökte han problemet med musikalisk akustik i lokaler.
Vitruvius själv lämnade inte en bild av den ideala staden, men detta gjordes av många forskare och efterföljare av hans idéer, varifrån, som ofta noteras, själva renässansen började.
Men argumenten om den ideala staden, dess begrepp har sitt ursprung i de antika grekiska filosofernas avhandlingar - så för en sekund är det värt att vända sig till en era något tidigare än vi tänker på - till antiken.
Sfortsinda - typiska hus båge. Filarete (teckning av Leonardo da Vinci)
Den månghundraåriga processen att bygga stadsstater i huvudstaden Antikens Grekland, Aten, sammanfattades i skrifterna av antikens två stora filosofer: Platon (428-348 f.Kr.) och Aristoteles (384-322 f.Kr.).
Således var den idealistiske filosofen Platon, förknippad med sin tids aristokratiska kretsar, en anhängare av ett strikt reglerat statssystem, det var inte för inte som han också ägde historien om det mytomspunna landet Atlantis, styrt av en kung och arkoner. . I tolkningen av Platon var Atlantis den historiska prototypen för den ideala stadsstaten, som han diskuterade i sina verk "Staten" och "Lagar".
För att återvända till renässansen, låt oss säga om Leon Batista Alberti, den första sanna teoretikern för stadsplanering i mänsklighetens historia, som i detalj beskriver "hur man gör en stad", med början från valet av en plats och slutar med dess interna struktur . Alberti skrev att "skönhet är en strikt proportionell harmoni av alla delar förenade av vad de tillhör, så att ingenting kan läggas till, subtraheras eller ändras utan att göra det värre." Faktum är att Alberti var den första som proklamerade de grundläggande principerna för renässansens urbana ensemble, och kopplade ihop det gamla sinnet för proportioner med den rationalistiska början på en ny era. Det givna förhållandet mellan byggnadens höjd och utrymmet framför den (från 1:3 till 1:6), konsistensen av de arkitektoniska skalorna för huvud- och sekundärbyggnaderna, balansen i kompositionen och frånvaron av dissonanta kontraster - det här är renässansens stadsplanerares estetiska principer.
Alberti ritar i sin avhandling "Tio böcker om arkitektur" en idealisk stad, vacker när det gäller rationell planering och utseendet på byggnader, gator, torg. En människas hela livsmiljö är här inrättad på ett sådant sätt att den möter individens, familjens och samhällets behov.
Bernardo Gambarelli (Rosselino), som plockar upp redan befintliga idéer, bidrar till utvecklingen av visionen om en idealisk stad, vilket resulterade i att staden Pienza (1459), som faktiskt existerar till denna dag, innehåller delar av många projekt som har blivit kvar på papper eller kreativt skaparnas avsikter. Denna stad är ett tydligt exempel på omvandlingen av den medeltida bosättningen Corsignano till en idealisk renässansstad med raka gator och en regelbunden layout.
Antonio di Pietro Averlino (Filarete) (ca 1400 - ca 1469) ger i sin avhandling en uppfattning om den ideala staden Sforzinda.
Staden var en åttakantig stjärna i plan, bildad av skärningspunkten i en vinkel på 45 ° av två lika kvadrater med en sida på 3,5 km. I stjärnans avsatser fanns det åtta runda torn, och i "fickorna" - åtta stadsportar. Portarna och tornen var förbundna med centrum av radiella gator, av vilka några var sjöfartskanaler. I den centrala delen av staden, på en kulle, fanns det stora torget, rektangulärt i plan, på vars kortsidor furstens palats och stadens katedral skulle ligga, och på långsidorna - rättsliga och stadsinstitutioner .
I mitten av torget fanns en damm och ett vakttorn. Två andra gränsar till huvudtorget, med husen till de mest framstående invånarna i staden. Ytterligare sexton torg låg i skärningspunkten mellan de radiella gatorna och ringgatan: åtta köptorg och åtta för församlingscentra och kyrkor.
Pienza var inte den enda realiserade staden i Italien som förkroppsligade principerna för den "ideala" planeringen. Italien självt vid den tiden var inte en enad stat, som vi känner det nu, det bestod av många separata oberoende republiker och hertigdömen. I spetsen för varje sådant område stod en adlig familj. Naturligtvis ville varje härskare i sin stat ha en modell av en "ideal" stad, som skulle göra det möjligt för honom att betraktas som en utbildad och progressiv renässansperson. Därför, 1492, beslutade representanten för D Este-dynastin, hertig Ercole I, att återuppbygga en av huvudstäderna i hans hertigdöme - Ferrara.
Omstruktureringen anförtroddes arkitekten Biagio Rossetti. Han kännetecknades av en bredd av åsikter, såväl som en kärlek till innovation, vilket visade sig i nästan alla hans verk. Han studerade grundligt stadens gamla layout och kom fram till en intressant lösning. Om före honom arkitekter antingen rev gamla byggnader eller byggde från grunden, bestämde sig Biagio för att bygga en ny stad ovanpå den gamla. Därmed förkroppsligade han samtidigt konceptet om renässansstaden med dess raka gator och öppna ytor och betonade den medeltida stadens integritet och självförsörjning. Arkitektens främsta innovation var en annorlunda användning av utrymmen. Han lydde inte alla lagar för vanlig stadsplanering, som föreslog öppna torg och breda gator. Istället, eftersom den medeltida delen av staden lämnades intakt, spelar Biagio på motsatser: han varvar huvudvägar med smala gator, ljusa torg med mörka återvändsgränder, stora hertighus med låga hus av vanliga invånare. Dessutom motsäger inte dessa element varandra alls: det omvända perspektivet kombineras med det raka, och de löpande linjerna och växande volymerna motsäger inte varandra.
Den venetianske forskaren och arkitekturforskaren Daniele Barbaro (1514-1570) ägnade större delen av sitt liv åt studiet av Vitruvius avhandling, vilket resulterade i hans bok med titeln "Tio böcker om Vitruvius arkitektur med en kommentar av Daniele Barbaro", skriven 1556. I denna bok återspeglades inställningen till antik arkitektur inte bara av författaren själv, utan också av de flesta arkitekter på 1500-talet. Daniele Barbaro studerade under hela sitt liv avhandlingen grundligt och försökte återskapa schemat för den ideala staden, som skulle återspegla Vetruvius idéer och hans koncept som kompletterar hans vision.
Något tidigare publicerade renässansarkitekten Cesare Cesarino sin kommentar till de tio böckerna om arkitektur 1521 med många illustrationer, inklusive teoretiska diagram över en idealisk stad.
Bland de många sådana teoretiker från XVI-talet. Andrea Palladio (1508-1580) intog en speciell plats. I sin avhandling Four Books on Architecture (italienska: Quattro Libri deHArchitettura), publicerad 1570, pekade Palladio inte ut ett speciellt avsnitt om staden, men hela hans arbete ägnades i huvudsak åt just detta ämne. Han sa att "en stad är inget annat än ett slags stort hus, och vice versa, ett hus är en sorts liten stad."
Genom att sätta ett likhetstecken mellan ett bostadshus och en stad, betonade Palladio därmed integriteten hos den urbana organismen och sammanlänkningen av dess rumsliga element. Han reflekterar över den urbana organismens integritet och förhållandet mellan dess rumsliga element. Om den urbana ensemblen skriver han: "Skönhet är resultatet av en vacker form och helhetens motsvarighet till delar, delar till varandra och även delar till helheten." En framträdande plats i avhandlingen ges till det inre av byggnader, deras dimensioner och proportioner. Palladio försöker organiskt koppla ihop gatornas yttre rymden med det inre av hus och innergårdar.
I slutet av XVI-talet. under belägringen av städer började artillerivapen med explosiva granater användas. Detta tvingade stadsplanerare att ompröva stadens befästningars karaktär. Fästningsmurarna och tornen ersattes av jordbastioner, som, när de fördes fram utanför stadsgränserna, kunde både avvärja fiendens attacker och föra flankerande eld mot fienden som närmade sig staden. Utifrån detta fanns det inget behov av att skydda stadsportarna, som från och med nu har förvandlats från mäktiga försvarscentra till huvudentréerna till staden. Dessa innovationer i form av en mängd stjärnformade bisarra former återspeglas i projekten i de ideala städerna Buonayuto Lorini, Antonio Lupicini, Francesco di George Martini, Girolamo Maggi, Giovanni Bellucci, Fra Giocondo, Francesco de Marchi, Daniel Speckle , Jacques Perret, Albrecht Dürer, Vicenzo Scamozzi, George Vasari Jr. och så vidare.
Och den befästa staden Palmanova kan med rätta betraktas som kulmen på renässansens befästningsarkitektur, vars plan, enligt planen för arkitekten Vicenzo Scamozzi, har formen av en niouddig stjärna, och gatorna strålar från torget som ligger i mitten. Stadens territorium var omgivet av tolv bastioner, och var och en av bastionerna var planerade på ett sådant sätt att de skulle skydda de angränsande, och hade fyra stadsportar, från vilka det fanns två huvudgator som korsade sig i rät vinkel. Vid deras korsning låg det stora torget, som hade utsikt över palatset, katedralen, universitetet och stadens institutioner. Två handelstorg anslöt till stora torget från väster och öster, bytesplatsen låg i norr och torget för handel med hö och ved låg i söder. Stadens territorium korsades av en flod, och närmare dess periferi fanns åtta församlingskyrkor. Stadens layout var regelbunden. Fästningen var omgiven av en vallgrav.
I renässansens ingenjörsmiljö studeras frågor om komposition, harmoni, skönhet och proportioner flitigt. I dessa idealkonstruktioner präglas planeringen av staden av rationalism, geometrisk klarhet, centrisk sammansättning och harmoni mellan helheten och delarna. Och slutligen, det som skiljer renässansens arkitektur från andra epoker är personen som står i centrum, i grunden för alla dessa konstruktioner. Många fler namn och namn på städer kan tjäna som exempel. Överlevde Urbino med dess storslagna hertigpalats, "en stad i form av ett palats", skapad av arkitekten Luciano Laurana för hertig Federico da Montefeltro, Terradel Sole ("Solens stad"), Vigevano i Lombardiet, Valletta (huvudstad i Malta). När det gäller det senare växte denna majestätiska muromgärdade stad på de vattenlösa, branta klipporna på halvön Mount Sciberras, som reser sig mellan de två djupa hamnarna Marsamxett och Grand Harbour. Valletta grundades 1566 och byggdes fullständigt, tillsammans med imponerande bastioner, fort och en katedral, på en häpnadsväckande kort tid - 15 år.
Allmänna idéer, renässansbegrepp flödade långt bortom 1600-talets början och stänkte ut stormig ström, som täcker efterföljande generationer av arkitekter och ingenjörer.
Till och med exemplet med många moderna arkitektoniska projekt visar inflytandet från renässansen, som under flera århundraden inte har förlorat sin idé om mänsklighet och företräde för mänsklig komfort. Enkelhet, bekvämlighet, "tillgänglighet" av staden för invånarna i alla möjliga varierande enheter kan hittas i många verk, och var och en efter dem på sitt eget sätt, arkitekter och forskare, alla som en, klev ändå längs den asfalterade vägen redan asfalterad av renässansens mästare.
Inte alla exempel på "ideala städer" beaktades i artikeln, vars ursprung går tillbaka till oss från djupet av den vackra renässansens era - i vissa ligger tonvikten på bekvämligheten och ergonomin i att vara civil, i andra om maximal effektivitet i defensiva operationer; men i alla exempel ser vi ett outtröttligt sug efter förbättring, för att uppnå resultat, vi ser säkra steg mot en persons bekvämlighet och komfort. Idéer, koncept, i viss mån, renässansens strävanden flödade långt bortom 1600-talets början och stänkte ut i en stormig ström och omfamnade efterföljande generationer av arkitekter och ingenjörsfigurer.
Och exemplet med moderna arkitekter visar tydligt inflytandet från renässansfigurernas begrepp, något modifierade, men som inte förlorar sin idé om mänsklighet och företräde för mänsklig komfort i stadsbyggnadsprojekt. Enkelhet, bekvämlighet, "tillgänglighet" av staden för invånare i alla typer av variabla enheter kan hittas i många andra verk, implementerade och på inget sätt - förblev på papper. Var och en följde sin egen väg, arkitekter och forskare, alla som en, steg ändå längs den asfalterade vägen som redan banats av renässansens mästare, efter det odödligt relevanta och lockande ljuset från idén om återfödelse, återfödelsen av den mänskliga själen , och de viktigaste stegen i denna riktning togs i det avlägsna XIV-talet.
Begreppen om renässansens ideala stad, trots all sin utopi och omöjlighet ur en persons pragmatiska synvinkel, särskilt en modern, upphör inte helt i sin prakt eller åtminstone delvis, element smyger sig periodiskt in i arbetet med romantiska arkitekter, strävar inte så mycket efter perfektion i sitt svåra kreativa hantverk, hur mycket till perfektion i en miljö som är mer komplex och oförutsägbar än pergament och perspektiv - till den mänskliga själens och medvetandets ouppnåeliga perfektion.
Palmanova - katedralen
